Academic literature on the topic 'Cinema de terror'

This issue of CINEJ deals with approaches to films from different parts of the world ranging from India and China to Italy and Canada. Detailed analyses on films about Ghandi, docufictions on New York City, reflections of contemporary terror in historical cinema, Chinese Soft Film Movement, road movies, religious identification in films, documemory, Italian neorealism and female performance in Canadian cinema are presented in this issue.

Esta narrativa de ensino, voltada para o ensino-aprendizagem de língua inglesa, relata o desenvolvimento do projeto que tem em seu cerne a ficção de horror/terror na literatura e no cinema. O público-alvo foram duas turmas de 2º ano do Ensino Médio do curso integrado de Guia de Turismo, do Instituto Federal da Bahia – Campus Valença. Ao longo do projeto, tivemos como objetivos o estudo, a leitura e as discussões de livros clássicos da literatura gótica e do cinema de horror/terror. Esse projeto tem sido empregado há três anos e tem apresentado resultados que incluem a participação ativa das turmas, por intermédio de atividades dinâmicas e criativas, desenvolvidas no contexto de sala de aula. Tomamos como referência para este estudo as atividades desenvolvidas especificamente no ano letivo de 2019.

Nigeria, Kenya and Somalia are few of the countries in Africa faced with terrorism and militancy. The rise and expansion of terrorist groups such as Al-Shabaab, Boko Haram, the Niger-Delta Volunteer Force, the Islamic State West Africa Province (ISWAP) and recently, the Avengers, has risen to vent terror on the peoples of Nigeria, Kenya and Somalia. Whilst each of these countries has its own distinct challenges that led to the formation of such terrorist groups, the emergence of terrorism in Nigeria remains complex. One of the ways an explicit explanation has been given to these complexes in Nigeria is through thriller fiction. Nollywood as well as other film industries in Africa has produced several thriller fictions that attempt to explicate the reasons behind militancy and terrorism in Africa. October 1 and Eye in the Sky are two examples of African cinema that have attempted to film the recent rise of terrorism in Nigeria and Kenya. Within the lens of October 1, terrorism in Nigeria, and by extension Africa, is rooted on ethnic and religious divide fuelled by external contact with other cultures; in this case, the culture of imperial England. This study, using the premise of postcolonial reading, examined Kunle Afolayan's award winning terror thriller, October 1 and attempted to bring out the powercultural interplay that bred terrorism in Nigeria. The study found out that the ideology of Boko Haram ("Western education is a sin") terrorist group, as bad as it seems, is a postcolonial stance against [neo]colonialism. However, the ideology lost its steam because it failed to reassert the Nigerian humanity or show any humanist tendencies to reclaiming the African glorious past. Keywords: Terror thriller, Traditionality, African cinema, Postcoloniality, Terrorism

The subgenre found footage has proliferated since the turn of the millennium and today represents a significant portion of the production of American horror film - especially the independent one. Characterized by the use of diegetic cameras – inserted within the narrative universe of the films –, which are usually handled by the characters themselves, the productions made within this style approximate the relationship that the public has with a supposedly (and simulated) amateur image and, consequently, more realistic. This dissertation aims to analyze how the subgenre found footage relates to this discussion of film realism, more specifically in horror movies. To achieve this goal, we study the history of film realism - based on studies by authors such as André Bazin, Ismail Xavier and David Bordwell. We discuss the concepts of realism and naturalism, classic cinema and avant-garde cinema, and we see how these discussions fit into our object of study. We also studied the trajectory of found footage, addressing its prehistory (the relationship with literature and radio), the earliest manifestations in the cinema, and its establishment as subgenre of terror after the launch of The Blair Witch Project (1999). The visual and narrative style of found footage is analyzed based on the theories of authors such as Alexandra Heller-Nicholas and Cecilia Sayad. From the information collected in these surveys, we relate the contents to the analysis of the five main films of the horror franchise Paranormal Activity (2009 - 2015). Through these analyzes, we see that the very conception of realism within the franchise proves to be malleable, as films sometimes hang for avant-garde cinema and sometimes for a classic cinema.
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O subgênero found footage proliferou-se a partir da virada do milênio e hoje representa uma parcela significativa da produção do cinema de terror norte-americano – especialmente o independente. Caracterizado pelo uso de câmeras diegéticas – inseridas dentro do universo narrativo dos filmes –, que normalmente são manuseadas pelos próprios personagens, as produções realizadas dentro desse estilo aproximam a relação que o público tem com uma imagem supostamente (e simuladamente) amadora e, consequentemente, mais realista. Esta dissertação tem o objetivo de analisar de que maneira o subgênero found footage se relaciona com essa discussão a respeito do realismo no cinema, mais especificamente no cinema de terror. Para atingir esse objetivo, estudamos a história do realismo no cinema – tendo como base estudos de autores como André Bazin, Ismail Xavier e David Bordwell. Discutimos os conceitos de realismo e naturalismo, cinema clássico e cinema de vanguarda, e vemos de que maneira essas discussões se encaixam em nosso objeto de estudo. Estudamos também a trajetória do found footage, abordando sua pré-história (a relação com a literatura e o rádio), as primeiras manifestações no cinema e o seu estabelecimento como subgênero do terror após o lançamento de A Bruxa de Blair (The Blair Witch Project, 1999). O estilo visual e narrativo do found footage é analisado com base nas teorias de autores como Alexandra Heller-Nicholas e Cecília Sayad. A partir das informações colhidas nessas pesquisas, relacionamos os conteúdos com a análise dos cinco filmes principais da franquia de terror Atividade Paranormal (Paranormal Activity, 2009 - 2015). Por meio dessas análises, observamos que a própria concepção de realismo dentro da franquia mostra-se maleável, à medida que os filmes ora pendem para um cinema de vanguarda, ora para um cinema clássico.

O foco desta dissertação é a construção narrativa audiovisual da violência. A partir de discussões feitas na antropologia sobre narrativa, mimesis e violência se quer pensar a respeito de formas de narrar a experiência da violência política e o conflito armado colombiano. O objeto que será analisado são filmes colombianos, dois especificamente: La sombra del caminante (Ciro Guerra, 2004) e PVC-1 (Spiros Stathoulopoulos, 2007). Obras audiovisuais que se apropriam da tecnologia digital e fazem uso criativo dos recursos cinematográficos para se colocar diante das imagens sobre violência e discutir temas como a verdade e a memória, o tempo e o medo, o intimo e do cotidiano. São formas fílmicas que instigam uma discussão sobre as narrações que a sociedade colombiana constrói para contar o terror de décadas de violência política e conflito armado onde atores à margem da lei, sociedade civil e governo se encontram e se constroem. O procedimento metodológico empregado nesta dissertação é, em um primeiro momento, o da análise fílmica, um modelo teórico definido no campo dos estudos de cinema, que propõe um estudo do filme nos seus múltiplos componentes e atendendo aos espaços e dinâmicas nas quais este se insere. Deste modo, em um segundo momento, indagarei a propósito das narrativas do terror, sendo o terror ato, espaço e cultura, uma situação que se torna estável pela instabilidade que o caracteriza: a experiência da violência, da perda (de parentes, de um lugar de origem, de um passado), do deslocamento forçado, da tortura. Esta é uma tentativa de pensar sobre a mediação do cinema para comunicar efetivamente tal experiência de terror, um fenômeno cuja narração se coloca nas margens do dizível. Neste sentido, o cinema articularia o inarticulável e narraria o inenarrável, incorporando experiências do terror na memória coletiva.
This dissertation\'s main focus is the audiovisual narrative construction of violence. Taking account of the anthropological debates on narrative, mimesis and violence; I pretend to think about the ways in which the experience of the Colombian political violence and armed conflict is narrated. The object are Colombian films, two mainly, La sombra del caminante (Ciro Guerra, 2004) and PVC-1 (Spiros Stathoulopoulos, 2007). Films, which use digital technology and implement creatively cinematographic resources to take place before images of violence and discuss topics such as truth and memory, time and fear, the everyday and the intimate. These are oeuvres that instigate a debate about the narratives that the Colombian society elaborates to tell the terror of decades of political violence and armed conflict where actors at the margins of law, civil society and govern meet and build themselves. The methodological procedure employed in this dissertation is in a first moment, film analysis. A theoretical model defined in the area of cinema studies which proposes a study of the film\'s multiple components and the many ways and places in which a film plays part. Thus, in a second moment, I\'ll inquire about narratives of terror, being that terror is an act, a space and a culture, a situation that stabilizes itself thanks to its instability: the experience of violence, of loss (of relatives, of a place of origin, of a past), of forced displacement, of torture. This is a proposal to think about the mediation of cinema to communicate effectively such experiences of terror, a phenomenon whose narration is on the margins of the speakable. In this sense, cinema would articulate and narrate what is not; and would introduce the experiences of terror in the collective memory.

Mestrado em Comunicação Multimédia
O Terror, enquanto género, tem-se vindo a disseminar e, parece que, a assegurar entusiastas no mundo inteiro. Tem-lhe sido redescoberto o potencial de gerar lucro, tanto no circuito comercial como no independente. É versátil ao ponto de se metamorfosear consoante os novos tempos, as novas formas de se pensar e percepcionar o mundo. O Terror não morre. É omnipresente. É universal. E em Portugal? Que produção existe de Terror no país? Que filmes de produção nacional foram feitos? Que cineastas portugueses ingressaram no género? Portugal permanece, pelo menos superficialmente, à margem desta realidade, mesmo tendo dois grandes festivais do género no país: Fantasporto e MOTELx. Neste sentido, impera a necessidade de um estudo sobre a produção de Cinema de Terror Português. Compreender o que foi feito e o que ficou por fazer é perceber que caminho seguir. É, ainda, importante que se perceba o Terror como produto de uma mudança social. Vivemos numa era tecnológica - é a cultura do digital, do imediato e do cómodo -, novas formas se assumem no que respeita à visualização de filmes. Neste sentido, parece urgente que se questionem e estudem estas novas plataformas, nas quais assentam os filmes e os seus realizadores. É precisamente a estas questões que o presente estudo procura dar resposta, após uma análise cuidada das mesmas. Que se escrutine o Terror Português. Que se descubra o Terror Português e que outros possam voltar a estudá-lo.
Horror, as genre, has been spreading and, it seems, securing enthusiasts worldwide. It has been rediscovered it’s potential to generate profit in both commercial and independent circuits. It is versatile to the point that it can metamorphose according to the new times, new ways of thinking and viewing the world. Horror does not die. It is ubiquitous. It is universal. What about Portugal? What Horror production exists in the country? Which Portuguese Horror movies were made? Which Portuguese filmmakers embraced the genre? Portugal remains, at least superficially, outside of this reality even though it has two major festivals of its kind in the country: Fantasporto and MOTELx. Little is known and it is in this sense that prevails the urge for a study like this one: the Study of Portuguese Horror Cinema. To understand what was, and what remains to be done, is to realize which path to go. It is also important to comprehend Horror as a product of social change. We live in a technological age. It is the culture of digital, the instant and the convenient. New forms are claimed regarding the making and the watching of the movies and it seems urgent to understand this tendency.

This study traces the history and culture of Spain as seen through the lens of the nation´s production of horror cinema. Starting from the boom of Spanish horror film in the early 1960s, the thesis compares and contrasts the political and social aspects of Spanish society throughout three distinct eras of the 20th century: 1962 – 1975 (the boom of Spanish horror film through the Franco dictatorship), 1975 – 1999 (the transition to democracy through the end of the 20th century) and 2000 – present (the 21st century). Movies as diverse as Gritos en la noche (1962, Jesús Franco), ¿Quién puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador) and Angustia (1987, Bigas Luna) are framed by culturally-related anectodes as well as correlations to their respective social environments. Special attention has been paid to the production and release of each film, especially in regards to censorship during the Franco dictatorship. The results show that Spanish horror cinema has acted as a true mirror to culture, society and politics in its native country throughout the 20th century and that this trend will likely extend in to the future.

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-02-14T13:17:35Z No. of bitstreams: 1 Vanessa da Conceição Davino de Assis.pdf: 3019879 bytes, checksum: 085873be6a8cffe5aa795aae14cc5c34 (MD5)
Approved for entry into archive by Fatima Cleômenis Botelho Maria (botelho@ufba.br) on 2013-02-14T14:16:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanessa da Conceição Davino de Assis.pdf: 3019879 bytes, checksum: 085873be6a8cffe5aa795aae14cc5c34 (MD5)
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Esta dissertação investiga as estratégias tradutórias presentes na releitura da obra Entrevista com o Vampiro (1976) da escritora norte-americana Anne Rice, para o roteiro cinematográfico homônimo (1994) do diretor irlandês Neil Jordan. Partindo da hipótese de que a linguagem cinematográfica não replica a linguagem literária, mesmo porque são artes diferentes, invalidando, assim, qualquer comparação entre as duas sob a perspectiva da hierarquização, discutiremos os códigos fílmicos que transformaram o conteúdo verbal do romance gótico num filme de terror. Baseadas em teóricos dos Estudos da Tradução como Roman Jakobson (1959) que adotou o termo tradução intersemiótica ou transmutação para a interpretação dos signos verbais por meio de sistemas de signos não-verbais, Gideon Toury (1995) que concentra sua pesquisa na obra traduzida para observar o processo que determina sua concretização e Rosemary Arrojo (2003) que desconstrói a idéia de estabilidade e autenticidade na tradução, examinamos a impossibilidade da fidelidade no deslocamento do livro para tela, à medida que identificamos a mescla de narrativas anteriores diluída em intertextos que se entrelaçam com a criatividade dos artistas envolvidos na adaptação. Ao apontar as narrativas que ecoam, influenciam e alimentam a obra de Jordan, atestamos que tais histórias partem de fontes múltiplas, heterogêneas, sem uma origem única, fato que comprova que até mesmo a obra de partida consiste numa colcha de retalhos. Teóricos como Gerárd Genette (2006) que trata da intertextualidade como a presença de um texto em outro, Tiphaine Samoyault (2008), que trata dos diálogos e mosaicos de citações que constroem textos nos rastros de outros textos e Robert Stam (1979) que estende a abordagem de Genette para o universo fílmico ao considerar a adaptação uma ramificação intertextual que não alude apenas ao romance no qual foi inspirado, mas possivelmente a outros que vieram antes dele, nos proporciona ferramentas valiosas para a efetuação da nossa análise. A ação de interpretar ou reescrever a história gótica nos leva a aludir o ato do tradutor/cineasta com o do vampiro,já que o tradutor “sangra” sobre sua obra ao mesmo tempo em que “bebe” de diferentes veias a fim de dar vida ao seu produto audiovisual e o vampiro além de drenar sua vítima, também a alimenta com seu sangue sobrenatural, tornando-a imortal. Para desenvolvermos a metáfora tradução/vampirização, o filósofo Jacques Derrida (2006) e a autora Cristina Rodrigues (2000) nos oferecem reflexões que elucidam a idéia da alternância de empréstimos ou sucessivas suplementações realizadas no universo vampiresco, contribuições que prolongam a eternidade das criaturas da noite a cada geração. Ao tempo em que descrevemos a trajetória da entidade vampiresca desde suas raízes folclóricas à sua ascensão a ícone pop, ressaltamos as revisitações ou atualizações que o bebedor de sangue sofreu, através dos meios de comunicação. Apoiadas em autores como J. Gordon Melton (2011) e Rosemary Guiley(2005), verificamos que a ficção vampiresca seja ela fílmica ou literária, está longe de obter seu descanso definitivo, ou ser indiferente a presença dos vestígios de sangue derramado por predecessores que marcaram o palimpsesto vampírico ao longo dos séculos.
Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

El 1998, una petita pel.lícula japonesa va revolucionar el cinema de terror, que en aquell moment es trobaba dominat per la indústria nord-americana. Es tractava de Ringu, un film en el qual el director Hideo Nakata mostrava l’essència de les histories de fantasmes tradicionals del seu país en un entorn urbà contemporani. L’èxit d’aquest títol va obrir les portes a una sèrie de produccions japoneses de terror que es caracterizava per uns trets comuns que les feien reconeixibles. L’absència de violència explícita, la por a les noves tecnologies, presentades com quelcom negatiu, la presència d’un tipus de fantasma conegut com a yurei (esperits aturmentats, normalment femenins, que acostumaven a vestir roba blanca i caminar lentament amb part del seu rostre cobert per una llarga melena fosca) i, sobretot, un ritme més pausat que el que presentava el cinema de Hollywood, gràcies a un muntatge diferent, van ser les característiques més identificables d’aquestes pel.lícules que van originar el fenomen conegut com J-Horror. Dark Water, Ju-On. La maldición, Llamada perdida i Kairo van formar part d’aquest fenomen, sorgit a finals dels anys noranta i que amb prou feines va durar una década. Veient la possibilitat d’aprofitar aquest èxit, la indústria nord-americana va fer remakes de diversos d’aquests films. Ara bé, com van traduir en aquestes produccions una cosa tan important com és el muntatge? Aquesta pregunta és la base d’aquest treball d’investigació. Després de fer una introducció al cinema de terror japonès i a les principals teories i conceptes del muntatge, s’han estudiat tant els films de terror japonesos contemporanis com els seus respectius remakes nord-americans centrant tota l’atenció en el seu muntatge visual. Per això, hem escollit una seqüència de cada original i la mateixa seqüència del remake per a descomposar-les en escenes i analitzar el muntatge fet servir en totes dues. La realització d’aquests decoupages permet observar aspectes com els tipus de plans, la seva durada, els movimients de càmara i el tipus de transició utilitzada per unir les escenes. El resultat d’aquest estudi mostra que, mentre les pel.lícules originals fan servir plans de major durada, acostumen a presentar els espais a través d’un pla general i, en la majoria de casos, els seus moviments de càmara es fan girant sobre el seu eix, els remakes recorren a nombrosos moviments de travelling, en els quals es desplaça la càmara, es fan servir més plans mitjans que plans generals i les seves escenes són d’una durada molt més breu que les que podem observar als films originals. Això, unit als canvis de durada que es produeixen en les escenes dels remakes però no en les del J-Horror estudiades, fa que el ritme narratiu sigui la principal diferència entre els seus muntatges. El ritme lent i pausat japonès es contraposa al ritme clarament més ràpid dels seus remakes nord-americans, que mostren una major fragmentació tant de l’acció com de l’espai i no han sabut traduir la tranquil.la mirada amb la que s’ha distingit el cinema de terror japonès contemporani, sent aquesta la conclusió de l’estudi realitzat.
En 1998, una pequeña película japonesa revolucionó el cine de terror, que en ese momento se encontraba dominado por la industria norteamericana. Se trataba de Ringu, un film en el que el director Hideo Nakata mostraba la esencia de las historias de fantasmas tradicionales de su país en un entorno urbano contemporáneo. El éxito de este título abrió las puertas a una serie de producciones japonesas de terror que se caracterizaba por unos rasgos comunes que las hacían reconocibles. La ausencia de violencia explícita, el temor a las nuevas tecnologías, presentadas como algo negativo, la presencia de un tipo de fantasma conocido como yurei (espíritus atormentados, normalmente femeninos, que solía vestir ropas blancas y caminar lentamente con parte de su rostro cubierto por una larga melena oscura) y, sobre todo, un ritmo más pausado que el que presentaba el cine de Hollywood, gracias a un montaje diferente, fueron las características más identificables de estas películas que dieron origen al fenómeno conocido como J-Horror. Dark Water, Ju-On. La maldición, Llamada perdida y Kairo formaron parte de este fenómeno, surgido a finales de los años noventa y que apenas duró una década. Viendo la posibilidad de aprovechar este éxito, la industria norteamericana hizo remakes de varios de estos films. Ahora bien, ¿cómo tradujeron en estas producciones algo tan importante como el montaje? Esta pregunta es la base de este trabajo de investigación. Tras hacer una introducción al cine de terror japonés y a las principales teorías y conceptos del montaje, se han estudiado tanto los films de terror japoneses contemporáneos como sus respectivos remakes norteamericanos centrando toda la atención en su montaje visual. Para ello, hemos elegido una secuencia de cada original y la misma secuencia de su remake para descomponerlas en escenas y analizar el montaje utilizado en ambas. La realización de estos decoupages permite observar aspectos como los tipos de plano, su duración, los movimientos de cámara y el tipo de transición utilizada para unir las escenas. El resultado de este estudio muestra que, mientras las películas originales japonesas utilizan planos de mayor duración, suelen presentar los espacios donde se desarrolla la acción a través de un plano general y en la mayoría de casos sus movimientos de cámara se realizan girando sobre el propio eje, los remakes recurren a numerosos movimientos de travelling, en los que se desplaza la cámara, se utilizan más planos medios que planos generales y sus escenas son de una duración mucho más breve que las que podemos observar en los films originales. Esto, unido a los cambios de duración que se producen en las escenas de los remakes pero no en las películas del J-Horror estudiadas, hace que el ritmo narrativo sea la principal diferencia entre sus montajes. El ritmo lento y pausado japonés se contrapone al ritmo claramente más rápido de sus remakes norteamericanos, que muestran una mayor fragmentación tanto de la acción como del espacio y no han sabido traducir la tranquila mirada con la que se ha distinguido el cine de terror japonés contemporáneo, siendo esta la conclusión del estudio realizado.
In 1998, a japanese movie revolutionized horror cinema, which in that moment was dominated by American industry. It was Ringu, a film in which the filmmaker Hideo Nakata showed the essence of traditional ghosts stories from his country in an urban environ. The success of this title open the way to a series of Japanese horror productions that was characterized by some features in common that made it recognizebles. The absence of explicit violence, fear of new technologies, showed as something negative, the presence of a kind of ghost known as yurei (tormented spirits, usually women, that wear white clothes and walks slowly with part of its face hidden by black hair) and, above all, a slower rythm than Hollywood cinema, thanks to a different kind of edition, were the characteristics more identificables from the movies which caused the phenomenon kwown as J-Horror. Dark Water, Ju-On, One Missed Call and Kairo were part of this phenomenon, born at last of the 90 and that barely last for a decade. Understanding the chance to take advantage of this success, American industry did remakes from some of these films. How did these productions translate something so important as the edition? This question was the basis for this research. After an introduction to japanese horror cinema and the main edition theories and concepts, we have studied contemporary Japanese horror movies and their American remakes with the focus of the attention on the visual edition. Because of thar, we have choosen one sequence from each original and the same sequence from their remake to separate it into scenes and analysing the edition from both. These decoupages allow to observate aspects like the angle of plans, its lenght, the camera movements and transitions used to join scenes together. The results of this research shows that, while original movies uses more lenght plans, it used to show the space through a general plan and, the most of times, its camera movements are doing turning above its own axle, remakes uses more travelling movements, in which camera is displaced, more general plans are done and the length of its scenes is very shorter thsn the length of the scenes from original films. These points, and the changes in the lenght of remakes scenes but not in the J-Horror scenes movies, do the narrative rythm be the main difference between its editions. The slow japanese rythm is opposed to faster rythm of american remakes, which shows a biggest fragmentation of the narrative action and the space. American remakes don’t know translate the peaceful look that distinguished japanese contemporary horror cinema, being that the conclusion of this issue.

Esta dissertação analisa os conceitos de cinema de montage (herança de procedimentos de montagem do cinema de avant-garde dos anos 1920) e cinema de découpage (herança do estabelecimento de cenas contínuas a partir do início do cinema falado), conforme desenvolvido pelo teórico americano David Bordwell. A dissertação elenca, ao longo da história do cinema, alguns dos principais cineastas que, dentro de um cinema narrativo de ampla difusão, equilibraram esses dois procedimentos. A trajetória proposta conduz ao cinema contemporâneo de terror e suspense, sustentando a idéia que estes são alguns dos gêneros mais propícios para o equilibrio de montage e découpage. Paralelamente, a dissertação analisa a trajetória dos filmes de seu autor, Philippe Barcinski. De seus primeiros curta-metragens (exercícios de montage) passando pelo seu primeiro longa-metragem (exercício de equilíbrio de cenas de montage e de découpage), a dissertação cria uma base teórica para seu próximo longametragem, em desenvolvimento, uma adaptação literária de um filme de suspense e terror.
This work analyzes David Bordwell\'s concepts of montage (legacy of procedures of avant-garde cinema of the 1920s) and découpage (legacy of procedures of establishing continuity scenes from the beginning of the talkies). The text searches, throughout different moments of film history, some of the main director that, in narrative widely disseminated films, arranged those two procedures. The proposed path leads to the contemporary cinema of horror and suspense, supporting the idea that these genres naturally balances montage and découpage scenes. At the same time, the text analyzes the trajectory of its author, Philippe Barcinski, as a filmmaker. From his early short films (montage exercises) through his first feature film (which balances scenes of montage and découpage), the text proposes a theoretical basis for his next feature film in development, a literary adaptation for a thriller and horror movie.

Dissertação apresentada para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Cinema e Televisão.
Esta dissertação procurará investigar um intrigante hiato produtivo do género de terror no cinema português e tentar compreendê-lo, apresentando possíveis razões que o originaram. Para isso irei expor as relações entre o medo, o cinema e o seu dispositivo técnico, identificando depois como essa relação se verifica no cinema português. Procurarei identificar também se existem ou não em Portugal formas de trabalhar o medo no cinema, ainda que escapem à forma como o género de terror geralmente o tem feito. Concluirei o trabalho tentando identificar na obra de Pedro Costa a existência de outras formas de trabalhar o medo no cinema português. A dificuldade que é investigar a partir de uma ausência de objectos de pesquisa será no meu entender também o seu contributo, pois permite a investigação das razões que geram essa ausência ou talvez uma outra forma de aparição.

American Popular film on the War on Terror plays a powerful role establishing cultural and political discourses surrounding the War on Terror. Furthermore, the attempts of liberal films as a source of critique of American Hollywood conservative War on Terror films are insufficient. I argue that Third Cinema from the Middle East provides a necessary counter-discourse in providing platforms for alternative discussions regarding definitions of terrorism and the production of the Orientalist other.

Este trabalho propõe uma apropriação histórica do filme "O terror da vermelha", um superoito rodado por Torquato Neto – um dos ícones da Tropicália – em Teresina em 1972. A principal proposta do estudo é, a partir da análise do filme, problematizar as relações entre história e linguagem, sugerindo que o "cinema em liberdade" defendido por Torquato Neto representa o ápice do embate torquateano para "destruir a linguagem e explodir com ela", instaurando uma contra-linguagem que lhe permitisse escapar da captura social de sua subjetividade. Sugere-se que o filme em estudo pode ser visto como um signo de sua época, espécie de síntese sensitiva da marginalia 70.

O cinema é capaz de retratar dilemas e questões sociais de forma mais ampla e explícita, possibilitando uma conexão maior com o espectador. Nesses termos, o presente trabalho teve como objetivo propor uma agenda de discussão sobre o machismo nas organizações a partir do filme “O Sócio”. O filme problematiza a questão do machismo de forma única, é crítico e ao mesmo tempo leve, traz grandes mensagens e também diverte. A proposta de análise evidencia diferentes e relevantes eixos de problematização.

Les personnages de l’écrivain algérien Rachid Boudjedra ne prennent pas la mer. Dans ses romans, la mer est citée en tant que frontière ; les fleuves sont des tombeaux à ciel ouvert où s’entassent les cadavres des résistants au colonisateur. Mais, La Macération, roman publié en 1984, met en scène un univers aquatique où écrire est faire acte de désir, où l’écriture est à la fois sexuelle et mystique car l’eau est encre et l’encre féconde la page blanche comme l’eau féconde la terre et l’homme féconde la femme. Parle avec elle : Marco est dans une chambre d’hôpital, il y veille Lydia qui semble dormir pour ne plus se réveiller. Plan rapproché, zoom sur les yeux grand ouverts de Marco. Ce dernier fait un rêve, où l’amante est vivante. Mais surtout, dans ce rêve, il y a un homme : beau et sculptural qui traverse une piscine à la nage. Pourquoi ce rêve ? Comment s’est fait le passage entre les gouttes du médicament se déversant dans le corps de « la belle endormie » à cette eau belle, bleue et translucide ? Comment Lydia a-t-elle laissé la place à cet homme ? Et qui est-il d’ailleurs ? Que fait-il dans ce film ? Scène seconde : Marco laisse couler ses larmes en regardant Pina Bausch se débattre sur scène contre des chaises et des murs. Marco pleure l’absente et Benigno regarde, comme fasciné, ces larmes viriles. Le choix de ces deux récits découle, entre autres, d’une ressemblance thématique – le désir d’un homme pour une femme qui passe ou non par la parole. La Macération et Parle avec elle, me semblent les plus aptes à porter en avant la porosité entre littérature et cinéma au niveau poétique (esthétique) en vue d’exprimer la notion du désir dans son lien viscéral avec l’image/la parole aquatique.DOI: http://dx.doi.org/10.4995/XXVColloqueAFUE.2016.2969

La presente comunicación propone un acercamiento al filme Touki Bouki (1973) del director senegalés Djibril Diop Mambety, utilizando las siguientes figuras sensibles de la filosofía de Jacques Rancière como prisma epistémico: la fiction documentaire (Rancière, 2001); le régimen esthétique de l’art (Ibíd., 2011); la police, la politique et le politique (Ibíd., 2003). Así, esta investigación se propone explorar las temporalidades de una ficción documental (Rancière, 2001), que resalta una ambivalencia contrariada entre; por un lado, imágenes representacionales de un contexto post-Independencia o postcolonial (Césaire, 1950) en la ciudad de Dakar (Senegal); y por otro, la proclamación de una traslación de los espacios de la diáspora (Lao-Montes, 2007) hacia una «diaspora estética» (Peffer, 2013); a través de una puesta en escena que reensambla los recursos tácitos propios de las Nouvelle Vague con un dispositivo político y social de visibilidad (Rancière, 2001) que se sabe capaz de suspender la lógica historiográfica de la subalternidad colonial (Spivak, 1985). Asimismo, pensar el filme como una propuesta de desplazamiento hacia los márgenes «pasivos» del activismo político (Rancière, 2010). Un desplazamiento hacia prácticas no-discursivas, sino estéticas. Ya no son las imágenes documentales que pretenden dotar de «mayor realidad» (Sontag, 2003) a una situación determinada, propias de la militancia del Tercer Cine (Getino & Solanas, 1969); sino, por el contrario, la correspondencia entre formas de identificación estéticas capaces de desactivar los dispositivos policiales (Rancière, 2003) y coloniales de las retóricas amo-esclavo (Han, 2005) / opresor-oprimido (Freire, 1968). Aquí, una consecución visual que oscila entre la acción política determinante y verosímil; y la vida sin razón, propia del arte estético (Rancière, 2001), que identifica formas emancipatorias basadas en la libertad del “no saber” (Mambety, 1999).