Academic literature on the topic 'Cinéma – Grande-Bretagne – 1990-'

Au milieu des années 1990, le cinéma britannique était en plein essor. Les médias acclamaient les nombreux succès publics et critiques rencontrés par le cinéma britannique qui, pendant les années 1980, avait connu une période de marasme. Certains étaient cependant convaincus qu’il ne s’agissait que d’une phase qui allait s’essouffler rapidement, comme cela avait déjà été le cas par le passé. De fait, l’histoire du cinéma britannique est marquée par une succession de crises et de renaissances. Ce cinéma possédait un vivier d’artistes talentueux. Toutefois, pour que ceux-ci puissent s’épanouir et créer une diversité de films, l’argent était indispensable. Sans créativité, l’œuvre cinématographique ne peut exister. Néanmoins, pour que cette dernière puisse se concrétiser et être vue du public, elle nécessite d’importants investissements, financiers et humains, et dépend d’un système complexe. La « renaissance » du cinéma britannique ne fut donc pas imputable à une cause unique, mais l’étude de l’industrie cinématographique britannique et de son environnement permet d’apporter une explication à ce phénomène. L’étude de l’évolution des relations entre gouvernement et cinéma de la fin des années 1970 au milieu des années 2000 permet de mieux comprendre l’impact de certaines mesures gouvernementales sur le cinéma. Les mutations qui eurent lieu au sein des trois principaux secteurs de l’industrie cinématographique – production, distribution et exploitation – font partie aussi partie des facteurs essentiels qui ont contribué au nouvel essor du cinéma britannique
In the mid-1990s the British cinema was thriving. The media was enthusiastic about the many successes both with the public and critics which the British cinema met, especially as it had been in a slump in the 80s. However, some were convinced that it was just a phase which would soon run out of steam as had already happened before. Actually, the history of British cinema shows a succession of crises and rebirths. It had a pool of talented artists, but, for these to be able to blossom and create a great variety of films, it could not do without money. A film cannot exist if there is no creativity. However, in order for the film to materialize and be seen by the public, it relies on big investment, both financial and human. It also depends on a complex system. The renaissance of the British cinema is therefore not due to one factor but studying the British film industry and its environment helps to explain this phenomenon. Examining how the relationship between government and film from the late 70s to the mid-2000s helps one to better understand the impact of some government policies on the cinema. The changes that took place in the three main sectors of the film industry – production, distribution and exhibition – are also among the essential factors which contributed to the new rise of the British cinema

Le présent travail propose une ligne directrice qui permette d'entrer dans l'oeuvre complexe et foisonnante de Peter Greenaway. Il se concentrera sur l'oeuvre cinématographique de fiction de "The Draughtman's contract (1982) à "The Pillow Book" (1996). Il nous semble en effet que celle-ci est agencée selon une dualité fondamentale que traduit une fascination/répulsion vis-à-vis de la reproduction. Cette dualité est parfaitement illustrée dans le mode de reproduction sexuée, enfermant l'être humain dans l'antagonisme de la différence des sexes ainsi que dans le cycle biologique qui réunit naissance et mort. Mais la notion de reproduction est elle-même traitée par dichotomie. Au dualisme de la reproduction sexuée répond un monisme constitutif d'une reproduction purement "cérébrale", qui permettrait d'échapper au cycle biologique, niant proprement la dimension du temps. Cette dernière est une tentation constante chez les protagonistes masculins, d'autant qu'elle répond à leurs préoccupations artistiques. La tension établie par ces deux modes de reproduction conditionne non seulement la thématique, mais également les structures narratives, prises dans le double mouvement des répétitions internes et des références centrifuges, ainsi que l'exploitation du support cinématographique lui-même, lieu de tension entre l'établissement d'un ordre spatial dans un instant figé et le flux constant du déroulement filmique
The present study offers a guide line to enter the complex and profuse work of Peter Greenaway. It focuses on his fictional features, from " the Draughtsman's contract " (1982) to " the Pillow Book " (1996). We try to demonstrate that Greenaway's films are structured by an inherent dichotomy that is conveyed by a fascination /repulsion towards reproduction. This dichotomy is illustrated by sexual reproduction which confines humans in the antagonism of the sexes as well as in the biological cycle uniting birth and death. But the notion of reproduction itself is dealt with in a dual way. The duality of sexual reproduction is counterbalanced by a monism characterising a " cerebral " reproduction, which would allow humans to escape their biological cycle, thus denying time. This mental reproduction is a constant temptation for the male characters, the more so as it corresponds to their artistic preoccupations. However, the tension established by these two modes of reproduction conditions not only the set of themes, but also the narrative structures , which respond to the dual movement of inner repetition and outer references, as well as the medium of the cinema itself, which proves to be a place of tension between the establishment of a spatial order in a fixed moment and the constant flow of film progress

Cas à part dans le cinéma britannique contemporain, depuis 30 ans la société de production Working Title Films connaît un succès régulier sur la scène internationale. Son box-office cumulé se compte en milliards de dollars pour une centaine de longs métrages, qui lui ont valu des dizaines d'Oscars et de BAFTA, ainsi que quelques distinctions à Cannes, Berlin ou Venise. Ce succès attire pourtant les critiques de certains commentateurs, qui lui reprochent de se laisser submerger par les conventions du cinéma hollywoodien et de manquer d'ambitions culturelles, notamment à cause de son contrat avec la major Universal et de ses stratégies de distribution. Ils déplorent les représentations stéréotypées de la « britannicité » de certains de ses films, à l'instar des comédies de Richard Curtis ou de Rowan Atkinson. En effet, si Working Title a débuté avec un film audacieux, My Beautiful Laundrette (Stephen Frears, 1985), son premier grand succès commercial est Four Weddings and a Funeral (Mike Newell, 1994). Néanmoins, malgré leurs ambitions commerciales mondiales, Tim Bevan et Eric Fellner, les directeurs de Working Title, revendiquent leur britannicité et une « sensibilité européenne ». Celle-ci est concrétisée par un partenariat avec PolyGram Filmed Entertainment puis avec StudioCanal. Cette dimension transnationale – plutôt que transatlantique – n'est pas sans influence sur les films eux-mêmes, et concourt également à leur succès international. Plusieurs intrigues mettent même en scène des relations interculturelles. Les films affichent des stratégies de compromis entre spécificité culturelle et universalité, avec des équilibres changeants. En effet, on ne peut nier la diversité déconcertante de la filmographie, tant du point de vue des contenus culturels que du degré de créativité. Working Title collabore avec des réalisateurs britanniques d'horizons variés, comme Richard Curtis, Stephen Frears, Edgar Wright ou Joe Wright. De plus, elle franchit souvent les frontières nationales, essentiellement outre-Atlantique, en particulier grâce à son partenariat avec les frères Coen, mais aussi en Australie, en Afrique du Sud ou dans d'autres pays européens. Tout cela place donc Working Title au cœur des débats sur les enjeux du cinéma britannique actuel, concernant son identité (cinéma national / post-national), l'équilibre entre les aspects économiques et artistiques, les relations avec Hollywood, ou encore le rôle des politiques culturelles. Ainsi, cette thèse tâche de comprendre l'évolution et le succès de cette société phare du cinéma britannique, en s'attachant autant à l'étude de son fonctionnement (partenariats, développement, production, distribution) qu'à l'analyse textuelle de ses films
A unique entity in today's British film industry, production company Working Title Films has been responsible for many international hits since its creation in 1984. Its films have earned billions of dollars, and they have won many film awards, including dozens of Academy Awards and BAFTA Awards, but also accolades in Cannes, Berlin or Venice. Yet, some commentators criticize Working Title for being excessively influenced by Hollywood, hence lacking cultural ambitions. They blame the company's partnership with Universal and underline that some of its films broadcast a stereotypical view of Britishness, especially successful comedies by Richard Curtis, or the ones starring Rowan Atkinson. Indeed, the company's first film was My Beautiful Laundrette (Stephen Frears, 1985), a creative, committed film, but its more recent films tend to be more mainstream and its first international hit was Four Weddings and A Funeral (Mike Newell, 1994). However, Working Title seems to draw some of its strength from its British identity. Tim Bevan and Eric Fellner, the two producers behind Working Title, also defend its “European sensibility”. The latter is reinforced by a partnership with PolyGram Filmed Entertainment in the nineties, and then with StudioCanal. So it is a transnational rather than a transatlantic company. Its films are transnational too, and some plots even include intercultural relationships. They use various strategies to broaden their audience, such as crossover and polysemy, and they try to balance cultural specificity with universality. However, most importantly, one cannot deny the incredible diversity of the films – regarding both their national identity and their level of creativity. Therefore, Working Title offers a fascinating case study to learn more about the issues of British cinema, about its identity (national / post-national cinema), the balance between art and industry, its relationship with Hollywood, and the role of cultural policies. In other words, this dissertation will study the evolution of Working Title Films, focusing on its methods, its strategies and also on the textual analysis of its diverse films, as a way to investigate contemporary British cinema and its issues

L'introduction discute de l'oeuvre de Humphrey Jennings (1907-1950), les ouvrages le concernant, et sa méconnaissance relative en France. La première partie évoque la vie de Jennings, ses engagements artistiques et littéraires, y compris dans le surréalisme anglais, la fondation de Mass Observation et son oeuvre sur la révolution industrielle, Pandaemonium. La seconde partie traite de Jennings cinéaste, en commençant par une courte histoire du mouvement documentaire britannique et les premières expériences de Jennings au cinéma. Quand la Seconde Guerre mondiale éclate, Jennings s'engage totalement en réalisant des films de propagande. Mais, s'inspirant de la tradition anglaise, ses documentaires poétiques touchent profondément les peuples et remontent leur moral ; ils demeurent aujourd'hui l'un des témoignages les plus émouvants de cette époque. Suivent des analyses détaillées des films. Jennings est mort accidentellement en 1950, mais son travail d'après guerre est contesté. Certains pensent même que l'ensemble de son oeuvre n'a qu'un intérêt circonstanciel. Notre thèse montre que l'on en est loin et que l'oeuvre de Jennings poète peintre et cinéaste est une oeuvre inestimable
The introduction focuses on Humphrey Jennings' (1907-1950) accomplishments, and what studies have been done on him, and how he is relatively unknown in France. The first part evokes Jennings' life, his literary and artistic engagements, including the crucial roles he played in the British surrealist movement, the founding of Mass Observation and his compilation on the Industrial Revolution, Pandaemonium. The second part is about Jennings the filmmaker. It begins with a short history of the British documentary film movement and Jennings' first films. With the outbreak of the Second World War, Jennings devoted himself to making propaganda films. Drawing from British tradition, these poetic documentaries had a profound effect on civilians and raised their moral. Today, they remain the most moving and true accounts of that time. Detailed analysis of these films follow. Jennings died accidentally in 1950. But his work is underrated. Some critics even believing his reputation to depend solely on the exceptional circumstances of the war. This thesis assumes the total of Jennings' work as poet, painter and filmmaker in order to establish his place as major artist of the twentieth century

Entre 1979 et 1999, l'Ecosse connut des bouleversements politiques, économiques et sociaux qui soulevèrent des questionnements intenses quant à l'identité écossaise au sein de l'Etat britannique. Parallèlement, la littérature écossaise connut une période de créativité dont le dynamisme incita de nombreux commentateurs à parler d'une deuxième renaissance littéraire. Cette littérature, en privilégiant l'époque contemporaine et le cadre urbain, et en affichant ouvertement sa politisation, porte en elle ces interrogations identitaires. L'objet principal de cette thèse est donc d'étudier la manière dont la littérature contribue à fabriquer, à critiquer et à réinventer une identité nationale écossaise. S'appuyant sur des travaux considérant la nation comme le produit d'un discours façonné par la culture, y compris par la littérature, nous analysons la nature idéologique du texte littéraire. Sa dimension textuelle reste toutefois primordiale, car la signification sociale de l'œuvre de fiction ne se révèle qu'à travers l'étude de ses choix lexicaux, sémantiques et narratifs. Par exemple, c'est à travers la représentation de la folie, de la dépendance ou de l'exil que la littérature écossaise conteste le discours néolibéral dominant ou la hiérarchie sociolinguistique britannique. Malgré leur esprit contestataire, ces oeuvres ne se réduisent pas à une littérature à thèse, restant marquées par des tensions, des contradictions et des interrogations permanentes. En s'opposant à des identités anhistoriques et essentialistes, de nombreux auteurs font valoir la validité de l'identité écossaise tout en soulignant son caractère conventionnel, pluriel et ambigu
Between 1979 and 1999, Scotland experienced a period of political, economic and social upheaval which gave rise to intense debate about the nature of Scottish identity within the British state. At the same time, Scottish literature enjoyed a period of creativity and dynamism which led numerous commentators to talk of a second Scottish literary renaissance. This literature, by favouring urban settings and the contemporary era, and by openly displaying its politicisation, is a key locus for these questions of identity. The main objective of this thesis is therefore to study how literature contributes to the construction, criticism and reinvention of a Scottish national identity. Informed by works which consider the nation as products of discourse shaped by culture, and thus by literature, we seek to analyse the ideological nature of the literary text. Its textual dimension, however, remains vital since the social meaning of the work of fiction will only reveal itself through the study of its lexical, semantic and narrative choices. For example, it is through the representation of madness, dependence and exile that Scottish literature contests the dominant neo-liberal discourse or the British sociolinguistic hierarchy. Despite their often militant nature, these works can in no way be reduced to mere political pamphlets, as they remain marked by tensions, contradictions and ceaseless questionings. By confronting identities that are ahistorical and essentialist, many authors stress the validity of Scottish identity while, at the same time, stressing its conventionality, plurality and ambiguity

Etudiant d'un point de vue dynamique une population de firmes, les studios de prises de vues cinématographiques au Royaume-Uni et en France, la thèse analyse comment la structure de chaque organisation se construit, se maintient et évolue en regard des autres structures observables dans la population. Ce travail repose sur une description fine, a partir d'études de cas, des structures d'organisation des studios, c'est-à-dire des modalités exactes qui définissent le mode d'exploitation de plateaux de tournage de cinéma. Sur une très longue période, et bien que la technologie de production soit faiblement évolutive, les structures connaissent une très grande plasticité, allant de l'intégration complète des moyens au sein d'une seule entreprise de production de films a la location de plateaux de tournage nus, sans équipement ni personnel. La structure est analysee comme élément d'un processus de construction de la réalité a l'intérieur de l'organisation. Pour cela, elle s'appuie sur sa propre expérience, les expériences empruntées a des organisations qu'elle juge similaires, et les éléments qui contribuent a ce jugement de similarité. En se structurant de la sorte, l'organisation est amenee a partager avec des firmes proches une perception similaire de la structure d'organisation, de la technologie, de la localisation et des schèmes de fonctionnement des relations d'échange. Ces éléments constituent le paradigme sectoriel autour duquel se constitue un secteur industriel réunissant les firmes entre elles. Au sein de la population des studios, la stabilité relative des structures et leur homogeneite locale dominent sur de longues périodes et connaissent des ruptures brutales, indépendamment des facteurs technologiques, par métamorphose des firmes. La thèse démontre comment ce modèle constructiviste de l'organisation permet de rendre compte de la dynamique collective

Cette thèse porte sur le traitement du paysage sonore de la Grande-Bretagne de la Seconde Guerre mondiale dans la propagande britannique de la période. Plus précisément, nous nous intéressons à la façon dont le Ministère de l’Information chercha, pendant toute la durée du conflit, à contrôler l’environnement sonore de la Grande-Bretagne en guerre. Ce contrôle se traduisit, d’une part, par une tentative de neutralisation des sons de la guerre que le gouvernement, avec l’appui de la communauté scientifique, considérait comme délétères pour la santé physique et mentale des citoyens britanniques pendant le Blitz. D’autre part, les principes de propagande formulés par le gouvernement à compter du début du Blitz en particulier (septembre 1940) tels que le « People’s War » (la « guerre du peuple ») ou le « pulling together » (« tous dans le même bateau ») trouvèrent une illustration particulière dans la mise en avant de sons fédérateurs considérés comme typiques de la nation britannique.Le cœur de notre travail réside dans l’étude de la bande-son des films officiels de propagande commandés, produits ou sponsorisés par la Films Division du Ministère de l’Information. À compter du début de la guerre, l’unité documentaire britannique GPO (General Post Office) Film Unit fut intégrée au Ministère et renommée Crown Film Unit. Son rôle fut donc, tout au long de la guerre, aux côtés du Army Film Unit et des unités documentaires indépendantes – telles que le Shell Film Unit, Strand Film Company, le Realist Film Unit ou Spectator Short Films – de relayer les messages du gouvernement à travers des courts-métrages, des moyens-métrages ou des longs-métrages documentaires. Nous démontrons notamment que les principes de propagande chers au gouvernement – le « People’s War », le « pulling together », le « business as usual », etc. – ainsi que la mise en avant de la grandeur de la nation britannique et de son peuple et sa supériorité sur l’Allemagne nazie, se traduisirent dans le traitement de la bande-son de ces films et notamment dans une esthétique sonore créative. Notre étude de la bande-son des films documentaires officiels porte notamment sur le processus de « mise en musique » des sons de la nation et sur l’instauration d’un ordre musical au sein de sons disparates ainsi que sur l’établissement de constantes sonores encourageant le peuple britannique à résister face à l’adversité
This thesis deals with the treatment of the soundscape of World War II Britain in British propaganda of the period. More specifically, it focuses on how the Ministry of Information sought to handle Britain’s wartime sonic environment through the projection of propaganda messages and the control of information and cultural productions. This resulted, on the one hand, in an attempt to neutralize the sounds of war that the government, with the support of the scientific community, considered harmful to the physical and mental health of British citizens during the Blitz. On the other hand, the propaganda principles formulated by the government such as the “People’s War” or the idea that British people were “pulling together”, were specifically illustrated by several “aural icons” that were considered typical of the British nation. At the heart of my study lies the analysis of the soundtracks of official propaganda films commissioned, produced or sponsored by the Films Division of the Ministry of Information. From the beginning of the war, the British General Post Office (GPO) Film Unit was integrated into the Ministry and renamed the Crown Film Unit. Its role throughout the war was therefore, alongside the Army Film Unit and independent documentary units – such as the Shell Film Unit, Strand Film Company, Realist Film Unit and Spectator Short Films – to convey the government’s messages through short, medium and feature-length documentaries. What I demonstrate is that the government’s propaganda principles as well as their extolling of the British nation and its people, and of their superiority over Nazi Germany, were reflected in the treatment of the soundtrack of these films. Through a creative sound aesthetics, these films endeavoured to “harmonize” the sounds of the nation and establish a musical order within discrete sounds, as well as soundmarks encouraging the British people to resist in the face of adversity

Le cinéma mettant en scène des anglais d'origines indienne ou pakistanaise, se déroulant sur le territoire britannique et traitant de relations avec les habitants qu'ils soient anglais dits de souche, anglais issus de l'immigration ou de familles métissées est appelé British-Asian cinema. Quelle image moderne de la britannicité les films British-Asians propagent-ils? L'identité anglaise n'est pas liée à la couleur de la peau ou aux origines ethniques mais au sentiment d'être anglais et de partager une culture commune. Beaucoup de personnes issues de l'immigration se disent aujourd'hui anglaises comme cela a pu être expliqué dans le très surprenant documentaire "100% English". Ces diverses représentations transparaissent dans les médias et de façon claire et accessible dans les films. Le cinéma agit comme un moyen de propager dans le monde entier une image de la britannicité. C'est dans ce contexte de redéfinition identitaire britannique que le gouvernement de Tony Blair a misé sur le cinéma britannique et son développement dans toute sa diversité. Nous pouvons nous interroger sur ce qu'est cette représentation britannique, mais aussi anglaise, vu sous cet angle particulier du mélange culturel au cinéma. L'intégration, réussie ou non, les mariages forcés, la religion, les stéréotypes culturels britanniques et Asians sont autant d'obstacles à franchir pour affirmer une identité britannique. Certains anglais ne savent plus qui ils sont réellement, on en vient à faire des tests ADN pour évaluer son niveau d'anglicité et toute légitimité à être anglais. Il est étonnant d'observer qu'à l'inverse, ces nouveaux britanniques issus de parents indiens ou pakistanais, affichent souvent une identité britannique et anglaise claire, peut être même exacerbée et mieux définie.

Cette thèse pose la question du travail des examinateurs au travers des classifications britannique et française de films : au Royaume-Uni, le BBFC (British Board of Film Classification) est l’institution en charge de la classification des films ; en France, c’est la Commission de Classification des Œuvres cinématographiques qui s’en occupe. La problématique de ce sujet est : comment les pratiques des examinateurs et les évolutions sociales et institutionnelles ont façonné la création et le développement d’un critère langage au sein des systèmes de classification britannique et français ? En effet, selon les stéréotypes, ces classifications sont généralement mises en opposition : le BBFC est présenté comme une machine à compter les jurons, alors que la classification française est décrite comme étant libérale. Cette thèse vise à expliquer l’origine de ces stéréotypes et à mettre en lumière la place du critère langage au sein de ces classifications de films
This thesis wonders about the work of examiners within British and French filmclassifications: in the UK, the BBFC (British Board of Film Classification) is theinstitution in charge of film classification; in France, it is the Commission ofClassification of Cinematographic Works. The question here is: how have the work ofexaminers and institutional and societal evolutions shaped the creation and thedevelopment of a language criterion within British and French film classificationsystems? Indeed, stereotypically, those classifications are generally opposed: the BBFC is presented as a swearword-counting system, while the French classification is described as liberal. This thesis aims at explaining the origin of those stereotypes and at highlighting the true place of language within film classifications

Cette étude porte sur les films qui traitent du conflit politique nord-irlandais de 1968 à 1998 et elle entend mettre en lumière les relations entre le cinéma et l’évolution de ce conflit. Le cinéma, dans sa construction discursive, à sa travers sa voix indépendante et sa portée populaire, offre un véhicule unique pour l’exploration des Troubles et du processus de paix. Les films sur les Troubles, réalisés pendant cette période, abordent principalement l’IRA dans ses rapports avec l’Angleterre, tandis que les films sortis pendant le processus de paix reflètent la remise en question identitaire, avec entre autres, des membres de l’IRA qui, dans leur quête d’identité, se détournent de la violence politique. Les comédies qui datent du processus de paix dénoncent, de manière ironique, la violence politique des Troubles et illustrent l’espoir que génère ce processus en libérant progressivement l’Irlande du Nord de la violence. Ces films, réalisés pour la plupart pendant le processus de paix - qui repense les rapports anglo-irlandais et les relations entre les deux communautés en Irlande du Nord - se focalisent sur l’un des acteurs du conflit : la communauté catholique (les nationalistes et les républicains) et ses liens avec les Britanniques. Les rapports intercommunautaires sont peu abordés et la communauté protestante, relativement absente de l’image, n’est évoquée qu’à travers les loyalistes. Si ces films explorent principalement la perspective catholique, certains d’entre eux se concentrent sur les victimes catholiques d’événements particuliers des Troubles et ces films proposent une version alternative à l’histoire officielle, conférant au cinéma la fonction de source historique mais aussi de lieu de mémoire des victimes. Ainsi, le cinéma ne retranscrit pas seulement l’histoire de façon figée mais s’intègre dans l’évolution de la situation en Irlande du Nord
This study centres on films dealing with the political conflict in Northern Ireland from 1968 to 1998 and attempts to trace the relationship between cinema and this ongoing conflict. Through its discursive construction, its independent voice and its popular reach, cinema provides a unique vehicle for the exploration of the Troubles and the peace process. The films about the Troubles, shot during this period, look mainly at the IRA and its relationship with England. The films made during the peace process reflect the question of identity - a central facet of the peace process - by representing, for example, some members of the IRA engaged in the search for their identity turning away from political violence. The comedies - also made during the peace process - use irony to denounce the political violence of the Troubles and depict the hope that the peace process generates. These films, mostly shot during the peace process which reconsiders t! he East-West relations and the internal relations in Northern Ireland between the two communities, focus primarily on the catholic community [nationalists and republicans] in its relationship with the British. Intercommunal relations appear rarely in films and the protestant community, relatively absent from the screen, is represented almost exclusively by loyalist paramilitaries. Therefore these films display a certain interest for the catholic point of view and some of them concentrate on catholic victims of specific events of the Troubles and offer an alternative to the official version of history endowing cinema with a role as historical source and also as a space for the memory of the victims. Thus, cinema does not only retranscribe history in a static way but takes part in the changes going on in Northern Ireland