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Dissertations / Theses on the topic 'Cinéma et théâtre – France'
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1
Lassalle, Antoine. "Théâtre et télévision : étude de cas du rapport entre deux médias." Paris 2, 2001. http://www.theses.fr/2001PA020033.
Full text
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Giordano, Corinne. "La transposition filmique du texte théâtral comme palimpsestes de la théâtralité." Aix-Marseille 1, 2004. http://www.theses.fr/2004AIX10028.
Full textAbstract:
La transposition d'une oeuvre théâtrale au cinéma soulève la question de la permanence de la théâtralité filmique. Ce qui renvoie à nous interroger sur le traitement de la mise en espace d'un texte. L'émergence d'une spécificité théâtrale propre au cinéma que nous nommons filméalité s'impose à nous au cours d'un processus de ré-écriture dit de la palimpsestisation. Deux voies d'approche ont permis de mener notre recherche : l'étude de trois oeuvres transposées , "Le jeu de l'amour et du hasard", "Oedipe-Roi", "Cyrano de Bergerac", et la mise en application d'une transcription à partir de "Fragments pour une Penthésilée". L'enjeu de notre réflexion ne se limite pas au seul support de l'analyse de l'écriture scénaristique mais concerne également les phases du tournage et du montage. Nous avons eu l'ambition de démontrer que la ré-écriture filmique opère une catalyse que nous appellons la filméalisation du théa^tral pour produire une griffe originale : filméal.
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Shi, Yeting. "L'adaptation des pièces comiques du théâtre français au cinéma." Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30013/document.
Full textAbstract:
Chaque année en France, les films adaptés des œuvres littéraires forment une partie importante des sorties cinématographiques, parmi lesquelles nous remarquons souvent les films adaptés des pièces de théâtre comiques. En effet, dès sa naissance, le cinéma est lié étroitement au théâtre, surtout aux pièces comiques. Les cinéastes ont puisé leurs inspirations aussi bien dans les pièces classiques (L’Avare, La Fausse Suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) que les pièces modernes (La Cage aux folles, Le Dîner de cons, Le Prénom, etc.), en passant par les vaudevilles (Un Chapeau de paille d’Italie, Un Fil à la patte, etc.), les café-théâtre (les pièces du Splendid) et les pièces de Sacha Guitry et de Marcel Pagnol qui ont vécu la prospérité du théâtre filmé. Le théâtre et le cinéma, tous deux arts de spectacle, partagent énormément de points communs et gardent également de nombreuses différences. Ils se mélangent, s’influencent et se critiquent. Les spectateurs regardent la représentation théâtrale avec une vision « cinématisée » sans en avoir conscience. À l’inverse, nous déployons la théâtralité dans chaque séquence de film. Dans le cadre comique, quelle est donc la relation entre le cinéma et le théâtre ? Les ressorts du comique de théâtre sont-ils les mêmes au cinéma? Quels effets donnent-ils ? L’étude de l’adaptation des pièces comiques de théâtre au cinéma dans la période définie par notre corpus nous permet de voir les principes du travail de l’adaptation et de saisir le changement de la relation entre le théâtre et le cinéma au fil du temps. Ce changement nous laisse entrevoir la procédure de maturation d’un jeune art — le cinéma. Les valeurs esthétiques que nous avons dégagées dans ce travail nous aideront à comprendre d’une façon profonde les arts de spectacle, tandis que la valeur sociale du film adapté nous fera réaliser la nécessité de ce travail d’adaptationEvery year in France, plenty of new movies are adapted from literary works, among them, we can often notice the films adapted from comic plays. Indeed, since its invention, the cinema is closely related to the theater, especially to the comic plays. The filmmakers try to find their inspiration in classic plays (The Miser, La Fausse suivante, Cyrano de Bergerac, etc.) as well as modern plays (La Cage aux Folles, Dinner of Fools, The First Name, etc.) but also in vaudeville (Un chapeau de paille d’Italie, Love on the Rack, etc.), in dinner theater (the plays of the Splendid) and in the plays of Sacha Guitry and Marcel Pagnol, who experienced the boom period of « théâtre filmé ». As two performing arts, theater and cinema share a lot of common points but have also many differences. They influence each other. The audience, unconsciously, watches the theatrical performance with a « cinématisée » vision. Conversely, we deploy theatricality in each sequence of the film. In the comic plays, what is the relationship between cinema and theater? Are the comic elements of theater the same as those in cinema? What effects do they give? The study of the adaptation of comic plays to the cinema in the period defined by our corpus lets us see the principles of adaptation and know the change in the relationship between theater and cinema. This change shows us the maturing process of a young art —the art of cinema. The aesthetic values that we have reveald in this work will help us understand the performing arts in a deep way, and the social value of an adapted film will let us realize the need of this adaptation
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Binet, Frédéric. "Pierre Colombier, deux décennies de comédie dans le cinéma français (1920-1939)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010563.
Full textAbstract:
Le cinéaste Pierre Colombier débute sa carrière en 1920 chez Gaumont en réalisant de petites comédies parisiennes dont l'esprit satirique est proche de celui qu'il avait auparavant développé en tant que caricaturiste. Il quitte la firme en 1924, ce qui ne l'empêche pas de rapidement s'affirmer, seul ou en collaboration, comme l'un des rares spécialistes du vaudeville à l'écran : il sait construire des mises en scène toniques (montages alternés, recours aux ellipses), et excelle dans la découverte de nouveaux talents qu'il dirige souvent avec naturel. Entre 1929 et 1934, il travaille pour la firme Pathé-Natan. Durant les années trente, il ne cesse d'accumuler les succès populaires, mais perd un peu de sa personnalité en se mettant au service de nombreuses adaptations de pièces de Boulevard dont le but est avant tout de valoriser l'abattage des acteurs qui évoluent devant sa caméra. Les succès qu'il remporte le poussent à tourner trop et parfois sans discernement. Ses dernières réalisations s;ont bâclées et montrent trop de concessions à un comique facile. En 1939, la déclaration de la guerre met un terme prématuré et définitif à sa carrière. Il meurt dans le dénuement le plus total en 1958.
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Hanaï, Brahim. "Les marques de théâtralité dans l'écriture filmique de Marguerite Duras." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080878.
Full textAbstract:
L'ecriture durassienne se laisse inscrire comme une pratique de devoiement. En effet, en passant d'un genre a l'autre -du roman au theatre et du theatre au film avant de revenir au roman- marguerite duras confirme la vocation deterritorialisante de l'ecriture qui opere par passage d'un genre a l'autre, d'un genre dans l' autre. Partant de ce constat, notre approche des marques de theatralite ne pouvait etre que transversale : saisir les acces de theatralite dans le film, la ou ils emergent de facon ponctuelle a travers le dispositif spatio-temporel, l'evolution des acteurs, le travail autour de la voix, le cadrage et les mouvements de la camera dans des films comme india song, le camion et les enfants, le theatre s'autodesigne, destabilisant constamment la ligne de partage des genres et inscrivant le cinema durassien comme un cinema autre, "un cinema de la litterature"The durasian writing can be inscribed as a practice of deviation. In fact, by mouving from a genre to another- from the novel to theatre and from theatre to film before returning back to the novelmarguerite duras confirms the converting vocation of writing that operates by shifting from one genre to another, from one genre into the other. On this basis, our approoch of the theatricality marks would be tran sverse : to seize the outburst of theatricality in the film, where its emergence timely through the spacio-temporal contrivance, the actors evolution, the working out of voice, the framing and the camera movements. In films like india song, le camion and les enfants, the theatre designates itself and constantly destabilising the comon line of the genres thus, inscribing the durasian cinema as a cinema apart that is to say "a cinema of literature"
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Marignan, Marylin. "Évolution de la fréquentation des cinémas et des théâtres à Lyon (1929-1939)." Thesis, Lyon 2, 2014. http://www.theses.fr/2014LYO20055.
Full textAbstract:
C’est le 8 mars 1929 qu’on voit pour la première fois à Lyon, dans une salle de cinéma, une production américaine sonore, Les Ailes (Wings, William A. Wellman, 1927). Ce film marque les débuts du cinéma sonore et parlant dans la capitale des Gaules. Dès lors, les grands établissements de la ville s’équipent d’une installation. C’est un succès phénoménal. L’arrivée et le triomphe du cinéma parlant inquiètent le monde théâtral qui voit en lui un sérieux et redoutable concurrent. À cette époque, de nombreux articles rapprochant le septième art et l’art dramatique vont paraître, nombre d’entre eux s’interrogent alors sur l’avenir du théâtre. Mais qu’en est-il réellement des répercussions de la généralisation du parlant sur l’évolution de la fréquentation des théâtres de la ville de Lyon ? Comment réagissent-ils face à l’arrivée des films parlants ? Cette nouvelle technologie a-t-elle eu des conséquences sur leur fréquentation et sur leur fonctionnement ? Dans une approche socio-culturelle, économique et historique, cette thèse se propose donc d’étudier et d’analyser l’évolution de la fréquentation des cinémas et des théâtres lyonnais au cours des années trente. L’étude de l’impact de la généralisation du parlant, puis de la crise économique et enfin de la mise en place des nouvelles lois sociales par le Front populaire en juin 1936 est alors déterminante pour comprendre les changements de rapports qui s’établissent entre ces deux artsThe first time that an American sound film was shown in a cinema in Lyon, was on March 8, 1929. The movie was entitled Wings (Les Ailes, William A. Wellman, 1927). This film was a starting point for sound films also known as talking pictures, in the capital of the Gauls. From that point, cinemas started to equip. It was a phenomenal success. The beginnings and the triumph of sound films worried the theatre world, which saw them as a serious and fierce rival. This is the time when a lot of articles comparing cinematographic art and drama were published, many of them wondering about the future of drama. What were the repercussions of the transition to sound films on the evolution of theatres attendance in Lyon? How did theatres react to the rise of talking pictures? Did this new technology have an impact on theatres attendance and functioning? This thesis will pay attention to the evolution of attendance in Lyon’s cinemas and theatres in the 1930s focusing on a sociocultural, economic and historic approach. The study of the impact of the transition to sound films as well as the economic crisis and the implementation of laws by the Front populaire in June 1936 are then determining to understand the evolution of the connection between drama and cinema
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Scaviner, Isabelle. "Charles Méré (1883-1970) : itinéraire d'un homme du culturel (écrivain, critique dramatique, cinéaste, président de la SACD) à travers les pièces de théâtre, les films, les archives." Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1693.
Full textAbstract:
Cette thèse, qui s’inscrit dans une approche d’histoire culturelle, s'attache à retracer l’itinéraire de Charles Méré (1883-1970) à travers les archives. Il est aujourd’hui un auteur méconnu mais reste néanmoins une figure emblématique de la vie culturelle de la France des années vingt aux années cinquante. Charles Méré est un homme aux multiples activités : critique dramatique pour différents quotidiens parmi lesquels Comoedia, Excelsior ou Aujourd’hui, auteur dramatique, scénariste, réalisateur et enfin producteur (Minerva Film). Il occupera aussi de 1929 à 1940 la fonction de président de la SACD (Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques) dans laquelle il investira beaucoup d’énergie, en œuvrant pour la défense et la modernisation des droits d’auteurs. La fin de sa carrière sera marquée par sa participation à l’Union européenne des Sociétés d’auteurs et de compositeurs à travers laquelle il promeut les échanges culturels internationaux. Son œuvre, très éclectique, touche à différents genres théâtraux (pièces à thèses, mélodrames, pièces lyriques, Grand-Guignol). Côté cinéma, il collaborera sur des projets de cinéma muet puis sur des films parlants. Un intérêt particulier est porté au contexte historique politique et social d’écriture et de réception des œuvres de Charles MéréThis thesis, which falls in with cultural studies, attempts to redraw the route of Charles Méré (1883-1970) through archives. He is quite unknown today, but stays a very emblematic figure of the cultural life of France from the twenties to the fifties. Charles Méré had many activities: he was a drama critic for various daily papers as Comoedia, Excelsior or Aujourd’hui, he wrote plays, scripts, was film director and then producer (Minerva Film). He was also president of the SACD in which he works hard to defend and modernize copyright. At the end of his life, he still participates to the European union of the societies of authors and composers through which he promotes the international cultural exchanges. His work is very eclectic. About theater he tried Grand-Guignol, melodrama, lyric, didactic… Concerning cinema, he collaborates on silent films and on talking films. A particular interest is carried in the historical, political and social context of writing and reception of Charles Méré’s work
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Boscher, Nicolas. "Marcel Achard et le cinéma : dramaturge, critique, producteur, dialoguiste, réalisateur." Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMC012.
Full textAbstract:
Marcel Achard rencontre d'abord le succès comme dramaturge, à partir des années 1920, avant d'entamer une longue carrière dans l'industrie cinématographique, puis de tomber dans un relatif oubli. Cette thèse retrace son parcours de réalisateur, ambitionnant de participer à la création d'un musical français (La Valse de Paris (1950)), ainsi que la genèse et les enjeux des films à l'écriture desquels il a collaboré. Plusieurs d'entre eux constituent des jalons essentiels dans l'histoire du cinéma : Jean de la Lune (1931), La Veuve joyeuse (1934), L’Étrange Monsieur Victor (1938), Le Déserteur (1939), Félicie Nanteuil (1942-1945) ou Madame de.... (1953). En s'appuyant sur l'exploration de plusieurs fonds d'archives, plus particulièrement le fonds Achard déposé à la BnF, et sur les trente-huit films actuellement disponibles, elle examine le rôle joué par cet auteur-relais occupant le plus souvent une position intermédiaire (critique, co-réalisateur, adaptateur ou dialoguiste) au sein d'un territoire traversé de tensions historiques, génétiques et esthétiques.L'absence de toute étude approfondie de son activité dramatique impose de commencer par un rappel des caractéristiques et de la démarche du dramaturge, dont l'écriture est déjà tournée vers le cinéma, repoussoir ou tentation. Après avoir tenté de cerner le discours du critique cinématographique – le plus souvent instable tant sa conception du cinéma, du dialogue cinématographique ou de l'auctorialité varie en fonction du contexte et des œuvres auxquelles il s'applique –, je retrace le parcours ambitieux d'Achard au sein de l'appareil de production cinématographique, entre la France, Berlin, et Hollywood. Enfin, j'examine la manière dont émergent des représentations nationales, auctoriales et genrées au sein des scénarios et des films, dans le cadre d'un processus complexe et collectif. La part prise par Achard au cours de celui-ci demeure variable, voire difficile à discerner, mais parfois essentielle pour le pire (les inflexions réactionnaires ou un stéréotypage sans nuance) ou pour le meilleur (la complexité des représentations et des sentiments, une connaissance approfondie des potentialités du dialogue cinématographique)From the 1920s, Marcel Achard produced successfull dramatic works and then established a long cinematographic career, before falling into relative obscurity. This thesis investigates not only his activity as an director ambitious to create a french musical (La Valse de Paris/The Paris Waltz (1950)), but also the genesis and objectives of several films constituting important milestones in the history of cinema : Jean de la Lune (1931), La Veuve joyeuse/The Merry Widow (1934), L’Étrange Monsieur Victor/The Strange Monsieur Victor (1938), Le Déserteur/The Deserter (1939), Félicie Nanteuil/Twilight (1942-1945) ou Madame de..../The Earrings of Madame De... (1953). It is based on the exploration of several archive collections, more particularly the Achard archives deposited at the BnF, and thirty-eight films currently available. It examines the rôle played by this « author-relay », typically occupying an intermediate position (i.e. critic, co-director, adapter or dialoguist) operating within a creative territory shaped by historical, genetic and aesthetic contradictions.The absence of any in-depth study of its dramatic activity makes it necessary to start with a reminder of the playwright's characteristics and approach, in order to envisage the way in which theatrical writing can be adopted by cinema (foil or temptation). In addition, this study tries to define the unstable discourse of the film critic : his conceptions of cinema, cinematographic dialogue and authorship vary according to the context and the works to which it applies. It then retraces the ambitious course of Achard in the film production industry, working in France, Berlin and Hollywood. Finally, it examines the way in which national, authoritative and gendered representations emerge within scenarios and films. This is in the context of a complex and collective process, in which Achard's contribution remains variable and sometimes difficult to discern. However, this variable contribution can be essential for the film ; for the worst (reactionary inflections or stereotyping without nuance), or for the best (the complexity of representations and feelings, a thorough knowledge of the potentialities of cinematographic dialogue)
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Billaut, Manon. "André Antoine, metteur en scène de la réalité. Une expérimentation appliquée au cinéma (1915-1928)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA170.
Full textAbstract:
Célèbre dans l’histoire du théâtre pour avoir fondé en 1887 le Théâtre-Libre et ainsi révolutionné la mise en scène moderne, André Antoine a consacré la dernière partie de sa vie au cinéma, tournant huit films entre 1915 et 1922 pour la Société cinématographique des auteurs et gens de lettres, puis pour la Société d’éditions cinématographiques, avant de se consacrer à la critique, dramatique et cinématographique, dans plusieurs journaux. Cette dernière partie de sa vie laissa peu de traces dans l’histoire du cinéma et ses films, comme ses critiques et textes théoriques sur le cinéma, sont encore méconnus. Inspiré par les théories naturalistes d’Émile Zola, Antoine appliqua au nouvel art une méthode rigoureuse reposant sur l’expérience du milieu. Il se heurta ainsi aux tendances avant-gardistes qui gagnèrent le cinéma au début des années 1920. Or, c’est l’intérêt de cette valeur expérimentale de son cinéma, où priment la recherche, l’observation et l’expérience, que cette thèse met en lumière, en montrant les réseaux de convergence entre la méthode singulière d’Antoine et les pratiques et discours qui animèrent le cinéma au tournant de la Première Guerre mondiale, moment clef de sa légitimation en tant qu’art. Cette étude repose sur une analyse approfondie des films d’Antoine, de ses archives personnelles, des archives de production, et des nombreux écrits qu’il a produits sur le cinéma, entre 1915 et 1928, année de rupture dans un combat pour la reconnaissance de l’auteur de film qui opposa le metteur en scène aux cinéastes de la Première vagueAndré Antoine’s place in theatre history is earned through his 1887 founding of the Théâtre-Libre and revolutionizing of modern mise en scène, but it is cinema that occupied the last part of his life as he made eight films between 1915 and 1922 for the Société cinématographique des auteurs et gens de lettres (“Film Society of Authors and Men of Letters”) and then for the Société d’éditions cinématographiques (“Society of Film Editions”), before devoting himself to theatre and film critic in several newspapers. These late years left few traces in film history, and both his films and his critical and theoretical writings remain largely unknown. Inspired by Emile Zola’s naturalist theories, Antoine took to the new art form a rigorous method based on the experience of environment. He clashed with avant-garde trends which were making their way to cinema in the early 1920s. This thesis highlights the experimental value of Antoine’s cinema, which gives a special role to research, observation and experience, by demonstrating the convergence of his special method with practices and discourse animating cinema at the turn of the World War I, a key moment of its legitimation as an art form. This study is based on in-depth analysis of Antoine’s films, his personal archives, production notes, as well as numerous texts he wrote on cinema between 1915 and 1928, the climactic year in the struggle for authorship recognition between Antoine and filmmakers of the First avant-garde
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Bellot, Alexandra. "L'évolution de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique entre 1914 et 1936." Thesis, Poitiers, 2018. http://www.theses.fr/2018POIT5007.
Full textAbstract:
Objet d'étude pluridisciplinaire, la décoration théâtrale est un art éphémère ne vibrant que sous les projecteurs. Au début du XXe siècle, le rôle de l'élément visuel est sensiblement renforcé sur scène. Dans un contexte artistique parisien caractérisé par la variété des formes d'expression, la multitude des influences venant de l'étranger et les questionnements autour des relations possibles entre les arts ; une nouvelle approche de la scène se dessine et un autre regard se porte sur la conception des spectacles et sur la création de leurs éléments constitutifs tels que les décors et les costumes. Ces nouvelles considérations autour de l'esthétique de l'espace scénique mènent à de nouvelles théories et de nouvelles tendances de la décoration théâtrale. Centrée autour des maisons d'opéra parisiennes, notre étude propose une meilleure compréhension du processus de renouvellement de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique dans la première moitié du XXe siècle. Vitrines de l'Art français, les deux théâtres entretiennent depuis leur création des relations particulières entre rivalité et complémentarité. Notre thèse porte un éclairage nouveau sur la décoration théâtrale conçue pour les spectacles lyriques du début du XXe siècle en proposant de définir précisément le positionnement de l'Opéra et de l'Opéra-Comique. Par l'analyse de la confrontation entre le traditionalisme assujetti aux deux maisons et les nouvelles aspirations que connaît le monde du Théâtre, notre étude explore tout d'abord les prémices d'un renouveau du décor de scène et met en lumière les principaux acteurs du mouvement. Le recours systématique aux décorateurs professionnels héritiers des dynasties de la fin du XIXe siècle et à la technique du trompe-l'œil sont progressivement abandonnés par les maisons d'opéra. Aussi, de nouveaux collaborateurs du monde du Théâtre, peintres pour la plupart, se trouvent au cœur de la conception des spectacles. Notre thèse ouvre le champ d'étude et examine l'impact des mouvements artistiques venant de l'étranger. Dans une capitale française, siège d'une agitation artistique internationale, les influences et les collaborations avec les artistes étrangers se jouent aussi dans l'art du décor de scène. Le monde du spectacle des années 1920 est marqué par l'empreinte des Ballets russes et les créateurs de décors saisissent pleinement le modèle en l'adaptant aux œuvres et au goût français. Les directeurs de l'Opéra de l'Opéra-Comique secouent hardiment la routine décorative de leur théâtre en s'entourant d'artistes capables d'offrir une autre conception du décor d'opéra en créant des cadres propices au développement d'un nouvel imaginaire. Plus favorable aux expériences novatrices, le décor de ballet offre une grande liberté à ses créateurs. En abordant la question du renouvellement du décor de ballet à l'Opéra et à l'Opéra-Comique, notre thèse révèle leur ligne directrice et examine leur transformation en pôle de création et de modernité chorégraphique. La question du goût est au cœur du dernier volet de notre étude en dévoilant tout d'abord les réactions des maisons d'opéra face au succès du cinéma. Les directeurs des théâtres s'emparent de ses ressources techniques afin de moderniser la mise en scène et d'enrichir les procédés existants. En s'intéressant au rôle scénographique que peut assumer la lumière et au caractère de la projection cinématographique, les théâtres offrent une autre conception de la décoration théâtrale dans laquelle la toile peinte n'est plus exclusive. En s'interrogeant sur l'évolution du goût français, notre thèse offre un éclairage sur les relations entretenues entre les arts décoratifs et les arts de la scène et met en lumière le travail pour la scène des artistes qui conditionnent le goût français des années 1920 et 1930. Enfin l'étude des décors des spectacles des années 1930 cerne les accords et les limites entre le goût du public et les aspirations esthétiquesMultidisciplinary object of study, the theatrical decoration is an ephemeral art that vibrates only in the spotlight. At the beginning of the 20th century, the role of the visual element is considerably enhanced on stage. In a Parisian artistic context characterized by the variety of forms of expression, the multitude of influences from abroad, and the questions surrounding the possible relationships between the arts; a new approach to the stage is emerging and another look is being taken at the design of shows and the creation of their constituent elements such as sets and costumes. These new considerations around the aesthetics of the stage space lead to new theories and trends in theatrical decoration. Focused on Parisian opera houses, our study offers a better understanding of the process of the renovation of theatrical decoration on stages of Opéra and Opéra-Comique in the first half of the 20th century. Showcases of French art, the two theatres have, since their creation, maintained special relationships between rivalry and complementarity. Our thesis sheds new light on theatrical decoration designed for early 20th century lyrical shows by proposing to precisely define the positioning of the Opéra and the Opéra-Comique. By analysing the confrontation between traditionalism subjected to the two theatres and the new aspirations of the world of theatre, our study first explores the beginnings of a renewal of the stage set and highlights the main actors of the movement. The systematic use of professional decorators, heirs of the dynasties of the late 19th century and the trompe-l'oeil technique were gradually abandoned by opera houses. As a result, new collaborators from the world of theatre, most of whom are painters, are at the heart of the creation of the shows. Our thesis opens the field of study and examines the impact of artistic movements from abroad. In a French capital, the headquarters of an international artistic unrest, influences and collaborations with foreign artists are also at stake in the art of stage set design. The 1920s theatre world was marked by the influence of the Ballets russes and the set designers fully grasped the model by adapting it to French creations and tastes. The directors of the Opéra de l'Opéra-Comique shake up the decorative routine of their theatre by surrounding themselves with artists capable of offering an alternative conception of the opera set by creating a setting that is conducive to the development of a new imagination. More favourable to innovative experiences, ballet set design offers great flexibility to its creators. By approaching the question of the renewal of ballet set design at the Opera and the Opéra-Comique, our thesis reveals their direction and examines their transformation into a pole of creation and choreographic modernity. The question of taste is at the heart of the last part of our study by first revealing the reactions of opera houses to the success of cinema.The directors of the theatres seize its technical resources in order to modernize the staging and enrich existing processes. By focusing on the scenographic role that light can play and the character of film projection, theatres offer another conception of theatrical decoration in which the painted canvas is no more exclusive. By questioning the evolution of French taste, our thesis offers a view on the relationship between the decorative and performing arts and highlights the work for the stage of the artists who condition the French taste of the 1920s and 1930s. Finally, the study of the sets of the 1930s shows identifies the harmony and limits between the public's taste and the aesthetic aspirations of the time
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Poirson-Dechonne, Marion. "Le théâtre dans le cinéma." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA01A001.
Full textAbstract:
Apres une mise en évidence non chronologique de certains points de l'évolution historique des relations entre théâtre et cinéma (dépendance du cinéma, aspiration à l'autonomie, et enfin, interaction de ces deux arts) cette étude envisage les trois modalités d'apparition du théâtre dans le cinéma : théâtre filmé, théâtre enchâssé, théâtralité. Elle tente d'établir des distinctions génériques en dégageant les caractéristiques de chaque type et son mode de fonctionnement. Trois points essentiels se trouvent ensuite développés : la place, le savoir et la croyance du spectateur. En effet, ces domaines permettent de mesurer ce qui change pour le cinéma car les conséquences de l'intégration du théâtre dans le septième art se révèlent multiples. Loin de constituer une facilité pour le cinéma, la confrontation de ces deux arts suscite un conflit fécond, puisqu'il permet au septième art d'approfondir sa réflexion esthétique, en renouant avec des questions qui se posent depuis l'antiquité, notamment sur les problèmes de vérité et d'illusion, de ressemblance ou de vraisemblance. Elles le conduisent également à réfléchir sur la spécificité de son écriture, alors même qu'il s'attache à conquérir son autonomie, mais aussi à créer de nouveaux dispositifs spectatoriels et de nouvelles formes de relation au spectateurAfter pointing out non chronologically some aspects of the historical relationship between cinema and theatre ( how the cinema had been dependant on it, how it became autonomous and how both arts interacted) this survey will analyze the appearance of drama in cinema under three different aspects: filmed drama, the drama as a quotation in a film and theatricality. It will also try to make clear distinctions enhancing the characteristics of each type and how it works. Three main points will then be developed: the spectator's place, knowledge and belief. Indeed, the investigation of these fields will show how the cinema can be altered by the references to drama. Far from making things easier for the cinema, the confrontation of both arts raises a profitable conflict since it provides an aesthetic reflexion about time-old questions concerning reality and illusion, similarity and verisimilitude, as well as on the specificity of the language, even if the cinema is conquering its autonomy. It also creates new devices and new relationships to the spectator
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Surmann, Caroline. "Intermédialité et esthétique – Cinéma et théâtre chez Jean Cocteau." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040032.
Full textAbstract:
Ce travail investit l’œuvre de Jean Cocteau et plus particulièrement son cinéma à partir d’une perspective intermédiale. Les questions de l’intermédialité sont mises en rapport avec des questions relatives à l’esthétique, confrontant l’évolution et l’invention des formes aux réflexions sur la connaissance et la perception du réel qui les ont engendrées. Etant donné que la forme concrétise ce qui se passe entre le réel et le sujet et véhicule les réflexions sur le réel et sa connaissance, les problèmes de perception et de construction de réalité, d’illusion et de représentation sont investies. Les conceptions esthétiques du poète sont confrontées aux mentalités qui les ont vues naître, aux conditions ontologiques et épistémologiques qui les ont rendues possible. Les analyses des six films que Cocteau a écrits et réalisés évaluent comment il a mis en pratique ses conceptions. Elles décrivent comment et pourquoi Cocteau intègre l’autre au cinéma et ‘impurifie’ sa matière. A la recherche d’une esthétique qui lui serait propre, le premier art auquel le cinéma se confronte est le théâtre. Il impose ses solutions lorsque le cinéma n’a pas encore développé ses propres formes de représentation. Faut-il aller avec le théâtre ? faut-il le contredire ? Dans ce travail, le théâtre est compris comme modèle artistique (théâtre) et comme élément esthétique (théâtralité). Il retrace ainsi, d’une part, les rapports cinéma-théâtre dans l’œuvre du poète et décrit, d’autre part, une théâtralité proprement cinématographique dont le modèle n’est plus immédiatement le théâtre et qui saisit des structures esthétiques du cinéma qui seraient en concordance avec celles du théâtreThis dissertation investigates the work of Jean Cocteau and particularly his cinema from an intermedial perspective. The questions relevant to intermediality are addressed in relation to aesthetic considerations, thus confronting the configuration and invention of forms with the reflections on reality – its perception and knowledge – that generated them. As form itself marks the interface of reality and the subject and mediates between reality and the perceptive knowledge of it, this paper investigates the perception and filmic construction of reality, questions of illusion and representation that constitute the primordial preoccupations of Cocteau. His aesthetic conceptions are confronted with their ontological and epistemological conditions. The analysis of the six films that Cocteau has written and directed shows how the poet has put into practice his ideas and conceptions. They respond to the question how and why Cocteau integrates the other in the cinema and ‘impurifies’ its surface. Looking for an aesthetic of its own, the first art form cinema referred to was the theatre. It imposed its solutions where the cinema had not yet solved its own questions of representation. Should one go with the theatre? or against it? In this dissertation, theatre is understood both as artistic model (theatre) and as an aesthetic element (theatricality). Thus, on the one hand, we retrace the relations of cinema and theatre in the work of Jean Cocteau and, on the other hand, we describe a cinematographic theatricality that is no longer immediately related to theatre, but that refers to the aesthetic structures of the cinema that are in concordance with that of the theatre
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EL, YOUSFI ISSAM. "Théâtre et cinéma : Tchékhov : du texte à l'image." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA081002.
Full textAbstract:
L'idee essentielle exposee et defendre dans notre travail, est la nature dialogique entre le texte, la scene et le film. Il n'y a pas de dominance d'un genre sur un autre mais un rapport d'echange et d'interference enrichissant pour chaque oeuvre. Derriere le processus d'interpenetration entre les trois "ecritures", on trouve l'idee de la liberte de l'artiste et la fuite de l'oeuvre; tous les deux se liberent des conventions et depassent les frontieres du genre. La texte de tchekhov se construit a partir d'un reseau de suggestions, d'allusions et d'echos; cette forme dramaturgique rapproche l'ecriture tchekhovienne de l'ecriture filmique. C'est cette forme destructuree et fragmentaire du dialogue, ce jeu physique et visuel du personnage et ce lyrisme du verbe, qui ont ete les enjeux dans les deux adaptations cinematographiques analyses. Le film de mikhalkov partition inachevee pour piano mecanique comme celui de kontchalovsky oncle vania propose de penser a travers l'adaptation du theatre de tcghekhov, l'ecriture filmique les deux cineastes abordent l'une des questions fondamentales dans le rapport theatre-cinema : la question du cadrage et du point de vue. Mikhalkov choisit un lyrisme ironique avec une figuration spatiale "eclatee" oueclatee" ou altement les scenes exterieurs et les scenes interieures kontchalovsky opte pour une theatralisation de l'intime et une dramatisation de l'image dans un cadre de jeu clos. La camera dans les deux films, suit le mouvement des acteurs et le rythme du dialogue pour mettre en image l'ambiance tchekhovienne mais sur des tons differentsThe main idea of this work is about the dialogue relating respectively text, scene and movie. There is no dominance but a relation of exchange and interference enriching every work. Besides, there exists the artist's liberty and the work evasion, both these get rid of conventions and limits of this kind of work. Tchekhov's text is based on suggestions, allusions and echoes. His drama is close to the movie writing. The dialogue fragmentation and destruction, the character's physical and visual role, and the verb lyrism are at stake in the two analysed movie adaptations. Both mikhalov's unfinished partition for a mechanical piano and kontchalovsky's vania's uncle send, by means of tchekhov's theatre, to the movie writing. The two film-makers hint at a fundamental question in drama-movie relationship : frame and perspective. While mikhalkov chooses lyrism and irony to alternate out and in-scenes, kontchalovshy dramatizes the intiamate and the image within a closed frame. In both films, the camera follows the actors' movement and the dialogue rhythm so as to put into image tcheklov's surroundings on different tones
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Rafiei, Masoomeh. "L'étude thématique du théâtre et du cinéma de Yasmina Reza." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA087.
Full textAbstract:
Yasmina Reza, l’une des dramaturges les plus honorées de la scène internationale, n’hésite pas à faire entrer son art dramatique sur la scène de l’art cinématographique : entre la forme romanesque et la forme dramatique, l’écriture rézienne expérimente également le domaine de l’image. Nous avons souhaité, d’abord, consacrer cette thèse à une étude analytique sur le théâtre rézien et ensuite sur son adaptation au cinéma. À travers ses pièces, Yasmina Reza met en scène des personnages ayant souvent les mêmes obsessions et soucis d’une pièce à l’autre, qui recourent fréquemment au même langage. Entre tragédie et comédie, la dramaturgie de Reza mélange le monologue et le dialogue pour raconter à la fois tout et presque rien. Le temps, l’espace, le décor, souvent simple et neutre, les objets quotidiens, servent à mettre en scène la vie quotidienne dans le théâtre rézien. De ce point de vue les ouvrages de Reza se rapprochent de ceux du cinéaste iranien Kiarostami. Au-delà de la présence des éléments autobiographiques et de la musique dans l’écriture dramatique rézienne, le théâtre de Reza se distingue par un langage spécifique, entre le silence, le non-dit et le récit, entre la conversation et le dialogue. Yasmina Reza déclare s’amuser avec les mises en abyme dans son théâtre, elle expérimente ainsi son premier film en tant que réalisatrice avec Chicas, une adaptation d’Une pièce espagnole qui multiplie les mises en abyme. Yasmina Resa poursuit avec l’écriture d’un scénario, Le pique-nique de Lulu Kreutz, réalisé par Didier Martiny, puis avec l’écriture du scénario de Carnage, d’après sa pièce Le dieu du carnage, en collaboration avec Roman Polanski. Dans cette thèse, nous avons tenté d’étudier l’adaptation des pièces réziennes au cinéma, leurs mises en scène et leurs personnages qui manifestent leurs violence et angoisses face à l’écranYasmina Reza, one of the most honored dramaturge artist internationally, does not hesitate to introduce her dramatic art on the cinematographic scene: in between the Romanesque forme and the dramatic one, the Yasmina Reza also experiments in the pictorial art. In the first instance, we have sought to focus this thesis on an analytic study of the Rezian theater to follow with her work of adaptation to the cinema. In her theatre plays, Yasmina Reza’s characters have often the same obsessions and often use the same language. Between tragedy and comedy, Reza’s dramaturgy weaves with monologue and dialogue to relate about everything and at times almost nothing. Time, space, the setting, often simple and neutral, daily objects, are used to compose the contemporary life in Reza’s plays. From this standpoint, Reza’s theatre plays are echoing with Iranian Kiarostami’s cinema.Beyond the presence of autobiographic elements and references to music in Reza’s plays, her writing is singles out specifically, alternating between silences, the not-said and the narrative, between the conversation and the dialogue. Yasmina Reza affirms enjoying using of mise en abyme in her theatre plays, thus she experiments her first movie as script writer and director of Chicas, an adaptation of Une pièce espagnole which uses many mises en abyme. Yazmina Reza continues writing with the script Le pique-nique de Lulu Kreutz directed by Didier Martiny, then with the writing of the script of Le dieu du carnage, in collaboration with Roman Polanski. In this thesis, we have attempted to study the adaptation of Reza’s plays to the cinema, their dramatization along with their characters who display their violence and anxiety in front of the screen
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Gagnon, Marilyne. "Bunker (théâtre), suivi de La représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre, essai." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2014. http://hdl.handle.net/11143/5929.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise en études françaises se penche sur la représentation de la figure du zombie au cinéma et au théâtre et s’interroge sur le fait que, malgré la popularité actuelle du monstre, peu de médiums autres que le septième art l’exploite avec efficacité. Le zombie serait-il donc une figure essentiellement filmique?
La première partie du mémoire, Bunker, consiste en une courte pièce de théâtre en un acte. Prenant la forme d’un huis clos, la pièce met en scène six humains réfugiés dans un abri nucléaire, pour le meilleur et pour le pire, alors que leur univers est bouleversé par l’apparition d’un virus qui transforme les personnes atteintes en zombies cannibales.
La seconde partie se concentre sur, d’une part, les origines du zombie filmique et, d’autre part, sur l’évolution de cette figure monstrueuse, appuyée par l’analyse de trois films issus de trois époques charnières pour la figure du zombie, soit White Zombie (1932) de Victor Halperin, Night of the Living Dead (1968) de George A. Romero et 28 Days Later (2002) de Danny Boyle.
Le mémoire s’achève sur une réflexion sur ma propre création, laquelle se penchera principalement sur le processus d’intégration de la figure très filmique qu’est le zombie dans une pièce de théâtre.
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Ardouin, Noëlle. "L'école du cinéma : enseignement du cinéma et expérience pédagogique." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080191.
Full textAbstract:
Le sujet de la thèse est la recherche des représentations du cinéma, de la pédagogie et de la lecture du film qu'engagent les diverses modalités de formation au cinéma présentes actuellement dans l'école. Pour ce faire, ont été analysés trois corpus de textes : les programmes et instructions officiels, les manuels scolaires et les comptes-rendus d'expériences pédagogiques qui permettent d'atteindre les discours que tiennent sur le cinéma et son enseignement les décideurs politiques, les enseignants et les partenaires culturels. La recherche s'ancre conjointement sur une expérience pédagogique personnelle menée avec des élèves de seconde dans le cadre des cours de français. Sont analysés la place et les statuts que l'institution scolaire accorde au cinéma et à son enseignement, les résistances qui se sont opposées et s'opposent encore à leur introduction dans l'école, leurs rapports avec les disciplines constituées, les risques de réduction et de récupération qui les menacent, les confusions théoriques dont le cinéma peut être victime, les tensions pédagogiques qui traversent son enseignement ainsi que les déplacements successifs qui se sont opérés au cours des trente dernières années, en particulier ceux qu'a provoqués l'expérimentation officielle de l'option cinéma-audiovisuel depuis 1984. En traversée de l'institution scolaire permet, chemin faisant, de désigner les principaux enjeux économiques, politiques, pédagogiques, épistémologiques et théoriques soulevés par l'enseignement du cinémaThis paper investigates how the cinema is represented as well as how it is taught and analysed by the different approaches to the cinema found in schools at the present time. In order to carry out this investigation, three sets of texts have been analysed, namely : official curricula and instructions, textbooks and reports of teaching projects. This gives an insight into what political decision-makers, teachers and professionals say about the cinema and the way it is taught. This research work is also based on a personal teaching project undertaken with pupils in "seconde" as part of their french classes. The following elements have been analysed : - what importance and the status the cinema and its teaching are granted by the educational system. - problems that were and are still met with when the integration of this subject matter was or is attempted - its coexistence with other existing subjects - the risks of it being thinned out or distorted -misunderstanding films on a theoretical level -conflicting trends in the teaching of the cinema
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Pouilly, Elisabeth. "L'"état d'esprit performatif" dans le théâtre et le cinéma d'Alejandro Jodorowsky." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA144.
Full textAbstract:
Issu de Dada et du surréalisme, le groupe Panique, constitué de Fernando Arrabal, Roland Topor et Alejandro Jodorowsky, est créé en 1962. L’évolution de la pratique artistique de Jodorowsky de 1962 à 2016 est riche d’enseignements sur la performance théâtrale et l’interaction entre le théâtre et le cinéma. Nous suivons le constat que fait Joseph Danan dans Entre théâtre et performance: la question du texte qu’à un « état d’esprit dramaturgique » évoqué par Bernard Dort a succédé un « état d’esprit performatif » sur la scène contemporaine. L’œuvre de Jodorowsky est traversée par cet « état d’esprit performatif », de ses « éphémères paniques » qu’il réalise entre 1962 et 1967, à son « théâtre panique » puis son « théâtre essentiel », à son cinéma. L’analyse des éphémères, proches temporellement et essentiellement des premières performances historiques, permet de faire ressortir les caractéristiques de la performance qui peuvent passer dans d’autres formes artistiques. Avant la présentation d’une performance se noue implicitement un pacte entre les performeurs et les spectateurs. Ce « pacte performatif », correspondant aux attentes et aux croyances du spectateur de performance, repose sur trois points : l’implication de l’artiste lui-même dans son œuvre, l’unicité de la performance et la réalisation d’actes réels. Notre étude permet de voir comment ces trois points, tout en s’adaptant à l’art dans lequel ils sont apportés, constituent le noyau de l’ « état d’esprit performatif » qui parcourt l’ensemble de l’œuvre de JodorowskyDeriving from Dada and surrealism, the Panic group, made up of Fernando Arrabal, Roland Topor and Alejandro Jodorowsky, was created in 1962. The evolution of Jodorowsky's artistic practice from 1962 to 2016 is rich in teachings on theatrical performance and the interaction between theatre and cinema. We agree with the observation made by Joseph Danan in Entre théâtre et performance: la question du texte that from a "dramaturgical state of mind" evoked by Bernard Dort has succeeded a "performative state of mind" on the contemporary scene. Jodorowsky's work is crossed by this "performative state of mind", from his "panic ephemera" that he realised between 1962 and 1967, to his "panic theatre" and his "essential theatre" and his cinema. The analysis of the ephemera, temporally and essentially close of the first historical performances, makes it possible to highlight the characteristics of the performance which can pass in other artistic forms. Before the presentation of a performance is implicitly a pact between the performers and the spectators. This "performance pact", corresponding to the expectations and beliefs of the performance spectator, is based on three points: the involvement of the artist himself in his work, the uniqueness of the performance and the realization of real acts. With our study we are able to see how these three points, while adapting to the art in which they are brought, constitute the core of the "performative state of mind" that runs through the whole of Jodorowsky's work
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Archimandritis, Georgios. "Le mythe d'Orphée dans le théâtre et le cinéma du XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040069.
Full textAbstract:
Archétypal et protéiforme, le mythe d'Orphée ressuscite au théâtre et au cinéma du XXe siècle, se chargeant de significations nouvelles. Sa trame narrative s'affirme par le jeu dramatique et par l'image et s'ouvre à des horizons inexplorés, tout en restant fidèle à la tradition. Pour Victor Segalen, Jean Cocteau, Tennessee Williams, Jean Anouilh, Marcel Camus et Yorgos Scourtis, la figure orphique incarne non seulement le triomphe de la musique et de l'amour, mais aussi l'échec irrémédiable, la solitude, et surtout la recherche d'un ailleurs qui abrite leurs rêves et leurs idéaux : la justice, la liberté, la pureté, l'art ou la beauté. Notre étude de la palingenèse du mythe orphique dans les arts dramatiques du XXe siècle débute par la définition du contexte historique et esthétique, ainsi que des préoccupations personnelles des auteurs qui ont gardé au mythe une place importante au sein de leur œuvre. Dans un deuxième temps, nous analysons les séquences du récit mythique, pour étudier, ensuite, les grands thèmes qui le traversent et que l'on retrouve dans ses différentes versions. Enfin, nous analysons les dimensions sociologiques, spirituelles, métaphysiques et esthétiques des relectures modernes, afin de démontrer qu'à travers toutes les modifications que subit le mythe, sa symbolique sacrée persiste dans sa foi et sa fidélité à rechercher un idéal dans un monde de désenchantement.
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Jusselle, Jacques. "Qu'est-ce que représenter ? Essai d'anthropologie esthétique. Propos autour du théâtre, de la peinture et du cinéma." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030122.
Full textAbstract:
Cette these est la premiere partie d'une recherche issue d'une reflexion sur le masque qui, a partir des fonctions de celui-ci, voudrait poser les bases d'une anthropologie esthetique. Grace au concept de theatral, il s'agira d'eclairer la representation d'etre ce qui regroupe pratiques et produits n'ayant pas de fonctions strictement utilitaires. La theorie s'instruit de deux mouvements : le premier, anthropologique, definira sept champs : l'inscription, la trace, le voile, le miroir, le subjectile, le fetiche, la parure. Le second, esthetique, regroupera ces champs specifiques selon leurs modalites plastiques : le point-ligne pour l'ecriture (inscription, trace), le plan pour l'ecran (voile, miroir, subjectile), le volume pour l'ecrin (fetiche, parure). Superposer ces deux mouvements indiquera que l'allegeance de tel comportement social (individuel ou collectif) a telle occurence plastique ou il prend forme determine des niveaux distincts de valeurs : rituelles, speculatives, ludiques. Cette these traite du premier champ de l'ecriture. Autour d'une reflexion sur differents objets : tatouages, graffiti, mais aussi textes et theatre, elle insiste sur l'importance de la territorialisation, de la perpetuation puis de l'interpretation pour la regulation d'un groupe et sur leur dependance a la fonction de distinction. Puis elle expose les perspectives d'une recherche sur l'ecran a partir d'une lecture du mythe de persee pour aboutir sur les axes nouveaux de la recherche (l'ecart, le jeu, l'apparaitre) en mesurant l'importance du paradigme theatral pour toute theorie de la representationThis thesis is the first part of a search born of a reflection about the mask. The latter functions being taken into account, this reflection would like to lay the foundations of an aesthetic anthropology. Thanks to the concept of drama, the chief point will be to throw lignt on representation, to stand for what joins practices and products that have no strictly utilitarian functions. The theory is founded on two structures : the former, an anthropological one, will define seven dields : inscription, trace, veil, mirror, support, fetish, ornament. The latter, an aesthetic one, will chassify those specific fiels according to plastic modes : the point-line for writing, the plane for the screen, the volume for the case. To superimpose those two structures wil show that the allegiance of such social behaviour to such plastic occurences from which it originates, causes separate levels of values : ritual, speculative, ludic. This thesis deals with the first field of writing. From a reflection about different matters : tatoos, graffiti, but also texts and drama, it lays stress on the importance of territorialisation, of perpetuation and then of interpretation for the regulation of a group and on their dependence on the function of distinction. Then it states the prospect of a search on the screen from a reading of perseus'myth, to lead to the new axes of the search by estimating the importance of the theatrical paradigm for every theory in regard to representation
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Oliveira, da Silva Sôniá Maria. "L’invention de la scène. Analyse de la théâtralité dans « L’année dernière à Marienbad »." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030026.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie la théâtralité cinématographique. Pour cela elle analyse le film L’année dernière à Marienbad [Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet, 1961] en espérant cerner les deux principaux niveaux de théâtralités qui déterminent la scène filmique.Tout d'abord elle aborde la théâtralité cinématographique offerte au spectateur par la transposition des artifices du théâtre à l'écran. Nous y verrons les apports techniques et esthétiques du théâtre (dramaturgie, entrées latérales, fixité du plan, etc) au cinéma, ainsi que l'aspect factice de la scène. Nous parlerons d'une Théâtralité primaire. Nous aborderons ensuite la Théâtralité secondaire, forme spécifique de théâtralité cinématographique, procédé qui évoque la fondation de l'aire de jeu du comédien au théâtre. Au cinéma, cette aire de jeu devient celle du personnage. La Théâtralité secondaire dépasse ainsi l'héritage primaire du théâtre. Il s'agit d'un niveau plus élevé de théâtralité, surgissant à des moments prégnants du film, une coupure opérée par le jeu des personnages. Inscrivant la scène dans un autre ordre topographique, cette théâtralité précipite le film dans une dimension temporelle altérée et peut ainsi être mise en place à travers différents niveaux de fabulation des personnagesThis thesis aims at studying the film theatricality. It analyzes the film Last year to Marienbad [Alain Resnais and Alain Robbe-Grillet, on 1961] by hoping to encircle both main levels of theatricalities which determine the cinematic stage. First of all, the film theatricality can be delivered to the spectator through the implementation of technical theatre artifice on the screen but also by the fake appearance of the filmic environment. First of all, the film theatricality offered to the spectator by the transposition of the technical theatre artifice on the screen but also by fake appearance of the filmic environment. We shall see at first the technical and aesthetic elementary contributions of the theater [dramaturgy, entered laterals, fixedness of the shot of other] in the cinema. We shall speak about a primary theatricality.Then, we shall approach the secondary theatricality, the specific shape of film theatricality, process which evokes the foundation of a playing area through which actors to the theater. In the cinema, this playing area becomes that of the character. The secondary theatricality so exceeds the primary inheritance of the theater in the cinema. It is about a higher level of theatricality, appearing at the moments prégnants of the film, a cut was operated by the play of the characters. Registering the stage in another topographic order, this theatricality precipitates the film into a altered temporal dimension and can be so organized through various levels of the fantasizing of the characters
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Machado, Maristela Gonçalves Sousa. "Théâtre et libertinage dans Les Liaisons dangereuses : du roman à l'écran." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2005. http://hdl.handle.net/10183/7119.
Full textAbstract:
Les adaptations cinématographiques des oeuvres littéraires peuvent souvent véhiculer une lecture, une interprétation capable de perpétuer un moment de la réception du texte source, de raviver la discussion sur ses significations, enfin de le faire vivre. Pour nous, la relecture filmique s’inscrit dans la fortune du roman. Sous cette optique, cette thèse a pour but de réfléchir au passage du littéraire au filmique, plus spécifiquement à Dangerous Liaisons (1988) de Stephen Frears, une des adaptations des Liaisons dangereuses (1782), roman épistolaire de Choderlos de Laclos dont la permanence dans l’imaginaire du monde contemporain est remarquable. Romans, pièces de théâtre, films, opéras, ballets et séries télévisuelles actualisent le récit avec une fréquence et une variété impressionnantes. Nous commençons ce travail par une lecture des Liaisons dangereuses de Laclos : une mise en contexte du roman dans la production littéraire du XVIIIe siècle, des commentaires sur l’auteur et la réception de l’oeuvre, une analyse sur différents aspects du récit, surtout en qui concerne la théâtralité et le libertinage des personnages principaux. Nous analysons aussi un autre texte littéraire, Les Liaisons dangereuses (1985) de Christopher Hampton, une adaptation théâtrale du roman de Laclos. Hampton est co-scénariste de Dangerous Liaisons et sa pièce est aussi à la base de l’adaptation filmique de Frears (« D’après la pièce de Christopher Hampton. Adapté du roman Les Liaisons dangereuses de Choderlos de Laclos », dit le générique). Ce parcours de la scène à l’écran suscite un intérêt particulier quand il s’agit de la relecture d’un roman épistolaire du XVIIIe siècle imprégné de références théâtrales : nous avons cherché à découvrir la façon dont chacune des oeuvres – l’adaptation théâtrale et l’adaptation cinématographique – a tiré parti des ressources propres à chaque langage pour lire et récréer les traces de théâtralité que nous avons trouvées dans le roman de Laclos. La lecture croisée entre Les Liaisons dangereuses de Laclos et Dangerous Liaisons (1988) de Stephen Frears nous permet de conclure que l’adaptation cinématographique réussit à condenser des données parsemées dans le roman et, jouant sur les ressources propres au langage cinématographique, à en donner une interprétation créative.As adaptações cinematográficas das obras literárias podem freqüentemente transmitir uma leitura, uma interpretação capaz de perpetuar um momento da recepção do texto de origem, de reavivar a discussão sobre seu significado, enfim de trazê-lo à vida. Para nós, a releitura fílmica inscreve-se na fortuna do romance. Nessa perspectiva, essa tese tem como objetivo o de refletir sobre a passagem do literário ao fílmico, mais especificamente, sobre As ligações perigosas (1988) de Stephen Frears, uma das adaptações de As relações perigosas (1782), romance epistolar de Choderlos de Laclos cuja permanência no imaginário do mundo contemporâneo é notável. Romances, peças teatrais, filmes, óperas, balés e minisséries televisivas atualizam a narrativa com freqüência e variedade impressionantes. Começamos esse trabalho pela leitura de As relações perigosas de Laclos: sua contextualização no âmbito da produção literária do século XVIII, comentários sobre o autor e a recepção da obra, uma análise de diferentes aspectos da narrativa com enfoque na teatralidade e na libertinagem dos personagens principais. Analisamos também um outro texto literário, Les Liaisons dangereuses (1985) de Christopher Hampton, uma adaptação teatral do romance de Laclos. Hampton é co-roteirista de As ligações perigosas e o filme se baseia também em sua peça (« D’après la pièce de Christopher Hampton. Adapté du roman Les Liaisons dangereuses de Choderlos de Laclos », informa a seqüência genérica). Essa trajetória do palco às telas desperta um interesse especial quando se trata da leitura de um romance epistolar do século XVIII impregnado de referências teatrais: procuramos descobrir a maneira pela qual cada uma das obras – a adaptação teatral e a adaptação cinematográfica – tirou partido dos recursos próprios a cada linguagem para ler e recriar os traços da teatralidade que identificamos no romance de Laclos. A leitura cruzada entre As relações perigosas de Laclos e As ligações perigosas de Stephen Frears torna possível concluir que a adaptação cinematográfica teve êxito em condensar dados relevantes disseminados pelo romance e, apostando nos meios de expressão próprios da linguagem cinematográfica, produziu uma interpretação criativa do texto literário.
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Renzetti, Patrick. "La censure du livre et du théâtre." Grenoble 3, 1993. http://www.theses.fr/1993GRE39019.
Full textAbstract:
Cette these se propose d'etudier le phenomene de la censure du livre et du theatre en france de ses origines a nos jours. Dans une premiere partie une radioscopie historique et etiologique autant qu'analytique s'efforce d'en determiner tout a la fois le contenu precis et les limites. Le regime actuel du livre et du theatre est aborde dans une seconde partie ou sont presentes les matieres beneficiant d'une protection speciale ainsi que les regimes juridiques les concernant. Un phenomene aussi complexe que celui de la censure ne peut s'aborder de nos jours avec les conceptions et les representations des siecles passes, aussi la troisieme partie de ce travail traite-t-elle de la modernite de la censure qui reside essentiellement dans son aspect extra-juridique, quasiment invisible et qui a sa source dans le fonctionnement economique d'un systeme et dans les moeurs d'une epoqueThis thesis concerns the penomenon of censor of literature and theatre in france, from its origin up to the present. The first part gives an historical and etiological analysis, in order to determine, at the same time, the exact contents and its limits. The actual regime of literature and theatre is entered upon in the second part, in which are presented the subjects meriting special protection as well as the related legal rules. A phonomenon so complex as the present one, cannot be entered upon in our present days using the concepts and representations of the centuries passed. This is the reason why the third part of this thesis concerns the actual modern style of censor, residing essentially in its extra-legal aspect, almost invisible and which has its resource in the economical functioning of a system as well as in the morals of a certain period in time
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Strohm, Claire. "La France et le cinéma américain (1945-1960)." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082606.
Full text
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GURGEL, GABRIELA LIRIO. "EN FILMANT UNE PIÈCE : THÉÂTRE ET CINÉMA DANS L`OUVRE DE PETER BROOK." PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2004. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=4978@1.
Full textAbstract:
CONSELHO NACIONAL DE DESENVOLVIMENTO CIENTÍFICO E TECNOLÓGICOEn filmant une pièce : Théâtre et cinéma dans l`ouvre de Peter Brook est une étude approfondie de l`ouvre du metteur en scène anglais fixé depuis 1970 à Paris, où il a partagé sa vie entre ces deux arts. La thèse a pour but d`aborder sa trajectoire professionnelle de même qu`examiner les rapports entre les deux langages, la façon dont ces deux derniers se conjuguent et d`analyser quelles sont les limites existant entre la représentation scénique et cinématographique. La thèse est divisée en deux parties, la première étant consacrée aux investigations théâtrales : des débuts dans le théâtre commercial, en passant par les influences de noms comme Grotowski, Barba, Becket et Brecht, au théâtre expérimental du Lamda Theatre dans la Royal Shakespeare Company, aux recherches menées au long des innombrables voyages en Afrique, en Afghanistan et aux États-Unis, à la création du Centre International de Créations Théâtrales (C.I.C.T) à Paris et de sa compagnie multiculturelle. Une trajectoire en spirale dans laquelle le centre ne cesse de se réduire. La seconde partie de la thèse présente une discussion théorique concernant les rapports entre cinéma et théâtre, à laquelle s`ajoutent les théories de Bazin, Bellour, Amengual, Deleuze et une étude sur le concept de théâtralité et de son influence dans le septième art, ainsi que la recherche sur le concept d`adaptation cinématographique de dramaturgie. Dans cette partie, sont en outre présentées la filmographie peu connue du réalisateur au Brésil et l`analyse de cinq adaptations cinématographiques de pièces autrefois mises en scène par Brook, Marat/Sade (1966), Le Roi Lear (1970), La Cerisaie (1981), Carmen (1983) et Mahabharata (1989). Théâtre et cinéma - la dualité brookienne - interagissent à partir de deux autres concepts piliers de son ouvre : espace vide et shifting viewpoint. En quête d`une ligne de non-permanence et dans sa fuite d`un style unique, d`une formule ou tendance unique, Brook bâtit une identité artistique singulière qui réside dans la clé de la différence et de la simplicité. Entre deux arts, deux pays, deux activités diverses, son ouvre tend à soulever des questions, susciter des doutes pour s`ouvrir à de nouvelles possibilités de création.
Filmando uma peça. Teatro e cinema na obra de Peter Brook é um estudo aprofundado da obra do diretor inglês, radicado em Paris desde 1970, que dividiu sua vida entre as duas artes. A tese tem como objetivo abordar sua trajetória profissional, bem como investigar as relações entre as duas linguagens, de que forma ambas se conjugam e quais são os limites existentes entre a representação cênica e a cinematográfica. Dividida em duas partes, a primeira é dedicada às investigações teatrais: do início no teatro comercial, passando pelas influências de nomes como Grotowski, Barba, Beckett e Brecht; ao teatro experimental do Lamda Theatre, na Royal Shakespeare Company, às pesquisas empreendidas através das inúmeras viagens pela África, Afeganistão e Estados Unidos, à criação do Centre International de Créations Théâtrales (C.I.C.T), em Paris, e de sua companhia multicultural. Uma trajetória em espiral na qual o centro não cessa de se reduzir. A segunda parte da tese apresenta uma discussão teórica acerca das relações entre cinema e teatro, à qual se somam as teorias de Bazin, Bellour, Amengual, Deleuze; um estudo sobre o conceito de teatralidade e sua influência na sétima arte, bem como a pesquisa sobre o conceito de adaptação cinematográfica de dramaturgias. Ainda nessa parte, são apresentadas a filmografia do diretor, pouco conhecida no Brasil, e a análise de cinco adaptações cinematográficas de peças que foram anteriormente encenadas por Brook - Marat/Sade (1966), Rei Lear (1970), O jardim das Cerejeiras (1981), Carmen (1983) e Mahabharata (1989). Teatro e cinema - o duplo brookiano - interagem a partir de outros dois conceitos fundadores de sua obra: espaço vazio e shifting viewpoint. Na busca por uma linha da não- permanência, fugindo de um único estilo, uma única fórmula ou tendência, Brook constrói uma identidade artística singular que se inscreve na clave da diferença e da simplicidade. Entre duas artes, dois países, duas atividades diversas, sua obra busca levantar questões, suscitar dúvidas, abrindo-se a novas possibilidades de criação.
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Mursa, Maria. "Représentations de Jeanne d'Arc au théâtre et cinéma au cours du XXe sicèle." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083188.
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La présente thèse sur le mythe de Jeanne d'Arc se propose d'analyser les procédés de codification du mythe à partir des données "trouées" de l'histoire dans les œuvres littéraires de B. Shaw, B. Brecht et Th. Keneally et dans les films de R. Bresson, J. Rivette et L. Besson. En tant que caractère dédramatisé et objet constant du procédé de la réécriture, Jeanne d'Arc se recompose dans la mémoire sociale comme un vrai personnage-intertexte. Réduit entièrement à sa seule fonctionnalité, chargé des produits idéiques antérieurs, le mythe johannique se situe au croisement de plusieurs problématiques actuelles du XXème siècle comme : la victimisation et la justification de la violenceThis dissertation about the myth of Joan of Arc intends to analyze the methods of codification of Joan of Arc's myth from the «shred» elements of the history in the works of B. Shaw, B. Brecht and Th. Keneally and in the films of R. Bresson, J. Rivette and L. Besson. As a non-dramatised character of the rewriting process, Joan of Arc builds itself as an intertextual character in the social memory. Entirely reduced at its functionality, charged with the ideas of previous texts, the joanic myth reveals important issues of the XXth century such as: the victimisation and the meaning of justified violence
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Di, Profio Alessandro. "L'opera buffa à Paris : le cas du Théâtre de Monsieur et du Théâtre Feydeau (1789-1792)." Tours, 1999. http://www.theses.fr/1999TOUR2022.
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Le 26 janvier 1789, un nouveau théâtre ouvrit ses portes à Paris. Cet établissement était placé sous la protection de Monsieur, comte de Provence, futur Louis XVIII. Le Théâtre de Monsieur, rebaptisé Théâtre Feydeau en 1791, permit la réalisation d'un ancien projet que la cour, en particulier la reine Marie-Antoinette, encourageait depuis quelques années, à savoir l'implantation à Paris d'un théâtre avec une troupe stable de chanteurs italiens. Paris pouvait ainsi récupérer un long retard puisque le système de privilèges voulu par Louis XIV et par son ministre Mazarin avait écarté de la France, à la différence des autres pays d'Europe, une véritable production d'opéras italiens. Cette thèse a comme objectif principal l'étude du corpus d'opéras italiens produits dans ce théâtre. De janvier1789 à aout 1792, trente-quatre opéras furent représentés sur cette scène, dans des versions souvent profondément remaniées de l'original. Le but de cette thèse a été double : d'une part reconstituer l'histoire de ce théâtre, les différentes tentatives d'implantation à Paris d'un théâtre italien, les enjeux politiques et culturels, et d'autre part étudier en quoi les profondes différences entre les poétiques française et italienne conditionnèrent le choix du répertoire et l'adaptation des œuvres pour la scène parisienne. Comparé aux théâtres de grandes cours européennes, le Théâtre de Monsieur était un théâtre atypique : on n'y représenta que des opéras de répertoire et de genre buffo, alors que l'activité des autres grands théâtres italiens s'étendait aux créations et au genre serio. Ces deux restrictions du théâtre italien de Paris renvoient à des considérations d'ordre esthétique. Le corpus de partitions et de livrets examinés a permis d'évaluer l'ensemble des opéras produits. La structure exacte des opéras, habituellement remaniés à Paris, a pu être établie. Ces recherches m'ont permis de découvrir un certain nombre de morceaux de musique composés à Paris, ignorés par les principaux catalogues. Cette thèse a notamment reconstitué le corpus de morceaux composés par Cherubini.
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Gimello-Mesplomb, Frédéric. "Enjeux et stratégies de la politique de soutien au cinéma français : un exemple : la nouvelle vague : économie politique et symboles." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20056.
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Vouloir ressaisir l'evolution du cinema francais des quarante dernieres annees c'est au fond essayer de comprendre un certain nombre de mutations dont on peut situer sinon l'origine du moins la cesure en 1959 avec l'emergence de la nouvelle vague. Rarement mouvement esthetique aura libere un espace de possibles etheliques et economiques ou se sont essayees a sa suite de nombreuses formes cinematographiques. Ce travail jette cependant un regard autre que purement esthetique et theorique sur ce mouvement. Nous avons resitue la nouvelle vague dans son contexte economique, politique et social d'eclosion, contexte indispensable a l'histoire du cinema. L'etude des publics, qui fut longtemps le parent pauvre des etudes cinematographiques, permet de mettre a jour la specificite du public << nouvelle vague >> ainsi que l'implication limitee des reseaux de diffusion alternatifs (cine-clubs. Art & essai. . . ) dans sa distribution commerciale. Mais ce travail s'insurge surtout en faux contre l'idee recue selon laquelle le cinema de la nouvelle vague aurait beneficie des largesses financieres de l'etal ou, au mieux, de sa protection tacite. . . Nous demontrons, grace a des chiffres jusqu'ici ineditscommuniques par le c. N. C,. Que les cineastes de la nouvelle vague ont, au contraire, ete largement exclus des aides publiques, et notamment de la plus celebre de ces aides, l'avance sur recettes, cree en 1959. Poursuivant l'etude economique des films des cineastes jusque dans les annees 1981. 1999. Nous constatons que la tendance s'inversait a la fin du premier septennat mitterrand pour desormaisconferer au cinema de la nouvelle vague une valeur hautement culturelle et inclure une ieune generation de cineastes se revendiquant dans la filiation intellectuelle du mouvement parmi les beneficiaires privilegies de l'avance. Le mythe de l'elat-providence en matiere de cinema deviendra celui de l'etal culturel et l'affirmation d'un << heritage >> suppose de la nouvelle vague ne fera qu'en conforter l'action. Enfin, le role ambigu joue par la critique (notamment les cahiers du cinema, ancien foyer anime de la politique des auteurs) et par l'enseignement universitaire du cinema, d'une part dans la legitimation de la politique de soutien au cinema francais ; d'autre part dans l'elaboration d'une veritable mythologie << auteuriste >> de la nouvelle vague, a ete clairement mis en evidence.
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Lolivret, Astrid. "Acteurs de théâtre, acteurs de cinéma : de Gérard Philipe à Isabelle Huppert." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030065.
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En posant le regard sur deux figures emblématiques du théâtre et du cinéma, choisies délibérément, Gérard Philipe et Isabelle Huppert, il ne s’agit pas d’un discours généraliste, ni d’une théorie sur l’acteur, mais plutôt de s’appuyer sur leurs traces en essayant d’analyser les interviews recueillis dans les principaux supports médiatiques qui tentent de dévoiler leur personnalité et l’idéal vers lequel ils tendent, sachant que tous deux émergent après des évènements historiques majeurs : d’un côté la fin de la seconde guerre mondiale laissant une France dévastée en quête d’égérie dont Gérard Philipe sera l’exemple, de l’autre mai 1968 et ses bouleversements au niveau des mœurs, amenant à l’avènement de la nouvelle vague. Le défi à relever fut de comparer un acteur disparu il y a plus d’un demi-siècle avec une actrice contemporaine. Leur grande maturité professionnelle s’est avérée déterminante dans la poursuite des concepts qu’ils défendent. Leur recherche personnelle est perceptible au travers de l’évolution de leur carrière et laisse indéniablement un écho médiatique, pouvant se rapprocher d’une dimension mythologique de l’acteur.Il est ici question d’une analyse comparative pour tenter de comprendre comment leur personnalité qui caractérise leur jeu, entre réserve et don de soi, intuition et réflexion, leur a permis d’enchaîner les rôles tout au long de leur vie en alternant le théâtre et le cinémaConsidering two deliberately selected figureheads of the theatre and of the cinema, Gérard Philipe and Isabelle Huppert, the purpose is not to draw up a general speech, or a theory on the actor, but rather to rely on their tracks and try to analyze the main media interviews attempting to unveil their personality and expectations amidst major historical events : on one hand, the end of World War 2 with a devastated France in pursuit of a new inspiring spirit that will be embodied by Gérard Philipe, and, on the other hand, (the students' revolution of) May 1968 with drastic changes in standards of behaviour that will lead to the coming of "The New Wave".The challenge was to compare an actor, who left us half a century ago, with a contemporary actress. Their great professional maturity proved to be the determining factor towards their ideal.Their personal research appears through the evolution of their career and undoubtedly leaves a media echo that can be linked to the mythological dimension of the actor.The question is to analyze and compare to try and understand how their personality, characterizing their way of acting, between reserve and self giving, intuition and reflection, allowed them, throughout their life, to play one part after the other, alternately for the theatre and the cinema
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Kim, Joon-Deok. "Intervention et rôle de l'État dans la vie cinématographique française : compte tenu de son renouvellement depuis 1981." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010582.
Full textAbstract:
Depuis l'arrivée au pouvoir du gouvernement de gauche, en 1981, la politique cinématographique menée par l'état français connait des évolutions à la fois majeures et favorables à l'ensemble des différents secteurs du cinéma. Son action a poursuivi un triple objectif : le renforcement et le renouvellement de la production cinématographique, le maintien de la fréquentation en salles et la construction d'une industrie nationale des programmes de cinéma. Les actions les plus significatives de l'évolution de la politique de l'état dans son soutien à l'industrie cinématographique ont été engagées autour de six grands axes poursuivant les objectifs suivants : préserver la vitalité de la production et dynamiser la création, sauvegarder le patrimoine et en développer la connaissance auprès du public, permettre à une culture cinématographique de qualité et diversifiée de vivre pleinement en étant diffusée sur tout le territoire national et, enfin, intensifier les échanges internationaux en offrant au cinéma français la possibilité d'atteindre une audience européenne et mondiale. L'objet de cette thèse est de dresser un inventaire le plus complet possible des interventions de l'état français dans le domaine de la cinématographie, afin d'en dégager les points forts, les faiblesses, d'en analyser les insuffisances et de chercher des pistes possibles pour l'avenir. Nos travaux s'organisent en trois grandes parties : la politique de l'état en matière de soutien financier, les modalités de contrôle et les aspects internationaux. Nous pouvons ainsi vérifier l'efficacité du modèle politique français en matière cinématographique, considéré comme un des meilleurs au monde et poser les bases, à partir de ce modèle, de ce qui pourrait être une politique du cinéma novatrice dans d'autres pays, en particulier en Corée, pays d'où nous venons et où nous souhaitons jouer un rôle pour le développement de la création et de la diffusion cinématographiqueFrom arrival of the socialists in franch government in 1981, cinematographic politics lead by government have, all at once, an important and favorite evolution in every different sections of cinema. There are three major objects in it's politics ; reinforcement and renovation in cinematographic production, maintainning the frequentation in the movie theater and construction of national movie programs. The very important national measure about evolution of politics on helping cinematographic industries are directed in about six major axis according to objects like these; preserving production vitality and concentrating the creation, protection inheritance and developing it's conciousness around people, permitting qualified and diversified cinematographic culture of full life by diffusing it in the whole national territories, finally intensifing international exchange by offering French cinema of opportunities to reach to European and world-wide audiences. The aim of this paper is to set up the evaluation of French government as completely as possible in cinematographic domain, in order to disengage the hot issue and faintness, to analysis insufficiency and to search possible way for the future. Our work is to become organised in three major parts; government politics for financial support, control method and international aspects. In this manner, we can verify efficiency of French political model toward cinematographic world, that is considered as one of the best politics in the world and from that model one can have a base for innovating cinema politics in foregine countries especially in Korea from which we have come and where we wish to play a role for development and for diffusion of cinematography
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Munk-Farrugia, Maria. "Théâtre et culture fondamentale dans le système éducatif." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030014.
Full textAbstract:
Utiliser le théâtre comme outil de maîtrise de la Langue française, faire découvrir à des élèves en difficulté son fonctionnement, grâce à un projet annuel portant sur l'élaboration d'un texte théâtral et sa représentation, était à l'origine mon objectif, en arrivant au collège. Deux obstacles : l'école n'a pas de sens, des groupes d'influence mènent le jeu. Au total, refus de l'effort, insubordination, violence verbale, absentéisme, illetrisme En 1995/1997 de nouvelles directives ministérielles donnent au professeur de Français triple mission : enseigner une langue commune pour ouvrir la voie à une culture commune donnant accès à la citoyenneté : plus que jamais la question du sens devient centrale. C'est toujours au théâtre que je fais appel. .Using theatre as a tool for to master the French language, making the pupils discover how that language works thanks to a yearly project, the aim of which was the making of a theatrical text and its performance, was my objective when I arrived at the secondary school. However there were two obstacles, the first one is that school has got no meaning for the pupils, and the second one is the existence of groups of people who influence others in a way or another, and who behave as leaders. All in all, the pupils refuse to make effort, they are desobedient. Absenteeism, illiteracy and verbal violence are part of the school panorama to day. In 1995/197, new ministerial instructions give the French teacher a threefold mission : to teach the common language to lead the way to a common culture which gives access to citizenship : more than ever, the question of making sense is a central one. It is always to theatre that I resort. .
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Raymond, Hélène. "Aspects du cinéma politique en France, 1950-1975." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030096.
Full textAbstract:
A partir d'un choix de films français liés à l'actualité politique internationale pendant les années 1950 à 1975, la présente étude propose un parcours esthétique de la période historique. Interrogeant la notion de " modernité ", elle postule que la question politique est, au plan thématique, une clef du renouveau de la forme cinématographique en France, après la Deuxième Guerre mondiale et jusqu'au milieu des années 1970Based on a choice of French films related to international political topics between 1950 and 1975, this study offers an esthetic view of that historical period. Questioning the notion of modernity, it holds that political issues from a themathical point of view are key to the rebirth of the cinematography form in France after World War II and to the mid 1970's
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Daniellou, Simon. "La place du spectateur : représentations théâtrales et théâtralité de la représentation dans le cinéma japonais." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20036/document.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une réflexion sur les spécificités du régime de représentation cinématographique en le confrontant à une autre forme de représentation avec laquelle il partage une phase analogue de mise en scène : le théâtre. L’enjeu est de comprendre comment la place du spectateur de cinéma s’élabore dans la durée et par la perpétuelle reconfiguration du point de vue, en analysant la manière dont les films de fiction rendent compte d’un premier rapport spectatoriel au seinde la réalité filmique, que celui-ci soit entretenu vis-à-vis de représentations de type théâtral ou d’éléments profilmiques théâtralisés. Afin de discerner plus aisément la manière dont une diégèse filmique superpose des actes narratifs à des actions mimétiques, les pratiques scéniques japonaises servent d’objets privilégiés d’analyse en raison de certaines de leurs caractéristiques : exploitation tridimensionnelle de l’espace de spectacle, séparation marquée des niveaux d’énonciation, rapport « présentationnel » à la réalité théâtrale, etc. L’exploration d’un large panel d’exemples de manifestations théâtrales au sein de films de fiction japonais permet ainsi de cerner la façon dont la place du spectateur extra-filmique, parfois déléguée à celle d’un substitut diégétique, est déterminée par la construction même de la réalité filmique grâce à l’association d’une mise en scène, d’une mise en cadre et d’une mise en chaîne des imagesThis thesis proposes a study on the characteristics of the cinematic representation by comparing it to another form of representation with which it shares a similar stage of mise-en-scène: the theatre. Our goal is to understand how the place of the film spectator is determined over time and by the perpetual reconfiguration of the filmic point of view, by analyzing how fiction films reflect an initial spectatorial vantage point in front of theatrical performances or theatrical profilmic forms withinthe filmic reality. In order to make out how the filmic diegesis combines mimetic and narrative acts, the traditional Japanese theatrical practices serve as privileged objects of analysis by virtue of their characteristics: the three-dimensional use of space, the marked partition between modes of enunciation, the “presentational” relationship to theatrical reality, etc. Thus, the exploration of a wide range of examples of theatrical performances in Japanese fiction films allow us to identify how theviewpoint of the extra-filmic spectator, sometimes delegated to the one of a diegetic substitute, is determined by the construction of the filmic reality thanks to the combination of staging, framing and editing
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De, Benedictis Sara. "Figures et métamorphoses de la douleur dans l’oeuvre de Pier Paolo Pasolini : littérature, théâtre et cinéma." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100012.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier sous le prisme de la douleur les œuvres poétiques, romanesques, cinématographiques et théâtrales de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) dans le but de s’interroger sur ses représentations et ses métamorphoses et de tenter de donner un sens à son expression. Elle a pour objectif de montrer la fonction esthétique, symbolique et politique de la douleur : si celle-ci s’exprime à travers différentes formes et topoï auxquels l’auteur-cinéaste fait subir des torsions, la souffrance exhibée est accompagnée d’une joie – voire d’une jouissance (« ab joy ») – ou bien se transforme en rage et en révolte pour porter un regard critique sur la société issue du prétendu « miracle économique ». La production de Pasolini est étudiée selon une approche pluridisciplinaire qui s’appuie sur des ouvrages méthodologiques à caractère littéraire, philosophique, artistique et anthropologique. À travers la notion de « figure » on s’efforce de montrer comment, d’une œuvre à une autre, d’un texte en prose à une scène de film, d’un vers de poème à un monologue d’une pièce de théâtre, les « corps souffrants » et les lamentations entrent en résonance et se complètent. Dans la première partie, sont étudiées les proses narratives rédigées entre 1946 et 1950. La deuxième s’interroge sur la souffrance des subalternes, des peuples et des sujets en marge. Enfin on examine les métamorphoses que la douleur fait subir aux protagonistes des pièces de théâtre et « l’héritage » de l’œuvre de Pasolini, les modalités à partir desquelles divers cinéastes, artistes et écrivains s’inspirent de ses productions ou bien s’en détachentThis dissertation studies the works of Pier Paolo Pasolini (1922-1975) in the light of suffering with the aim of exploring its representations and transformations and of giving a meaning to its expression. The goal it is to show the esthetical, symbolic and political functions of pain: if it is expressed trough different forms and topoï – which are distorted by the author – in the narrative works, it is either accompanied by ostentatious joy (“ab joy”) or it is turned into rage and fury in order to offer a critical view of society at the time of the so-called “economic miracle”. This dissertation investigates Pasolini’s production through an interdisciplinary approach, relaying on works of literature, philosophy, art, history and anthropology. Through the concept of « figure » I mean to show how suffering bodies, lamentations and tears resonate from a poem to a movie, from a play to a novel. This dissertation is made up of three parts: it begins with the analysis of the narrative proses written between 1946 and 1950, then it focuses on the suffering of the wretched, the underclass, the outcasts, and finally it explores the way pain transforms the characters of the plays. The last chapter explores how contemporary filmmakers, novelists and street artists deal with Pasolini’s legacy
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Voudouri, Dafni. "L'action des pouvoirs publics dans le domaine du théâtre et du cinéma en Grèce." Paris 2, 1988. http://www.theses.fr/1988PA02T068.
Full textAbstract:
Cette etude traite des regles, des structures et des techniques de l'action des pouvoirs publics dans le domaine du theatre et du cinema en grece, dans son evolution historique et confrontee a des exemples etrangers. Tout en etant axee sur le droit public, cette these touche aussi a des questions de droit prive et contient des considerations economiques, politiques et sociologiques. Une premiere partie, portant sur les libertes publiques, presente d'abord le regime juridique de l'expression theatrale et cinematographique et son evolution, pour montrer que l'abolition recente de la censure est justifiee mais ne suffit pas a garantir effectivement la liberte d'expression. Ensuite vient l'analyse de la reglementation de la liberte economique et la mise en lumiere du manque de regulation de la concurrence en matiere cinematographique, pour traiter enfin des droits d'auteur et des droits voisins. Une deuxieme partie sur l'organisation administrative, met en evidance la tradition centralisatrice et la dispersion ministerielle, tout en insistant sur le role, le statut et le fonctionnement des institutions specialisees dans ce domaine et en signalant les nouvelles tendances vers une decentralisation, un assouplissement et une concertation et leurs limites. Une troisieme partie est consacree a l'action financiere. Apres une presentation de la fiscalite du theatre et du cinema, elle analyse l'aide publique au theatre prive et surtout l'aide publique au cinema et les problemes complexes qu'elle pose tant sur le plan national que sur le plan europeen.
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Stepanova, Olga. "Analyse stylistique des lexèmes argotiques utilisés dans le théâtre et le cinéma contemporains français." Thesis, Paris 5, 2014. http://www.theses.fr/2014PA05H016.
Full textAbstract:
Dans la thèse sont étudiées les particularités lexico-sémantiques et les fonctions stylistiques de l'argot utilisé dans le théâtre et le cinéma français contemporains, les transformations que subit l'argot dans les adaptations des récits littéraires au cinéma. Principalement stylistique, la thèse s'inscrit également dans les problématiques de la sociologieThe thesis is about lexico-semantic properties and stylistic functions of slang used in contemporary French theatre and cinema, its transformations in movies adapted from literature. The research is focused mainly on stylistic aspects, but also refers to sociolinguistics
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Allard, Laurence. "L'espace public esthétique et les amateurs : l'exemple du cinéma privé." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030139.
Full textAbstract:
Pratiques du cinema dont la reception et la production sont ancrees dans des communautes de communication restreintes. Nous montrons comment se travail s'attache au champ du cinema prive, champ rassemblant des constitue, dans ces communautes d'interpretation restreintes, un petit public. Ainsi, dans le cadre d'une coneption d'un espace public esthetique pluralise, une articulation publicite et communaute est-elle convoquee. Cette pluralisation restituer a une sphere publique de l'art en crise son role de publicisation de toutes les pratiques artistiques, et notamment amateur. Ce constat est formule apres une etude historique du processus d'autonomisation et de professionnalisation de la sphere publique esthetique depuis le xviiieme siecle. En regard de la figure de l'amateurThis thesis deals with "private cinema". This field of inquiry includes pratices whose production and reception involve limited communities of communication. We analyse how a small audience is formed in these limited interpretative communities. In the perspective of a pluralized public sphere of art, this research proposes an original articulation between community and publicity. This pluralization of the public space of art is our main theorical hypothesis in order to restitute to the esthetic public sphere his fonction of "publicisation". We recall the constitution of the public space of art and its autonomisation and professionalization until the statement of its crisis and the evolution in this context of the fonction of amator
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Lee, Yunsoo. "La postérité des Liaisons dangereuses : roman, théâtre, cinéma (1782-2010)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040056.
Full textAbstract:
Les études sur la réception des Liaisons dangereuses de Laclos sont abondantes, mais elles portent le plus souvent sur un petit nombre d’œuvres et très peu examinent l’ensemble des diverses écritures créées sous l’influence de Laclos et de son roman. Circonscrite aux imitations romanesques et dramatiques, ainsi qu’aux adaptations théâtrales et cinématographiques, cette thèse analyse une quarantaine de romans, une vingtaine d’œuvres théâtrales et neufs films, tous inspirés à des degrés divers du roman de Laclos. Cette étude a visé moins à démontrer son statut de chef-d’œuvre qu’à analyser sa valeur et son rayonnement au travers des œuvres considérées, à examiner leur rapport et à en discerner la manière particulière dont elles le perçoivent. L’exemple de Laclos démontre qu’un auteur est tributaire de la tradition littéraire. Il a su parfaitement associer les apports littéraires de son temps et l’héritage de l’époque précédente auquel son roman fait écho par des références et des allusions implicites ou explicites. À son tour, Laclos joue le rôle de référent dans les œuvres postérieures. Son roman est sans doute l’une des rares œuvres littéraires dont la réception riche et de longue date permet d’appréhender l’évolution selon l’époque et selon le genre. Les auteurs s’inspirent de son roman et leurs œuvres constituent un espace d’interprétation et de recréation alors que Laclos leur doit la reconnaissance de son œuvre. Le deuxième volume comprend entre autres la liste des représentations des Liaisons dangereuses et de Quartett de Heiner Müller et les extraits des critiques journalistiques, la transcription du film de Charles Brabant et la traduction du film coréen ScandaleStudies on the reception of Laclos’ novel “Dangerous Liaisons” are numerous but they mostly focus on a small number of works and very few have a look at all the writings created under the influence of Laclos and his novel. Limited to romantic and dramatic imitations as well as to film and theatrical adaptations, this thesis analyses around forty novels, twenty plays and nine films all more or less inspired by Laclos’ novel. The first aim of this study is not to demonstrate its masterpiece status but to analyze its value and its influence through those adaptations, to examine their connections and to discern the peculiar way they comprehend it. The example of Laclos demonstrates that an author depends on the literary tradition. He was able to perfectly combine the contributions of his days and the legacy of the previous times to which his novel echoes through references and explicit or implicit allusions. In his turn, Laclos plays the role of referent in the works that came after him. His novel is probably one of the very few literary works the rich and long-time reception of which allows comprehending the evolution according to the time and the genre. Authors draw their inspiration from his novel and their works constitute an area of interpretation and new creation while Laclos owes them the recognition of his work. The second volume includes, among other things, the list of the performances of the Liaisons Dangereuses and of Quartett by Heiner Müller as well as excerpts of journalistic critics, the transcription of Charles Brabant’s film and the translation of the South Korean film Untold scandal
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Féret, Romuald. "Le privilège théâtral en Seine-et-Marne et en Seine-et-Oise (1806-1864)." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082229.
Full textAbstract:
A partir de 1806, sur ordre de Napoléon Ier, le ministère de l'Intérieur met progressivement en place une organisation centralisée du théâtre. Il s'agit de surveiller et d'encadrer une activité jugée dangereuse. Ce qui n'était au début qu'une simple autorisation à obtenir par les artistes pour pouvoir jouer, se transforme rapidement en un privilège reposant sur un monopole d'exploitation. La France est divisée en une vingtaine d'arrondissements théâtraux qui regroupent chacun un ou plusieurs départements. A la tête de chacune de ces circonscriptions se trouve un directeur de troupe ambulante chargé de desservir toutes les petites villes disposant d'une salle de spectacle. Si l'une des localités offre suffisamment de ressources, elle peut avoir une compagnie d'artistes sédentaires. Ces directeurs sont choisis par les préfets et sont agréés par le ministère de l'Intérieur qui leur délivre un brevet, rapidement désigné sous l'appellation de privilège théâtral. En échange, ces " brevetés " ou " privilégiés " doivent accepter de fournir à Paris leurs répertoires, leurs itinéraires, la liste de leurs artistes et les états de recettes de toutes leurs représentations. Le privilège théâtral traverse plusieurs régimes politiques satisfaits d'avoir une redoutable organisation contrôlant un art qui avait révélé combien il pouvait à Paris être dangereux. Le bilan politique du privilège théâtral demeure dans son ensemble positif pour le pouvoir central. Pendant 58 ans, l'Etat a exercé une surveillance efficace sur les spectacles. Des manquements ont eu lieu, mais cela ne s'est pas traduit par une montée des oppositions ou par des troubles majeurs. Les débordements sont demeurés de faible ampleur. Les autorités préfectorales ont su exploiter l'espace théâtral en laissant s'exprimer une certaine agitation toujours circonscrite au bâtiment et à son esplanade. Cependant, tous les objectifs politiques du privilège n'ont pas été totalement atteints. A aucun moment, l'administration n'est parvenue à éliminer les petites troupes de comédiens. Bien que démunies d'autorisation, elles ont poursuivi leur activité en jouant sur les scènes oubliées des directeurs brevetés. Tout au plus, Paris a pu se satisfaire de voir ses compositions de saltimbanque-acteurs rejetés vers de grosses bourgades. . .
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Rouxel-Reynier, Sylvie. "Homo-festivus, pélerin culturel, approche sociologique du festival de théâtre et de ses acteurs sociaux." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100004.
Full textAbstract:
Il s'agit de comprendre le sens culturel et social qu'accordent les acteurs sociaux à un festival de théâtre, lorsqu'ils s'y rendent. Phénomène social complexe à définir le festival de thèatre releve à la fois du fait festif et du fait théatral. Le fait théatral à un pouvoir de division social tout en étant une occasion de communion collective. Le fait festif suppose la participation active des individus dans un contexte "aquotidien" révélant la communion et la subversion. . .
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Ruffier-Meray-Coucourde, Jahiel. "Les institutions théâtrale et lyrique en Provence et leurs rapports avec les théâtres privilégiés de Paris sous l'ancien régime et pendant la révolution : 1669-1799." Aix-Marseille 3, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX32064.
Full textAbstract:
Les spectacles doivent-ils être laissés à la « spéculation d’intérêts privés » ou doivent-ils servir un but d’utilité publique et être soutenus financièrement par l’État ? Faut-il réguler le nombre des salles de spectacles, ou au contraire, accorder à tout citoyen la liberté d’établir un Théâtre ? De la réponse à ces interrogations vont dépendre en grande partie les contraintes juridiques et politiques qui vont s’exercer sur les spectacles et les institutions artistiques. L’étude des spectacles en Provence et à Paris depuis la création du premier Opéra décentralisé à Marseille (1685) jusqu’à la fin de la Révolution montre que les questions posées par le Théâtre et l’Opéra aux XVIIe et XVIIIe siècles sont d’une grande actualité : difficultés à équilibrer le budget d’une entreprise de spectacles (faillites et liquidations sont fréquentes), inexécution par les artistes de leurs obligations contractuelles, conflits de compétence en matière de police des spectacles, mise en oeuvre de politiques culturelles, etc. Par ailleurs, le passage de l’Ancien Régime au gouvernement révolutionnaire semble être l’occasion de remettre sur le devant de la scène des thèmes importants : statut des artistes, reconnaissance des droits d’auteur, suppression de la censure… Il existe une interaction évidente entre le pouvoir politique et le monde artistique, chacun tentant d’instrumentaliser l’autre. Mais qui utilise qui ? Car il ne faut pas négliger un troisième acteur extrêmement important : le public. C’est lui qui, en définitive, fera pencher la balance, car sans lui les spectacles et les politiques culturelles concernant les Théâtres et les institutions artistiques n’ont aucune raison d’êtreMust performances be left to the whims of private interests or must they serve a purpose of public interest and be supported financially by the state? Must the number of performance spaces be regulated, or on the contrary, must every citizen have the right to establish her own theater? The answer to those questions will to a large extent dictate the juridical and political constraints that will be applied to performances and artistic institutions. There is a clear interaction between the arena of political powers and the artistic world, each attempting to make use of the other. But who is really using whom? The fact is that another extremely important actor should not be ignored: the audience. It is the audience which will, in the end, tip the balance because without it, performances and cultural policies concerning theaters and artistic institutions have no reason to be
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Cornu, Jean-François. "Le doublage et le sous-titrage des films en France depuis 1931 : contribution à une étude historique et esthétique du cinéma." Rennes 2, 2004. http://www.theses.fr/2004REN20054.
Full textAbstract:
La généralisation du cinéma parlant au tournant des années 20 et 30 bouleversa la diffusion des films étrangers sur le marché français. Les studios hollywoodiens furent les premiers à envisager plusieurs moyens pour y maintenir leur domination. La première moitié des années 30 vit, en France, la naissance d'une puissante industrie du doublage, à l'ombre de laquelle se développa le sous-titrage. La connaissance des conditions de réalisation d'un doublage ou d'un sous-titrage est essentielle à l'analyse esthétique des versions doublées et sous-titrées de films. Selon l'époque, la technique employée, les pratiques des adaptateurs ou des comédiens, les conséquences esthétiques sont variables. Toutefois, certaines constantes demeurent : substitution partielle ou totale de la bande-son pour le doublage, intervention sur la bande-image pour le sous-titrage. Dans tous les cas, c'est la voix qui subit un traitement particulier. Dans une version doublée, une nouvelle voix est attribuée à un même personnage et se trouve ainsi réincarnée ; dans une version sous-titrée, la voix, visible par le biais du sous-titre, devient imageThe generalisation of talking films in the late 1920s and early 1930s brought about a major change in the distribution of foreign films on the French market. The Hollywood majors led the way in exploring various options in order to maintain their domination on that market. During the first half of the 1930s, a powerful dubbing industry gradually developped in France with subtitling growing on a much smaller scale. Knowing how a dubbed or subtitled version is made is essential to any aesthetic appreciation of a dubbed or subtitled film. The aesthetic implications vary according to the period, the technique and the way translators or actors work. However, some constant features can be outlined : with dubbing, the soundtrack is partly or fully replaced ; with subtitling, the image is altered. Both methods imply a different treatment of the voice. In a dubbed version, a new voice is given to an unchanged character, in a reincarnation process ; in a subtitled version, the voice becomes visible through the subtitle, it becomes an image
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Bidaubayle, Dominique. "Expression régionale et cinéma : l'expérience de "Landes mortes, Landes vivantes"." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100133.
Full textAbstract:
De la méthodologie à la pratique, de la conception à la critique, l'expérience de l'élaboration de ce film est analysée point par point. Dans une première partie, la démarche est située dans un contexte précis : celui du cinéma dit "d'expression régionale". Entre le cinéma "parisien" et le cinéma exprimant d'autres réalités culturelles, il y a souvent un monde. Le film ici réalisé se situe nettement dans le courant d'une expression régionale, celle du sud, et plus précisément des landes de Gascogne. Il est examiné ensuite comment le film a pris naissance, l'évolution de l'écriture, les problèmes pratiques de réalisation : comment montrer un métier qui est en voie de disparition, et son inscription dans l'histoire du pays? Ce métier étant le gemmage ou ramassage de la résine, spécifique à la forêt des Landes de Gascogne. Enfin, entre l'idée de départ et la réalisation finale, les obstacles qui ont fait dévier les intentions originelles. Plus vécu d'une expérience, cette thèse est moins élaboration de concepts que relation et analyse de ce vécu.
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Le, Pallec Marand Claudine. "Réflexivité et anti-érotisme du film sexuel en France (1972-1976) : des auteur(e)s-cinéastes face au genre porno et au mouvement féministe." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084115.
Full textAbstract:
Sans que leurs différents (co-)auteur(e)s-réalisateurs/réalisatrices se soient concertés et sans qu’aucun parmi ces derniers ne revendique un genre de film déjà existant, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) sont six films tournés en langue française (langue du tournage) entre 1972 et 1976 qui possèdent des caractéristiques esthétiques communes. La valorisation de l'inspiration pornographique, une bande son sans cris et sans musique où les échanges dialogués dominent, l'intégration esthétique du mouvement féministe et le refus manifeste de l'érotisme cinématographique (et du sentiment de concupiscence sensé être produit par la représentation de la sexualité) permettent de réunir ces six films sous le terme de « film sexuel ». Cette expression reprend le néologisme proposé par Luc Moullet en 1969 pour distinguer une nouvelle représentation de la sexualité. La thèse porte sur une décennie peu étudiée du cinéma français, les années 1970, à un moment où l'explosion de la production pornographique, les propos des cinéastes sur l'engagement que constitue pour l'auteur(e)-réalisateur/réalisatrice (-acteur/actrice) la représentation de la sexualité et la poétique de chacun des six films complexifient comme rarement auparavant les catégories usuelles de la pornographie et de l’érotisme dans leurs rapports au domaine cinématographiqueDespite a total lack of concertation between their various creators and without discussion of an existing genre, La Maman et la Putain (1973, Jean Eustache), Je tu il elle (1974, Chantal Akerman), Numéro Deux (1975, Jean-Luc Godard et Anne-Marie Miéville), La Dernière Femme (1976, Marco Ferreri), Anatomie d'un rapport (1976, Luc Moullet et Antonietta Pizzorno) et Une vraie jeune fille (1976, Catherine Breillat) are six french language films shot between 1972 and 1976 using a common set of esthetic characteristics. The valorisation of their pornographic inspirations, a dialogue laden sound track devoid of screaming and music, the esthetic integration of the feminist movement and the patent refusal of eroticism (along with the feeling of lust intended to be derived from the representation of sexuality) allow these six films to be termed « sexual films». This neologism was first used by Luc Mullet in 1969 to define a new way of representing sexuality. The thesis focuses on a much maligned decade in French cinema, the 1970’s, at a time when the explosion of pornographic production, the notions of the representation of sexuality propagated by the film makers (writers/directors/actors) and the poetry of each of the six films add a level of complexity rarely witnessed within traditional representations of sexuality (pornography and eroticism) prior to this point
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Hamidi-Kim, Bérénice. "Les cités du "théâtre politique" en France de 1989 à 2007 : archéologie et avatars d'une notion idéologique, esthétique et institutionnelle plurielle." Lyon 2, 2007. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2007/hamidi-kim_b.
Full textAbstract:
L'enjeu du présent travail consiste à saisir les différentes significations que peut prendre, sur la période 1989-2007, l'expression "théâtre politique", aussi omniprésente dans la pratique et dans le discours des différents acteurs du théâtre – artistes, directeurs de théâtre, programmateurs, pouvoirs publics – que polysémique. Refusant une approche normative et téléologique, fondée sur un principe de dépassement chrono-logique d'une définition par une autre, et parce qu'il nous paraissait que coexistait sur cette période une pluralité mais non une infinité de significations à l'expression "théâtre politique", nous avons adapté à la sphère théâtrale un concept emprunté au champ de la sociologie, et plus précisément aux travaux de Luc Boltanski et Laurent Thévenot : le concept de "cité". Nous avons défini chaque "cité du théâtre politique" comme un discours théâtral cohérent, le terme discours recouvrant aussi bien les spectacles que les propos publics tenus par les artistes, par les pouvoirs publics et par la critique. Dans chaque cité, ce discours se fonde sur une vision du monde – induite par une conception spécifique de l'histoire et du politique – qui détermine une légitimation du théâtre et de l'artiste au sein du champ théâtral et au sein de la société. Nous avons distingué quatre cités du théâtre politique qui nous paraissaient actives sur cette période, quoiqu'à des degrés d'existence et de reconnaissance variables : la cité du théâtre postpolitique, la cité du théâtre politique œcuménique, la cité de refondation de la communauté théâtrale et politique et la cité du théâtre de lutte politiqueThis work, which focuses on the 1989-2007 period, aims at clarifying the various meanings of "political theatre", a highly polysemic notion, which has been used at every turn, both in the practice and in the discourse of the various players on the theatrical stage : artists, theatre managers, programme planners, state and local authorities. Rejecting a normative, teleological approach based on the assumption that in the course of time one definition will invariably be succeeded and superseded by a better one, we started instead from our observation that in the past 20 years, the phrase "political theatre" has been subjected to a fairly large but by no mean unlimited number of simultaneous interpretations. This is why we adapted for the theatrical sphere a concept borrowed from the field of sociology, and more precisely from the works of Luc Boltanski and Laurent Thévenot, the concept of "cité". We then proceeded to define each of the "cités" comprising political theatre as a coherent theatrical discourse, and by this word we mean not just the shows but also the public statements made by artists, critics and officials. This discourse is based on a certain ideology, itself stemming from a specific conception of history and policy, and results in a legitimation of the theatre and of artists, both in the theatrical field and in society at large. We have identified four different "cités" of "political theatre" which have coexisted and achieved recognition over the past two decades, though with varying degrees : the city of postpolitcal theatre, the city of oecumenical political theatre, the city of the radical reform of the theatrical and political community, and the city of political struggle theatre
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Einloft, Finkler Isabel. "La relation entre le droit international et le statut du cinéma : étude comparée entre le Brésil, la France et l'Inde." Toulouse 1, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU10054.
Full textAbstract:
Des politiques cinématographiques nationales fragmentées. Le Brésil: une cinématographie émergente. La France: la Patrie du cinéma. L'Inde : le plus grand producteur au monde. Tous les trois partagent la chute de fréquentation, l'explosion de budgets, la difficulté de financement et l'intrusion du cinéma américain. Les festivals, les fonds d'aide, les délocalisations sont des solutions palliatives qui ne font que déplacer le problème. Comment résoudre le paradoxe de la nécessité de préservation de la culture locale face à la mondialisation ? Le propose un édifice législatif lourd et complexe. L'essor des nouvelles technologies a bouleversé la logique du marché cinématographique en créant un vide juridique qui demande une nouvelle organisation qui prenne en compte la réalité transnationale. Le système juridique peut apporter une solution en proposant une harmonisation de la législation cinématographique afin que les échanges se fassent plus simplement. En renforçant l'arsenal juridique international, les Etats sont davantage en mesure de défendre leurs spécificités locales. L'harmonisation des marchés communs et les traités de coproduction cinématographique sont un début de réponse. Toutefois ils se heurtent souvent aux politiques supranationales de l'Organisation Mondiale du Commerce et de l'Unesco. Il est nécessaire une rupture du droit interne afin de déréglementer le secteur en faveur d'une internationalisation que fortifiera les cinématographies locales. Ceci peut se faire à travers l'harmonisation des règles nationales ou de l'hybridation de systèmes juridiques. Ainsi, la coopération cinématographique nationale se trouve renforcéeBrazil, France and India have different cinematographic policies, yet they share similar problems. Palliative solutions have been proposed, however the dilemma of coping with the paradox of globalization preserving local culture remains. National law proposes complex and heavy regulation. Therefore it is necessary to change local juridical systems in order to conciliate the new supranational reality with national principles. International cinematographic cooperation and strengthening of motion picture production will then be possible
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Kruger, Alain. "Traitement de l'information et décision de choix d'un film : influence des caractéristiques individuelles et de la communication inter-personnelle." Dijon, 1997. http://www.theses.fr/1997DIJOE017.
Full textAbstract:
L'objet de cette thèse est double : nous cherchons à appréhender la problématique de la fréquentation cinématographique en nous intéressant au rôle des caractéristiques individuelles sur le rythme de fréquentation et sur les préférences en matière de films. Il s'agit également de préciser la nature de l'effet de bouche à oreille et de tenter d'en donner une mesure. Le premier chapitre s'attache à définir la problématique stratégique du secteur cinématographique. Nous présentons le secteur et ses différents intervenants en insistant sur ses évolutions récentes. Nous abordons ensuite l'opposition entre les approches nationale et privée de la consommation cinématographique. Enfin, nous introduisons l'analyse du comportement des spectateurs en insistant sur la relation entre ceux-ci et les films. Le deuxième chapitre est consacré à la formalisation d'un cadre conceptuel permettant de rendre compte, en référence au film, du caractère économique, social et symbolique de la consommation cinématographique. Notre objectif est d'identifier, dans le champ du marketing, un ensemble de variables explicatives individuelles susceptibles de nous aider à analyser le comportement du spectateur. Nous nous attachons également, dans une perspective d'intégration des relations inter-personnelles, à définir l'effet de bouche à oreille. Le troisième chapitre développe un double essai de modélisation : celle du comportement de consommation cinématographique et celle de l'effet de bouche à oreille. En référence à ces deux modèles, nous formulons des hypothèses quant aux relations entre les différents variables. Nous présentons également une méthodologie de recueil des données ainsi que le déroulement de l'administration de notre enquête. Le quatrième et dernier chapitre présente les résultats issus de l'analyse des données collectées. Nous analysons, dans un premier temps, la fidélité et la validité de nos échelles de mesure puis nous procédons au test et a l'analyse de nos hypothèsesThe aim of this thesis is two folds: first of all, we try to explain the cinematic consumption by analysing the relationship of individual characteristics with the cinematographic consumption frequency and the cinematographic tastes. Secondly, we try to define and measure the word-of-mouth effect. The first chapter instead of problematic put problem of the movie-makinq industry. We present the cinematographic channel relationships and the position of the different contributors within these channels. Then, we explain the opposition between a national and a private approach of the cinematic consumption. Finally, we introduce the spectator behaviour analysis in reference to the relationship between spectators and movies. The second chapter presents a conceptual framework which is introduced, in reference to the movie, the economic, social and symbolic dimensions of the cinematographic consumption. Aim is to identify, in the field of the marketing, some individual variables which may help us to analyse the spectator behaviour. We try also to define the word-of-mouth effect in reference to interpersonal relationships concept. The third chapter develops a double model: the first one describes the cinematographic consumption behaviour and the second on the word-of-mouth effect. In reference to these models we formulate hypothesis on the relationship between our variables. We present also the methodology of our study. The last chapter presents the results. First of all, we analyse the validity and fidelity of our measuring scales. Then, we do the hypothesis verification
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Burdino, Fanny. "Visible et invisible dans le cinéma d'Ingmar Bergman : la matrice Fanny et Alexandre." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080124/document.
Full textAbstract:
En 1982, Ingmar Bergman avait pris la décision d’arrêter le cinéma avec une œuvre qu’il voulait ultime : Fanny et Alexandre. Il ne tint pas tout à fait parole et continua à réaliser des œuvres pour la télévision, ce qu’était déjà Fanny et Alexandre. Une fresque de 5h40, film somme et sommet cinématographique. Notre travail souhaite comprendre la complexité d’une œuvre qui renferme à elle seule tous les motifs du cinéaste. Notre désir est de l’étudier sous l’angle de deux notions : le visible et l’invisible. Ces notions viennent d’emblée interroger la présence et l’absence, le plein et le vide, le conscient et l’inconscient, le blanc, couleur de la transparence, et le rouge, celle de l’intérieur de l’âme. Il semble donc que les notions de visible et invisible sondent un univers clivé à l’image d’une œuvre qui, dans sa narration même, oppose la troupe de théâtre à la solitude de l’évêque, la foi dans l’imaginaire à la foi en Dieu, l’enfance à la vieillesse, la vie à la mort, le bien au mal, l’eau de la rivière au feu qui brûle vif le « diable ». Mais notre propos est de tenter de dépasser cette opposition formelle pour parvenir à démontrer sa réversibilité. Les dimensions de visible et d’invisible apparaissent finalement non comme duales mais complémentaires, elles sont un endroit et un envers, où l’invisible est la profondeur du visible. Nous supposons que cette réversibilité, c’est-à-dire un lien qui organise les opposés en manifestant en même temps leur interdépendance, montre comment l’esthétique baroque gouverne le cinéma bergmanienIn 1982, Ingmar Bergman had decided to stop making movies with a piece of work he considered as final – Fanny and Alexander. He didn’t quite keep his word, and kept directing TV works – which he had already started to do with Fanny and Alexander. A 5h40-long epic, a comprehensive piece of work and a cinematic pinnacle. Our research tries to understand the complexity of a piece of work enclosing all of the filmmaker’s motifs. We wish to study it through two notions: the visible and the invisible. These notions immediately question the present and the absent, the full and the empty, the conscious and the unconscious, the white– the color of transparency –, and red as representing the inside of the soul. It thus seems that the notions of visible and invisible probe a divided universe, reflecting a piece of work which, in its very narrative, brings into opposition the theater troupe and the bishop’s solitude, belief in fantasy and faith in God, childhood and old age, life and death, right and wrong, the river stream and the fire that burns “the devil”… Yet, we wish to go beyond this formal opposition to demonstrate its reversibility. Indeed, the dimensions of the visible and the invisible eventually appear as being complementary rather than dual: they represent one side and its reverse, the invisible is the visible’s depth. From our study of the paradigmatic duo “the visible and the invisible”, we assume a reversibility, i.e. a bond that both structures opposites and brings out their interdependence – thus showing how baroque aesthetics reign over Bergman’s cinema
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Pinto, Aurélie. "Les salles de cinéma d'art et d'essai : sociologie d'un label culturel entre marché politique et politique publique." Amiens, 2012. http://www.theses.fr/2012AMIE0026.
Full textAbstract:
Située au croisement de la sociologie économique, de la sociologie de la culture et de la science politique, cette thèse porte sur le label Art et essai. Elle vise à rendre compte de la spécificité d'un marché dans lequel un label de qualité fonctionne comme une mesure et un enjeu. La première partie, "Socio-histoire et topographie du label Art et essai" met au jour les principes concurrents de qualification sur le marché de l'exploitation cinématographique, entre considérations d'orde culturel, éducatif, industriel et politique. Deux enquêtes statistiques, l'une à partir de données sur les salles classées, l'autre à partir du parcours de films recommandés dans l'ensemble des salles françaises, confirment le caractère hétérogène des salles subsumées sous ce label et mettent en évidence des configurations locales de concurrence entre les établissements qui dessinent des marchés locaux de l'exploitation extrêmement variés. Une seconde partie, "Les marchés locaux de l'Art et essai", montre comment le label Art et essai se définit structuralement suir chacun de ces marchés concrets. A rebours d'une définition essentialiste du label, notre démarche vise à expliciter ses diverses acceptions en fonction de la structuration sociale des publics, de l'histoire de l'exploitation des territoires, et de la trajectoire sociale des exploitants. La salle Art et essai, alternativement salle "pointue", salle "indépendante", salle "de répertoire", salle "de proximité", salle de "prestige", "petite" salle, se définit moins alors par la programmation d'un canon esthétique que par une offre alternative, et toujours localement située, de biens culturelsThis dissertation adopts an interdisciplinary approach which combines economic sociology, sociology of culture and political science in order to study the "Art et essai" label. It aims at explaining the specificity of a market in which a quality label functions as amesurement and as a still open issue. The first part "Socio-history and topography of the 'Art et essai' label reveals the competing priciples at stake in the process of qualification on the market of cinematographic exploitation, in which are intertwined cultural, educational, industrial and political considerations. Two statistic surveys, one based on data relative to the labelled movie theatres, the other based on the itinerary of movie classified as "Art et essai" in French movie theatres show clearly the heterogeneity of the "Art et essai" movie theatres and highlight local configurations of competition between movie theatres which produce extremely variegated local exploitation markets. A second part, "Local markets of 'Art et essai' movie theatre demonstrates hox the 'Art et essai' label is defined structurally on its actual existing markets. Contesting an essentialist definition of the label, our approach here aims at explaining its different meanings according the social structuration of the audiance, the history of the exploitation in each territory, and the social trajectory of the movie theatres managers. The "Art et essai" movie theatre, considered it turns as "shapr", "independant", "small", "prestige", "repertoire" or "neighbourhood" movie theatre, is less defined through the programming of an aesthetic canon than through an alternative and always locally situated offer of cultural goods
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Neveux, Olivier. "Esthétiques et dramaturgies du théâtre militant : l'exemple du théâtre militant en France de 1966 à 1979." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100148.
Full textAbstract:
Ce travail s'intéresse aux enjeux esthétiques et à la fabrication dramaturgique de l'acte théâtral militant en France, de 1966 à 1979. Est défini comme acte dramatique militant " toute forme théâtrale inscrite dans une lutte dont elle souhaite être soit l'auxiliaire, soit l'instrument, soit l'une des actions " et qui s'ordonne en regard de combats concrets et présents. C'est en fonction de son hétéronomie référentielle (théorique ou concrète) que peut s'appréhender cet acte théâtral. Il convient dès lors d'étudier celui-ci dans les enjeux politiques qu'il se donne et qui interrogent ses processus de création, ses thèmes d'inspiration et ses réceptions. Trois niveaux d'apparition et d'application militante sont successivement distingués : d'une part, la séance théâtrale pensée comme manifestation politique, d'autre part, celui des dramaturgies en fonction du type de référents qu'elles se choisissent, et enfin, la production politique et esthétique de telles formesThis study focuses on the aesthetic stakes and on the dramatic art's achievements of the militant action in the drama which took place in France from 1966 to 1979. Should be considered as a militant dramatic action " any dramatic expression which, in support of a fight, aims at being either an helper, or an instrument, or one of its specific aspects " and which is structured alongside with the concrete and prescript fightings. The dramatic performance can only be understood in accordance with the heteronomy of its references (whether theoritical or dramatical). Then it has to be addressed in the light of political stakes, the making process, the inspiring topics and its receptivity. Three different levels of militant appearance and practice are successively examined : on one hand, the dramatic play as a political demonstration, on the orther hand the various forms of dramatic art depending on the selected references and lastly, the political and aesthetic achievements of such expressions
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Fritsch, Jocelyne. "Relations culturelles et théâtre : la France et la Bohême-Moravie : 1881-1994." Bordeaux 3, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR30036.
Full textAbstract:
Le theatre est un element fort dans l'etude des relations culturelles entre la france et la boheme-moravie. Le theatre tcheque a tenu dans la lutte pour la reconnaissance de l'identite nationale une place tres importante. Les fluctuations du repertoire y sont symptomatiques du cours de l'histoire. La periode etudiee englobe des sequences historiques diverses. La boheme-moravie bien plus que la france regit ce decoupage chronologique. De 1881 a 1945, l'echange theatral est surtout a sens unique, les techeques absorbant de larges pans de la culture theatrale francaise. De 1881 a 1918, le repertoire francais est parfois exploite de facon politique. De 1918 a 1938, les deux pays, allies, connaissent l'age d'or des echanges. Le debat theatral se porte sur le plan artistique. Pour ou contre la tradition theatrale francaise ? en france, la premiere percee d'un auteur tcheque se fait en 1924, avec r. U. R de k. Capek. De 1945 a 1989, les echanges sont tributaires des differends politiques. Au lendemain de la deuxieme guerre mondiale, la culture francaise semble retrouver une position privilegiee. De 1948 a 1954, il y a rupture nette des echanges. A prague, le theatre, "outil d'education du peuple", devient un enjeu politique. Le theatre francais, "imperialiste", est tres censure. De 1955 a 1968, les autorites communistes, dans l'elan de la destalinisation, prennent conscience de la derive du "realisme-socialiste". La naissance des theatres de poche donne de nouveaux reperes au theatre tcheque. On commence a reconnaitre la creativite tchecoslovaque en france, alors que les signes annonciateurs du printemps de prague mettent en emoi la scene politique. De 1968 a 1989, la "normalisation" tcheque impose des echanges officiels tres reglements et limites. Le repertoire tcheque fait en france, grace a la dissidence, une percee decisive. Avec la revolution de novembre 1989, la situation change. Les relations theatrales peuvent desormais se reconstruire. . .