Dissertations / Theses: 'Cinema de terror'

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Medeiros, Daniel Lucas de. "Atividade paranormal e o realismo no cinema de terror contemporâneo." reponame:Repositório Institucional da UNISUL, 2017. http://www.riuni.unisul.br/handle/12345/3630.

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Abstract:

The subgenre found footage has proliferated since the turn of the millennium and today represents a significant portion of the production of American horror film - especially the independent one. Characterized by the use of diegetic cameras – inserted within the narrative universe of the films –, which are usually handled by the characters themselves, the productions made within this style approximate the relationship that the public has with a supposedly (and simulated) amateur image and, consequently, more realistic. This dissertation aims to analyze how the subgenre found footage relates to this discussion of film realism, more specifically in horror movies. To achieve this goal, we study the history of film realism - based on studies by authors such as André Bazin, Ismail Xavier and David Bordwell. We discuss the concepts of realism and naturalism, classic cinema and avant-garde cinema, and we see how these discussions fit into our object of study. We also studied the trajectory of found footage, addressing its prehistory (the relationship with literature and radio), the earliest manifestations in the cinema, and its establishment as subgenre of terror after the launch of The Blair Witch Project (1999). The visual and narrative style of found footage is analyzed based on the theories of authors such as Alexandra Heller-Nicholas and Cecilia Sayad. From the information collected in these surveys, we relate the contents to the analysis of the five main films of the horror franchise Paranormal Activity (2009 - 2015). Through these analyzes, we see that the very conception of realism within the franchise proves to be malleable, as films sometimes hang for avant-garde cinema and sometimes for a classic cinema.
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O subgênero found footage proliferou-se a partir da virada do milênio e hoje representa uma parcela significativa da produção do cinema de terror norte-americano – especialmente o independente. Caracterizado pelo uso de câmeras diegéticas – inseridas dentro do universo narrativo dos filmes –, que normalmente são manuseadas pelos próprios personagens, as produções realizadas dentro desse estilo aproximam a relação que o público tem com uma imagem supostamente (e simuladamente) amadora e, consequentemente, mais realista. Esta dissertação tem o objetivo de analisar de que maneira o subgênero found footage se relaciona com essa discussão a respeito do realismo no cinema, mais especificamente no cinema de terror. Para atingir esse objetivo, estudamos a história do realismo no cinema – tendo como base estudos de autores como André Bazin, Ismail Xavier e David Bordwell. Discutimos os conceitos de realismo e naturalismo, cinema clássico e cinema de vanguarda, e vemos de que maneira essas discussões se encaixam em nosso objeto de estudo. Estudamos também a trajetória do found footage, abordando sua pré-história (a relação com a literatura e o rádio), as primeiras manifestações no cinema e o seu estabelecimento como subgênero do terror após o lançamento de A Bruxa de Blair (The Blair Witch Project, 1999). O estilo visual e narrativo do found footage é analisado com base nas teorias de autores como Alexandra Heller-Nicholas e Cecília Sayad. A partir das informações colhidas nessas pesquisas, relacionamos os conteúdos com a análise dos cinco filmes principais da franquia de terror Atividade Paranormal (Paranormal Activity, 2009 - 2015). Por meio dessas análises, observamos que a própria concepção de realismo dentro da franquia mostra-se maleável, à medida que os filmes ora pendem para um cinema de vanguarda, ora para um cinema clássico.

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Mateus, Diana Paola Gómez. "Quanto dura o terror? A narrativa da violência em dois filmes colombianos." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8134/tde-15032013-101938/.

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Abstract:

O foco desta dissertação é a construção narrativa audiovisual da violência. A partir de discussões feitas na antropologia sobre narrativa, mimesis e violência se quer pensar a respeito de formas de narrar a experiência da violência política e o conflito armado colombiano. O objeto que será analisado são filmes colombianos, dois especificamente: La sombra del caminante (Ciro Guerra, 2004) e PVC-1 (Spiros Stathoulopoulos, 2007). Obras audiovisuais que se apropriam da tecnologia digital e fazem uso criativo dos recursos cinematográficos para se colocar diante das imagens sobre violência e discutir temas como a verdade e a memória, o tempo e o medo, o intimo e do cotidiano. São formas fílmicas que instigam uma discussão sobre as narrações que a sociedade colombiana constrói para contar o terror de décadas de violência política e conflito armado onde atores à margem da lei, sociedade civil e governo se encontram e se constroem. O procedimento metodológico empregado nesta dissertação é, em um primeiro momento, o da análise fílmica, um modelo teórico definido no campo dos estudos de cinema, que propõe um estudo do filme nos seus múltiplos componentes e atendendo aos espaços e dinâmicas nas quais este se insere. Deste modo, em um segundo momento, indagarei a propósito das narrativas do terror, sendo o terror ato, espaço e cultura, uma situação que se torna estável pela instabilidade que o caracteriza: a experiência da violência, da perda (de parentes, de um lugar de origem, de um passado), do deslocamento forçado, da tortura. Esta é uma tentativa de pensar sobre a mediação do cinema para comunicar efetivamente tal experiência de terror, um fenômeno cuja narração se coloca nas margens do dizível. Neste sentido, o cinema articularia o inarticulável e narraria o inenarrável, incorporando experiências do terror na memória coletiva.
This dissertation\'s main focus is the audiovisual narrative construction of violence. Taking account of the anthropological debates on narrative, mimesis and violence; I pretend to think about the ways in which the experience of the Colombian political violence and armed conflict is narrated. The object are Colombian films, two mainly, La sombra del caminante (Ciro Guerra, 2004) and PVC-1 (Spiros Stathoulopoulos, 2007). Films, which use digital technology and implement creatively cinematographic resources to take place before images of violence and discuss topics such as truth and memory, time and fear, the everyday and the intimate. These are oeuvres that instigate a debate about the narratives that the Colombian society elaborates to tell the terror of decades of political violence and armed conflict where actors at the margins of law, civil society and govern meet and build themselves. The methodological procedure employed in this dissertation is in a first moment, film analysis. A theoretical model defined in the area of cinema studies which proposes a study of the film\'s multiple components and the many ways and places in which a film plays part. Thus, in a second moment, I\'ll inquire about narratives of terror, being that terror is an act, a space and a culture, a situation that stabilizes itself thanks to its instability: the experience of violence, of loss (of relatives, of a place of origin, of a past), of forced displacement, of torture. This is a proposal to think about the mediation of cinema to communicate effectively such experiences of terror, a phenomenon whose narration is on the margins of the speakable. In this sense, cinema would articulate and narrate what is not; and would introduce the experiences of terror in the collective memory.

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Barnes, Christopher. "Mediating Terror: Filmic Responses to September 11th, 2001, and the "War on Terror"." Bowling Green State University / OhioLINK, 2012. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=bgsu1341932373.

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Pisco, Cinara Santos Paralta. "O mistério das origens : a produção de cinema de terror em Portugal." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2015. http://hdl.handle.net/10773/15048.

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Abstract:

Mestrado em Comunicação Multimédia
O Terror, enquanto género, tem-se vindo a disseminar e, parece que, a assegurar entusiastas no mundo inteiro. Tem-lhe sido redescoberto o potencial de gerar lucro, tanto no circuito comercial como no independente. É versátil ao ponto de se metamorfosear consoante os novos tempos, as novas formas de se pensar e percepcionar o mundo. O Terror não morre. É omnipresente. É universal. E em Portugal? Que produção existe de Terror no país? Que filmes de produção nacional foram feitos? Que cineastas portugueses ingressaram no género? Portugal permanece, pelo menos superficialmente, à margem desta realidade, mesmo tendo dois grandes festivais do género no país: Fantasporto e MOTELx. Neste sentido, impera a necessidade de um estudo sobre a produção de Cinema de Terror Português. Compreender o que foi feito e o que ficou por fazer é perceber que caminho seguir. É, ainda, importante que se perceba o Terror como produto de uma mudança social. Vivemos numa era tecnológica - é a cultura do digital, do imediato e do cómodo -, novas formas se assumem no que respeita à visualização de filmes. Neste sentido, parece urgente que se questionem e estudem estas novas plataformas, nas quais assentam os filmes e os seus realizadores. É precisamente a estas questões que o presente estudo procura dar resposta, após uma análise cuidada das mesmas. Que se escrutine o Terror Português. Que se descubra o Terror Português e que outros possam voltar a estudá-lo.
Horror, as genre, has been spreading and, it seems, securing enthusiasts worldwide. It has been rediscovered it’s potential to generate profit in both commercial and independent circuits. It is versatile to the point that it can metamorphose according to the new times, new ways of thinking and viewing the world. Horror does not die. It is ubiquitous. It is universal. What about Portugal? What Horror production exists in the country? Which Portuguese Horror movies were made? Which Portuguese filmmakers embraced the genre? Portugal remains, at least superficially, outside of this reality even though it has two major festivals of its kind in the country: Fantasporto and MOTELx. Little is known and it is in this sense that prevails the urge for a study like this one: the Study of Portuguese Horror Cinema. To understand what was, and what remains to be done, is to realize which path to go. It is also important to comprehend Horror as a product of social change. We live in a technological age. It is the culture of digital, the instant and the convenient. New forms are claimed regarding the making and the watching of the movies and it seems urgent to understand this tendency.

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Donahue, Tyler. "El Cine De Terror Español Como Espejo De La Cultura Española." Thesis, University of North Texas, 2014. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc500060/.

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Abstract:

This study traces the history and culture of Spain as seen through the lens of the nation´s production of horror cinema. Starting from the boom of Spanish horror film in the early 1960s, the thesis compares and contrasts the political and social aspects of Spanish society throughout three distinct eras of the 20th century: 1962 – 1975 (the boom of Spanish horror film through the Franco dictatorship), 1975 – 1999 (the transition to democracy through the end of the 20th century) and 2000 – present (the 21st century). Movies as diverse as Gritos en la noche (1962, Jesús Franco), ¿Quién puede matar a un niño? (1976, Narciso Ibáñez Serrador) and Angustia (1987, Bigas Luna) are framed by culturally-related anectodes as well as correlations to their respective social environments. Special attention has been paid to the production and release of each film, especially in regards to censorship during the Franco dictatorship. The results show that Spanish horror cinema has acted as a true mirror to culture, society and politics in its native country throughout the 20th century and that this trend will likely extend in to the future.

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Assis, Vanessa da Conceição Davino de. "Entrevista com o Vampiro : do romance gótico ao filme de terror." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2013. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/8413.

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Abstract:

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-02-14T13:17:35Z No. of bitstreams: 1 Vanessa da Conceição Davino de Assis.pdf: 3019879 bytes, checksum: 085873be6a8cffe5aa795aae14cc5c34 (MD5)
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Esta dissertação investiga as estratégias tradutórias presentes na releitura da obra Entrevista com o Vampiro (1976) da escritora norte-americana Anne Rice, para o roteiro cinematográfico homônimo (1994) do diretor irlandês Neil Jordan. Partindo da hipótese de que a linguagem cinematográfica não replica a linguagem literária, mesmo porque são artes diferentes, invalidando, assim, qualquer comparação entre as duas sob a perspectiva da hierarquização, discutiremos os códigos fílmicos que transformaram o conteúdo verbal do romance gótico num filme de terror. Baseadas em teóricos dos Estudos da Tradução como Roman Jakobson (1959) que adotou o termo tradução intersemiótica ou transmutação para a interpretação dos signos verbais por meio de sistemas de signos não-verbais, Gideon Toury (1995) que concentra sua pesquisa na obra traduzida para observar o processo que determina sua concretização e Rosemary Arrojo (2003) que desconstrói a idéia de estabilidade e autenticidade na tradução, examinamos a impossibilidade da fidelidade no deslocamento do livro para tela, à medida que identificamos a mescla de narrativas anteriores diluída em intertextos que se entrelaçam com a criatividade dos artistas envolvidos na adaptação. Ao apontar as narrativas que ecoam, influenciam e alimentam a obra de Jordan, atestamos que tais histórias partem de fontes múltiplas, heterogêneas, sem uma origem única, fato que comprova que até mesmo a obra de partida consiste numa colcha de retalhos. Teóricos como Gerárd Genette (2006) que trata da intertextualidade como a presença de um texto em outro, Tiphaine Samoyault (2008), que trata dos diálogos e mosaicos de citações que constroem textos nos rastros de outros textos e Robert Stam (1979) que estende a abordagem de Genette para o universo fílmico ao considerar a adaptação uma ramificação intertextual que não alude apenas ao romance no qual foi inspirado, mas possivelmente a outros que vieram antes dele, nos proporciona ferramentas valiosas para a efetuação da nossa análise. A ação de interpretar ou reescrever a história gótica nos leva a aludir o ato do tradutor/cineasta com o do vampiro,já que o tradutor “sangra” sobre sua obra ao mesmo tempo em que “bebe” de diferentes veias a fim de dar vida ao seu produto audiovisual e o vampiro além de drenar sua vítima, também a alimenta com seu sangue sobrenatural, tornando-a imortal. Para desenvolvermos a metáfora tradução/vampirização, o filósofo Jacques Derrida (2006) e a autora Cristina Rodrigues (2000) nos oferecem reflexões que elucidam a idéia da alternância de empréstimos ou sucessivas suplementações realizadas no universo vampiresco, contribuições que prolongam a eternidade das criaturas da noite a cada geração. Ao tempo em que descrevemos a trajetória da entidade vampiresca desde suas raízes folclóricas à sua ascensão a ícone pop, ressaltamos as revisitações ou atualizações que o bebedor de sangue sofreu, através dos meios de comunicação. Apoiadas em autores como J. Gordon Melton (2011) e Rosemary Guiley(2005), verificamos que a ficção vampiresca seja ela fílmica ou literária, está longe de obter seu descanso definitivo, ou ser indiferente a presença dos vestígios de sangue derramado por predecessores que marcaram o palimpsesto vampírico ao longo dos séculos.
Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

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Sánchez, Lopera Sandra. "Traduciendo la mirada. Sobre la práctica del montaje en los remakes norteamericanos de las películas de terror japonesas contemporáneas." Doctoral thesis, Universitat Ramon Llull, 2016. http://hdl.handle.net/10803/360843.

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Abstract:

El 1998, una petita pel.lícula japonesa va revolucionar el cinema de terror, que en aquell moment es trobaba dominat per la indústria nord-americana. Es tractava de Ringu, un film en el qual el director Hideo Nakata mostrava l’essència de les histories de fantasmes tradicionals del seu país en un entorn urbà contemporani. L’èxit d’aquest títol va obrir les portes a una sèrie de produccions japoneses de terror que es caracterizava per uns trets comuns que les feien reconeixibles. L’absència de violència explícita, la por a les noves tecnologies, presentades com quelcom negatiu, la presència d’un tipus de fantasma conegut com a yurei (esperits aturmentats, normalment femenins, que acostumaven a vestir roba blanca i caminar lentament amb part del seu rostre cobert per una llarga melena fosca) i, sobretot, un ritme més pausat que el que presentava el cinema de Hollywood, gràcies a un muntatge diferent, van ser les característiques més identificables d’aquestes pel.lícules que van originar el fenomen conegut com J-Horror. Dark Water, Ju-On. La maldición, Llamada perdida i Kairo van formar part d’aquest fenomen, sorgit a finals dels anys noranta i que amb prou feines va durar una década. Veient la possibilitat d’aprofitar aquest èxit, la indústria nord-americana va fer remakes de diversos d’aquests films. Ara bé, com van traduir en aquestes produccions una cosa tan important com és el muntatge? Aquesta pregunta és la base d’aquest treball d’investigació. Després de fer una introducció al cinema de terror japonès i a les principals teories i conceptes del muntatge, s’han estudiat tant els films de terror japonesos contemporanis com els seus respectius remakes nord-americans centrant tota l’atenció en el seu muntatge visual. Per això, hem escollit una seqüència de cada original i la mateixa seqüència del remake per a descomposar-les en escenes i analitzar el muntatge fet servir en totes dues. La realització d’aquests decoupages permet observar aspectes com els tipus de plans, la seva durada, els movimients de càmara i el tipus de transició utilitzada per unir les escenes. El resultat d’aquest estudi mostra que, mentre les pel.lícules originals fan servir plans de major durada, acostumen a presentar els espais a través d’un pla general i, en la majoria de casos, els seus moviments de càmara es fan girant sobre el seu eix, els remakes recorren a nombrosos moviments de travelling, en els quals es desplaça la càmara, es fan servir més plans mitjans que plans generals i les seves escenes són d’una durada molt més breu que les que podem observar als films originals. Això, unit als canvis de durada que es produeixen en les escenes dels remakes però no en les del J-Horror estudiades, fa que el ritme narratiu sigui la principal diferència entre els seus muntatges. El ritme lent i pausat japonès es contraposa al ritme clarament més ràpid dels seus remakes nord-americans, que mostren una major fragmentació tant de l’acció com de l’espai i no han sabut traduir la tranquil.la mirada amb la que s’ha distingit el cinema de terror japonès contemporani, sent aquesta la conclusió de l’estudi realitzat.
En 1998, una pequeña película japonesa revolucionó el cine de terror, que en ese momento se encontraba dominado por la industria norteamericana. Se trataba de Ringu, un film en el que el director Hideo Nakata mostraba la esencia de las historias de fantasmas tradicionales de su país en un entorno urbano contemporáneo. El éxito de este título abrió las puertas a una serie de producciones japonesas de terror que se caracterizaba por unos rasgos comunes que las hacían reconocibles. La ausencia de violencia explícita, el temor a las nuevas tecnologías, presentadas como algo negativo, la presencia de un tipo de fantasma conocido como yurei (espíritus atormentados, normalmente femeninos, que solía vestir ropas blancas y caminar lentamente con parte de su rostro cubierto por una larga melena oscura) y, sobre todo, un ritmo más pausado que el que presentaba el cine de Hollywood, gracias a un montaje diferente, fueron las características más identificables de estas películas que dieron origen al fenómeno conocido como J-Horror. Dark Water, Ju-On. La maldición, Llamada perdida y Kairo formaron parte de este fenómeno, surgido a finales de los años noventa y que apenas duró una década. Viendo la posibilidad de aprovechar este éxito, la industria norteamericana hizo remakes de varios de estos films. Ahora bien, ¿cómo tradujeron en estas producciones algo tan importante como el montaje? Esta pregunta es la base de este trabajo de investigación. Tras hacer una introducción al cine de terror japonés y a las principales teorías y conceptos del montaje, se han estudiado tanto los films de terror japoneses contemporáneos como sus respectivos remakes norteamericanos centrando toda la atención en su montaje visual. Para ello, hemos elegido una secuencia de cada original y la misma secuencia de su remake para descomponerlas en escenas y analizar el montaje utilizado en ambas. La realización de estos decoupages permite observar aspectos como los tipos de plano, su duración, los movimientos de cámara y el tipo de transición utilizada para unir las escenas. El resultado de este estudio muestra que, mientras las películas originales japonesas utilizan planos de mayor duración, suelen presentar los espacios donde se desarrolla la acción a través de un plano general y en la mayoría de casos sus movimientos de cámara se realizan girando sobre el propio eje, los remakes recurren a numerosos movimientos de travelling, en los que se desplaza la cámara, se utilizan más planos medios que planos generales y sus escenas son de una duración mucho más breve que las que podemos observar en los films originales. Esto, unido a los cambios de duración que se producen en las escenas de los remakes pero no en las películas del J-Horror estudiadas, hace que el ritmo narrativo sea la principal diferencia entre sus montajes. El ritmo lento y pausado japonés se contrapone al ritmo claramente más rápido de sus remakes norteamericanos, que muestran una mayor fragmentación tanto de la acción como del espacio y no han sabido traducir la tranquila mirada con la que se ha distinguido el cine de terror japonés contemporáneo, siendo esta la conclusión del estudio realizado.
In 1998, a japanese movie revolutionized horror cinema, which in that moment was dominated by American industry. It was Ringu, a film in which the filmmaker Hideo Nakata showed the essence of traditional ghosts stories from his country in an urban environ. The success of this title open the way to a series of Japanese horror productions that was characterized by some features in common that made it recognizebles. The absence of explicit violence, fear of new technologies, showed as something negative, the presence of a kind of ghost known as yurei (tormented spirits, usually women, that wear white clothes and walks slowly with part of its face hidden by black hair) and, above all, a slower rythm than Hollywood cinema, thanks to a different kind of edition, were the characteristics more identificables from the movies which caused the phenomenon kwown as J-Horror. Dark Water, Ju-On, One Missed Call and Kairo were part of this phenomenon, born at last of the 90 and that barely last for a decade. Understanding the chance to take advantage of this success, American industry did remakes from some of these films. How did these productions translate something so important as the edition? This question was the basis for this research. After an introduction to japanese horror cinema and the main edition theories and concepts, we have studied contemporary Japanese horror movies and their American remakes with the focus of the attention on the visual edition. Because of thar, we have choosen one sequence from each original and the same sequence from their remake to separate it into scenes and analysing the edition from both. These decoupages allow to observate aspects like the angle of plans, its lenght, the camera movements and transitions used to join scenes together. The results of this research shows that, while original movies uses more lenght plans, it used to show the space through a general plan and, the most of times, its camera movements are doing turning above its own axle, remakes uses more travelling movements, in which camera is displaced, more general plans are done and the length of its scenes is very shorter thsn the length of the scenes from original films. These points, and the changes in the lenght of remakes scenes but not in the J-Horror scenes movies, do the narrative rythm be the main difference between its editions. The slow japanese rythm is opposed to faster rythm of american remakes, which shows a biggest fragmentation of the narrative action and the space. American remakes don’t know translate the peaceful look that distinguished japanese contemporary horror cinema, being that the conclusion of this issue.

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Barcinski, Philippe. "A dialética narrativa do cinema de montage e de découpage - das vanguardas do cinema mudo ao filme de suspense e terror contemporâneos." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-15052017-155429/.

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Abstract:

Esta dissertação analisa os conceitos de cinema de montage (herança de procedimentos de montagem do cinema de avant-garde dos anos 1920) e cinema de découpage (herança do estabelecimento de cenas contínuas a partir do início do cinema falado), conforme desenvolvido pelo teórico americano David Bordwell. A dissertação elenca, ao longo da história do cinema, alguns dos principais cineastas que, dentro de um cinema narrativo de ampla difusão, equilibraram esses dois procedimentos. A trajetória proposta conduz ao cinema contemporâneo de terror e suspense, sustentando a idéia que estes são alguns dos gêneros mais propícios para o equilibrio de montage e découpage. Paralelamente, a dissertação analisa a trajetória dos filmes de seu autor, Philippe Barcinski. De seus primeiros curta-metragens (exercícios de montage) passando pelo seu primeiro longa-metragem (exercício de equilíbrio de cenas de montage e de découpage), a dissertação cria uma base teórica para seu próximo longametragem, em desenvolvimento, uma adaptação literária de um filme de suspense e terror.
This work analyzes David Bordwell\'s concepts of montage (legacy of procedures of avant-garde cinema of the 1920s) and découpage (legacy of procedures of establishing continuity scenes from the beginning of the talkies). The text searches, throughout different moments of film history, some of the main director that, in narrative widely disseminated films, arranged those two procedures. The proposed path leads to the contemporary cinema of horror and suspense, supporting the idea that these genres naturally balances montage and découpage scenes. At the same time, the text analyzes the trajectory of its author, Philippe Barcinski, as a filmmaker. From his early short films (montage exercises) through his first feature film (which balances scenes of montage and découpage), the text proposes a theoretical basis for his next feature film in development, a literary adaptation for a thriller and horror movie.

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Guerreiro, Ricardo Manuel Farelo Silvestre. "Melancolia e nevoeiro. Figuras do medo do cinema português." Master's thesis, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa, 2010. http://hdl.handle.net/10362/5126.

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Abstract:

Dissertação apresentada para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Cinema e Televisão.
Esta dissertação procurará investigar um intrigante hiato produtivo do género de terror no cinema português e tentar compreendê-lo, apresentando possíveis razões que o originaram. Para isso irei expor as relações entre o medo, o cinema e o seu dispositivo técnico, identificando depois como essa relação se verifica no cinema português. Procurarei identificar também se existem ou não em Portugal formas de trabalhar o medo no cinema, ainda que escapem à forma como o género de terror geralmente o tem feito. Concluirei o trabalho tentando identificar na obra de Pedro Costa a existência de outras formas de trabalhar o medo no cinema português. A dificuldade que é investigar a partir de uma ausência de objectos de pesquisa será no meu entender também o seu contributo, pois permite a investigação das razões que geram essa ausência ou talvez uma outra forma de aparição.

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Caldwell, Kela E. "Warfare on the Conceptual Battlespace: Third Cinemas Transformation of War on Terror Discourse." Scholarship @ Claremont, 2016. http://scholarship.claremont.edu/scripps_theses/870.

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Abstract:

American Popular film on the War on Terror plays a powerful role establishing cultural and political discourses surrounding the War on Terror. Furthermore, the attempts of liberal films as a source of critique of American Hollywood conservative War on Terror films are insufficient. I argue that Third Cinema from the Middle East provides a necessary counter-discourse in providing platforms for alternative discussions regarding definitions of terrorism and the production of the Orientalist other.

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Marques, Rosemeire da Silva. "Filmes de terror e o medo da morte na contemporaneidade : subjetividades em perspectiva cinematográfica." Universidade Federal de Mato Grosso, 2014. http://ri.ufmt.br/handle/1/433.

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Abstract:

Submitted by Valquíria Barbieri (kikibarbi@hotmail.com) on 2017-08-21T21:04:43Z No. of bitstreams: 1 DISS_2014_Rosemeire da Silva Marques.pdf: 1574366 bytes, checksum: fa24e4daab99b6d7d4ca2cd5919e7770 (MD5)
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O objetivo do presente é refletir sobre o modo de pensar a morte na contemporaneidade por meio das produções cinematográficas, entendendo que elas fornecem guias para ação e reflexão. Apesar do tema do medo e da morte estar presente em vários gêneros, ele é essencialmente abordado no terror, assim, foram selecionados filmes de apelo comercial, do gênero terror que são analisados como narrativas que abordam o medo da morte, o modo de lidar com esse medo e a relação com a sociedade que a produziu e com a qual se comunicou. As reflexões direcionaram para o entendimento de que apesar das descobertas científicas que tendem a colocar na berlinda os ensinamentos religiosos em relação a vida e por conseguinte a morte, o imaginário contemporâneo ocidental continua fundamentado no religioso, em especial pelas crenças cristãs, que são atualizadas e remodelas pelas teorias científicas e os avanços tecnológicos.
The purpose of this is to reflect on the thinking of death in contemporary society through film production , considering they provide guides for action and reflection . Despite the theme of fear and death is present in many genres , he is essentially addressed in terror, thus films commercial appeal , the horror genre that are analyzed as narratives that address the fear of death were selected , how to deal with this fear and the relationship with the company that produced it and with which it communicated . Reflections directed to the understanding that despite scientific findings that tend to put the spotlight on religious teachings regarding life and therefore death , the contemporary Western imagination remains grounded in religion , especially the Christian beliefs , which are updated and remodelas by scientific theories and technological advances .

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Gamba, Janaina dos Santos. "Cara de vilão: aspectos complexos na construção do personagem-tipo do vilão em filmes de horror." Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul, 2014. http://hdl.handle.net/10923/6993.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-01-16T01:01:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000464517-Texto+Completo-0.pdf: 1115696 bytes, checksum: 01d0397608922588e23526e058cb971b (MD5) Previous issue date: 2014
Our work has as study object the construction of the type-character of the Villain, in Horror Movies. For our analysis, were chosen the following movies: Das Cabinet Des Dr. Caligari (1920), by Robert Wiene; The Phantom of The Opera (1925), by Rupert Julian; Mystery of The Wax Museum (1933), by Michael Curtiz; The House on Haunted Hill (1959), by William Castle. The theorical sustention is made, having as basis the a priori categories: “Cinema”, by Edgar Morin; “Archetype”, by Carl Gustav Jung; “Imaginary”, by Michel Maffesoli; “Stereotype”, by Ruth Amossy and Anne Pierrot; “Horror”, by Noël Carroll. The Method used is the Complexity Paradigm, proposed by Edgar Morin, and our technique of analysis is the Film Analysis, proposed by Francis Vanoye and Anne Goliot-Lété. In our study, we have found characteristics that may be recurrent on the analyzed characters. Thanks to the analysis, is evident to us that, in Horror movies, the Villain are the personification of metaphors, which represent our deepest fears, or incarnations of our desires and fantasies. We can also detach the duality, or ambiguity of the characters, as proof that none Villain brings, in itself, the personification of pure evil. Similarly evident were the motivations of the characters, which are the result of internal and subjective questions, and outward actions suffered by these characters; also the characteristics that, although present in characters of Horror Movies, in the same way are present in Villains of movies belonging to any and all Genres. These characteristics are recurrent and immutable, because they are part of the deposit of references and the cultural baggage. Furthermore, our study about Horror, as cinematographic Genre showed the moralist and conservative character present in the narratives of the movies belonging to this Genre, that aim to Always show to the spectator that such world where the characters live, before the arrival of the Villain, is the ideal world, and that the order and harmony must be re-established.
Nosso trabalho tem como objeto de estudo a construção do personagem-tipo do Vilão, em filmes de Horror. Para nossa análise foram escolhidas as seguintes obras cinematográficas: O Gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene; O Fantasma da Ópera (1925), de Rupert Julian; Os Crimes do Museu (1933), de Michael Curtiz; A Casa dos Maus Espíritos (1959), de William Castle. A sustentação teórica de nossa pesquisa é construída, tendo por base as categorias a priori “Cinema”, em Edgar Morin; “Arquétipos”, em Carl Gustav Jung; “Imaginário”, em Michel Maffesoli; “Estereótipo”, em Ruth Amossy e Anne Pierrot; “Horror”, em Noël Carroll. O Método utilizado é o Paradigma da Complexidade, proposto por Edgar Morin, e nossa técnica de análise é a Análise Fílmica, proposta por Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété. Em nosso estudo, encontramos algumas características que podem ser recorrentes nos personagens analisados. Graças às análises realizadas, ficou, para nós, evidente que, nos filmes de Horror, o Vilão é a personificação de metáforas, que representam nossos medos mais profundos, ou encarnações de nossos desejos e fantasias. Também podemos destacar a dualidade, ou ambiguidade dos personagens, como prova de que nenhum Vilão traz, em si, a personificação da maldade pura. Igualmente evidente ficaram as motivações dos personagens, que são sempre frutos de questões internas e subjetivas, e de ações exteriores sofridas por esses personagens; como também as características que, embora presentes em personagens em filmes de Horror, da mesma forma estão presentes em Vilões de obras fílmicas pertencentes a todo e qualquer Gênero. Essas características são recorrentes e imutáveis, pois fazem parte do depósito de referências e bagagem cultural. Além disso, nosso estudo do Horror, enquanto Gênero cinematográfico evidenciou o caráter moralista e conservador presente nas narrativas dos filmes pertencentes a esse Gênero, que visam sempre mostrar ao espectador que aquele mundo que os personagens vivem, antes da chegada do Vilão, é o mundo ideal, e que a ordem e harmonia devem voltar a ser estabelecidas.

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Silva, André Campos. "O processo comunicacional do clichê cinematográfico em filmes de terror slasher." Universidade do Vale do Rio dos Sinos, 2014. http://www.repositorio.jesuita.org.br/handle/UNISINOS/4291.

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Abstract:

Submitted by Maicon Juliano Schmidt (maicons) on 2015-07-07T18:24:03Z No. of bitstreams: 1 André Campos Silva.pdf: 2838135 bytes, checksum: 2872728d2a874e2b7e29377031d7f44d (MD5)
Made available in DSpace on 2015-07-07T18:24:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 André Campos Silva.pdf: 2838135 bytes, checksum: 2872728d2a874e2b7e29377031d7f44d (MD5) Previous issue date: 2014-01-31
CNPQ – Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
A pesquisa busca problematizar o uso do clichê no cinema, entendendo-o como um processo comunicacional que ajuda contribuir com a compreensão da forma e do conteúdo dos filmes. O foco do estudo recai sobre os clichês, presentes no subgênero de terror slasher, por meio de conexões com o arquétipo da sombra. Três eixos conceituais basilares organizam o trabalho: filmes terror, forma e conteúdo estéticos, processo de construção e narrativas dos personagem dos filmes de terror. As poucas pesquisas específicas sobre os clichês no cinema nos levaram à utilização de autores de diversas vertentes, entre eles estão os pesquisadores do campo da comunicação e do audiovisual como Eco, Mcluhan, Xavier, Aumont, Bordwell. Também participaram da construção teórica estudiosos de narrativa como Candido, Mckee, Campos, Field. O campo da filosofia em sua ligação com a vertente estética foi igualmente importante com Kant, Szondi e Burke. A pesquisa empírica se deu sobre uma coleção de seis filmes do subgênero slasher produzidos entre 1979 e 1984, a partir dos quais foi realizada uma análise em três etapas que visaram um mapeamento dos clichês de medo encontrados no corpus. A tese afirma que o clichê faz parte da instituição cinema, bem como, constitui a linguagem cinematográfica e se compõe a partir de certo grau de mobilidade. No que se refere às lógicas que constituem o clichê de medo em filmes de terror slasher fica evidenciada a presença do sublime nos 18 clichês encontrados. Eles se organizam na forma-conteúdo de maneira a estabelecer uma forte característica de valorização do espaço-tempo de incerteza dentro da estrutura dramática, colocando em destaque a ideia de ameaça.
The research aim problematize the use of cliché in film , considering it as a communication process that helps contribute to understanding the form and content of the films . The focus of the study is on the clichés present in the slasher subgenre of horror, through connections with the archetype of the shadow. Three basic conceptual axes organize work: horror movies, fashion and aesthetic content, the construction process of the characters and narratives of horror movies. The few specific studies on the clichés in movies led us to the use of authors from various aspects, among them are researchers in the field of communication and audio visual as Eco, McLuhan, Xavier, Aumont, Bordwell. Also participated in the theoretical construction of narrative as Candido, Mckee, Fields, Field. The field of philosophy in its connection with the aesthetic aspect was also important to Kant, Burke and Szondi. The empirical research took place over a collection of six films of the subgenre slasher produced between 1979 and 1984, from which performed was analysis in three steps aimed at mapping the clichés of fear found in the corpus. The thesis argues that the cliché movie is part of the institution as well, is the cinematic language and is composed from a certain degree of mobility. With regard to the logic that constitute the cliché of fear in horror movies slasher is evident the presence of the sublime in the 18 cliches found. They are organized in the form-content in order to establish a strong feature of appreciation of space - time uncertainty within the dramatic structure, highlighting the idea of threat.

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Acker, Ana Maria. "O dispositivo do olhar no cinema de horror found footage." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/158681.

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Abstract:

A tese investiga como se estabelece o dispositivo do olhar enquanto experiência estética no cinema de horror found footage a partir da materialidade cinematográfica. Realiza-se uma discussão acerca do modo como esses filmes circulam no gênero horror com o cruzamento de teorias de cinema, tecnologia e da Comunicação. A concepção de dispositivo do olhar é pensada, especialmente, a partir de Jonathan Crary, Michel Foucault, Giorgio Agamben, Laurent Mannoni, Hans Ulrich Gumbrecht, Vilém Flusser e Philippe Dubois. O dispositivo do olhar é, portanto, delineado como o comportamento visual e de uso de artefatos tecnológicos que aparece nos filmes e o modo como esse olhar de dentro do filme pode afetar a forma de ver do espectador. Não é como a tecnologia é representada nos filmes, mas a estratégia dessa e seus respectivos discursos em intentar o apelo sensível do público. O problema de pesquisa é: Como se constitui o dispositivo do olhar nos filmes de horror found footage e o que esse fenômeno pode indicar da nossa relação com o cinema e a tecnologia na contemporaneidade? De que modo é possível discutir a experiência estética com o cinema de horror a partir dessas produções? Assim, o objetivo geral da pesquisa é compreender como opera o dispositivo do olhar no cinema de horror found footage e a maneira como ele propõe experiências estéticas, a fim de perceber características da nossa relação com o cinema e a tecnologia na contemporaneidade. Já os objetivos específicos são os seguintes: a) Problematizar o dispositivo do olhar no cinema, sua produção imagética nos respectivos aspectos tecnológicos, sociais e culturais, a partir do horror contemporâneo; b) Estudar aspectos estéticos e narrativos do gênero horror com ênfase nos filmes found footage; c) Discutir especificidades da imagem no found footage; d) Analisar os filmes que compõem o corpus, discutindo-os a partir das movimentações do dispositivo do olhar no horror e das experiências estéticas que potencializam. Entre alguns pressupostos abordados pela tese estão os de que o horror found footage é um fenômeno pós-sala de cinema, ainda que muitas produções circulem em grandes espaços de shopping centers e sejam lançadas em 3D. Ou seja, ver filmes é cada vez mais uma atividade privada e individual. O espectador está sozinho, do mesmo modo que as personagens que correm pela noite escura com uma câmera na mão. A visualidade dos games, a navegação pelas interfaces computacionais ou dispositivos móveis, também deixam marcas nas narrativas com esse estilo. Há ainda diversos tipos de imagens, texturas, cores diferentes que até o desenvolvimento do found footage não haviam sido exploradas no gênero horror. Essas imagens intentam ambiências, conceito de Gumbrecht (2014) que auxiliou a análise. As texturas estranhas, as falhas, ruídos, os “erros” dos equipamentos potencializam as experiências a partir de atmosferas, muitas dessas de aparelhos visuais que não são mais consumidos massivamente, como o VHS. Há sim uma presentificação do passado desses artefatos, dos modos como eram usados, um retorno de hábitos que são reconfigurados pelo contexto do horror. As ambiências possíveis pelas imagens, a perseguição pela experiência tátil com a narrativa, marcam um fenômeno contemporâneo de busca pela apreensão do tempo, das memórias, da vida. Um desejo de possuir as imagens e seus mundos, algo que se sobrepõe à intenção de registro ou de representação do mundo. Podemos afirmar ainda que a ideia de Gumbrecht (2015) do presente amplo se aplica aos filmes estudados nesse aspecto.
This thesis investigates the establishment of the apparatus of seeing as an aesthetic experience within found footage horror movies, from their cinematographic materiality. A discussion about the way as these movies circulate in horror genre is made through crossing film, technology and Communication theories. The apparatus of seeing conception is thought, especially, from authors such as Jonathan Crary, Michel Foucault, Giorgio Agamben, Laurent Mannoni, Hans Ulrich Gumbrecht, Vilém Flusser and Philippe Dubois. The apparatus of seeing is, therefore, thought as a behavior, both visual and regarding the usage of technological artifact, that appears within the movies and in the way how this seeing from inside the film can affect the spectator habit of viewing. This is not about the representation of technology, but its strategy and its discourses to propose sensitive appeal in the public. The research problem is: How the apparatus of seeing is composed in found footage horror movies and what can this phenomenon denote about our relation with cinema and technology in contemporaneity? How is it possible to discuss the aesthetic experience with horror movies from these productions? Thus, the main objective is to understand how the apparatus of seeing operates in found footage horror movies and how it proposes aesthetic experiences, in order to see characteristics of our relation with cinema and technology in contemporaneity. The specific objectives are: a) To problematize the apparatus of seeing in cinema, its imagistic production in the respective technological, social and cultural aspects, from contemporary horror genre; b) To study aesthetics and narrative aspects of the horror genre, especially the found footage films; c) To discuss the specificities of the image within found footage; d) To analyze the corpus of films, discussing them from changes of apparatus of seeing and the aesthetic experiences that it potentiates. Among the assumptions the thesis approaches, are that the found footage is a post-cinema phenomenon, although many productions circulate in large spaces of shopping centers and are released in 3D. In other words, watching movies is increasingly a private and individual activity. The spectator is alone, just like the characters that run through the dark night with a camera in their hands. The game visuality, the navigation through computational interfaces or mobile devices, also leave marks in the narratives marked by this style. There are still several types of images, textures, different colors that, until the development of found footage, had not been explored in the horror genre. These images attempt to establish ambiences, a concept of Gumbrecht (2014) that aided the analysis. The strange textures, the flaws, the noises, the "errors" of the equipments potentiate experiences from atmospheres, many of them of visual devices that are no longer massively consumed nowadays, like the VHS. There is rather a presentiment of the past of these artifacts, the ways that they were used, a return of habits that are reconfigured by the context of horror. The possible ambiences of the images, the persecution for a tactile experience with the narrative, mark a contemporary phenomenon of search for the apprehension of the time, the memories, the life. A desire to possess the images and their worlds, something that overlaps the intention of recording or representing the world. We can also affirm that the idea of Gumbrecht (2015) of the broad present applies to the films studied in this aspect.

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Gamba, Janaina dos Santos. "Cara de vil?o : aspectos complexos na constru??o do personagem-tipo do vil?o em filmes de horror." Pontif?cia Universidade Cat?lica do Rio Grande do Sul, 2014. http://tede2.pucrs.br/tede2/handle/tede/4600.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-04-14T14:42:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 464517.pdf: 1115696 bytes, checksum: 01d0397608922588e23526e058cb971b (MD5) Previous issue date: 2014-12-08
Our work has as study object the construction of the type-character of the Villain, in Horror Movies. For our analysis, were chosen the following movies: Das Cabinet Des Dr. Caligari (1920), by Robert Wiene; The Phantom of The Opera (1925), by Rupert Julian; Mystery of The Wax Museum (1933), by Michael Curtiz; The House on Haunted Hill (1959), by William Castle. The theorical sustention is made, having as basis the a priori categories: Cinema , by Edgar Morin; Archetype , by Carl Gustav Jung; Imaginary , by Michel Maffesoli; Stereotype , by Ruth Amossy and Anne Pierrot; Horror , by No?l Carroll. The Method used is the Complexity Paradigm, proposed by Edgar Morin, and our technique of analysis is the Film Analysis, proposed by Francis Vanoye and Anne Goliot-L?t?. In our study, we have found characteristics that may be recurrent on the analyzed characters. Thanks to the analysis, is evident to us that, in Horror movies, the Villain are the personification of metaphors, which represent our deepest fears, or incarnations of our desires and fantasies. We can also detach the duality, or ambiguity of the characters, as proof that none Villain brings, in itself, the personification of pure evil. Similarly evident were the motivations of the characters, which are the result of internal and subjective questions, and outward actions suffered by these characters; also the characteristics that, although present in characters of Horror Movies, in the same way are present in Villains of movies belonging to any and all Genres. These characteristics are recurrent and immutable, because they are part of the deposit of references and the cultural baggage. Furthermore, our study about Horror, as cinematographic Genre showed the moralist and conservative character present in the narratives of the movies belonging to this Genre, that aim to Always show to the spectator that such world where the characters live, before the arrival of the Villain, is the ideal world, and that the order and harmony must be re-established
Nosso trabalho tem como objeto de estudo a constru??o do personagem-tipo do Vil?o, em filmes de Horror. Para nossa an?lise foram escolhidas as seguintes obras cinematogr?ficas: O Gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene; O Fantasma da ?pera (1925), de Rupert Julian; Os Crimes do Museu (1933), de Michael Curtiz; A Casa dos Maus Esp?ritos (1959), de William Castle. A sustenta??o te?rica de nossa pesquisa ? constru?da, tendo por base as categorias a priori Cinema, em Edgar Morin; Arqu?tipos, em Carl Gustav Jung; Imagin?rio, em Michel Maffesoli; Estere?tipo, em Ruth Amossy e Anne Pierrot; Horror, em No?l Carroll. O M?todo utilizado ? o Paradigma da Complexidade, proposto por Edgar Morin, e nossa t?cnica de an?lise ? a An?lise F?lmica, proposta por Francis Vanoye e Anne Goliot-L?t?. Em nosso estudo, encontramos algumas caracter?sticas que podem ser recorrentes nos personagens analisados. Gra?as ?s an?lises realizadas, ficou, para n?s, evidente que, nos filmes de Horror, o Vil?o ? a personifica??o de met?foras, que representam nossos medos mais profundos, ou encarna??es de nossos desejos e fantasias. Tamb?m podemos destacar a dualidade, ou ambiguidade dos personagens, como prova de que nenhum Vil?o traz, em si, a personifica??o da maldade pura. Igualmente evidente ficaram as motiva??es dos personagens, que s?o sempre frutos de quest?es internas e subjetivas, e de a??es exteriores sofridas por esses personagens; como tamb?m as caracter?sticas que, embora presentes em personagens em filmes de Horror, da mesma forma est?o presentes em Vil?es de obras f?lmicas pertencentes a todo e qualquer G?nero. Essas caracter?sticas s?o recorrentes e imut?veis, pois fazem parte do dep?sito de refer?ncias e bagagem cultural. Al?m disso, nosso estudo do Horror, enquanto G?nero cinematogr?fico evidenciou o car?ter moralista e conservador presente nas narrativas dos filmes pertencentes a esse G?nero, que visam sempre mostrar ao espectador que aquele mundo que os personagens vivem, antes da chegada do Vil?o, ? o mundo ideal, e que a ordem e harmonia devem voltar a ser estabelecidas.

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O'Donnell, Stephen. "The revenant signifier : the zombie in comics and cinema." Thesis, University of Dundee, 2015. https://discovery.dundee.ac.uk/en/studentTheses/f415dc63-7ab3-4772-a697-54aa922547e2.

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Abstract:

This thesis explores the zombie’s rise to prominence in popular culture, with a focus on its development within the comics medium. The zombie is not just a ‘floating signifier’ (according to Jerrold E. Hogle), but a revenant signifier, actively and aggressively linking with existing concepts, and transforming them. The thesis also considers both the zombie figure and zombie genre within the parameters of several media – comics, television, film, and literature. The medium of comics is examined in detail as it has evolved through the influence of the zombie just as the zombie has been reshaped by each new representation. In contemporary horror comics, The Walking Dead series is not just commercially successful, it exploits properties of the medium (including panel arrangement, transitions, repetition, and the liminal space within the gutter) to thoroughly explore the metaphors and allusions that have been associated with the zombie. I discuss these metaphors by charting the zombie’s development. A lack of pre-twentieth century literary texts featuring this creature frustrates easy comparison with the monsters of Gothic fiction. Rather than evolving within the novel form, as its rival horror icons have done, the zombie has maintained a visual and visceral identity, maturing with each new incarnation, and becoming ever more gruesome: the walking corpses of ancient texts; a symbol of eternal slavery within Haitian Voodoo folklore; and its modern interpretation as violent and virulent monster. The recent notion of a zombie plague has redefined the creature as a representation of modern fears, and has led to ‘zombie apocalypse’ becoming a commonly-used fantasy scenario. The zombie’s connection to apocalyptic literature is simultaneously ancient and contemporary, with the creature being a signifier of social disorder and disrupted identity. While the emphasis throughout is on the shifting relations between media, comics are the main focus of this study. The symbolism present in the zombie, and the political and cultural ideas stemming from its slow maturation are revealed within The Walking Dead and sustained through the functions of the comics medium. Through the application of Scott McCloud’s comics theory, the closure between panels and the transition within the gutter enhance these ideas, and provide further understanding of the zombie as depicted in comics. The visual/textual relationship within comics is compared with Jacques Lacan’s modalities of consciousness, and the psychoanalytic reading provided here explores the crises of identity within the zombie, and within the fragmented narrative of the comics medium. Alternative psychoanalytic readings, and the physiology/pathology of the zombie itself are undertaken, revealing the creature to be responsive to Julia Kristeva’s concept of the abject, and Slavoj Zizek’s postmodern reworking of Lacanian ideas. The thesis also returns to notions of the Gothic, haunted spaces, and the role of suburbia in the zombie narrative. This is augmented with a study of intertextuality and the “revenant” status of the zombie, and of comics. Through incorporating the critical theory of Kristeva, Mikhail Bakhtin, and Jacques Derrida, and by positioning in parallel comics theorist Thierry Groensteen’s concepts of braiding and arthrology, I emphasise the operations of the zombie figure in the comic book, and other media, asserting that the zombie is a revenant signifier continually returning and transforming, never resting, but endlessly cannibalising and reconstructing debate about identity, morality, and society.

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Rech, Gisele Krodel. "Baseado em uma história real : o jornalismo como referência em Horror em Amityville /." Bauru, 2019. http://hdl.handle.net/11449/181331.

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Abstract:

Orientador: Marcelo Magalhães Bulhões
Banca: Ana Sílvia Lopes Davi Médola
Banca: José Carlos Marques
Banca: Laura Loguercio Cânepa
Banca: Valquiria Michela John
Resumo: Apesar de recorrente como referência de filmes dos mais variados gêneros, os textos jornalísticos nem sempre ganham a devida atenção no âmbito da pesquisa cinematográfica. Nesta tese, busca-se lançar um olhar ao tema, direcionando o trabalho para as narrativas jornalísticas usadas como referencial para cineastas, que transformam em narrativa audiovisual a representação da realidade de uma história que ganhou as páginas dos jornais ou de um livro-reportagem. O foco da pesquisa é no cinema de horror, que costuma não apenas valer-se deste material, como também se utilizar do vínculo com a não ficção como estratégia para atrair o espectador com a promessa da reprodução de um "caso verídico". Parte- se, pois, da hipótese de que a frase "baseado em uma história real" no início da película funciona como estímulo da curiosidade do espectador. Para o presente estudo, optou-se pelo clássico Horror em Amityville (The Amityville Horror, 1979), adaptado do livro-reportagem homônimo de Jay Anson, de 1977, que ganhou uma nova edição no Brasil neste ano, pela Darkside. O remake de 2005, cujo título é o mesmo, também faz parte da pesquisa. Como corpus de análise, também serão utilizadas reportagens do jornal Newsday, de Long Island, do período em que a história da casa supostamente mal-assombrada foi destaque e do crime que teria dado início à história de assombração. O objetivo desta pesquisa é analisar como se dá o entrelaçamento de narrativas jornalísticas, jornalístico- literária e cinema... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: Although recurring as a reference of films of varied genres, journalistic texts do not always gain an attention in the space of film research. In this thesis, the aim is to take a look at the theme, to direct the work to narrate the news narratives as a reference for the filmmakers, who transform the audiovisual narrative into a presentation of the reality of a winning story as pages of a book or a book - reporting. The focus of the research is horror film, which is not only a didactic material, but also makes use of a link with a strategy to attract the viewer with the promise to replicate a true case. It is therefore hypothesized that the phrase "based on a true story" at the beginning of the film works as a stimulus for the spectator's curiosity. For the present study, we opted for the classic Amityville Horror (1979 and 2005), adapted from Jay Anson's eponymous book, which won a new edition in Brazil this year by Darkside. The remake of 2005, whose title is the same, is also part of the research. As a corpus of analysis, reports from the Newsday newspaper of Long Island will also be used for the period in which the story of the supposedly haunted house was highlighted and the crime that would have started the haunting story. The objective of this research is to analyze how the intertwining of journalistic, journalistic-literary and cinematographic narratives occurs, seeking in this work to point out how the process of translation from one medium to another was transformed... (Complete abstract click electronic access below)
Doutor

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Santos, Janaina de Jesus [UNESP]. "Produções discursivas do horror: materialidade fílmica e memória na trilogia de Zé do Caixão." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2014. http://hdl.handle.net/11449/123253.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-05-14T16:53:13Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-10-20Bitstream added on 2015-05-14T16:59:12Z : No. of bitstreams: 1 000824329_20161020.pdf: 133250 bytes, checksum: c99800b34070121a8566b2b285926eb1 (MD5) Bitstreams deleted on 2016-10-21T11:52:43Z: 000824329_20161020.pdf,. Added 1 bitstream(s) on 2016-10-21T11:53:22Z : No. of bitstreams: 1 000824329.pdf: 3684847 bytes, checksum: 0d1387853872e4c28a67a0f279aaee50 (MD5)
Este estudo tem respaldo teórico-metodológico no campo da Análise do discurso de origem francesa e seus desdobramentos no Brasil, tomando como eixo as noções de memória discursiva, intericonicidade e subjetividade. O corpus base de nossa pesquisa é composto por excertos dos filmes da trilogia de Zé do Caixão, de José Mojica Marins, a saber: À meia-noite levarei sua alma (1964), Esta noite encarnarei no teu cadáver (1967) e Encarnação do demônio (2008), tendo em vista o objetivo de compreender a produção de horror por meio da memória discursiva na materialidade dos filmes que nos propusemos a analisar. As cenas foram selecionadas considerando os elementos clássicos das narrativas de horror, observados tanto na literatura como no cinema, e aqueles que revelam a singularidade artística da obra do diretor brasileiro. Investigamos e discutimos a produção de horror na materialidade discursiva, considerando as noções de memória e intericonicidade. Para alcançar esse objetivo, inicialmente, estudamos a materialidade discursiva da visualidade fílmica, a fim de depreender uma regularidade no funcionamento discursivo das estratégias cinematográficas. Em seguida, refletimos sobre o discurso horrífico como práticas historicamente situadas, avaliando a ordem do discurso na cenografia e na trilha sonora do período da segunda metade do século XX e início do século XXI. Depois, investigamos a produção de sentido de horror na materialidade do cinema, considerando as noções de memória e intericonicidade na visualidade dos filmes. Assim, fomos guiados pelas seguintes questões: a) quais são os deslocamentos teórico-metodológicos necessários para analisar o funcionamento discursivo de estratégias cinematográficas; b) como elas produzem subjetividades no diálogo entre discursos na visualidade fílmica; e c) como a materialidade discursiva do objeto fílmico faz retornar discursos e produz sentidos horríficos ...
This study has theoretical and methodological support in French Discourse Analysis as have been developed in Brazil, taking as axis notions of discursive memory, intericonicity and subjectivity. The corpus of our research consists of excerpts from the films that make up the Coffin Joe Trilogy by José Mojica Marins, namely: At midnight I'll take your soul (1964), This night I’ll possess your corpse (1967) and Embodiment of evil (2008), in order to understand the production of horror through discursive memory in materiality of the films we set out to analyze. The scenes were selected considering the classics of horror narratives, observed both in literature and film elements, and those that reveal the artistic uniqueness of the work of the filmaker. We explore horror production in discursive materiality, highlighting the notions of memory and intericonicity. For this, first we comprehend discursive memory in film visuality, to know regularity in discursive working of cinema strategies. Next, we reflect about horror discourse as historical practices, thinking of discursive order in cenography and sound track in the period between XX century second half and XXI beginning. Then, we explore sense production of horror in cinema materiality, highlighting the notions of memory and intericonicity in film visuality. And so we was conducted by those questions: a) what are theory methodological work to analyze discursive working of cinema strategies?; b) how it produces subjectivity in discourse and filmic visuality; and c) how discursive materiality in film revivals discourses and produces horror senses. The investigation of plans and sequences points to specific place to the subject transgressor as who emerges discourses about monstrosity and horror in transgressor practices to Jewish-Christian moral. In the Marins films, horror construction is in Zé do Caixão practices as much in strategies of plans construction. Those analytical exercises ...

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Santos, Janaina de Jesus. "Produções discursivas do horror : materialidade fílmica e memória na trilogia de Zé do Caixão /." Araraquara, 2014. http://hdl.handle.net/11449/123253.

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Abstract:

Orientador: Maria do Rosário F. V. Gregolin
Co-orientador: Nilton Milanez
Banca: Cleudemar Alves Fernandes
Banca: Luzmara Curcino Ferreira
Banca: Denise Gabriel Witzel
Banca: Mara Rúbia de Souza Rodrigues Morais
Resumo: Este estudo tem respaldo teórico-metodológico no campo da Análise do discurso de origem francesa e seus desdobramentos no Brasil, tomando como eixo as noções de memória discursiva, intericonicidade e subjetividade. O corpus base de nossa pesquisa é composto por excertos dos filmes da "trilogia de Zé do Caixão", de José Mojica Marins, a saber: À meia-noite levarei sua alma (1964), Esta noite encarnarei no teu cadáver (1967) e Encarnação do demônio (2008), tendo em vista o objetivo de compreender a produção de horror por meio da memória discursiva na materialidade dos filmes que nos propusemos a analisar. As cenas foram selecionadas considerando os elementos clássicos das narrativas de horror, observados tanto na literatura como no cinema, e aqueles que revelam a singularidade artística da obra do diretor brasileiro. Investigamos e discutimos a produção de horror na materialidade discursiva, considerando as noções de memória e intericonicidade. Para alcançar esse objetivo, inicialmente, estudamos a materialidade discursiva da visualidade fílmica, a fim de depreender uma regularidade no funcionamento discursivo das estratégias cinematográficas. Em seguida, refletimos sobre o discurso horrífico como práticas historicamente situadas, avaliando a ordem do discurso na cenografia e na trilha sonora do período da segunda metade do século XX e início do século XXI. Depois, investigamos a produção de sentido de horror na materialidade do cinema, considerando as noções de memória e intericonicidade na visualidade dos filmes. Assim, fomos guiados pelas seguintes questões: a) quais são os deslocamentos teórico-metodológicos necessários para analisar o funcionamento discursivo de estratégias cinematográficas; b) como elas produzem subjetividades no diálogo entre discursos na visualidade fílmica; e c) como a materialidade discursiva do objeto fílmico faz retornar discursos e produz sentidos horríficos ...
Abstract: This study has theoretical and methodological support in French Discourse Analysis as have been developed in Brazil, taking as axis notions of discursive memory, intericonicity and subjectivity. The corpus of our research consists of excerpts from the films that make up the "Coffin Joe Trilogy" by José Mojica Marins, namely: At midnight I'll take your soul (1964), This night I'll possess your corpse (1967) and Embodiment of evil (2008), in order to understand the production of horror through discursive memory in materiality of the films we set out to analyze. The scenes were selected considering the classics of horror narratives, observed both in literature and film elements, and those that reveal the artistic uniqueness of the work of the filmaker. We explore horror production in discursive materiality, highlighting the notions of memory and intericonicity. For this, first we comprehend discursive memory in film visuality, to know regularity in discursive working of cinema strategies. Next, we reflect about horror discourse as historical practices, thinking of discursive order in cenography and sound track in the period between XX century second half and XXI beginning. Then, we explore sense production of horror in cinema materiality, highlighting the notions of memory and intericonicity in film visuality. And so we was conducted by those questions: a) what are theory methodological work to analyze discursive working of cinema strategies?; b) how it produces subjectivity in discourse and filmic visuality; and c) how discursive materiality in film revivals discourses and produces horror senses. The investigation of plans and sequences points to specific place to the subject transgressor as who emerges discourses about monstrosity and horror in transgressor practices to Jewish-Christian moral. In the Marins films, horror construction is in Zé do Caixão practices as much in strategies of plans construction. Those analytical exercises ...
Doutor

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Fonseca, Sâmia Lorena Morais da. "Do cotidiano ao artifício : estratégias para produção de emoção em filmes da nova geração do cinema de horror nacional." Universidade Federal de Sergipe, 2017. https://ri.ufs.br/handle/riufs/4019.

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Abstract:

Fundação de Apoio a Pesquisa e à Inovação Tecnológica do Estado de Sergipe - FAPITEC/SE
The following dissertation is devoted to the new horror movies produced in Brazil after 2000’s. Special attention will be given to their affective dimension, focusing on the relation between the emotional expression of its characters and the spectators reaction. Among typical strategies programmed in these films, we find a distinct process of artificialization of daily life, through the deliberate use of conventions proper to the horror genre. The films will be approached through a a cognitive perspective, developed in film studies from the 90s. In order to analyze each film, we will depart from the methodological perspective of the Film Poetics, according to which a cinematographic work is an expressive composition that causes effects in the spectator. Four films were analyzed, (one feature film and three short films): Quando eu era vivo (2014), Vinil Verde (2004), O Duplo (2012) and Estátua (2014).
Este texto dedica-se ao estudo da produção de afetos no novo cinema brasileiro de horror pós anos 2000, em especial à relação existente entre a expressão emocional de seus personagens e a reação da apreciação dos efeitos programados no texto fílmico, através de um processo de artificialização do cotidiano através do uso deliberado de convenções do gênero horror. A pesquisa tem como pressuposto uma perspectiva cognitivista, desenvolvida para o cinema a partir dos anos 90, e baseiase na perspectiva teórico-metodológica da Poética do filme, que entende uma obra cinematográfica como uma composição expressiva em busca de causar efeitos no espectador, percebendo a apreciação como uma experiência subjetiva em três dimensões: cognitiva, sensorial e emocional. A junção das abordagens teórica e metodológica resultou na execução de exercícios de análises fílmicas e na observação da programação emocional elaborada nas obras cinematográficas do horror brasileiro. Foram analisados quatro filmes do gênero horror, sendo um longametragem e três curtas-metragens: Quando eu era vivo (2014), Vinil Verde (2004), O Duplo (2012) e Estátua (2014). As análises permitiram identificar certa padronização de procedimentos estratégicos do cinema brasileiro de horror em sua função de convocar emoções.

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Carmo, Isabel Paz Sales Ximenes. "(Des)aparições do rosto em Os olhos sem rosto." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2017. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/22633.

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Abstract:

CARMO, Isabel Paz Sales Ximenes. (Des)aparições do rosto em Os olhos sem rosto. 2017. 115f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em Comunicação Social, Fortaleza (CE), 2017.
Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-05-03T12:07:17Z No. of bitstreams: 1 2017_dis_ipsxcarmo.pdf: 4511031 bytes, checksum: f579bd3aa9cf226a636107f759f8ba48 (MD5)
Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-05-03T14:35:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_dis_ipsxcarmo.pdf: 4511031 bytes, checksum: f579bd3aa9cf226a636107f759f8ba48 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-05-03T14:35:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_dis_ipsxcarmo.pdf: 4511031 bytes, checksum: f579bd3aa9cf226a636107f759f8ba48 (MD5) Previous issue date: 2017
Eyes without a face (George Franju, 1960) tells the tale of Christiane, whose face was gravely disfigured by a car accident caused by her father, the professor and medical doctor Génessier. In an attempt to recover his daughter’s visage, Génessier and Louise, his assistant and former patient, start kidnapping young women who resemble Christiane in order to transplant their skin onto the girl’s face and reestablish her normal life. Our present study begins with the analysis of the film and its thematic as a way of reflecting on the figurative emergencies of the face in artistic form and its relevance in contemporary society. We then attempted to establish a dialogue with various authors from the fields of anthropology, philosophy, sociology and literature (AGAMBEN, 2015; BAKHTIN, 1987; BAQUÉ, 2007; BRETON, 1992, 1998, 2013; COURTINE; HAROCHE, 1988; TUCHERMAN, 2012) in order to outline a trajectory of the face in figurative forms. Our concern was particularly in two crucial historical axis, which at certain points overlap: the transition from the medieval depictions to the modern aesthetics; and the turn from the XIX to the XX century. In the third chapter, our goal was to trace the development of the close-up shot and other forms of framing the face throughout movie history, with the aid of theorists, film critics and moviemakers who approached the theme (AUMONT, 1992; BALÁZS, 2010; DELEUZE, 1983; EISENSTEIN, 2002; EPSTEIN, 1974). Finally, the final chapter conducts the analysis of the three main characters of Eyes without a face, with focus in their (dis)appearances in the reel. Our purpose was to construct a net of interpretations around the materialization of these countenances, their links with the general assembly of the movie and their relationships with categories such as mask, gaze, touch and disfiguration.
Os olhos sem rosto (Georges Franju, 1960) narra a história de Christiane, cujo rosto foi gravemente desfigurado em um acidente de carro provocado pelo próprio pai, o médico e professor Génessier. Na tentativa de recuperar o rosto da filha, Génessier e Louise – sua assistente e também antiga paciente – sequestram moças fisicamente semelhantes a Christiane para, em operações ilegais, transplantar a pele do rosto das vítimas na jovem e, assim, reestabelecer sua vida. Nosso estudo, em sua segunda parte, parte do filme e de sua temática para discutir a figuração do rosto em algumas formas artísticas (principalmente no cinema) e a importância dessas figurações em nossa sociedade. Em seguida, convocamos autores da antropologia, filosofia, sociologia e literatura (AGAMBEN, 2015; BAKHTIN, 1987; BAQUÉ, 2007; BRETON, 1992, 1998, 2013; COURTINE; HAROCHE, 1988; TUCHERMAN, 2012) para esboçarmos uma breve trajetória antropológica do rosto em dois momentos históricos cruciais: a transição entre a Idade Média e a Moderna; e a virada do século XIX para o século XX. Na terceira parte, nosso objetivo foi traçar o desenvolvimento do grande plano e das demais formas de enquadrar e figurar o rosto ao longo da história do cinema. Esse percurso foi embasado por teóricos, críticos e cineastas que abordaram o tema (AUMONT, 1992; BALÁZS, 2010; DELEUZE, 1983; EISENSTEIN, 2002; EPSTEIN, 1974). Por fim, é realizada a análise de três personagens do filme-objeto a partir de suas (des)aparições, no intuito de construir uma rede de interpretações em torno da materialização desses rostos, de suas ligações no nível da montagem e de suas relações com categorias como a máscara, o olhar, o toque e a desfiguração.

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Paszkiewicz, Katarzyna. "Gender y genre en las cineastas estadounidenses a principios del siglo XXI." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/283168.

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Abstract:

Si bien existe una cantidad considerable de trabajos de investigación sobre las llamadas cineastas “vanguardistas” o “resistentes” a las estructuras comerciales, la obra fílmica de mujeres que recurren a formas populares no ha recibido suficiente atención crítica en los estudios de cine en general, ni en estudios fílmicos feministas en particular. Esta tesis se propone abordar una selección de obras realizadas por cineastas estadounidenses contemporáneas que han sido percibidas como películas de género en los discursos críticos: la película de terror Jennifer’s Body (2009), dirigida por Karyn Kusama y escrita por Diablo Cody, el western Meek’s Cutoff (2010), dirigido por Kelly Reichardt, y el filme de guerra The Hurt Locker (2008), dirigido por Kathryn Bigelow. Tomando como punto de partida la conceptualización del género cinematográfico como un proceso, y a la vez un repertorio o una constelación de materiales culturales, estéticos e ideológicos, el objetivo es reflexionar sobre cómo las cineastas citadas emplean los formatos genéricos para entablar un diálogo con las formas pasadas, y al mismo tiempo contribuir a rehacer y permutar los imaginarios sociales, en particular en cuanto a la representación del género sexual. La tesis pretende contextualizar la obra de las cineastas estudiadas, ofreciendo un detallado examen no solo de sus películas, sino también de sus figuras públicas, que se prestan a consideraciones sobre una serie de cuestiones que nos parecen cruciales para repensar y problematizar la noción de “cine de mujeres”: la división entre los géneros “masculinos” y “femeninos”, la creciente importancia y visibilidad de la figura autorial de las cineastas, la disolución de los lindes entre el cine comercial y el cine independiente, el contexto de la llamada cultura mediática posfeminista y la cuestión del placer fílmico de las espectadoras. Uno de los objetivos principales es desestabilizar la distinción entre cultura femenina y masculina, así como revaluar ciertos géneros como espacios discursivos válidos para los análisis feministas –abiertos a posibilidades de reinscripción estética, narrativa e ideológica– y de esta manera ofrecer un replanteamiento crítico de la deslegitimación o del olvido habitual de ciertos géneros cinematográficos en contextos particulares. En términos generales, esta tesis se propone examinar con qué tipo de obstáculos y limitaciones se enfrentan las cineastas, sea por su género sexual, sea por el género cinematográfico en el cual eligen trabajar, pero también cómo traspasan o desestabilizan estas fronteras, forzándonos a rediseñar nuestras propias herramientas metodológicas, conceptos y entramados teóricos a partir de los cuales repensar la vigencia del “cine de mujeres” como clave hermenéutica. La tesis se estructura en cinco secciones: un capítulo que incluye el marco teórico, un capítulo dedicado al estudio comparativo y extratextual de la recepción y de la construcción de la figura autorial de las cineastas abordadas en esta investigación, y tres capítulos que contienen análisis detallados de tres géneros fílmicos: cine de terror, western y cine bélico. La intención no ha sido ofrecer una visión panorámica del cine de mujeres estadounidenses en el momento actual, ni trazar la evolución de las respectivas cineastas o tradiciones fílmicas en el sentido más amplio, sino más bien ofrecer una aproximación transversal y sincrónica, que permita destacar los principales problemas que surgen en la intersección del género cinematográfico, la autoría fílmica de mujeres y el género sexual.
While a considerable amount of research has been done on so-called “avant-garde” or “oppositional” female filmmakers, women who make films by drawing on popular forms have still to be given sufficient critical attention, in film studies in general, and in feminist film studies in particular. The objective behind this thesis is to address a selection of works of contemporary American filmmakers which have been perceived in the critical discourses as genre films: Jennifer’s Body (2009) as a horror film, directed by Karyn Kusama and written by Diablo Cody, Meek’s Cutoff (2010) as a western, directed by Kelly Reichardt, and The Hurt Locker (2008) as a war film, directed by Kathryn Bigelow. In particular –and taking as a starting point the conceptualization of genre as a process, a repertoire or a constellation of cultural, aesthetic and ideological materials– the aim is to reflect on how these filmmakers use the genericity of filmic storytelling to engage purposefully with past forms, at the same time as contributing to remaking and shifting social imaginaries, especially in terms of gender representation. This thesis seeks to put women filmmakers in context, offering a close examination not only of their films, but also of their public figures, which raise a number of intriguing questions that are crucial to rethinking and problematizing the notion of “women’s cinema”: the distinction between “male” and “female” genres, the growing importance and visibility of authorial images of female filmmakers, the blurring borders between commercial and independent cinema, the context of the so-called postfeminist media culture, and the consideration of female spectatorial pleasures. This thesis neither attempts to offer a panoramic vision of contemporary women’s cinema, nor to trace the evolution of respective filmmakers and filmic traditions in the wider sense, but rather to present a transversal and synchronic approach, one that underlines the principal obstacles that arise at the intersection of film genres, female film authorship, and gender.

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Mai, Nadin. "The aesthetics of absence and duration in the post-trauma cinema of Lav Diaz." Thesis, University of Stirling, 2015. http://hdl.handle.net/1893/22990.

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Abstract:

Aiming to make an intervention in both emerging Slow Cinema and classical Trauma Cinema scholarship, this thesis demonstrates the ways in which the post-trauma cinema of Filipino filmmaker Lav Diaz merges aesthetics of cinematic slowness with narratives of post-trauma in his films Melancholia (2008), Death in the Land of Encantos (2007) and Florentina Hubaldo, CTE (2012). Diaz has been repeatedly considered as representative of what Jonathan Romney termed in 2004 “Slow Cinema”. The director uses cinematic slowness for an alternative approach to an on-screen representation of post-trauma. Contrary to popular trauma cinema, Diaz’s portrait of individual and collective trauma focuses not on the instantenaeity but on the duration of trauma. In considering trauma as a condition and not as an event, Diaz challenges the standard aesthetical techniques used in contemporary Trauma Cinema, as highlighted by Janet Walker (2001, 2005), Susannah Radstone (2001), Roger Luckhurst (2008) and others. Diaz’s films focus instead on trauma’s latency period, the depletion of a survivor’s resources, and a character’s slow psychological breakdown. Slow Cinema scholarship has so far focused largely on the films’ aesthetics and their alleged opposition to mainstream cinema. Little work has been done in connecting the films’ form to their content. Furthermore, Trauma Cinema scholarship, as trauma films themselves, has been based on the immediate and most radical signs of post-trauma, which are characterised by instantaneity; flashbacks, sudden fears of death and sensorial overstimulation. Following Lutz Koepnick’s argument that slowness offers “intriguing perspectives” (Koepnick, 2014: 191) on how trauma can be represented in art, this thesis seeks to consider the equally important aspects of trauma duration, trauma’s latency period and the slow development of characteristic symptoms. With the present work, I expand on current notions of Trauma Cinema, which places emphasis on speed and the unpredictability of intrusive memories. Furthermore, I aim to broaden the area of Slow Cinema studies, which has so far been largely focused on the films’ respective aesthetics, by bridging form and content of the films under investigation. Rather than seeing Diaz’s slow films in isolation as a phenomenon of Slow Cinema, I seek to connect them to the existing scholarship of Trauma Cinema studies, thereby opening up a reading of his films.

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Maciel, Filipe Tavares Falcão. "Fronteiras do medo: semelhanças produtivas e diferenças culturais em Ringu e o Chamado." Universidade Federal da Paraíba, 2014. http://tede.biblioteca.ufpb.br:8080/handle/tede/4487.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-05-07T14:46:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 3360568 bytes, checksum: 1c01f6b8c73ab099752603932d52c725 (MD5) Previous issue date: 2014-02-27
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Since the release of the film Ringu, in 1998, the Japanese contemporary horror cinema, or J Horror, became a filmic addressing form for the West. These Japanese horror movies have created a way of production that was soon "discovered" and exported by Hollywood through remakes for international audiences. The fact that the production of a remake will present differences between the original film and the new version is clear and doubtless. When these horror films are analysed as entertainment, it is possible to study much more than just filmic differences presented by cultural aspects. We developed our analysis in the perspective that there are reframings in the remakes of the movies as this means part of a productive logic way of the film industry as entertainment. In addition to the comparisons between Ringu and its American remake, The Ring, this research aims to develop the elements of production, distribution and exhibition as these three topics answer the aspects of the cinema as an industry. Through this triad, besides the cultural environment, it may be possible, for example, to find answers to suggest the changes we can notice in the remakes due to get an extension of an international audience as the original movie is usually released only in Japan.
Formatado a partir do lançamento do filme Ringu, de 1998, o horror japonês contemporâneo, ou J Horror, tornou-se uma forma de endereçamento fílmica para o Ocidente. As obras japonesas geraram um modelo de produção de sentido logo descoberto e exportado por Hollywood com refilmagens para um público internacional. Que a produção de um remake gera diferenças entre o filme original e a refilmagem, não há dúvidas. Mas, ao analisar o cinema de terror como entretenimento, é possível perceber muito mais do que apenas diferenças fílmicas em função de aspectos culturais. Trabalhamos nossa análise na perspectiva de que há reenquadramentos temáticos nas refilmagens de obras uma vez que as mesmas fazem parte de uma lógica produtiva da indústria do cinema como entretenimento. Além das comparações entre Ringu e sua refilmagem norte-americana, O Chamado, esta pesquisa pretende se debruçar, em particular, nos aspectos extratextuais do cinema como entretenimento em cada nação, o que faz necessário debater elementos de produção, distribuição e exibição. Por meio desta tríade, além do entorno cultural, talvez seja possível, por exemplo, compreender as mudanças feitas nas refilmagens em função de obter um alargamento de um público internacional ao qual o remake é destinado em comparação com o produto original, que costuma ser exibido apenas no Japão.

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Cano, López José Carlos. "El cine de terror : historias de vampiros y qarqachas." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2010. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/721.

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Abstract:

Las películas de terror siempre me gustaron y me asustaron. Creo que lo primero es una consecuencia de lo segundo, aunque no pasa de la misma manera con todas las personas que conozco. Muchos se asustan sin haberse atrevido a verlas
Tesis

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Sousa, Saulo Machado Mello de. "Sinais lexicais dos termos cinematográficos : a perspectiva da língua de sinais no cinema." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2015. http://dx.doi.org/10.26512/2015.05.D.19043.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Linguística, Português e Línguas Clássicas, Programa de Pós-Graduação em Linguística, 2015.
Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2015-12-21T14:31:59Z No. of bitstreams: 1 2015_SauloMachadoMellodeSousa.pdf: 4706290 bytes, checksum: 60e0aa97ac14fc50671ef8d02d68e73a (MD5)
Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2015-12-28T14:42:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_SauloMachadoMellodeSousa.pdf: 4706290 bytes, checksum: 60e0aa97ac14fc50671ef8d02d68e73a (MD5)
Made available in DSpace on 2015-12-28T14:42:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_SauloMachadoMellodeSousa.pdf: 4706290 bytes, checksum: 60e0aa97ac14fc50671ef8d02d68e73a (MD5)
Esta dissertação, que se insere na linha de pesquisa em Léxico e Terminologia desenvolvida no PPGL/LIP – UnB, apresenta neologismos dos sinais-termos cinematográficos. O objeto de estudo é constituído de termos da área de cinematografia em Língua Portuguesa e na Língua de Sinais Brasileira (LSB). Os sinais-termos serão apresentados na LSB, como criação lexical que servirá para ampliar conhecimentos, nos eventos culturais e de acessibilidade nos cinemas, tendo como público-alvo espectadores surdos e não-surdos. Por esta razão, os sinais-termos cinematográficos representam o lazer e o espaço cultural para surdos e comunidade surda. Consideramos que a leitura de legenda leva os surdos a adquirem de novos vocábulos da Língua Portuguesa pela leitura do português escrito. Portanto, a presença do público surdo e a compreensão da tecnologia assistiva nos festivais e mostras de cinema elevam a importância da participação mais acessível por meio da legendagem e interpretação de LSB. Nesta pesquisa, mostramos, ainda, as evidências para disseminar os sinais-termos entre os intérpretes de LSB nos festivais e mostras de cinema, e também para contribuir com a ciência de conhecimento, com os surdos cineastas, produtores culturais e artísticos que vivem em torno do cinema. Ao final, mostramos que o desenvolvimento teórico e prático dos sinais-termos cinematográficos e a criação lexical de sinais servem para ampliar os conteúdos referentes ao cinema e às línguas.
This dissertation, which follows the research approach of Lexicon and Terminology developed at PPGL/LIP-UnB (University of Brasília), presents neologisms of cinematographic signs and terms. The object of study is made up of terms of cinematography area in Portuguese and Brazilian Sign Language (LSB). The signs and terms will be presented in LSB as lexical creation that will serve to expand knowledge in cultural events and accessibility in theaters with the target audience as being deaf and non-deaf viewers. For this reason, the signs and terms represent leisure and the cultural space for the deaf and the deaf community. Subtitle reading is believed to develop new vocabulary on the Portuguese by reading written Portuguese. Therefore, the presence of the deaf public and the understanding of assistive technology in cinema festivals and exhibitions raise the importance of a more accessible participation through subtitling and interpretation of LSB. In this study, we also show evidence to disseminate the signs and terms among the LSB performers at cinema festivals and shows. In addition, we contribute to the science of knowledge with deaf filmmakers, cultural and artistic producers living around cinema. Finally, we show that the theoretical and practical development of cinematographic signs and terms and the lexical sign creation broaden the contents related to cinema and languages.

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Rios, Dinameire Oliveira Carneiro. "O cinema de Olney S?o Paulo: Grito da terra e o cinema nacional." Universidade Estadual de Feira de Santana, 2013. http://localhost:8080/tede/handle/tede/238.

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Abstract:

Submitted by Verena Bastos (verena@uefs.br) on 2015-10-19T20:34:59Z No. of bitstreams: 1 disserta??o-VERS?O FINAL impress?o.pdf: 3725270 bytes, checksum: 5100a12bdc95c0805e1f84f23b75e1ce (MD5)
Made available in DSpace on 2015-10-19T20:34:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 disserta??o-VERS?O FINAL impress?o.pdf: 3725270 bytes, checksum: 5100a12bdc95c0805e1f84f23b75e1ce (MD5) Previous issue date: 2013-03-21
Funda??o de Amparo ? Pesquisa do Estado de S?o Paulo - FAPESP
This dissertation presents a critical study of the film Grito da terra (1964). Are analyzed elements of both ethical and aesthetic of the film within the context of Brazilian cinema in the decades 1950/60, based on the discourse of national-popular and adaptation processes undertaken by filmmaker Olney Sao Paulo for the production of Grito da terra from the novel by Ciro de Carvalho Leite. Discusses how the film of Olney S?o Paulo speaks to the productions of the season from ethical concerns in common, questioning how this work participates in debates raised by films that have the social problems of the northeast of Brazil as its central theme. As the film adaptation of a literary work are analyzed important aspects of dialogue between the book Grito da terra (1964) and the film in order to enhance important issues that are embedded in the process of adapting a literary work to the screen.
Esta disserta??o apresenta um estudo cr?tico sobre o filme Grito da terra (1964). S?o analisados elementos dos campos ?tico e est?tico do filme dentro do contexto do cinema brasileiro das d?cadas de 1950/60, tendo como base o discurso do nacional-popular e os processos de adapta??o realizados pelo cineasta Olney S?o Paulo para a produ??o de Grito da terra a partir do romance hom?nimo de Ciro de Carvalho Leite. Discute como o filme de Olney S?o Paulo dialoga com as produ??es da ?poca a partir de preocupa??es ?ticas em comum, problematizando como essa obra participa dos debates levantados por filmes que tiveram os problemas sociais do nordeste do Brasil como tema central. Sendo o filme uma adapta??o de uma obra liter?ria, s?o analisados aspectos importantes do di?logo entre o livro Grito da terra (1964) e o filme de forma a potencializar importantes quest?es que est?o imbricadas no processo de adapta??o da obra liter?ria para o cinema.

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França, Jussara. "Precisamos ter um cinema nacional? a retomada do cinema brasileiro 1993-2003." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2005. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/12767.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PrecisamosTerUmCinemaNacional.pdf: 2959954 bytes, checksum: 8d34dcb3dc8e732318e7eca665a2a539 (MD5) Previous issue date: 2005-10-19
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The subject of the present dissertation is the Return of Brazilian national cinema, since the creation of the Audiovisual Bill, in 1993, up to the creation of ANCINE in 2003. Two questions guided this research: do we need to have national cinema? What kind of cinema do we find desirable? Both questions require reflecting over three aspects, which constitute the cinematographic phenomena: the mass culture industry, the Audiovisual policy and the imaginary. The first reflection investigates whether it is possible for the movies industry, whose goal is to serve the market s economical interests, to produce insightful works. The second one discusses the conflict of interests between Brazilian filmmakers, foreign companies and the National Government in debating the adoption of protective measures to benefit national cinema. The third one interprets the films Cronicamente Inviável and Terra Estrangeira, relating them to the abovementioned aspects in the light of the social environment in which they are inserted
O tema deste trabalho é a Retomada do cinema nacional, desde a criação da Lei do Audiovisual, em 1993, até a constituição da ANCINE em 2002. Duas indagações direcionaram a pesquisa: precisamos ter um cinema nacional? Qual cinema queremos ter? Elas exigiram reflexões em três aspectos que compõem o fenômeno cinematográfico: a indústria cultural, a política do Audiovisual e o imaginário. A primeira trata da possibilidade de a indústria cinematográfica, que visa atender aos interesses do mercado, produzir obras reflexivas. A segunda aponta as fragilidades da política do audiovisual e a necessidade de ela criar medidas que limitem a invasão do cinema estrangeiro e favoreçam o cinema nacional. A terceira, interpreta os filmes Cronicamente Inviável e Terra Estrangeira para relacionar os aspectos citados ao ambiente social no qual se inserem

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Cadoret, Erwan. "Les Manifestations oniriques dans le cinéma de Terry Gilliam." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030148/document.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’analyser les manifestations oniriques (rêve, hallucination, projection mentale) dans six films de Terry Gilliam réalisés entre 1985 et 2009 : Brazil, Fisher King, L’Armée des douze singes, Las Vegas parano, Tideland et L’Imaginarium du docteur Parnassus. Après avoir déterminé l’étendue et les limites de l’espace onirique, la première partie en décrit les principales caractéristiques sur le plan dramatique (organisation et place des manifestations dans les films) et sur le plan formel (effets oniriques). La deuxième partie s’intéresse plus particulièrement au corps du héros "gilliamien", qui sert d’interface entre le réel et l’onirisme, en insistant sur trois points : le mouvement du corps, l’importance accordée au regard et la capacité de dédoublement. Enfin, la troisième partie aborde les manifestations oniriques sous l’angle de la dimension critique à l’œuvre dans ces six films. À partir d’une vision pessimiste de l’existence tempérée par des notes d’espoir, Gilliam remet en cause les sociétés occidentales contemporaines, leur matérialisme et leur idéologie libérale
This Ph.D. attempts to analyse the numerous dreamlike scenes (dreams, hallucinations, mind projections) to be found in six films directed by Terry Gilliam from 1985 to 2009: Brazil, The Fisher King, Twelve Monkeys, Fear and Loathing in Las Vegas, Tideland, and The Imaginarium of Doctor Parnassus. The first part delineates the range and limits of the dreamlike occurrences as well as their main characteristics, both on the dramatic side (the organisation and distribution of dreamlike scenes) and on the formal side (dreamlike effects). The second part deals with the main character’s body as an interface between the “real world” and the dream world depicted by the films, laying emphasis on three aspects: the body language, the all-important gaze and the hero’s ability to split himself in two. Finally, the third part studies how the dreamlike scenes contribute to build up Gilliam’s critical stance toward the modern world. Informed by a pessimistic view on human life barely alleviated by some glimpses of hope, Gilliam challenges the contemporary occidental societies, which he sees as suffused with materialism and a free-enterprise ideology

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Bénard, Rosine. "Poétique des quatre éléments dans le cinéma contemporain : Prolégomènes à une esthétique du retour." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030016.

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Abstract:

Dans un certain cinéma contemporain, souvent considéré comme « contemplatif »,les éléments du décor occupent une place de plus en plus importante, que celle-ci soit plastique ou narrative. Partant de ce postulat, nous avons choisi de nous intéresser aux décors naturels (en extérieur) et plus spécifiquement aux quatre éléments : l’eau, l’air, la terre et le feu. La poétique inhérente à ces éléments primordiaux au cinéma dévoile une exacerbation d’un rapport sensible, voire cénesthésique, à la nature qui semble se transmettre des personnages au spectateur. Plus qu’un arrière-plan ou un motif, l’espace diégétique devient alors un matériau permettant de questionner l’« être-au-monde » heideggérien. En privilégiant des approches esthétiques, phénoménologiques et psychanalytiques, cette étude met en lumière comment les quatre éléments – tour à tour ,dispositifs visuels et sonores, instruments heuristiques et outils épistémiques – participent d’une esthétique du retour qui serait, selon nous, caractéristique de ce type de cinéma, initié par Tarkovski dès les années 1960. Nous tentons ainsi de démontrer que cette notion de retour – qu’il soit spatial, temporel ou réflexif – constitue le principal moteur d’une réflexion sur le rapport qu’entretient l’homme avec son environnement mais également sur le medium cinématographique, ses caractéristiques, son dispositif et sa réception
In some contemporary films, often considered as “contemplative”, the scene elements occupy a more and more important place, be it aesthetic or narrative. Working from this initial assumption, I have chosen to focus my researches on the natural settings (on location), and more precisely on the four elements: water, air, earth and fire. The poetics of these elements in films reveals an exacerbation of a sensitive, or even cenesthesic relation with nature, which seems to be conveyed from the characters to the audience. More than a background or a pattern, the diegetic space then becomes a precious material to question the Heideggerian notion of “Being-in-the-world”. With an emphasis on aesthetic, phenomenological and psychoanalytical approaches, this study highlights how the four elements – in turns, visual and sound devices, heuristic instruments, and epistemic tools –partake in an aesthetics of returning which, we believe, is characteristic of this kind of cinema, initiated from the 1960s by Tarkovsky. Thus, we try to demonstrate that this notion of return – be it spatial, temporal or reflexive – is the major driving force of a thought about the relationship between human beings and their environment, but also about the cinematographic medium, its features, its devices and its reception

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Navarro, Romero Teresa. "El goce escópico en el espectador de falsos documentales de terror : película de análisis V/H/S : las crónicas del miedo." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.12404/13636.

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Costa, Wagner Cabral da. "Sob o signo da morte : decadencia , violencia e tradição em terras do Maranhão." [s.n.], 2001. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/282051.

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Abstract:

Orientador: Italo Arnaldo Tronca
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-31T14:53:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Costa_WagnerCabralda_M.pdf: 19907976 bytes, checksum: 2f9fd9fdc6af401388b3526726b2306c (MD5) Previous issue date: 2001
Resumo: Um estudo do panorama político do Maranhão no período 1945/1970. Discute-se a trajetória das Oposições Coligadas, frente heterogênea formada para combater a hegemonia política do vitorinismô no estado. São destacados dois momentos: o movimento popular conhecido como Greve de 1951 (contra a fraude eleitoral) e a vitória oposicionista nas eleições de 1965 com o apoio da ditadura militar. Com o recurso a diversas fontes (jornais, memórias, literatura, cinema), procede-se à análise dos imaginários sociais (re)formulados e manejados pelas Oposições, com ênfase às representações sobre o Maranhão, os maranhenses e sua identidade cultural
Abstract: A study of the political panorama of brazilian's state of Maranhão (1945/1970). It discusses the trajectory of "Oposições Coligadas", heterogeneous alliance formed to combat the political hegemony of vitorinismo in the state. Two moments are detached: the popular movement known as Greve de 1951 (against the electoral fraud) and the victory of the oppositionists in 1965's elections, with the military dictatorship's support. It utilizes various types of sources (newspapers, memories, literature, cinema) to make an analysis of the social imaginaries (re)formulated and managed by the "Oposições", with emphasis to the representations about Maranhão, the maranhenses and their cultural identity
Mestrado
Mestre em História

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Nóbrega, Mainara Rodrigues. "Merci: um sistema interativo para cinema digital." Universidade Federal da Paraíba, 2013. http://tede.biblioteca.ufpb.br:8080/handle/tede/6112.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:36:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2014476 bytes, checksum: 96ff6c20c180940713337a9f7649546e (MD5) Previous issue date: 2013-12-16
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The cinema has evolved continuously since its inception. Started to have sound and colours; visual, special, three-dimensional and multisensory effects, and now, interactivity. These changes have provided to the public increasingly realistic experiences while viewing a movie. These experiences can be obtained through technologies deployed in audiovisual and sometimes in his own screening room to capture the movement or the voice of the audience, with the purpose of providing a direct interaction of the viewer with the film displayed. New versions of technological tools are constantly emerging to assist the cinematography. However, the prior techniques do not cease to exist, all has been embedded, aggregating in a process of evolution and technical repositioning, making it possible to use the interactivity. Here we developed a system called MERCI, which provides the interaction between viewers and the audiovisual by sending text messages via mobile. The MERCI also provides technical support to the nonlinear film-editing of the audiovisual narrative and the user management. The director or the editor of the work will be responsible for handling these issues. Some work already developed were compared to MERCI, however here is to offer a model of interactivity which uses a new way to plan and develop the narrative.
O cinema tem evoluído continuamente desde a sua criação. Passou a ter som, cores, efeitos visuais, especiais, tridimensionais, multissensoriais, e agora interatividade. Tais mudanças têm proporcionado ao público experiências cada vez mais realistas durante a exibição de um filme. Estas podem ser obtidas através de tecnologias implantadas no audiovisual e, algumas vezes, na própria sala de projeção para captação de movimento da plateia ou da voz de espectadores, com a finalidade de proporcionar uma interação direta do espectador com o filme exibido. Novas versões de ferramentas tecnológicas surgem constantemente para auxiliar a cinematografia, no entanto, as técnicas que as antecederam não deixam de existir, todas têm se encaixado, agregando-se em um processo de evolução e reposicionamento técnico tornando possível o uso da interatividade. Apresentamos aqui um sistema intitulado MERCI, que proporciona a interação entre espectadores e o audiovisual através do envio de mensagens de texto realizado por meio de dispositivo móvel. O MERCI também fornece o suporte técnico à montagem não linear da narrativa audiovisual e ao gerenciamento de usuários. O diretor ou o montador da obra será o responsável pela manipulação destes aspectos. Alguns trabalhos foram comparados ao MERCI, entretanto este vem a oferecer um modelo de interatividade que se utiliza de uma outra forma para planejar e desenvolver a narrativa.

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Robles-Guzmán, Vanessa-Cecilia. "El exorcista: un estudio de su tratamiento sonoro y de su influencia en el cine de terror contemporáneo." Bachelor's thesis, Universidad de Lima, 2016. http://repositorio.ulima.edu.pe/handle/ulima/3594.

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Abstract:

El Exorcista, una película del género de terror dirigida por William Friedkin en 1973, no solo es un clásico del género; también es un referente para el cine de horror realizado después. Ello se debe a su tratamiento de asuntos que resultaban inéditos para el género, como la sexualidad infantil, y a las características de la representación del proceso de transformación física de una niña poseída, así como al diseño de su banda sonora y de todos sus componentes: la palabra, los ruidos o efectos sonoros, las atmósferas creadas con ellos, la música y el silencio. Todos ellos se orientan a la creación de un clima de horror visceral, donde el miedo provocado por el género convive con el disgusto, el asco y la repulsión causados por los elementos de la representación fílmica. Este artículo describe e interpreta la singularidad de ese tratamiento sonoro de El Exorcista, apuntando aquello que ha resultado influyente en el curso de la historia del género de terror.
The Exorcist, a film of horror genre directed by William Friedkin in 1973, is not only a classic of the genre; it is also a reference to horror films made later. This is due to its treatment of issues that were unprecedented for the genre, such as infantile sexuality, and the characteristics of the representation of the process of physical transformation of a possessed girl, and the design of the soundtrack and all its components: voice, sound effects, atmospheres created with them, music and silence. They are aimed at creating a climate of visceral horror, where fear caused by gender coexists with disgust, repugnance and repulsion caused by the elements of filmic representation. This article describes and interprets the uniqueness of the sound treatment of The Exorcist, pointing what has been influential in the course of the history of the horror genre.
Trabajo de investigación

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Curi, Melissa Volpato. "Mineração em terras indigenas : caso terra indigena Roosevelt." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/286795.

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Abstract:

Orientador: Hildebrando Herrmann
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Geociencias
Made available in DSpace on 2018-08-05T12:31:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Curi_MelissaVolpato_M.pdf: 2088217 bytes, checksum: ab408a2619ee4d63cf4f804da0a908bd (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: O objetivo principal desse trabalho é fazer uma análise jurídica sobre a mineração em terras indígenas para que se possa colaborar com a implementação legal sustentável sobre a matéria. Nesse sentido, sob a ótica do desenvolvimento sustentável, serão levados em consideração os fatores sociais, ambientais e econômicos relacionados com a atividade minerária em terras indígenas para que se obtenham subsídios fundamentados para a proposta de regulamentação do assunto. A mineração em terras indígenas possui um tratamento diferenciado por nosso ordenamento jurídico, pois para que esta ocorra, como prevê o artigo 231, § 3°, da Constituição Federal, haverá a necessidade de autorização do Congresso Nacional, ouvidas as comunidades afetadas e ficando garantida a estas uma participação nos resultados da lavra. Apesar dos longos anos de discussão, ainda hoje não houve uma manifestação definitiva do Congresso Nacional devido, principalmente, ao conflito de interesses que a matéria suscita. O objeto de estudo é a Terra Indígena Roosevelt dos povos Cinta Larga, que compõe uma das quatro aldeias do Parque Indígena Aripuanã, situado entre os Estados de Rondônia e Mato Grosso. Nos últimos anos, a área tem sido palco de muitos conflitos entre garimpeiros e indígenas pela disputa de diamantes na região. O conflito na TI Roosevelt, caracterizado pela entrada ilegal de não índios nas terras dos povos Cinta Larga para a espoliação dos recursos minerais existentes, é um fato atual decorrente de uma continuidade histórica, que denuncia a realidade de diversas outras terras indígenas no país. A ausência de políticas públicas eficazes, aliada ao preconceito e discriminação da sociedade em geral, faz com que o a problemática se perpetue e denuncie a crise de valores e percepção de nossa sociedade ocidental, que não respeita a diversidade cultural e o meio ambiente físico, colocando em risco a existência de vida no planeta
Abstract: The main objective of this work is to perform a legal analysis of mining in native people lands in order to collaborate with the sustainable legal implementation of the matter. In this sense, under the view of sustainable development, it will be taken in consideration the social, environmental and economical factors related to mining activities in native people lands, in order to obtain fundamented subsidies for the regulation proposal of the subject. The Mining in native people lands has a differentiated treatment by our legal system, therefore so that this occur, as is predicted by the article 231, § 3º, of the Federal Constitution, it will be necessary the National Congress' s authorization and hearings from the affected communities, being guaranteed to them a participation in the results of the exploration. Despite many years of discussions, nowadays a definite manifestation from the National Congress has not happened yet, mainly due to conflicts of interests that the subject excites. The object of study is the Native People Land Roosevelt of the Cinta Larga people, which composes one of the four areas of the Native People Park Aripuanã, situated between the States of Rondônia and Mato Grosso. In the past years, the area has been a place of many conflicts between miners and native people in the quarrel for diamonds in the region. The conflict in the Native People Land Roosevelt, characterized by the illegal entrance of non-natives in the lands of the Cinta Larga people for the spoliation of the existing mineral resources, is a decurrent current fact of a historical continuity, that denounces the reality of many other native lands in the country. The absence of effective publics politics, allied to the prejudice and discrimination of the society in general, allow the perpetuation of the problem and expose the value and perception crisis of our western society, that don't respect cultural diversity and the physical environment, putting in risk the existence of life in the planet
Mestrado
Administração e Politica de Recursos Minerais
Mestre em Geociências

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Figueirôa, Ferreira Alexandre. "La Vague du Cinema Novo en France fut-elle une invention de la critique ?" Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030034.

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Abstract:

Dans les annees 60 le cinema novo bresilien a occupe en france une place particuliere parmi les nouveaux cinemas. Cela fut rendu possible par la promotion de ce mouvement accomplie par certains critiques des revues cinematographiques specialisees. Les revues rendirent possible l'attribution d'une valeur culturelle aux oeuvres du cinema novo, permettant ainsi sa reconnaissance en tant qu'invention d'une conception originale du cinema. Les interpretations du cinema novo ont ete reperees a travers les textes parus dans les revues. L'orientation du travail est surtout historique et socioculturelle. On y esquisse une methode pour rendre compte des particularites des situations de communication etudiees sans pour autant engager une etude des medias ou une etude semiolinguistique (bien qu'on utilise certaines procedures relevant de ces disciplines). Ce travail demontre d'abord comment la circulation des idees a permis la conception d'un modele culturel pour le cinema novo. Ce modele fut elabore a partir d'une recherche de significations communes, suggerant une correspondance des codes entre les cultures francaise et bresilienne, et il fut legitime a partir des accords ideologiques prealables etablis entre les partenaires de ce processus. On demontre ensuite que le cinema novo, pour etre convaincant comme modele de cinema social et politique convenant aux besoins de la critique francaise et aux strategies promotionnelles qu'elle convoque, jouait des roles determines par les a priori redactionnels des revues, roles dont le principal fut celui de substitut du neorealisme italien et de la nouvelle vague francaise
In the 1960s, as a result of the promotional movement carried out by critics writing for specialised cinema periodicals, the brazilian cinema novo held a privileged position among the new cinemas. Those periodicals provided the means through which the cinema novo films were given their particular cultural value. As a consequence, this body of films gained recognition as a movement that created an innovative conception of film-making. The interpretations of the cinema novo propounded were elaborated form the observation of the discursive reality perceptible in the periodicals. The approach given to the present work is mostly a historical and socio-cultural one. An analytical method has been draw up in order to account for the particularities of the communication categories examined. However it is neither a media or a semiological and linguistic study, even though both these domains have provided useful techniques. Firstly, this study shows how the spread of ideas produced a cultural model for the cinema novo based on the research of signs common to both the french and the brazilian cultures, so that a pattern off corresponding codes uniting these two cultures could be set. The legitimacy of this cultural model was to be found in ideological agreements previously established between the parties involved in the process. Then, we show that in order to meet the needs of the specialised french critics, who searched for a convincing model of social and political cinema, and those of their promotional strategies, the cinema novo had to fit in the roles determined by editorial tenets upheld in the periodicals. Thus, the main role the cinema novo had to play was that of a replacement for the italian neorealism and for the french new wave

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Lopes, Ernesto José de Castro Candido. "Tradição e revolução: análise de La terra trema, de Luchino Visconti." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-22122015-104010/.

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Abstract:

Esta dissertação apresenta os resultados de uma análise do filme La terra trema (1947), dirigido pelo italiano Luchino Visconti. Considerando a feição política da obra, procuramos evidenciar o modo como Visconti articula temática e formalmente em seu filme as contradições históricas da Itália do pós-guerra. Para refletirmos a concepção de realismo na cinematografia de Visconti, analisamos alguns artigos que Visconti, Mario Alicata e Giuseppe De Santis publicaram na revista italiana Cinema, no início da década de 1940. Por meio desses artigos, apresentamos o empenho dos autores em retomar a narrativa de Giuseppe Verga para a criação de um novo cinema. Também apresentamos uma leitura do ensaio Alguns temas da questão meridional (1926), de Antonio Gramsci. Com essa leitura, indicaremos linhas de convergências entre pensamento do marxista sardo, e os problemas figurados pelo filme. Através do diálogo com a crítica italiana, e da análise de algumas cenas do filme, refletimos a forma como essa constelação de problemas se configurou no filme La terra trema.
This dissertation presents the results of an analysis of La Terra Trema (1948), directed by Luchino Visconti. Considering the political particularity of the movie, we tried to underline how Visconti articulates in his films thematically and formally the historical contradictions of the post-war Italy. In order to speculate the idea of realism in Viscontis filmography, we analyze articles written by Visconti, Mario Alicata e Giuseppe de Santi published in the Italian magazine Cinema, in the early 1940s. Through these articles, we present the effort of the authors to resume Guiseppe Vergas narrative for the creation of a new cinema. We also present a reading of Antonio Gramscis essay Some Aspects of the Southern Question (1926). With such a reading, we will indicate lines of convergence between Sardian Marxist thought and the problems figured by the film. Through the dialogue with the Italian criticism, and the analyzes of some scenes from the movie, we speculate the form how this constellation of problems have been set in the film La Terra Trema.

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Dantas, Geraldo da Mota. "O cinema e o ensino da Física: uma experiência sob olhar CTS." Universidade Estadual da Paraíba, 2011. http://tede.bc.uepb.edu.br/tede/jspui/handle/tede/1837.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2015-09-25T12:20:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Geraldo da Mota Dantas.pdf: 1272924 bytes, checksum: 4880d9c6b6031330fd6eae3d356819e2 (MD5) Previous issue date: 2011-09-22
This dissertation is an experience report on the use of films in physics classrooms. The assumption that guides the work, inspired by the CTS studies, use as search fields the College Geo-Duck, the private schools and the Instituto Federal de Alagoas Campus Palmeira dos Indios, the public school system, and aimed to verify the appropriation of content including physics, among the teaching strategies, classroom films. Were worked out, specifically, the contents of hydrostatic and gravity, from two films, "Titanic" (1997) and "Apollo 13" (1995). The experience received direct influence of two types of reading - one focused on discussion and validity of the approach (methodology and teaching), and another in a contextualized understanding of science and criticism, provided by authors from the field (CTS social studies of science and technology). We tried to, on the other hand, associated with the use of film in the classroom and content tied to a critical discussion of the place of science and technology in contemporary society. For the development of this process, it was important to perform some specific readings of authors who cross the CTS field, a movement originated in the United States and Europe at the end of 1960 and beginning of 1970, whose main characteristic is to reject, forcefully, science as a construct autonomous, disinterested and potentially good. In conclusion, it was that found the use of films in the teaching of physics, facilitates learning.
A presente dissertação trata de um relato de experiência sobre a utilização de filmes nas aulas de física. O pressuposto que orienta o trabalho, inspirado nos estudos CTS, utiliza como Campo de Pesquisa o Colégio Geo-Patos, da rede privada de ensino e o Instituto Federal de Alagoas Campus Palmeira dos Índios, da rede pública de ensino, e que teve por objetivo verificar a apropriação de conteúdos de física incluindo, dentre as estratégias de ensino, filmes em sala de aula. Foram trabalhados, especificamente, os conteúdos de hidrostática e gravitação, a partir de duas películas: Titanic (1997) e Apolo 13 (1995). A experiência recebeu influência direta de dois tipos de leitura - uma focada na discussão e validade da estratégia (metodologia e didática) e outra numa compreensão de ciência contextualizada e crítica, proporcionada por autores do campo CTS (estudos sociais da ciência e da tecnologia). Buscou-se, por outro lado, associado ao uso do cinema em sala de aula e dos conteúdos vinculados, fazer uma discussão crítica do lugar da ciência e da tecnologia na sociedade contemporânea. Para o desenvolvimento desse processo, foram importantes a realização de algumas leituras pontuais de autores que transitam no campo CTS, um movimento originado nos Estados Unidos e na Europa, no final do ano de 1960 e início do ano de 1970, cuja característica principal consiste em rechaçar de forma veemente, a ciência como um constructo autônomo, desinteressado e potencialmente bom. Concluindo-se se constatou que a utilização de filmes no ensino de Física, facilita a aprendizagem.

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Villanueva, Rebaza Kelly Sofía. "Del formato cinematográfico al televisivo: El caso del arquetipo del héroe postclásico en las películas de terror y suspenso." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2020. http://hdl.handle.net/10757/653185.

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Abstract:

El presente trabajo de investigación consiste en el análisis del arquetipo del héroe postclásico en las películas y series de terror/thriller para la creación de una adaptación. Se busca describir las características que posee este arquetipo de personaje en tramas del género de terror / thriller. Así mismo, exponer cuales son las variables que cada formato posee: cine y televisión para poder realizar una adaptación. La investigación tiene como base la metodología cualitativa, debido a que se busca entender y exponer los procesos que conlleva el poder crear adaptaciones de un formato a otro. Además, las técnicas utilizadas son las de análisis de casos, ya que al ser un tema de enfoque audiovisual se centrará en analizar los códigos visuales y sonoros que se han empleado en este tipo de adaptaciones.
This research work consists of the analysis of the postclassic hero archetype in horror/ thriller movies and series for the creation of an adaptation. The aim is to describe the characteristics of this character archetype in plots of the horror/thriller genre. Likewise, expose which are the variables that each format has: film and television in order to carry out an adaptation. The research is based on qualitative methodology, because it seeks to understand and expose the processes involved in creating adaptations from one format to another. In addition, the techniques used are those of case analysis, since being an audiovisual approach, it will focus on analyzing the visual and sound codes that have been used in this type of adaptation.
Trabajo de investigación

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Bondurand, Mouawad Michel. "Corps de terreur : genres, races et sexualités dans les représentations hollywoodiennes du terrorisme (1960-2010)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA116/document.

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Abstract:

La violence terroriste se définit principalement par le projet politique qui la motive. Or, depuis plusieurs décennies, Hollywood propose des personnages terroristes sans motivations politique avérées. Notre étude montre que la dépolitisation apparente de ces antagonistes particuliers fait entrer la représentation du terroriste dans une politique identitaire complexe dans laquelle le corps du personnage devient le véhicule principal du discours politique et que ce dernier porte principalement sur la renégociation des identités culturelles américaines, notamment sur les questions de races, de genres et de sexualités. À travers une approche historique qui relie en permanence les représentations analysées aux contextes sociologiques et culturels dans lesquels elles apparaissent, cette thèse montre comment Hollywood crée un archétype dont les caractéristiques principales reposent sur sa capacité à assurer une renégociation permanente des catégories identitaires dominantes afin de renforcer leur légitimité et leur hégémonie. En situant la genèse du personnages dans les films d’espionnage de la Guerre froide, cette étude couvre cinq décennies de production hollywoodienne sur le terrorisme et montre ainsi que les attaques du 11 septembre 2001 n’engendrent pas de rupture majeure dans ce domaine mais forcent plutôt l’industrie à abandonner un archétype que la postmodernité a rendu ingérable
Even though terrorist violence is defined by a manifest political agenda, for decades Hollywood has created terrorist vilains with no specific political motivations. This study argues that the apparent lack of political content in the fictional representations of terrorism is actually compensated by an other political agenda that has to be read onto the bodies of those fictional terrorists and appears chiefly through gender, race and sexuality. Following a chronological approach, this study systematically connects the historical, sociological, and cultural contexts of production in order to highlight how Hollywood constructed an archetypal character of which unique features consist of communicating different speeches that help the dominant American cultural groups to permanently negotiate and strengthen their hegemonic power. After locating its origins in the spy fiction films of the 1960’s, we have studied the representations of terrorism over five decades. We were then able to demonstrate that the attacks of 9/11 were not a critical shift in Hollywood depiction of terrorism but rather forced the industry to leave behind a fictional construction which became unbearable after its emergence in what we have called « a postmodern reality »

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Muguiro, Carlos. "Estética de la naturaleza en el cine ruso y sovietico : el tercer paisaje." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2013. http://hdl.handle.net/10803/127190.

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Abstract:

En Rusia, la representación de la naturaleza ha sido siempre una encrucijada estética fundamental. En ella han ido cuajando a lo largo de los siglos las principales tensiones filosóficas y artísticas que han perfilado su cultura. En el contexto de este gran tema cultural, esta investigación estudia las formas del paisaje en el cine ruso y soviético. Está dividida en tres partes. Identificación del paisaje ruso traza un recorrido histórico por los debates estéticos sobre la naturaleza que el cine hereda y asimila. Componentes del paisaje cinematográfico cataloga los distintos enfoques paisajísticos que se enfrentan en el cine ruso de los primeros treinta años del siglo XX. De estas confrontaciones emana el concepto de tercer paisaje y, también, las categorías del ‘paisaje como transparencia’ y ‘paisaje como presencia-aparecer’. En la tercera parte, Violencia estética del paisaje, se aplica esta metodología al análisis histórico del cine ruso-soviético hasta finales de los años 60.
В России отображение природы в искусстве всегда являлось важнейшим эстетическим перекрестьем. На протяжении веков на нем обретали форму основные философские и художественные дискуссии, сформировавшие культуру России. В контексте этого грандиозного культурного значения и рассматривает данная работа варианты пейзажа в российском и советском кино. Она разделена на три части. В разделе «Идентификация русского пейзажа» прослеживается история эстетической дискуссии о природе, унаследованной и ассимилированной кино. В главе «Элементы кинематографического пейзажа» приводится классификация различных подходов к пейзажу, которые соперничают в российском кинематографе первого тридцатилетия ХХ века. Из этого соперничества рождается концепция «третьего пейзажа», а также категории «пейзажа как прозрачной пленки» и «пейзажа как проявления». В третьем разделе работы, озаглавленном «Эстетическая конфронтация в пейзаже», та же методология применяется для исторического анализа российско-советского кино до конца 60-х годов.
In Russia, the portrayal of nature has always been an essential aesthetic intersection. This intersection has seen the moulding of the leading philosophical and artistic tensions which have shaped Russia’s culture. Against the backdrop of this important cultural issue, this thesis studies the different approaches to nature and landscape in Russian and Soviet cinema. The thesis is divided into three parts. Identification of the Russian landscape charts the history of aesthetic debates about nature which cinema both inherits and assimilates. Components of cinema landscapes catalogues the different landscape approaches which clashed in Russia cinema during the first thirty years of the 20th century. This clash gives rise, in this dissertation, to the concept of the ‘third landscape’, and, additionally, the categories of 'transparent landscape' and 'landscape as presence and apparition'. In the third part, Aesthetic violence of landscape, this methodology is applied to the historical analysis of Russian and Soviet cinema up until the end of the 1960s.

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Lillo, Poblete Valentina. "La versatilidad de la sombra como recurso visual : un estudio del uso de la sombra en el género cinematográfico de terror entre 1910 y 1940." Tesis, Universidad de Chile, 2016. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/143554.

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Díaz, Cisternas Catalina Beatriz. "Las aventuras del Barón de Munchhausen — visualidad y cine alemán durante el Tercer Reich." Tesis, Universidad de Chile, 2010. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101527.

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Díaz, García Camilo. "Filmemos nuestra liberación: el tercer cine y su relación con la producción cinematográfica de Chile y Bolivia: 1967-1977." Tesis, Universidad de Chile, 2018. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/164076.

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Vergel, Rodríguez Marylin Madeleine Karina. "Discurso conceptual y gráfico de la justicia cruel en la saga Saw (2004-2010)." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2015. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/6127.

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Cunha, J?nior Jo?o Vital da. "Testes cinem?ticos em cosmologia com decaimento do v?cuo." Universidade Federal do Rio Grande do Norte, 2002. http://repositorio.ufrn.br:8080/jspui/handle/123456789/16596.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-12-17T15:14:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JoaoVCJ_DISSERT.pdf: 1902180 bytes, checksum: f48bb516c87d34521899164b27fcda6f (MD5) Previous issue date: 2002-04-03
Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior
Esta tese investiga os limites observacionais impostos pelos testes cl?ssicos para uma extensa classe de modelos cosmol?gicos do tipo FRW com decaimento da densidade de energia do v?cuo, ou equivalente, um termo cosmol?gico dependente do tempo. Express?es anal?ticas para o lookback time , a idade do universo, dist?ncia-luminosidade, di?metro angular e contagem de fontes s?o obtidas como fun??es do redshift , e o significado f?sico delas ? discutido em detalhe. Em particular, a influ?ncia de efeitos evolucion?rios ? brevemente analisada para o caso de di?metro angular. Como um resultado geral, as express?es do modelo padr?o s?o significativamente alteradas, mostrando que tais testes podem restringir consideravelmente os par?metros f?sicos dos modelos. Todos os resultados de modelo cosmol?gico padr?o s?o recuperados quando o v?cuo n?o contribui para a densidade de energia do universo. Um aspecto interessante de tais cosmologias ? a possibilidade de uma expans?o acelerada hoje como sugerido pelos dados de SNe Ιa. Estes modelos est?o tamb?m em acordo com o problema da constante cosmol?gica, no sentido de que o presente valor da constante cosmol?gica ? 10118 ordens de grandeza menor do que na era de Planck

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Ares, Alvaro. "MONSTRUOS FAMILIARES: REPRESENTACIONES DEL MIEDO EN LA GUERRA CIVIL Y LA POSGUERRA EN LA LITERATURA Y EL CINE ESPAÑOL CONTEMPORÁNEO." Thesis, University of Oregon, 2016. http://hdl.handle.net/1794/20560.

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Abstract:

This dissertation studies the cultural traces of the experience of fear in relation to the social and cultural legacies of the Spanish Civil War and the Francoist dictatorship. By applying the theoretical and narratological insights afforded by the horror genre and through the figure of the monster, the research identifies and analyzes alternative memories of the traumatic past, exploring the experience of fear within film and literature to reveal and claim an unrecognized approach to the representation of the war, with key critical findings and implications regarding the shaping and interpretation of the Spanish social imaginary of this event in this most persistent of cultural debates. Chapter II, explores the maquis in Luna de lobos (1985) by Julio Llamazares, tracing the human involution of a group of men that seeking refuge from Francoist repression become monstrous shells of themselves. It pursues this degradation to rethink the locus of the monster, finding it in the monstrous policies of the regime, that demands the exorcism of the resistance movement—the ultimate Other—rendering it ghostly by community and family as the cornerstone foundational violence of a new society. Chapter III, delves into the cinematographic representation of monsters and monstrous elements in Pa negre (2010) by Agustí Villaronga. It studies the competing narratives in postwar Spain that turn a child of the defeated into a monstrous regime supporter, a process that suggests the origins of contemporary society as the monstrous traces of Francoist society. It analyzes the features that render its protagonist, first, a monster in the eyes of the new regime—along the lines of the classical monster—to later on, through disappointment, shame and betrayal, a monster to his family and social class—thus becoming a modern monster. Chapter IV tackles a cinematographic allegorical representation of the past in Balada triste de trompeta (2010) by Álex de la Iglesia, a tour de force that attempts to be a total narrative of the war, a collage of historical memory through the monstrous moments that define Francoism. The fusion of elements from “esperpento”, horror and melodramatic national romance render a unique postnational satire.

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Celestino, Castillo Claudia Teresa. "La estética del cine gore del siglo XXI : cambios y continuidades con relación a su apogeo en el siglo XX : el caso de El amanecer de los muertos." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2012. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/1514.

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Abstract:

Esta investigación se ha formulado para analizar los cambios y continuidades del gore en éste siglo en comparación con el gore del siglo XX desde la perspectiva estética, es decir desde la dirección de arte con el apoyo de la dirección de fotografía. Se plantea como objetivo general el analizar comparativamente la estética de la película Zombi de George Romero (1978) con su remake, El amanecer de los muertos de Zack Snyder (2004), para identificar los cambios y continuidades en términos de transgresión o exacerbación de los sentidos y verificar si el remake mantiene la propuesta inicial del autor o se ha reorientado para hacerlo comercial. Se parte de la hipótesis de que el cine gore del siglo XXI ha cambiado sus características estéticas para hacerlo más atractivo a la audiencia y por ende más comercial, a diferencia del cine de explotación que solía ser. Se realizó una investigación cualitativa, con una metodología basada en el diseño descriptivo, no experimental. Se utilizaron como herramientas de medición guías de observación que incluyeron variables seleccionadas como necesarias para analizar la estética de las películas seleccionadas. Se analizaron diversas películas gore pertenecientes al siglo XX y de la primera década del presente siglo con la finalidad de definir las características del gore auténtico y el gore de la actualidad tanto comercial como independiente y así contar con criterios objetivos para comparar estas características con las de las unidades de observación propuestas. Los resultados demuestran que los elementos gore auténticos como la violencia, la abundancia de sangre, las mutilaciones grotescas mostradas en detalle con movimientos de cámara lentos y en primer plano se observan claramente en la película Zombi de Romero, mientras que los mismos elementos no parecen ser primordiales en El amanecer de los muertos, y lo que se destaca más es la acción, los movimientos de cámara rápidos, no se detiene en los detalles y se priorizan la actuación de los actores; utilizan mejor tecnología pero no se muestra la crudeza, ni lo grotesco del gore clásico, por lo que se concluye que, en este caso, los elementos gore en la actualidad se han reorientado para mostrarlos menos grotescos como suelen mostrarse en las películas comerciales.
Tesis

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Rosa, Luiza Harab da Silva. "Luz, câmera, giz, sala de aula: ação!: uma investigação sobre a contribuição dos filmes na formação inicial dos professores de matemática." Universidade Federal de Juiz de Fora, 2015. https://repositorio.ufjf.br/jspui/handle/ufjf/1389.

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Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-05-04T17:44:57Z No. of bitstreams: 1 luizaharabdasilvarosa.pdf: 572439 bytes, checksum: 598d0b19d2d62f8822cf3fb3efeea640 (MD5)
Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-06-07T15:35:32Z (GMT) No. of bitstreams: 1 luizaharabdasilvarosa.pdf: 572439 bytes, checksum: 598d0b19d2d62f8822cf3fb3efeea640 (MD5)
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Os filmes podem ir muito além do que uma forma de lazer. Eles não precisam perder o seu caráter relaxante, mas podemos utilizá-los com alguns outros objetivos bem definidos. Todos os filmes apresentam algum tipo de ensinamento e nosso objetivo é não deixar essas mensagens ficarem perdidas por quem os assiste. Criar um ambiente para a discussão e consolidação daquilo que foi assistir é a forma que encontramos de deixar marcados esses ensinamentos. Escolhemos para a nossa pesquisa os filmes que retratem situações do cotidiano do professor inserido no ambiente escolar e decidimos exibi-los para professores em formação inicial a fim de observar quais as contribuições que esses filmes têm a acrescentar na formação dos licenciandos. A pesquisa foi feita em uma universidade pública na cidade do Rio de Janeiro e para cada atividade escolhemos um filme que acreditávamos trazer boas reflexões sobre as concepções de um professor dentro de seu ambiente escolar. Sendo assim, convidávamos os licenciandos a verbalizarem suas concepções sobre determinado e tema, antes da exibição do filme para em seguida exibi-lo e então retomar as discussões. Para estruturamos a nossa pesquisa utilizamos as ideias de Donald Schön quando ele defende a formação do profissional reflexivo, pois acreditamos que os filmes são um excelente condutor para essa reflexão entre teoria e prática sendo capaz de aproximá-las. Para entendermos como as imagens são capazes de atingir um telespectador, nos baseamos em alguns pesquisadores como Rosália Duarte, Adriana Fresquet, Miguel Arroyo, entre outros. De uma maneira geral, esses pesquisadores acreditam na educabilidade através das imagens fílmicas e alguns destacam ainda as possibilidades que esses filmes têm se utilizados especificamente na formação inicial dos professores, no entanto sempre destacando que não há pesquisas em nível acadêmico que consigam atestar as consequências de seu uso. Como forma de analisar os dados obtidos, utilizamos a Análise de Conteúdo da Laurence Bardin como forma de compreender quais os efeitos que os filmes têm sobre os professores. Para cada atividade utilizamos uma categoria da Análise de Conteúdo, uma vez que as atividades nem sempre tiveram a mesma estrutura de ação.
The films can go much further than a form of leisure. They do not need to lose their relaxing character, but we can use them with some other well-defined goals. All the films feature some sort of teaching and our goal is to not let these messages stay lost for whom watch them. It creates an environment for discussion and consolidation of what has been watching, that is the way we found to highlight these teachings. We have chosen for our research, the movies that portray everyday situations of professor inserted in the school environment and decided to display them to teachers in initial formation. In order to observe what the contributions that these movies have to add in the formation of students. The research was done at a public University in the city of Rio de Janeiro and for each activity we choose a film. That we believed to bring good thoughts on the conceptions of a teacher in their school environment. So, invite the students to saying their conceptions of determined and theme, before showing the movie to then display it and then resume discussions. To structure our research, we use the ideas of Donald Schön when he defends the professional formation, because we believe that movies are an excellent driver for this reflection between theory and practice that could approach them. Understanding how the images could achieve a viewer, we rely on some researchers like Rosalia Duarte, Adriana Fresquet, Miguel Arroyo, among others. In General, these researchers believe in educating through movie images and some still stand out the possibilities that these films have been used specifically in the initial training of teachers, though it always emphasizing that there is no research in academic level that could vouch for the consequences of its use. As a way to analyze the data obtained, we use content analysis of Laurence Bardin as a way to understand what effects films have on teachers. For each activity, we use a category of content Analysis, once the activities have not always had the same structure.

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Nova, Cristiane Carvalho da. "L'histoire en transe : le temps et l'histoire dans l'oeuvre de Glauber Rocha." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030121.

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Dissertations / Theses on the topic 'Cinema de terror'

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