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Journal articles on the topic 'Cinéma japonais'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 22 June 2024

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1

Temenuga, Trifonova. "La Nouvelle Manga et le cinéma." ALTERNATIVE FRANCOPHONE 1, no. 10 (September 22, 2016): 100–115. http://dx.doi.org/10.29173/af28212.

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Abstract:

Cet article montre que concevoir des bandes dessinées (BD) est fondamentalement un processus narratif. Par conséquent, le tournant pris par la BD pour s’éloigner de la littérature en direction des arts visuels comme le cinéma a aussi été le fait des bédéistes qui ont adapté leur esthétique visuelle en recourant à des récits innovants: le "tournant visuel" n’est pas simplement un rejet du littéraire et des aspects textuels de la BD, mais également un réajustement vers de nouveaux récits non séquentiels (comme ceux de la nouvelle vague). C’est seulement de cette façon que l’on peut expliquer le paradoxe selon lequel l’intérêt autoproclamé de la nouvelle manga pour la narration plutôt que l’illustration ne s’aligne pas sur le postulat critique du "tournant visuel" depuis le début des années 1990. Dès lors, qualifier la nouvelle manga de « cinématique » revient à faire référence à la fois à des techniques visuelles particulières qui sont généralement associées au cinéma, mais aussi à un type particulier de narration qui est caractéristique de la nouvelle vague et du cinéma japonais. Il y a des similarités indéniables entre la structure narrative en épisode de la nouvelle vague et ce que David Desser appelle « le paradigme classique » du cinéma japonais, dont le meilleur exemple est le cinéma d’Ozu. Desser compare son mode narratif à ceux du théâtre Kabuki et des romans japonais. Les films d’Ozu perturbent la linéarité narrative, soulignent les manipulations spatiales, recourent à des ellipses temporelles, emploient une structure épisodique et évite les moments paroxystiques afin d’explorer la banalité de la vie quotidienne. Frédéric Boilet, auteur du manifeste de la Nouvelle Manga, préconisait l’utilisation par la nouvelle manga d’histoires ordinaires de la manga japonaise pour contrebalancer l’emphase excessive sur l’illustration qu’il trouvait typique de la BD française. Paradoxalement, cependant, l’incorporation d’histoires de la vie quotidienne n’a pas résulté en un surcroît d’importance accordée à l’histoire; bien au contraire: en fait, la narration relâchée et épisodique de la nouvelle manga, voire sa quasi-absence, a servi à recentrer l’attention sur le plan visuel.

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2

Tessier, Max. "Les éclats du cinéma japonais." 1895, no. 37 (July 1, 2002): 117–31. http://dx.doi.org/10.4000/1895.234.

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3

Chen, Shaopeng, and Yilun Ji. "Originality, Imitation, and Re-indigenization: Kuiba: Z (2011) as a Culturally Hybrid Animated Film." Canadian Journal of Film Studies 31, no. 1 (April 1, 2022): 105–26. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2019-0003.

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Abstract:

Le présent article analyse Kuiba : Z (Wang Chuan, 2011), un long métrage d’animation chinois en 2D, dessiné à la main, et premier volet de la série d’aventures Kuiba, déclinable en cinq parties. Au cours des deux dernières décennies, la question de l’originalité a taraudé les esprits dans le milieu du cinéma d’animation chinois, et Kuiba : Z ne fait pas exception. Bien que les personnages de Kuiba : Z présentent de nombreuses similitudes avec leurs homologues japonais dans les mangas et les dessins animés pour jeunes garçons, en ce qui concerne la composition visuelle et la personnalité, ces similarités ne signifient pas que Kuiba : Z constitue une imitation du cinéma d’animation japonais. Cet article soutient que Kuiba : Z représente plutôt une œuvre culturellement hybride, à cheval entre les approches chinoises et japonaises de l’animation dans le contexte du mouvement de ré-indigénisation de la production d’animation chinoise. Ce film est emblématique de l’application de l’iconographie chinoise traditionnelle et moderne, en particulier dans sa construction du monde imaginaire de Yuan Yang.

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Durafour, Jean-Michel. "Matatabi : vers le cinéma japonais contemporain de fiction." Cités 27, no. 3 (2006): 85. http://dx.doi.org/10.3917/cite.027.0085.

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5

Arnaud, Diane. "L’attraction fantôme dans le cinéma d’horreur japonais contemporain." Cinémas 20, no. 2-3 (January 7, 2011): 119–41. http://dx.doi.org/10.7202/045147ar.

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Abstract:

Le cinéma d’horreur japonais contemporain a provoqué depuis dix ans un renouvellement du genre des films de fantômes. L’auteure aborde ce phénomène en se penchant, par l’analyse de séquences, sur un mode d’adresse spectatorielle : l’attraction-fantôme. La notion proposée prend en compte à la fois l’effroi spectaculaire et l’effet spécial de l’apparition lié à la tradition culturelle du théâtre nô et du théâtre kabuki. Elle se rattache à certains aspects (autonomie par rapport à la narration, « émotion choc ») de la théorie des attractions, d’Eisenstein à Gunning. La mise en scène des confrontations et des déplacements fait jouer aux victimes le rôle du spectateur en état de choc. Cependant, les films contemporains intègrent également des mises en série et en réseau des images de fantômes. Le caractère répétitif des apparitions implique une construction diégétique sur le mode de la hantise, de la disparition et de l’oubli. Le champ d’attraction des spectres menace-t-il pour autant l’identité du sujet dans un contexte où les images circulent par voie technologique ? L’attrait contemporain pour le cinéma d’horreur japonais crée plutôt un lien entre esthétique et Histoire : la réémergence de traumas saisie à travers la visibilité des fantômes, déjà apparus, déjà disparus.

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Capel, Mathieu. "Introduction. Notes sur le paysage contemporain du cinéma japonais." Ebisu, no. 59 (March 15, 2022): 9–22. http://dx.doi.org/10.4000/ebisu.6609.

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Durafour, Jean-Michel. "Sur quelques avatars envisageables du katsuben dans le cinéma japonais des années 1930." Cinémas 20, no. 1 (February 17, 2010): 45–65. http://dx.doi.org/10.7202/039266ar.

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Abstract:

Résumé Le dispositif cinématographique japonais muet est dominé par un personnage singulier, le katsuben, ou benshi, le terme désignant et un individu et une fonction narrative et déictique attachés au « commentaire des films ». Le présent article y revient en détail, posant à nouveau des questions tenant à sa place complexe au croisement de l’histoire japonaise des modes de représentation et d’une certaine influence occidentale. Parmi ces questions, la plus dirimante consiste à demander si le katsuben a plutôt été, du fait de son inscription apparente dans une tradition artistique caractérisée par l’anti-illusionnisme, un frein au développement d’un idiome filmique, subordonnant l’image au mot, ou si sa présence, en un sens « rassurante », n’a pas pu favoriser des inventions, tant du point de vue des formes que de la conduite des récits, ayant mené à une meilleure maîtrise des moyens propres au cinéma. Ce texte prend part à ce débat à partir d’une possibilité différente. N’est-il pas envisageable, et sous quelles conditions, que le rôle du katsuben ait été si crucial que, malgré sa disparition effective en tant que figure avec l’arrivée du parlant, plusieurs attributs de sa fonction aient transhumé dans les films sur un mode plus idiosyncrasiquement audiovisuel ?

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8

Feith, Michel. "La réorientation du cinéma japonais pendant l’occupation américaine (1945-1952)." Revue Française d'Etudes Américaines 53, no. 1 (1992): 223–31. http://dx.doi.org/10.3406/rfea.1992.1470.

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9

Câmpean, Flaviu Victor. "Les femmes démons et leurs mascarades – quelques symptômes du cinéma japonais." Studia Universitatis Babeș-Bolyai Philosophia 65, no. 1 (February 20, 2020): 95–105. http://dx.doi.org/10.24193/subbphil.2020.1.08.

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10

Barrois, Quentin. "Programme esthétique liminaire et passage du mobile à l'immobile." Transcr(é)ation 2, no. 1 (March 14, 2023): 1–23. http://dx.doi.org/10.5206/tc.v2i1.15552.

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Abstract:

Dans le monde japonais de la production de bande dessinée, les manga à succès passent automatiquement de la page à l'animation. Les génériques d'ouverture et de fermeture de la série animée Jojo's Bizarre Adventure (David Production, 2012-2022) portent les traces de ce processus d'adaptation, qui malgré l'origine graphique commune, n'est pas sans poser des problèmes esthétiques. Ces génériques, qui prennent en charge le passage de l'inerte au mobile - dans la tradition de ceux du cinéma, doivent présenter l'adaptation comme telle - ses propositions esthétiques - et sont également impliqués dans la narration de l'œuvre, qui exerce des altérations sur eux en retour.

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Mahmoudian, Eléonore. "Le collectif Kuzoku et le cinéma indépendant japonais au tournant des années 2010." Ebisu, no. 59 (March 15, 2022): 125–51. http://dx.doi.org/10.4000/ebisu.6884.

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Auby, Philippe, and Anne-Laure Simonnot. "Représentations de la Seconde Guerre mondiale dans le cinéma japonais (de Kon Ichikawa)." Annales Médico-psychologiques, revue psychiatrique 175, no. 1 (January 2017): 66–69. http://dx.doi.org/10.1016/j.amp.2016.11.005.

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Grange, Marie-Françoise. "Le film pour mémoire : sur H Story (Nobuhiro Suwa, 2000)." Hors dossier 21, no. 2-3 (August 11, 2011): 171–83. http://dx.doi.org/10.7202/1005589ar.

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Abstract:

H Story (Nobuhiro Suwa, 2000) propose, d’une part, le tournage d’un remake de Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959) et, d’autre part, met en scène l’impossibilité d’une telle réalisation. Cette tentative d’imitation, d’un film par un autre, incapable d’aboutir, dérive alors de variations en réécriture du film source. Le film japonais creuse une sorte d’espace intermédiaire dans lequel entrent en résonance l’écho des formes, des mots, des cadres, l’écho des écritures de deux films distincts appartenant à des époques différentes. C’est donc par la mise en perspective du film de Resnais, devenu son modèle et son référent, que le film de Suwa questionne sa propre contemporanéité ainsi que l’héritage reçu de l’histoire du cinéma et, ce faisant, questionne la responsabilité qu’il porte face à l’Histoire.

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Guïoux, Axel, Evelyne Lasserre, and Jérôme Goffette. "Cyborg : approche anthropologique de l’hybridité corporelle bio-mécanique." Anthropologie et Sociétés 28, no. 3 (September 12, 2005): 187–204. http://dx.doi.org/10.7202/011289ar.

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Abstract:

Résumé Lorsqu’on s’intéresse à la question de l’hybridité, en particulier corporelle, l’image du cyborg est incontournable. Cette figure de la science-fiction nous invite à interroger les complexes liens qui unissent le corps et la machine. Dans cette rencontre du mécanique et du biologique, il est à la fois un symbole d’une redéfinition de la vie humaine et une cristallisation de fascination ou de répulsion. Partant des exemples proposés par le cinéma d’animation japonais, cet article vise à dégager différentes thématiques de l’hybridité, différents aspects de ces expériences fictives. Créature de simulacre, être de monstruosité, produit surpuissant d’un dérèglement social et scientifique, chose informe débordant d’une identité close et unifiée, les images du cyborg révèlent sa grande labilité métaphorique. Plus qu’une simple forme émergeant de constructions fabuleuses, il nous parle aussi du sens que les sociétés modernes attribuent au corps technicisé.

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Wen, Hao. "Le cinéma japonais indīzu et la fabrique néolibérale de l’auteur et de l’autrice : l’exemple de MOOSIC LAB." Ebisu, no. 59 (March 15, 2022): 211–40. http://dx.doi.org/10.4000/ebisu.7119.

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Ross, Julian. "Site et spécificité dans le cinéma élargi japonais : l’essor de l’intermedia à la fin des années 1960." Décadrages, no. 21-22 (December 15, 2012): 81–95. http://dx.doi.org/10.4000/decadrages.678.

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Gerow, Aaron. "Spectateurs combattants. La réception du cinéma japonais dans la Sphère de coprospérité de la Grande Asie orientale." Ebisu 30, no. 1 (2003): 35–54. http://dx.doi.org/10.3406/ebisu.2003.1329.

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Daniellou, Simon. "Sur l’ero-guro-nansensu dans le cinéma d’exploitation japonais à travers le cas de Horrors of Malformed Men (Teruo Ishii, 1969) d’après Edogawa Ranpoles : les déviances grotesques d’une société policée." EPISTÉMÈ 27 (June 30, 2022): 3–20. http://dx.doi.org/10.38119/cacs.2022.27.1.

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Zernik, Clélia. "Mésologie du cinéma : la perspective japonaise." Cités N° 77, no. 1 (2019): 61. http://dx.doi.org/10.3917/cite.077.0061.

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Lévêque, Samuel. "Entre fan service, machinerie commerciale et vision d’auteur." Transcr(é)ation 2, no. 1 (March 14, 2023): 1–16. http://dx.doi.org/10.5206/tc.v2i1.15644.

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Abstract:

Si la longue histoire des mangas et de l’animation japonaise débutent au début du XXe siècle, l’industrie du manga en tant que telle n’émerge qu’après la Seconde Guerre Mondiale, dans le cadre de la reconstruction du pays. La renaissance du cinéma nippon dans les années 50, l’arrivée du téléviseur dans les foyers dans les années 60 et la naissance progressive d’une industrie de haute technologie vont conduire les éditeurs de mangas à investir le domaine de l’image via des adaptations télévisées, puis via des films d’animation produits localement. Événement initialement rare et prestigieux, l’adaptation d’un manga en film d’animation tiens désormais du fait routinier pleinement intégré dans la stratégie transmédia des grandes sociétés de divertissement japonaises. Une stratégie qui, si elle est la plupart du temps réduite à la production d’œuvres mineures voire à de simples remontages de séries télévisées animées, a pu conduire de nombreux cinéastes de talents (Mamoru Oshii, Mamoru Osoda…) à faire leurs preuves. De plus, de nouvelles méthodes d’adaptations de mangas, alternant séries télévisées et films, se multiplient à mesure que se brouille la frontière entre petit et grand écran.

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Guimarães, Pedro Maciel, and Pedro Tinen. "As dimensões políticas da reflexividade épica em O Enforcamento." Revista ECO-Pós 23, no. 2 (November 21, 2020): 305–29. http://dx.doi.org/10.29146/eco-pos.v23i2.27635.

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Abstract:

Este artigo examina a maneira com que O Enforcamento (Nagisa Oshima, 1968) emprega a reflexividade crítica e técnicas de anti-ilusionismo, componente do projeto político particular à geração sessentista do cinema moderno japonês, como instrumentos integrantes à formulação do pensamento historiográfico da noção de um ‘cinema nacional' japonês. Busca-se entender a diferença entre os regimes “representacionais” e “apresentacionais”, presentes na história das formas artísticas, e como o cinema japonês, por sua relação direta com a prática teatral daquele país, estabelece relações diretas com o regime apresentativo, sendo uma exceção na historiografia do cinema mundial.

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Viana, Maria Schtine. "A palavra em movimento no filme O Intendente Sansho, de Kenji Mizoguchi." Significação: Revista de Cultura Audiovisual 45, no. 50 (July 4, 2018): 204. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-7114.sig.2018.142283.

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Abstract:

Por meio deste ensaio, pretende-se estabelecer uma relação entre a literatura e o cinema a partir da leitura de cenas e efeitos sonoros do filme Sanshô Dayû (O Intendente Sansho, 1954), do cineasta japonês Kenji Mizoguchi, posto que o roteiro do filme foi escrito a partir de novela homônima de Ogai Mori. Para tanto se destacará a importância da articulação entre a nomeação das personagens e a palavra (cantada e escrita) na montagem desse clássico do cinema japonês.

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Centeno Martín, Marcos. "¿Es el cine japonés un cine nacional?" Studium, no. 23 (August 13, 2018): 245–72. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_studium/stud.2017232597.

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Abstract:

Resumen La construcción del cine japonés como cine nacional ha partido a menudo de una visión esencialista que ha ignorado la dimensión transnacional de esta filmografía. Por un lado, el descubrimiento occidental de ciertos autores japoneses en los años cincuenta condujo a la articulación del paradigma del cine nacional japonés a partir de películas dirigidas a asombrar al público europeo con imágenes exóticas de Japón. Los grandes maestros, Kurosawa, Mizoguchi y Ozu fueron escogidos como representantes de una supuesta japonesidad cinematográfica ignorando el peso de Occidente en sus obras. Por otro lado, el estudio de este corpus tradicionalmente ha evolucionado con herramientas teóricas desarrolladas en Occidente y necesita renovarse con conceptos de la tradición cultural, estética y filosófica propia. Pero además, es necesario evaluar cómo se implementaron los elementos del lenguaje fílmico en Japón para entender su relativismo respecto a la historia general del cine. Sus usos y formas no siempre han coincidido con los desarrollos occidentales, de forma que conceptos fílmicos occidentales no han tenido exactamente el mismo significado en el contexto japonés. Palabras clave: cine japonés, cine nacional, transnacionalidad teoría fílmica, cine de postguerra Abstract The construction of Japanese cinema as a national cinema has often drawn on a essentialist vision neglecting the transnational nature of this filmography. On the one hand, the Western discovery of certain Japanese authors in the fifties triggered the articulation of the paradigm of the Japanese “national cinema” from films aiming to astonish European audiences with exotic images of Japan. The great masters, Kurosawa, Mizoguchi and Ozu, were chosen as main representatives of the apparent cinematographic japaneseness neglecting the weight of the West on their works. On the other hand, the study of this corpus has been traditionally evolved with theoretical tools developed in the West and need a renewal with concepts taken from Japanese philosophical, aesthetic and cultural tradition. Moreover, it is necessary to assess how the film language elements were implemented in Japan in order to understand its relativism regarding the general film history. Their usages and forms were not always equivalent to those in the West and as a consequence, Western concepts ended up having different meanings in the Japanese context. Key words: Japanese cinema, national cinema, transnationality, film theory, postwar cinema

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Misawa, Mamie. "La réception du cinéma à Taiwan sous domination coloniale japonaise : une « assimilation par confrontation »." Ebisu, no. 53 (December 10, 2016): 203–35. http://dx.doi.org/10.4000/ebisu.1923.

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Rizzatti, Luísa, and Cida Golin. "Franz Kafka no cinema animado." Novos Olhares 8, no. 2 (December 6, 2019): 43–55. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-7714.no.2019.154512.

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Abstract:

Por meio do diálogo comparado entre audiovisual e literatura, este artigo analisa o conto Um médico rural, de Franz Kafka, e a sua adaptação para o cinema a partir da animação homônima criada pelo japonês Koji Yamamura. O objetivo central é compreender e investigar como as características narrativas e a atmosfera criada no fantástico de Kafka são trabalhadas na animação. Através da análise fílmica, verificamos que os principais recursos utilizados foram as deformações gráficas no desenho das personagens, o exagero nos gestos, a ênfase no modo de se movimentar das figuras, as abruptas mudanças de acelerações e uma colorização com tons frios e amarelados. A ambientação sonora perturbadora do violino e do piano e as interpretações vocais dos dubladores japoneses foram cruciais para recriar o fantástico kafkiano no audiovisual animado sob um novo olhar.

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Cánepa, Laura Loguercio, and Rogério Ferraraz. "Espetáculos do medo: o horror como atração no cinema japonês." Revista Contracampo, no. 25 (January 20, 2013): 4. http://dx.doi.org/10.22409/contracampo.v0i25.285.

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Abstract:

Dentro da variada gama de filmes vindos da Ásia oriental, uma das mais influentes contribuições é a do cinema de horror desenvolvido no Japão a partir da segunda metade dos anos 1990, cuja inserção internacional fez com que, no Ocidente, fosse criado um “selo” para designá-lo: o “J-Horror”. Porém, o alcance dessa produção vai muito além de um simples selo ou abreviatura. Este artigo pretende traçar algumas reflexões sobre o horror cinematográfico contemporâneo a partir da experiência japonesa, colocando em destaque o caráter espetacular e de atração do gênero, notório nessa produção enraizada em tradições teatrais. Como objeto específico para a discussão, o texto se concentra no subgênero tradicional do horror japonês do “espírito vingativo” (onryou), que deu origem ao mais famoso exemplar do J-horror no Ocidente: Ringu – O Chamado (Ringu, Hideo Nakata, 1998).

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Rodrigues, José Fioroni. "Panorama geral do cinema japonês e sua época de ouro." Revista USP, no. 27 (November 30, 1995): 164. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-9036.v0i27p164-169.

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Mello, Jamer Guterres de, and Yasmin Brigato de Angelis. "O cinema do vazio de Yasujiro Ozu." INTERIN 28, no. 1 (December 28, 2022): 84–100. http://dx.doi.org/10.35168/1980-5276.utp.interin.2023.vol28.n1.pp84-100.

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Abstract:

Este artigo propõe uma breve análise dos planos vazios na obra do cineasta japonês Yasujiro Ozu. Busca-se debater como tal conjunto de planos constrói ambiguidades que suspendem o fluxo de continuidade da narrativa, e como podemos elucidar a importância desse cinema “disruptivo” de Yasujiro Ozu. Por meio das diferentes composições e funções empregadas, a intenção é refletir sobre como o Estilo Ozu proporciona o surgimento de uma nova imagem, que se opõe a imagem produzida pelo cinema americano. Para contextualizar as discussões, utilizaremos o conceito de imagem-tempo (1990) definido pelo filósofo Gilles Deleuze, procurando sistematizar a descrição dos planos vazios nos filmes de Ozu. Para tanto, utilizamos como método a análise fílmica e, como objeto de análise, os filmes Pai e Filha (Banshun, 1949) e Era uma vez em Tóquio (Tōkyō Monogatari, 1953).

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Capper, Maria Gabriela, and Pedro Luis Alves de Souza Viana. "WAYFINDER: UMA VIAGEM ANIMADA PELA TERRA DA POESIA GERADA PELA INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL." Revista GEMInIS 14, no. 3 (December 30, 2023): 160–72. http://dx.doi.org/10.14244/2179-1465.rg.2023v14i3p160-172.

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Abstract:

O desenvolvimento tecnológico acelerado está remodelando diversos aspectos da vida contemporânea, desafiando a sociedade a integrar o mundo físico e o digital. No campo do cinema e do audiovisual, as tecnologias digitais têm impulsionado a criação de formas cinemáticas diversas e interativas. Autores como Jeffrey Shaw destacam a interatividade digital como uma nova dimensão no processo criativo. A relação entre cinema e jogos digitais é evidente, com influências mútuas ao longo do tempo. O artigo analisa o art game Wayfinder, explorando como a inteligência artificial foi empregada em sua criação, conectando os conceitos de cinema digitalmente expandido e artemídia, e investiga seu potencial no campo da educação. Wayfinder, inspirado no haikai japonês, convida os jogadores a restaurar o equilíbrio da natureza, oferecendo uma experiência única e imersiva. Utilizando algoritmos generativos, inteligência artificial e mineração de dados, o jogo é uma ferramenta educativa envolvente, capaz de despertar reflexões sobre o meio ambiente através de poesia. Considerando o potencial transformador da ludicidade na educação, Wayfinder emerge como uma ferramenta pedagógica inovadora, promovendo uma aprendizagem significativa e interdisciplinar.

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Viana, Fausto, and Rosane Muniz. "Figurino: traje de cena: um negócio na (da) China." dObra[s] – revista da Associação Brasileira de Estudos de Pesquisas em Moda 6, no. 13 (January 24, 2013): 36. http://dx.doi.org/10.26563/dobras.v6i13.134.

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Abstract:

Não é de hoje que o teatro do Ocidente busca inspiração no teatro oriental. Da Índia, vieram as fortes apresentações de Kathakali e outras formas antigas de teatro e dança. Isso sem contar a febre dos filmes de Bollywood, que inspiraram obras como o filme Moulin Rouge (2001). Do Japão, os conhecidos e respeitados teatros Nô, Kabuki, Kyogen e o teatro de bonecos Bunraku, além de outras tendências mais contemporâneas, como o Butô, do qual Kazuo Ohno é o representante máximo. Do cinema japonês, é impossível não citar Akira Kurosawa (1910-1998) e obras dirigidas por ele, como Rashomon (1950), Os Sete Samurais (1954), Sonhos (1990) e Madadayo (1993) (...)

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De Sousa, Marcel Farias. "O CAMINHO-VIA MARCIAL NO CINEMA JAPONÊS: ESTUDOS SOBRE A REPRESENTAÇÃO DO BUDŌ EM SANSHIRO SUGATA E KURO OBI." Movimento (ESEFID/UFRGS) 19, no. 2 (April 8, 2013): 327. http://dx.doi.org/10.22456/1982-8918.32665.

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Abstract:

Este trabalho objetiva realizar uma reflexão sobre a presença do Budō no cinema japonês. Para tal, escolheu-se a metodologia de análise de filmes proposta por Penafria (2009). Como procedimento complementar, foram escolhidas duas obras cinematográficas japonesas de distintos momentos: Sanshiro Sugata (1943) e Kuro Obi (2007), mas que retratam o período histórico de intensas transformações desta sociedade, demarcados pelo período Meiji (1868-1912), Taishō (1912-1926) e Shōwa (1926 até o presente). Diante da apropriação parcial, centrada na dimensão técnica-estética das práticas marciais orientais, considerou-se que estas obras demonstram os princípios éticos-filosóficos presentes no judō e karate dō formados pela religiosidade e moralidade que sustentavam a sociedade japonesa daquele período e que legitimam os elementos constituintes da identidade nacional deste país.

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Zerbib, Olivier. "De Wolfenstein à Half-life : les canons du jeu de combats." Protée 30, no. 1 (July 16, 2003): 29–37. http://dx.doi.org/10.7202/006696ar.

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Abstract:

Résumé Le marché du jeu vidéo, dominé par les productions américaines et japonaises, passe pour être la sphère la plus dynamique en matière de développement de logiciel, offrant à ses consommateurs des créations à la fois variées et constamment renouvelées. Malgré leur courte histoire, certains secteurs de ce marché accouchent de produits aux formats étonnamment stables. C’est notamment le cas des jeux d’action en trois dimensions qui se caractérisent par le recours à des dispositifs narratifs relativement homogènes d’une production à l’autre, homogénéité qu’il ne paraît pas possible d’imputer uniquement à la simplicité du concept de jeu sur lequel ils reposent. La constitution de ce genre de jeux pourrait donc être analysée comme une série de transpositions créatrices, d’un titre à un autre, mais également comme un processus d’importation de modèles narratifs en vigueur dans d’autres formes culturelles plus traditionnelles, telles que la lecture ou le cinéma. De ce fait, l’activité interprétative des publics de ces jeux n’est sans doute pas aussi univoque que la standardisation des formats le laisserait supposer.

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Maciel, Maria Esther. "Julio Bressane, Peter Greenaway e Haroldo de Campos." Aletria: Revista de Estudos de Literatura 8 (March 2, 2018): 53–59. http://dx.doi.org/10.17851/2317-2096.8..53-59.

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Resumo: São Jerônimo teve que reinventar o latim para traduzir a Bíblia diretamente da língua hebraica, causando efeitos de estranhamento em seus contemporâneos e inaugurando uma nova concepção da arte de traduzir. No cinema contemporâneo, pelo menos dois cineastas trouxeram à tela a figura do santo tradutor: Julio Bressane, em São Jerônimo, e Peter Greenaway, em O livro de cabeceira. No caso deste, a evocação de Jerônimo entrelaça-se obliquamente, através do protagonista Jerome, à de um tradutor importante para a poesia de língua inglesa do século XX: Arthur Waley, o primeiro a traduzir para o inglês o clássico japonês O livro de cabeceira, de Sei Shonagon. No Brasil, Haroldo de Campos marca a confluência dessas duas vertentes: a da tradução criativa da poesia oriental e a da reescrita – na trilha aberta por São Jerônimo – de fragmentos da Bíblia a partir do original hebraico.Palavras-chave: São Jerônimo; tradução criativa; cinema contemporâneo.Abstract: St. Jerome had to re-invent Latin in order to translate the Bible directly from Hebrew. In doing so, he created a new conception of the art of translation. In the contemporary cinema, at least two filmmakers brought to the screen the figure of the saint-translator: Julio Bressane, in São Jerônimo, and Peter Greenaway, in The pillow book. In the case of the latter, the evocation of St. Jerome is obliquely interwoven, through the protagonist Jerome, with a prominent British translator, Arthur Waley, who was the first to translate into English the Japanese classic The pillow book by Sei Shonagon. In Brazil, Haroldo de Campos represents the convergence of these two approaches to translation: the “transcreation” of Oriental poetry and the re-writing of the Bible from the Hebrew, as St. Jerome did.Keywords: St. Jerome; creative translation; poetry; contemporary cinema.

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Garcia, Demian. "Entre les bruits et la musique." Filigrane 27 (September 2022). http://dx.doi.org/10.56698/filigrane.1323.

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Le cinéma japonais entretient un rapport particulier au son et à la musique lié à sa culture, et le cinéma contemporain reste marqué par ce lien historique. Nous retrouvons une influence directe des codes musicaux du théâtre traditionnel dans l’écriture sonore des films de fantôme. Pour mieux comprendre cette écriture sonore propre aux films de fantôme japonais, il faut revenir au cinéma classique et remonter jusqu’au théâtre kabuki. D’abord, nous allons nous concentrer sur le symbolisme de la musique dans les pièces de fantôme ; puis, voir comment ce symbolisme apparaît dans le cinéma classique. Enfin, analyser comment il se transforme et se mélange aux effets sonores dans le cinéma contemporain. La musique s’est muée en couches sonores qui naviguent entre des bourdons, des grincements, des craquements, les sons de la nature et ceux qui dérivent de la technologie. Bien que les éléments sonores dans ces films soient les mêmes que ceux du cinéma occidental, son utilisation est très différente. Les films japonais perpétuent, dans leur relation au son, une tradition qui remonte au théâtre kabuki, où les frontières entre musique et son étaient déjà brouillées.

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Beth, Suzanne. "Le cinéma d’Ozu et les images animées comme tiers destructeur." inclure (le tiers), no. 21 (December 2, 2013). http://dx.doi.org/10.7202/1020624ar.

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Ce texte s'intéresse aux films du cinéaste japonais Yasujirô Ozu et particulièrement à Gosses de Tokyo (1932) dans la mesure où ils permettent de caractériser la manière dont le médium cinématographique peut se constituer comme tiers destructeur. Cette destructivité tient à une logique de séparation dont l'enjeu est la communauté. Cette étude permet ainsi de distinguer entre deux potentialités du cinéma, qui peut également se faire tiers « côtoyant », et ainsi affronter la destructivité du médium.

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Carluccio, Daniele. "Cultisme et transhumanisme : autour de Ghost in the Shell." Vers un neuro-imaginaire, no. 44 (February 12, 2024). http://dx.doi.org/10.35562/iris.3682.

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Le présent article pose la question de la conjonction du cultisme et du transhumanisme : comment se fait-il que bien des films abordant le thème du transhumanisme sont devenus des objets culte ? Pour y répondre, il faut d’abord circonscrire le phénomène du cultisme tel qu’il est apparu au xxe siècle dans les salles de cinéma, depuis ses origines avant-gardistes et contre-culturelles jusqu’à la vogue du cinéma d’animation japonais. Il faut aussi considérer les caractéristiques formelles de l’objet culte, notamment son aspect fragmentaire, en rediscutant la théorie d’Umberto Eco. Le propos peut ensuite se focaliser sur le film culte Ghost in the Shell, dont l’adaptation en prises de vue réelles date de 2017. L’accueil mitigé fait à cette adaptation, plus encore que le film lui-même, offre un terrain d’investigation idéal car il fait saillir certains traits du public cultiste, comme l’intellectualisme et l’exotisme. Enfin, une scène du film est retenue et commentée au moyen de la notion de moment de vérité développée par Roland Barthes, afin de penser la dimension adolescente et mélancolique de l’imaginaire culto-transhumaniste.

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Daniellou, Simon. "Quand les studios dominaient le cinéma japonais au tournant des années soixante :un même répertoire au service de stratégies concurrentielles." Mise au point, no. 10 (January 15, 2018). http://dx.doi.org/10.4000/map.2528.

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Kerniski, Matheus. "DICIONÁRIO PARTICULAR DO CINEMA JAPONÊS." HATARI! Revista de Cinema 3, no. 3 (March 31, 2023). http://dx.doi.org/10.33871/26750783.2016.3.3.3002.

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Motta, Sérgio Vicente, and Aparecida do Carmo Frigeri Berchior. "A CONFLUÊNCIA DE GÊNEROS NO FILME DARK WATER, DE WALTER SALLES JR." CASA: Cadernos de Semiótica Aplicada 10, no. 2 (December 18, 2012). http://dx.doi.org/10.21709/casa.v10i2.5576.

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Dark Water é o título da tradução de um conto, “Floating Water”, do livro originalmente publicado no Japão, Honogurai mizu no soko kara, de Koji Suzuki, que o diretor japonês Hideo Nakata transpôs para o cinema e o diretor brasileiro Walter Salles Jr fez a sua releitura. O objetivo deste texto é analisar o filme de Walter Salles para demonstrar como o mesmo resolveu os problemas de transcriação, atendendo ao mesmo tempo as funções comercial e artística e incorporando as marcas de sua trajetória estética. Nesse caso, destacam-se os tipos de relações entre a literatura e o cinema, a função metalingüística como geratriz da poética e um interessante diálogo entre gêneros.

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Torres, Gabrielle Araújo Ferreira, and Maria Aparecida Prazeres Sanches. "Cinema de Animação." Revista UFG 22 (December 27, 2022). http://dx.doi.org/10.5216/revufg.v22.73414.

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O plano de trabalho Cinema de Animação - do teatro de sombras à computação gráfica promove discussões sobre as técnicas e filmes de países diversos, convidando animadores, artistas gráficos e outras pessoas conhecedoras das temáticas apresentadas nos filmes para cine debates feitos através da plataforma Google Meet, sob orientação docente. O objetivo principal do projeto é a formação de plateia, através da promoção de discussões sobre as temáticas propostas. Foram desenvolvidos 13 eventos, possuindo um total de 118 integrantes, sendo 11 convidados debatedores. Em sua maior parte, os debates trouxeram temáticas profundas de uma forma acessível aos ouvintes, observado que os eventos foram divulgados como um local de fácil acessibilidade, onde os indivíduos interessados poderiam participar de forma livre, possuindo apenas o requerimento de assistir o filme discutido previamente, quando ocorria cinedebates. Os temas possuíam temáticas e origens variadas, como uma visão psicanalítica do filme A Viagem de Chihiro, filme japonês, uma visão behaviorista do filme Minha Vida de Abobrinha, filme suíço e francês, além de um mês dedicado aos artistas, onde animadores e artistas gráficos trouxeram seus trabalhos para falar sobre o processo de criação, a inspiração e outros detalhes dos seus trabalhos. O projeto promoveu cinedebates envolvendo diversos filmes de animação de diversos países diferentes para pessoas de várias regiões do Brasil, graças ao modo virtual que os cinedebates ocorreram, através da plataforma Google Meet. Além dos debates tendo filmes como base, o projeto também promoveu eventos convidando animadores e artistas que trabalham com design gráfico para promover conversações sobre seus trabalhos.

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Keiji Kunigami, André. "Estratégias da imagem: identidade, corpo e política no cinema contemporâneo japonês." C-Legenda - Revista do Programa de Pós-graduação em Cinema e Audiovisual, no. 21 (December 17, 2009). http://dx.doi.org/10.22409/c-legenda.v0i21.25974.

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Abstract:

A partir de um filme japonês, Ichi, o Assassino (Koroshiya Ichi, 2001), de Takashi Miike, este artigo pretende explorar a relação possível entre os diversos usos da imagem, identidade e representação do corpo. Partindo do pressuposto de que para o biopoder, no seu nível estético, o corpo e o olhar são essenciais para a constituição de subjetividades controladas em identidades, tentamos propor, a partir o filme, em sua complexidade estética (usos da imagem) e diegética (narrativa e enunciação), uma leitura que vá além da mera crítica da representação da violência, percebendo novas possibilidades políticas do cinema narrativo.

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Mori, Rafael Cava, and Gilmar Araújo de Oliveira. "Aspectos educacionais do karate: discutindo suas representações no cinema." Educação e Pesquisa 45 (2019). http://dx.doi.org/10.1590/s1678-4634201945192837.

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Abstract:

Resumo O karate é uma luta originária de Okinawa, ilha ao sul do Japão. Historicamente, atravessou três períodos: a partir do século XVII, como bujutsu, técnica clandestina de luta; depois, como budo, quando foi convertido em luta tradicional japonesa, em fins do século XIX, propugnando valores educacionais e identitários; e finalmente, como esporte de luta, quando foi associado a performance motora e competitividade, no século XX. Ao considerar o papel do karate como veiculador de valores de um Japão idealizado – japonesidade –, este trabalho analisa representações cinematográficas dessa luta. A análise focou nos aspectos educativos retratados nos filmes, a série estadunidense The karate kid e o japonês Kuro obi, sendo conduzida conforme três categorias: a relação entre teoria e prática; ruídos e conflitos entre professor e aluno; e formação do aluno como futuro professor. Os resultados revelam que as obras criticam a esportivização do karate, enfatizando a representação de aspectos educacionais associados aos períodos do bujutsu e, principalmente, do budo. Também, colaboram para reafirmar e atualizar a japonesidade, ao tratar os princípios do budo e sua transmissão educacional de forma idealizada, sem aludir a seu caráter moderno. Ainda, os filmes apresentam divergências em relação à proposta contemporânea de uma pedagogia das lutas, fundamentada na ciência da motricidade humana. Por outro lado, as produções cinematográficas contribuem para a área educacional na medida em que possibilitam discussões a respeito dos processos formativos e seus percalços, retratados de forma original, recorrendo aos conceitos de yin/yang relacionados aos princípios zen-budistas do budo.

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