Journal articles: 'Cine de animación'

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Fernandi Martínez, Samuel. "AnimaFICX y la animación 2D en el 55FICX Gijón." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 46. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9639.

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Abstract:

El Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón se caracteriza por su cuidada selección de cine independiente, de ahí el sobrenombre de Sundance español. Su programación siempre ha incluido títulos notables de la animación más vanguardista, tanto cortometrajes como largometrajes. Desde su 50ª edición en 2012, cuenta con una sección específica de cine de animación: AnimaFICX. Con motivo de este número de Con A de animación, reseñamos cinco de los títulos presentes en este AnimaFICX que emplean la técnica 2D. ¡Dale al play!

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Gómez Gurpegui, Carlos. "El realismo animado de Sang-ho Yeon." Con A de animación, no. 5 (May 18, 2015): 126. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2015.3548.

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Abstract:

Este artículo se centra en la figura del director de animación surcoreano Sang-ho Yeong. Con solo dos largometrajes en su haber, ha logrado que sean las primeras cintas animadas de Corea del Sur en proyectarse en Cannes o ganar con su segunda cinta en Sitges. Su obra, aún poco conocida en nuestro país, realiza un crudo retrato de la sociedad surcoreana del momento. En el presente artículo revisaremos las bases sobre las que se asienta el cine de Sang-ho Yeong, trazando una correspondencia entre su cine y el cine independiente de animación de su país, y cómo ha sabido aunar el realismo y la animación creando un sólido discurso social, focalizando el estudio en sus dos largometrajes dirigidos hasta la fecha: The King of Pigs (Dwae-ji-ui Wang, 2011) y The Fake (Saibi, 2013).

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Esparza Santa María, Luis Ángel. "Caracterización de la poética del cine de animación infantil." Tesis (Lima) 14, no. 18 (June 29, 2021): 209–26. http://dx.doi.org/10.15381/tesis.v14i18.20706.

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Abstract:

La producción de un guion de animación infantil es un proceso delicado por varios factores: la naturaleza de un guion, que no basta con ser escrito, sino que debe ser producido para cumplir su cometido; los altos costos de la producción audiovisual, que lo obligan a incluir valores comerciales en su poética para garantizar una recuperación de la gran inversión; las demandas de un público altamente segmentado, como lo es el infantil; y las demandas de una sociedad que exige altos valores comerciales de las industrias culturales. En ese sentido, el objetivo central del presente artículo es proponer una caracterización del cine de animación infantil orientado a tres ejes: el comercial (que cumple con los requerimientos del público), el autoral (que respeta la poética del autor) y el híbrido (que balancea ambos intereses). Para lograrlo, se ha establecido un marco teórico orientado a la cultura de masas basado en Mario Vargas Llosa y Umberto Eco. Adicionalmente, se ha consultado a Robert McKee como teórico del guion audiovisual. Con esta base se ha propuesto una caracterización del cine de animación infantil que, luego del análisis y descripción de algunos ejemplos, arroja como resultados mucha variedad en la temática y estilo del cine autoral, lo que hace a este eje muy personal y libre; y evidentes similitudes en el cine comercial, que hacen a este eje uno fácilmente categorizable, y por lo tanto adaptable a una propuesta híbrida de cine animado. Lo conclusión principal es que una categorización como esta es necesaria para crear una propuesta híbrida de cine de animación infantil, necesaria en una industria aún naciente.

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Lorenzo Hernández, María. "Quien mira en su interior, despierta: Morning Cowboy." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 8. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9634.

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Abstract:

Morning Cowboy (2017) es un singular cortometraje de animación, dirigido por Fernando y Elena Pomares, y producido por Travelogue Studio, con la colaboración de Movistar+ y Generalitat de Catalunya. Después de su pase por el muy selectivo 67º Festival de Cine de Berlín en la sección Generation, y en el prestigioso Festival de Lucania, y de haber obtenido significativos galardones, como el premio al Mejor Cortometraje Nacional en 3D Wire (Segovia), Morning Cowboy ha sido uno de los títulos más emblemáticos del cortometraje español de animación en 2017, y seguramente seguirá siendo así en 2018. En sus intensos 15 minutos de duración, que por momentos evocan al cine de John Ford pero también al cine italiano, Morning Cowboy nos lleva al mundo del Western, un género cinematográfico que se asocia con lo romántico y heroico, pero también con la evasión y la fantasía, como la animación misma, que se hermanan metafóricamente en el mundo de los sueños de su protagonista.

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Benavent, Rocio. "Los cambios de rol en los festivales de cine de animación. Crónica desde Animafest-Zagreb." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 82. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9648.

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Abstract:

Los festivales de animación y sus funciones empiezan a ser protagonistas en los análisis y estudios internacionales sobre la animación. Desde 2013, dentro del festival Animafest-Zagreb y como parte complementaria de este, se creó el Scanner Symposium for Contemporary Animation Studies, un lugar de debate e intercambio de ideas sobre animación. La cuarta edición del simposio, en 2017, tuvo como objetivo crear sinergias e interacciones entre los enfoques más teóricos y los prácticos, para generar nuevos discursos y estimular intercambios entre los cineastas-creadores y los estudiosos-académicos del sector de la animación. Se trata de uno de los pocos encuentros de este tipo que se celebran a nivel mundial, y en esta ocasión se trataron temas como las relaciones entre cómics y la animación, la animación en la mente o los nuevos medios, realidad virtual y web. Pero las ponencias más interesantes y que nos motivaron a asistir fueron las que trataron sobre el desarrollo y el cambio de roles de los festivales de animación y su papel tan importante en el apoyo de este apreciado arte.

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De Larrauri Escudero, Julián, and Antonio Sánchez-Escalonilla. "La colaboración entre dibujante y escritor en el guion de animación: una constante creativa en la historia del género." FILMHISTORIA Online 29, no. 1-2 (January 22, 2020): 103–18. http://dx.doi.org/10.1344/fh.2019.1-2.103-118.

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Abstract:

Desde los inicios del cine de animación, la construcción del relato se ha desarrollado tradicionalmente mientras los dibujos cobraban vida, de manera que no es posible distinguir una etapa de desarrollo de guion previa al proceso de construcción visual del filme. Esta peculiaridad ha dado lugar a unos recursos particulares que, en la fase de preproducción, se ponen en juego para el planteamiento de los proyectos. El presente ensayo aborda el proceso de elaboración del relato en el cine de animación, basado en una estrecha colaboración entre dibujante y guionista que se remonta a los orígenes del género.

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Machuca Casares, Blanca. "La escalada de la animación. Desde los escenarios de Karel Zeman al encuentro con Josef Svoboda." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 176. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7305.

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Abstract:

El teatro de marionetas forma parte indisoluble de las tradiciones de la actual República Checa y a partir de él se ha desarrollado la mayor parte del trabajo de directores de animación en stop-motion y también teatral. Karel Zeman se inicia en el cine de animación con la técnica del stop-motion y es también la que desarrollan algunos de los directores de animación contemporáneos y compatriotas suyos como Jiří Trnka y Hermína Týrlová. A su vez, en el campo teatral se desarrollan nuevas técnicas instalativas y de escenificación de la mano de la compañía la Linterna Mágica, y sobre todo del escenógrafo y uno de sus fundadores, Josef Svoboda, que conjugan actores reales con animación. Por su parte, uno de los aspectos más significativos de Karel Zeman es el trabajo de realización en diferentes espacios físicos según sus necesidades, y que nos permitirá analizar técnicas cinematográficas como el “matte-painting” que se parecen a técnicas escenográficas, y las proyecciones y teorías teatrales que son aplicables a su mundo de la animación, como el trabajo actoral y su relación con las marionetas. En este ensayo, con el análisis y la comparación de los trabajos de Zeman y Svoboda, y los diferentes escenarios observaremos que el cine de animación, el teatro y las técnicas teatrales son vasos comunicantes.

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Martínez-Rodrigo, Estrella, and Julia Martínez-Cabeza. "La figura materna en el cine de Pixar." Historia y Comunicación Social 25, no. 1 (May 5, 2020): 35–44. http://dx.doi.org/10.5209/hics.64587.

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Abstract:

La figura materna sido representada en el cine desde su nacimiento. Nuestro objetivo es conocer la importancia del personaje materno dentro del Cine de Animación del s. XXI. Aplicaremos la metodología cualitativa del análisis de contenido a dos de las obras más taquilleras de la historia de la animación: Los Increíbles (2014) y Los Increíbles 2 (2018). Nos centraremos en las distintas dimensiones de la madre representada. También analizaremos su manera de actuar para compararla con el personaje paterno. Respecto a los resultados, hemos comprobado que la representación materna llevada a cabo es de carácter positivo y se ajusta a la figura materna occidental actual. Afirmamos que los largometrajes analizados promueven la puesta en valor de la maternidad entre el público de todas las edades.

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Palacios, Jesús. "La linterna mágica de Jan Švankmajer. Švankmajer y el cine de animación checo." Con A de animación, no. 3 (February 18, 2013): 92. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2013.1427.

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Abstract:

La obra cinematográfica de Jan Švankmajer es unade las más singulares, no solo del cine de animacióncheco, sino internacional. Su pertenencia al GrupoSurrealista de Praga y su praxis del cine como unafaceta más de su creación artística —que incluyegrabado, pintura, ilustración, collages, objetos táctiles,etc.—, le sitúan al margen de las corrientes principalesde la industria del cine. No obstante, resultafundamental para una comprensión completa de sufigura, contextualizarla dentro de la larga tradicióndel cine de animación checo, a la que pertenece tantovoluntaria como involuntariamente, constituyéndoseen uno de sus hitos más significativos.

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Furió Vita, Dolores. "Experiencias de videomapping en la animación contemporánea. Formas híbridas y nuevos contextos." Con A de animación, no. 6 (May 16, 2016): 136. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2016.4801.

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Abstract:

¿Qué caracteriza a la animación expandida? ¿Qué aportan las nuevas técnicas de videomapping a la animación contemporánea? El desplazamiento de la animación de las salas de cine a los museos y galerías evidencia los desbordamientos hacia nuevos soportes y territorios. Se abre un nuevo camino donde confluyen la animación tradicional, la instalación, el vídeo y los medios digitales. Este artículo parte de la experimentación con la imagen en movimiento de los artistas de las primeras vanguardias y los dispositivos precinematográficos, hasta llegar a la era digital y el videomapping. La desmaterialización de la obra, la puesta en escena y las nuevas narrativas hacen necesaria una redefinición de la animación contemporánea con técnicas de videomapping desde un punto de vista interdisciplinar, transdisciplinar y postdisciplinar.

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Viñolo Locuviche, Samuel. "La animación española en 2012." Con A de animación, no. 3 (February 18, 2013): 24. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2013.1418.

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Abstract:

Tras un período de cuatro años de intensa crisiseconómica, en 2012 comienza a resquebrajarse partede la fortaleza que la animación española había mostradohasta el momento, viendo desaparecer con granrapidez algunos de las empresas y eventos insigniadel sector, al mismo tiempo que la eliminación de unabuena parte de las ayudas estatales al cine amenazancon afectar de forma aún más profunda al conjuntode las artes audiovisuales en los años venideros. Porotro lado, y como signo de esperanza, 2012 tambiénresulta un buen año para numerosos largometrajesde animación que obtienen una excelente respuestacomercial e innumerables alabanzas internacionales.El siguiente artículo pretende apuntar de forma muyrápida cuáles han sido las líneas principales que hancaracterizado a la animación española en 2012.

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Tirado Salido, Gonzalo. "El cine de animación en la Guerra Civil Española: una aproximación a la exhibición en las salas de Madrid durante la contienda." RIHC. Revista Internacional de Historia de la Comunicación 1, no. 16 (2021): 378–402. http://dx.doi.org/10.12795/rich.2021.i16.17.

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Abstract:

Este artículo tiene como objetivo revelar la difusión que las producciones de animación, españolas y extranjeras, tuvieron en Madrid durante la Guerra Civil y conocer cuál fue la presencia y diversidad de las películas exhibidas en los cines de la capital. Para la investigación han sido utilizadas técnicas de la metodología cuantitativa aplicada a fuentes primarias de carácter hemerográfico. Asimismo, se ha hecho uso de técnicas de la metodología cualitativa, como la observación de materiales de época y la síntesis documental. Los resultados muestran que el cine de animación formaría parte de la vida cotidiana de la población madrileña durante toda la guerra, resultando una actividad de ocio habitual y una práctica social frecuente en la retaguardia, algo sorprendente en una ciudad que constituía un objetivo militar para los ejércitos enfrentados

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Pedraza, Juan Manuel, and Oscar Andrade. "Historia del cine de animación en Colombia (1926-2008)." Cinémas d’Amérique latine, no. 16 (June 1, 2008): 149–59. http://dx.doi.org/10.4000/cinelatino.2246.

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Pérez-Guerrero, Ana M. "Impromptu o la magia de la imagen cinematográfica celebrada en un musical animado." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 22. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9636.

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Abstract:

Impromptu (María Lorenzo, 2017) es un cortometraje de animación preseleccionado para los Premios Goya 2018. Producción valenciana de Enrique Millán, a pesar de su todavía breve recorrido por festivales, el cortometraje tuvo su estreno español en el prestigioso ALCINE – Festival de Cine de Alcalá de Henares, ha acumulado numerosas selecciones internacionales, y ha obtenido el premio a la mejor animación artística en el 1st Expression Art Movie Festival de Los Ángeles (EEUU). Pero Impromptu es, sobre todo, una carta de amor al origen del cine, dibujada a mano. El trabajo de la animación tradicional, la dificultad que se ha buscado en la ejecución de la obra y los temas abordados hacen de Impromptu un proyecto tan personal como a contracorriente. En la belleza y fuerza de esta breve pero poderosa obra, al ritmo de la música de Chopin, se manifiestan las marcas autorales de María Lorenzo: el empleo del piano como instrumento fetiche de la musicalización de sus producciones, la presencia de las flores, de las olas y los retratos por los que muestra cierta predilección.

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Cossalter, Javier. "EL CINE EXPERIMENTAL DE CORTOMETRAJE EN LA ARGENTINA DE LOS AÑOS SESENTA Y SETENTA: APROPIACIONES Y VINCULACIONES TRANSNACIONALES." Revista Europeia de Estudos Artisticos 5, no. 4 (December 30, 2014): 32–49. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v5i4.82.

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Abstract:

El campo cultural argentino de los años sesenta y setenta evidenció una marcada transformación que incidió en las diversas prácticas artísticas. El cine nacional se caracterizó por una renovación estética, manifestando una reflexión sobre el medio expresivo en el cruce de apropiaciones foráneas y especificidades locales. El propósito de este trabajo consiste en realizar un análisis fílmico del cortometraje experimental argentino del período, tomando como referencia exponentes extranjeros. Para ello, examinaremos en primer lugar las características teóricas del cine experimental y estudiaremos las condiciones culturales e históricas de posibilidad y emergencia de dicha cinematografía en nuestro medio. En última instancia, abordaremos el apartado analítico tomando tres grandes tendencias dentro del cine experimental –el cine de animación experimental; el cine estructural y el cine de vanguardia.

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García Manso, Angélica. "El mago de los sueños (1966), de Francisco Macián: Originalidad y contaminación de Andersen en la animación española." EU-topías. Revista de interculturalidad, comunicación y estudios europeos 20 (December 30, 2020): 47. http://dx.doi.org/10.7203/eutopias.20.19388.

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Abstract:

El filme de animación español El mago de los sueños (1966), dirigido por Francisco Macián, procede del relato Ole Pegaojos, de Hans Christian Andersen. A lo largo de siete historias, en la película se entremezclan otros relatos del escritor danés, la tradición de los cuentos infantiles europeos y de elaboración propia, además de la influencia del cine de animación mundial. El resultado es, al tiempo, original y deudor de la impronta de Andersen. En nuestro estudio se analiza cada uno de los relatos, pequeñas joyas de la animación española protagonizados por cada uno de los monigotes de la televisiva familia Telerín y los procesos de abismación y metanoia presentes en el filme.

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García Manso, Angélica. "El mago de los sueños (1966), de Francisco Macián: Originalidad y contaminación de Andersen en la animación española." EU-topías. Revista de interculturalidad, comunicación y estudios europeos 20 (December 30, 2020): 47. http://dx.doi.org/10.7203/eutopias.20.19388.

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Abstract:

El filme de animación español El mago de los sueños (1966), dirigido por Francisco Macián, procede del relato Ole Pegaojos, de Hans Christian Andersen. A lo largo de siete historias, en la película se entremezclan otros relatos del escritor danés, la tradición de los cuentos infantiles europeos y de elaboración propia, además de la influencia del cine de animación mundial. El resultado es, al tiempo, original y deudor de la impronta de Andersen. En nuestro estudio se analiza cada uno de los relatos, pequeñas joyas de la animación española protagonizados por cada uno de los monigotes de la televisiva familia Telerín y los procesos de abismación y metanoia presentes en el filme.

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Lorenzo Hernández, María. "Editorial." Con A de animación, no. 5 (May 18, 2015): 6. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2015.3903.

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Abstract:

La animación es un medio híbrido, siempre a medio camino de otros mundos: propiamente madre del cine, durante mucho tiempo, y quizá todavía, se ha descuidado su estudio por ser considerada un mero subgénero del lenguaje cinematográfico.

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Fuentes-Luque, Adrián, and Rebeca Cristina López-González. "Cine de animación made in Spain: doblaje y subtitulación de elementos culturales." Íkala 25, no. 2 (February 5, 2020): 495–511. http://dx.doi.org/10.17533/udea.ikala.v25n02a08.

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Abstract:

Si bien los estudios de Traducción se han ocupado de la traducción del cine de animación de acuerdo con los distintos modos de traducción audiovisual (doblaje, subtitulación, etc.), dichos estudios se han centrado casi exclusivamente en las versiones traducidas desde el inglés. Hasta el momento, se ha estudiado poco la traducción al inglés de los elementos culturales contenidos en las películas de animación producidas en español. Este trabajo analiza el doblaje y el subtitulado de tres películas de animación producidas en España: Planet 51 (2009), Las aventuras de Tadeo Jones (2012) y Atrapa la bandera (2015), con el objetivo de conocer qué elementos culturales se han incluido en la versión original en español de cada una de estas producciones y cómo se han traducido en las versiones doblada y subtitulada al inglés. Para ello se desarrolló una metodología de trabajo que partió de la clasificación de los elementos culturales y de diversas estrategias de traducción utilizadas para el doblaje y subtitulado de contenido cultural. Se halló que la mitad de los elementos culturales recopilados exigen la intervención del traductor, y se clasifican en la categoría “medio” y en el subtipo “cinematográfico”. El cine es el elemento cultural de peso en el corpus.

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Encinas Salamanca, Adrián. "Esculpiendo el fotograma. La elaboración de maquettes en el proceso de producción de largometrajes animados." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 90. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7299.

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Abstract:

Desde los inicios de la producción de largometrajes de animación hasta la actualidad, la escultura ha tenido un papel capital a la hora de abordar el diseño de los personajes en tres dimensiones, dado que las esculturas de pequeñas escala, que internacionalmente se denominan maquettes, ofrecen una ayuda inestimable para valorar su potencial visual desde todos los ángulos. Este trabajo se ha ido perfeccionado a lo largo del tiempo hasta convertirse en un rol indispensable dentro de cualquiera de los grandes estudios del cine animado. Las siguientes páginas, redactadas por el incansable cronista de la animación stop-motion, Adrián Encinas, darán cuenta de uno de los pasos creativos más espectaculares en el proceso de producir los grandes largometrajes de animación de todos los tiempos.

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Huijbregts Jaén, Lydia. "Las microexpresiones emocionales y de historia." Con A de animación, no. 9 (March 14, 2019): 94. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11335.

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Abstract:

Las expresiones en animación son la base de todo personaje, han evolucionado con el paso del tiempo para convertirse en un recurso narrativo más potente a través de las microexpresiones. Principalmente, en el cine de animación, son utilizadas para mostrar un énfasis puntual de un sentimiento del personaje en un instante concreto; mientras que en los videojuegos la implicación y el mayor tiempo invertido del espectador y jugador, han hecho que sea cada vez más utilizado para contar subtramas de la historia principal mostrada en pantalla, dándole mayor veracidad.

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McGowan, Nadia. "Breves encuentros: el cortometraje como esencia del cine [Reseña]." Revista Mediterránea de Comunicación 12, no. 1 (January 11, 2021): 325. http://dx.doi.org/10.14198/medcom000011.

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Abstract:

Nuevos márgenes del cortometraje es una investigación multidisciplinar y con enfoques diversos sobre la situación del cortometraje en el panorama audiovisual mundial. Los tres autores abordan desde tres líneas distintas de la industria cinematográfica la creación en el formato breve. Sus conclusiones indican que es un estímulo para la animación, el documental y nuevas formas de publicidad como el branded content.

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Cantillo Valero, Carmen. "Del cuento al cine de animación: semiología de una narrativa digital." Revista de Comunicación de la SEECI, no. 38 (November 15, 2015): 115. http://dx.doi.org/10.15198/seeci.2015.38.115-140.

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Wazarus, Iris. "Morfología de la no-narrativa en la animación." Con A de animación, no. 9 (March 14, 2019): 144. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11340.

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Abstract:

La morfología es el estudio de la forma, que permite ubicar, conocer y clasificar nuestro entorno. El objetivo de este texto es explorar la morfología narrativa para poder determinar cómo es la estructura no-narrativa, basada principalmente en Understanding Animation de Paul Wells (2007 [1998]), El Arte Cinematográfico, una Introducción de Bordwell y Thompson (1995 [1979]), y Movement as Meaning in Experimental Cinema de Daniel Barnett (2017 [2008]). Además, se proponen seis diferentes configuraciones que pueden tener las animaciones que no cuentan ninguna historia, partiendo de discursos cinematográficos que desafiaron los cánones narrativos como el Cine-Ojo de Vertov, la música visual, los estructuralistas y el montaje a distancia de Peleshyan.

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Blancas Álvarez, Sara. "Animando los títulos cinematográficos: de los pioneros a Saul Bass." Con A de animación, no. 6 (May 16, 2016): 118. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2016.4800.

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Abstract:

La irrupción de Saul Bass en el diseño de secuencias de títulos de crédito en 1954 (Carmen Jones, Otto Preminger), y su dedicación a este ámbito hasta 1995 (Casino, Martín Scorsese), supuso una experimentación y renovación continua de la gráfica en movimiento. Durante este periodo Bass realizó el diseño de los títulos de crédito para cincuenta y tres películas, lo que le permitió explorar las diversas posibilidades expresivas que el medio fílmico le ofrecía: imagen de acción real y animación, imagen abstracta y figurativa, texto fijo y en movimiento. En cualquier caso sus propuestas siempre seguían su concepto de “idea simple”. El presente estudio realiza en primer lugar un recorrido desde los orígenes del cine, buscando la presencia de la animación en los títulos de crédito, y posteriormente se centra en las aportaciones realizadas por Saul Bass a través del uso de la animación.

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Gil Soriano, Marta, and Julia Cruz Barceló. "El pasillo. Emprendimiento animado desde la universidad." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 74. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9647.

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Abstract:

Dentro de los espacios de emprendimiento de la Facultad de Bellas Artes de Valencia se ha creado un pequeño ecosistema de animación conocido como El Pasillo, cuya filosofía de trabajo se basa en sinergias para poder realizar proyectos. Un punto clave de esta filosofía es la asesoría interna que se presta en todas aquellas ramas de conocimiento que se posee, tanto a miembros de este grupo como a aquellos estudiantes que quieren iniciar su propuesta. Para dar a conocer los espacios se promueven propuestas internas de alguno de los equipos, con el apoyo de la facultad. Muestras más recientes de ello son las relacionadas con el último festival Prime the Animation! 5 donde los proyectos de los despachos participaron en la zona de “stands” de la Sala Azul, así como en la realización de la exposición FrameUp. Cine breve de animación en Las Naves, con la colaboración de la Facultad, el Máster de Animación UPV y el Ayuntamiento de Valencia.

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Gordeeff, Eliane. "Adagio. La materialidad como elemento narrativo y simbólico." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 162. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7304.

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Abstract:

Este artículo tiene como propósito analizar cómo algunos aspectos de la materialidad de la técnica de animación stop-motion puede complementar y ayudar a su narrativa. El estudio se realizó a partir del cortometraje Adagio (Garri Bardin, 2000), de acuerdo con los conceptos de la semiótica, del cine, de la narrativa y en base a una entrevista con el director. Por lo tanto, ha sido posible comprobar cómo la expresividad puede ser presentada por medio de la utilización física, representativa y simbólica del material utilizado en la preparación de las imágenes. En consecuencia, el presente ensayo expande la comprensión de la riqueza estética de animación como un arte, una técnica y un medio de mensaje.

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Palacios, Jesus. "Cine y Ocultismo: Apuntes para una visión mágica del cinematógrafo." Lumina 11, no. 2 (August 30, 2017): 162–92. http://dx.doi.org/10.34019/1981-4070.2017.v11.21440.

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Abstract:

Este artículo propone una relectura de la historia del cine, que resinifica su relación original y constante con el Ocultismo. Además de la obvia presencia de temáticas esotéricas y paranormales en los argumentos cinematográficos, ese artículo pretende dilucidar una serie de correspondencias profundas entre el arte y la técnica cinematográficos y las áreas del conocimiento de las que se ocupa el Ocultismo. En este sentido, desvela que no sólo el cine fantástico y de terror aprovecha el acervo esotérico, sino que este nutre también terrenos bien diferentes como el documental, el ensayo visual, el cine experimental e incluso comedias o filmes de animación, rebasando a menudo la mera inclusión de tópicos ocultistas para convertirse en una simbiosis formal, estética e incluso ética, en la que el cine, medio y fin, instrumento y vehículo, adquiere para sí las funciones y el prestigio de una vía mágica de conocimiento.

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López González, Rebeca Cristina. "Érase una vez… un discurso al revés. Cine de animación y discurso de género=Happily N’ever After… A reverse speech. Animation film and gender speech." Cuestiones de género: de la igualdad y la diferencia, no. 16 (June 29, 2021): 379. http://dx.doi.org/10.18002/cg.v0i16.6926.

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Abstract:

ResumenDebido a su atractivo para las masas, el cine se ha considerado como una herramienta muy útil para difundir el discurso dominante. Algo semejante sucede con el cine de animación cuyo valor como agente aculturador de las masas de todas las edades no debe desdeñarse ni subestimarse. A su vez, los cuentos de hadas se han amoldado a cada sociedad para diseñar la naturaleza interna e instruir al lector/a infantil y juvenil. Este trabajo analiza los diálogos en español incluidos en la película de animación Érase una vez… un cuento al revés (2006) con el propósito de aplicar el modelo propuesto por Travalia (2020) que permitirá determinar cuál es la naturaleza del lenguaje verbal cinematográfico desde la perspectiva del empoderamiento femenino.Palabras clave: cine de animación; aculturación; socialización de la infancia y juventud; empoderamiento; lingüística feminista; discurso de género.AbstractCinema has been considered a very useful tool for spreading prevailing views and dominant discourse due to its mass appeal. Something similar happens with animation cinema, whose value as an acculturating agent of the masses of all ages should not be despised or underestimated. Fairy tales, in turn, have been molded in each society to design the inner nature and instruct the child and youth reader. This paper analyses the dialogues in Spanish included in the animated film Happily N’Ever After (2006) applying the model proposed by Travalia (2020) with the aim of determining the nature of the verbal language used from the perspective of feminist empowerment.

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Augustowsky, Gabriela. "Entre los hermanos Lumiére y TikTok. Apuntes didácticos para una educación audiovisual en la infancia." Communiars. Revista de Imagen, Artes y Educación Crítica y Social, no. 5 (2021): 57–70. http://dx.doi.org/10.12795/communiars.2021.i05.04.

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Abstract:

En un contexto social con alta disponibilidad y accesibilidad tecnológica, este artículo convoca a discutir acerca de los propósitos, contenidos, estrategias y sentidos de una educación audiovisual contemporánea para niñas y niños. Para esto, se presentan tres perspectivas teóricas: el cine como arte, encuentros con la alteridad y la experiencia creadora; el cine como lenguaje y la alfabetización en medios audiovisuales; la creación audiovisual para la democratización de saberes, la inclusión social y la ampliación de derechos. Frente a las estrategias de corte analítico, defensivas o centradas en aspectos tecnológicos, se propone vincular el universo audiovisual con la creación artística y con la rica tradición cultural del cine y su historia. Así se abordan: las experimentaciones lúdicas con el movimiento y la luz; los dispositivos de creación audiovisual (El Minuto Lumiére) y el cine de animación cuadro a cuadro. Finalmente, se trata la educación audiovisual como un campo en construcción y sus posibilidades para una labor docente transformadora.

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Monleón Oliva, Vicente. "Diferencias y similitudes entre películas de princesas Disney y sus orígenes literarios." Revista Internacional de Comunicación y Desarrollo (RICD) 3, no. 13 (December 28, 2020): 60–71. http://dx.doi.org/10.15304/ricd.3.13.7071.

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Abstract:

La productora Disney toma como referencias los cuentos clásicos de los hermanos Grimm y de Charles Perrault, reinventando sus historias y adaptándolas a sus pretensiones como compañía de cine moralizadora que pretende americanizar a la población mundial consumidora de sus productos. Por ello, se analiza de un modo cualitativo a través de un estudio comparativo las similitudes y diferencias de Blancanieves, Cenicienta y Aurora con respecto a la película de animación y el libro en el cual está basada; partiendo de un posicionamiento feminista. Concretamente, la atención se centra en las variables de estudio sobre la belleza occidental, la imposición de la estructura familiar nuclear, los principios del amor romántico, la estructura social de clases de corte estamental y la imposición del dogma cristiano. Consecuentemente, se manifiesta el mensaje originario y de qué manera se modifica a través de una productora de animación.

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Monleón Oliva, Vicente. "Diferencias y similitudes entre películas de princesas Disney y sus orígenes literarios." Revista Internacional de Comunicación y Desarrollo (RICD) 3, no. 13 (December 28, 2020): 60–71. http://dx.doi.org/10.15304/ricd.3.13.7071.

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Abstract:

La productora Disney toma como referencias los cuentos clásicos de los hermanos Grimm y de Charles Perrault, reinventando sus historias y adaptándolas a sus pretensiones como compañía de cine moralizadora que pretende americanizar a la población mundial consumidora de sus productos. Por ello, se analiza de un modo cualitativo a través de un estudio comparativo las similitudes y diferencias de Blancanieves, Cenicienta y Aurora con respecto a la película de animación y el libro en el cual está basada; partiendo de un posicionamiento feminista. Concretamente, la atención se centra en las variables de estudio sobre la belleza occidental, la imposición de la estructura familiar nuclear, los principios del amor romántico, la estructura social de clases de corte estamental y la imposición del dogma cristiano. Consecuentemente, se manifiesta el mensaje originario y de qué manera se modifica a través de una productora de animación.

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Abril, Ruth. "Cuestiones de género y ciudadanía en el cine y en la animación infantil." Confluencia: Revista Hispánica de Cultura y Literatura 36, no. 1 (2020): 189–91. http://dx.doi.org/10.1353/cnf.2020.0049.

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Fuentefría Rodríguez, David. "Tradición legendaria durante el auge del cine gallego de animación: tres aproximaciones narrativas." Latente Revista de Historia y Estética audiovisual 17 (2019): 43–58. http://dx.doi.org/10.25145/j.latente.2019.17.02.

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Abril, Ruth. "Cuestiones de género y ciudadanía en el cine y en la animación infantil." Confluencia: Revista Hispánica de Cultura y Literatura 36, no. 1 (2020): 189–91. http://dx.doi.org/10.1353/cnf.2020.0049.

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Encinas Salamanca, Adrián. "O Apostolo, de Fernando Cortizo." Con A de animación, no. 3 (February 18, 2013): 18. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2013.1417.

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Abstract:

Hasta el pasado 2012, solo Pablo Llorens habíasido capaz de realizar un largometraje “stop-motion”en España, pero Fernando Cortizo y su compañíaArtefacto Productions han llegado para demostrarque se podía repetir semejante hito. Con mucha ilusióny poca fuerza comercial, llega esta estupendahistoria de misterio que hará las delicias de amantesde la animación y del cine fantástico, donde no se haescatimado en calidad visual, pues su resultado mira alos ojos a producciones como Los mundos de Coralineo Fantastic Mr. Fox.

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Conde Aldana, Juan Alberto, and Juan Manuel Cristancho Hernández. "Teatro cinema: espacio animado, narración gráfica y puesta en escena de la obra historia de amor." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 126. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7302.

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Abstract:

La utilización de proyecciones de cine y video en la puesta en escena dramática es ya un recurso común en el teatro contemporáneo, y la animación también forma parte de las posibilidades que ofrecen los lenguajes audiovisuales a la representación dramática. En este contexto, la compañía chilena Teatro Cinema ha sido pionera en la transformación del espacio dramático a partir de las nuevas tecnologías, ofreciendo composiciones espaciales híbridas que acercan el lenguaje teatral y el cinematográfico de formas inéditas. En este artículo proponemos un comentario de Historia de Amor, la obra de esta compañía que, además de lograr esta hibridación de la manera más eficaz, introduce también las estrategias expresivas del cómic, ofreciendo una especie de novela gráfica animada con actores en vivo, que expande la experiencia teatral, pero también inaugura para la animación un nuevo espacio de contacto con su público, en el ámbito de las artes vivas.

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Gordeeff, Eliane. "El sueño de Frida: la animación como elemento de diferenciación visual y narrativa." Con A de animación, no. 9 (March 14, 2019): 190. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2019.11343.

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Abstract:

Este artículo tiene el propósito de analizar cómo una animación en stop-motion puede ser utilizada para representar escenas específicas de una narrativa en acción real: las de los sueños, los recuerdos, los pensamientos y las alucinaciones del protagonista, o sea, su imaginarium diegético. También se observa sobre las apropiaciones de otros medios visuales para las representaciones de ambientes y emociones. Los análisis se centraron en la secuencia animada del sueño del personaje de Frida Kahlo, y sobre la escena en la que ella se corta el pelo, del largometraje de Julie Taymor Frida (2002). De acuerdo con los conceptos narrativos, del cine, de la retórica de la imagen y de la similitud de la animación de marionetas con el teatro, además de los asuntos culturales, se reflexionará sobre la imagen animada y su representación como parte integrante de un conjunto con la imagen filmada.

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Marin, Ricardo, Rocío Lara, and Javier Valseca. "Vídeo espontáneo infantil en contextos familiares y cine de animación en contextos escolares. Dos investigaciones preliminares en Granada y Tegucigalpa." eari. educación artística. revista de investigación, no. 10 (December 19, 2019): 272. http://dx.doi.org/10.7203/eari.10.14513.

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Abstract:

Resumen: Presentamos dos indagaciones preliminares sobre cine y Educación Artística. Primera, un estudio de caso de un niño sobre video espontáneo infantil (VEI) en un contexto familiar en Granada (España), que responde a la pregunta ¿qué vídeos produce la infancia de forma espontánea? Como conclusión inicial a partir de esta observación longitudinal no-participante sugerimos cinco fases: (a) exploración autónoma del aparato de grabación; (b) se actúa delante de la cámara fija; (c) la cámara sigue a la acción, se graba al mismo tiempo que se hace cualquier cosa; (d) imitación directa de sus ‘youtuberos’ preferidos; y (e) adopción de los usos videográficos adultos predominantes. La segunda es una ‘Investigación-Acción Participativa’ sobre la enseñanza del cine, que responde a la pregunta ¿cómo enseñar a ver y a hacer cine en la escuela? El contexto es un proyecto de cooperación educativa en Educación Artística que desarrollamos en tres escuelas de la ONG ‘Asociación Colaboración y Esfuerzo (ACOES) en Tegucigalpa. Las cuatro acciones son: ver películas completas, formación de técnicos proyeccionistas entre el propio alumnado de secundaria, creación de cine de animación a partir de N. MacLaren, en pequeños grupos, y formación del profesorado a partir de obras clásicas del cine español y hondureño. La principal conclusión es que ver y hacer vídeos forma parte del proceso de aculturación en las sociedades contemporáneas por lo que es necesario conocer mejor cuáles son los tipos y modos espontáneos de percepción y creación videográfica en edades escolares para poder mejorar los objetivos de aprendizaje del cine en la escuela. Palabras Clave: vídeo espontáneo infantil, cine de animación escolar, educación artística, cine hondureño y español. Abstract: We present two preliminary inquiries on cinema and Art Education. First, a case study of a child on ‘children's spontaneous video’ (VEI) in a family context in Granada (Spain), which answers the question: What videos does childhood produce spontaneously? As an initial conclusion from this non-participating longitudinal observation five phases can be indicated: (a) autonomous exploration of the recording apparatus; (b) acting in front of the fixed camera; (c) the camera follows the action, recording at the same time as doing anything; (d) direct imitation of its preferred 'youtubers'; and (e) imitation of predominant adult video narratives. The second is a 'Participatory Action Research' on the teaching of cinema, in school. The context is a project of educational cooperation in Art Education that we have been developing in three schools of the NGO ‘Association Collaboration and Effort’ (ACOES) in Tegucigalpa. The four actions are: watching complete films, training of projection technicians among the secondary school students, making animated films in small groups inspired in N. MacLaren, and teacher training on classic works of Spanish and Honduran cinema. The main conclusion is that watching and making videos is part of the process of acculturation in contemporary societies, so it is necessary to know the spontaneous modes of perception and video creation at school ages in order to improve the learning objectives of screen education. Keywords: spontaneous children's video, making animated video in school, art education, Spanish and Honduran cinema. DOI: http://dx.doi.org/10.7203/eari.10.14513 http://dx.doi.org/10.7203/eari.10.14513

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Mérida Serrano, Rosario, and Tarxilias Heras Peinado. "Análisis de Género del Cine de Animación Infantil como Recurso para una Escuela Coeducativa." Pixel-Bit, Revista de Medios y Educación, no. 62 (2021): 183–208. http://dx.doi.org/10.12795/pixelbit.86062.

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Abstract:

Esta investigación analiza la figura femenina y masculina en 11 películas de animación de las factorías Disney, Pixar y DreamWorks. Se busca aportar información sobre la existencia de roles sexistas y discriminatorios en películas que pueden ser utilizadas como recurso didáctico y comprobar si son un modo de transmisión de contravalores que comprometan la socialización en igualdad de género de la infancia. La investigación se ha llevado a cabo utilizando un enfoque cualitativo de análisis de contenido, a través de un registro analítico elaborado ‘ad hoc’, para conocer en qué porcentaje está representada la figura femenina, su relación con otros personajes y las tramas argumentales asociadas a cada protagonista en función de su género. Los resultados revelan que existe un desequilibrio en la representación femenina y masculina y que se identifican comportamientos sexistas que perpetúan la tradicional imagen social de mujeres y hombres. Se muestran dos nuevos estereotipos: la rebeldía de género y el alarde de excepcionalidad. Se concluye que estas películas no son un recurso óptimo para potenciar los valores de igualdad propios de una escuela coeducativa, a menos que los docentes junto al alumnado, realicen un análisis crítico con perspectiva de género durante su proyección en el aula.

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Álvarez San Román, Mercedes. "Women in the animation industry in Spain: the oeuvre of female filmmakers of feature films." Con A de animación, no. 11 (September 10, 2020): 44. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2020.13979.

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Abstract:

En la industria del cine español, únicamente tres mujeres han dirigido largometrajes de animación. Su obra, condensada en las últimas tres décadas, representa un siete por ciento de la producción total de los más de cien años de historia del medio. En este trabajo analizamos el trabajo de Maite Ruiz de Austri —pionera en el sector—, Virginia Curiá y Agurtzane Intxaurraga con el objetivo de identificar los elementos de confluencia en el total de ocho películas largas que forman parte del corpus. En primer lugar, se ha observado una tendencia a dirigirse a una audiencia infantil, con una clara vertiente educativa. Asimismo, se ha podido constatar cómo emergen rasgos comunes en torno a temáticas como la maternidad, la vida profesional, la corresponsabilidad o la condición de la mujer. Este artículo está encaminado a visibilizar el trabajo de las directoras españolas de largometraje y a explorar la influencia del género sobre el contenido.

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Lorenzo Hernández, María. "César Díaz Meléndez: commissioned animator de día, animador independiente de noche." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 60. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7295.

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Abstract:

César Díaz Meléndez (Madrid, 1975) es uno de los animadores españoles más multidisciplinares y valorados a nivel internacional. Animador desde 1994, y después de haber colaborado en decenas de producciones de dibujos animados para televisión y cine —incluyendo Las tres mellizas (Robert Balser, Baltasar Roca, 1995) y El Cid: la leyenda (José Pozo, 2003)—, comenzó a compaginar sus cortometrajes personales —como Documentales animados (2002), No corras tanto (2008) o el más reciente y celebérrimo Zepo (2014), con exquisita animación sobre arena— con su participación en trabajos de stop-motion, como el corto ganador de un Goya El viaje de Said (Coke Rioboo, 2007), el largometraje O Apóstolo (Fernando Cortizo, 2012) y toda una miríada de películas de proyección mundial, como Frankenweenie (Tim Burton, 2012), ParaNorman (Chris Butler, Sam Fell, 2012), Anomalisa (Duke Johnson, Charlie Kaufmann, 2015) y La vida de calabacín (Ma vie de Courgette, Claude Barras, 2016). En la actualidad está trabajando en Londres, en el rodaje del nuevo y misterioso filme de animación de Wes Anderson: Island of Dogs, prevista para 2018.

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Sansone, Vincenzo. "Nuevas formas de llevar una ópera al teatro. Un caso de estudio. La flauta mágica de la compañía 1927 y de Kosky: animación 2d, nuevas tecnologías digitales y estilo vintage." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 108. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7301.

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Abstract:

La ópera, un género que a menudo se asocia al pasado, está más viva que nunca. Gracias a la aportación de directores y experimentadores provenientes del teatro, la ópera se ha convertido en uno de los campos por excelencia para la experimentación contemporánea, sobre todo en relación con el uso de nuevas tecnologías. Una verdadera paradoja. Un ejemplo es la puesta en escena de La flauta mágica de Mozart de la Komische Oper de Berlín, concebida y realizada por la compañía británica 1927 y por el director australiano Barrie Kosky en 2012. Es una representación atípica y extraña que utiliza las nuevas tecnologías del “video project mapping” y, al mismo tiempo, las técnicas de animación 2D —dibujos hechos a mano— con la intención de fusionar estéticas del pasado, sobre todo la del cine mudo y la de los orígenes de la animación, con la contemporaneidad. La intención de este trabajo es analizar la puesta en escena de esta obra en relación con los problemas actuales de la representación de óperas de repertorio.

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Carpizo de Diego, Silvia. "Todo se conecta, lo real es irreal y lo irreal real: Contact." Con A de animación, no. 8 (March 1, 2018): 14. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2018.9635.

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Abstract:

Este artículo es una reflexión cinematográfica de los conceptos que se encuentran en el cortometraje Contact (2017), del realizador italiano Alessandro Novelli, residente en Barcelona, cortometraje de gran profundidad simbólica, basado en la percepción original del mismo autor, del mundo que lo rodea. No es un cortometraje narrativo, sino una unión entrelazada de ideas en una obra audiovisual de estética artísticamente poética y con fuertes principios de concienciación para los espectadores. En esta ocasión, la realizadora Silvia Carpizo nos ha ofrecido su visión de este cortometraje como espectadora, como realizadora de cine de animación, y con la franca visión colaborativa de Novelli.

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Hachero Hernández, Bruno. "Deformar a la Gorgona: la imagen animada como estrategia para documentar el horror." Con A de animación, no. 5 (May 18, 2015): 114. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2015.3542.

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Abstract:

¿Qué nuevas relaciones con lo real propone el documental animado? ¿Qué nuevas configuraciones de lo visible y lo pensable plantea? Estudiar las características del documental animado a la luz del límite representativo que supone el horror es una oportunidad para reflexionar sobre la propia ontología de la imagen animada en su relación con lo real. Este artículo parte de Vals con Bashir para analizar cómo la animación se erige como imagen intermediaria frente a la no-imagen del horror. La imagen animada, al igual que el escudo de Perseo, permite abordar la realidad desde una determinada desfiguración, una distancia que plantea nuevas miradas y nuevos interrogantes para el cine.

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Poggi, Sofia. "Dante Quinterno en apuros. Cómo el tehuelche Patoruzú siguió al marinero Popeye en su salto del cómic a la pantalla." Con A de animación, no. 11 (September 10, 2020): 112. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2020.13982.

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Abstract:

Este artículo estudia la historia y características del traspaso mediático del personaje Patoruzú de las historietas al cine de animación, en Argentina, en comparación con un caso similar: Popeye en los Estados Unidos. Si bien Popeye tuvo un éxito muy grande que afectó a varias generaciones de espectadores, Patoruzú solo pudo materializarse, en su momento, en un único cortometraje, titulado Upa en apuros. Se reflexiona sobre el contexto histórico que llevó a la producción del corto, los motivos de su fracaso comercial y las cuestiones estéticas inherentes al cambio de formato. Además, se analiza en contexto el tema y los motivos que se presentan en el corto.

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Saneleuterio, Elia, and Rocío López-García-Torres. "Cuestiones de género y ciudadanía en el discurso fílmico." Comunicación y Género 2, no. 2 (November 20, 2019): 147–59. http://dx.doi.org/10.5209/cgen.66507.

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Abstract:

El cine y la ficción seriada, incluida la animación, son transmisores de modelos, de actitudes, de valores y normas de conducta que son replicados, consciente e inconscientemente, por la ciudadanía, al mismo tiempo que la reflejan. Esta doble vertiente de causa y consecuencia de los patrones sociales existentes explica el interés de la comunidad científica por determinar en qué medida mantienen los prejuicios y en qué medida laboran en su superación. Por ello se abordan en este volumen obras fílmicas, en su mayoría protagonizadas por mujeres, con metodologías de análisis que beben del feminismo, que trascienden la mirada masculina y que encaran la problemática de la agencia de los personajes de ficción.

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Gironés Sarrió, Gonzalo, Marta Tortajada Santiago, Isabel Pérez Górriz, and Rubén Ballesteros Alcolea. "Las aventuras de Mortimer y su proceso creativo." EME Experimental Illustration, Art & Design 3, no. 3 (April 30, 2015): 120. http://dx.doi.org/10.4995/eme.2015.3747.

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Abstract:

Acometer un nuevo proyecto y hacerlo con un equipo multidisciplinar siempre supone una experiencia enriquecedora, pero si además puede tener un objetivo didáctico para el público al que se dirige, entonces el resultado será doblemente interesante. “Les aventures de Mortimer i la història del cinema d’animació” (así se denominó el proyecto) ha sido desarrollado para Espai Rambleta de Valencia para acercar de una forma didáctica y divertida la historia del cine de animación al público en general. El proyecto nace —además— de un encargo realizado en la asignatura de Ilustración Didáctica, impartida por David Heras, en el Máster en Diseño e Ilustración de la Universitat Politècnica de València. Es accesible desde la URL http://larambleta.com/mortimer.

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Acebo, Elisa Martínez, and Manuel Cristóbal Rodríguez Martínez. "La traducción de canciones en películas: análisis contrastivo de géneros cinematográficos." Estudios de Traducción 11 (June 4, 2021): 137–45. http://dx.doi.org/10.5209/estr.69389.

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Abstract:

Desde los inicios del cine, el contenido musical ha desempeñado un papel fundamental. La música y las canciones son una parte esencial de los productos cinematográficos, especialmente en determinados géneros. El presente artículo realiza un análisis contrastivo de un corpus de doce películas del género de animación infantil y no infantil, musical, comedia romántica y suspense en torno a la modalidad y las estrategias de traducción empleadas según los elementos que priman en cada canción, tales como la rima, la fidelidad o el significado. Los resultados muestran una tendencia al doblaje de canciones en películas destinadas a público infantil, subtitulado de canciones en películas destinadas a público no infantil y no traducción de canciones de la banda sonora no originales.

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Alcón Tancara, Sofía. "El consumo de películas Disney desde una mirada animalista." Estudios Artísticos 7, no. 11 (July 2, 2021): 57–72. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.17555.

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Abstract:

La cultura visual del cine de animación Disney se presenta como un contenido multimedia de gran alcance que perdura en el tiempo. Por ello, hay un interés creciente de estudiar los mensajes que dichos filmes difunden en la actualidad, atendiendo al pensamiento y posicionamiento social del s. XX. Concretamente se emplea una mirada animalista y defensora de la liberación animal, realizando una crítica a dichos largometrajes y reinterpretándolos para ser utilizados como recurso pedagógico en las aulas de educación para los primeros años. Para ello, resulta significativo rescatar el trabajo artístico de Baptiste Drausin, quien –entre una variedad de especialistas– recurre a animales de las películas Disney para compartir la repercusión que les supone la acción humana sobre el medio en el que habitan.

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