Dissertations / Theses: 'Cinéma – 1960-1990 – Thèmes, motifs'

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Drame, Claudine. "Les représentations de la shoah au cinéma en France 1945-1985." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0026.

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Marsh, Patrick. "Le cinema irlandais contemporain : a la recherche d'une identite." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030128.

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Abstract:

Le cinema irlandais renait a partir de la fin des annees 70 avec la mise en place du irish film board. Ce nouveau cinema irlandais propose un reflet ainsi qu'un commentaire sur les principales preoccupations d'une societe qui, pendant les vingt dernieres annees du vingtieme siecle - periode examinee en detail dans cet ouvrage - connait des changements profonds d'attitude de la part des irlandais envers le passe et l'epoque contemporaine de leur pays, ainsi qu'envers l'europe (avec l'adhesion de l'irlande a l'union europeenne) et envers le monde en general. Ce travail examine les principaux themes et preoccupations de ce cinema, et comment il sert a definir et commenter l'identite, ou les plusieurs identites, d'un pays en plein essor economique, social et politique. Sont examines en detailles themes suivants: 1) l'effet toujours important de la nostalgie sur la vision cinematographique d'une irlande traditionnelle, 2) le role de la langue irlandaise dans le cinema irlandais contemporain, 3) l'expression plus ouverte d'une sexualite longtemps reprimee, 4) le role du film documentaire qui cherche a etablir une vision plus "reelle" de l'irlande contemporaine, 5) la description cinematographique du republicanisme et l'irlande du nord, 6) la description cinematographique de l'ethnicite, et des gens du voyage, 7) l'identite emergeante de la femme en irlande a la fin du 20e siecle.

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Philippe, Olivier. "La représentation de la police dans le cinéma : France, 1965-1992." Toulouse 1, 1993. http://www.theses.fr/1993TOU10034.

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Abstract:

Cette thèse de science politique se propose d'étudier la représentation de la police dans le cinéma, en fonction de l'importance que présente en cette matière l'imbrication de l'imaginaire et du réel. Il s'agit de voir comment une institution politique fondamentale est représentée à travers le média cinéma, dans la France contemporaine. D'abord, les enjeux de cette production, particulièrement importante d'un point de vue quantitatif, sont analysés du point de vue des fabricants de films policiers et de leurs consommateurs, sans oublier de prendre en compte les contraintes économiques et culturelles qui pèsent sur ce marché. Après cette mise en perspective du film policier, l'ouvrage s'attache à une analyse du produit afin de mieux définir quelle est dans celui-ci la représentation de la police. Pour ce faire, on a adopté une méthode d'investigation adaptée à une perspective de science politique, qui, dans négliger des types d'analyse plus classiques, s'attache notamment à compléter celles-ci par une approche quantitative originale. A partir de là, dans une optique qui emprunte aussi aux recherches poursuivies en matière de communication, l'étude du mode de représentation filmique de la police amène à en souligner le rôle This thesis in political science intends to study the representation of the police in the cinema according to the importance that the interweaving of the imaginary and reality presents in this subject matter. It is a question of studying how a fundamental political institution is portrayed through the cinema in contemporary France. First, the stakes of these productions, which are particularly important from a quantitative point of view, are analysed from the film maker's and viewers’ standpoint, also taking into account the economical and cultural limitations that pressure the market. Following the police film angle, this work deals with analyzing the "product" so as to better define its representation of the police in order to do so, an investigative method adapted to a political science viewpoint that, without neglecting classical and analytical types tries to complete them by using an original quantitative approach. From there, in perspective which borrows from research in the communications field, the study of the method cinematic representation of the police leads to emphasizing it role

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Goualle, Laurent. "Le drame judiciaire ou la représentation du procès dans le cinéma américain." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030049.

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Abstract:

Les tribunaux et les juges, dont l'influence ne cesse de s'etendre aux etats-unis, ont depuis longtemps envahi l'imagerie hollywoodienne, et le theme du proces est au centre de tres nombreux films de fiction. Il s'agit d'etudier le sens des images de la justice contenues dans ces productions, a travers l'analyse d'un certain nombre de drames judiciaires representatifs : twelve angry men de lumet,anatomy of a murder de preminger, to kill a mockingbird de mulligan, amistad de spielberg, et bien d'autres. . . L'audience du tribunal apparait comme une sorte de petit theatre de l'amerique ou se jouent des tragedies, ou s'expriment des en jeux nationaux, ou se reglent des conflits de societe. Cette recherche met en avant les contradictions liees a ces films : d'une part, on peut considerer que les proces, au cinema, participent d'une vision ideale, voir ideologique de l'amerique. Ils tendent a presenter le fonctionnement exemplaire d'un modele de democratie, reposant sur des institutions judiciaires solides et efficaces ; ils exaltent un certain nombre de valeurs federatrices, liees au reve americain : le proces est la vitrine d'une justice garantie par la loi et la constitution. En tantque tribune, il permet aussi d'apporter une solution eclatante aux dysfonctionnements de la societe, par l'arbitrage d'un juge ou d'un jury. D'autre part, ces films revelent aussi, indirectement, des crises profondes, des angoisses nationales, des fractures politiques et sociales. La solution judiciaire, exemplaire en apparence, laisse parfois transparaitre une realite sociale accablante ou devoile des comportements humains inquietants, qui illustrent aussi l'ambiguite du genre.

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Le, Corff Isabelle. "Les frontières dans l'oeuvre cinématographique de Neil Jordan." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20028.

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Abstract:

Où se situe l'art cinématographique de Neil Jordan? Est-il irlandais ou ne l'est-il pas? Neil Jordan cherche, par le biais d'un art n'appartenant pas à l'expression traditionnelle de son pays, à atteindre en son sein l'essence de cette nation qui est la sienne. Ses films constituent une nouvelle approche du lieu, en rupture avec les images précédemment projetées de l'île, qui petit à petit font elles-mêmes trace dans la mémoire collective. Ses récits font état de nombreuses fractures qui sont l'expression d'une Irlande divisée, et l'oeuvre s'obstine à questionner l'héritage de la déchirure, car le passé, bien qu'à jamais inaccessible, hante le présent. Mais tandis que Neil Jordan rejette les croyances catholiques, d'autres s'imposent à lui d'une appartenance encore plus profondément enfouie. La quête progresse sans aboutir. Le passage des frontières se transforme en mouvement dynamique de spirale. L'exploration de la sexualité nous emmène au-delà des limites connues, et il faut remonter aux mythes fondateurs pour les questionner et oser franchir le palier de l'amour. L'artiste est peut-être comme ses personnages, à la frontière très mince de l'ordre et du chaos, dans cet entre-deux où rivalisent l'art et la folie. C'est pourquoi l'espace jordanien est un lieu unique, expression d'un ailleurs qui s'apparente à un au-delà. Neil Jordan est le précurseur d'un véritable cinéma irlandais. Il est donc impossible de se demander si son oeuvre filmique appartient ou non au cinéma irlandais. Elle vient définir ce cinéma. Mais les films existent indubitablement en dehors des limites nationales. Neil Jordan est artiste avant d'être irlandais. Il est artiste d'Irlande et c'est en ce sens qu'il exprime son appartenance Where does Neil Jordan's film art stand? Is it Irish or is it not? Neil Jordan seeks to reach the essence of his nation by means of an art form which is not traditional in Ireland. His films constitute a fresh approach to the country, breaking away from previously projected images of the island, and they are gradually leaving their mark in people's minds. His stories are full of the cracks that express a divided Ireland. The artist grapples the ghosts of Ireland's past and questions the inheritance of this torn country, since the past, even if it remains for ever out of reach, haunts the present. But while he rejects Catholic beliefs, even deeper-buried beliefs are vital to him. The quest goes on without conclusion. The crossing of frontiers becomes a fast-moving spiral. When he deals with the frightening energies of sexuality that shape human character, he takes us beyond known limits, making it necessary to go back to the original myths so as to question them and to dare to go beyond the level of love. The artist, like his characters, may often be poised on the fine line between order and chaos, in the no-man's land between art and madness. This is why the teritory he occupies is unique, other-worldly. Neil Jordan is the forerunner of a real Irish cinema. The question of wether his work does or does not belong to Irish cinema is therefore not valid. It has come to define this cinema. But the films undoubtedly exist outside the national boundaries. Neil Jordan is first and foremost an artist, and in second place he is Irish. He is an artist of Ireland and it is in this way that he expresses his belonging

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Beney, Christophe. "Le surgissement du désert dans le cinéma américain contemporain : 1991-2006." Amiens, 2010. http://www.theses.fr/2010AMIE0008.

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Genet, Sophie. "Adolescence et cinéma : l'Amérique des années cinquante." Paris, EHESS, 1994. http://www.theses.fr/1994EHES0099.

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Abstract:

Le travail developpe dans cette these s'appuie sur des donnees cinematographiques et analyse, sur l'echelle d'une decennie, l'evolution de la representation filmique du phenomene de l'adolescence, apparu aux etats-unis au debut des annees cinquante. Notre problematique s'articule autour de deux points : - le premier est d'ordre evenementiel. Il concerne les chocs intenses vecus par l'opinion publique americaine lors de la sortie des films suivants : l'equipee sauvage en 1953, graine de violence et la fureur de vivre en 1955. Ces films proposaient une vision de la jeunesse totalement inedite, montrant l'univers desordonne et violent d'un groupe social en pleine formation. - d'ordre structurel, le second point se rapporte a la maniere dont se sont edifies, cinematographiquement parlant, l'archetype puis le stereotype de l'adolescent. Materialisee par le passage de films surles adolescents aux films pour les adolescents, cette perspective nous a offert la possibilite d'explorer l'elaboration d'une conscience collective particuliere The arguments developed in this thesis lean on cinematographics data and analyse how the phenomenon of adolescence appeared, simultaneously, in the american pictures and society of the fifties. Our general approach is based on two initial points : - the first one may be qualified as historical. It concerns the shocks endured by the american society when the wild one (1953), blackboard jungle or rebel without a cause (both in 1935) were projected. Effectively, these movies proposed an original vision of american youth, for they showed the violent and desorganised universe of an active and, up to this date, ignored social group. - the second point is sociological and must be related to the way that movies builded up the archetype and the stereotype of adolescence. Studying the passage from the pictures on adolescence to the pictures for adolescents, we explored the elaboration of a critical social thought

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Dehée, Yannick. "Mythologies politiques du cinéma français : les figures du pouvoir de 1968 à la fin des années 1980." Paris, Institut d'études politiques, 1998. http://www.theses.fr/1998IEPP0019.

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Abstract:

Ce travail analyse la mise en scène de quelques élites dans les succès du cinéma français depuis 1968. Etudiant la production, le contenu et la réception des films, on évalue leur contribution aux cultures politiques. L'accent est mis sur l'effet de socialisation du film qui situe le citoyen dans la société dont il lui dévoile les règles cachées. L'oeuvre est analysée comme un mythe politique, une fiction conventionnelle, lisible, laissant au spectateur une marge d'interprétation. Le respect des genres établis, des intrigues répétitives, l'omniprésence des stars et des allusions à l'actualité permettent à chacun de s'y orienter. L'étude de la fréquentation débouche sur l'analyse des succès en salles selon une métaphore de contagion sociale. La première partie établit l'influence de la production sur le contenu des films. La censure politique est démantelée entre 1968 et 1975, mais une contrainte économique subsiste: investisseurs et stars ont soin de perpétuer des recettes éprouvées. On obtient des films-concepts dont la trame est peu audacieuse. Les scénarios s'appuient sur des traditions narratives telles que le règne de l'argent, la corruption des élites, l'omniprésence des complots et le fantasme du renversement des hiérarchies. La deuxième partie évoque l'irruption brutale, à partir de 1968, de la politique dans une fiction de gauche ; qui met en scène des scandales récents, et le cinéma dominant qui suit la mode politique et privilégie les héros policiers incarnés par Lino Ventura, Jean-Paul Belmondo et Alain Delon autour de 3 pôles d'identification : le légitimiste, le critique et l'individualiste. La troisième partie montre comment le cinéma décrypte le monde des puissants. On observe le cynisme du pouvoir au sommet de l'Etat (le bon plaisir) et dans l'entreprise (inquiétants patrons, multinationales manipulatrices. . . ). Les chefs sont aussi dévoilés dans leur perversion sexuelle, qui dissimule une peur du pouvoir au féminin. La quatrième partie suit les mutations de la fréquentation et des films au cours des années 1980. La télévision domine les médias, le public des salles se fait plus jeune, urbain et éduque. On écrit des films plus en prise sur la diversité sociale, ou de jeunes héros policiers offrent un nouveau modèle, entre juge de paix et assistante sociale. - c'est le reflux des élites à l'écran This work examines how French box-office hits have depicted social and political elites since 1968 it analyses their production process, the stories they tell and the way they were seen by the public, in order to understand how they have contributed to French political culture. The author emphasises the socialization effect of the movies, which help the citizens to understand the way the society works. The film is seen as a 'political myth', a conventional and simple fiction enabling the moviegoer to elaborate his or her interpretation of the story through genres, stars and allusions to actual events. The way a political film builds its success is analysed as a 'social contagion'. The first part studies the effect of the production process on the scripts. Political censorship disappeared in France between 1968 and 1975, but investors and stars still perpetuated tried and tested concepts and refused innovative stories. That is why so many narrative cliches were perpetuated, such as the power of money, the corruption of elites, conspiracies or the desire to subvert social hierarchies. The second part tells how politics suddenly invaded French movies after 1968, when political scandals were translated to the screen. To this leftist trend, the dominant cinema opposed 3 detective heroes as role models : the conservative Lino Ventura, the critical Jean-Paul Belmondo and the individualist Alain Delon. The third part shows how the cinema paints the world of powerful people. Cynicism is the rule at all levels of the state and in big corporations, especially the multinationals. In their private lives, leaders seem to be both obsessed with sex and afraid of powerful women. The fourth part follows the evolution of movies and their public through the eighties. Television has become the dominant media. Moviegoers are younger, have a higher level of education and live in big cities. New films confront the diversity of society, young cop heroes offer a new role model, a hybrid between a police officer and a social worker. French elites slowly disappear from the screen

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Decottignies, Isabelle. "La mort dans le film noir américain classique (1940-1960)." Lille 3, 2005. http://www.theses.fr/2005LIL30035.

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Abstract:

"Cette recherche porte sur la mort dans le film noir américain classique (1940-1960). Tout film noir est hanté par l'idée de la mort. Bien qu'elle prétende à un certain réalisme criminel, la mort dans le cinéma noir prend parfois une forme qui au premier abord paut paraître étrange, délibérément invraisemblable. En effet, dans ces films, la logique de la mise en scène ne s'attache pas aux faits objectifs du monde réel, analysables rationnellement : elle relève de l'ordre de l'imaginaire et du fantasme. Le film noir étant fait de l'étoffe dont sont tissés les cauchemars, la mort noire se déchiffre comme on interprète les rêves. Elle est l'un des actes les plus signifiants que l'on puisse trouver au cinéma, le meurtre étant révélateur des désirs enfouis de celui qui le commet, de celui qui le subit, et de la relation qui lie ainsi la victime et son bourreau. Tuer constituant le paroxysme de l'action "noire", en se plongeant dans ses eaux sombres, on touche ainsi à l'essence du film noir"

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Manenti, Paul. "Image de l'artisan dans le cinéma documentaire français des origines à 1960." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030047.

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Abstract:

L'image de l'artisan dans le cinéma documentaire français des origines à 1960 a été approchée à partir : - d'une recherche bibliographique des événements (techniques, législatifs, sociologiques, économiques) marquants du cinéma (documentaire) français et de l'histoire de l'artisanat français sur cette période ; de l'analyse de deux cents films qui a permis de mettre en évidence :- les éléments formels récurrents (espace, commentaire, scénarisation, musique, bruits, montage, échelles et valeurs de plans, angles de prise de vues, effets spéciaux, utilisation de documents, poésie) - les éléments permanents du contenu (l'atelier, l'organisation sociale, la technique, l'esprit du travail, la main, l'outil, le geste, l'inscription du travail dans la durée, le rapport au passé, la modernité, l'artisanat et l'industrie, pédagogie et apprentissage, propagande, grandeur de la France, unicité de la production, artisan et artiste, symbolisme et connotations religieuses, rapport à la nature, savoir mystérieux, naissance de l'œuvre. . . ). . The craftsman's image in the French documentary cinéma from the origins to 1960 was approached from : - a bibliographical research of the events (technics, législatives, sociologicals, économicals) which have highligthed the French documentary cinéma as well as the history of the French craftsmen all along this périod of time, - The analysis of two thousend movies which have lay the stress upon : - The formal recurrent elements (space, commentary, scriptwritering, music, noise, editing, scales and values ground, oints of view, special effects, use of documents, poetry) - The permanent elements of the contents (the workshop, the social organization, the technique, the spirit of the work, the hand, the tool, the gesture, the registration of the work in the duration, the report to the past, the modernity, the craft and the industry, pedagogy and learning, propaganda, greatness of France, uniqueness of the production, artisan and artist, symbolism and religious connotions, relation to nature, mystérious knowledge, birth of the pièce of art. . . ). .

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Fronty, François. "Le cinéma comme expérience du spirituel depuis les années 50." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030028.

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Abstract:

Le spirituel, ou l’expérience du spirituel, existent-ils au cinéma ? Un travail sémantique nous a permis de préciser le contour des notions de sacré, religieux, et spirituel dans le champ du cinéma. C’est le concept de spirituel qui nous a semblé le plus opératoire pour mener à bien une étude dont la caractéristique première est de ne pas considérer son objet comme un genre, mais comme un régime de l’image intrinsèquement lié au dispositif du cinéma lui-même. Car le cinéma, qui repose sur un régime de croyance nouveau, marque une rupture épistémologique autant dans notre représentation du réel que dans celle du transcendant. Une réflexion d’ordre anthropologique nous a permis de remonter jusqu’aux fondements du cinéma et du fait religieux, donc à l’essence de notre façon d’appréhender le numineux. Nous avons examiné les différents paradigmes culturels avec lesquels le spirituel est perçu, conçu et représenté en Occident, en Asie, et en Afrique. Au travers de la diversité des formes, le récit est apparu comme l’invariant anthropologique et esthétique qui rend compte de l’expérience du spirituel de façon unitive. Une réflexion sur la mise en scène nous a permis de mettre en relation notre questionnement avec les expériences du personnage, de l’acteur et du spectateur. Une exploration du sublime, de l’extase eisensteinienne, et du corps envisagé comme une preuve de la présence au monde nous ont conduits à voir le cinéma comme expérience paradoxale et unitive du spirituel Do the spiritual or the experience of the spiritual exist in cinema ? A semantic exploration was necessary to define and distinguish the meanings of sacred, religious and spiritual in the field of cinema. The spiritual appeared as the most effective concept to define our object not as a genre but as an intrisic function of cinema considered as a device. Cinema is based on a specific system of belief, which constitutes an epistemological break in our representation of both reality and transcendence. An anthropological exploration led us to the foundations of the religious fact and cinema, therefore to the essence of our way of apprehending the numinous. We studied the different cultural paradigms through which the spiritual is perceived, conceived and represented in the West, in Asia and in Africa. Through the variety of forms, the narrative form appeared as the anthopological and aestetical invariant of the experience of the spiritual in a! unitive context of description. A study of the mise en scène allowed us to establish links between experiences of characters, actors, and spectators in our perspective. A consideration of the sublime, the extasis as defined by Eisenstein, and the body as evidence of a presence to the world drove us to see cinema as a paradoxical and unitive experience of the spiritual

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Hollander, Régine. "L'image de la société américaine dans les films à succès de Hollywood, 1985-1994." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040112.

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Abstract:

Quelle image le cinéma de Hollywood projette-t-il de la société américaine? Pour répondre à cette question 99 films à succès produits entre 1985 et 1994 ont été analysés. Le genre, le ton et les thèmes qui les définissent sont mis en parallèle avec les mythes, les modes et les courants de pensée qui caractérisent les américains de cette fin de siècle. Les genres natifs aux États-Unis, tels que le western, le dessin animé ou la comédie musicale, se sont greffés sur d'autres, donnant au film commercial américain une identité nouvelle qui parle à l'inconscient collectif des spectateurs. Les intrigues, qui tendent à s'écarter du rationnel et accordent une place croissante au surnaturel et à l'anticipation, s'articulent parfois autour de la personnalité de l'acteur principal qui donne sa version personnelle du héros américain. Le ton se veut réaliste. Le vocabulaire est familier, voire vulgaire. La violence est crue, la sexualité explicite. Même si la nudité est rare. Il semblerait donc que la censure ait disparu. Pourtant, elle a souvent pris une autre forme, celle du respect des règles tacites d'une représentation politiquement correcte de la société américaine. Hollywood se penche sur la crise d'identité qui fait suite à la fin des trente glorieuses et à la défaite du Viêt-Nam. Ses films montrent, d'une part, la fission de la famille nucléaire et, d'autre part, la lutte entre des héros solitaires et les institutions corrompues. Le droit à la réussite sociale et la poursuite du bonheur s'accompagne de devoirs, tel que celui de défendre les principes de la démocratie. Mais un individu déterminé, qui croit en lui, en dieu et en l'Amérique, triomphe toujours des forces du mal. De l'image déformée que Hollywood projette de la société, ressort la pérennité du rêve américain et des valeurs qui le sous-tendent What image of American society does Hollywood project? To answer this question, 99 blockbusters, produced between 1985 and 1994, have been analysed for their genre, their tone and their themes, all of which are drawn from the fads, myths and tends of thought which characterize America at the end of this century. Indigenous American genres, such as the western, the cartoon, or the musical, have been grafted onto others, creating a new identity for commercial films which directly addresses the audience's collective unconscious. The plots increasingly depart from the rational and venture into the supernatural and a fictional world of science. Spiralling around the personality of a central actor who provides his interpretation of the classic American hero. The tone of these films attempts to be realistic. The vocabulary is usually colloquial and often profane. Violence is graphic, sex explicit, though prefrontal or total nudity seldom makes an appearance. One could easily conclude that censorship has all but disappeared. However, it has merely taken another form: the unswerving observance of the tacit rules governing the politically-correct American society. The identity crisis in the United States, which followed the post-war years of economic prosperity and the defeat in Vietnam, are reflected in Hollywood’s blockbusters. These films reveal the fission of the nuclear family, and the incessant duel between solitary heroes and corrupt or ineffectual social and political institutions. The right to succeed and the pursuit of happiness are accompanied by societal duties, such as the defence of democratic principles. A determined individual who believes in god, America and himself, always defeats evil. The deformed image of American society projected on the screen by the blockbusters bears testimony to the fact that the American dream, in all its mythical splendour, is alive and well, and thriving in Hollywood

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Berardo, Rosa. "Analyse de l'image de l'indien dans les films de fiction brésiliens des années 70." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030091.

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Abstract:

Cette these a pour but d'analyser les diverses manieres utilisees par les cineastes bresiliens pour representer l'indien au cours des annees 70. Les analyses effectuees utilisent de concepts theoriques de l'anthropologie et de la sociologie, des donnees historique et politiques et encore des notions empruntees au champ de la psychanalyse, avec le brillant essai de christian metz sur le voyeurismeau cinema. L'un des points questionnes dans ce travail c'est l'existence ou non d'une industrie cinematographique dans le pays durant cette periode. Quelques concepts de l'ecole de francfort nous ont servis d'elements d'eclaircissement a ce propos et nous ont aide aussi dans les questionnements par rapport au cinema national en tant que vehicule d'une culture de masse. Les donnees objectives de la production et de la distribution de films au bresil nous a mene a questionner la politique culturelle de cette epoque, imposee par le gouvernement et son niveau d'influence sur les realisateurs des oeuvres cinematographiques. . . .

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Berzosa, Camacho Alberto. "La sexualité comme arme politique. Cinéma homosexuel subversif en Espagne dans les années soixante-dix et quatre-vingts." Thesis, Reims, 2012. http://www.theses.fr/2012REIML013/document.

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Abstract:

La présente thèse doctorale étude le cinéma homosexuel subversif en Espagne au cours des années soixante-dix et quatre-vingt, envisageant ainsi une catégorie cinématographique inédite jusqu'à présent dans l'historiographie espagnole spécialisée. Ce cinéma est constitué des films de thématique gay et lesbienne qui transmettent des messages dont l'objectif est de transgresser l'hétéronormativité via différentes façons d'extérioriser l'homosexualité, de présenter des identités sexuelles et de genre alternatives ou d'exposer des discours qui remettent en question les tabous sociaux, culturels et politiques relatifs à la sexualité. Pour toutes ces raisons, afin d'étudier cette nouvelle catégorie cinématographique il a été indispensable aussi d'analyser les contextes politiques et culturels dans desquels s'est déroulée l'histoire de l'homosexualité au cours de ces mêmes décennies This Thesis proposes the study of Subversive Homosexual Films in Spain during the decades of the Seventies and Eighties. Thus raising a new conematographic category within specialized Spanish historiography. This type of cinema is composed of gay and lesbian themed films which transmit discourses aimed to transgress heteronormativity using different ways of externalizing homosexuality; presenting alternatives gender and sexual identities or by raising messages that challenge social, cultural and politicians taboos towards sexuality. Therefore, for the study of this new filmic categoryin depth; it is essential to analyze the political and cultural contexts in which the history of homosexuality was developed during these decades

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Sanpere, Charlotte. "La désillusion dans le mélodrame et le film noir américain des années quarante et cinquante." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1995PA030116.

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Abstract:

Cette these s'interesse a l'approche socio-historique du cinema a travers le film noir americain des annees quarante et cinquante et le melodrame comme genre. L'utilisation par le film noir du modele melodramatique est concu comme le moyen utilise par l'epoque pour projeter un commentaire, un point de vue, qui caracterisent un ensemble de significations qu'une societe a cherche a se donner pour elle-meme. Deux qualites particulieres au film noir sont retenues : la reference a un genre narratif (le melodrame) et l'expression d'un sentiment (la desillusion). Le melodrame est un genre de longue duree, caracterise par des representations multiples dans le temps et dans l'espace mais identifiable a un noyau formel specifique qu'il est possible de lier a un contenu ideologique relativement stable. En utilisant certaines figures et themes melodramatiques, le film noir leur attribue une fonction. Quant a la desillusion, elle est concue d'apres la definition qu'en donne freud qui permet d'isoler deux observations : la relation du sentiment avec une conception de l'autre et le rapport que cela implique avec les figures de doubles et la repetition ; d'autre part, une disposition particuliere a l'egard de la croyance This thesis is devoted to a socio-historical approach to cinema through a study of american film noir of the 1940s and 1950s, and of melodrama as a genre. The use by film noir of the melodramatic model is presented as a means of projecting a commentary, a point of view, which characterizes a set of meanings through which a society attempted to describe itself. Two specific qualities of film noire are singled out : its reference to a narrative genre (melodrama) and its expression of a particular feeling (disillusion). Melodrama is distinguished by multiple representations in time and space which remain linked to a specific formal core that determines its own relatively stable ideological content. Film noir, in using certain melodramatic figures and themes, assigns to them a different function. Disillusion is defined by freud, and allows two observation : the expression of a concept of the other (a relationship which is implied through the figure of the double and through repetition), and a specific disposition, created by the feeling of disillusion, toward belief

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Gomes, Lisboa Fatima Sebastiana. "Un artiste intellectuel : Glauber Rocha et l'utopie du cinéma Novo (1955-1971)." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20100.

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Abstract:

Glauber rocha cineaste bresilien, projette, a travers sa production intellectuelle et artistique, une sorte de revolution culturelle dont le principal but est de transformer l'image exotique de la culture bresilienne en europe. Dans ce travail, nous cherchons a demontrer que l'image de "prophete du tiers monde" attribuee au cineaste par la critique europeenne, fut en realite creee inconsciemment par rocha lui-meme et par son entourage, et ceci des son plus jeune age dans la ville de salvador. Selon nous, cette image repond aux espoirs de legitimation culturelle portes par le champ cinematographique europeen dans les annees 60. En s'appuyant sur ses films, glauber rocha ouvre un debat theorique avec la critique cinematographique et le champ intellectuel, quant a l'utilisation du cinema dans un projet revolutionnaire. Notre these porte sur la production intellectuelle du cineaste qui contribue, selon nous, a sa legitimation en tant qu'artiste-intellectuel. Nous nous sommes essentiellement appuyes sur ses deux premiers longs-metrages pour demontrer que rocha met en scene sa propre vision de la societe bresilienne, avec l'intention de construire un nouveau discours sur son histoire.

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Layerle, Sébastien. "Le cinéma à l'épreuve de l'événement : mémoires croisées de quelques pratiques militantes en Mai 68." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030077.

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Abstract:

La recherche interroge les pratiques cinématographiques militantes de Mai 1968 : productions des États généraux du cinéma, de groupes militants, d'organisations syndicales, d'indépendants amateurs et professionnels. 1) Saisir les relations que l'opérateur entretient avec l'événement historique et l'espace socio-culturel, en savoir plus sur les acteurs en présence, sur la nature de leurs démarches, sur le contenu de leurs discours, sur leurs rapports avec les institutions officielles, soit rapprocher le " document-film " des circonstances concrètes de son élaboration. 2) Étudier la fonction sociale des films et leur cadre de diffusion. Ce travail convoque des sources plurielles (audiovisuelles, écrites et orales) et propose une réflexion sur les archives et leurs modes d'usage The research focus on the militant movie habits in May 68 : productions of the " États généraux cinéma ", militant groups, trade organizations and independants. 1) Catching the relations that the cameraman maintains with historical events and with the social-cultural system in order to learn about the actors performing in this period, thir approches, the meaning their speaches and the relations between official organizations, that is to say to bridge the gap between the movies and circumstances of their productions. 2) Exploring the social functions of the movies, the way they are distributed. This work uses audiovisual, written and oral sources and proposes finally a reflexion concerning the way archives are used

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Fiant, Antony. "Otar iosseliani : tel un demiurge a la surface du film." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1291.

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Abstract:

Otar iosseliani, cineaste georgien, ne en 1934 a tbilissi, est l'auteur d'une oeuvre originale et attachante qui ne compte que peu de films (huit longs-metrages de fiction en plus de trente ans). Mais elle constitue assurement une des plus importantes du cinema contemporain. C'est en tout cas ce que tente de demontrer cette these, en trois temps. D'abord, a travers l'analyse d'un processus de creation tout a la fois philosophique, primitif et teleologique, c'est-a-dire, comparable a celui du demiurge, replace dans la lignee du cinema muet et base sur une methode refusant categoriquement le hasard. Ensuite, en dissequant la fonction du regard du cineaste sur le reel. Que ce soit dans ses documentaires (il en a realise cinq), dans ses trois premiers films tournes en georgie, ou en apprivoisant des cultures etrangeres (principalement la france mais aussi l'afrique), le regard qu'il porte sur le monde fait de lui un cineaste universel. Enfin, en tentant de restituer le plus fidelement possible une des caracteristiques esthetiques de son cinema : le rythme, tant sonore que plastique et structural. Tout au long de ces trois parties, il s'agit egalement de definir l'ethique de iosseliani.

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Murru, Matilde. "L'image et la culture de la Sardaigne dans la filmographie italienne du deuxième après-guerre à la fin des années 70." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030100.

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Abstract:

Terre de bandits ou paradis exotique pour y passer les vacances? Il semble que, dès ses premières apparitions à l'écran, la Sardaigne n'offre d'autre alternative que ces deux lieux communs. Ce travail se propose justement d'aller au-delà des clichés et d'examiner très précisément quelle image le cinéma, avec son langage et ses modalités spécifiques, a donné de la culture et de la réalité sardes. Tout au long de notre recherche, nous avons pris en considération les documentaires et les films de fiction concernant l'île à une période bien précise de l'Histoire, celle qui va du deuxième après-guerre à la fin des années 70. Les documentaires ont été divisés en six groupes thématiques correspondant aux phases historiques et aux problèmes les plus significatifs de la société sarde. Pour ce qui concerne la fiction, nous avons essayé de dresser un inventaire de tous les films qui, directement ou indirectement, évoquent la Sardaigne, depuis Cenere (1916) avec Eleonora Duse jusqu'à Chiedo Asilo (1979) de Marco Ferreri. Chaque type de production est analysé à partir de son contexte historique et politique. Cette problématisation sociale, qu'elle soit affichée ou occulte, apparaît en effet comme l'une des données constantes de cette cinématographie peu connue, appréhendée ici dans son ensemble pour la première fois. Il faut enfin signaler deux brefs entretiens avec Gavino Ledda et les frères Taviani, respectivement auteur et réalisateurs du film le plus connu à l'étranger, et probablement le seul qui ait montré un peu de la réalité sarde au reste du monde Land of bandits or exotic holiday paradise ? It seems that from its first appearances on the screen Sardinia offers only these two clichés. This paper intends to go beyond the commonplace to precisely analyse the image the cinema has given to Sardinian culture and reality, with its language and its peculiar features. During our study, documentary films and fictions concerning the island have been considered from the Second Post-War to the end of seventies. The documentary films have been divided in six thematic groups relating to historic periods and to the most important problems of Sardinian society. In terms of fiction, we sought to draw up an inventory of all films which recall, directly or indirectly, Sardinia from Cenere (1916) with Eleonora Duse to Marco Ferreri's Chiedo asilo (1979). Finally we point out two short interviews with Gavino Ledda and with the Taviani brothers, respectively author and directors of the most famous film abroad and probably the only one which was able to portray clearly some Sardinian reality

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Zamour, Françoise. "Le mélodrame dans le cinéma contemporain : la persistance des motifs." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030136.

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Abstract:

Au début des années quatre-vingt, trois films de Fassbinder initient un mouvement de réappropriation artistique et critique d’une forme de récit restée très proche de ses origines, théâtrales comme littéraires : le mélodrame. La trilogie allemande de Fassbinder assume la capacité du mélodrame à raconter à la fois l’histoire d’une femme et celle d’un peuple, opérant une réconciliation entre cinéma de genre et cinéma d’auteur. Une dimension nouvelle apparaît cependant : la relation conscientisée du mélodrame à l’histoire, et sa capacité à faire du dialogue avec le cinéma qui les ont précédés un des motifs principaux des films contemporains. Cette démarche détermine le cinéma de Pedro Almodóvar ou d’Aki Kaurismäki, celui de Gus van Sant, de Lars von Trier ou Robert Guédiguian. Dans le sillage des travaux de Jean-Loup Bourget et de Peter Brooks, ce travail interroge la persistance du mélodrame dans le cinéma contemporain. Une telle pérennité tient à la rémanence du peuple comme point d’origine, objet et destinataire de la fiction. Aujourd’hui encore l’interrogation sur le peuple, sa définition, sa persistance, voire sa dissémination vient travailler le mélodrame des années récentes. Afin de résoudre cette aporie, le cinéma,comme le note Stanley Cavell, met en avant la dimension performative du mélodrame. Sa fonction est alors de faire advenir un peuple qu’il se donne pour mission d’éduquer, de Pixérécourt à Griffith, de Mattarazzo à Clint Eastwood. Les travaux consacrés par Jacques Rancière à la manière dont le peuple a pu, au fil de l’histoire, devenir acteur de son éducation fournissent un modèle intéressant pour penser la dimension éducative du mélodrame aujourd’hui By examining, according to the works of Jean-Loup Bourget and Peter Brooks, the characteristics of the genre, this essay tries to determine the peculiarities of the melodrama in the contemporary cinema. At the beginning of the eighties, the " German trilogy " of Fassbinder introduces a movement of artistic and critical reappropriation of the original pattern. This moment can be considered as the first step of contemporary melodrama. Here Fassbinder tells concurrently the story of a woman and that of a people. A new dimension however : today’s melodrama is deleberately involved whith the history of cinema, and includes a permanent dialogue with former films.This approach influences Pedro Almodóvar's cinema as that of Aki Kaurismäki, that of Gusvan Sant as that of Lars von Trier or Robert Guédiguian. What remains, however, is the people as subject and receiver of the fiction. If the notion of people, since the French Revolution, is abundantly questioned by 19th century melodrama, recent melodramas seem still puzzled by it’s coherence, and even by it’s existence. Michelet’s work on the matter is a great healp to understand how cinema can still evoke people today. Cinema, as notices Stanley Cavell, strikes the performative dimension of the melodrama and shows melodrama’s character as a searcher of knowledge. Since the origins, from Pixérécourt to Griffith, Mattarazzo and Clint Eastwood, melodrama’s assumed a particular mission, which is to educate people. The studies dedicated by Jacques Rancière tothe way the people have been able, during history, to become his own master, supply

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Nacache, Jacqueline. "Ellipses et figures elliptiques dans le film hollywoodien classique." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030165.

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Abstract:

Les films americains realises dans le cadre du studio system, des debuts du parlant a la fin des annees cinquante, constituent un ensemble esthetique exceptionnel ; en entreprenant l'histoire des agencements rhetoriques qui y sont a l'oeuvre, on peut tenter de comprendre, par-dela des explications economiques, psychologiques ou sociales souvent incompletes, la fascination qu'exercent durablement les grands modeles hollywoodiens. L'etude de l'ellipse constitue une etape de cette entreprise. L'ellipse, figure determinante du langage comme du recit litteraire, figure-cle dans la rhetorique narrative du film, l'est encore plus dans une cinematographie hollywoodienne qui manifeste un talent naturel pour une vision elliptique du monde. Cette vision sera abordee, dans une premiere partie d'analyses, a travers quatre variations sur l'ellipse temporelle classique: le systeme narratif du melodrame, le montage frequentatif ou sommaire, l'ouverture et l'ellipse de metamorphose. Dans la seconde partie d'analyses, l'ellipse se verra elargir au champ plus vaste du travail elliptique, en tant qu'il affecte la representation de l'espace et de l'acteur, le style de grands cineastes reputes pour leur sens du raccourci; en tant qu'il gouverne non seulement l'efficacite du recit mais sa portee morale; reflechir sur l'ellipse, c'est aussi, en etudiant cet operateur elliptique que fut le code de production, voir tout ce qui se joue dans les cruciales articulations dramatiques de l'instant sexuel et de l'instant mortel, et dont la mise en images, ou en non-images, est souvent un choix non seulement ideologique mais philosophique The american films made under the studio system, from the coming of sound to the end of the 1950s, represent an exceptional aesthetic group ; to undertake the history of the rhetorical arrangements which are at work in this group is to try to understand, beyond often-incomplete economic, psychological or social explanations, the lasting fascination exerted by the great hollywood models. The study of ellipsis represents a forward step in this enterprise. Ellipsis, a key element both of language and of literary narration, is also a keystone to the rhetorical narrative of any film, and even more so within hollywood film-making, which displays a natural ability to shape an elliptical world vision. This vision will be treated, first, through analyses of four variations on the classic temporal ellipsis : the narrative structure of melodrama, the + montage sequence ; or summary, the overture, and, finally, the ellipsis as it shelters a wide range of physical and psychological character metamorphoses. The second group of analyses considers the larger subject of the elliptical work as it affects the representation of space and of the actor, as well as the style of film-makers known for their sense of abbreviation. The ellipsis governs not only the efficiency of the narration but also its moral weight. Thus studying the elliptical influence represented by the production code means reflecting upon that which was at play in the crucial dramatic articulations of the sexual moment and the mortal moment, the capture of which, either in images or non-images, expresses in many ways an option that is not only ideological but also philosophical

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Rotival, Aurel. "Images-lucioles. : Iconologie chrétienne et marxisme hérétique dans le cinéma européen des années 1960 et 1970." Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSE2071.

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Abstract:

Comment appréhender, au tournant des années 1970 et dans des films réalisés par des cinéastes ne faisant pas mystère de leur engagement marxiste, communiste ou révolutionnaire (Pasolini, Arrabal, Fassbinder, Jancsó, Garrel, etc.), la récurrence de motifs et de schèmes empruntés à l’iconographie et à la liturgie chrétiennes ?« L’article des lucioles », publié par Pasolini en 1975, offre la matrice allégorique et théorique permettant d’appréhender la séquence historico-politique singulière qui va de la fin des années 50 au milieu des années 70. Il désigne d’abord l’avènement d’un dangereux pouvoir néo-capitaliste, destructeur et totalisant, face auquel marxisme et christianisme vont être amenés à modifier leurs outils de lutte et de vision du monde. Il décrit ensuite une véritable crise anthropologique qui solde la destruction de mondes culturels entiers, face à laquelle il s’agira de rendre aux rites et aux traditions leur potentiel contestataire, qui leur permet de jouer comme les opérateurs capables de mobiliser les énergies manquantes aux luttes politiques, comme la mémoire ou la communion. En tant qu’élégie pleurant la disparition de cultures aimées, il présente enfin un véritable constat eschatologique sur la fin du monde, problématique théologique ré-exposée, à cette même époque, par la menace nucléaire, paroxysme industriel de la domination du règne de la technique.Ainsi, les lucioles pasoliniennes dessinent-elles le régime iconologique singulier dont procèdent ces films résistants, qui oppose la faible lueur d’une gestualité archaïque, fût-elle religieuse, aux puissants projecteurs rationalistes de la civilisation capitaliste. Les problèmes d’images repérés dans ces œuvres filmiques procèdent donc d’un paradigme historico-esthétique qui fait du passé survivant l’outil privilégié d’une prise de position politique, dont il est possible de tracer l’archéologie, depuis les notions de Nachleben, de Pathosformel et d’Inversion forgées par l’historien de l’art Aby Warburg jusqu’à celle d’« image dialectique » chez Walter Benjamin ; et dont il est possible de retrouver les traces à l’époque, dans des disciplines très variées (la théologie politique de Johann Baptist Metz, qui a fait de la memoria passionis chrétienne une catégorie anti- bourgeoise ; ou encore l’ethnologie du geste élaborée par l’anthropologue Ernesto De Martino, qui devait ouvrir le marxisme à son impensé : l’essentielle dimension réparatrice et socio-culturelle des rites et des images d’origine religieuse).Au confluent de ces deux grandes traditions de l’espérance que sont le christianisme et le communisme, les films analysés dans cette étude mettent en crise le paradigme contemporain de la sécularisation et nous renseignent sur la relance, à l’époque moderne, des grands problèmes anthropologiques qui n’ont cessé d’occuper la pensée humaine : la contestation d’un ordre établi, la fin d’un monde ou d’une civilisation, mais aussi l’énergie morale qui permet de les faire survivre How to grasp, at the turn of the 1970s and in films made by filmmakers who made no secret of their Marxist, Communist or revolutionary commitment (Pasolini, Arrabal, Fassbinder, Jancsó, Garrel, etc.), the recurrence of patterns and schemes borrowed from Christian iconography and liturgy?The article about « the disappearance of the fireflies », published by Pasolini in 1975, offers the allegorical and theoretical matrix permitting to apprehend the singular historical and political sequence which goes from the end of the 50s to the middle of the 70s. First, it designates the advent of a dangerous neo-capitalist power, destructive and totalizing, in the face of which Marxism and Christianity will be led to modify their tools of struggle and vision. The article, then, describes a real anthropological crisis which attains the destruction of entire cultural worlds, in the face of which it will be a question of giving back to rites and traditions their potential for revolt, which allows them to play as operators capable of mobilizing the energies lacking in the political struggles, such as memory or communion. As an elegy mourning the disappearance of beloved cultures, the article finally presents a real eschatological report on the end of the world, a theological problematic re-exposed, at the same time, by the nuclear threat, the industrial paroxysm of the domination of the technical reign.Thus, the Pasolinian fireflies draw the singular iconological regime from which these resistant films proceed, opposing the faint gleam of an archaic gesture, albeit religious, to the powerful rationalist spotlights of capitalist civilization. The patterns identified in these films therefore proceed from a historical-aesthetic paradigm which makes the surviving past the privileged tool of a political struggle, of which it is possible to trace the archeology, from the notions of Nachleben, Pathosformel and Inversion forged by the german art historian Aby Warburg to the “dialectical image” in Walter Benjamin; and of which it is possible to find traces at the time, in a wide variety of disciplines (the political theology of Johann Baptist Metz, who made Christian memoria passionis an anti-bourgeois category; or the ethnology of gesture elaborated by the anthropologist Ernesto De Martino, who was to open Marxism to its unthought: the essential restorative and socio-cultural dimension of rites and images of religious origin).At the confluence of these two great traditions of hope that are Christianity and Communism, the films analyzed in this study challenge the contemporary paradigm of secularization and inform us about the revival, in modern times, of the great anthropological problems which have never ceased to occupy human thought: the contestation of an established order, the end of a world or a civilization, but also the moral energies which allows them to survive

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Fdil, Abdellatif. "Regards croisés sur l'altérité et l'identité dans le cinéma français et marocain des années 2000." Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20100.

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Abstract:

Cette thèse est née d’une interrogation sur la représentation de l’Autre dans les imaginaires cinématographiques français et marocains qui se constituent actuellement ; c’est à dire au début des années 2000 (2000-2015). Plus précisément, elle s’interroge sur ce qui permet, à ce niveau de construction d’un regard croisé, de le différencier et de l’identifier distinctement sur le plan imaginaire et dramaturgique. Dans cette double perspective, l’Autre serait tour à tour Français et Marocain, le Nord et le Sud, le Maghrébin et l’Occidental ; ce qui permettra de comparer des représentations tantôt convergentes, tantôt divergentes, voire antagonistes. Car ceux qui traversent la Méditerranée ne sont pas seulement amenés à remettre en cause la prétendue supériorité de l’ancien colonisateur et à dénoncer la condition faite aux immigrés, mais sont aussi à l’origine d’une nouvelle vision du monde : ouverture à l’Autre et à son espace fondée sur le respect mutuel et la fécondité du métissage culturel. Il s’agit donc de mettre en place des rencontres cinématographiques françaises et marocaines pour comprendre comment le corps, son mouvement et son interprétation à l’écran, est le centre de gravité qui anime les regards croisés. Ainsi ressort-il une « correspondance » cinématographique franco-marocaine, carrefour des diversités linguistiques et culturelles, soulevant sans doute des interrogations complexes liées à ces rencontres enrichissantes et dignes d’intérêt scientifique. Comment l’Ailleurs marocain peut-il contribuer au récit filmique français, correspondre à une quête intérieure, ou au contraire conforter un désenchantement radical ? Comment la France entre-elle dans l’histoire contemporaine du cinéma marocain ? Comment le personnage français fait-il partie de son imaginaire ? Ce travail s’interroge parallèlement sur les dangers consécutifs à ce type de représentation qui se manifeste dans la réduction au pittoresque du récit filmique, l'inventaire complaisant de clichés révélant une vision stéréotypée de l'Autre et de son espace. Car les années 2000 conduisent certains films et penseurs à réagir encore et toujours à cette attitude qu’ils tournent souvent en dérision. Toutefois, le cinéma français et les films marocains, loin d’être réductible à cette contestation, proposent aujourd’hui une vision distanciée et originale d’elle-même, de sa culture, et aussi forcément de l’Autre This thesis arose from a question about the representation of The Other in today's French and Moroccan filmic images; that is to say in the early 2000s (2000-2015). More precisely, it elaborates on what can allow the construction of a cross observation, which could clearly differentiate and identify the fictional and dramaturgical aspects of the subject. In this double perspective, the Other would be both French and Moroccan, the North and the South, the Maghreb and the West. This will lead to a comparison between representations which are sometimes convergent, sometimes divergent, and even antagonistic. For those crossing the Mediterranean are not only brought to call into question the supposed superiority of the colonizers and denounce the condition of the immigrants, but are also faced with a new vision of the world: the openness to the Other and its foundations implying mutual respect and the fruitfulness of a cultural mix. It is therefore necessary to contextualize the French and Moroccan cinematographic meeting points in order to understand how bodies, their movements and the way they are interpreted on the screen, are at the core of our cross observations. Thus a Franco-Moroccan cinematographic “correspondence" appears. A crossroad of linguistic and cultural diversity, raising undoubtedly complex questions related to these rich encounters and worthy of scientific interest. How can the Moroccan contribute to the French film narrative, corresponding to an inner quest, or on the contrary confirming a radical disenchantment? How does France enter Moroccan contemporary cinema? How do French characters fit in? This work also examines the consecutive dangers of that kind of representation which amount to mere picturesque film narratives, inventories full of cliches revealing a stereotypical view of the Other and their space. Because in the 2000s, some movies and thinkers still have this attitude, so they often feel derided. However, French cinema and Moroccan films, far from being reduced to this challenge, offer today an original and distanced vision of themselves, their culture, and most certainly the Other

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Colin, Christelle. "Identité et mémoire dans le cinéma actuel sur la Galice (1989-2006)." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20086.

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Abstract:

Cette thèse traite la question identitaire dans le cinéma (de fiction) fait en Galice depuis 1989. Pour dégager les formes et les expressions de l’identité dans l’imaginaire filmique, nous nous sommes centrée sur un axe récurrent dans ce cinéma encore très jeune : la mémoire et les images du passé. En partant du constat de cette thématique mémorielle et en nous appuyant sur le concept d’identité narrative proposé par Paul Ricoeur nous avons dégagé les différentes stratégies identitaires mises en place dans les textes filmiques. Dans une première partie, l’évocation d’une mémoire folklorique constituée par des éléments tels que le territoire, les traditions et la langue propose une lecture inspirée d’un macrotexte identitaire issue de la tradition galléguiste. Dans une deuxième partie, un rapport problématique au passé fondé sur les troubles de la mémoire l’oubli et l’amnésie caractérise un personnage galicien en crise qui rejette le premier modèle identitaire proposé par les films de la période précédente. Une troisième partie enfin met en évidence la formulation d’une identité idéale fondée sur la récupération de la mémoire des anciens héros de la république et du galléguisme ou de héros plus contemporains. La mémoire dans ces représentations filmiques révèle plus une identité problématique que la revendication d’une identité galicienne forte This thesis treats the identity question in the cinema (of fiction) made in Galicia since 1989. To release the forms and the expressions of the identity in the imaginary filmic one, we were centered on a recurring axis in this cinema still very young: memory and images of the past. By supporting us on the concept of narrative identity proposed by Paul Ricoeur we highlighted the various identity strategies installation in the filmic texts. In a first part, the evocation of a folk memory consisted elements such as the territory, the traditions and the language proposes a reading inspired of a macrotext identity exit of the tradition galleguist. In a second part, a problematic relation with the past based on the disorders of the memory the lapse of memory and amnesia characterize a Galician character in crisis which rejects the first identity model suggested by films of the previous period. A third part finally highlights the formulation of an ideal identity founded on the recovery of the memory of the former heroes of the republic and the galleguism or more contemporary heroes. The memory in these filmic representations reveals more one problematic identity that the claim of a strong Galician identity

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Meininger, Sylvestre. "Recherches d'une nouvelle masculinité dans le cinéma américain, 1977-1991." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030063.

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Abstract:

Ce travail analyse la reaction du cinema americain aux bouleversements socioculturels provoques par les annees soixante et la guerre du viet-nam. La periode etudiee commence en 1977, date de sortie de la guerre des etoiles, et se termine en 1991, annee qui vit le triomphe de l'armee americaine contre l'irak. Concus par des studios qui appartiennent desormais a des multinationales et realises par une nouvelle generation de cineastes, les films produits au cours des annees quatre-vingt vont sauver hollywood de la ruine et participeront au renouveau ideologique symbolise par la presidence de ronald reagan. Au coeur de ce vaste mouvement de restauration nationale se trouve l'image de l'homme blanc, malmenee par l'evolution rapide des mentalites et la defaite militaire en asie du sud-est. De la guerre des etoiles a terminator 2, le cinema americain va developper differentes strategies narratives et esthetiques qui viseront a reconstruire le lien entre identite nationale et masculine. Commencees avec la relegitimation de la violence guerriere, la decennie s'acheve sur l'ouverture des personnages masculins aux femmes et a la sensibilite. L'analyse des films les plus populaires de cette periode, mais egalement de certains films d'auteur, permettra de mettre a jour ces strategies et de comprendre comment elles s'articulent les unes par rapport aux autres.

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Milly, Julien. "Voir le seuil : les visages de la disparition." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030140.

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Abstract:

Comment voir le seuil ? Comment lui découvrir une plasticité tant il échappe, par définition, à toute limite, à toute certitude ? Lieu d’où émane une puissance de métamorphoses, le seuil ouvre l’image au déséquilibre et au vertige, créant une aire significative au regard d’une économie et des formes et du sens. La recherche met en évidence les différentes identités de l’entre (artistiques, esthétiques, dramatiques, etc. ), chacune en appelant à une dialectique qui relie aussi bien la présence à l’absence, la figure à la défiguration, que l’apparition à la disparition. Sont saisies, en conséquence, des organisations spécifiques de l’intermédiaire : d’une topographie du non lieu ou du hors lieu aux temporalités de l’entre, et jusqu’aux phénomènes d’identités seuil –et cela à travers des champs artistiques variés : de la peinture (Vermeer, La Tour, Rembrandt, Music, Velickovic) à la poésie (Bonnefoy, Jabès), de la photographie (Alain Fleischer, Jeff Wall) aux installations (Christian Boltanski) et au cinéma (Bergman, Antonioni, Sokurov, Rohmer, Haneke, Claire Denis). Des écritures filmiques contemporaines (Kiarostami, Lars von Trier, Wong Kar-Wai) précisent les caractéristiques actuelles d’une écriture du seuil, toujours attachée à une crise de l’identitaire et à un effondrement du visage. Perçu comme un « lieu » à part entière, le seuil dévoile ainsi sept fonctions, de même qu’il devient un outil heuristique pour penser l’image How is the threshold to be seen? How can plasticity be discovered in it when it eludes, by definition, every limit, every certitude. As the locus of a potential source of metamorphoses, the threshold opens the image to disequilibrium and vertigo, creating a meaningfull space with regard to an economy and forms and meaning. Research demonstrates the different identities of the between (artistic, aesthetic, dramatic, etc), each of them appealing to a dialectic wich links presence to absence, figure to disfiguration, as well as appearance to disappearance. Specific organisations of the intermediate area are apprehended, ranging from topography of the threshold of the surrounding area to the temporalities of the between, and even the phenomena of threshold identities, via various artistic fields : from painting (Vermeer, La Tour, Rembrandt, Music,Velickovic) to poetry (Bonnefoy, Jabès), from photography (Alain Fleischer, Jeff Wall) to installations (Christian Boltanski) and to cinema (Bergman, Antonioni, Sokurov, Rohmer, Haneke, Claire Denis). Contemporary films style (Kiarostami, Lars von Trier, Wong Kar-Wai) highlight the contemporary characteristics of a filmic representation of the threshold that is always linked to an identity crisis and a disappearance of the face. Perceived as a “locus” in its own right, the threshold thus reveals seven functions, and also becomes a heuristc tool for thinking about the image

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Lecompte, Rémi. "La représentation de la musique dans le cinéma de fiction : L'exemple de la musique diégétique dans le cinéma français des années 1960." Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR2032/document.

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Abstract:

À travers l'analyse d'un corpus de plus de quatre cents films français réalisés au début de la Ve République (1958-1968), cette thèse étudie les représentations de la musique avec pour ambition de rendre compte du fait musical dans sa globalité, de l'auditeur au musicien en passant par les nombreux médiateurs matériels ou humains. Le parti pris de ce travail est de privilégier l'observation d'une des modalités de la musique au cinéma, la musique dite « diégétique », c'est-à-dire celle audible et/ou produite par les personnages. Ces représentions cinématographiques de la musique sont appréhendées dans leurs multiples dimensions : visuelle – l'image de la musique –, sonore – la musique elle-même –, et linguistique – le discours sur la musique. À la diversité des films concernés (du cinéma « populaire » au cinéma « d'auteur ») répond la diversité des musiques convoquées par le cinéma de cette décennie, où jazz, musique populaire et musique classique se croisent Through the analysis of more than a four hundred movies collection, directed in the early years of the Fifth Republic (1958-1968), this thesis studies the representations of music aiming to report the wholeness of the musical fact, from the listener to the musician, including both human and material intermediaries. This study is devoted to the observation of one of the modality of music witch is the diegetic one, meaning the music that characters are either listening and/or making inside the story. These représentations are considered in their numerous aspects : visual – the image of music –, sound – the music itself –, linguistic – the speech about music. To the variousness of the chosen movies (from popular cinema to arthouse cinema) answers the variety of music carried by movies in this decade, where jazz, popular music and classical music are crossing paths

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Natali, Maurizia. "Le paysage dans le cinéma classique américain : définition et fonctionnement de l'image-paysage et de ses ressemblances intertextuelles : analyse d'un détail énigmatique de "Duel in the sun" de K. Vidor et des décors modernistes d'Alfred Hitchcock." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1993PA030122.

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Abstract:

Le paysage cinematographique est toujours une image complexe aux liens profonds avec les autres arts de l'image (peinture, photographie etc. ); le concept d'image-paysage definit ici le cinema comme producteur d'intertextes visuels et pas seulement comme narrateur d'intrigues; dans les auteurs classiques americains l'analyse des plans de paysage montre l'epaisseur iconologique du film et la culture du paysage comme "nature" et "ville". Le cinema apparait comme le retour differe des questions iconologiques dans un art populaire (western, melodrame, policier) Cinematographic landscape is always as an intricated image witch has important and profound links with the other arts of the image (peinting, photography, etc. ); the concept of image-landscape is the definition of cinema like a production of visual intertexts and not only like a "narrateur" (teller) of plots. In american classics authors the analysis of landscape shots shows the iconological layers of the film text and the culture of landscape as "country" and "tows". Movies appear like the retourned difference of iconological questions into a visual art which is mostly popular (western, melodrame, thriller)

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Apap, Anabel. "La migration et le déplacement comme manifestations de la violence dans la littérature et le cinéma méditerranéens et sub-sahariens francophones (1990-2010)." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL045.

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Abstract:

La migration est l’une des questions les plus troublantes dans le monde contemporain. Elle expose la fragilité de l’être humain qui se trouve dans une situation de changement radical et de transition tumultueuse. À cause de la violence qui est impliquée dans ce processus, le sujet plonge dans une position de vulnérabilité aiguë et la représentation de cet aspect dans la littérature et le cinéma francophones est saisissante et puissante. Notre travail considère le vécu difficile du migrant et la violence qui est exercée sur ce dernier à partir de trois grands axes ; le point de départ, le voyage et le point d’arrivée. Les auteurs et les réalisateurs qui, dans leurs œuvres, traitent de la figure du migrant ou l’incluent, révèlent la réalité complexe de l’expérience de la migration qui, dans la conscience collective occidentale, est généralement tronquée, simplifiée et/ou complètement écartée. L’étude de la représentation littéraire et filmique permet d’explorer les stratégies artistiques qui sont employées pour dire et montrer l’expérience au lecteur/spectateur et d’établir un réseau de connexions qui concrétise la souffrance et le tourment que l’Autre, pris dans le piège de la migration, subit Migration is one of the most disturbing and soul-searching issues in the contemporary world. It exposes the fragility of the human being who finds himself in a situation of radical change and turbulent transition. Owing to the violence involved in the process, the subject is plunged in a position of acute vulnerability and the representation of this aspect in francophone literature and cinema is striking and powerful. This work examines the difficult life of the migrant and the violence that is exerted on the latter from three main axes; the starting point or the point of departure, the voyage and the point of arrival. The authors and filmmakers who, in their works, deal with the figure of the migrant or include it, reveal the complex reality of the experience of migration which, in Western collective consciousness, is usually truncated, simplified and/or dismissed completely. The study of the literary and cinematic representation allows for the exploration of the artistic strategies employed to transmit the experience to the reader/spectator and for the establishment of a network of connections which concretises the suffering and the torment that the Other, caught in the snare of migration, endures

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Carrée, Roland. "Gosses d'Italie : les représentations d'une enfance marginale dans le cinéma italien des années 1990 et 2000." Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20052.

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Abstract:

Les années 1990 et 2000 sont une période cruciale pour le cinéma italien, qui connaît une certaine renaissance après avoir traversé une situation très délicate. Durant cette période, certains cinéastes se font remarquer pour leur tendance, selon différentes manières, à représenter une enfance marginale, à la fois porteuse de problèmes liés à la péninsule, mais également d’un avenir possiblement meilleur. Ces personnages d’enfants marginaux bénéficient d’un traitement différent de ceux du néoréalisme, notamment sur un plan esthétique. Le travail effectué sur les regards de ces enfants participe de leur marginalité, mais suggère également une légère interaction, des interrogations, des jugements, ou encore une certaine impossibilité de réconciliation avec le monde. La plupart de ces films se concentre en outre sur la question d’un imaginaire enfantin (plus précisément : le jeu et le rêve) régulièrement mis à l’épreuve du réel, et qui existerait parallèlement au monde des adultes, indifférents. Ces films suggèrent ainsi la marginalité des enfants, petits et grands (car les « adultes-enfants » sont aussi très présents dans cette période du cinéma italien), dans une société qui se soucie peu de leur sort ; mais aussi leur capacité à surmonter ces problèmes pour continuer à mener leur vie, grandir, etpeut-être pouvoir assurer des jours meilleurs à une Italie en manque de (re)pères The 1990s and 2000s were crucial years for Italian cinema and witnessed a relative rebirth following a very critical phase. During that period, a few filmmakers became known for their habit of depicting marginal children confronted with problemscharacteristic of their country and heralding a hopefully better future. They are characters that are handled in a way that differs from that of neorealism, especially on an aesthetic level. The filmmakers’ attitude to the children’s gaze forms part of what defines their marginality but also suggests a degree of interaction, questioning, judgment, or even some difficulty of coming to terms with the world. Most of the films focus on the issue of childhood imagination – more specifically play and dreams – regularly put to the test of reality and existing in parallel with the world of the adults, who are indifferent to it. Thefilms thus suggest the marginality of children of all ages – the child-adult being very much a character of this period of Italian cinema – in a society that does not seem to care about their fate. They also suggest their ability to overcome their problems and to go on living their lives, growing up and perhaps changing the course of Italian society for the better at a time when it is in need of directions

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Bosqué-Floch, Martine. "Identité, lieux et cinéma allemands : entre réunification et mondialisation." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030163.

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Abstract:

La formation de l’Allemagne nouvelle comme Etat nation survient au même moment que l’accélération de la mondialisation et la nouvelle étape dans le processus de l’Union européenne, réactivant le problème de l’identité et de la mémoire allemande. Comment le cinéma allemand rend-il compte de ce double processus ? Comment intervient-il dans la construction identitaire de l’Allemagne unifiée ? La notion de lieu, fondamentalement liée à l’identité, est, elle aussi, réactivée par cette contemporanéité d’événements mais étonnamment délaissée au cinéma. Que dit l’examen des lieux du cinéma allemand de l’identité de l’Allemagne, de l’identité de son cinéma ? Il s’agit moins ici d’apporter de solutions définitives que de mener une réflexion théorique approfondie sur les notions d’identité et de lieu(x), ainsi que sur toutes celles qui leur sont afférentes (identité nationale, identité d’un cinéma national, nation, Heimat, mémoire). Il s’agit en outre d’analyser le terreau culturel dont s’est nourri le cinéma de l’Allemagne unifiée, en retraçant quelques-uns des discours culturels qui s’y énoncent, afin d’en montrer les enjeux. Les Lieux de mémoire allemands notamment sont ainsi le lieu d’un dialogue et d’une confrontation avec d’autres disciplines, françaises et allemandes, impliquées dans les couples identité et lieu(x), identité et mémoire. La discussion est poursuivie lors de l’analyse du corpus, composé pour une grande part de cinéastes regroupés sous l’appellation d’Ecole de Berlin et interviewés dans le cadre d’une enquête qui s’est focalisée sur la notion de lieu(x) The reunification of Germany and its reinvention as a new nation-state temporally coincided with the acceleration of globalisation and the enlargement of the European Union, reactivating the problems of identity and of German memory. How does German cinema reflect this double process? How does it contribute to reunited Germany’s construction of identity? The notion of place, fundamentally linked to that of identity, is also reactivated by these events; surprisingly, cinema studies seem to have overlooked it. What does a close analysis of German cinema places tell us about Germany’s identity and the identity of its cinema? Instead of putting forward definitive answers, we propose a thorough theoretical reflection on the notions of identity and place(s), as well as on related notions, such as national identity, identity of a national cinema, nation, Heimat and memory. Moreover, we will analyse the cultural loam on which reunited Germany’s cinema developed, retracing some of the cultural discourses put into place, in order to better understand the issues they address. Germany’s sites of memory (“lieux de mémoire”) in particular seem to be a place for dialogue and confrontation with other disciplines, French or German, concerned with the coupled notions of identity and place(s) and identity and memory. We pursue this discussion throughout the analysis of our corpus, consisting for the most part on filmmakers grouped under the designation of “Berlin school” and interviewed within the context of an enquiry focused on the notion of place(s)

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Jolivet, Anne-Marie. "Marcelino pan y vino : l'enfant au cinéma dans l'Espagne franquiste." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040164.

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Abstract:

Parmi les nombreuses productions avec enfants du cinema de l'epoque franquiste, la creation de ladislao vajda avec pablito calvo pose de facon originale, la question du sens et de la representation de l'enfance a l'ecran. L'analyse filmique de marceline pan y vino constitue l'essentiel de cette recherche et s'appuie sur l'etude des chemins suivis par l'adaptation du conte homonyme de sanchez silva, a partir des documents d'archives et des decoupages d'avant et d'apres tournage. Cette adaptation du conte mystique invite a l'hermeneutique car elle a a voir avec la dimension de l'enigme et du sacre. Malgre l'influence du contexte historique, l'approche minutieuse de sa realite filmique y decouvre des accents de modernite sur la question de l'enfant et du droit. Les codes qui structurent sa symbolique et son etrangete sont a lire dans l'imaginaire de l'enfance, le mythe de l'enfant trouve, le roman familial, le secret des origines, le desir et le manque, la differenciation et la transcendance. L'utilisation de l'enfant-acteur et de la proxemie filmique, la representation de dieu et du miracle de la mort donnent a ce film une place a part dans l'histoire du cinema espagnol. Montage de representation, au service d'une ideologie selon certains, son ambiguite s'inscrit dans la verite de l'image, la tradition iconographique et le champ de l'anthropologie religieuse relie a l'imaginaire de l'enfance et a l'ontologie historique de l'humain et du divin. La deuxieme partie aborde la problematique de l'enfant-acteur et s'interesse aux modalites d'utilisation de la matiere filmable constituee par le corps ou "l'etre en soi" de pablito calvo. Mi tio jacinto et un angel paso por brooklyn, par des techniques et des styles differents, retravaillent l'image de l'enfant en l'adaptant a d'autres enjeux figuratifs. Dans ces trois films, vajda interroge les fondements de notre humanite et pose la question du corps, de la filiation et de la mediation filmique.

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Letort, Delphine. "Du film noir au néo-noir : mythes et stéréotypes en représentation : (1941-2001)." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20020.

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Abstract:

Les années quarante ont vu l'émergence d'un mouvement esthétique original que le film noir synthétise en se démarquant des conventions alors en vogue à Hollywood. Surveillé par la censure en raison du contenu subversif qui le caractérise, le film noir convoque une série de stéréotypes dont l'étude nous permet de mesurer l'influence du politique et de l'idéologique sur son mode de représentation. Structures narratives et mode de représentation travaillent de concert à la création d'une mythologie (la femme est fatale tandis que le héros est dit "hard boiled") que l'industrie cinématographique va abondamment exploiter dans sa stratégie commerciale. Le film noir révèle l'instabilité des codes qui servent à représenter le féminin et le masculin, suggère l'ambiguité des désirs qui poussent à l'acte meurtrier, fouille l'inconscient des êtres en proie à des pulsions morbides à travers les lumières contrastées qui composent l'espace. La criminalité apparaît comme le symptôme d'une véritable crise d'identité sociale et individuelle, semant dès les années cinquante les racines d'un mal que l'on voit exploser dans la violence du polar et du film néo-noir. Modernité et postmodernité ont affecté la relation de l'individu à l'espace social, à lui-même, comme elles ont transformé le statut de l'image dans la société. Le film noir et ses avatars trahissent les angoisses qui accompagnent une évolution incontrôlable, remplissent toujours une fonction politique à l'intéérieur du pays, invitant à un questionnement des valeurs individuelles et collectives à travers l'investigation de crimes dont l'horreur va croissante. Le film néo-noir interroge directement la culture et la civilisation postmodernes, s'amuse à déconstruitre les codes cinématographiques du film noir afin de mettre l'accent sur l'artificialité de la construction des images qui nous entourent et nous représentent, mais dont les enjeux nous échappent Classical Hollywood narratives are characterized by a set of conventions which film noir shattered as it emerged in the 1940s. Not only did the newly born genre disrespect the realist effect that ruled representation in classical films while playing upon mise en scene, but it also proved quite subversive as far as content is concerned. It relied on a series of stereotypes (the femme is fatale while the hero is hardboiled) that need to be recognized and analyzed in order to understand why film noir was closely watched by censorship. No doubt the political power of film noir was enhanced by its narrative structure and its mode of representation, implicitly referring to mythological narratives and figures, which the film industry also endowed with a commercial purpose. Film noir plays on the expressionist quality of black and white in order to express the ambiguity of desires leading individuals to the margins of crime, thus emphasizing that instabilities of gender were already incipient in the forties. Violence has pervaded the genre while laying stress on the urban crisis and expressing the psychological conflicts undermining the individual's sense of identity. The study of crime and violence in film noir and neo-film noir allows us to understand how modernity and postmodernity have affected the relationship of the individual to his environment and to himself. Film noir echoes the troubles caused by the transformation of society into a modern world whereas neo-film reflects the social and identity crisis triggered by a postmodern state and a new cultural and economic order. Postmodern aesthetics questions the rules of cinematic representation while deconstructing the genre, thus demystifying the American set of values vulgarized by Hollywood films and cinema itself

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López, Ana Maria. "Tensiones entre las narrativas de ficción y no ficción en la cinematografía contemporanea de Argentina, Chile y Colombia." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040073/document.

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Abstract:

Le cinéma de l'Argentine, le Chili et la Colombie entre 1990 et 2005 a dû faire face à divers changements liés aux modèles politique, économique et culturel. En particulier, les lois relatives à la production du cinéma ont changées dans les années ci-dessous, ce qui a permet de configurer un cinéma hétérogène par rapport aux thèmes et moyens de raconter. Dans cette thèse, nous nous proposons d’étudier un phénomène particulier situé temporellement dans un moment de transition et envisagé à travers un corpus clairement sélectionné. Le dit phénomène se présente à travers la relation que le cinéma entretient avec la réalité, relation qui, à cette époque, se caractérise par une grande ambigüité. Il s’agit principalement d’un élargissement des frontières de classifications des productions en vertu de sa relation avec la réalité qui, traditionnellement fut séparée en deux grands groupes définis comme fiction et non fiction. Pour cette raison, nous avons développés un cadre théorique autour du réalisme comme une catégorie d'analyse du corpus. Aussi, nous avons fait une analyse basée sur les approches des Études Culturelles d'Amérique Latine, l’Analyse Critique du Discours et l'Analyse de Cinéma. Notre travail a été de systématiser et de mettre en relation les processus qui ont permis la consolidation du cinéma contemporain d'Amérique Latine. Également, nous avons confirmés le besoin de contextualiser et de nourrir l'analyse de film avec la connaissance de l'histoire sociale, politique et économique comme une condition pour 'interpréter et analyser le récit de l'Amérique Latine Argentine, Chilean and Colombian Cinema of the period between1990-2005 had to face several changes related to political, economic and cultural models. In particular, laws related to film production changed over the years, allowing the configuration of a heterogeneous cinematography regarding its topics and ways of narrating. The main problem of this research is studying the relationship between cinema and reality and how the strategies of construction of fiction and nonfiction narratives are put into tension during the period above mentioned. For this reason, we developed a theoretical framework around the realism as a category to get an approach to the corpus. Additionally, we carried out an analysis of our corpus based on the Latin American Cultural Studies, Critical Discourse Analysis and Film Analysis approaches. We systematized and correlated the processes that have allowed contemporary Latin American films to consolidate as a reference. In this project, we have been able to confirm the need to contextualize and nourish film analysis using knowledge of the social, political and economic history as a condition to interpret and study Latin American Narratives

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Morari, Codruţa-Elena. "La pensée topographique : essai sur l'effet - métaphore au cinéma." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030155.

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Abstract:

Cette étude explore les opérations de catégorisation essentielles à l’organisation des domaines de l’expression et de la perception au cinéma et surtout à leur réversibilité propre au médium cinématographique. Un rôle fondamental revient aux processus d’analogie, de projection conceptuelle et d’isomorphisme entre ces deux domaines, processus que ce travail regroupe sous la catégorie de « métaphore ». La métaphore ne représente ni le symptôme, ni l’exemplum de la relation expression/ perception. Sa force consiste en ce qu’elle se situe en son coeur, tandis que son statut est d’assurer la réversibilité des deux domaines grâce à sa capacité à faire fonctionner des éléments identiques dans des médiums de signification différents. En tant qu’opération conceptuelle, la métaphore siège dans cet espace engendré par le jeu des formes de médiation entre le domaine de l’expression et de la perception cinématographiques. La médiation entre ces deux domaines est régie par des codes spécifiques dont l’interaction et la collaboration sont constitutives de l’opération métaphorique même. Aux degrés de médiation correspondent des degrés de métaphoricité que le présent travail organise selon des critères liés à leur manifestation dans le médium cinématographique. Au lieu de faire l’objet des taxinomies réductrices, les métaphores au cinéma se rangent sur un axe de degrés variables The present work focuses on conceptual operations involved in the organisation of the cinematographic expression and perception, operations that assure the reversibility of those two domains. In this dynamics of perception, a central role is played by such processes as analogy, conceptual mapping and isomorphism, processes that constitute the class of “metaphors”. Metaphor does not represent the symptom, nor the exemplum of the relationship between cinematographic expression and perception. Cinematic metaphor is rather situated at its core; it ensures the exchanges between expression and perception due to its ability to make work identical elements in different mediums of signification. As a conceptual operation, metaphor inhabits an intermediary space generated by the play of different forms of mediation between the realms of cinematographic expression and perception. This mediation is regulated by specific codes, whose interaction and collaboration are inherent to the metaphorical operation itself. To degrees of mediation correspond degrees of metaphoricity, and the present work has the contention to organise those degrees according to criteria proper to the cinematographic medium. Rather than being subject to reductive taxonomies, cinematic metaphors should be organise according to the degree of mediation of perception

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Mayer, Hervé. "Guerre sauvage et empire de la liberté : prolongements du mythe de la Frontière dans le cinéma américain post-western." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100084/document.

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Abstract:

La résurgence du mythe de la Frontière dans la rhétorique politique de la « guerre contre la terreur » oblige à reconsidérer l’idée de sa marginalisation dans la culture américaine depuis la crise du mythe public identifiée par Richard Slotkin à la fin des années 1960. Cette thèse en civilisation américaine et études filmiques soutient que, loin d’avoir été marginalisé, le mythe de la Frontière s’est diversifié, prolongé et consolidé dans la culture américaine. Considérant le cinéma comme le médium central d’une culture américaine mondialisée, cette étude propose une analyse sociohistorique des représentations du mythe de la Frontière dans le cinéma populaire américain après les années 1960. Elle vise à éclairer la continuité, sur les plans narratifs et idéologiques, existant entre le mythe de la Frontière formulé à la fin du XIXe siècle et le cinéma du début du XXIe siècle. Le point d’articulation entre ces deux périodes se situe au tournant des années 1960, moment où les critiques du mythe classique provoquent une diversification générique et esthétique de ses représentations. À partir d’un corpus primaire de six films de genres et de points de vue différents, sortis entre 1968 et 1986, nous adoptons une perspective transgénérique pour analyser les réponses à ces critiques formulées par le cinéma américain et la manière dont ces réponses servent de cadre idéologique au cinéma contemporain. Comprenant le mythe de la Frontière comme la version américaine d’une idéologie impériale partagée à la fin du XIXe siècle, nous soulignons les dynamiques transnationales accompagnant son émergence et sa diffusion dans une culture de masse mondialisée. Nous suivrons deux trajectoires principales reliant le mythe de la Frontière au cinéma contemporain : depuis la Conquête de l’Ouest de Theodore Roosevelt jusqu’aux représentations contemporaines de la guerre sauvage ; et depuis la « théorie de la Frontière » de Frederick Turner jusqu’aux incarnations cinématographiques d’un empire de la liberté The frequent use of frontier mythology in the political rhetoric of the “war on terror” calls for a reassessment of the common notion that it was marginalized in American culture after what Richard Slotkin identified as a crisis of public myth in the wake of the 1960s. This dissertation in American and Film Studies argues that the myth of the frontier did not wane in the American imagination, but rather diversified its forms and consolidated its influence in American culture. Considering cinema as the primary medium of a globalized American culture, this study is a socio-historical analysis of the representations of the frontier myth in American cinema after the 1960s. Its purpose is to underline the continuity, on a narrative and ideological level, existing between 19th-century American mythology of the frontier and 21st-century American cinema. The critical juncture is the turn of the 1960s, when criticisms of the frontier myth fostered a generic and aesthetic diversification of its representations in films. Based on a primary corpus of six films released between 1968 and 1986, taken from different genres and embodying different perspectives on the myth, this research adopts a transgeneric perspective to unpack the cultural responses to criticisms of the myth in the 1960s and the way those responses ideologically frame contemporary American cinema. We understand the frontier myth as the American expression of an ideology shared by all imperial nations of the late 19th century and, as such, adopt a transnational perspective on its emergence as well as its popularization. This study identifies two major paths connecting the frontier myth to contemporary American cinema: from Theodore Roosevelt’s Winning of the West to the representations of savage war; and from Frederick Turner’s frontier thesis to filmic celebrations of an empire of liberty

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Sillam, Olivier. "Les films militants du Parti communiste français de la Libération à la Guerre Froide (1944-1953)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010633.

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Abstract:

Sur une décennie près d'une centaine de films militants liés ou proches du PCF ont été tournés et sont conservés aujourd'hui. Ils sont très divers de par leurs sujets, leurs buts et leur origine mais aussi par la longueur: de quelques secondes à plus d'une heure. Ils sont témoins d'une époque et de la politique de ce qui fut le premier parti politique français à la libération. La thèse se divise en quatre parties qui ont essayé de regrouper les films par thème: « héros de la Résistance et la classe ouvrière » c'est à dire deux épopées que revendiquent le PCE Ensuite, « les événements de la vie du Parti communiste français " qui sont aussi divers que les congrès du Parti communiste, les fêtes communistes ou encore les femmes dans ces films militants. Puis, « la Guerre froide» où l'on parle aussi beaucoup de pacifisme et enfin, « la politique intérieure» qui traite de sujets aussi divers que la lutte contre les accords Blum - Bymes ou les films municipaux du PCE Le lien que l'on trouve entre tous ces films c'est la croyance constante que la politique menée par le PCF et l'URSS sont forcément les plus justes. De nombreux hommes, femmes et militants politiques apparaissent dans ces films; outre les inévitables Maurice Thorez ou Jacques Duclos, de nombreux militants à priori anonymes apparaissent à l'écran ou sont cités et acquièrent ainsi une postérité due à leur engagement politique. Enfin, de nombreux techniciens connus ou pas apparaissent aussi à la réalisation de ces films. Ils montrent par là même l'importance du PCF et de la CGT dans les milieux du cinéma à cette époque.

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Loiseau, Elise. "Théâtralité de la scène de folie dans l'oeuvre de John Cassavetes et Martin Scorsese." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030069.

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Abstract:

Dans l’œuvre de John Cassavetes et de Martin Scorsese, la folie s’incarne selon deux modalités opposées: affectivité débordante chez l’un, enfermement mental et pulsion destructrice chez l’autre. La représentation de la folie implante dans l’image cinématographique une théâtralité spécifique, dont cette thèse explore les dimensions. La théâtralité d’un film peut d’abord être engendrée par le travail sur l’espace. Il est alors reconfiguré aux dimensions de la scène de théâtre, et affranchi du réalisme traditionnellement rattaché au cinéma. La représentation se resserre sur l’acteur qui incarne des personnages hystériques (chez Cassavetes) ou histrioniques (chez Scorsese). La mise en scène de ces troubles de la personnalité intimement liés au regard de l’autre et à la surexpressivité injecte une forte théâtralité dans l’image filmique. Or, cette intensité, voire cette violence, font de la folie un objet de représentation problématique. Lorsque l’image est fascinante, elle aliène le regard du spectateur qui n’est plus en mesure de penser la représentation. Intervient alors une autredimension de la théâtralité, envisagée comme dispositif permettant d’affranchir le regard du spectateur. Chacun à leur manière, Cassavetes ouvrant la voie, les deux cinéastes ont tenté d’investir le cinéma indépendant américain d’un pouvoir d’émancipation face à un medium dont ils savaient pleinement la puissance In their films, John Cassavetes and Martin Scorsese portray madness in opposite ways: exuberant affectivity for the former, and mental isolation and destructive impulse for the latter. The representation of madness embeds in the filmic image a specific theatricality, which this thesis explores more in depth.One can produce theatricality in a film firstly by working on the space itself, whose dimensions are reconfigured to match those of a stage and is freed of the elements of realism traditionally associated with cinema. The focus is turned fully on the actor who embodies characters that are hysterical (Cassavetes) or histrionic (Scorsese). The staging (or mise en scene) of these personality disorders, intimately linked to the gaze of the other and to superexpressivity, injects theatricality into the filmic image. However, this intensity, or even violence, makes madness a problematic object of representation. When the image is fascinating, it alienates the gaze of the viewer who can no longer think (reflect on?) about the performance. That’s when another dimension of theatricality intervenes, as a way to free the viewer’s gaze. Both filmmakers, with Cassavetes paving the way, have in their own specific ways, attempted to invest independent American cinema with a capacity for emancipation in the face of a medium whose power they only knew too well

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Tomaz, Zan Vitor. "Habiter la ville, faire territoire ˸ une prise de position du cinéma brésilien (2005-2017)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA041.

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Abstract:

À travers l'analyse d'une vingtaine de documentaires et fictions parmi les plus inventifs ayant été réalisés au Brésil entre 2005 et 2017, nous formulons l'hypothèse que les enjeux du territoire urbain sont un élément structurant de cette cinématographie nationale. Les questions relevant de l'habiter y apparaissent effectivement comme le point de convergence entre engagement social et création esthétique. En considérant des problématiques spatiales dans leur dimension politique, la notion de territoire participe à l'élaboration d'un prisme analytique forgé à partir des spécificités cinématographiques des œuvres. Celles-ci nous permettent de distinguer différentes tendances du cinéma brésilien contemporain, sans pour autant effacer la particularité stylistique de chacun des cinéastes abordés This study of 20 of the most inventive Brazilian fiction and documentary films produced between 2005 and 2017 reveals how they share central concerns related to the urban environment. The act of inhabiting becomes a point of convergence between social activism and artistic ambition in these films. The notion of territory, which adds a political dimension to the conception of space, is key to this analysis of recent Brazilian cinema, which seeks to identify trends in the works examined without ignoring the filmmakers’ individual styles

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De, Voghelaer Nathalie. "Cinéma, mémoire et imaginaire collectif : ou Comment les réalisateurs allemands représentent le génocide dans les films de fiction entre 1945 et 1960." Lille 3, 1999. http://www.theses.fr/1999LIL3A008.

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Tessier, Laurent. "Succès et représentations à vocation collective dans les films de fiction américains traitant de la guerre du Vietnam." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040158.

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Abstract:

La guerre du Vietnam peut sans doute être considérée comme l'un des traumatismes majeurs endurés par la société américaine au XXe siècle. Or, après une période de vide relatif pendant la décennie 1970, les Etats-Unis ont connu dans les années 1980-90 un déferlement de productions artistiques, et en particulier de films de fiction abordant la question de la guerre du Vietnam. La manière dont cette guerre et ceux qui y ont participé ont été représentés aux Etats-Unis a ainsi été l'enjeu d'interactions, de conflits et d'arbitrages divers entre les différentes parties impliquées dans ces productions filmiques : les cinéastes et les producteurs de ces films, les anciens combattants ou " vétérans " ainsi que différents groupes politiques ayant des intérêts plus ou moins directs dans la manière dont la guerre doit être intégrée à la mémoire collective américaine. Cet exemple des films traitant de la guerre du Vietnam présente donc la particularité de fortement résister à une interprétation du succès en terme de pur divertissement. Que l'on se place du point de vue des producteurs ou du public, la signification de ces films semble résider dans leur supposée " authenticité ", plus que dans leur capacité à " divertir ". Afin de comprendre le succès de ces films, on a donc tenté de mettre à jour leur signification : ce qui fait que certains individus (qui peuvent ou non appartenir au " monde du cinéma ") considèrent que ces films valent la peine d'être produits, distribués et promotionnés, et ce qui fait que le public considère qu'ils valent la peine d'être vu The Vietnam war can be considered as one of the major traumatism endured by the American society during in the XXth century. After a period of relative calm during the decade 1970, the United States produced in the years 1980-90 a flood of artistic works, and in particular an incredible number of fiction films dealing with the question of the Vietnam war. The way this war (and those who participated in it) were represented in the United States has been at stake of interactions, conflicts and different kinds of negociations between the various groups involved in these cinematic productions : the film-makers and the producers of these films, the Vietnam veterans, as well as various political lobbies having interests in the way the war should be integrated into the American collective memory. This example of Vietnam War films thus presents the peculiarity to resist strongly to an interpretation of the success in term of pure entertainment. Either from the of the producers' point of view or from the publics', the meaning of these films seems to lie in their supposed "authenticity", more than in their capacity to entertain. In order to understand the success of these films, we tried to unveil their meaning : to show what makes certain individuals (who not necessarily belong to the “world of cinema”) consider that these films are worth being produced, distributed and promoted, and what makes the public consider that they are worth being seen

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Donnat, Cédric. "Les choses qui s'effacent : le cinéma de Michael Cimino à l'épreuve de l'histoire (1974-1996)." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100115/document.

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Abstract:

L'oeuvre de Michael Cimino (1939-2016) constitue un objet atypique dans le paysage de la production cinématographique américaine contemporaine. Féru d'histoire, de géographie, de peinture et de littérature, le cinéaste n'aura en définitive donné naissance qu'à sept long métrages ; après des débuts prometteurs (le succès mondial de son second film), ses ambitions artistiques sont brutalement, et irrémédiablement, contrariées par la réception très négative, tant publique que critique, de sa représentation de la mise en valeur des territoires occidentaux dans Heaven's Gate. Desinit in piscem écrivait Horace : avec ses trois dernières réalisations relevant davantage de la commande que de la création (The Sicilian, Desperate Hours et Sunchaser), la filmographie ne donne pas une forme achevée à l'immense ambition historiographique et esthétique révélée par la vaste fresque construite de The Deer Hunter (1978) à Year of the Dragon (1985). Pour autant, Cimino est parvenu à édifier une grammaire cinématographique exigeante et originale, à même d'exprimer un rapport à l'histoire qui, réfutant tout didactisme, relève fondamentalement d'une entreprise de déconstruction du grand roman national américain. Dans une telle perspective, l'enjeu ultime du propos s'apparente à un voyage, une quête des traces laissées par le passage du temps, non dans les institutions (les « superstructures » des catégories marxistes) mais au niveau infra, celui des individus et de la gemeinschaft. Du Vietnam aux plaines du Wyoming en passant par la métropole new-yorkaise, le continuum historique est appréhendé, modelé, à l'aune des changements qui affectent les existences humaines. La filmographie de Cimino doit en réalité peu au cinéma : elle tire sa raison d'être non des images préexistantes mais de la vie elle-même ; c'est pourquoi la pensée de Siegfried Kracauer, qui voyait dans la « rédemption de la réalité matérielle » la fonction essentielle du septième art, mais aussi ses développements ultérieurs (conduits notamment par Antoine de Baecque) fournissent l'assise théorique nécessaire à la bonne intelligence d'une pensée animée par la célébration de l'ineffable beauté des choses qui s'effacent, c'est à dire de l'histoire Michael Cimino’s work makes up an atypical item in the contemporary American film scene. Keen on history, geography, art and literature, the filmmaker actually only produced seven feature films ; after some promising beginnings (the global success of his second movie), the way he portrayed the emphasizing on Western territories in Heaven’s Gate was very badly received by both the audience and the critics, those negative reviews suddenly and irreversibly hampered his artistic ambitions. Horace wrote Desinit in piscem ; as his last three productions issued more from orders than from creation (The Sicilian, Desperate Hours and Sunschaser), the filmography does not stand for the completed historiographical and aesthetic ambition revealed by the historical epic depicted from The Deer Hunter (1978) to Year of the Dragon (1985). Nonetheless Cimino managed to develop a demanding and original cinema grammar capable of expressing a link with history which disproves all didactic and stems from an urge to deconstruct the great national American novel. With such a purpose in mind the issue at stake is similar to that of a trip, a quest for the traces left by the passing of time, not in the institutions (the ‘superstructures’ in the Marxist groups) but in the infrastructures, those of the individuals and the gemeinschaft. From Vietnam to the plains of Wyoming via New York City, historical continuity is considered in terms of -and affected by- the changes in human beings’ lives. Cimino’s filmography cannot be claimed by the cinema : it does not arise from preexisting pictures but from life itself. That’s why Siegfried Kracauer, who thought ‘redeeming material reality’ was the ultimate role for the cinema - as his further work (lead by Antoine de Baecque ) also showed - gave a necessary theoretical basis to a sensitive thought stoked by the celebration of the indescribable beauty of things that fade, i.e. of history

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Lima, Erico Oliveira de Araujo. "Casa e vizinhança ˸ modos de engajamento. Cinema brasileiro contemporâneo e práticas moradoras." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA019/document.

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Abstract:

Cette recherche se concentre sur des films brésiliens contemporains dont l’élaboration formelle est fortement impliquée dans les territoires filmés. Le cinéma devient l’une des multiples facettes du geste d’habiter, de même que l'image se fait l’une d’entre autres pratiques d’habitation. Sous ce prisme, différentes composantes de l’acte d’habiter peuvent avoir affaire au cinéma, que ce soit dans des œuvres qui soulignent un rapport étroit entre l’image et le geste d’habiter dans le présent, ou bien dans la recherche de formes de partage avec les habitants filmés, ou encore dans la tentative d'élaborer des stratégies imaginatives capables de rendre à la vie quotidienne une puissance esthétique et politique particulière. Maison et voisinage donnent lieu, dans chacun des films, à des manières particulières d’engagement dans le présent et dans le territoire. Par le biais d’une opération d’écoute, la démarche de la recherche consiste à rendre compte de la manière dont les films plient ces mots, qui désignent initialement, des espaces, des lieux, vers une perspective qui engendre des formes : formes de faire du cinéma et de fabriquer le geste d’habiter, les unes indissociablement liées aux autres. Les œuvres qui nous mobilisent sont les suivantes : Casa da Vovó (2008), de Victor de Melo ; Ficar me trouxe até aqui (2016), de Renata Cavalcante ; Ela volta na quinta (2014) et Quintal (2015), d'André Novais Oliveira ; Europa (2011), Mauro em Caiena (2012) et A Festa e os Cães (2015), de Leonardo Mouramateus ; Na missão, com Kadu (2016), de Pedro Maia de Brito, Aiano Bemfica, Kadu Freitas ; A vizinhança do tigre (2014), d'Affonso Uchoa ; A cidade é uma só? (2011) et Branco sai preto fica (2014), d'Adirley Queirós This research is made accompanied by contemporary brazilian films that elaborate in their forms an expressive implication with the territories they film. Cinema becomes an act co-engineered with countless other tasks involved in the elaboration of dwelling: image is a dweller practice that articulates itself to other dweller practices. To dwell is, this way, a gesture that may concern to cinema following distinct procedures, whether in works that bring out a more direct relation between image and the dweller action in the present, or in the research of forms of sharing between dwelling and filmed subjectivities, or even in the effort to outline imaginative strategies that speculate about dwelling and are capable of returning to daily life a potent energy, of an aesthetic and political matrix. Home and Neighborhood generate, as such, in each film, distinct ways of engaging with present and territory. By means of an operation of listening, the research task situates itself into perceiving how the films flexibilize those words, that imply at first, spaces, places, in direction to perspectives that contrive modes: of making cinema and of making dwelling, together and indissociable. The works are the following: Casa da Vovó (2008), by Victor de Melo; Ficar me trouxe até aqui (2016), by Renata Cavalcante; Ela volta na quinta (2014) and Quintal (2015), by André Novais Oliveira; Europa (2011), Mauro em Caiena (2012) and A Festa e os Cães (2015), by Leonardo Mouramateus; A vizinhança do tigre (2014), by Affonso Uchoa; Na missão, com Kadu (2016), by Pedro Maia de Brito, Aiano Bemfica, Kadu Freitas; A cidade é uma só? (2011) and Branco sai preto fica (2014), by Adirley Queirós Esta pesquisa se faz na companhia de filmes brasileiros contemporâneos que elaboram suas formas a partir de uma implicação expressiva com os territórios filmados. O cinema se torna ato coengendrado a inúmeras outras tarefas envolvidas na elaboração do morar: a imagem é prática moradora que se articula a outras práticas moradoras. O morar é um gesto que pode concernir ao cinema, segundo distintos procedimentos, seja em trabalhos que salientam uma relação mais direta entre a imagem e a ação moradora no presente, seja na pesquisa de formas de compartilhamento com os sujeitos moradores e filmados, seja ainda no empenho em traçar estratégias imaginativas que especulam sobre o morar e são capazes de devolver à vida cotidiana uma potente energia, de matriz estética e política. Casa e vizinhança geram, a cada filme, distintas maneiras de se engajar no presente e no território. Por meio de uma operação de escuta, a empreitada da pesquisa se situa em perceber como os filmes flexionam essas palavras, que designam, inicialmente, espaços, lugares, em direção a perspectivas que engendram modos: de fazer cinema e de fazer morada, juntos e indissociáveis. As obras que nos fazem companhia são as seguintes: Casa da Vovó (2008), de Victor de Melo; Ficar me trouxe até aqui (2016), de Renata Cavalcante; Ela volta na quinta (2014) e Quintal (2015), de André Novais Oliveira; Europa (2011), Mauro em Caiena (2012) e A Festa e os Cães (2015), de Leonardo Mouramateus; A vizinhança do tigre (2014), de Affonso Uchoa; Na missão, com Kadu (2016), de Pedro Maia de Brito, Aiano Bemfica, Kadu Freitas; A cidade é uma só? (2011) e Branco sai preto fica (2014), de Adirley Queirós

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Feenstra, Pietsie. "La Construction de nouvelles figures mythiques dans le cinéma espagnol de l'après-franquisme : (1975-1995)." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030111.

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Abstract:

La problématique centrale de ce travail repose sur l'étude de la construction de nouvelles figures mythiques dans le cinéma espagnol de l'après-franquisme (1975-1995). Pendant la période de la transition (1975-1983), plusieurs nouvelles images se révèlent sur le corps féminin, le corps homosexuel, et le corps délinquant. Etudier l'introduction des nouvelles images-pensées de ces corps, permet de cerner un processus de construction. La démarche adoptéé comprend d'abord une définition des nouveaux mythes en tant que nouveaux systèmes de croyances exprimés par de nouvelles images-pensées sur le corps : à un niveau latent, le corps fait référence à un archétype, à un niveau manifeste le corps s'articule et s'actualise par une image-pensée en symbolisant à la fois des corps stéréotypes, prototypes, clichés. . This thesis presents the process of constructing new mythological figures in Spanish cinema after Francoisme (1975-1995). During the transition period (1975-1983) various new images emerged in Spanish film concerning the female body, homosexual body and delinquent body. It is by analysing the appearance of the new thought-images of these bodies that we can understand the process of constructing new myths in Spanish cinema. The discussion begins with the definition of myths as systems of beliefs expressed by new thought-images of the body. Then, it is shown how the body can be referred to different kinds of archetypes (femme fatale, mother figure, male heroism, etc. ). Finally, it is demonstrated how the body expressed these archetypes through its thought-images in a contemporary language symbolising possibly stereotypes, prototypes and clichés. .

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Bas, Pierre. "Les interrelations entre le monde réel et le monde du fantasme dans le classicisme hollywoodien." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA088.

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Abstract:

Le classicisme hollywoodien permet d’explorer la variété des sens que revêt au cinéma le concept de réalité à partir de fragments de réalité matérielle enregistrés, du réalisme ontologique qui s’y attache, de la réalité diégétique qui constitue l’univers des films, et de la réalité philosophique, qui renvoie le spectateur à son être propre par le partage de l’expérience de personnages auxquels il s’identifie. Par l’instrumentalisation de ces réalités relatives, Hollywood crée une nouvelle forme de récit qu’alimenteront la littérature, les mythes et la psychanalyse, participant à la diffusion d’un fonds culturel commun à tous les Américains. Parce que la réalité cinématographique n’est pas ce que croit le spectateur, elle a naturellement partie liée avec le rêve et le fantasme, justifiant une réflexion sur leurs interrelations et sur la dynamique de transformation de l’art cinématographique qui se joue dans ces interrelations.Les mondes hollywoodiens, soumis à l’ imaginaire et au désir des cinéastes, n’ont que l’apparence du nôtre, jusqu’aux mondes intérieurs dont les portes nous seront ouvertes par Hollywood à travers la représentation des rêves, créant une hybridité entre réalité, rêve et fantasme. Mais un doute se créera chez le spectateur à qui on aura fait croire au rêve et au fantasme autant qu’à la réalité, et ce doute mettra en péril la « suspension d’incrédulité » qui avait fait le succès d’Hollywood et contribuera à la fin du classicisme, le rêve ayant contaminé la fiction Through classical Hollywood cinema, one can explore the broad variety of meanings that the concept of reality has in cinema: fragments of recorded reality material, the ontological realism that is attached to it, the narrative reality that constitutes the universe of films, and the philosophical reality that transports the viewer back to his own self by sharing the experience of characters with whom he identifies. Through the instrumentalisation of these relative realities, Hollywood creates a new form of narrative that nourishes literature, myths and psychoanalysis, and help spread a common cultural background to all Americans. Because cinematographic reality is not what the audience believes it is, it is naturally linked with dream and fantasy, justifying thoughts on their inter-relationships and on the dynamics of the transformation of cinematographic art that is played out in these inter-relationships.Subjects of the imagination and desire of filmmakers, the worlds created by Hollywood merely have the appearance of our world. This even encompasses inner worlds, whose doors will be opened to us through the representation of dreams, creating a hybridity between reality, dream and fantasy. But a doubt will be created in the spectator, who has been made to believe equally in dreams, fantasy and reality, and this doubt will jeopardize the "suspension of disbelief" that has made Hollywood successful, ultimately contributing to the end of classicism; the dream having contaminated fiction

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Bondurand, Mouawad Michel. "Corps de terreur : genres, races et sexualités dans les représentations hollywoodiennes du terrorisme (1960-2010)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA116/document.

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Abstract:

La violence terroriste se définit principalement par le projet politique qui la motive. Or, depuis plusieurs décennies, Hollywood propose des personnages terroristes sans motivations politique avérées. Notre étude montre que la dépolitisation apparente de ces antagonistes particuliers fait entrer la représentation du terroriste dans une politique identitaire complexe dans laquelle le corps du personnage devient le véhicule principal du discours politique et que ce dernier porte principalement sur la renégociation des identités culturelles américaines, notamment sur les questions de races, de genres et de sexualités. À travers une approche historique qui relie en permanence les représentations analysées aux contextes sociologiques et culturels dans lesquels elles apparaissent, cette thèse montre comment Hollywood crée un archétype dont les caractéristiques principales reposent sur sa capacité à assurer une renégociation permanente des catégories identitaires dominantes afin de renforcer leur légitimité et leur hégémonie. En situant la genèse du personnages dans les films d’espionnage de la Guerre froide, cette étude couvre cinq décennies de production hollywoodienne sur le terrorisme et montre ainsi que les attaques du 11 septembre 2001 n’engendrent pas de rupture majeure dans ce domaine mais forcent plutôt l’industrie à abandonner un archétype que la postmodernité a rendu ingérable Even though terrorist violence is defined by a manifest political agenda, for decades Hollywood has created terrorist vilains with no specific political motivations. This study argues that the apparent lack of political content in the fictional representations of terrorism is actually compensated by an other political agenda that has to be read onto the bodies of those fictional terrorists and appears chiefly through gender, race and sexuality. Following a chronological approach, this study systematically connects the historical, sociological, and cultural contexts of production in order to highlight how Hollywood constructed an archetypal character of which unique features consist of communicating different speeches that help the dominant American cultural groups to permanently negotiate and strengthen their hegemonic power. After locating its origins in the spy fiction films of the 1960’s, we have studied the representations of terrorism over five decades. We were then able to demonstrate that the attacks of 9/11 were not a critical shift in Hollywood depiction of terrorism but rather forced the industry to leave behind a fictional construction which became unbearable after its emergence in what we have called « a postmodern reality »

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Bouarour, Sabrina. "Les masculinités dans les films musicaux et les mélodrames de Jacques Demy et Vincente Minnelli." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA145.

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Abstract:

Cette thèse explore les masculinités comme un terrain pluridisciplinaire pour penser les rapportsde pouvoir. A partir d’un rapprochement entre les films musicaux et les mélodrames réalisés parJacques Demy et Vincente Minnelli, ce travail examine les performances masculines dans lecontexte de l’après-guerre. Cette période de transformations sociales voit l’avènementd’une culture filmique transatlantique qui interroge et remet en cause les normes liées au genreet à la sexualité. Articulant approches esthétique et actorale, l’étude de la mise en scène met aujour la production de discours genrés ambivalents, historicisés en fonction des spécificités socio-culturelles propres aux cadres de production hollywoodien et français. Le film musical et lemélodrame, dans leur esthétique camp, se révèlent des lieux de négociations identitaires où seconstruit un rapport inédit au politique. On montre ici que les deux cinéastes, réunis par leur stylemélodramatique analogue, imaginent et rêvent des modèles de masculinités alternatives fondéessur des valeurs empathiques. Devant la caméra, la vulnérabilité, les émotions et les grandssentiments deviennent des armes politiques pour refonder et réinventer la communauté This thesis explores masculinities as a multidisciplinary field for thinking power relations. By connecting musical films and melodramas by Jacques Demy and Vincente Minnelli, this work examines male performances in the post-war context. This period of social transformations has given rise to the emergence of a transatlantic film culture that questions and challenges normsrelated to gender and sexuality. Articulating aesthetic and cultural studies approaches, the study of mise en scène brings to light the production of ambivalent gendered discourses, historicized according to the specific socio-cultural aspect of Hollywood and French film production environments. Musical films and melodramas, through their camp aesthetics, reveal themselvesas spaces of identity negotiation where an unprecedented rapport with politics is constructed. Both filmmakers, united by their similar melodramatic style, imagine and dream about models of alternative masculinities based on empathic values. In front of the camera, vulnerability, emotions and strong feelings become political weapons to refound and reinvent the community

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Shavit, Avner. "Occupy Hollywood : la nouvelle subversivité du Cinéma américain." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA042/document.

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Abstract:

Cette thèse s'intéresse aux films américains réalisés en réponse à l'implication de l'armée nationale au Moyen-Orient depuis le début des années 2000. Elle cherchera à prouver que ces films sont intrinsèquement différents de ceux réalisés aux États-Unis en réponse à des conflits antérieurs.L'étude historique du cinéma de guerre américain montre qu'il a traversé un processus qui l'a conduit à partir d'un cinéma qui considère les guerres américaines comme des guerres obligatoires vers un cinéma qui considère les guerres américaines comme des guerres de choix, provoquées par une addiction : l'addiction de la société américaine et surtout des hommes américains au combat. Contrairement aux films sur la guerre du Vietnam, les nouveaux films ne pointent pas un doigt accusateur vers un élément particulier, tel qu'un mandat spécifique d'un certain président, mais vers toute la structure de la société américaine et surtout vers sa tête, le père américainAinsi, le cinéma sur la guerre en Irak est beaucoup plus percutant dans ses messages sur le lien entre la société américaine et son militarisme, davantage encore que le précédent cinéma de guerre, qui avait déjà été très critique de l'armée et la société américaines This thesis examines American films which were made in response to US military involvement in the Middle East, since the beginning of the 2000s. It will seek to prove that these films are different than those made in the United States in response to previous conflicts. The historical study of American war cinema shows that it has undergone a process of evolution - from a cinema which views American wars as those of necessity, to a cinema which views American wars as wars of choice. Lately, it has gone even further than that – birthing films which present American wars as events caused by the American society, in order to fulfill the needs of the people who head it - fighting-addicted American men. This process can be said to have expanded the subjects dealt with by the American war cinema.Thus, the cinema about the Iraq War is much more poignant than representations of past wars, in its messages about the connection between American society and its militarism. It manages to surpass all previous war cinema, which in itself had been the most critical towards American army and society

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Thomas, Benjamin. "Enjeux et motifs du cinéma japonais contemporain : identité, modernité, temporalité." Lille 3, 2007. http://www.theses.fr/2007LIL30002.

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Abstract:

De belles images sans guère de substance. C'est ainsi que Nagisa Ôshima craignait que l'on n'appréhendât les films japonais à l'étranger. Non pas qu'ils en soient foncièrement dépourvus, mais parce que le regard porté d'ici sur eux manque d'une contextualisation qui révélerait pleinement les richesses de ces œuvres. La thèse de ce travail est qu'un angle d'approche du cinéma japonais contemporain, de 1989 à aujourd'hui, qui s'appuierait sur l'importance fondamentale de la réflexion sur l'identité nippone, plus prégnante encore dans la phrase actuelle de la modernité, permettrait précisément de substantialiser ces images. Voire d'affirmer qu'il existe bel et bien un cinéma japonais d'aujourd'hui, cohérent par ses recherches et ses thématiques, par ce qui le suscite même. De l'utilisation du langage cinématographique (outil pourtant ontologiquement occidental) aux thèmes et aux motifs les plus récurrents du film, ce fil conducteur tissé des angoissses et des espoirs liés aux modalités de la construction identitaire dans le Japon contemporain permet d'apprécier pleinement les enjeux de ce cinéma, justifiant aussi bien des analyses d'ordre esthétique que socioculturel ou suivant l'approche des rapports sociaux de sexe Beautiful images but little substance, such is how Nagisa Ôshima predicted Japanese films would be judged in the West. Not because they inherently lack substance but because we perceive them outside of the context necessary to reveal these films in all their complexity. The argument of the present work is that only an approach to the contemporary Japanese cinema (from 1989 to the present) based on a relief in the fundamental need to take into consideration the notion of a Japanese identity , ever more present and insistent, will lend substance to these images. Such an approach alone will show that there exists today something that we can indeed call "Japanese cinema", the coherency of which lies in the very themes and forms of experimentation that have generated it. This central concern, woven from the hopes and fears linked to the various forms the construction of an identity has taken in contemporary Japan, can be traced through the use both of a language of the cinema (en eminently Western tool) and recurring themes and leitmotifs. Its highlights what is at stake in this cinema and justifies not only formal analyses but those related to cultural theory and gender studies

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Lupetti, Elisa. "L’analyse des dialogues dans les scènes de dispute familiale du cinéma français (2000-2010)." Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20122/document.

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Abstract:

Ce travail vise à réunir deux différents domaines : la linguistique française et les études cinématographiques. Il porte notamment sur l’analyse des conversation, l’analyse du discours en interaction et l’analyse du dialogue cinématographique afin de réfléchir sur un thème qui n’a été abordé jusque là que du point de vue psychologique : le conflit familial. L’originalité de ces pages repose ainsi sur la volonté d’utiliser le cinéma et ses dialogues pour entamer une recherche linguistique de neuf films français réalisés entre 2000 et 2010 : Ressources humaines (2000) de Laurent Cantet, Tout va bien, on s’en va (2000) de Claude Mouriéras, Aime ton père (2002) de Jacob Berger, Père et fils (2003) de Michel Boujenah, Je vais bien, ne t'en fais pas (2006) de Philippe Lioret, Nue propriété (2007) de Joachim Lafosse, Un conte de Noël (2008) de Arnaud Desplechin, Non ma fille, tu n’iras pas danser (2009) de Christophe Honoré, Mères et filles (2009) de Julie Lopes-Curval. Ces films, dont le corpus se compose, ont été examinés dans le but de distinguer les scènes de dispute familiale pertinentes pour mes analyses. Ainsi, après avoir transcrit les répliques des quarante-deux scènes choisies, j’ai mis en relief les actes linguistiques récurrents dans une situation conflictuelle. Pour ce faire, j’ai repris les travaux de Austin et Searle et, plus récemment, de C. Kerbrat-Orecchioni. J’ai ensuite focalisé mon attention sur la mise en scène du conflit, développant une analyse assez fine de ce qui a été défini dispute. Il faut préciser à ce propos que le corpus a montré l’existence de deux grandes typologies de dispute au cinéma (retenue et manifeste), qui se subdivisent en dispute dilogale, trilogale et polylogale, suivant le nombre des participants. L’application des outils interactionnistes à un corpus cinématographique a également révélé que l’on peut considérer la conversation des films comme une représentation simplifiée des échanges verbaux authentiques, les deux types de conversation présentant la même structure : une ouverture, un corps, une clôture de l’interaction. La dernière partie de la thèse porte sur la dispute prototypique du corpus (2009_MF_DisputeBAGARRE), ainsi définie car elle réunit les éléments verbaux et non verbaux principaux surgissant dans une situation conflictuelle. C’est justement sur ces mêmes éléments que j’ai focalisé mon attention dans la première partie de la thèse lors de la définition de l’objet d’étude et de son insertion dans le cadre théorique This work aims to bring together two different areas: French linguistics and film studies. Topics covered include the analysis of conversation discourse analysis in interaction and analysis of film dialogue to reflect on a theme that has been discussed previously as psychologically : family conflict.The originality of these pages are based on the intention of using film and its dialogues to analyse nine French movies made between 2000 and 2010 :Ressources humaines (2000, Laurent Cantet)Tout va bien, on s’en va (2000, Claude Mouriéras)Aime ton père (2002, Jacob Berger)Père et fils (2003, Michel Boujenah)Je vais bien, ne t'en fais pas (2006, Philippe Lioret) Nue propriété (2007, Joachim Lafosse)Un conte de Noël (2008, Arnaud Desplechin) Non ma fille, tu n’iras pas danser (2009, Christophe Honoré)Mères et filles (2009, Julie Lopes-Curval)These films were examined in order to distinguish the relevant domestic dispute scenes for the analysis. Thus, having transcribed replicas of the forty- two selected scenes , I highlighted the recurring linguistic acts in a conflict situation . To do this , I resumed the work of Austin and Searle and , more recently, C. Kerbrat - Orecchioni . I then focused my attention on the stage of the conflict , developing a fairly detailed analysis of what has been defined dispute. It should be noted here that the body showed the existence of two large cinema dispute typologies ( restraint and manifest) , which are subdivided into dilogale dispute, and trilogale polylogal depending on the number of participants.The application of the interactionist tools to cinematic corpus also revealed that the conversation of the films can be considered as a simplified representation of authentic verbal exchanges, two types of conversations with the same structure : an opening, a body, a fence interaction.The last part of the thesis deals with the prototypical scene of the corpus ( 2009_MF_DisputeBAGARRE ), so defined since it brings together key verbal and non- verbal elements arising in a conflict situation. I properly focused my attention on these elements in the first part of the thesis in order to define the object of the study and its inclusion in the theoretical framework

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Dissertations / Theses on the topic 'Cinéma – 1960-1990 – Thèmes, motifs'

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