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Dissertations / Theses on the topic 'Comique (littérature)'
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Reich, Michèle. "Le comique de l'hybridation et l'exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030075.
Full textAbstract:
Notre propos est d’étudier le comique de l’hybridation et l’exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines. Notre champ d’investigation se propose d’être transversal. Il ne sera ni limité strictement à une époque donnée, ni aux auteurs français ou francophones. Une première partie étudiera le comique en question. Une seconde s’attachera à la poétique du rire. La troisième examinera les principales formes du comique moderne. La quatrième définira le grotesque hybride et le burlesque exhibé. La cinquième examinera les modalités d’application de l'hybridation ainsi que de l’exhibition en montrant comment le théâtre contemporain entraîne le spectateur du Bouffon Hilarant aux salves du Rire. Les traits saillants du devenir du comique dans le théâtre contemporain seront ainsi abordés, dégagés<br>Our purpose is to study the comicality of hybridization and exhibition through the dramatic and paradramatic contemporaneous works. Our analytical investigations does not respect literal chronology. It will not be reduced to a period or some French or French speakers playwrights. First, we will study the comicality in question. Then we will try to focus on the poetics of laughter. The third part will deal with the principal forms of modern comicality. The fourth part defines hybridization in the grotesque comic style and the burlesque modalities of exhibition. The fifth one will focus on how hybridization and exhibition appear through the plays, how the spectator is confronted with the Actor as a Fool who makes him laugh hilariously. So will be drawn the major features of the mutations of the theatral contemporaneous comicality
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Giannetti, Valeria. "L'écriture comique chez Vitaliano Brancati." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030053.
Full textAbstract:
Cette recherche consiste en une lecture d'ensemble de l'oeuvre de l'écrivain sicilien Vitaliano Brancati, composée de romans, de récits, de textes théâtraux, d'articles et d'essais. Cette oeuvre est étudiée suivant une perspective de poétique, qui vise a rendre compte de la pratique d'écriture originale de l'écrivain en élucidant le motif comique qui la sous-tend des 1934, alors que celui-ci rompt avec les modèles littéraires du régime fasciste, et s'engage dans une réflexion sur la condition humaine qui s'inscrit dans le cadre d'un nouvel humanisme. Le comique, a la différence de la satire, de l'ironie ou de l'humour, n'est pas réductible a un genre littéraire ou a une figure déterminée du discours. Au contraire, il circule a travers les genres, et les investit d'une intention particulière de visibilité du phénomène humain. Aussi, si Brancati en fait le thème privilégié de sa recherche expressive, c'est en raison de la visibilité narrative qu'il permet. L'auteur engage sur ce point un travail poétique dont nous avons tente de saisir les linéaments. Notre développement procède en cinq étapes: nous avons d'abord étudie l'expérience artistique de la vision, et l'humanisme comique qui en découle. Puis nous nous sommes concentre sur le phénomène de la sensualité tel que Brancati le comprend. Enfin, nous nous sommes attaches aux stratégies narratives employées, leur cohérence résidant finalement dans ce que l'auteur appelle un réalisme absolu<br>This research consists in a thorough reading of the sicilian writer's work. This work, encloses several novels, stories, theatrical writings, articles and essays, is studied from the perspective of poetics intending to account for brancati's actual practice of writing by illumating the comic motive which underwrites his work from 1934 on. The comic, as opposed to satire, irony, humor, does not consitute either a litterary genre as such, nor a determinate figure of discourse. It permates all genres and invests them with a visibility intention. Brancati uses the comic as a toll for narrative persicuoussness. The prupose of the present study is to explain the principals of the ways brancati broaches his specific poetical enterprise
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Heurtefeu, Jacqueline. "L'imaginaire comique de Rabelais." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040236.
Full textAbstract:
Qu'est-ce que l'imaginaire, en général, et chez Rabelais ? De quels éléments il se compose et comment il s'organise. . . Le but de cette étude est la recherche du système d'images qu'utilise le conteur, pour divertir, désabuser, édifier son lecteur. A quelles sources antiques, bibliques, médiévales, renaissantes, s'abreuve l'inspiration rabelaisienne ? Les trois formes de l'imaginaire comique qui caractérisent l' œuvre de Rabelais : imaginaire récréatif, subversif, défensif, constituent les trois parties de cette étude, qui met l'accent sur la cohérence d'un système, ou personnages et images trouvent leur équilibre<br>What is the Rabelaisian imagination made of ? How is it built ? On what basement ? With what symbols ? This study attempts to put in light the satirical and moral symbols used by Rabelais’s fancy and wit, to entertain and edify his readers. It attempts to show in what system these images get organized. To what sources they belong : to antiquity, bible, middle ages and French renaissance ; to what pressures they obey, and what shapes they can take. Three of these shapes may define the Rabelaisian creation : the first one is entertaining, the second one, subversive, and the third one is defensive. The system consistency, the balanced structure of symbols and characters, are specially emphasized
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Benabdallah, Nadia. "Le langage comique dans l'oeuvre d'Eugène Labiche." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040308.
Full textAbstract:
Le langage comique dans l'œuvre d’Eugène Labiche, auteur de vaudeville (1815, 1888) tient son originalité de la position qu'il occupe par rapport au comique humaniste. C'est un langage qui a tendance à perdre son rôle utilitaire pour revêtir un rôle plus gratuit, celui du comique absolu ou du comique romantique. Cette transition est marquée par l'évolution de certains procédés redondants tels que les apartés, les monologues et les contrastes qui nous dévoilent les mécanismes répétitifs du langage des personnages. L'esprit même des personnages se métamorphose pour s'épanouir dans une fantaisie débridée qui mène certains vers une douce folie proche du non-sens.
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Arac-Kocaman, Sengul. "Les sources du comique chez Ionesco." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081772.
Full textAbstract:
Le theatre d'avant-garde nous presente "un nouveau rire" : le rire d'apresguerre. Ce rire s'eloigne des methodes qui ne stimulent pas la pensee, se penche vers ta representation de l'incoherence de l'homme dans son univers et parvient a son apogee avec le theatre de ionesco. Le rire que suscitent les pieces de ionesco est souvent declenche par la mise en scene comique d'une situation tragique. Ilne cache pas l'horreur de la condition humaine, bien au contraire, il met l'accent sur le desespoir de l'homme en devoilant l'absurdite fondamentale de sa condition. On rit mais ce n'est pas un rire gai, franc, il s'agit plutot d'un rire "decu", "dur", "excessif. Chez ionesco, le comique cotoie le tragique de pres et nous incite a reflechir sur notre condition. Donc, le comique sert avant tout a exprimer le tragique, ce qui permet au tragique de ne pas tomber dans le pathetique. Le comique offre une veritable experience existentielle de la tragedie que decrit le theatre de l'absurde. Il fait rire le spectateur qui se pose la question : "pourquoi je ris ?". Grace a ce comique, nous ne pleurons jamais au theatre de l'absurde, mais ce theatre n'est pas pour autant un theatre leger, le fait de le privilegier l'humour ne l'empeche d'etre serieux et d'offrir une nouvelle vision du monde plutot pessimiste. Le moyen le plus apte a exprimer cette vision du monde semble etre le comique.
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Tsoni, Evangelia. "Tragique et comique dans la psychanalyse : questions de poétique." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084026.
Full textAbstract:
“Life is not tragic, it is comic and it is nevertheless rather curious that Freud should have found nothing better than to designate by the Oedipus complex, namely, by a tragedy, what is at stake in the affair”, remarks Lacan in the very last years of his Seminar, pointing out hermetically that “what is important in the sexual, is the comic”. It is this phrase that we place at the heart of our work – an attempt to elucidate the passage that Lacan proposes, from the tragic register, prevalent in Freud, to another register that is close enough to writing and the comic scene. Our intention is thus to question the ties of poetics and psychoanalysis. It is common knowledge that psychoanalysis comes into being through a technique of ancient tragedy, catharsis, and is founded on the complexes incarnated by Oedipus the tragic hero. According to the freudian guidelines, psychoanalysis develops with the contribution of processes enacted in the theater, and in the shade of the dramatic dimension of the human scene: the other scene of fantasy, love and death. For his part Lacan explains that the analyst places at the core of his discourse the symbol par excellence of ancient comedy, namely the phallus. He establishes the ethics of act and desire, distinctive characteristics of a tragic heroine, enriching them in the end with the ethics of ‘speaking-well’, which includes the laughter of the saint and the gay sçavoir. And yet one cannot help remembering that psychoanalysis implies from birth the advent of poetics: it refers to a work of writing and focuses on the literary quality of words and the theatrical appearance of the symptoms of the neurotic – this “private theater of the hysteric”, “the indubitable poet”, according to the Father of psychoanalysis<br>"La vie n'est pas tragique, elle est comique et c'est pourtant assez curieux que Freud n'ait rien trouvé de mieux que de désigner du complexe d’Œdipe , c'est-à-dire d'une tragédie, ce dont il s'agissait dans l'affaire", remarque Lacan au cours des toutes dernières années de son Séminaire [le séminaire de Lacan] en expliquant hermétiquement que "ce qui dans le sexuel importe, c'est le comique". C'est cette phrase qu'on place au cœur de notre travail, essayant de cerner le passage que Lacan propose du registre tragique, prévalent chez Freud, à un autre registre assez proche de l'écriture et de la scène comique. Nous avons ainsi l'intention de questionner les liens de la poétique et de la psychanalyse. C'est bien connu que la psychanalyse naît d'une méthode tragique, la catharsis, et se fonde sur des complexes incarnés par Œdipe le tragique. Selon les directives freudiennes, elle se développe avec le concours de processus mis en actes au théâtre et à l'ombre de la dimension dramatique de la scène humaine : l'autre scène du fantasme, l'amour et la mort. Lacan explique pour sa part que l'analyste met au cœur de son discours le symbole par excellence de la comédie antique, c'est-à-dire le phallus. Il met en œuvre une éthique de l'acte et du désir caractéristique d'une héroïne tragique qu'il va enrichir qu'il va enrichir à la fin par l'éthique du bien-dire dont le "rire du saint" et le "gay sçavoir" font partie. Or, rappelons que la psychanalyse implique dès sa naissance l'avènement d'une poétique : elle ramène à un travail d'écriture et reporte toute son attention sur la qualité littéraire des mots et sur la prestation théâtrale des symptômes du névrosé - ce "théâtre privé de l'hystérique", "de cet indiscutable poète", selon le père la psychanalyse
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Bonnet, Gilles. "Le comique dans l'œuvre de J. -K. Huysmans." Bordeaux 3, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR30040.
Full textAbstract:
Blague, mystification, fumisterie: à rebours mérite ces trois désignations. Mais le reste de l'œuvre de j. -k. Huysmans semble opposer deux résistances à la tonalité comique. Les liens étroits unissant a priori naturalisme et esprit de sérieux d'une part, conversion et rigorisme de l'autre, ne doivent pourtant pas occulter la place de l'écriture comique d'un bout à l'autre de cette production, du drageoir aux épices aux foules de lourdes. Un parcours semble se dessiner, qui débute par l'examen des pratiques issues d'une ironie classique, pour s'acheminer progressivement, sans régularité chronologique toutefois, vers les formes d'expression les plus troublantes de l'humour comme apogée du comique moderne. Satire et caricature se déploient ainsi d'un bout à l'autre de l'œuvre, désignant clairement leurs cibles et exigeant une réévaluation des capacités sémiotiques d'une écriture vouée à la représentation du réel. La chronique des petites misères, ronchonnement d'un personnage égaré dans un quotidien hostile, oblige, elle, le comique à pactiser avec l'émotion. Humour noir comme pantomime poursuivent ce travail de sape des dichotomies habituelles pour préfigurer un véritable sentiment de l'absurde. Un parcours similaire permet de constater le rôle primordial du comique dans la poétique d'un roman huysmansien ouvert aux contrepoints anecdotiques, à la parodie parfois féroce, mais également a de troublantes palinodies qui retournent l'arme de l'humour et du grotesque contre son propre acte fondateur, puisque c'est la fiabilité même de l'écriture qui pâtit de la relation ludique qu'instaure avec le lecteur une énonciation romanesque problématique
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Fogels, Audrey. "Emily Dickinson : un regard comique à l'affût de son siècle." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040256.
Full textAbstract:
Depuis plus de cent ans, la critique perçoit l'œuvre de Dickinson comme atemporelle et tragique. Des choix éditoriaux parfois arbitraires, la puissance des "horizons d'attente" et la nature du genre poétique lui-même servent à expliquer cette vision partielle et partiale du poète et de son œuvre. Au rebours de cette vision canonique, nous tenterons de mettre en lumière et l'ancrage de Dickinson dans son siècle et le caractère profondément comique de ses écrits. De fait, ces deux aspects sont étroitement liés, le comique n'existant que par rapport à une norme. Il s'agira donc pour nous de montrer que la subversion formelle à l'œuvre chez Dickinson, intimement liée aux principes du comique et aboutissant à la remise en question du rapport canonique qui lie l'auteur tout-puissant au lecteur, se double de subversions thématiques multiples - tradition romantique, mort, économie, religion, paradis, mariage, etc - qui s'inscrivent non seulement dans une certaine tradition humoristique américaine, mais aussi dans les mouvements de reformes, et notamment le mouvement féministe, qui secouent l'Amérique au dix-neuvième siècle<br>For over a hundred years, because of arbitrary editorial choices, the overwhelming power of what Jauss has called the "horizons d'attente" and the dignified standing of poetry itself, Dickinson has been canonized as a poet who expresses the profoundly tragic. Over and against this canonical vision, i will try to show how, on the contrary, the nature of Dickinson’s poetry is not only fundamentally perverse and comic, but also deeply anchored in its time - these two aspects being in fact intimately linked since the stuff of humor is indissociable from specific times and places. Hence, notwithstanding her reclusive lifestyle, Dickinson actually mocked many facets of nineteenth century America. The Victorian representation of death and paradise, the values of work and progress so central to the time, the civil war, thanksgiving, the Pilgrim Fathers, the conventional nineteenth century hierarchy between poet and reader represent only some of the typical aspects of the contemporary culture Dickinson’s poems and letters ridiculed. Finally, if Dickinson’s destabilizing wit was in the spirit of a specifically American comic tradition, I will show how it also embodied the revolutionary fervor, feminist above all, that characterized America during the nineteenth century
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Solovieva, Maria. "Moyens de l'expression du comique dans le cycle de Guillaume d'Orange." Lyon 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LYO31010.
Full textAbstract:
La thèse Moyens de l'expression du comique dans le cycle de Guillaume d'Orange se compose d'une introduction, de trois parties et d'une conclusion. La première partie, intitulée Notions théoriques essentielles, traite des concepts théoriques ayant trait à la recherche : langue pré-littéraire, style formulaire, formule, motif, symbole, comique, parodie, culture carnavalesque. La deuxième partie, Moyens linguistiques de l'expression du comique non-transposant, contient trois chapitres qui décrivent la spécificité des moyens lexico-, grammatico- et phonético-stylistiques de l'expression du comique non-transposant. La troisième partie, Moyens de l'expression du comique transposant (parodique), offre l'analyse des trois transpositions parodiques présentes dans le corpus, à savoir le burlesque, l'héroï-comique (déplacements verticaux) et la transposition épico-courtoise (déplacement horizontal). La conclusion, suivie de plusieurs tableaux, résume les résultats de la recherche.
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Lilti, Ayelet. "Blanchot-Kafka : un rapport de ressemblance comique." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070019.
Full textAbstract:
Ma thèse intitulée « Blanchot-Kafka : un rapport de ressemblance comique » lie les œuvres de ces deux écrivains à partir de la critique blanchotienne consacrée à l'image comme rapport de ressemblance. Partant de la question de la mimesis, passant par le romantisme allemand, la philosophie de l'art et les théories esthétiques jusqu'à nos jours, le rapprochement entre les deux écrivains devient un simulacre qui relate le récit de l'image. En outre, en explorant les domaines de la philosophie de l'humour, on a pu remarquer que la ressemblance implique un aspect comique. On peut donc tenter de proposer une théorie esthétique qui en premier lieu renforce le rapport entre les notions de ressemblance, de rire et de sourire dans les œuvres de Maurice Blanchot et de Franz Kafka, et en second lieu suggère que le rapport Blanchot-Kafka est un espace critique défini par un mouvement mimétique révélant un esprit comique<br>This thesis entitled "Blanchot-Kafka: a relation of comic resemblance", joins the works of these two writers by drawing on Blanchot's criticism of the notion of the image considered as a relation of resemblance. Starting from the concept of mimesis, passing through German Romanticism, philosophy of art and aesthetic theories up to the present day, the relation between the two authors become a simulacrum that relates the narrative of the image. Moreover, by exploring the field of the philosophy of humour, I have noted that resemblance has a comic aspect. Therefore, I have proposed an aesthetic theory that firstly reinforces the association between the notion of resemblance, of laughter and smiling in the works of Maurice Blanchot and Franz Kafka, and secondly suggests that Blanchot-Kafka relationship is a critical space defined by a mimetic movement that reveals a comic spirit
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Sternberg-Greiner, Véronique. "Scarron et la dramaturgie comique de son temps, 1640-1660." Reims, 1997. http://www.theses.fr/1997REIML007.
Full textAbstract:
Cette thèse envisage les comédies de Scarron comme le témoin d'une période de renaissance du genre comique, les années 1640-1660. Ces pièces traduisent, par leur qualité dramatique, une réflexion sur les fondements esthétiques du genre; elles témoignent par ailleurs, comme nombre d'œuvres contemporaines qui sont évoquées en contrepoint, des relations de la comédie avec les mentalités esthétiques du temps, particulièrement avec les milieux mondains<br>This thesis considers Scarron's comic theatre as a witness of a period of revival for french comedy. Between 1640 and 1660. This plays manifest, by their quality, a reflection upon the bases of comedy's esthetic. They also can help understanding - as well as the plays of Scarron's contemporaries - the links between comic theatre, taste and society, especially the upper circles
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Ramat, Christine. "La comédie du verbe : le comique et le sacré dans l'œuvre de Valère Novarina." Grenoble 3, 2007. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296228832.
Full textAbstract:
L'œuvre de Valère Novarina constitue un objet littéraire énigmatique qui surprend, inquiète et fait rire. Elle trouve son terrain de prédilection sur la scène, mais développe une dramaturgie de l'excès qui cultive le non sens, l'incongru et le loufoque. La philosophie fait circuler les questions métaphysiques sur des airs d'opérette, la théologie est transformée en bavardages dérisoires. Inversement, l'auteur réactive les cadres théologiques du Verbe biblique pour situer les enjeux de son théâtre au carrefour du réel et du spirituel de l'humain et de l'inhumain. De cette oscillation naît un comique grotesque, qui n'hésite pas à recycler les vieilles recettes carnavalesques pour proposer ce que l'auteur nomme une cure d'idiotie savamment insignifiante et drôle. Mais cette étrange gaîté ne doit pas leurrer. Iconoclaste, le comique novarinien réinvestit le terrain de ce "sacré impur" que promouvait Bataille pour reconquérir le mystère de la parole démoli par les idiomes technicistes de la communication. Loin de s'inscrire dans la veine destructrice de la dérision moderne, l'œuvre génère au contraire un comique inspiré qui réconcilie, de manière singulière, l'athée et le mystique, les Pères de l'Eglise et les pataphysiciens pour exalter, en négatif, la puissance poétique du Verbe. En s'appuyant sur les instruments théoriques avancés par M. Bakhtine et W. Kayser sur le grotesque, cette thèse étudie la relation paradoxale qui lie le rire au sacré, l'incongruité à la mystique, le sens au non-sens, l'écriture au Verbe, à travers le travestissement bouffon du texte biblique et le travail des formes théâtrales de la tradition comique : cirque, opérette, music-hall, marionnettes<br>The work of Valère Novarina is an astonishing, anxious and funny enigmatic literary object. It favours the stage but develops a dramatic art of the excess which cultivates the nonsense, the improper, the incongruity and the absurd. The philosophy makes the metaphysical questions on airs of operetta circulate, the theology turns into derisory gossips. Conversely, the author revives the theological frames of the biblical Word to place the stakes of his theater at the crossroads of the reality and the spiritual, of the human and the inhuman. Of this oscillation is born a grotesque comic, which does not hesitate to recycle the old carnival receipts to propose what the author names a cure of idiocy, which is skilfully insignificant and funny. But this strange gaiety must not deceive. Iconoclastic, the novarinian comedy reinvests what Bataille named the "sacré impur", so as to reconquer the mystery of speech ruined by the technical words of the media. For the novarinian comedy is neither godless, nor non-believer. Far from joining the destructive vein of the modern mockery, it develops inversely an inspired comic, which reconciles, in a singular way, the atheist and the mystic, the Fathers of the Church and the pataphysicians to excite, in negative, the poetic power of the Word. Rooted on M. Bakhtine and W. Kayser theories of grotesque, this thesis has the purpose to study the paradoxical relation which links the laughter and the sacred, the incongruity and the mystic, the meaning and the nonsense, the writing and the Word, through the farcical disguise of the biblical text and the work of the theatrical forms of the comic tradition : circus, operetta, music hall, puppets
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Reea, Goenda. "Le comique dans la tradition orale et la littérature contemporaine tahitiennes - vision du rire, vision du monde." Thesis, Polynésie française, 2016. http://www.theses.fr/2016POLF0005.
Full textAbstract:
À Tahiti, il n’existe aucune recherche sur les « mots du rire » en langue tahitienne démontrant une manière de penser le monde. L’intérêt de cette étude est de révéler une réalité d’un point de vue interne ainsi que des processus inconscients qui régissent le rire de et dans la société tahitienne. Cette thèse a pour objectif de définir la spécificité du comique de la tradition orale et de la littérature contemporaine tahitiennes au travers des ’ūtē ’ārearea (chants comiques traditionnels) dans le cadre des fêtes culturelles du mois de juillet à Tahiti de 1986 à 2014 et de deux pièces de théâtre, Te pe’ape’a hau ’ore o Pāpā Pēnū ’e Māmā Rōrō de Maco Tevane (1972, rejouée en 2011), et E’ita ïa, de John Mairai (1989). En inscrivant cette analyse dans un cadre conceptuel et méthodologique sémiolinguistique et psychocritique, nous supposons qu’il est possible d’abstraire, par la superposition des textes du corpus de recherche, un substrat constitué d’invariants, qui concourent à la production du sens<br>In Tahiti, no research has been done about “comic words” in Tahitian language, demonstrating a way to consider the world. The relevance of this study is to reveal a reality in an internal point of view as well as unconscious processes which govern the laughter of and in the Tahitian society. The purpose of the present Thesis is to define the characteristics of Comic in the Tahitian oral tradition and contemporary literature, through the 'ūtē 'ārearea (traditional funny songs), in the context of July’s cultural celebrations in Tahiti, from 1986 to 2014, and through two plays, "Te pe'ape'a hau 'ore o Pāpā Pēnū 'e o Māmā Rōrō" by Maco Tevane (1972, played again in 2011) and “E'ita ïa” by John Mairai (1989). Placing this analysis into a conceptual and methodological as well as a semiolinguistical and psychocritical frameworks, makes us suppose that it is possible to abstract, by the superposition of the texts from the corpus of research, a substratum made of invariables, which contribute to the meaning of words
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Moghani, Amir. "Traduire le discours comique : Histoires drôles traduites du français en persan." Paris, INALCO, 2006. http://www.theses.fr/2006INAL0012.
Full text
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Delamaire, Anne. "« Dictes hardiement, bons motz n’espargnent personne » : Approche typologique, esthétique et historique du comique dans Perceforest." Rennes 2, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00551562/fr/.
Full textAbstract:
Malgré l’attention que lui porte un nombre croissant de chercheurs, Perceforest, qui fait actuellement l’objet d’un travail d’édition intégrale mené par M. Gilles Roussineau, reste encore un domaine à défricher. Cette recherche se propose de l’aborder selon un angle lui aussi partiellement ignoré par les études de médiévistique consacrées aux romans arthuriens : le comique. L’objectif est d’offrir un inventaire fouillé du comique dans Perceforest. Ainsi qu’une étude du fonctionnement contextuel des « motifs » comiques et de leurs enjeux au niveau globale de l’oeuvre<br>Despite the fact an increasing number of researchers take in interest in it, Perceforest, which is at the present the object of a work of complete edition led by Mr Gilles Roussineau, still stays a field to be discovered. This research will study this work according to a subject, which is itself, partially ignored by the medieval studies on Arthurian romances: the comic. The objective is to offer a detailed inventory of the comic in Perceforest as well as a study of the contextual functioning of the “comic motives” and their stakes at the global level of the work
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Amrani, Sarah. "Analyse des formes et des fonctions du comique dans le discours narratif calvinien." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030046.
Full textAbstract:
Nous proposons, d'une part, de comprendre et d'illustrer les raisons à la fois personnelles, culturelles et poétiques pour lesquelles Italo Calvino (1923-1985) a choisi en 1952, avec Le vicomte pourfendu, d'orienter durablement son écriture narrative vers un type de représentation comique, dont la nature lui est spécifique. D'autre part, en nous appuyant sur les résultats de cet examen, nous proposons une analyse détaillée des structures portantes de la représentation comique calvinienne, à savoir l'organisation de la diégèse et la construction des personnages. Défini comme fantastique, aventureux et ironique, le langage comique calvinien est présenté non seulement comme l'expression d'un optimisme foncier - résolument confiant en l'action et tourné vers l'avenir - et comme un instrument de discipline et de maîtrise du monde, mais aussi comme un élément fédérateur de l'œuvre narrative de l'auteur<br>On the one hand, we propose to understand and illustrate the personal, cultural and poetic reasons that led Italo Calvino (1923-1985), with The Cloven Viscount (1952), to durably direct his narrative writings towards a comic type of representation, whose nature is specific to him. On the other hand, following the results of this examination, we propose a detailed analysis of the supporting structures of Calvino's comic representation, namely the organization of the diegesis and the construction of the characters. Defined as fantastic, adventurous and ironic, Calvino's comic language is presented here not only as the expression of a fundamental optimism - resolutely trustful in the action and turned towards the future - and as an instrument of discipline and control of the world, but also as an unifying element of Calvino's narrative works
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Roumilhac, Henri. "L'influence de la morale dominante sur le théâtre comique en France entre 1875 et 1881." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100057.
Full textAbstract:
La thèse étudie les relations entre les diverses formes du théâtre comique et l'ordre moral en France entre 1875 et 1881. L’esthétique, l'histoire de la comédie et les thèmes, examines dans la première partie, portent l'empreinte d'une morale sérieuse et bourgeoise ; la seconde partie montre comment la carrière des auteurs comiques et le poids des mentalités vérifient l'influence des valeurs sociales comprises à travers les normes qu'elles dictent et les transgressions qu'elles permettent. Le corpus, constitue par la totalité des genres comiques, englobe aussi bien la comédie de boulevard, le vaudeville, les genres bouffes que l'importante production des livrets d'opéras comiques. Les rapports de l'esthétique et de la morale, la souplesse des genres comiques, le contact d'œuvres souvent jugées mineures avec le public constituent les principales problématiques de l'ouvrage. Les apports a la recherche apparaissent sensibles dans les domaines de la censure théâtrale, de la hiérarchie des différents théâtres et types de spectacles, de l'évolution du discours dramatique à l'intérieur de la période considérée. On trouvera, dans les appendices, le contenu des saisons théâtrales, la biographie des principaux auteurs et une comparaison, à partir d'œuvres précises, entre l'esprit du second empire et celui des débuts de la troisième république. La bibliographie est suivie d'un répertoire des différents documents sonores existants<br>The thesis is a study of the relations between the various aspects of comic theatre and moral order in France between 1875 and 1881. Aesthetics, the history of comedy and the themes, studied in the first part, are stamped with a serious and bourgeois ethic; the second part shows how the carrier of comic authors and the power of mentalities confirm the influence of social values (those included in their norms and in the transgressions that they allow). The corpus is made up by the whole of comic types: light comedy, vaudeville, "bouffes" as well as the important production of comic-opera libretti. The main problematic of the work is made up by the relations between aesthetics and morals, the wide range of comic types, the presentation to the public of works often judged as minor ones. The contributions of the research can be found in the fields of theatrical censorship, in the hierarchy between the different theatres and types of play, in the evolution of dramatic writing during the period studied. The contents of theatrical seasons, the biography of the main authors and a comparison (made up from specific works) between the thought of the second empire and the early third republic can be found in the annexes. After the bibliography comes an index of the different sound documents which exist
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Glinska, Klementyna Aura. "La "comédie latine" du XIIe siècle : rhétorique et comique." Electronic Thesis or Diss., Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040163.
Full textAbstract:
Le corpus des ‘comédies élégiaques’ ou ‘comédies latines’ du XIIe et du XIIIe siècle a été perçu comme un ensemble de textes étranges, dont la place dans la tradition littéraire était, pourtant, clairement définie. La notion de ‘comédie élégiaque’ désigne en effet la tradition théâtrale comme point de référence essentiel dans la formation du ‘genre’. L’objectif de la présente thèse est de déconstruire le concept de ‘comédie élégiaque’ et de décrire les textes du corpus, composés au XIIe siècle, tout en respectant leur historicité. Le mot ‘comique’ se rapporte ici à comoedia en tant que phénomène historique et non pas aux catégories anthropologique, philosophique ou psychologique ; ‘faire rire’ n’est ici qu’une des réponses possibles. La révision des sources fondamentales pour la formation des savoirs médiévaux de la comédie antique, ainsi que la lecture des poetriae du XIIe et XIIIe siècle, permet de préciser le sens du terme comoedia, employé par les auteurs des comoediae du Val de Loire et par leurs lecteurs. L’étude des rapports des comédies élégiaques avec la tradition de la comédie antique implique, en outre, l’examen de leurs paratextes et de leurs cotextes, dont l’ensemble est déterminé par les manuscrits conservés. Ainsi, l’analyse du contexte historique, idéologique et théorique, ajoutée à l’étude des manuscrits des comédies élégiaques, permet de définir ces compositions en tant que textes qui forment et incarnent les règles rhétoriques et éthiques exposées dans les poetriae<br>The corpus of ‘elegiac comedies’, or 12th and 13th-century ‘Latin comedies’, was perceived as an anthology of some curious texts, the literary tradition of which was, nevertheless, clearly defined. Indeed, the notion of 'elegiac comedy’ designates the theatrical tradition as a point of reference, which is essential for the formation of' the ‘genre’. The objective of this thesis is to deconstruct the concept of ‘elegiac comedy’ and to describe the 12th-century texts of the corpus in exact accordance with their historicity. The word ‘comic’ refers here to comoedia as a historical phenomenon and not to some categories of anthropological, philosophical or psychological nature; the ‘laughter’ is not but one of the possible answers. The revision of the sources fundamental for the formation of medieval knowledge of ancient comedy as well as the interpretation of 12th- and 13th-century poetriae help to shed light on the meaning of the term comoedia employed both by the authors of comoediae from the Loire Valley and by their readers. The study of the relations of the elegiac comedies with the tradition of ancient comedy involves, moreover, the examination of their paratexts and co-texts, the body of which is determined by the preserved manuscripts. Thus, the analysis of the historical, ideological and theoretical context, as well as the study of manuscripts of the elegiac comedies, define these compositions as the texts that form and embody the rhetorical and ethical rules exhibited in the poetriae
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Gicquel-Bourlet, Catherine. "Un malaise irréductible : fonction et procédés du comique dans l'oeuvre dramatique de Carl Sternheim." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1996PA040150.
Full textAbstract:
Dans l'œuvre dramatique de Sternheim, le comique ne provoque ni le seul sentiment de plaisir associé au comique traditionnel, ni le seul désarroi provoqué par des formes plus modernes de ce genre littéraire, mais l'un et l'autre de ces effets pourtant contradictoires. Aucune catégorie univoque (satire, ironie, caricature. . . ) Ne peut donc rendre compte de sa fonction. Celle-ci consiste précisément à contraindre lecteurs ou spectateurs à aborder l'objet de la représentation sans recourir à aucun système préétabli de valeurs morales ou esthétiques. Le malaise qui résulte du vide ainsi crée est par nature irréductible aux théories communément admises. La sémiotisation du rire dans l'œuvre considérée modélise cette double fonction du comique. Il présente lui-même un avers et un revers indissociablement unis comme les deux faces d'une médaille. L'avers met en œuvre les procédés régulièrement utilisés par la comédie et qui reposent, d'une part, sur des effets de surprise, et, d'autre part, sur l'éventail des possibilités offertes par la répétition. Le revers consiste premièrement à pratiquer la provocation et, deuxièmement, à exhiber sans concession, et avec une indifférence au moins apparente la "vérité" des rapports entre les hommes. Un usage particulier du grotesque est le plus souvent le moyen de cette exhibition; il fait apparaitre entre autres choses ce qu'il peut y avoir de mécanique ou animal dans les comportements réputés humains. Aucune dialectisation n'est possible entre l'avers et le revers. Les héros de l'œuvre dramatique sternheimienne ne sont ni comiques au sens traditionnel du mot, ni grotesques, ni absurdes. Ils sont ce qu'ils sont sans que cette affirmation de leur "nuance propre" ne souffre aucune appréciation morale ou esthétique. Et le comique sternheimien n'a d'autre but que d'inciter à les imiter dans cette irréductible singularité<br>In the dramatic work of Sternheim, the comic does not provoke either the unique sentiment of pleasure associated with the traditional comic or the disarray provoked by more modern forms of this literary genre, but both of these opposite effects. It is the reason why none of the univocal categories like satire, irony, caricature can take into account its function. This consists precisely in constraining the spectator or reader to tackle with the object of dramatic performance without appealing to any pre-established system of moral or esthetic values. The malaise which results from this void is by definition irreducible to theories commonly admitted. The semiotization of laughter in the mentioned work modelises the double function of the comic. The comic itself presents an observe and a reverse undissociably united like two faces of a medal. The observe side implements the processes regularly used by the comedy and based on the one hand on the effects of surprise and, on the other hand, on the range of possibilities proposed by repetition. The reverse side consists first in practicing provocation and, then in exhibiting without concession and with at least an apparent indifference the "truth" of human relations. A particular use of the grotesque is most of the time the means of this exhibition; it reveals among other things the part of what is animal or mechanical in the so-called human behavior. None dialectisation is possible between observe and reverse. The heroes of the dramatic work of Sternheim are neither comic in the traditional meaning nor grotesque, nor absurd. They are what they are and their "eigene nuance" doesn't bear any moral or esthetic appreciation. The comic of Carl Sternheim has no other aim than urge one to imitate them in their way of being themselves
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Garnier, Nicolas. "Dynamiques du récit comique bref : le Roman de Renart et les fabliaux." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL114.
Full textAbstract:
L’enjeu de cette thèse a pour objet deux corpus fondamentaux pour le Moyen Âge français, et plus généralement pour la littérature européenne, soit le Roman de Renart et les fabliaux. Néanmoins, la relation en tant que telle entre les deux reste peu analysée jusqu’à présent. Si les aspects thématiques communs de ces textes ont souvent été perçus par la critique, celle-ci n’a jamais véritablement posé les divergences qui s’opéraient dans ces thèmes, notamment dans la façon dont ils sont employés au sein de deux genres dont l’organisation est très différente. Si l’on peut envisager les deux genres comme relevant du récit comique bref, il faut alors interpréter les dynamiques à l’œuvre, si l’on définit la notion comme mouvements qui concourent à un processus, c'est-à-dire de questionner ce qui fait de ces deux corpus des récits comiques brefs, que ce soit de façon convergente ou divergente<br>The purpose of this thesis is to compare the Roman de Renart with the fabliaux, which are often brought closer together by critics, particularly because of their comical nature. While the common themes of these texts have often been described, no study has ever really analyzed the divergences that occurred in these themes, especially in the way they are used in two genres whose organization is very different, since we have a serial narrative on one hand, and stories independent on the other hand. If we want to consider that both of them belong to the same type of story, then we must interpret their narrative dynamics. We can define the notion as movements that contribute to a process, that is to say, to examine their classification as comical short narratives, whether convergent or divergent. In fact, brevity turns out to be a problematic notion, the Roman de Renart and the fabliaux having a different relationship with the question. What unites them is more a narrative tension of the plot created by effects of surprise, reversals, deviations, but especially the dynamics of the intra- and extra-textual echoes
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Narvaez, Annelise. "Plaute et la question du genre comique." Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMR144.
Full textAbstract:
Plaute est l'un des deux seuls auteurs latins dont des pièces entières aient été conservées : le corpus plautinien reste toutefois un ensemble problématique car les manuscrits ne nous ont transmis, sur les 130 circulant sous le nom de Plaute dans l'Antiquité, que vingt-et-une pièces, identifiées au Ier siècle avant J.-C. par le grammairien Varron comme étant caractéristiques de Plaute. Il n'est pas douteux que ces pièces du corpus plautinien soient des comédies car c'est dans le cadre rituel et ludique propre aux comédies que le poète les a fait représenter. Les pièces elles-mêmes évoquent par ailleurs à plusieurs reprises, dans leur texte, cette appartenance au genre de la comoedia. Il peut alors être intéressant de s'interroger sur ce genre théâtral : Plaute le revendique clairement comme cadre d'inscription de ses pièces, mais le genre comique semble jouer dans ses comédies une fonction supplémentaire. Notre travail cherche à interroger la spécificité du rapport de Plaute à la comédie, et met pour cela en lumière les différents moyens par lesquels la comédie plautinienne se désigne comme théâtre et plus spécifiquement comme comédie. La métathéâtralité, ou le fait de se désigner comme théâtre, apparaît alors comme un procédé ludique, qui cherche à jouer avec le spectateur et à susciter le rire. Notre travail vise également à montrer que certaines comédies de Plaute se constituent spécifiquement comme comédies à travers un jeu sur les genres littéraires de l'épopée et de la tragédie : Plaute proposerait ainsi ce que l'on peut appeler une métapoétique du genre comique<br>Plautus is one of the only two Roman playwrights whose plays have been preserved. However, the Plautinian corpus remains a problematic object : among the 130 plays that circulated under Plautus' name in the Antiquity, only 21 have been transmitted to us – those identified by the grammarian Varro in the 1st century BC as characteristic of Plautus. No doubt that these plays belonging to the Plautinian corpus are comedies, for the poet had them performed as comedies in the ritual context of the ludi. Moreover, the text of the plays themselves, on various occasions, mentions them as belonging the the genre of the comoedia. For those reasons, it can be interesting to question the dramatic genre : Plautus claims it as a framework for his plays, but the comic genre seems to play a further part in his comedies. This work aims at questionning Plautus' relationship to comedy : to do so, it lights up the various means through which Plautinian comedy shows itself as theatre in general, and as comedy in particular. Metatheatre – the explicit self-consciousness of being theatre – thus appears as a ludic process which tries to play with the audience and to trigger laughter. This works also aims to demonstrating that some of Plautus' comedies draw their comic specificity from playing on the epic and tragic genres. One could talk about Plautus of a metapoetics of the comic genre
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Desiles, Emmanuel. "Romans comiques et romans satiriques sous Louis XIII : une question de langage." Aix-Marseille 1, 1998. http://www.theses.fr/1998AIX10005.
Full textAbstract:
En evoquant son francion, sorel parlait d'un stile comique et satyrique et designait ainsi un corpus de textes qui, sous la periode de louis xiii (1614-1643), compte les oeuvres romanesques de sorel lui-meme, theophile, du verdier, claireville, tristan et fortunatus, pour la veine comique ; pour la veine satirique, les oeuvres de barclay, mouchemberg, lannel et florinde. La these etudie l'ensemble de ce corpus et, apres l'avoir rapidement presente, se concentre sur la question langagiere. La premiere partie de l'etude s'interesse au rapport de l'homme au monde par le langage et note l'engagement des ecrivains dans le debat du mensonge et de la verite, de l'utilisation des codes et des allegories, des liens semiologiques entre les mots et les choses, pour aboutir a la conscience meta-langagiere des ecrivains. Aussi, est-on amene a considerer le langage comme procede specifiquement humain, et le rapport de l'homme a l'homme qu'il suscite. Successivement le langage est etudie dans son cadre anthropologique, puis dans son cadre relationnel (avec les problemes de la communication), ensuite comme moyen d'auto-representation humaine, et amene les auteurs a proner un langage therapeutique et organisateur social. Cette derniere prise de position conduit a analyser finalement les rapports langagiers de l'homme a la litterature. Les ecrivains comiques et satiriques se specifient alors par l'(anti)conformisme de leurs textes, sur lesquels ils reflechissent et qu'ils inflechissent selon leur evolution intellectuelle et sensible, comme le prouvent les avatars successifs du francion de sorel. Enfin, deja sous louis xiii, ce stile comique et satyrique sent la necessite de rechercher de nouveaux horizons formels et generiques, en abandonnant notamment une ecriture agonistique pour une ecriture laudative, et en entamant la recherche de nouveaux modeles referentiels comme base d'inspiration litteraire.
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Glinska, Klementyna Aura. "La "comédie latine" du XIIe siècle : rhétorique et comique." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040163.
Full textAbstract:
Le corpus des ‘comédies élégiaques’ ou ‘comédies latines’ du XIIe et du XIIIe siècle a été perçu comme un ensemble de textes étranges, dont la place dans la tradition littéraire était, pourtant, clairement définie. La notion de ‘comédie élégiaque’ désigne en effet la tradition théâtrale comme point de référence essentiel dans la formation du ‘genre’. L’objectif de la présente thèse est de déconstruire le concept de ‘comédie élégiaque’ et de décrire les textes du corpus, composés au XIIe siècle, tout en respectant leur historicité. Le mot ‘comique’ se rapporte ici à comoedia en tant que phénomène historique et non pas aux catégories anthropologique, philosophique ou psychologique ; ‘faire rire’ n’est ici qu’une des réponses possibles. La révision des sources fondamentales pour la formation des savoirs médiévaux de la comédie antique, ainsi que la lecture des poetriae du XIIe et XIIIe siècle, permet de préciser le sens du terme comoedia, employé par les auteurs des comoediae du Val de Loire et par leurs lecteurs. L’étude des rapports des comédies élégiaques avec la tradition de la comédie antique implique, en outre, l’examen de leurs paratextes et de leurs cotextes, dont l’ensemble est déterminé par les manuscrits conservés. Ainsi, l’analyse du contexte historique, idéologique et théorique, ajoutée à l’étude des manuscrits des comédies élégiaques, permet de définir ces compositions en tant que textes qui forment et incarnent les règles rhétoriques et éthiques exposées dans les poetriae<br>The corpus of ‘elegiac comedies’, or 12th and 13th-century ‘Latin comedies’, was perceived as an anthology of some curious texts, the literary tradition of which was, nevertheless, clearly defined. Indeed, the notion of 'elegiac comedy’ designates the theatrical tradition as a point of reference, which is essential for the formation of' the ‘genre’. The objective of this thesis is to deconstruct the concept of ‘elegiac comedy’ and to describe the 12th-century texts of the corpus in exact accordance with their historicity. The word ‘comic’ refers here to comoedia as a historical phenomenon and not to some categories of anthropological, philosophical or psychological nature; the ‘laughter’ is not but one of the possible answers. The revision of the sources fundamental for the formation of medieval knowledge of ancient comedy as well as the interpretation of 12th- and 13th-century poetriae help to shed light on the meaning of the term comoedia employed both by the authors of comoediae from the Loire Valley and by their readers. The study of the relations of the elegiac comedies with the tradition of ancient comedy involves, moreover, the examination of their paratexts and co-texts, the body of which is determined by the preserved manuscripts. Thus, the analysis of the historical, ideological and theoretical context, as well as the study of manuscripts of the elegiac comedies, define these compositions as the texts that form and embody the rhetorical and ethical rules exhibited in the poetriae
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Remy, Julien. "La représentation des genres comiques et tragiques dans les écritures surréalistes entre 1910 et 1940." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017AZUR2036/document.
Full textAbstract:
Les écritures et représentations surréalistes offrent, à partir de 1919, des visions nouvelles de la réalité, tributaires d’un ressenti original. S’éloignant de l’académisme et de l’imitation, celles-ci explorent l’inconscient, ouvert par le champ psychanalytique freudien, afin de tenter de cerner les pensées cachées. Le résultat des expérimentations et des jeux sémantiques des surréalistes laisse ainsi entrevoir des représentations absurdes où objets et définitions ne coïncident plus. C’est à partir de cette dissociation entre l’idée de la chose et de sa représentation que naissent certaines dimensions comiques et tragiques, réelles ou irréelles. Le surréalisme transcende et transgresse alternativement les normes communément admises par la société. Grâce à cette subversion, apparaissent des images novatrices. La poésie surréaliste cherche à dévoiler une réalité intérieure créée par l’imagination et une réalité extérieure formée par la pensée consciente. Un déséquilibre surgit alors et des indices sémiotiques nous laissent découvrir la vraie nature de chaque représentation. Tantôt burlesque, tantôt sublimée, la représentation de la vie et de la mort, prend une signification encore méconnue du grand public. En entrant dans le labyrinthe de l’analyse psychanalytique, les surréalistes ont créé une voie et se sont affranchis des courants artistiques précédents<br>Starting 1919, the surrealistic writings and representations offer new visions of reality, dependent from an original perception. Moving away from academism and imitation, they explore the unconscious, open by a psychanalytic Freudian field in order to express hidden thoughts of their consciousness. The result of their experimentations and of their semantic games allow leeway for absurd representations where objects and their definitions do not coincide anymore. It is from this dissociation between the idea of the object and its representation that comic and tragic dimensions are born, from the real and the unreal. Surrealism transcends and transgresses alternatively the norms commonly adopted by society. It is from this subversion that new images appear. Surrealistic poetry reveals an interior reality that is created by the imagination and by an exterior reality shaped by unconscious thoughts. Thus an imbalance arises and semiotic hints allow one to discover the real nature of each representation. Sometimes burlesque sometimes sublime, the representation of life and death takes on a significance still unknown by the grand public. By entering the maze of the psychanalytic analysis, the surrealists created a pathway and emancipated themselves from previous artistic movements
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Rapenne, Catherine. "Rire et fantastique dans la littérature romantique, de 1821 à 1869." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC026.
Full textAbstract:
De Nodier à Baudelaire, nombre de romantiques ont clamé leur désenchantement ou leur mélancolie ; on les a trop souvent pris au mot, oubliant « la puissance d'être à la fois soi et un autre » qui est la leur. Confrontés à un réel en voie d’uniformisation qu’ils méprisent ainsi qu’aux tourments d’une intériorité qu’ils découvrent duelle et déchirée, ils font du rire et de l’imagination, « reine des facultés », les leviers d’une résistance et d’une créativité renouvelée, cette dernière s’appuyant sur un recyclage humoristique de formes oubliées et visant à restaurer une sensibilité perdue tout en l’adaptant à leur époque. Ils inventent le fantastique moderne et font du rire le principe de son écriture. Le rire, paradoxal, y prend en charge les contradictions du réel et du langage, l’oblicité de l’ironie en révélant la réversibilité et la polysémie, dans un esprit malicieux et retors qui fait circuler partout, jusque sous les apparences les plus macabres les serpenteaux d’artifice du Witz. Le rire des fantastiqueurs n’est pas un rire « réduit » mais un rire intériorisé, un rire galvanisé par la découverte de l'épaisseur et de l'étrangeté des choses, un rire qui contribue à donner naissance à la bienveillance distanciée de l’humour moderne<br>From Nodier to Baudelaire, numerous romantic poets and writers claimed their disillusionment in human existence or their melancholy. Much too often, they have been taken at their words, one neglecting the ''power to be oneself and someone else at one and the same time” which was theirs and constituted their dual nature. Facing up a reality on its way to standardization, which they despised, as well astorments of their inner self which they experienced and felt as agonizingly dual and tornapart, they turned laughter and imagination, being “the most dignified faculty of mind”, into power of resistance and renewed creativity, the latter being based on a humorous adjustment and re-use of old forms, highlighting this way the revival of lost sensitivities while updating these to their time.They were the inventors of the modern fantastic literature and made out of laughter the principle of this new form of writing. There, laughter, paradoxical, takes on and assumes the internal contradictions of reality, the oblique and indirect nature of irony by disclosing the reversibility and the polysemy of their surrounding world, in a mischievous and cunning spirit which disseminates the pharaoh's serpent fireworks of the Witz all over the place, and which emit sparks even from the most macabre appearances such as the grim reaper of death.The laughter of the fantastic authors is not a "subdued" laughter, a restrained laughter, but an inner laughter, exalted by the consciousness of the density and weirdness as well as through the uncanny nature of things, a laughter which contributes to the emergenceof modern humor, because it takes a step back while paying benevolent attention to the other
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Vergneault, Alain. "Le rire de Céline." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040131.
Full textAbstract:
Pour tout lecteur familier de Céline, le rire que suscite n'importe laquelle de ses œuvres apparait à la fois comme une évidence et comme un paradoxe. C'est à l'explication, jamais proposée encore, de cette réaction de lecture, et à l'intégration de tout ce qu'elle implique pour le sens et la portée de l'œuvre, que la présente étude s'attache. La première idée retenue est que nous avons affaire à un rire d'auteur, non à un comique de genre. Aussi la question pragmatique de l'intention comique se pose-t-elle. D'entrée, tout est mis en œuvre pour commencer d'y répondre, du recours aux positions de l'écrivain relatives à ce problème, à la saisie directe du texte en vue de retrouver une dynamique de lecture assurément déterminante. L'analyse théorique peut alors avancer en s'appuyant sur les deux seules catégories du comique et de l'humour. Le premier est à situer au niveau de la représentation romanesque, comme une donnée incontournable de la transposition célinienne, marquée par l'exagération, le noircissement délibéré, et finalement le renversement de point de vue. Le second est à traiter comme fait d'énonciation, et invite à une exploration de jeux de voix multiples. Au-delà se détache la voix singulière d'un auteur, qui se confond alors, par les ruptures qu'elle marque toujours, avec celle de l'humour.
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Al, Iftaihat Mareim. "Le comique problématique dans l'œuvre d'Eugène Ionesco." Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20058.
Full textAbstract:
Eugène Ionesco est un «nouveau classique» dont la dramaturgie est à la fois en rupture avec la dramaturgie traditionnelle et en progrès sur elle, la dramaturgie ionescienne est alors labyrinthique. Les composants de cette dramaturgie sont également labyrinthiques : la construction dramatique, les personnages, le langage, le temps et l'espace. Ce labyrinthe total mène à une absurdité totale celle de l'indécision et de déséquilibre. Pour envisager cette absurdité, l'homme ionescien a recours à la révolte, à l'indifférence et au rêve, mais il se heurte toujours à sa condition tragique d'un errant sans racines ni buts. Il ne lui reste alors que le rire, d'où la naissance d'un comique à la recherche de son identité. C'est le comique problématique d'Eugène Ionesco. L'aspect problématique de ce comique est dû aux points suivants : premièrement, sa naissance dans une ambiance labyrinthique crée l'absurde qui rend incertaine même l'humanité de l'homme. Deuxièmement, ce nouveau comique s'inspire du comique classique de Molière, mais son essence n'est plus d'instruire, de corriger ou de plaire mais de réfléchir. Troisièmement, ce comique révèle la condition tragique de l'homme par des scènes qui augmentent l'angoisse au lieu de la dissiper. Par conséquent, c'est un comique problématique soit par rapport au tragique, soit par rapport au rire qui devient, à son tour, un effet du tragique. C'est pour cette raison que ce comique reste ouvert à de multiples hypothèses même celle de son inexistence<br>Eugene Ionesco is a "new classic" which is both dramatic break with the traditional drama and progress on it, the ionesco's dramatic is so labyrinthine. The components of this dramatic are labyrinthine: the dramatic structure, personages, language, time and space. This total maze leads to the utter nonsense of indecision and imbalance. To consider this absurdity, the ionescien man uses the revolt, indifference and dreams, but he still faces his tragic condition of a rootless wanderer or goals. He is left while laughing, hence the birth of a comic in search of his identity. This is the comic problematic of Eugene Ionesco. The problematic of this comic appearance is due to the following points: first, his birth in a labyrinthine environment creates the absurd makes uncertain even the humanity of man. Second, this new comic inspired by the classic Molière comic, but its essence is not to instruct, correct or pleasing but to reflect. Thirdly, the comic reveals the tragic condition of man by scenes that increase anxiety rather than dissipate. Therefore, this problematic is a comic or tragic compared to or relative to laughter becomes, in turn, an effect of tragedy. It is for this reason that this comic remains open to many assumptions even of its nonexistence
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Brethes, Romain. "De l'idéalisme au réalisme: pour une étude du comique dans les romans de Chariton, Xénophon d'Ephèse, Achille Tatius et Héliodore." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040047.
Full textAbstract:
Le roman grec de l'époque impériale, dont les représentants principaux sont Chariton,Xénophon d'Éphèse, Achille Tatius et Héliodore, est un genre extrêmement codifié, quiprésente un schéma immuable : un couple de jeunes amoureux traverse des épreuves de diverses natures (pirates, fausses-morts, prétendants) avant de connaître une fin heureuse. Ils ont été qualifiés d'"idéalistes ", à la différence des romans latins que sont le Satiricon de Pétrone et les Métamorphoses d'Apulée. Ces derniers privilégient en effet des procédés comiques réalistes et satiriques, où l'obscénité côtoie le grotesque. Pour autant, le comique n'est pas absent des romans grecs, mais il se manifeste différemment et témoigne de maîtrise de registres variés, entre jeu d'esprit et réalisme brutal, et d'une ambition littéraire indéniable. Notre étude des procédés comiques des romans grecs se propose de dévoiler des aspirations et des tempéraments singuliers, qui correspondent à la richesse et à la complexité de la littérature grecque d'époque impériale<br>The Greek novel from the imperial era, represented mainly by Chariton, Xenophon of Ephesus, Achilles Tatius, and Heliodorus, is characterized by strong conventions which lead to an unchanged pattern : young lovers go through various ordeals (pirates, false-deaths, rival lovers) before arriving at their happy ending. They have been considered as "idealistic" novels, distinguishing thereby from Latin novels known as Petronius' Satiricon and Apuleius' Metamorphoses, which are more focused on realistic and satirical comic techniques, like obscenity mixed up with grotesque. Nevertheless, we can also find some comic aspects in the Greek novels which, though differing from those of Latin novels, involve skills in a range of styles, from spiritual games to rude realism, as much as real literary ambition. Our study of comic techniques in Greek novels aims to reveal idiosyncratic aspirations and personalities, that correspond with the richness and complexities of the Greek literature from the imperial era
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Gaouad, Ahmed Ould. "Dérision et enseignement dans "Le Sang noir" de Louis Guilloux." Paris 12, 1989. http://www.theses.fr/1989PA121000.
Full textAbstract:
Le sang noir de louis guilloux pose la problematique de la derision et de ses rapports avec le theme de l'enseignement. Une lecture de l'oeuvre generale de cet ecrivain presente sa vision du monde, et replace notre problematique dans un cadre general. Cette lecture occupe la premiere partie de notre travail. D'autre part, nous procedons a une etude du fonctionnement textuel des mots "rire" et "sourire", a une analyse des procedes comiques utilises, et a une presentation des champs lexicaux et semiques entrant dans la constitution du paradigme de la destinee humaine percu a la fois comme illusion comique et comme realite tragique. Enfin, tous ces elements sont integres dans un developpement portant sur l'etude des rapports qui existent entre la derision et le sentiment tragique d'une part, la derision, la verite, la pensee et l'enseignement de l'autre<br>Louis guilloux's work: le sang noir deals with the problem of derision and with its links to the major themes: the methods of teaching, the moral sense, and the knowledge. A reading of the main works of this writer help us to understand his perception of the world. This reading constitutes the first part of our work. We also set up a study on the functionnement in the text, of the words "laugh" and "smile", on an analysis of the comic processes used, and on the presentation of the lexical and semical fields which fall into the building of the paradigma of the human destiny which is at the same time considered as "comic'illusion" and as "tragic reality". Funally, all these elements are integrated into a development which focus on a study of the links which exist, on the one hand, between derision and the feeling of tragedy, and on the other hand, between derision, truth the thought and teaching
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Toulze, Thierry. "Le sacrifice comique de Valère Novarina : étude rhétorique de la période 1975-2010." Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20093/document.
Full textAbstract:
Comique, tonique, rythmée, inventive, chaotique, esthétique et parfaitement incompréhensible, la langue de Valère Novarina est ici considérée sur un plan formel. A travers une description panoramique et nuancée de l’arsenal rhétorique novarinien, cette thèse se propose d’établir un bilan complet du travail accompli jusqu’à présent par le dramaturge. Une recension systématique des figures de style les plus récurrentes se présente, universitairement parlant, comme une des façons d’explorer ce nouveau continent. S’il y a rupture, il y a aussi reconduction de traditions parfois très anciennes (farce, carnaval, mystère), ce qui n’empêche pas Novarina d’être au cœur de la modernité. Les pièces mises en avant le sont en fonction de l’aspect formel étudié : retravail de la matière biblique, critique des medias et des institutions, tribut payé à Shakespeare, cirque, nourriture, vide, kénôse, « pantinité », etc. En somme, cette étude se propose d’atteindre les objectifs suivants : montrer la fantastique diversité rhétorique de ce théâtre et braquer les projecteurs sur sa dimension comique, aller sur des pistes peu explorées pour l’instant (sport, bestiaire, « logodynamique », science-fiction, taoïsme, enfance, pataphysique, correspondances avec Lewis Carroll), dresser une cartographie de cet imaginaire labyrinthique, fixer un cadre de travail en semant des cailloux à la manière du Petit Poucet, essayer de définir l’adjectif « novarinien » et toucher du doigt le mystère de cette œuvre-sphinx en faisant nôtre un des cris de guerre du démiurge : « Ce dont on ne peut pas parler, c’est cela qu’il faut dire »<br>At once comic, tonic, rhythmic, inventive, chaotic, aesthetic and utterly incomprehensible, the language used by Novarina is here considered on a formal level. Through a panoramic and subtle description of the rhetorical “Novarinian” arsenal, this work intends to establish a comprehensive evaluation of the work the playwright has done to this day. A systematic study of the most recurrent figures of speech amounts to exploring this new domain ; if there is novelty, there is also a subtle reneval of age-old traditions (farce, carnival, mystery) which does not prevent Novarina from being at the very heart of modernity. The plays will be selected and put forward according to the formal aspect studied : variations on biblical themes, critical of the media and other institutions, tribute to Shakespeare, circus, food, emptiness, kénôse, “pantinity”, etc. In sum, this study aims to achieve the following objectives : emphasizing the incredible rhetorical variety found in this plays and highlighting their comic dimension, finding new ways of exploring Novarina works (sport, bestiary, “logodynamic”, science-fiction, Taoism, childhood, Pataphysic, connections with Lewis Carroll), mapping this labyrinthine imagination, setting up a work-structure and marking out the path with pebbles as did Tom Thumb, attempting to define the adjective “Novarinian” and trying to explore the mystery of his sphinx-like work, accepting as our own one of the demiurge’s war cries : “What we cannot speak about, is precisely what we must say”
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Lakhdar, Salma. "La contestation masquée dans les histoires comiques au XVIIe siècle." Caen, 2016. http://www.theses.fr/2016CAEN1028.
Full textAbstract:
Les histoires comiques ne sont pas seulement comiques. Elles inaugurent une nouvelle forme littéraire qui donne corps aux principes de la philosophie libertine. Elles se détachent de l’esthétique traditionnelle des contes et des facéties médiévaux pour instaurer une nouvelle forme romanesque qui défie les normes usuelles et annonce ainsi l’allure narrative du roman moderne : les écrivains comiques fondent, sans être des théoriciens, de nouvelles règles romanesques. Le style, l’esthétique, le langage et les thèmes divergent mais se complètent. La diversité de l’histoire comique a été à l’origine de sa richesse mais aussi de sa disparition. Misant sur l’ambiguïté, les écrivains comiques et libertins choisissent le masque comme moyen de contestation. Dissimulation et simulation s’allient dans un schéma narratif complexe. Dépourvu de son aspect frivole, le comique se fait contestataire. Il est façonné par des écrivains qui n’ont ni la même expérience, ni le même style mais s’allient dans des objectifs communs : tourner en dérision l’idéalisation romanesque héritée du roman chevaleresque, introduire la réalité comme matière première de leur analyse, surtout sociale, et s’imposer face aux dogmatismes de la pensée catholique, surtout lorsqu’ils s’imposent par la violence ou par la force de l’État, notamment contre les protestants. La liberté est un objectif commun, la lutte perpétuelle engage des stratégies savantes. L’écriture contestataire devient signe de refus et de transgression, le comique est le moyen d’ouvrir de nouvelles voies de lecture. Les jeux de masque incitent le lecteur à chercher les interprétations dissimulées dans les textes sous différentes formes<br>Comic stories are not just amusing. They reveal a new literary form that embodies the principles of the Libertine Philosophy. They are detached from the traditional aesthetic medieval tales and jokes. Their novelistic form defies the usual standards and thus announces the narrative pace of the modern novel: comic writers based without being theorists, new romantic rules. Style, aesthetics, language and themes diverge but remain complementary. Ironically, the diversity of the comic story made it rich but accelerated its disappearance. Building on ambiguity, comic writers and freethinkers chose the mask as a way to protest. Concealment and simulation are combined in a complex narrative structure. Deprived of its frivolous aspect, the comic becomes a means to convey one's disapproval and contest. It is shaped by writers who did not have the same experience nor the same style but had common goals: deride the romantic idealization inherited from the chivalric novel, use the factual and the real as basis for scrutiny and analysis and face the dogmas of Catholic thought especially when violently or legally imposed on Protestants. As Freedom is the common end, the perpetual struggle engages clever strategies and writing becomes a sign of rejection and a means to refuse transgression, as well. Mask games urge the reader to interpret the different hints hidden in the texts. Hence, the comic openes new reading scopes
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Winkler, Jean-Marie. "Le théâtre de Thomas Bernhard : formes et structures." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100067.
Full textAbstract:
Ce travail étudie les quatorze premières pièces de Thomas Bernhard (auteur autrichien né en 1931), écrites de 1970 à 1984. La méthode choisie utilise les acquis du formalisme et du structuralisme, en tendant vers une interprétation des structures observées: en première partie, l'opposition systématique entre l'attente et le "divertissement" au sens pascalien détermine un théâtre de la négativité et de l'immobilisme, qui rend impossible toute action. La deuxième partie étudie les "mots", l'opposition entre parole et mutisme, ainsi que les diverses formes de la parole. L'écriture théâtrale se fait partition musicale et logique. La troisième partie traite de l'opposition du tragique et du comique : le tragi-comique indique une vision grotesque de l'homme et de l'univers, qui fait basculer ce théâtre dans le ridicule et le rire "amer". En conclusion, ce théâtre s'inscrit dans une forme de dramaturgie moderne qui renonce à l'illusion, et qui vise à rendre actif un spectateur désorienté. Face au néant, la dramaturgie combat ses propres ténèbres par la recherche obstinée de la forme et de l'œuvre d'art<br>This work analyses the first fourteen plays written by Thomas Bernhard (Austrian playwright born in 1931) which were written from 1970 to 1984. The method chosen here uses notions of formalism and structuralism and tries to provide an interpretation for the observed structures. In the first part, the systematic opposition between expectation and "divertissement" in the pascalian sense determines a theatre of negativity and immobility which makes any action impossible. The second part is a study of "words", of the opposition between speech and muteness as well as of the different forms of speech. Theatrical writing becomes a musical and logical score. The third part deals with the opposition between tragedy and comedy: tragy-comedy implies a grotesque vision of man and universe which makes that theatre shift to the ridicule and derision. As a conclusion, this theatre belongs to a modern dramatically trend which discards illusion and which aims at making a puzzled spectator active. Confronted with nothingness, the author fights his own darkness by means of an obstinate search for form and for the work of art
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Aubague, Mathilde. "Ambiguïtés du récit sério-comique de Rabelais à Fielding : formation du personnage, mystification du lecteur." Thesis, Dijon, 2012. http://www.theses.fr/2012DIJOL017.
Full textAbstract:
Notre étude se propose d’analyser les enjeux et les formes de la représentation d’une figure d’auteur dans la fiction narrative comique du XVIe au XVIIIe siècle en Europe. Cette figure, extérieure à la diégèse ou appartenant au personnel narratif, exhibe un discours d’auteur, mime un dialogue avec le lecteur, instaurant une communication narrative fictive avec le lecteur. Cette communication apparaît paradoxale, elle représente une parole orale, problématique dans un texte écrit, et la présence réelle de l’auteur est insituable dans le texte, la figure auctoriale appartenant déjà à l’univers fictionnel. Le dialogue avec le lecteur repose sur une fiction de présence et sur un dispositif rhétorique séducteur dont les enjeux sont pragmatiques. Le récit est donné comme porteur d’enseignements. Il thématise une formation du héros souvent sujette à caution, dont le lecteur doit démêler les enjeux. La structure comique du récit et de l’énonciation contribue à une mystification du lecteur, appelé à interpréter un texte ludique, à la fois comique et sérieux, qui refuse de livrer son sens de façon univoque. Du XVIe au XVIIIe siècle se mettent en place, en relation avec leur contexte d’écriture, les formes d’un genre sério-comique, qui repose sur la parodie et le détournement des codes et des formes de la littérature contemporaine, sur l’instauration d’une attitude intellectuelle ironique et critique et d’une communication fictive avec le lecteur. Nous analyserons les formes de l’ambiguïté énonciative et narrative chez Rabelais, chez l’auteur anonyme du Lazarillo, chez Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux et Henry Fielding<br>Our study intends to analyse the stakes and forms of a figure of author’s representation in the comical narrative fiction in Europe from 16th to 18th century. Such figure, either external to the diegesis or belonging to the narrative characters, produces the speech of an author, mimes a dialogue and by doing so, establishes an imaginary narrative communication with the reader. This kind of communication seems paradoxical. It represents oral speech, which is problematic in a written text; the actual presence of the author cannot be placed within the text whereas the auctorial figure already belongs to the fictional world. The dialogue with the author is set on an imaginary presence and on a seducing rhetorical device with pragmatic stakes. Lessons are expected to be drawn from this narrative. It topicalizes the forming of the hero, which is often questionable, and it is up to the reader to untangle the stakes. The comical structure of the narrative and of the enunciation contributes toward a deception of the reader who is expected to give an interpretation of an entertaining text which is both comical and serious, and which refuses to deliver its meaning in a univocal way. From 16th to 18th century forms of a serio-comic gender are established within their writing context. They rely on parody and diversion of the forms and codes of contemporary literature, on the introduction of an ironic and critical intellectual attitude as well as an imaginary interaction with the reader. We will analyse the different forms of enunciative and narrative ambiguity in Rabelais, in the anonymous author of Lazarillo to Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux to Henry Fielding
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Berger, Cécile. "Le "forestiero" dans le théâtre comique de Carlo Goldoni : l'oeil persan, la lunette d'astronome et le miroir." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081424.
Full textAbstract:
Apres les recentes manifestations du bicentenaire de la mort de carlo goldoni (1707-1793), aborder son theatre sous un jour nouveau etait rendu difficile par la richesse des derniers travaux. Ils avaient neanmoins permis de montrer la dimension europeenne de goldoni en son temps. Ainsi, l'etude du forestiero pouvait souligner un aspect interessant du theatre goldonien: ce personnage marque en filigrane le lien etroit entre "nous" et les "autres", le "meme" et le "different", entre le "proche" et le "lointain". . . Tout d'abord, le forestiero montre la realite venitienne grace a son oeil persan. Ensuite, il permet de souligner la dialectique dramaturgique goldonienne par sa presence-absence sur la scene et son regard detache sur les autres personnages. Enfin, il est l'autre qui est aussi le meme: il est le masque de goldoni lui-meme, le miroir d'une subtile autobiographie scenique parallele aux memoires ecrits a paris apres 1784. De nombreuses facettes du forestiero proviennent de la culture litteraire personnelle de l'auteur. La figure de l'acteur errant rappelle le roman comique de scarron. L'oeil persan, par son regard exterieur sur venise, est comme un echo des lettres persanes de montesquieu. Goldoni lui-meme, eternel forestiero, a venise egalement, parait ecrire sa propre autobiographie a la maniere des romans de voyage de son siecle. La vision analytique du pelerin errant pourrait bien provenir de l'interet de goldoni pour l'alchimie (son pere etait docteur): le forestiero est comme le medecin de la scene venitienne malade des obscenites de la commedia dell'arte et dont le dramaturge supervise la reforme progressive a travers une serie d'experimentations sceniques entre 1750 et 1753. Enfin, le forestiero est un avatar des nouveaux journalistes du xviiie siecle: il est un precurseur du caffe de l'illuminisme milanais (1764-66) caracterise par sa vision detachee et ironique sur la realite italienne<br>After the profusion of goldoni criticism following the 1993 bicentennial of his death, it was not so easy to find new ways of studying the playwright and his work. But these recent studies had shown how much of a european goldoni was at his time (1707-1793). So our choice of the character of the "foreigner" (forestiero in italian) could underline an interesting aspect of the goldonian theatre: the cryptic link between "us" and "them", the "same" and the "different", "here" and "there". . . First, the foreigner's presence would often show the venetian reality through his "persian" eyes. Second, he allows to emphasize the dialectic aspect of goldoni's dramaturgy through his presenceabsence on the stage and his isolated outlook upon the other characters. And finally, he is the "different" one who is also ambivalently the "same": he stands for goldoni himself, when he is turned into the mirror of a subtle stage autobiography, which parallels the memoires written in paris after 1784. Numerous aspects of the foreigner come from goldoni's own literary knowledge. The figure of the wandering actor is a follow-up from scarron's roman comique, the "persian" eyes that look out on venice strongly resemble montesquieu's in the lettres persanes. Goldoni himself forever foreigner - in venice too - seems to write his own autobiography in the manner of his century's travel novels. The errant pilgrim's analytical vision might come from goldoni's interest in alchemy (his father was a doctor): the foreigner is like the doctor of the diseased venetian stage (corrupted by the commedia dell'arte's obscenity) whose progressive transformation the dramatist is to oversee over a series of scenic experiments from 1750 to 1753. And finally, the foreigner is an avatar of the 18 th century new journalists: he is a precursor of the caffe of milan (1764-66) and their outside and ironical vision of italian reality
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Dia, Makhmouth. "Comique et tragique : la dramaturgie de Wole Soyinkia à l'épreuve d'une problématique théâtrale africaine." Caen, 2009. http://www.theses.fr/2009CAEN1560.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie le comique et le tragique dans le théâtre de Wole Soyinka. D'une part, elle analyse les représentations ainsi que les rapports dramaturgiques de ces catégories génériques dans son œuvre et, d'autre part, les place dans le contexte idéologique et sociologique africain moderne. Selon la critique, l'alliance du comique et du tragique constitue un des plus grands piliers du théâtre africain contemporain. Ce travail évalue la nature, les formes et les enjeux de cette alliance chez Soyinka. Dans la même optique, l'objectif est de déterminer le rôle du comique dans la tragédie africaine. Le dramaturge nigérian a proposé une tragédie africaine, à travers la cosmogonie, le rituel et la métaphysique yorouba. Mais comme souvent dans les propositions de tragédie africaine, il a sous–estimé le comique dans ce processus. Pourtant la complexité du comique dans son œuvre incite à une autre approche. D'une manière générale, la critique a semblé mal apprécié l'aspect comique dans la tragédie africaine. Pourtant, même si c'est un sujet insuffisamment étudié, les tragédies font rire le spectateur africain. On dit également que le rire et la célébration accompagnent la vie quotidienne en Afrique, même pendant les moments tragiques. L'œuvre de Soyinka illustre que ce comique, ce rire et cette célébration sont l'expression d'une tragédie de l'homme moderne. Le but de ce travail est aussi, à cet égard, d'identifier une tragédie africaine à travers la dramaturgie du comique. Le texte dramatique, le processus historique et esthétique et la poétique de la réception sont les axes sur lesquels repose cette expression<br>This research is a study of the comic and the tragic in the theatrical work of Wole Soyinka. It analyses, on one hand, the depiction and the dramaturgical relations between the comic and the tragic in his drama and, on the other hand, relates them to the sociological and ideological context of modern Africa. The association of the tragic and the comic is one of the most important pillars of contemporary African drama, according to critics. The aim of this research is to examine the nature, the forms and the meaning of this association in Soyinka’s drama. From the same viewpoint, the aim is to determine the place of comedy in African tragedy. The Nigerian dramatist has proposed an African tragedy based on Yoruba cosmogony, rituals and metaphysics. However, as it is usually the case with propositions of African tragedy, Soyinka has underestimated the comic in the process. Yet, the complexity of this comic invites to a different approach. Broadly speaking, critics seem to have misjudged the comic aspect in African tragedy. Although it is less researched area, it is known that African audiences laugh during representations of tragedies. It is also said that laughter and festivity are part of daily life, including during its tragic moments. On this respect, the aim of this research is to identify an African tragedy through the drama of comic. Soyinka’s drama shows that this comic aspect, this laughter, and this festivity are at the expression of man’s modern tragedy. The dramatic text, the historical and aesthetic process, and the poetics of its reception are the pillars of this expression
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Rullier-Theuret, Françoise. "De la figure de style au jeu de mots." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040122.
Full textAbstract:
Pour analyser le mécanisme du mot d'esprit, Freud fait appel à des modèles rhétoriques : calembours et jeux de mots empruntent les formes de la paronomase et de la métaphore. Partant de la théorie pour rendre compte des réalisations langagières particulières, il est possible de construire une rhétorique des jeux de mots sur le modèle d'une rhétorique des figures de style. Si le langage comique fonctionne comme le langage littéraire, il faudra donc chercher ailleurs que dans une description purement linguistique la différence irréductible entre une paronomase poétique et un calembour stupide, entre une bourde et un mot d'esprit. Faisant appel à des composantes pragmatiques, nous esquissons une sociolinguistique du discours comique : l'esprit n'est pas une pure recherche du plaisir, il veut agir, il apparait comme un moyen illusoire de transformer le monde, un moyen efficace de modifier les rapports conversationnels<br>In order to analyze the mechanisms of witticism, Freud uses rhetorical models: puns and wordplays are constructed like paronomasia and metaphor. Starting from the theory to describe specific linguistic forms and processes, one may use the rhetoric of stylistic devices to study puns under various forms. As the language of puns is based on the same rules as the language of literature, the irreducible difference between a foolish pun and a poetic paronomasia, between a blunder and a witticism will not be accounted for by a mere linguistic description. Resorting to pragmatic views, we have tried to analyze the language of comedy from a sociolinguistic point of view: wit is not a mere quest for pleasure, it is an active and illusory means of changing the world; it is also an efficient means of transforming conversational relationships
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Bisiacco-Henry, Nella. "Langage et rhétorique dans la poesia giocosa du XIIIe au XIVe siècle." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030189.
Full textAbstract:
L'objet de cette these est d'etudier le courant litteraire represente par la poesia giocosa toscane au moyen age. On s'est tout d'abord propose d'examiner la fortune crituque reservee a ces poetes en montrant les problemes souleves par l'interpretation et la denomination de cette maniere poetique. Dans un second temps, l'etude porte sur l'analyse de deux exemples: l'oeuvre de rustico di filippo (ne vers 1230 - mort vers 1291) et cecco angiolieri (ne vers 1260 - mort vers 1313). En examinant le traitement de la thematique "comique" chez ces deux poetes appartenant a des generations differentes, on s'est efforce de montrer que la poesie "comico-realiste", loin d'etre une simple transposition parodique de la poesie "elevee" pouvait representer une forme d'expression originale et une authentique invention litteraire<br>The purpose of this thesis is the study of the tuscan "poesia glooosa" in the middle ages. First was considered the attitude of the critics in front of these poets in order to show the problems raised by interpretation and appellation of this poetical style. Subsequently, the study is focused on the analysis of two examples: rustico di filippo (1230 - 1291) and cecco angiolieri (1260 - 1313)'s works. Observing the way each of the two poets belonging to different generations treat the set of "comic" themes, the author tried to show how the "comic realist" poetry, far from being a simple parody of the "high" lyrion, may be considered as a genuine literary expression and invention
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Giuffrè, Gabriele. "Le bestiaire de la violence sur la scène : métaphores animales dans le théâtre attique tragique et comique." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H092.
Full textAbstract:
La thèse analyse les métaphores animales dans le théâtre tragique et comique. Dans la tragédie les métaphores représentent l’histoire et les meurtres cruels de femmes violentes qui ont oublié leur rôle de mères et d’épouses, ces images poétiques représentent donc idéologiquement la violence des mères de la tragédie, Clytemnestre, Medea et d’Hécube. Dans la comédie à la place de métaphores animales concernent le caractère de Cléon, ce qui signifie qu’ils assument une valeur politique claire et veulent dénoncer la démagogie. Chaque image est analysée de manière comparative et selon les rapports d’intertextualité entre la comédie et la tragédie<br>The thesis analyzes the animal metaphors in the tragic drama and comedy. In tragedy metaphor represent the history and the cruel murders of ciolent women who have forgotten their role as mothers and wives. These poetic images thus represent ideologically the violence of anti-mothers of the tragedy, Clytemnestra, Medea, Hecuba. In comedy instead many animal metaphors relate to the character of Cleon, meaning that they assume a clear political value and want to denounce the demagogue. Each image is analyzed in a comparative manner and according to reports of intertextuality between comedy and tragedy
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Lucas, Léandre. "La tentation moraliste. Ambiguïté, discontinuité et circularité dans l’œuvre d’Ivan Gontcharov." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040177.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objectif de proposer un nouveau regard sur l’œuvre d’Ivan Gontcharov (1812-1891), romancier russe majeur du XIXe siècle et auteur du célèbre Oblomov. Cette recherche examine pour cela l’ensemble du corpus de l’auteur, à savoir ses quatre grandes œuvres : une Histoire ordinaire (1847), la Frégate Pallas (1858), Oblomov (1859), la Falaise (1869), ainsi que ses œuvres plus confidentielles, pour en saisir la cohérence et la portée générale. Nous examinons la figure du moraliste qui se profile derrière la création de Gontcharov. Cette thèse s’organise autour de trois axes principaux. Nous étudions, d’une part, le rôle du comique dans la production littéraire de Gontcharov en nous focalisant notamment sur l’intertextualité forte que l’on observe avec d’autres auteurs majeurs, comme Gogol ou Pouchkine, par exemple. Nous explorons ensuite la problématique de la nourriture et du corps dans le travail de Gontcharov. Nous nous intéressons notamment à la représentation symbolique des repas en menant, en parallèle, une réflexion sur la description du corps à travers toute son œuvre, et spécifiquement dans son récit de voyage. Nous envisageons enfin Gontcharov comme un peintre de la société russe en proposant une analyse détaillée de ses portraits de femmes, de ses questionnements sur la thématique du mariage et de sa critique ferme des passions. Toutes ces perspectives permettent de soutenir l’argument central de cette thèse, considérer Gontcharov comme un moraliste<br>In this thesis, I intend to offer a new vision of Ivan Goncharov’s works (1812-1891), major Russian novelist of the XIXth century and author of the famous novel Oblomov. I analyse all the works of the novelist : A Common Story (1847), Oblomov (1859), the Frigate Pallas, the Ravine (1869) and some of his less known short stories. I try to show how one could consider Goncharov as a moralist. My thesis is organized around three major themes. Firstly, I address the fundamental role of the comic elements in Goncharov’s literary production as I focus my attention on the strong intertextuality between Goncharov and other major authors of the XIXth century, such as Pushkin or Gogol. My second part is dedicated to the question of food and the body in Goncharov’s creation. I ponder over the symbolic representation of meals and cooking throughout his works. I also discuss the construction of bodies in his literary production, and more specifically in his travel writing. Finally, I examine Goncharov as a « painter » of the Russian society as I study his rich diversity of portraits of women, his considerations on marriage and his strong criticism of human passions, a fundamental argument of my thesis which stands perfectly in line with this vision of Goncharov as a moralist
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Dubor, Françoise. "Le monologue dramatique fin de siècle, 1872-1899 : une mode des débuts de la troisième République française, 1870-1914 ou l'art de parler pour ne rien dire." Lille 3, 1999. http://www.theses.fr/1999LIL3A011.
Full textAbstract:
Dans les vingt-cinq dernières années du XIXe siècle apparaît la vogue du monologue dramatique, courte pièce comique à un personnage. Les comédiens les plus réputés de l'époque s'y prêtent, au théâtre comme dans les salons parisiens. Nombre de dramaturges débutent ainsi pour se faire connaître, dont Feydeau. On attribue la paternité du genre à Charhes Gros, avec Le Hareng saur. Il confie à Coquelin cadet (comédien vedette de la Comédie-Française) l'interprétation de ses premiers monologues. Le premier couple ainsi posé promeut avec un grand succès ces textes auquel tant d'autres vont s'essayer. Ces textes courts, en vers ou en prose, formant un corpus volumineux. Sa qualité est inégale, mais il nous paraît difficile d'écarter certains textes au nom d'un critère de qualité esthétique : il est lié à celui de sa fonction sociale. Nous envisagerons son inscription et ses enjeux socio-historiques d'une part, esthétiques et dramatiques d'autre part. Du point de vue de la critique littéraire, il s'agit d'un terrain vierge. Quant au théâtre, ces textes laissent au XXe siècle une double trace : celle du divertissement théâtral (Cocteau) ; celle de l'expérimentation de ses limites (de Beckett à Dario Fo). Cette mise en danger de la théâtralité est pleinement présente dans les textes de la fin du XIXe siècle, qui déploient aussi une capacité généralisée de négation réflexive : la parole du personnage repose sur un malentendu initial tel que le discours entier est finalement annulé, réduisant l'action à la spectacularisation d'une parole vaine et littérale, qui motive l'efficace dramatique d'une logorrhée mécanique. Pris entre la récitation poétique dans le cas de l'écriture en vers, et le récit purement narratif, dans celui de l'écriture en prose, ces monologues mettent donc en cause leur propre théâtralité, tout en présentant un miroir satirique à la société bourgeoise
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Toublet, Cécile. "Le corps dans les histoires comiques au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040209.
Full textAbstract:
Les histoires comiques forment, de 1612 à la fin du siècle, un genre narratif divertissant qui, bien que traversé par des influences diverses, trouve sa cohésion dans de nets partis pris esthétiques : une écriture naturelle, une attention portée aux réalités, une apparente vérité des lieux, des situations et des personnages, ainsi que la présence d’une thématique sérieuse sous une fantaisie de façade. La redécouverte de ces oeuvres par la critique moderne a permis de souligner le rôle qu’elles ont joué dans l’évolution du roman au XVIIe siècle, après plusieurs siècles d’oubli ou de dénigrement. Assurément, avant toute analyse, les histoires comiques marquent surtout l’esprit par leur bouffonnerie : leurs auteurs n’écartent aucun ressort facétieux, si grossier soit-il, pour provoquer le rire. C’est, en effet, sur la mise en scène grotesque du corps que repose le plaisir franc et simple de ces oeuvres : visages difformes, anatomies disproportionnées, gesticulations, chutes, maladies, coups, chairs blessées ou sensuelles tissent le matériau narratif. Notre thèse propose de sonder cette présence ostentatoire du corps humain et de démontrer qu’elle est au centre de la fabrique du genre deshistoires comiques. En sus de cette exploration, notre étude cherche à affiner l’interprétation du divertissement corporel en prenant en compte son contexte culturel et anthropologique. Il s’agit de comprendre comment, au-delà de son rôle poétique et générique, le corps devient signifiant pour les auteurs du la narration comique du XVIIe siècle<br>From 1612 to the end of the century, comic novels constitute a entertaining narrative genrewhich, despite many diverse influences, finds its cohesion in firm aesthetic choices : a natural writing, an attention to reality, an outward truthfulness of places, situations and characters, as well as serious themes under the apparent farce. When the modern critique rediscovered those works, it underlined their crucial part in XVIIth century novel’s evolution, after a long period of oblivion or denigration. Indeed, previous to any analysis, comic novels strike mostly by their buffoonery : their writers don’t hesitate to use triviality and vulgarity to create laughter.Surely, the simple and franc pleasure of reading comic novels is based on the grotesque staging of the body : deformed faces, disproportionate anatomies, gesticulations, falls, illnesses, punches, armed or sensual fleshes forge the narrative material. Our thesis proposes to investigate the ostentatious presence of the human body and to demonstrate that it is at the heart of the construction of the comic novel as a genre. In addition to this exploration, our study seeks to sharpen the interpretation of the corporeal entertainment by taking into account its cultural and anthropological context. The aim is to understand how, beyond its poetical andgeneric part, the body becomes meaningful to the authors of XVIIth century comic narration
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Bassène, Ignace. "Le Tragique dans l'oeuvre d' Eugène Ionesco." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3002.
Full textAbstract:
Si d'aucuns pensent que la tragédie est morte, le tragique quant à lui reste une catégorie théâtrale toujours actuelle. Chez Eugène Ionesco, dramaturge de la deuxième moitié du XXe siècle, nous retrouvons le sens du tragique dans ses oeuvres même si celui-ci diffère de l'époque antique. Le tragique ionescien s'inspire sur une vision du monde fondamentalement absurde. Ainsi, à l'instar de ses contemporains comme Samuel Beckett par exemple, Eugène Ionesco propose un tragique humble (cf. Jeux de massacre : tragique = absence d'issue), un tragique politique à la mesure des bouleversements du siècle (cf. Rhinocéros, Le Roi se meurt, Macbett, etc.). A la place des héros combattants, on a chez Ionesco des fantoches qui gesticulent, des objets qui prolifèrent (cf. Les Chaises) ; un langage humain qui est mis en cause (cf. La Cantatrice chauve « tragédie du langage »). Le théâtre d'Eugène Ionesco naît plutôt de la crise de l'humanisme<br>If some people think that the tragedy died, the tragic as for him rest an always current theatrical category. At Eugène Ionesco, playwright of the second half of the XXth century, we find the sense (direction) of the tragic in its works even if this one differs from the antique time (period).The ionescien tragic is inspired on a vision of the world fundamentally absurd. So, following the example of his contemporaries as Samuel Beckett for example, Eugène Ionesco proposes a tragic humble (cf. Games (sets) of massacre: tragic = absence of outcome (exit)), a tragic political in the measure of the upheavals of the century (cf. Rhinoceros, King is dying, Macbett, etc.). On the place (square) of the heroes fighters, we have at Ionesco the marionettes which gesture, objects which proliferate (cf. Chairs); a human language which is questioned (implicated) (cf. The bald Opera singer "tragedy of the language"). The theater of Eugène Ionesco arises rather from the crisis of the humanism
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Neiertz, Patrick. "Lumières Obliques (Ironie et dialogues au XVIIIe siècle)." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040214.
Full textAbstract:
L’ironie dialogique, favorisée par plusieurs genres littéraires à l’époque des Lumières, est-elle un simple produit de l’esprit du temps ou l’adjuvant tactique nécessaire au progrès des idées ? Sous l’enjouement et le bel-esprit conversationnel des ironistes, comment ne pas discerner le masque rhétorique et ludique d’un examen critique qui, de l’esthétique à la morale et aux mœurs, n’épargne aucun domaine de l’autoréflexivité ? La thèse se place dans cette perspective en observant qu’au-delà de la topique narrative et fictionnelle, au-delà de la satire sociale et psychologique, les cibles cachées des ironistes sont souvent des paravents intellectuels forgés au siècle précédent : la défense raffinée du statu quo par la morale de l’honnêteté et la civilité de la politesse ; l’abstraction du commerce des sexes au moyen du langage de l’amour galant et des bienséances internes et externes; la quête du sublime tragique censé gratifier le sacrifice héroïque du bonheur au devoir d’état ; la comédie comique des vices individuels occultant le débat sur les vices institutionnels, etc<br>The rhetorics of Irony in Enlightenment’s written dialogues are no mere by-products of the then prevalent social mode of conversational interplay. Their careful perusal indicates that Irony and Humour were instrumental in the vast reshuffling of moral values, religious and political obedience, aesthetic codes, social behaviours that are a legacy of the period. This dissertation focuses on the four main literary areas where dialogical Irony plays an active role in textual topics: parody, comedy, philosophical dialogue and libertine novels. The hypothesis here offered is that ironic subversion is mostly aimed at mental and behavioural compliances made consensual during the Classical period, i.e.: politeness and “honesty” as paramount signs of social fitness; exaltation of the dramatic sublime as benchmark for excellence in Tragedy; allegory and propriety in the written rendition of love-making; linkage of social hardships to individual violation of Christian rules and not to collective/institutional failures; etc
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Lintner, Dorothee. "Avatars de l'épopée dans la geste rabelaisienne et les histoires comiques du 17e siecle." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030187.
Full textAbstract:
La thèse s’intéresse aux usages de l'épopée chez Rabelais et les histoires comiques du XVIIe siècle (Sorel, Furetière, Scarron, Tristan L’Hermite, d’Aubigné). Elle cherche à dépasser l’interprétation parodique, souvent mobilisée par la critique moderne, et à montrer comment ces auteurs semblent rivaliser avec les poètes héroïques de la même époque (Ronsard, Chapelain, etc.) en tentant de refonder le récit comique long. Tout d’abord, on tente d’évaluer la présence de l’épopée dans ces œuvres comiques par un relevé des références et des citations, et une redéfinition de l’héroïsme tel qu’il apparaît dans les récits. Dans un deuxième temps, on cherche à expliquer l’usage de ces références par les auteurs comiques, autrement que par le concept moderne et trop souvent plaqué de « parodie » : on s’intéresse donc aux usages sociologiques de l’épopée, qui sert à la satire politique, religieuse, mais aussi savante. Les historiens sont, par exemple, des cibles privilégiées, car ils se servent de l’épopée pour cautionner leurs projets d’historiographie nationaliste et mythologique. Ce travail doit enfin permettre de mesurer le rôle du genre épique dans le renouvellement de l’écriture comique, tel que l’a instauré Rabelais, et tel qu’il fut poursuivi par ses successeurs. Cette analyse permet de revenir sur la réception de Rabelais au XVIIe siècle, encore peu étudiée, autant que d’appréhender l’influence de ces longues histoires comiques en prose, dans les siècles suivants : romans d’aventures, romans de cape et d’épée – autant de genres qui ont bénéficié des innovations héroïques et vraisemblables de ces longs récits comiques d’une époque disparue<br>This dissertation focuses on the various uses of epic in Rabelais’ Books and in the comic novels of the XVIIth century (d’Aubigné, Sorel, Tristan L’Hermite, Scarron, Furetière). It attempts to go beyond the parodic interpretation commonly adopted by modern criticism towards this corpus, and to underline how these authors compete with the epic poets of that time (Ronsard, Chapelain etc.), as they try to renew the comic narrative. The first part of the study assesses the presence of epic features in the works: using a list of references and quotes, it strives towards a redefinition of heroism, as the paradigm appears in the texts. It then delves into the reasons why the authors so often refer to epic: as an efficient tool for their satiric discourses. The dissertation focuses on the sociological uses of epic that target political, religious and intellectual groups that appropriate epic models for their own purposes. Historians appear as privileged targets because they use epic to validate their historiographic projects, often imbued with nationalist and mythological tendencies. Finally, the work gauges the role of epic in the renewal of comic writing, as established by Rabelais, and continued by his epigones. This analysis sheds light on Rabelais’ reception in the XVIIth century, a topic that has scarcely been studied yet, and offers explanations for the lasting influence of these long comic and prosaic stories in the following centuries: adventure novels, swashbucklers and historical novels are some of the genres that may have taken advantage of the realistic and heroic innovations brought forth by these comic stories of a bygone age
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Carreau, Isabelle. "Ni simple ni sot : la "Lustige Person" dans la comédie viennoise (1724-1818)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040071.
Full textAbstract:
Cette étude sur le bouffon autrichien, entre le « hanswurst » de J. A. Stranitzky et la littérarisation des pièces comiques, recherche les éléments de persistance et de variabilité dans les textes dramatiques le mettant en scène. Pour ce faire, le corpus des pièces retenues a été soumis à un triple examen. Un relevé statistique portant essentiellement sur l'évolution typologique, une analyse sémantique et lexicologique du discours du personnage comique, une approche structuraliste des intrigues et des actions où il est impliqué. L'ensemble de ce travail démontre que, hors une évolution notable de la fonction sociale du bouffon, et malgré une multitude de masques et de pièces, le personnage comique jouit d'une remarquable stabilité. L'analyse sémantique et lexicologique affirme la constance d'un déferlement verbal qui, dans une apparente bêtise, déconstruit les valeurs et corrompt le réel. L'approche structuraliste le place sur toute la période au centre organique des pièces, et ce, même s'il n'en est pas le personnage principal, faisant de lui l'élément dynamique du jeu théâtral. Le bouffon nous apparait donc, quels que soient ses habits, comme l'organisateur scénique et comme le maitre du verbe, image bien éloignée de la bêtise et de la niaiserie affichées.
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Cliche, Marie-Ève. "Illusion et rhétorique de la folie comique entre 1630 et 1650 : le discours des mythomanes et des monomaniaques dans Le Menteur de Pierre Corneille, Les Visionnaires de Jean Desmarets de Saint-Sorlin et Polyandre de Charles Sorel." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/28422/28422.pdf.
Full textAbstract:
Par le biais d’une analyse du discours des personnages excentriques que nous retrouvons dans deux comédies et dans un roman comique français des décennies 1630-1640, Les Visionnaires (1637) de Jean Desmarets de Saint-Sorlin, Le Menteur (1643) de Pierre Corneille et Polyandre (1648) de Charles Sorel, nous nous intéressons aux liens qu’entretiennent illusion et folie au milieu du XVIIe siècle. Nous examinons plus précisément les procédés discursifs et rhétoriques caractéristiques du discours des personnages de fous comiques de cette période, afin de dégager des tendances révélatrices de la pensée d’une période de transition marquée par les questions de l’illusion et des apparences, mais aussi par celles de la raison, de la vraisemblance et de la juste mesure. Nous adoptons ainsi, en parallèle, une approche anthropologique de la littérature nous permettant d’envisager la parole de l’extravagant à partir des rapports étroits qui liaient les différents savoirs à cette époque.
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Fernandez, Matthieu. "Les images dans les Harangues et les Plaidoyers politiques de Démosthène : de la communication politique à la littérature." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040157.
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La thèse analyse, dans les domaines de la nature, de la médecine et de la guerre, en quoi les métaphores et les comparaisons relèvent de la communication politique et participent d’une ambition littéraire. Démosthène emploie ses images de manière très cohérente. Au sein d’un même discours, il articule des images différentes autour d’un même noyau sémantique. Il répète aussi une même image au service d’une même idée d’un discours à l’autre. Démosthène élabore ainsi de véritables slogans métaphoriques destinés à promouvoir ses idées politiques. Certains sont repris par ses amis politiques et combattus par ses adversaires. L’étude des images permet ainsi d’aborder sous une perspective nouvelle les problèmes de la propagande et de la collaboration politique dans l’Athènes du IVème siècle. Au-delà de cette finalité pratique, métaphores et comparaisons demeurent un matériau littéraire qui permet à Démosthène d’enrichir le style de ses discours en multipliant les registres. Elles s’inscrivent dans la tradition homérique ou comique par la reprise de certains motifs, selon que l’orateur souhaite célébrer son action politique ou dénigrer ses adversaires. Ou bien elles les font rivaliser avec les développements les plus récents de la prose d’art, telle que la pratiquent Platon et Isocrate. De ce point de vue, le Sur la couronne tient une place à part : en raison du caractère rétrospectif du discours, qui se livre à un bilan politique, l’ambition littéraire est à son sommet. Mais, là encore, elle n’est pas séparable de la finalité rhétorique et pratique : les images servent à défendre une politique, dans un véritable panégyrique<br>This work examines how the imagery which Demosthenes takes from nature, medicine and warfare, is a tool of political propaganda and gives a literary shape to his speeches as well. Demosthenes uses this imagery very coherently. In the same speech, he links different kinds of imagery around the same meaning-core. Furthermore, he repeats the same imagery to mean the same thing in different speeches. Demosthenes thus works out true metaphorical slogans so as to promote his main political ideas. Some are taken up by his political friends and fought off by his enemies. Therefore, by studying imagery we can cast a new light on these two fundamental issues in the Ancient Athens of 4th century B.C. : how did the orators use to organise their political propaganda and how might they have collaborated with each other ? But imagery goes beyond this practical aim. Metaphors and similes are literary material which enables Demosthenes to enrich his speeches’ style through different registers. They give them a Homeric or a comical tone and shape, when Demosthenes uses some patterns again to extol his policies or to disparage his adversaries. With metaphors and similes, Demosthenes is also rivaling with the recent trends of Kunstprosa, as it is practised by Plato and Isocrates. From this point of view, the speech On the crown has a special place : in this speech, because of its retrospective point of view, which asseses his overall policies, Demosthenes brings his literary claims to a climax. Nevertheless, such an ambition cannot be separated from his rhetorical and practical aims : imagery is being used to defend his policies, in a real panegyric
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Jaziri, Anissa. "Drôlerie et noblesse : l'esthétique et l'éthique du corps des aristocrates à l'épreuve des dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100004/document.
Full textAbstract:
Alors que le corps des gens du peuple a inspiré beaucoup d'approches sociologiques et anthropologiques, notre recherche s’est focalisée sur les images du corps des personnages issus de l’aristocratie données par les dramaturgies comiques et tragi-comiques du XVIIe siècle français. Si la présence souvent héroïsée de cette catégorie sociale est de mise dans le genre dit « noble » de la tragédie, elle est, et selon une longue tradition aristotélicienne, bannie du genre comique considéré comme plus susceptible à accueillir le médiocre, voire le laid, physique et moral et de considérer les choses du corps.Basée sur un corpus d’une soixantaine de comédies et tragi-comédies datant de 1629 à 1690, notre étude des représentations des nobles a permis de dégager une esthétique toute particulière de leurs aspects physiques et de nous interroger sur la compatibilité entre ces personnages d'"honnêtes hommes" à ce point idéalisés et le rire. Cependant, pour mieux dire la présence plaisante du corps noble sur scène, nous avons recouru à une notion moins franche que celle de comique, celle de la drôlerie, qui réside entre l’agrément de la célébration des beautés des aristocrates concernés par l’action et la conscience plaisante des excès de cette perfection, entre la déconcertante inventivité, voire la grandeur, des nobles qui se déguisent et les éclats de rire qu'inspirent certains de leurs défauts/défaillances corporels, naturels ou acquis, entre le spectacle amusé de leur sensualité peu contrariée ou désinvolte, l’exultation suscitée par leur libertinage militant, qui fait réfléchir, et une sorte de malaise devant le cynisme de quelques-uns, entre l'admiration des talents de comédiens permettant les bons tours, grâce à une belle dextérité gestuelle, et la jubilation qu’inspire la réussite des protagonistes bien nés. Affleure souvent une certaine gravité des enjeux, quand il s'agit des désirs de liberté qu’expriment les corps sur scène, surtout lorsqu'on a affaire à des femmes, quand sont représentés des excès violents ou encore des comportements hypocrites. Autant d'impressions fort riches qu'amplifie la mise en espace et en voix par des comédiens qui laissent aussi entendre une sorte de mystère des mots. Toutes les nuances de la drôlerie, d'un comique qu'on perçoit comme un peu étrange, semblent avoir été expérimentées par nos poètes dramatiques pour faire accéder les nobles à la scène comique et, un temps, au genre mêlé de la tragi-comédie."<br>While the body of the common people has inspired many sociological and anthropological approaches, our research has focused on the study of the body image of aristocratic characters in french seventeenth century comic and tragic dramaturgies.Although the often heroic presence of this social category is part of the so-called "noble" genre of tragedy, it is, and according to a long Aristotelian tradition, banned from the comic genre considered more susceptible to the mediocre, even the ugly, physical and moral, and to consider things of the body. Based on a corpus of sixty comedies and tragicomedies dating from 1629 to 1690, our study of the physical images of the nobles then leads to a particular aesthetic that makes us question the compatibility between the often idealizing representation of the "honest men" and laughter. However, to highlight the pleasant presence of the noble body on stage, we referred to a more subtle notion than the comic, that of the drollery which lies between the approval of the celebration of the beauties of the aristocrats concerned by the action and the pleasant awareness of the excesses of this perfection, between the disconcerting inventiveness, even the grandeur, of the nobles who disguise themselves and the bursts of laughter inspired by some of their bodily or natural defects or failures, between the amused spectacle of their sensuality little annoyed or casual, the exultation aroused by their militant libertinism, which makes you think, and a kind of unease in front of the cynicism of the few, between the admiration of the talents of actors allowing good tricks, thanks to a beautiful gestural dexterity, and the jubilation inspired by the success of well-born protagonists. The stakes become even higher when it comes to the desire for freedom that the bodies express on stage, especially those of women when violent excesses or hypocritical behavior are represented. So many rich impressions that amplifies the setting in space and in voice by actors who also let hear a kind of mystery of the words. All the shades of drollery, of a comic that we perceive as a little strange, seem to have been experienced by our dramatic poets to bring the nobles to the comic scene and, at one time, to the mixed genre of tragi-comedy
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Ains, Emilie. "Les métamorphoses d’Eulenspiegel : réécritures d’un (pré)texte médiéval dans la littérature allemande, 1947-1977." Thesis, Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20048.
Full textAbstract:
Eulenspiegel est une des rares figures littéraires du XVIe siècle à jouir jusqu’à aujourd’hui d’une renommée considérable en Allemagne. Pourquoi et comment Eulenspiegel demeure-t-il particulièrement présent dans le paysage littéraire allemand après 1945 ? Ce travail se concentre sur des réécritures du recueil de farces Ein kurtzweilig Lesen von Dil Ulenspiegel, l’oeuvre la plus ancienne dans laquelle apparaît Eulenspiegel. L’étude préalable de ce recueil montre que, tel Janus, il présente deux visages : l’un promeut les normes établies, relevant de l’ordre juridique, religieux ou social, tandis que l’autre incite à transgresser ces dernières. L’ambivalence du recueil est due à sa composante comique et à l’absence d’une délimitation claire entre l’autorisé et l’interdit, entre le souhaitable et le répréhensible. L’analyse des transpositions du recueil produites par Bertolt Brecht, Christa et Gerhard Wolf et Thomas Brasch met au jour les procédés employés relevant de l’inter- et de l’hypertextualité, tels que les définit Gérard Genette. L’étude de la Ballade de Günther Weisenborn éclaire les textes de B. Brecht, nourris par l’échange entre les deux auteurs. Cette pièce sert de contrepoint aux autres réécritures pour distinguer les transpositions du recueil et les adaptations de la figure. Les réécritures analysées attribuent à Eulenspiegel, dans des contextes historiques différents, une fonction de résistance combinée à une fonction identitaire. Les métamorphoses d’Eulenspiegel s’inscrivent dans une veine comique de la littérature allemande qui plonge ses racines dans la farce médiévale<br>Eulenspiegel is one of the rare literary figures of the 16th century to enjoy until today a significant celebrity in Germany. Why and how does Eulenspiegel remain particularly present in the German literary landscape after 1945? This work concentrates on rewritings of the chapbook Ein kurtzweilig Lesen von Dil Ulenspiegel, the most ancient work in which appears Eulenspiegel. The preliminary study of this collection of pranks shows that, such Janus, it presents two faces: the one promotes the established norms, related to the legal, religious or social order, whereas the other one incites to break these last ones. The ambivalence of the chapbook is due to its comic component and to the absence of a clear demarcation between what is authorized and what is prohibited, between the desirable and the reprehensible. The analysis of the transpositions of the chapbook produced by Bertolt Brecht, Christa and Gerhard Wolf, and Thomas Brasch brings to light the employed processes related to inter- and hypertextuality, such as Gérard Genette defines them. The study of the Ballad of Günther Weisenborn sheds light on the texts of B. Brecht, fed by the exchange between both authors. This play acts as counterpoint to the other rewritings to distinguish the transpositions of the chapbook and the adaptations of the figure. The analyzed rewritings attribute to Eulenspiegel, in different historic contexts, a function of resistance combined with a function of identity. The metamorphoses of Eulenspiegel belong to a comic vein of the German literature which plunges its roots into the medieval prank
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Vintenon, Alice. "Phantasia plus quam fantastica : penser en fiction à la Renaissance." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100121.
Full textAbstract:
This study intends to highlight and explain the development, in the Renaissance, of a category of fictions characterized by their comical improbability and their - more or less serious - claim to convey a philosophical content. Based on a corpus of six Italian and French “philosophical fantasies” (Alberti’s Momus, Ariosto’s Orlando Furioso, Folengo’s Baldo, Rabelais’s works, Ronsard’s “seasonal hymns”, and Philippe d’Alcripe’s Nouvelle Fabrique), our study aims at defining this category, and showing how a fictional pattern, initially borrowed by Italian humanists from Lucian of Samosata, has been adapted to new philosophical stakes and controversies. Our last six chapters are devoted to case studies. The five previous ones explore, from a theoretical perspective, the status of incredible fictions in the horatian, platonic and aristotelian poetics: far from being systematically regarded as lies, or considered as artistic failures, they benefit from the high value granted to fictional invention and to the intellectual impact of astonishment. However, their relationship to the allegorical tradition is complex: while they constantly refer to it, they resist to the allegorizers’s investigation. This ambiguity is specific to the products of creative fantasy which, in Renaissance philosophy, is a strongly ambivalent faculty of the soul<br>This study intends to highlight and explain the development, in the Renaissance, of a category of fictions characterized by their comical improbability and their - more or less serious - claim to convey a philosophical content. Based on a corpus of six Italian and French “philosophical fantasies” (Alberti’s Momus, Ariosto’s Orlando Furioso, Folengo’s Baldo, Rabelais’s works, Ronsard’s “seasonal hymns”, and Philippe d’Alcripe’s Nouvelle Fabrique), our study aims at defining this category, and showing how a fictional pattern, initially borrowed by Italian humanists from Lucian of Samosata, has been adapted to new philosophical stakes and controversies. Our last six chapters are devoted to case studies. The five previous ones explore, from a theoretical perspective, the status of incredible fictions in the horatian, platonic and aristotelian poetics: far from being systematically regarded as lies, or considered as artistic failures, they benefit from the high value granted to fictional invention and to the intellectual impact of astonishment. However, their relationship to the allegorical tradition is complex: while they constantly refer to it, they resist to the allegorizers’s investigation. This ambiguity is specific to the products of creative fantasy which, in Renaissance philosophy, is a strongly ambivalent faculty of the soul