Academic literature on the topic 'Cinéma – 20e siècle – Thèmes, motifs'

Image matérielle ou image mentale, émanation du geste humain ou production de l’esprit, artefact ou souvenir, l’image recouvre une multiplicité de formes et de significations qui vont des rêves aux dessins d’enfants, des ombres projetées aux peintures célébrées, des traces mnésiques aux images numériques. Tout autant confrontée à cette tension entre matérialité et virtualité, la connaissance anthropologique sur les images, comme les nombreux domaines du savoir qui lui sont associés (sociologie, sémiologie et études médiatiques, principalement) ont proposé des manières distinctes d’aborder les images, abandonnant toutefois aux sciences de l’esprit (psychanalyse et sciences cognitives) la dimension imaginative. Ainsi, deux voies se sont historiquement tracées pour intégrer les apports de la représentation imagée et se partagent, aujourd’hui encore, le domaine de l’anthropologie des images. D’un côté, l’image comme support au discours permet de questionner le potentiel culturel, politique et idéologique de l’image que les chercheurs vont déceler dans des corpus de représentations (publicités, images de la presse, cartes postales, selfies, snapshots et autres illustrations culturelles); de l’autre, l’image comme instrument de recherche dans laquelle la production visuelle des chercheurs (captations photographiques ou filmiques, tableaux, croquis, dessins et plans) est une manière d’accéder à leur terrain d’étude avec parfois pour ambition de proposer une visualisation de leurs résultats de recherche. Pour le dire avec Douglas Harper (1988), l’image peut aussi bien être un objet d’étude sur lequel on porte le regard qu’un instrument de recherche qui conduit ce regard. Si l’anthropologie s’est saisie dès le début du 20e siècle du potentiel expressif et cognitif de l’image avec les travaux photographiques de Margaret Mead et de Gregory Bateson sur les usages sociaux du corps dans la culture Balinaise (1942), et ceux, filmiques, de Robert Flaherty à travers son documentaire sur la population inuite de l’Arctique (1922), c’est l’iconologue et anthropologue Aby Warburg qui, à la même époque, a le plus insisté sur la complémentarité de ces deux formes d’images (matérielles et mentales) comme de ces deux postures de recherche (sur les images et avec les images). En effet, son projet d’un Atlas (2012) – composé de milliers de photographies et baptisé du nom de la déesse grecque de la mémoire, Mnemosyne – avait pour ambition de retracer, par la collecte et l’assemblage d’images, des invariants anthropologiques qui traverseraient les époques et les continents (de la Grèce antique à la Renaissance florentine; des Bacchantes romaines au peuple Hopi d’Arizona), et dont la mise en correspondance permettrait, par-delà les discours, une lecture visuelle de l’histoire culturelle. Dans cette méthode d’interprétation iconologique, les représentations matérielles et l’imagination sont intimement liées dans le processus de connaissance anthropologique : les images sont tout à la fois la source du savoir et son véhicule. Le terme de « formules de pathos » que Warburg propose, exprime, dès lors, le caractère idéal-typique du motif imaginaire qui se répète de représentation en représentation à travers les époques, les espaces et les cultures. La proposition qui, par ailleurs, est faite de mettre le détail au cœur de la démarche de recherche, en insistant sur l’attention aux motifs discrets mais persistants – comme la forme d’un drapé ou le tracé d’un éclair – retrouvera plus tard l’un des impératifs de l’anthropologie interprétative formulée par Geertz et l’effort ténu de description que sa mise en pratique exige (1973). Elle rejoindra également celui de l’anthropologie modale (Laplantine 2013) qui milite pour un mode mineur de la connaissance, à l’image des lucioles qui ne brillent la nuit que pour celles et ceux dont l’acuité sensible est mise au service de cette contemplation. Malgré sa radicalité, le parti pris de considérer les images comme la trame à partir de laquelle l’anthropologie se constitue comme savoir a ceci de fascinant qu’il inspire nombre de recherches actuelles. En effet, dans une société saturée par le visuel et dans laquelle les écrans forgent en partie le rapport au monde, cette voie originale trouve aujourd’hui un écho singulier dans plusieurs travaux d’envergure. Georges Didi-Huberman (2011 : 20) reprend, à son compte, le défi warburgien, autrement dit « le pari que les images, assemblées d’une certaine façon, nous offriraient la possibilité – ou, mieux, la ressource inépuisable – d’une relecture du monde ». De son côté, Hans Belting (2004 : 18) insiste sur le fait que « nous vivons avec des images et nous comprenons le monde en images. Ce rapport vivant à l’image se poursuit en quelque sorte dans la production extérieure et concrète d’images qui s’effectue dans l’espace social et qui agit, à l’égard des représentations mentales, à la fois comme question et réponse ». On le voit, l’héritage de l’iconologie a bel et bien traversé le 20e siècle pour s’ancrer dans le contemporain et ses nouveaux thèmes transversaux de prédilection. Les thèmes de l’expérience et de l’agentivité des images sont de ceux qui redéfinissent les contours de la réflexion sur le sujet en lui permettant de nuancer certains des épistémès qui lui ont préexisté. Désamorçant ainsi le partage épistémologique d’un savoir sur les images, qui témoignerait des représentations véhiculées par les artefacts visuels, et d’un savoir avec les images, qui les concevrait comme partenaires de recherche, on parle désormais de plus en plus d’agir des images aussi bien du côté de l’interprétation culturelle que l’on peut en faire, que du travail des chercheurs qui les captent et les mettent en récit. Par ailleurs, le fait que l’image est « le reflet et l’expression de son expérience et de sa pratique dans une culture donnée [et qu’à] ce titre, discourir sur les images n’est qu’une autre façon de jeter un regard sur les images qu’on a déjà intériorisées (Belting 2004 : 74) », relativise également cet autre partage historique entre image intérieure (mentale) et image extérieure (représentationnelle), image individuelle (idiosyncrasique) et image publique (collective) qui s’enracine dans une généalogie intellectuelle occidentale, non pas universelle, mais construite et située. L’agir des images est alors tout aussi bien l’expression de leur force auratique, autrement dit de leur capacité à présenter une réalité sensible, à faire percevoir une situation sociale, un prisme culturel ou un vécu singulier, mais aussi, celle de leur agentivité comme artefact dans l’espace public. Dans le premier ordre d’idées, l’historienne et artiste Safia Belmenouar, en collectant et en assemblant des centaines de cartes postales coloniales, qui étaient le support médiatique vernaculaire en vogue de 1900 à 1930, montre, à travers un livre (2007) et une exposition (2014), comment les stéréotypes féminins réduisant les femmes des pays colonisés en attributs exotiques de leur culture se construisent socialement, tout en questionnant le regard que l’on porte aujourd’hui sur ces images de femmes anonymes dénudées répondant au statut « d’indigène ». La performance de l’image est ici celle du dessillement que sa seule présentation, en nombre et ordonnée, induit. Dans le deuxième ordre d’idées, l’ethnologue Cécile Boëx (2013) n’hésite pas, dans ses contributions sur la révolte syrienne, à montrer de quelle manière les personnes en lutte contre le pouvoir se servent des représentations visuelles comme support de leur cause en s’appropriant et en utilisant les nouvelles technologies de l’image et l’espace virtuel d’Internet. Les images sont ici entendues comme les actrices des conflits auxquels elles prennent part. L’expérience des images, comme le montre Belting (2004) ou Laplantine (2013), est donc aussi celle dont nous faisons l’épreuve en tant que corps. Cette plongée somatique est, par exemple, au cœur du film expérimental Leviathan (2012), réalisé par les anthropologues Lucien Castaing-Taylor et Véréna Paravel. Partant des images d’une douzaine de caméras GoPro fixées sur le corps de marins de haute mer partis pêcher au large des côtes américaines de Cape Cod, le documentaire immersif fait vivre l’âpre expérience de ce métier ancestral. À l’ère des pratiques photographiques et filmiques amateures (selfies, captations filmiques et montages par téléphones cellulaires) et de l’explosion des environnements numériques de partage (Instagram, Snapchat) et de stockage des données (big data), le potentiel immersif de l’image passe désormais par des pratiques réinventées du quotidien où captation et diffusion sont devenues affaire de tous les corps, indépendamment de leur position dans le champ social et culturel. Critiquées pour leur ambiguïté, leur capacité de falsification et de manipulation, les images ont aussi ce potentiel de remise en cause des normes hégémoniques de genre, de classe et d’ethnicité. Prises, partagées et diffusées de manière de plus en plus massive, elles invitent à l’activité critique afin de concevoir la visualité dans la diversité de ses formes et de ses enjeux contemporains (Mirzoeff 2016). Si aujourd’hui, dans un monde traversé de part en part par les images, l’anthropologie de l’image est un domaine de recherche à part entière dont l’attention plus vive à l’expérience sensible et sensorielle qui la singularise est le prérequis (Uhl 2015), l’iconologie comme méthode anthropologique spécifique répondant aux nouveaux terrains et aux nouvelles altérités a encore du chemin à parcourir et des concepts à inventer afin de ne pas s’enfermer dans le registre instrumental auquel elle est trop souvent réduite. Pour penser l’image dans le contexte actuel de sa prolifération et de la potentielle désorientation qu’elle induit, la tentative d’une iconologie radicale, telle qu’initiée par Warburg, demeure d’une évidente actualité. <

Archétypal et protéiforme, le mythe d'Orphée ressuscite au théâtre et au cinéma du XXe siècle, se chargeant de significations nouvelles. Sa trame narrative s'affirme par le jeu dramatique et par l'image et s'ouvre à des horizons inexplorés, tout en restant fidèle à la tradition. Pour Victor Segalen, Jean Cocteau, Tennessee Williams, Jean Anouilh, Marcel Camus et Yorgos Scourtis, la figure orphique incarne non seulement le triomphe de la musique et de l'amour, mais aussi l'échec irrémédiable, la solitude, et surtout la recherche d'un ailleurs qui abrite leurs rêves et leurs idéaux : la justice, la liberté, la pureté, l'art ou la beauté. Notre étude de la palingenèse du mythe orphique dans les arts dramatiques du XXe siècle débute par la définition du contexte historique et esthétique, ainsi que des préoccupations personnelles des auteurs qui ont gardé au mythe une place importante au sein de leur œuvre. Dans un deuxième temps, nous analysons les séquences du récit mythique, pour étudier, ensuite, les grands thèmes qui le traversent et que l'on retrouve dans ses différentes versions. Enfin, nous analysons les dimensions sociologiques, spirituelles, métaphysiques et esthétiques des relectures modernes, afin de démontrer qu'à travers toutes les modifications que subit le mythe, sa symbolique sacrée persiste dans sa foi et sa fidélité à rechercher un idéal dans un monde de désenchantement.

"Cette recherche porte sur la mort dans le film noir américain classique (1940-1960). Tout film noir est hanté par l'idée de la mort. Bien qu'elle prétende à un certain réalisme criminel, la mort dans le cinéma noir prend parfois une forme qui au premier abord paut paraître étrange, délibérément invraisemblable. En effet, dans ces films, la logique de la mise en scène ne s'attache pas aux faits objectifs du monde réel, analysables rationnellement : elle relève de l'ordre de l'imaginaire et du fantasme. Le film noir étant fait de l'étoffe dont sont tissés les cauchemars, la mort noire se déchiffre comme on interprète les rêves. Elle est l'un des actes les plus signifiants que l'on puisse trouver au cinéma, le meurtre étant révélateur des désirs enfouis de celui qui le commet, de celui qui le subit, et de la relation qui lie ainsi la victime et son bourreau. Tuer constituant le paroxysme de l'action "noire", en se plongeant dans ses eaux sombres, on touche ainsi à l'essence du film noir"

La présente thèse de doctorat propose une analyse des représentations cinématographiques de la Guerre Civile espagnole dans les films réalisés entre 1982 et 1996, au cours des quatre législatures socialistes présidées par Felipe Gonzales en Espagne. Elle se veut une contribution à la réflexion sur les relations qu 'entretiennent l'histoire et le cinéma. Elle interroge de plus la corrélation entre les représentations cinématographiques et la mémoire du conflit, pour mettre en évidence la façon dont les films et feuilletons espagnols réalisés au cours de cette période (1982-1996) ont été agents de la construction de al mémoire collective de la guerre civile espagole<br>This doctoral thesis develops an analysis of the spanish civil war cinematographic representations in films produced between 1982 and 1996, under the socialist governments presided by Felipe Gonzales. It participates in the research on the relations between history and cinema. Furthermore, it brings the relation between the cinematographic representations and the memory of the conflict into question, in order to underline the way the films and serials created during this period (1982-1996) took part in the construction of the spanish civil war collective memory

Les représentations artistiques de la transgression aux XXe et XXIe siècles offrent souvent au regard un spectacle violent et macabre. Son intensité attesterait l’existence d’une "pulsion de mort" (Freud, 1920) tout comme elle scellerait ce lien entre l’érotisme et la mort dépeint par Georges Bataille. Déjouer un tel "terrorisme de la transgression", qui épuise aussi bien l’œuvre que son spectateur, invite à démasquer le conformisme et les falsifications de telles entreprises. Aux antipodes de ces postures, existent d’autres manières d’envisager la transgression en art afin de faire de celle-ci l’occasion d’un questionnement en profondeur, ébranlant toute certitude. Ce « dandysme de la transgression » engage un travail formel intense. L’analyse d’un vaste corpus, aussi bien littéraire (Wilde, Barbey d’Aurevilly, Bataille, Genet…) plastique (Blake, Cocteau…) que cinématographique (Visconti, Bresson…), révèle un spectre de stratégies visant à jouer, affronter ou dépasser la transgression. Seule une attention aiguë portée aux spécificités de ces univers artistiques permet le dévoilement de trajectoires singulières, aux enjeux opposés : là où l’émergence de la transgression pose parfois problème (Bresson), c’est ailleurs dans l’impossibilité de lui échapper que réside le drame (Lynch). À y regarder de plus près, le secret de l’esthétique et de l’éthique des œuvres, à l’ère contemporaine, se déchiffrerait tout particulièrement dans l’observation du sort réservé aux limites et aux interdits. Doit aussi être soutenue la thèse d’un rôle central non plus d’une hypothétique "pulsion de mort" mais de l’inceste au cœur de toute démarche transgressive authentique<br>Artistic portrayals of transgression in the 20th and 21st centuries often present a violent, macabre spectacle. Its intensity would appear to simultaneously attest to a "death wish" (Freud, 1920) and forge a link between eroticism and death as depicted by Georges Bataille. Thwarting such "transgression terrorism", which exhausts both the work and the spectator, is an invitation to unmask the conformism and falsification involved in such endeavours. At the opposite extreme to these approaches exist other manners of envisaging transgression in art that seek to use it as an occasion for in-depth questioning or to shatter certitudes. This "transgression dandyism" involves intensive formal work. Analysis of a vast corpus, at once literary (Wilde, Barbey d’Aurevilly, Bataille, Genet…), plastic (Blake, Cocteau…) and cinematographic, reveals an array of strategies aiming to play on, confront or transcend transgression. Only on examination of the particularities of these artistic universes do singular trajectories with antithetical goals become manifest: whereas for one creative mind the emergence of transgression occasionally presents a problem (Bresson), for another the drama resides in the impossibility of escaping it (Lynch). On closer scrutiny, the secret of aesthetics and ethics in contemporary works might be elucidated by observing the fate reserved for limits and taboos. That the central role in any authentic transgressive approach is no longer played by a hypothetical "death wish" but by incest is also tenable

Le personnage de Merlin est né il y a fort longtemps à partir de chroniques galloises. Ses origines littéraires remontent à des textes du 12e siècle, d’abord en latin, puis en français, dans lesquels il devient le célèbre conseiller d’Arthur et acquiert une notoriété considérable auprès des lecteurs. Aujourd’hui, neuf siècles plus tard, le Merlin traditionnel est en pleine renaissance, alors que le Romantisme avait laissé paraître l’avoir oublié pour toujours. Le héros fait toujours rêver et devient le personnage principal de nombre d’oeuvres de la production culturelle francophone actuelle. Ce travail se propose d’analyser les rémanences contemporaines du personnage littéraire médiéval de Merlin autour de deux axes principaux : les origines et les pouvoirs. Dans un premier temps, un tableau représentant le portrait médiéval du héros est constitué d’après l’étude d’un corpus d’oeuvres faisant apparaître Merlin au Moyen Âge. Puis, sur la base de ce tableau dont la structure compose le plan de l’étude, les rémanences contemporaines du héros sont analysées de manière détaillée à l’intérieur d’un corpus d’éléments à la fois littéraires, cinématographiques, théâtraux, appartenant à l’univers de la bande dessinée ou à celui d’Internet. L’étude des origines (qui regroupe les thèmes de la conception et de la tradition sylvestre) révèle principalement un changement de statut du concepteur médiéval de Merlin, le diable, qui se trouve rationalisé, paganisé ou même supprimé. Cette modification se fait au profit d’une véritable mise en lumière de la tradition sylvestre et du motif de l’homme sauvage, qui apparaissaient déjà au Moyen Âge mais deviennent primordiaux dans le corpus contemporain. Une analyse détaillée de la dévalorisation du christianisme permet de mieux comprendre ces bouleversements narratologiques qui touchent également le thème des pouvoirs (regroupant la clairvoyance, l’emprise sur le temps et l’emprise sur l’espace). En plus d’être déchristianisés, ils se modernisent considérablement grâce aux techniques proposées par les différents médias et sont ainsi démystifiés, ce qui permet une identification efficace avec le lecteur-spectateur. Ainsi, Merlin devient accessible, il n’effraye plus comme au Moyen Âge où son origine diabolique en faisait un personnage douteux. Il se présente comme le porte-parole d’un retour à la nature, comme il l’avait déjà été dans les premiers textes médiévaux avant que son message ne se perde sous le poids de la domination chrétienne. Or, aujourd’hui plus que jamais, le monde a besoin d’exemples, de modèles en ce qui concerne le respect et l’amour de la nature dont l’avenir semble menacé. Merlin constitue donc le messager idéal d’une conception « naturiste » de la vie et du monde, ce que les auteurs contemporains ont bien compris. Par son appartenance au monde médiéval et son portrait, revisité par la production culturelle contemporaine, il nous attire, nous fait rêver, tout en nous rappelant notre propre être dans un rapport d’identification à lui-même<br>The character Merlin, was born a long time ago from Welsh chronicles. Its literary origins go back to texts from the 12th century, first in Latin, then in French, in which he becomes Arthur’s famous adviser and acquires a great reputation among readers. Today, nine centuries later, the traditional Merlin is reborn, after Romanticism has forgotten him. The hero is still making us dream. He has become the main character of many works of the current francophone cultural production. This work analyses the contemporary persistence of the literary figure of medieval Merlin through two main themes: the origins and the powers. As a first step, a table of the medieval hero’s portrait is made according to the study of a novel’s corpus showing Merlin in the Middle Ages. Then, based on this table, whose structure builds the study plan, the hero’s contemporary persistence is analysed in detail through a corpus composed of elements from literature, cinema, theatre, comic books and Internet. The study of the origins (which includes the themes of the conception and the Woodwose or wildman’s tradition) shows mostly a modification of Merlin’s creator status, the devil, which is rationalized, paganised or deleted. This change is made to give importance to the Woodwose’s tradition, which already existed in the Middle Ages, but has become dominant in contemporary corpus. A detailed analysis of the Christian depreciation explains these narratological changes, which also affects the theme of powers (which includes the vision, the control over time and the control over space). In addition to their de-Christianization, the powers are considerably modernized thanks to the techniques of the various media. Consequently, they are demystified, which allows a finer identification with the reader-viewer. Thus, Merlin has become reachable, he does not scare any more like in the Middle Ages where his diabolical origin made him doubtful. He appears as a spokesman of a return to nature, as he had already been in the early medieval texts before his message was lost under the weight of the Christian domination. But today more than ever, the world needs examples, models to respect and love nature, whose future seems threatened. Merlin is the ideal messenger of a " naturist " conception of life and world. The contemporary writers understand this. Through his connection to the medieval world and his revisited portrait by the contemporary cultural production, Merlin attracts us, he makes us dream while reminding us of our own being through identification with this extraordinary character<br>Die Figur Merlin wurde vor langer Zeit aus walisischen Chroniken geboren. Seine literarischen Ursprünge stammen aus Texten des 12. Jahrhunderts die zuerst auf Lateinisch und danach auf Französisch waren. In diesen Texten ist der grossartige Berater von Arthur und erreicht dadurch Berühmtheit unter den Lesern. Neun Jahrhunderte später ist der traditionelle Merlin Wiedergeboren, nachdem er in der Romantik in Vergessenheit geriet. Der Held macht immer noch träumen und ist die Hauptfigur in etlichen Werken der zeitgenossischen frankophonen kulturellen Produktion. Diese Arbeit analysiert die zeitgenössischen Überbleibsel der mittelalterlichen Figur Merlin aus zwei Gesichtspunkten: der Herkunft und der Zauberkraft. Als erstes wurde eine Tabelle erstellt in der das Porträt des mittelalterlichen Helden, aufgrund von verschiedenen Werken, wo die mittelalterliche Figur Merlin erscheint, gezeigt wird. Diese Tabelle und seine Struktur sind die Grundlage unsere Studie. Die zeitgenössischen Remanenzen der literarischen mittelalterlichen Charakteristiken des Helden sind danach in der frankophonen kulturellen Produktion (Literatur, Film, Theater, Comics oder Internet) analysiert. Die Studie der Ursprünge (welche die Themen der Konzeption und der Tradition des wilden Mannes umfasst) zeigt hauptsächlich eine Änderung des Status des mittelalterlichen Vaters von Merlin (der Teufel), welcher rationalisiert, paganisiert und teilweise sogar gestrichen wird. Diese Änderung erfolgt zugunsten einer hervorgehobenen Darstellung der Tradition des wilden Mannes. Diese Tradition, die während des Mittelalters bereits erschien, steht im Vordergrund der zeitgenössischen Korpus. Eine detaillierte Analyse der Abwertung des Christentums erklärt die narratologischen Umbrüche, die auch den Bereich der Zauberkräfte betreffen (umfasst die Klarsicht, die Kontrolle über Zeit und Raum). Ausserdem wurden die Zauberkräfte dank den neuen Medien beträchtlich modernisiert und demystifiziert, was eine effiziente Identifizierung mit dem Leser-Zuschauer erlaubt Durch diese Entwicklung wird Merlin erreichbarer, macht keine Angst mehr im Gegensatz zum Mittelalter, wo ihn seine teuflischen Züge zweifelhaft machten. Er erscheint als Sprecher für eine Rückkehr zur Natur, wie das bereits in den ersten mittelalterlichen Texten der Fall war, bevor seine Botschaft unter der christlichen Herrschaft verloren ging. Heute, mehr denn je, braucht die Welt Beispiele, Modelle hinsichtlich Respekt und Liebe zur Natur deren Zukunft bedroht zu sein scheint. Merlin ist daher der ideale Kurier einer "naturistischen" Konzeption des Lebens und der Welt, was die zeitgenössischen Autoren deutlich verstanden haben. Durch seine Verbindung zur mittelalterlichen Welt sowie seiner Wiederauferstehung durch die zeitgenössischen kulturellen Produktionen, zieht er uns an und lässt uns träumen indem er uns an uns selber erinnert durch die Identifizierung mit dieser aussergewöhnlichen Persönlichkeit

Isabelle la catholique est l'un des personnages les plus celebres de l'histoire d7espagne. Ses representations sont nombreuses au xxe siecle dans les media qui touchent le public le plus large l'ecole et le cinema. L'etude des manuels scolaires montre une grande stabilite dans les representations bien que les auteurs utilisent des formes variees pour decrire la vie de la reine. Cependant, ce portrait lisse et parfois naif n'est pas denue de preoccupations morales et politiques. Le cinema presente une image aussi parfaite de la reine, mais les variations remporelles sont beaucoup plus senseibles. Ces representations s'affrontent et se completent. C'est de cette combinaison harmonieuse ou conflictuelle-catalysee par d7autres images vehiculees par des chansons ou des recits populaires. Que naissent les personnages de la mythologie nationale dans l'imaginaire d'un peuple. L'etude du cas d'isabelle la catholique est revelatrice : son personnage est d'une plasticite et d'une richesse extraordinaire. Sa foi, son nationalisme, son intransigeance mais aussi son caractere, sa liberte et son emancipation ont ete maintes fois mis en avant si bien qu'elle a ete un symbole pour des feministes du debut du siecle comme le regime franquiste<br>Isabel the catholic is one of the most famous characters of the spanish history. In the xxth century, her representations are numerous in the mass media which have an effect on the largest audience : school and cinema. When studying school books a great steadiness can be noticed in her representations although writers use various formes to depict the queen's life. However, this smooth and sometimes unaffected portrait is not deprived of moral and political inducement. The cinema shows such a perfect picture of the queen, but the temporal variations are much more perceptible. These representations face each other or complete each other. From this harmonious or incompatible union - some pictures conveyed by songs or popular tales act a catalyst - the characters of the national mythology are born in the popular imagination. The investigation in the particular case of isabel the catholic is very revealing. Her character is of an extraordinary plasticy and richness. Her faith, her nationalism, her intransigence, her freedom and her emancipation have been many a time put forward, so that she has been a symbol for the feminists in the beginning of the century as well as during the government of general franco

Robbe-Grillet, Lynch, Godard, Bergman, Suzuki, Satoshi Kon… Un certain cinéma s’illustre par son (inquiétante) étrangeté, effet d’une « dislocation » qui est celle de l’histoire dont le cours linéaire rassurant (destin de l’individu, Histoire des hommes, etc. ) se voit perverti par une force organisatrice beaucoup plus libre, mouvante, plastique, fonctionnant par association, condensation, déplacement, glissement, métamorphose, etc. Dans cette thèse, en parallèle à l’écriture d’un scénario de long métrage intitulé Le Cinquième Fantasme, nous analysons quelles sont les spécificités d’un tel « récit plastique » : nous désignons par cette expression une forme narrative proliférante (rhizomorphique) s’arrachant à la linéarité temporelle classique – le fil de l’histoire – pour se déployer dans un espace à plusieurs dimensions, un espace plastique, dans lequel le spectateur peut voyager à sa guise selon ses propres désirs, ses propres fantasmes, un espace au coeur duquel il taille sa propre temporalité, où il trace sa propre voie, où il écrit sa ou ses propre(s) histoire(s). Pour rendre compte d’un tel « récit plastique », nous avons choisi de remonter très en amont de son écriture afin d’en révéler les mécanismes intimes. Cette thèse commence donc par une réflexion sur le fantasme comme modèle imaginaire en tant qu’il relève essentiellement des « processus primaires » : nous analysons les spécificités formelles de ce « psychodrame », en puisant pour cela dans le discours psychanalytique, afin de les réinvestir dans une possible écriture cinématographique. Notre réflexion se situe au croisement de différents champs disciplinaires, notamment ceux de l’esthétique, de la théorie du cinéma et de la psychanalyse<br>The films of Robbe-Grillet, Lynch, Godard, Bergman, Suzuki, Satoshi Kon… all have a certain disturbing strangeness. They condense, displace and metamorphise traditional linear storylines with a more free flowing form of organisation that stems from visual associations. In this thesis, presented alongside a screenplay for a full-length film entitled Le Cinquième Fantasme (The Fifth Fantasy), we examine the specific nature of such a “plastic narrative” and show the narrative form (rhizomorphic) tearing itself from the classic linear structure, the thread of the story, into a multidimensional space where the spectator can “travel” freely depending on his or her own fantasies. In this “space”, the spectator forms his or her own interpretations reliant on his/her place in history. To understand how such a “plastic narrative” is put into effect, we go back to its very inception in order to see how it is made to work. This means beginning the thesis by dealing with the concept of fantasy, it being a product of “primary processes”. We analyse the formal specificalities of this “psychodrama” using the discourse of psychoanalysis so that they can be reinvested into the writing of a screenplay. We are at the crossroads of several different fields: aesthetics, cinema and psychoanalysis

Cette thèse a pour objet principal d'éclairer le rapport de David Lynch au film noir américain classique et contemporain. Notre analyse porte sur les films "Blue Velvet" (1986), "Twin Peaks : Fire Walk with me" (1992) et "Lost Highway" (1997) ainsi que sur la série télévisée "Twin Peaks" : (1989-91). On y étudie plus particulièrement les stratégies d'appropriation et de subversion des conventions narratives du film noir et on y considère les spécificités et les qualités novatrices du "noir" lynchien. On a ainsi voulu montrer comment, en s'appropriant et en renouvelant le genre hollywoodien du film noir, David Lynch célèbre le potentiel expressif et créatif du cinéma<br>This dissertation is essentially concerned in exploring the relation of David Lynch to classic and contemporary American film noir. Our analysis bears on the films "Blue Velvet" (1986), "Twin Peaks : Fire Walk With Me" (1992) and "Lost Highway" (1997) as well as on the television series "Twin Peaks" (1989-1991). It focuses on David Lynch's appropriative and subversive strategies of film noir's narratives conventions and it also deals with the specificities and the innovative qualities of his noirs. Our object was to show how, by reappropriating and renewing Hollywood film noir genre, Lynch celebrates the expressive and creative potential in the cinematographic discourse

Cornelius Castoriadis, alors que le mur de Berlin commençait à craqueler, suggérait de s’adonner à une tâche singulière : penser le monde morcelé. Chaque jour qui passe semble un peu plus confirmer la nécessité de ce labeur. Comment ne pas se laisser abattre par la menace de l’effondrement des espérances politiques et sociales ? Nous répondrons ici qu’il faut armer notre regard d’un appareil : le cinéma. Des paysages de Tariq Teguia aux chemins pris par Zhao Tao, de la mélancolie de Filippos Koutsaftis aux visages attristés de Pasolini, nombre d’images indiquent les ruines de notre temps. Mais les mêmes images nous permettent de maintenir un lien avec le spectre de ce qui fut, et ce afin d’envisager un autre avenir. Aidé par la méthodologie d’Aby Warburg et la philosophie d’Ernst Bloch, l’hypothèse est d’envisager le cinéma comme foyer des utopies capables de problématiser notre contemporanéité<br>When the Berlin Wall began his fall, Cornelius Castoriadis suggested a peculiar task : the thought of a world in fragments. Every day occurs like the growing necessity of this labour. How can we find the strengh against the threat of a disappearance of political and social hopes? Our answer is to increase the gaze with an apparatus which is the cinema. From Tariq Teguia’s landscapes to Zhao Tao’s paths, from the melancholy of Filippos Koutsaftis to the sadness of Pasolini’s faces, several pictures show the ruins of our time. But these pictures still maintain a link with the being spectre, and the aim of another future. Along with Aby Warburg’s methodology and Ernst Bloch’s philosophy, cinema appears as a home of utopias which problematize our contemporaneity