Dissertations / Theses: 'Communications and the Arts'

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Vantine, Karin. "Communications sourcebook /." Online version of thesis, 1992. http://hdl.handle.net/1850/11867.

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Hendricks, Robert W. "Communications technology : a taxonomy /." The Ohio State University, 1986. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1487267024995694.

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Girard, Claire. "The internet table: how Canadian arts and culture organisations engage with telecommunication policy." Thesis, McGill University, 2013. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=119753.

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Abstract:

This project examines the engagement of Canadian arts and culture organizations with telecommunication policy at two Canadian Radio-television and Telecommunications Commission (CRTC) hearings held in 2009. The thesis argues that during the Broadcasting in New Media hearing arts organizations added a new set of issues to their historically content-centric advocacy concerns and began engaging with policy that regulates carriage. At the second hearing, the Review of the Internet Traffic Management Practices of Internet Service Providers, these groups in their comments and presentations to the regulator directly address the design, implementation and technical functioning of telecommunication technologies. The thesis proposes a typology of Canadian arts and culture organizations and gives an account of their history of communication and cultural policy advocacy. Using a Science and Technology Studies and Actor-Network Theory oriented definition of technology the project shows that the participation by these groups in formal policy-making forums on internet governance issues is supplemented by other productive modes of engagement with information and communication technologies (ICTs). This thesis gives examples of these organizations integrating ICTs in their work and argues that such practices effectively produce and re-define the internet. Canadian arts and culture organizations would gain from adopting an understanding of ICTs that reflects their mutually constitutive and co-productive relationship. The thesis concludes that to become more empowered in both their practices and in policy decision-making arts and culture organizations should define telecommunication infrastructure as a material agent and participant.
Ce projet examine l'engagement d'organismes culturels Canadiens avec les politiques de télécommunication lors de deux audiences publiques au Conseil de la Radiodiffusion et des Télécommunications Canadiennes (CRTC) en 2009. Le mémoire argumente que durant l'audience sur La Radiodiffusion Canadienne par les Nouveaux Médias ces organismes ont ajouté de nouvelles problématiques aux intérêts, historiquement centrés sur le contenu, qu'ils défendent et ont commencé à plaidoyer les politiques qui gèrent le transport des données. Lors de la seconde audience, l'Examen des Pratiques de Gestion du Trafic Internet des Fournisseurs de Services Internet, ces organismes ont adressé directement le design, l'implémentation et le fonctionnement technique des technologies de la télécommunication dans leurs commentaires et présentations au Conseil. Le mémoire propose une typologie des organismes culturels Canadiens et résume leurs antécédents en défense des politiques culturelles et des communications. En utilisant une définition de la technologie orientée par les Études des Sciences et Technologies ainsi que de la théorie de l'acteur-réseau le projet démontre que la participation de ces groupes aux forums officiels d'élaboration des politiques de gouvernance internet est complétée par d'autres modes productifs d'interaction avec les technologies d'information et de communication (TIC). À l'aide d'exemples d'intégration des TIC par ces organismes dans leur travail le mémoire fait valoir que de telles pratiques produisent et contribuent à la redéfinition de l'internet. Les organismes culturels du Canada gagneraient à adopter une définition des TIC qui reflète leur relation mutuellement constitutive et co-productive. Le mémoire conclut que les infrastructures de télécommunication doivent être comprises comme étant des acteurs matériels et des participants afin de renforcer et responsabiliser les pratiques et la défense de politiques de ces organismes.

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Frozzini, Jorge. "Comprendre l'intimité: une forme de pouvoir au sein des audiences de la commission Bouchard-Taylor." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=96920.

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Abstract:

This thesis investigates the status of intimacy in late modernity. It adresses two questions: how should we consider intimacy today? And how can intimacy help us understand social phenomena such as the Bouchard-Taylor Commission?To answer these questions, intimacy is conceptualized as a form of power that regulates the space of social differentiation that exists between individuals in modern societies. The analysis is inspired by philosophical hermeneutics, but also a series of transdisciplinary approaches enabling us to account for the various dimensions of the issue. The thesis provides a close reading of 64 interventions made during the Quebec Citizen's Forum of the Consultation Commission on Accommodation Practices Related to Cultural Differences, better known as the Bouchard-Taylor Commission. These interventions are analyzed using a methodology inspired by the "Depth Hermeneutics" developed by John B. Thompson, which comprise three levels of analysis: social-historical analysis, discursive analysis and interpretation. I have enriched this method with the feminist insights of Sara Ahmed.The analysis is framed by a general context that includes the main elements of modernity and late modernity in the West, the more particular context of Quebec, and the effects of the September 11, 2001 attack on the United States and its aftermath. Additionally, the thesis situates this analysis in the more specific context surrounding the creation and the work of the Bouchard-Taylor Commission. This contextualization combined with a discourse analysis of the interventions themselves helped to unveil dimensions of intimacy that play a significant role in distancing and approaching bodies in public space and therefore have an influence on the differentiation of individuals in the community. In addition, this thesis argues that people are driven to manipulate their most intimate dimensions in order to gain the recognition of others. This is characterized as a by-product of the clash between our capacity for action and regulatory processes that reduce our margin of independence in late modernity.
Cette thèse a comme tâche principale de répondre aux interrogations concernant le statut de l'intimité dans la modernité avancée. En effet, nous y avons répondu à deux interrogations : comment devrions-nous considérer l'intimité aujourd'hui? Et comment peut-elle nous aider à comprendre des phénomènes sociaux comme la Commission Bouchard-Taylor?Pour répondre à ces questions, nous avons conceptualisé l'intimité à l'aide des dimensions y étant associées comme une forme de pouvoir aidant à la normalisation et au contrôle de l'espace à travers la différenciation sociale qu'elle effectue entre les individus. L'analyse présentée est basée sur un cadre théorique inspiré de la philosophie herméneutique, mais aussi d'une série de courants transdisciplinaires nous permettant de rendre compte des diverses dimensions de la question. Comme terrain d'étude, nous avons choisi 64 allocutions effectuées lors des Forums de citoyens de la Commission de Consultation sur les Pratiques d'Accommodement, mieux connue sous le nom de Commisison Bouchard-Taylor. Pour étudier ces allocutions, nous avons fait appel à la méthodologie inspirée du « depth hermeneutics » de John B. Thompson avec les trois niveaux d'analyse suivants : une analyse sociohistorique, une analyse discursive et l'interprétation. Cette méthode, nous a été enrichie à l'aide des travaux de Sara Ahmed, auteure féministe prolifique.Nous avons effectué une analyse du contexte général couvrant les principaux éléments de la modernité et de la modernité avancée, puis une analyse du contexte québécois, sans oublier les effets du 11 septembre 2001. Nous avons aussi présenté le contexte particulier entourant la création et les travaux de la Commission Bouchard-Taylor. Cette contextualisation jumelée à l'analyse discursive des allocutions nous a permis de constater que les dimensions de l'intimité jouent un rôle non négligeable dans le rapprochement et l'éloignement des corps dans l'espace et donc dans la différenciation des individus dans la communauté. Enfin, cette thèse nous a permis de voir que les individus sont poussés à manipuler leurs dimensions les plus intimes afin d'obtenir la reconnaissance de l'autre. Ce phénomène résulterait de nos capacités d'action qui se heurtent au processus de régulation et de contrôle externes diminuant notre marge d'indépendance dans la modernité avancée.

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Laurin, Helene. "La valorisation à travers les récits de vie mythiques: le projet autobiographique de Mӧtley Crüe au sein de la culture rock." Thesis, McGill University, 2013. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=116935.

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Abstract:

Mötley Crüe is a glam metal cult group that was popular mostly during the 1980s. They are still well-known for their decadent lifestyle. Since 2001, the four members of the band (Nikki Sixx, Tommy Lee, Vince Neil and Mick Mars) have published no less than six autobiographies, amounting to a dense and varied autobiographical project. This doctoral dissertation examines Mötley Crüe's autobiographical project in terms of its performativity, or in other words, its accomplishments. The mythical narratives that are told act on rock culture on four levels in particular: sex, drugs, rock n' roll and wisdom. In order to understand what Mötley Crüe's autobiographical discourses mean, I chose to do close readings of numerous passages which offer us narratives taking us into their debauched lives, and rely on the many "I"'s weaved into the text. As a contribution to cultural studies, my analysis of these different narratives benefits from the theoretical input of many fields of research, including communication studies, gender studies, literature, sociology and art history. This research shows that rock culture has moved to welcome sensational discourses (sensational both in terms of the bodily sensations described and the strong impressions these discourses create), like those articulated in the autobiographies (and the first, in particular) by members of Mötley Crüe. At the same time, the group's later autobiographies reveal another movement: their autobiographical discourses correspond more and more with the values through which rock culture is consecrated, as they speak more and more of their songs, their artistic visions and their creativity.
Mötley Crüe est un groupe culte de glam metal qui a surtout été populaire pendant la décennie 1980, et qui demeure connu à ce jour pour le style de vie débauché de ses membres. Depuis 2001, Nikki Sixx, Tommy Lee, Vince Neil et Mick Mars ont publié un total de six autobiographies, ce qui constitue un projet autobiographique dense et varié. Cette thèse propose d'étudier le projet autobiographique du groupe Mötley Crüe du point de vue de sa performativité, autrement dit, sur le plan de ses accomplissements. Les récits mythiques qui y sont racontés agissent au sein de la culture rock à quatre niveaux : sexe, drogues, rock n' roll et sagesse. Pour comprendre ce que les discours autobiographiques des membres de Mötley Crüe signifient, j'ai opté pour des lectures rapprochées de plusieurs passages, constituant autant de récits immersifs sur leur vie décadante, mettant à profit les différents « je » tissés à même le texte. Mon projet de recherche relevant des cultural studies, l'analyse de ces différents récits passe par l'apport théorique de plusieurs champs de recherche, dont les études en communication, les gender studies, la littérature, la sociologie et l'histoire de l'art. Il ressort de cette recherche que la culture rock est maintenant différente et plus accueillante envers les discours sensationnalistes (compris comme les sensations corporelles et les fortes impressions que ces discours créent), tels que ceux articulés par les membres de Mötley Crüe dans leurs premières autobiographies. Par ailleurs, les dernières autobiographies du groupe révèlent un autre mouvement : leurs discours autobiographiques s'accordent de plus en plus avec les valeurs de la culture rock consacrée, alors qu'ils discourent à propos de leurs chansons, de leurs visions artistiques et de leur créativité.

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Bryant, Ursula Moore. "Tolerance: Challenge, Perception, and Social Stigmas Defined through Visual Communications." Digital Commons @ East Tennessee State University, 2007. https://dc.etsu.edu/etd/2095.

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Abstract:

My explorations and journey through life have led me to discover a connection in my work and responsibility as a visual communicator. My objective of communicating challenge, perception, and social stigmas through informed stories of individual lives is to provoke questions and spark moments of awareness in viewers. With this supporting manuscript, I hope to inform about my motivations through time including my personal, artistic, and historical influences. I will define graphic design as a fine art through the evaluation of artistic movements. I also intend to discuss design as a language and build a case for social awareness. Evaluating the process of my work will enlighten the technical aspects of my unique aesthetic and prove the success of my intention.

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Holton, Carolyn F. "The impact of computer mediated communication systems monitoring on organizational communications content." [Tampa, Fla] : University of South Florida, 2008. http://purl.fcla.edu/usf/dc/et/SFE0002440.

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Brickler, Abigail. "Social Engagements: Facebook, Twitter, and Arts Marketing." University of Akron / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=akron1555949375427389.

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Burton, Samantha. "Canadian girls in London: negotiating home and away in the British World at the turn of the twentieth century." Thesis, McGill University, 2012. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=107634.

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Abstract:

This dissertation examines the ways in which Canadian women artists who lived as expatriates in Britain managed multiple and often competing ideas about home in their writing and artwork in the late nineteenth and early twentieth centuries. Focusing on a small group of professional, white, English-Canadian painters, including Emily Carr, Elizabeth Armstrong Forbes, Mary Alexandra Bell Eastlake, Helen McNicoll, and Frances Jones, I reveal links between Canada and the greater British Empire that have tended to be lost in nationalist art history narratives. Though well-known and respected during their lifetimes as successful professional artists who pursued international careers, Canadian women of the pre-WWI period have since been almost exclusively studied through the narrow lens of the ideology of separate spheres. Without dismissing the very real restrictions that women did face because of their gender, I maintain that this distinction between public and private neglects the colonial context in which white Canadian women lived and worked. Indeed, the nineteenth-century cult of middle-class domesticity and the era of high imperialism went hand in hand: "home," the personal space of the family, and "home," the social space of a nation, were twinned in the discourse of empire, both signifying a bounded, secure, and racialized space of belonging, safely separate from the outside world. Indeed, the maintenance of this strict division between "home" and "away" was one of the structuring fictions of imperialism. By insisting on the importance of a consideration of the specificity of the experience of artists like Carr, Forbes, Eastlake, McNicoll and Jones as not just women, but as white women, and even more specifically, as white women working within the context of British imperialism, my work pushes at the boundaries of the now well-established framework of white feminist art history, which has overwhelmingly tended to shy away from questions of race and empire. Through an examination of primary sources such as letters, travel diaries, autobiographies, and sketchbooks, and a close analysis of visual representations of motherhood, domestic interiors, and literary and historical subjects, I argue that both senses of home were met with a deep ambivalence, that the boundaries between home and away were permeable, and that the global public and domestic private were, in fact, intertwined and mutually constitutive. By dismantling these boundaries and examining the networks that stretched across the Atlantic and throughout the English-speaking world, I situate Carr, Forbes, Eastlake, McNicoll, and Jones within the context of what has come to be called the "British World."
Cette thèse examine les façons dont les femmes artistes canadiennes, en tant qu'expatriées en Grande-Bretagne, traitaient des idées multiples et souvent contradictoires du foyer au cours de leurs écrits et de leurs œuvres d'art vers la fin du XIXe et au début du XXe siècle. En visant un petit groupe de peintres, anglo-canadiennes de race blanche, telles qu'Emily Carr, Elizabeth Armstrong Forbes, Mary Alexandra Bell Eastlake, Helen McNicoll, et Frances Jones, je révèle des liens entre le Canada et l'Empire britannique qui ont eu tendance à se perdre dans les récits nationalistes d'histoire de l'art. Bien que ces artistes soient reconnues et respectées au cours de leur vie en tant qu'artistes professionnelles accomplies ayant poursuivi des carrières internationales, ces femmes canadiennes de la pré-période de la Première Guerre mondiale furent depuis étudiées presque exclusivement par le biais d'un prisme idéologique étroit, soit deux sphères distinctes. En tenant compte des restrictions réelles que posait leur statut de femme à cette époque, je maintiens que cette distinction publique et privée néglige le contexte colonial dans lequel ces femmes ont vécu et ont travaillé. En effet, le culte de la domesticité de la classe moyenne au XIXe siècle et l'ère d'impérialisme élevé étaient de concert: le 'foyer,' espace personnel de la famille et le 'foyer' en tant qu'espace social d'une nation furent jumelés dans le discours d'empire, donnant lieu à un sentiment d'appartenance délimité, sécurisant et racialisé, à l'abri du monde externe. Certes, la division distincte entre le foyer et l'extérieur fut l'une des structures fictives de l'impérialisme. En insistant sur l'importance d'examiner la spécificité de l'expérience de ces artistes, non seulement en tant que femmes, mais femmes blanches et plus particulièrement en tant que femmes œuvrant dans un contexte d'impérialisme britannique, mon travail pousse à la limite de l'encadrement, désormais bien établi en histoire de l'art des féministes blanches, qui a eu tendance à se détourner des questions de race et de l'empire. En puisant les sources primaires telles que les lettres, les carnets de voyages, les autobiographies et les cahiers de croquis et en effectuant une analyse minutieuse des représentations visuelles de la maternité, des intérieurs domestiques, et des sujets littéraires et historiques, je soutiens que les deux sens du terme 'foyer' ont fait l'objet d'une profonde ambivalence, les frontières entre le foyer et l'extérieur étaient perméables, et que le secteur public et celui de la vie domestique privée étaient de fait intimement liés et mutuellement constitutifs. En démantelant ces frontières et en examinant les réseaux à travers l'Atlantique et le monde anglophone, je situe donc Carr, Forbes, Eastlake, McNicoll, et Jones dans un contexte maintenant connu comme le 'monde britannique.'

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Tembeck, Tamar. "Performative autopathographies: self-representations of physical illness in contemporary art." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=40725.

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Abstract:

Performative Autopathographies examines firsthand representations of physical illness produced by selected professional artists since 1980. Through pointed case study analyses, it shows how contemporary autopathographies function beyond therapeutic expression by articulating political, aesthetic, and metaphysical positions (e.g., autothanatography) in relation to lived experience. Notions of pathography, performativity, acting forms, confession, dialogism, and the ethics of response are presented in the Introduction. Chapter 1 reviews the literature relevant to the emergent field of “cultural illness studies,” situated at a disciplinary crossroads between medical humanities and visual / cultural studies. It outlines the research undertaken on pathography thus far, and details the relational, restorative, political and aesthetic stakes that characterize the practice. Chapter 2 examines the “performalist” photography of Hannah Wilke, conducted in response to her mother’s cancer and her own. Wilke’s pathographic works are read with the guidance of Aby Warburg’s Pathosformel, which helps to generate my notion of the “formula of pathos.” Chapter 3 considers Jo Spence’s construction of a living archive through her photographic treatment of illness. Contrasting her production to other circulating images of breast cancer, the chapter details how Spence built a critical visual culture of disease. The performative aspects of Spence’s “phototherapy” are discussed, while her final works are interpreted along the framework of autothanatography. Chapter 4 considers the semiotics of the body in pathographic choreography. The historical associations between disease and dance are retraced before considering works by Jan Bolwell and Bill T. Jones. Critic Arlene Croce’s notorious reaction to Jones’ Still/Here furthers the discussion on the ethics of response and responsibility in receiving pathographic works. Findings from these case studies of autopat
Autopathographies Performatives s’intéresse à une sélection d’autoreprésentations produites par des artistes professionnels depuis 1980 qui traitent de maladie physique. À travers des analyses d’études de cas, la thèse démontre comment les autopathographies contemporaines vont au-delà d’une expression strictement thérapeutique en articulant des positionnements politiques, esthétiques et métaphysiques (cf. autothanatographie) sur leur vécu. Les notions de pathographie, performativité, formes agissantes, confession, dialogisme et de l’éthique de la réception sont présentées dans l’Introduction. Le premier chapitre entreprend l’analyse des documents des études culturelles sur la maladie, au croisement des sciences sociales de la médecine et des visual/cultural studies. La recherche existante sur la pathographie y est résumée, ainsi que les enjeux relationnels, thérapeutiques, politiques et esthétiques qui la caractérisent. Le deuxième chapitre examine la pratique «performaliste» de Hannah Wilke, réalisée autour du cancer de sa mère et du sien. Ses œuvres pathographiques sont analysées à l’aide du Pathosformel d’Aby Warburg, qui nous permet de générer la notion de « formule du pathos ». Le troisième chapitre explore la construction d’une archive vivante par Jo Spence au moyen du traitement photographique de sa maladie. Contrastant sa production avec différentes images du cancer du sein, ce chapitre décrit comment Spence construit une culture visuelle critique de la maladie. Les aspects performatifs de sa « photothérapie » sont abordés, tandis que ses dernières œuvres sont interprétées selon le cadre de l’autothanatographie. Le quatrième chapitre se penche sur la sémiotique du corps dans la chorégraphie pathographique. Les associations historiques entre la danse et la maladie y sont retracées, avant d’aborder des œuvres de Jan Bolwell et Bill T. Jones. La réaction notoire de la critique Arl

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Clark, Leah Ruth. "Value and symbolic practices: objects, exchanges, and associations in the Italian courts (1450-1500)." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=66682.

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Abstract:

Arguing for a reconsideration of the object's function in court life, this thesis investigates how the value of an object is tied to the role it plays in symbolic activities, which formed the basis of court relations at the end of the fifteenth century. This study thus examines the courts of Italy (particularly Ferrara and Naples) through the myriad of objects—statues, paintings, jewellery, furniture, and heraldry—that were valued for their subject matter, material forms, histories, and social functions. Such objects are considered not only as components of court life, but also as agents which activated the symbolic practices that became integral to relations within and between courts. These activities—the exchange of diplomatic gifts, the consumption of precious objects, the displaying of collectibles, and the bestowing of knightly orders—were all ways that objects acted as points of contact between individuals, giving rise to new associations and new interests. The end of the fifteenth century was a pivotal moment in the courts of Italy, fraught with alliances and counter-alliances involving not only the courts on the Italian peninsula but also abroad. The court was an important space where individuals sought to assert and legitimise their power, and this was often done through material and visual means. The court is thus examined from diverse angles, taking the object as a starting point, and tracing relationships and networks through visual, textual, material, and literary sources. Shifting the focus away from artistic intentions and patronage, this study examines how objects constitute relations, often in unpredictable ways, not only forging connections but also revealing instabilities and latent hostilities. The constant circulation of precious objects in the late fifteenth century reveals a system of value which placed importance not only on ownership, but also on the replication, copying,
En considérant la fonction de l'objet dans la vie à la cour princière, cette thèse examine comment la valeur d'un objet est liée au rôle qu'il joue dans les pratiques symboliques qui, à la fin du quinzième siècle, est à la base même des relations à la cour. Ce projet examine les cours d'Italie (en particulier celles de Ferrare et de Naples) à travers une multitude d'objet (statues, peintures, bijoux, meubles, et emblèmes héraldiques) qui étaient évalués pour leurs matériaux, leur forme, leur historique, et leurs fonctions sociales. Ces objets sont ici étudiés non seulement comme représentatifs de la vie à la cour, mais aussi comme des agents actifs des pratiques symboliques importantes aux relations entre les différents cours. Ces pratiques – l'échange de cadeaux diplomatiques, la consommation d'objets précieux, étalage d'objets de collection, et investitures dans des ordres chevaleresques – sont autant de manières par lesquelles les objets servent de point d'attache entre individus et génèrent, de la sorte, de nouvelles associations et de nouveaux intérêts.La fin du quinzième siècle était un moment clé pour les cours d'Italie, chargé des alliances et contre-alliances entre non seulement les cours de la péninsule italienne mais aussi celles de l'étranger. La cour est alors un espace important où les individus cherchent à revendiquer et à légitimer leur pouvoir par des moyens matériels et visuels. En plaçant l'objet au centre de l'investigation, ce projet, plutôt que de se préoccuper des intentions artistiques ou mécénales, redirige l'attention sur la fonction certaine, mais combien variable, des objets dans la formation de relations sociales et démontre comment elle peut révéler l'existence de tensions et d'hostilités latentes. La circulation continue d'objets précieux met en relief un système de valeurs qui est à l'œuvre à la fin du quinzièm

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Lauzon, Claudette. "Precarious occupations: the fragile figure of home in contemporary art." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=66805.

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Abstract:

This dissertation addresses contemporary art's capacity to facilitate ethical encounters with the suffering of others. Arguing that any effort to understand how trauma marks the present must also recognize ours as an age in which "home," particularly for those vulnerable to contingency (the exile, the migrant, the asylum seeker, the homeless), can no longer accommodate its presumed status as a stable haven from the troubled world, I identify and analyze a select group of contemporary artists who seek to mediate legacies and conditions of trauma through representations or evocations of the fractured, fragile, or otherwise unsettled home. In the practices of Krzysztof Wodiczko, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Alfredo Jaar, Emily Jacir, Ursula Biemann, Yto Barrada, Tony Labat, and Mona Hatoum, I suggest, loss is represented as an "unhomely" experience and home is imagined and remembered as a site of provisionality, a lost territory of belonging, and a tenuously sustained but tenaciously held memory. Drawing on but also challenging the assumptions of psychoanalytically-informed trauma studies, I furthermore suggest that these practices harness the constructive and creative nature of melancholic attachment to loss in order to facilitate recognition of both the material nature of loss and the universality of human vulnerability. I propose that the fragile figuration of home, which I theorize as an "unhomely" aesthetic, has a twofold function: first, to construct (literally or figuratively) a material structure around loss that preempts the cathartic resolution of unresolved situations; and second, to imagine this material structure as a liminal space of unresolved trauma that articulates the fragility of self-other relations and, in the process, transforms home into a potential site for empathetic engagements with the suffering of others. In the process, these artists provide critical insights into how we migh
Cette thèse aborde la capacité qu'a l'art contemporain de faciliter des rencontres éthiques avec la souffrance des autres. En tentant de saisir la manière dont le traumatisme marque le présent, il nous incombe de constater que le « domicile » à notre époque, particulièrement pour ceux vulnérables aux imprévus (l'exilé, le migrant, le demandeur d'asile, le sans-abri) n'a plus la stabilité nécessaire pour pouvoir soutenir son statut traditionnel de refuge au sein d'un monde perturbant. Dans cet esprit, cet ouvrage identifie et analyse le travail d'un nombre d'artistes contemporains cherchant à négocier les conditions et les héritages du traumatisme à travers de multiples représentations ou évocations d'un domicile fracturé, fragile ou autrement déstabilisé. Son corpus est donc précis, incluant le travail de Krzysztof Wodiczko, Santiago Sierra, Doris Salcedo, Alfredo Jaar, Emily Jacir, Ursula Biemann, Yto Barrada, Tony Labat, et Mona Hatoum. Je propose que la notion de perte est représentée dans ces œuvres comme expérience de « l'abri inquiet » (unhomely) et que le domicile est imag(in)é en tant que site provisoire, un territoire d'appartenance perdu, un souvenir qui persiste obstinément malgré son caractère précaire. M'appuyant (tout en les contestant) sur les théories psychanalytiques du traumatisme, je soutiens que ces pratiques artistiques exploitent l'attachement mélancolique à la perte dans sa dimension constructive et créatrice afin de mieux saisir la nature matérielle de celle-ci ainsi que l'universalité de la vulnérabilité humaine. Je propose d'examiner la figuration fragile du domicile, que je théorise en tant qu'esthétique de « l'abri inquiet », sous ses deux fonctions. D'abord, sa capacité de constituer (au sens propre ou figuré) une structure matérielle autour de la perte qui anticipe une résolution cathartique de situations irrésolues. Mais$

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Beauchemin, Anne. "L'image cubiste et la question de l'autoréférence." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=22040.

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Abstract:

This thesis addresses the problems of the autoreferentiality of artworks and of meaning-making. It focuses on Cubism, particularly on artworks by Pablo Picasso and Georges Braque. The aim of this research is to demonstrate how meaning is constructed in these ambiguous artworks through the interplay of the concepts of referentiality and autoreferentiality. It contends that we cannot abstract or neglect any of these principles without distorting the aesthetic quality of these artworks. This research outlines, in this sense, a current problem in the historiography of Cubism, that is, the ambivalence between a process of internal meaning versus of external meaning, which are currently considered as antithetic phenomena. It also contends that only when we consider the conceptual structure of these artworks, can we fully understand their polysemical character or multi-level significance. The main theoretical framework for this analysis is Roman Jakobson's model of communication which provides a definition of the concept of autoreferentiality as a self-addressing process, through its notions of « message » and «poetic function ». Four aspects of the problem of autoreferentiality are thus examined, through the notions of « context », « destinator », « code », and « receptor » as well as their interrelationships in the artworks. It is also in referring to the modern definitions of sign that the problems of autoreferentiality and meaning-making are addressed.
Cette thèse s'intéresse au problème de l'autoréférence ainsi qu'à celui de la constitution du sens de l'oeuvre d'art. Elle a pour objet d'étude le cubisme, en particulier celui de Pablo Picasso et de Georges Braque. L'objectif principal de cette recherche est de démontrer comment s'élabore, par le croisement des concepts de référence et d'autoréférence, le problème de la signification dans ces oeuvres au caractère pour le moins ambigu. La thèse défendue est qu'on ne peut, sous peine de dénaturer l'oeuvre cubiste, faire abstraction de l'une ou l'autre des composantes référentielles et autoréférentielles qui la définissent esthétiquement. Cette recherche s'intéresse, en ce sens, à un problème récurrent dans l'historiographie du cubisme, à savoir celui de l'ambivalence entre la signification interne et la signification externe, qui ont tendance à être vues comme des phénomènes antithétiques. Cette thèse défend aussi l'idée que c'est seulement en considérant la structure conceptuelle de l'oeuvre cubiste qu'on est en mesure de mettre en relief son caractère polysémique. Le cadre théorique général de cette analyse est celui du modèle de la communication de Roman Jakobson, chez qui les concepts de « message » et de « fonction poétique » définissent une caractéristique première de l'oeuvre d'art : celle de se rapporter à soi. À partir de ce modèle sont explorées quatre facettes du problème de l'autoréférence à parttir des notions de « contexte », de « destinateur », de « code » et de « destinataire », dans une mise en valeur de leurs interrelations dans l'oeuvre. C'est ainsi, et en référence aux conceptions modernes de signe, que sont approchés les problèmes de l'autoréférence et de la signification.

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Chehab, Krystel. "A view onto the world: Tenochtitlan, travel and utopia in the early modern period." Thesis, McGill University, 2007. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=18461.

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Abstract:

This thesis examines the Cortés map of Tenochtitlan (1524) and its derivatives to explore the ways the map emerges in diverse forms, and in different contexts, throughout the sixteenth century. For nearly two hundred years, the only images of Tenochtitlan, or Mexico City, to be published in Europe were derived from the original Cortés map, which represented the city before its conquest by the Spanish in 1521. The maps of Tenochtitlan included in Benedetto Bordone's Libro di Benedetto Bordone nel quale si ragiona tutte l'Isole del mondo (1528) and Giovanni Battista Ramusio's Navigationi e Viaggi (1556) brought the city into dialogue with Venice, encouraging viewers to interpret the two together. As Venice shifted from its traditional maritime economy to land ventures on the mainland in the sixteenth century, its citizens looked to the island city of Tenochtitlan to rethink their city's own lagoonal environment. Tenochtitlan's insular topography invited new possibilities for re-imagining Venice in utopic terms. However, with the fall of Tenochtitlan, the printed imagery in Europe evoked a city that was rapidly being transformed into another, Mexico City, under Spanish rule. It was the visual experience of Tenochtitlan in images, rather than the real city they claimed to represent, that would prompt a re-envisioning of Venice.
Ce mémoire propose un examen de la carte géographique de Tenochtitlan élaborée par Cortés en 1524 et de ses dérivés afin d'évaluer comment cette carte s'est révélée sous diverses formes, et dans différents contextes au cours du seizième siècle. Pendant plus de deux cents ans, les seules images de Tenochtitlan, ou Mexico, à être publiées en Europe dérivent de la carte de 1524 qui représente la ville avant la conquête espagnole de 1520. Les cartes de Tenochtitlan incluses dans le Libro di Benedetto Bordone nel quale si ragiona tutte l'Isole del mondo de Benedetto Bordone (1528) et Navigationi e Viaggi de Giovanni Battista Ramusio (1556) mettent la capitale aztèque en dialogue avec Venise, encourageant ainsi les lecteurs à interpréter les deux parallèlement. Lorsque, au seizième siècle, l'économie vénitienne, traditionnellement maritime, se tourne vers le commerce continental, les Vénitiens se tournent à leur tour vers la ville insulaire de Tenochtitlan pour repenser l'environnement lagunaire de leur ville. La topographie insulaire de Tenochtitlan offre de nouvelles manières d'envisager Venise en des termes utopiques. Toutefois, après la chute de Tenochtitlan, l'imagerie imprimée circulant en Europe évoque d'ors et déjà une ville en devenir, Mexico, une ville sous le joug espagnol. Les images de Tenochtitlan, plutôt que la vraie ville qu'elles clament représenter, procurent une expérience visuelle qui entraîne une nouvelle visualisation de Venise.

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Kang, Inhye. "World display, imperial time: the temporal and visual articulation of empire in Japanese exhibitions (1890-1945)." Thesis, McGill University, 2012. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=110464.

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Abstract:

This dissertation investigates how Japanese expositions held from the 1890s to the 1940s, both abroad and at home, represented Japan itself as a 'guardian of Asian culture' while promoting the expansion of its empire. Japan's governing stance over other Asian nations at expositions during the prewar period appeared to imitate the imperial exhibitions of its Western counterparts, and yet the Japanese engagement of Asia in these exhibitions was portrayed as "almost the same, but not quite" the same empire. This study thus proposes to interpret Japan's exhibitionary practices toward other Asian nations as "mimicry," borrowing Homi K. Bhabha's conception, in order to challenge the totalizing vision of the West that was commonplace at exposition sites. I argue that the preoccupation with exhibitionary techniques provided Japan with a cultural, aesthetic, and ethnic claim over other Asian nations in terms of time and space. Further to this point, I argue that the importance of the visual technologies used by Japan in their expositions – technologies that were mimicked from Western empires – lies in their spatialization of time and temporal re-organization. This study thus aims to investigate the processes whereby Japanese expositions re-contextualized the aesthetic, cultural, and racial and ethnic identities of other Asian nations in terms of time and space.This dissertation investigates multiple sites of Japan's expositions, as well as numerous major figures who were involved in these exhibition practices. Chapter 2 concerns three (pre-)exhibitionary sites where Japanese traditional art and its art history were reorganized by modern art programmers such as Okakura Tenshin and Ernest Fenollosa: national treasure survey sites, the National Pavilion at the 1893 Chicago Exposition and the Official Catalogue for the 1900 Paris Exposition Universelle (Histoire de l'Art du Japon). More specifically, I argue that these three exhibitionary sites were specific instances where Japanese traditional art and Asian art became "de-territorialized and re-territorialized" through the techniques of preservation, presentation and cataloguing. Chapter 3 examines the Japanese pavilion at the 1910 Japan-British Exhibition in terms of the visual technique of panoramas. The Japanese pavilion in this show self-adjusted to the panorama technique using a Western perspective, wherein Britain emerged as the temporal norm to be emulated in the logic of imperialism while Japan was relatively viewed as a "different" empire. Yet Japan, by mimicking the temporal logic of the Western empire, re-enacted its own temporal operations toward other Asian nations. Chapter 4 explores the ways in which anthropological exhibitions rearticulated the racial and ethnic identities of Asian nations under the name of a multi-ethnic empire. The Tokyo Anthropological Association and its leader, Tsuboi Shōgorō, made extensive use of visual technologies, like Western anthropologists, such as composite photography and anthropological expositions, and I thus investigate how they attempted to redefine racial and ethnic identities by way of these modern visual technologies. Chapter 5 considers the climax of Pan-Asianist expansion at the 1940 Chosŏn Great Exposition, held in Seoul, in the middle of Asia-Pacific War. This chapter examines how the visual practice of panoramas incorporated people of different ethnic and cultural backgrounds under the inclusive umbrella of a multi-cultural East Asian empire, to encourage their participation in the war. I further contend that the performance of these panoramic imageries displayed both the inclusiveness and yet the simultaneous contradictions of multi-cultural empires.
Cette thèse explore comment les expositions japonaises de type universel, tenues entre les années 1890 et 1940, au pays comme à l'étranger, représentaient le Japon lui-même comme étant « gardiennes de la culture asiatique » alors qu'elles promouvaient du même coup l'expansion de l'empire japonais. Le point de vue japonais sur les autres nations asiatiques lors de ces expositions impériales d'avant-guerre semblait imiter celui de ses homologues occidentaux, à la nuance près, qu'il a été dépeignait comme étant « semblables, mais pas tout à fait pareilles » à son empire. Cette étude propose en ce sens d'interpréter les pratiques japonaises d'exposition en ce qui concerne les autres nations asiatiques, selon l'angle du « mimétisme » – pour emprunter le terme à Homi K. Bhabha. Cela m'amène à postuler que c'est précisément cet intérêt hâtif pour ces techniques qui a permis au Japon de prétendre avoir une mainmise culturelle, esthétique et éthique sur les autres nations asiatiques. J'avance dans cette veine que l'importance des technologies visuelles utilisées par le Japon au sein de ces expositions reposait sur leur déploiement et leur réorganisation spatiotemporels. Mon étude souhaite, en ce sens, investiguer les processus à travers lesquels les expositions japonaises décontextualisaient et recadraient les identités esthétiques, culturelles, raciales et ethniques des autres nations asiatiques en lien avec l'espace et le temps.Cette thèse se penche sur plusieurs expositions menées par le Japon et s'intéresse à l'implication de différentes personnalités influentes en ce qui concerne les pratiques d'exposition. Chapitre 2 s'intéresse à trois cas de figure où l'art japonais traditionnel et son histoire furent revisités par des commissaires d'art moderne comme Okakura Tenshin et Ernest Fenollosa, notamment avec les études menées sur l'héritage national du Japon, avec le Pavillon national japonais de l'exposition lors de Chicago de 1893 et avec le catalogue officiel de l'exposition universelle de Paris de 1900 (Histoire de l'art du Japon). Plus précisément, je postule que ces trois cas ont été des moments où l'art japonais traditionnel et l'art asiatique furent « déterritorialisé et reterritorialisé » à travers des techniques de préservation, de présentation et de catalogage. Chapitre 3 se penche le pavillon du Japon lors de l'exposition Japon-Grande-Bretagne de 1910 en ce qui a trait à la technique visuelle du panorama. Lors de cette exposition, le pavillon japonais s'est inspiré de la technique occidentale du panorama, alors que la Grande-Bretagne, avec sa perspective impériale, semblait être l'exemple à suivre. En « imitant » de la sorte la logique temporelle de l'Empire britannique, le Japon recréait les mêmes types d'opérations temporelles par rapport aux autres nations asiatiques. Chapitre 4 explore comment les expositions anthropologiques réarticulaient les identités raciales et ethniques des autres nations asiatiques au nom d'un empire multiethnique. L'Association anthropologique de Tokyo, sous l'influence de son directeur Tsuboi Shōgorō, a fait un usage important des techniques visuelles telles que les photographies composites et les expositions anthropologiques, je m'intéresse à cet égard sur la manière dont l'usage de techniques modernes de visualisation a tenté de redéfinir les identités raciales et ethniques des autres nations asiatiques. Chapitre 5 traite de l'apogée du panasianism lors de la Grande exposition Chosŏn qui s'est tenue à Séoul au milieu de la guerre en Asie et dans le Pacifique. Ce chapitre examine comment la pratique visuelle du panorama, en incorporant des personnes de différentes ethnies et cultures sous l'étiquette multiculturelle de l'empire de l'Asie de l'est, tentait d'encourager leur participation à la guerre. J'affirme à cet effet que le déploiement de ces représentations panoramiques affichait une forme d'inclusion des empires multiculturels qui comportait néanmoins diverses contradictions.

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Stark, Trevor. "The supersession and realization of art: Guy Debord between art and politics." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=32372.

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Abstract:

This study takes as its subject the body of theory and criticism developed by Guy Debord during his years as the founder and only permanent member of the Situationist International (1957-1972), an artistic and political avant-garde based in Paris. Though scholarship about Debord and the SI has steadily grown in size and quality since the late 1980s, much of it until recently has been governed by a reductive opposition between the group's putative early "artistic" phase and later "revolutionary" orientation, that does little justice to both the historical development of the group and to the complexity of Debord's cultural criticism. This study will therefore focus on the trope of the "end of art" as resuscitated in Debord's work as a means of engaging with the dialectical relationship staged between the Western Marxist tradition and that of the European historical avant-gardes, especially Dadaism.
Cette étude porte sur l'ensemble des théories et des critiques développées par Guy Debord comme fondateur et unique membre permanent de l'Internationale Situationniste (1957-1972), un groupe d'avant-garde artistique et politique basé à Paris. Bien que les recherches sur Debord et l'IS ont augmenté régulièrement en quantité et qualité depuis la fin des années 1980, la majorité de ces études ont été gouvernées par une opposition réductrice et putative entre la phase "artistique" originelle du groupe et son orientation "révolutionnaire" subséquente, qui ne fait justice ni au développement historique du groupe, ni à la complexité de la critique culturelle de Debord. Ce mémoire se concentre sur la problématique de la "fin de l'art" ressuscitée par l'œuvre de Debord afin d'engager une relation dialectique entre la tradition marxiste occidentale et celle des avant-gardes européennes, surtout le dadaïsme.

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Doucette, Valerie Anne. "The art museum in code: display strategies of the National Gallery of Canada." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=97220.

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Abstract:

This thesis explores the ways in which the art museum as a powerful cultural medium shapes the public understanding of artworks and how this work is affected by digital media when the museum displays art online. In an analysis of the National Gallery of Canada (NGC) I focus on how the artwork is encountered and understood in physical and digital contexts through the examination of three modes of museum practice: memory, information, and narrative. I compare each mode's manifestation in the physical museum space to its digital translation, revealing that the NGC largely reproduces its objective, highly authored, and one-way communicative practices in digital space. Other online interfaces such as the steve.museum project and the Art Matters blog of the Art Gallery of Ontario are examined as possible alternatives to the NGC's approach through their use of more open, collaborative, and social practices made possible by digital media.
La présente thèse examine l'influence du musée d'art en tant que milieu culturel important sur la compréhension des objets d'art par le public et les répercussions des médias numériques sur ces œuvres quand le musée les affiche en ligne. Pendant l'analyse du Musée des beaux-arts du Canada (MBAC), je cherche à déterminer comment les objets d'art sont rencontrés et perçus dans leurs contextes physique et numérique en examinant trois contextes pertinents au musée : la mémoire, les renseignements et la narration. Je compare la manifestation des trois contextes dans l'espace physique du musée à leur traduction numérique, ce qui révèle que le MBAC reproduit de très près ses pratiques à communication unilatérale objectives et consignées dans l'espace numérique. J'examine également d'autres interfaces en ligne, notamment le projet steve.museum et le blog Art Matters du Musée des beaux-arts de l'Ontario, comme autres options à l'approche du MBAC pour leur usage plus ouvert, plus collaboratif et plus social rendu possible par les médias numériques.

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Shamy, Tania Solweig. "Frederick the Great's porcelain diversion: the Chinese Tea House at Sanssouci." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=66728.

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Abstract:

This thesis signals a new approach in the study of the Chinese Tea House at Sanssouci. It argues that Frederick the Great's exotic pavilion, although made of sandstone and stucco, is porcelain in essence. The garden building reflects the many meanings of this highly valued commodity and art form in the privileged society of the king and his contemporaries. The pavilion is unique in that it was inspired by the type of sculptural ornament designed to decorate the eighteenth- century table of the nobility. The Tea House is a thematically integrated structure that demonstrates the influence of porcelain on interior décor and architecture. The designation of the garden building as a Gesamtkunstwerk acknowledges the blending of architecture, painting, and sculpture; characteristics shared by porcelain centerpieces. They exemplify the intermediality associated with the development of eighteenth- century porcelain and the interpretation of Frederick's pavilion.
Cette thèse annonce une approche nouvelle dans l'étude de la Maison de Thé Chinoise à Sans-Souci. Elle soutient que le pavillon exotique de Frédéric Le Grand, fait de pierre et de stuc, représentait intrinsèquement la porcelaine. Ainsi, cette construction de jardin refléterait de fait les sens multiples accordés par la société privilégiée du Roi et de ses contemporains à cette commodité de luxe et à cette forme d'art. Le pavillon est unique parce qu'il s'inspire des ornements sculptés qui décoraient les tables de la noblesse du XVIIIème siècle.La Maison de Thé est une structure cohérente dont le thème décoratif témoigne bien de l'influence de la porcelaine sur le décor intérieur et sur l'architecture. Sa désignation en tant que 'Gesamtkunstwerk' lui reconnaît sa qualité d'intégrer architecture, peinture et sculpture, en un mot tous les attributs qui qualifient les centres de table en porcelaine. Ceux-ci illustrent l'intermédialité associée au développement de la porcelaine au XVIIIème siècle et éclairent d'un jour nouveau l'interprétation du pavillon de Frédéric.

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Santone, Jessica. "Circulating the event: the social life of performance documentation 1965-1975." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=96926.

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Abstract:

This dissertation reevaluates the relationship between performance acts and documents by considering the way documentation was understood within the time of an event. Expanding on Alain Badiou's theory of evental 'Twoness' in Being and Event, I develop an approach to performance that always takes documents and performance acts together, as corresponding producers of an art event. Looking at acts and documents together, one notices how the type of repetition enacted between them allows for variation and novelty in an event. One important implication of this approach is a stronger valuation of audiences of performance, including audiences that may not have been present to witness a live event. I investigate several cases of private or unannounced conceptual performances from the late 1960s to make my argument here. In these performances – On Kawara's I got up (1968-79), Alison Knowles's The Identical Lunch (1968-73), Adrian Piper's Concrete Infinity Documentation Piece (1970), and Mieko Shiomi's Spatial Poem (1965-75) – the artists study everyday phenomena, drawing our attention to what is otherwise unnoticed and engaging participation by encouraging repetition. As documents of these serial performances circulate, they help locate and sustain audiences. In the circulation of performance acts and documents, there is the potential as well for developing performance community, which is evident in an analysis of Fluxus performances, like Spatial Poem. The events studied here, in different ways, reveal that even seemingly private performances are fundamentally social in their orientation.
Cette thèse réévalue la relation entre les actes et les documents de performances en tenant compte de la façon dont la documentation a été comprise du temps d'un événement. En élargissant la théorie d'Alain Badiou élaborée dans L'Être et l'événement, selon laquelle l'événementiel a un « double » statut, je développe une approche qui considère les documents et les actes de performance ensemble, en tant que coproducteurs d'un événement d'art. En examinent les actes et les documents ensemble, on remarque comment leur répétition permet la variation et la nouveauté d'un événement. Une conséquence importante de cette approche est une plus grande valorisation de l'audience de la performance, y compris du public qui peut ne pas avoir été présent pour témoigner d'un événement en direct.J'enquête ici sur plusieurs cas de performances conceptuelles de la fin des années 1960, la plupart de nature privée ou non-déclarée. Dans ces performances – On Kawara, «I got up» (1968-1979), Alison Knowles, «The Identical Lunch» (1968-73), Adrian Piper, «Concrete Infinity Documentation Piece» (1970), et Mieko Shiomi, «Spatial Poem» (1965-75) – les artistes étudient les phénomènes quotidiens pour attirer notre attention sur ce qui passe autrement inaperçus et pour encourager la participation par la répétition. Comme les documents de ces performances en série circulent, ils permettent de localiser et de maintenir leur public. Dans la circulation des actes et des documents de performances, il devient possible aussi de développer une communauté de performance, fait qui devient manifeste dans une analyse des performances de Fluxus, notamment «Spatial Poem». De différentes manières, les événements étudiés ici révèlent que même les performances apparemment privées sont fondamentalement sociales dans leur orientation.

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Damiano, Nelda. "Entre espaces de création et réseaux de production: l'imagination inventive de Francesco Salviati (1510-1563)." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=110437.

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Abstract:

This dissertation focuses on the Florentine artist Francesco Salviati (1510–1563) with an aim to better understand the characteristics of his work. An analysis of the artist's production reveals that it is punctuated by a variety of projects, encompassing a wide range of media and format or scale. His oeuvre includes fresco paintings and altarpieces as well as drawings for prints and decorative arts. The question is whether Salviati advocated a specific approach: did he work in isolation, or did he collaborate with artists who specialized in art forms that were unfamiliar to him? His versatility clearly suggests that he was inspired by opportunities to collaborate with a variety of artists such as engravers, weavers or printers whom he met in his travels. By continually challenging the technical limits and formal surfaces – small or large scale – upon which he worked, Salviati made the expressive potential of an object a priority. This paper investigates the myriad techniques and new modes of expression the artist used, as well as the many works he created, to examine how his diverse body of work positions him, if not distinguishes him, within the broader artistic network of the day. In a broader context, this study invites us to reconsider the arbitrary character of stylistic categories that art history continues to impose today, and to re-examine what we expect artists associated with such movements to produce.
Ma recherche se concentre sur l'artiste florentin Francesco Salviati (1510-1563). Tout particulièrement, mon étude cherche à mieux comprendre les traits caractéristiques de son œuvre, dans ses particularités et dans son ensemble. En analysant son parcours, on constate que celui-ci est ponctué de projets allant de la peinture à fresque, au tableau d'autel, en passant par la gravure et les dessins destinés aux objets d'orfèvrerie. Il s'agit alors de discerner l'approche préconisée par Salviati. Est-ce que celui-ci crée en huis clos ou décide-t-il de transiger avec des artistes qui s'adonnent à une forme d'art qui lui est étrangère? La polyvalence dont il fait preuve nous indique clairement qu'il embrasse les possibilités de collaboration qui s'offrent à lui au gré de ses déplacements, que ce soit avec des graveurs, des lissiers ou des éditeurs. En défiant sans cesse les limites techniques et formelles des matériaux avec lesquels il travaille — sur une petite ou grande échelle — Salviati fait du potentiel expressif de l'objet une priorité. Ma thèse examine donc les nombreuses techniques et oeuvres créées par l'artiste et la façon dont ce travail diversifié lui permet de s'insérer, sinon de se distinguer, dans les réseaux de production de l'époque. Dans un cadre plus large, cette étude nous invite à repenser le caractère arbitraire des courants stylistiques que l'histoire de l'art impose encore aujourd'hui et ainsi revoir les attentes que nous avons face aux artistes appartenant à l'un de ces courants et à leurs productions artistiques

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Kim, Gye Won. "Registering the Real: photography and the emergence of new historic sites in Japan, 1868-1882." Thesis, McGill University, 2010. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=95052.

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Abstract:

This dissertation examines the way photography engaged in the emergence of new historic sites (shiseki)' during the early Meiji period (1868-1882). My contention is that photography, as a distinctive and integral medium of geographical image making, occasioned a new form of visibility of space imbued with national historicity and materiality. Particular attention is paid to the four distinct sites-as history: the national space' in the geo-encyclopedia, architectural topographies, ancient sites, and imperial famous places. Historic sites may be understood as the Japanese counterparts to what Pierre Nora called les lieux de mémoire, the system of topoi through which the modern nation recognizes itself through historical unity. Takashi Fujitani indicates that historic sites were constructed in Japan as part of the larger imperial culture through the process of the reorganization of public space for political rituals in the Meiji period. What distinguishes my approach from these studies is the emphasis on the agency of photography as a privileged medium in the geo-political investment of the modern nation. Photographic indexicality radically transformed the literary vision of famous places (meisho),' a set of places conceived and represented as names and toponyms, by undermining the inherent power of naming to produce the meanings traditionally associated with a place, while regrounding the conceptual understanding of place in a new order of temporality based on history. Such a photographic understanding separate from meishoness,' ironically, helped to reinforce meisho's archaic association, especially with the old imperial practice of viewing and naming places. This is precisely the context where photographic indexicality is to be restaged with its political register, operating within a constellation of discourses, powers and institutions that conspired to construct the modern and imperial nation-state in Japan. It is important to note that photography
Cette dissertation examine l'implication de la photographie dans l'émergence de nouveaux sites historiques (shiseki) à l'aube de la période Meiji (1868-1882). J'avance que la photographie, en tant que forme distincte et intégrale de création d'imagerie géographique, introduit une nouvelle forme de visibilité de l'espace imbue d'historicité et matérialité. Une attention particulière est portée aux quatre sites-histoires' distincts issus de la réalité spatiale de leurs sites historiques : l'espace national au sein de la géo-encyclopédie, la topographie architecturale, les sites anciens et les sites impériaux célèbre. Les sites historiques peuvent être expliqués comme la contre-partie japonaise de ce que Pierre Nora décrit comme les lieux de mémoires', le système de topoi où la nation moderne peut se reconnaître au travers d'une unité historique. Takashi Fujitani mentionne que les sites historiques du Japon furent construits comme un fragment de la culture impériale et conçue par une réorganisation des espaces public servant à mettre en scène les rites politiques det la période Meiji. Mon étude se distingue par l'emphase de la photographie en tant que medium privilégié dans les investissements géopolitiques d'une nation moderne. L'indexicalité de la photographie occasionna une rupture radicale dans la vision littéraire de les sites célèbre (meisho), un groupe d'endroits conceptualisés et représentés comme des noms et toponymes, en sapant le pouvoir inhérent de nommer pour produire la signification traditionnellement associé à un endroit tout en regroupant la compréhension conceptuelle d'un endroit dans un nouvel ordre de temporalité basé sur l'histoire. Cette compréhension photographique distincte du meishoness, aida ironiquement à renforcer l'association archaïque du meisho, tout particulièrement avec la vielle pratique impériale de concevoir et nommer les endroits. Cet précisément le contexte où l'inde

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Smylitopoulos, Christina. "A nabob's progress: Rowlandson and Combe's the grand master, a tale of British imperial excess." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=97083.

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Abstract:

The figure of the 'nabob' in British graphic satire of the late eighteenth century symbolized domestic anxieties concerning a foreign, ad hoc empire in India. Characterized through uncontrollable greed, untreatable diseases and uninhibited passions, India had been portrayed in Britain through a rhetoric of excess. Embodied in the nabob, these corruptive forces would travel to the West to infect the metropole. I argue that closer scrutiny of graphic satire reveals that British critics understood the true source of Indian excess to be Britain itself. Methodologically, Thomas Rowlandson's images in The Grand Master, or Adventures of Qui Hi? in Hindostan (1816) are considered as both a cohesive unit of nabob representation and as a foundation from which discussions of other nabob imagery can be launched. This approach reveals significant departures in how we view the reception of the imperial project in the metropole, the function of representations of Anglo-Indians, the production method of the 'illustrated book' and the characterization of Rowlandson's artistic production. Each chapter represents a step on the nabob's progress: In Chapter 1, Lord Moira is revealed as a bellicose representative of an overly ambitious class, bent on the ruin of the metropole through the destruction of India. In Chapter 2, depictions of nabobs engaged in excessive drinking, the results of excessive spending and in displays of excessive idleness are examined, illustrating the criticism of questionable imperial agents. In Chapter 3, the dominant strategies of representing imperial illness in India are examined, revealing the decline of the liminal, self-interested figure who could assume the physical and psychological characteristics of the East. In Chapter 4, the negotiation of British masculine identities, created through Company-state policies and processes and justified through conflict with allegedly Eastern excess, are juxtaposed with the reality and the complexity of Anglo-Indian relationships with women. Through this progress, the nabob is exposed as a modern figure created in order to negotiate British national identity amidst significant imperial anxiety. This dissertation contributes to postcolonial debates on empire by revealing a critical, metropolitan response to the ideological function of satirical representations of Anglo-Indians.
La figure du "nabab" dans la caricature britannique de la fin du dix-huitième siècle symbolise des inquiétudes domestiques concernant un empire étranger, ad hoc, en Inde. Caractérisée par une avidité incontrôlable, par des passions débordantes et par des maladies incurables, l'Inde a été représentée en Angleterre par une rhétorique de l'excès. Incarnées dans le nabab, ces forces corruptrices voyageraient dans l'Occident pour infecter la métropole. Je soutiens ainsi qu'un examen attentif de la caricature révèle que les critiques britanniques ont compris que la vraie source de l'excès indien fut l'Angleterre elle-même. Du point de vue méthodologique, les images de Thomas Rowlandson pour The Grand Master, or Adventures of Qui Hi? in Hindostan (1816) sont implémentées comme une unité cohésive de la représentation du nabab et comme un point de départ à partir duquel d'autres discussions de l'imagerie du nabab peuvent être lancées de façon rationnelle. Cette approche révèle la perspective divergente dont nous apercevons la réception du projet impérial dans la métropole, la fonction de la représentation des Anglo-Indiens, la méthode de la production du « livre illustré » et la caractérisation de la production artistique de Rowlandson. Chaque chapitre reconstitue une étape dans la progression du nabab : dans le premier chapitre, Lord Moira est montré comme ayant été un représentatif belliqueux d'une classe excessivement ambitieuse, en route vers la ruine de la métropole à travers la destruction de l'Inde. Dans le deuxième chapitre, seront examinés des portraits de nababs en train de boire excessivement, des résultats des dépenses exorbitantes et des images de la paresse démesurée, afin de démontrer l'esprit critique envers des agents impériaux à la fiabilité douteuse. Dans le troisième chapitre, les stratégies dominantes utilisées pour mettre en scène la maladie impériale en Inde seront analysées dans le but de montrer le déclin de la figure liminaire, intéressée qui pourrait assumer les caractéristiques physiques et psychologiques de l'Orient. Dans le quatrième chapitre, la négociation des identités masculines britanniques, créées par le biais des règlements et procédés de la Compagnie, et justifiées par leur conflit avec le soi-disant excès oriental, sera juxtaposée à la réalité et à la complexité des relations anglo-indiennes avec la femme. À travers ce progrès, le nabab ressort comme une figure moderne qui fut créée pour négocier l'identité nationale britannique dans un temps marqué par une anxiété impériale importante. Cette thèse contribue aux débats post-coloniaux à propos de l'empire en révélant une réponse critique, métropolitaine à la fonction idéologique des représentations satiriques des Anglo-Indiens.

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Steiger, Levine Gabrielle. "Deviance and disorder: the naked body in Chinese art." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=21914.

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Abstract:

This thesis concerns the representation of nakedness in traditional Chinese art. Its objects of inquiry are representations of demons in images of Zhong Kui, the penitent in purgatory in images of the ten kings based on The Scripture on the Ten Kings, and the representation of beggars and street characters. This thesis provides initial inquiry into a motif which has not garnered much scholarly attention. It argues that the naked body signified various forms of deviance from the normative social and moral order which defined traditional China and its inhabitants such as the foreign, the marginal, and the subaltern. As such, the representation of nakedness functioned to highlight order within the imperial realm by displaying what the Chinese center and its inhabitants were not. It could also serve, however, and by virtue of the naked body's deviance from the normative human being, to suggest potential disorder within the imperial realm.
Cette thèse a pour sujet la nudité dans l'art Chinois traditionnel. Les sujets d'analyse traitent de la représentation des démons dans l'imagerie de Zhong Kui, des pénitents au purgatoire dans l'iconographie des dix rois basées sur le texte « The Scripture of the Ten Kings », ainsi que la représentation des mendiants et les artistes de la rue. Cette thèse se penchera pour la première fois sur un thème qui n'a pas encore suscité l'intérêt de la communauté académique; celui de la nudité vue sous forme de non-conformisme, de non-appartenance à l'ordre moral et social qui définissait la Chine traditionnelle et ses habitants. Lorsque présente la nudité peut a la fois mettre en évidence l'ordre au sein de l'empire en affichant l'image contraire de ses sujets, mais égalment demontrer le désordre potentiellement présent.

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Gomez, Elizabeth. "Voice and identity in contemporary Canadian art: perspectives on vocality and representation." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=66664.

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Abstract:

This thesis argues that voice is defined through both its material and representational status and is fully integrated within the construction of gendered and raced identities, as well as the process of identification itself. At the centre of each chapter is the notion that voice can be an alternate mode of encountering and experiencing the other. As an examination into the issues of contemporary Canadian art, this discussion is initiated from context of art practices but is not limited to this field. Using the works of Janet Cardiff, Geneviève Cadieux, Ken Lum and Rebecca Belmore, this dissertation connects artistic practices to the distinct themes of narrative, embodiment, representation, and place. All of these artists and themes are integral in explaining the connectivity of voice to identity and how this topic is relevant to and reflective of current issues of race and gender within Canadian society. The use of non-visual artistic practices is also evidence of how constructions of identity, when restricted to the visual field are regimented and informed by the ideological structures of the term 'visibility'. 'Visibility' and its metonymic link with overt politicized terminology such as 'visible minority' is a limiting factor in daily existence for many citizens who face discrimination based on regimes of viewing. This dissertation makes a case not only for expanding the critical terms from which to discuss contemporary Canadian art that falls outside of visual parameters, but it is also an examination of existing critical theories of identity. Aside from critiquing aspects of visuality, the following chapters will consider voice as an aspect of the material body and the represented body that is ever present, but rarely considered critically. Through the use of interdisciplinary feminist and postcolonial texts, this thesis constructs a critical framework from which 'voice' can be applied not only to
Cette thèse soutient l'idée que la voix est définie tant par son corps matériel que par son statut de représentation et qu'elle est inhérente à la construction des identités, de genre et de race, ainsi qu'au processus d'identification lui-même. Chaque chapitre se construit autour de la notion de voix comme constituant une modalité alternative de rencontre et d'expérimentation de l'autre. Dans le cadre d'un examen de l'art contemporain canadien, mon propos s'enracine dans un contexte de pratiques d'art, mais ne se limite pas à ce seul champ. Se référant aux oeuvres de Janet Cardiff, Geneviève Cadieux, Ken Lum et Rebecca Belmore, cette discussion propose la mise en relation étroite entre pratiques artistiques et thèmes du récit, de l'incarnation, de la représentation et du lieu. Artistes et thèmes viennent soutenir l'explication de la connectivité entre voix et identité, et confirment que ce propos est le reflet - autant que le produit - des problèmes actuels de race et de genre existants au sein de la société canadienne. L'utilisation de pratiques artistiques non-visuelles montre également comment les constructions de l'identité, lorsqu'elles sont confinées au champ du visuel, sont régies et nourries par les structures idéologiques du terme « visibilité ». La « visibilité », et son lien métonymique avec la terminologie surpolitisée de « minorité visible », est un facteur limitant dans la vie quotidienne de nombreux citoyens, qui subissent des discriminations basées sur la loi du visible. Cette dissertation propose non seulement d'élargir le vocabulaire critique permettant de discuter de l 'art contemporain canadien sortant des paramètres visuels, mais fait aussi l'examen des théories critiques existantes sur la notion d'identité. En plus d'une critique des aspects de la visualité, les chapitres suivants traiteront de la voix comme aspect du corps matériel

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Edamura, Taisuke. "Toward motional thinking: reflections on the movement of Gerhard Richter's glass works." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=21922.

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Abstract:

The distinctive presentations of the use of glass sheets by Gerhard Richter (1932-) occupy a special place in his entire oeuvre. This thesis particularly examines Richter's glass works invested with distinctive mobility with a keen awareness of the significant implications of the concept of "movement" that could allow one to reflect on the existing contexts of the critique of his creation. Chapter one, referring to the current arguments about Richter's radical (dis)engagement with viscous pictorial traditions, addresses the critical availability and limits of "double negation" through focus on the implications of strategic irony. In chapter two, emphasis is placed on the immobilized "pictorial perspective" from which Richter's glass works can be more immediately comprehended, by referring to the history of glass. Following these preliminary discussions, chapter three intends to investigate the generative elusiveness of Richter's glass works with a wide spectrum of the gestures of glass panes that transforms the glass works from a mere viewed object to a vital thing looking at viewers.
L'usage de plaques de verre occupe une place notable dans la production artistique de Gerhard Richter (1932-). Ce mémoire propose d'examiner les diverses exploitations plastiques que Richter fait à partir du verre en portant une attention particulière aux implications liées au concept de « mouvement ». Ceci étant, c'est concurremment à l'analyse des écrits portant sur les œuvres de l'artiste que notre analyse s'ancrera. Méditant sur l'idée selon laquelle Richter opterait pour un (dés)engagment radical par rapport à la tradition picturale, le premier chapitre traite des avantages et des désavantages de l'utilisation par la critique de la notion de « double négation », à l'aune des implications ironiques. Tout en se référent à l'histoire du verre, le second chapitre se penche sur la « perspective picturale » immobile à partir de laquelle les œuvres de verre de Richter peuvent être immédiatement appréhendées. Enfin, poursuivant les réflexions déjà amorcées, le troisième chapitre s'intéresse au caractère fuyant du verre, à son large spectre de gestes qui le transforme d'un simple objet regardé en un dispositif vivant qui regarde la spectateur.

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Spencer, Justina. "Baroque perspectives: looking into Samuel Van Hoogstraten's perspective box." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=21966.

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Abstract:

This thesis examines visual devices that distort, invert and toy with the conventions of linear perspective. The main object of analysis is Samuel Van Hoogstraten's Perspective Box with Views of a Dutch Interior (1655-1660), a work that is unique for its consummate application of three distinctive modes of visual representation: linear perspective, trompe l'oeil and anamorphosis. Drawing on recent literature with regard to renaissance and baroque perspectival theories and practices, this thesis argues that Van Hoogstraten's Perspective Box exposes the manner in which baroque forms of perspective, such as trompe l'oeil and anamorphosis, reveal the invisible mechanisms of renaissance linear perspective through the manipulation of its methods. In this way, Van Hoogstraten's perspective box interrogates, but does not invalidate, the inescapable structure of the perspectival system.
Cette thèse examine les systèmes visuels qui déforment, inversent et jouent avec les conventions de perspective linéaire. Le principal objet d'analyse est Perspective Box with Views of a Dutch Interior (1655-1660) par Samuel Van Hoogstraten, un travail qui est unique pour son application consommée de trois modes distinctifs de représentation visuelle: perspective linéaire, trompe l'oeil et anamorphisme. En engagé avec la littérature récente sur les théories et pratiques perspective de renaissance et baroque, cette thèse se dispute que la boîte perspective de Van Hoogstraten expose la façon dont les formes baroques de perspective, telles que le trompe l'oeil et anamorphisme, révèlent les mécanismes invisibles de la perspective linéaire de la renaissance par la manipulation de ses méthodes. De cette façon, la boîte perspective interroge, mais n'infirme pas, la structure inéluctable du système de perspective.

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Nachabe, Yasmine. "Marie al-Khazen's photographs of the 1920s and 1930s." Thesis, McGill University, 2012. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=107742.

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Abstract:

Marie al-Khazen was a Lebanese photographer who lived between 1899 and 1983. Her photographs were mostly taken between the 1920s and 1930s in the North of Lebanon. They were compiled by Mohsen Yammine, a Lebanese collector who later donated the photographs to the Arab Image Foundation. Her work includes a collection of intriguing photographs portraying her family and friends living their everyday life in Zgharta. Al-Khazen seized every opportunity to use her camera to capture stories of her surroundings. She not only documented her travels around tourist sites in Lebanon but also sought creative experimentation with her device by staging scenes, manipulating shadows and superimposing negatives to produce different effects in her prints. Within the borders of her photographs, bedouins and European friends, peasants and landlords, men and women, comfortably share the same space. Most of Marie al-Khazen's photographs, which are circulated online through the Arab Image Foundation's website, suggest a narrative of independent and determined Lebanese women. These photographs are charged with symbols that can be understood, today, as representative of women's emancipation through their presence as individuals, separate from family restrictions of that time. Images in which women are depicted smoking a cigarette, driving a car, riding horses and accompanying men on their hunting trips counter the usual way in which women were portrayed in 1920s Lebanon. The photographs can be read as a space for al-Khazen to articulate her vision of the New Woman or the Modern Girl as described by Tani Barlow in The Modern Girl Around the World. In this anthology, authors like Barlow point to the ways in which the modern girl "disregards the roles of dutiful daughter, wife and mother," in seeking sexual, economic and political emancipation. Al-Khazen's photographs lead me to pose a series of questions pertaining to the representation of femininity and masculinity through the poses, reasoning, and activities adopted by women and men in the photographs. The questions which frame this study have to do with the ways in which notions of gender, class and race are inscribed within Marie al-Khazen's photographs.
Marie al-Khazen est une photographe libanaise qui vécut entre 1899 et 1983. La plupart de ses photos furent prises dans les années vingt et trente dans la région de Zgharta au Nord du Liban. Ces photos font partie de la collection de Mohsen Yammine, un collectionneur libanais. Elles sont actuellement conservées dans les archives de la Fondation de l'image Arabe à Beyrouth et sont disponibles en ligne sur le site internet de la Fondation. Le corpus d'al-Khazen est constitué d'un ensemble de photographies captivantes qui représentent le quotidien de sa famille et de ses amis à Zgharta. Al-Khazen saisissait son milieu social grâce à son appareil photo. Néanmoins, elle ne se contentait pas de documenter ses excursions touristiques au Liban; elle explorait également les capacités techniques de son appareil photo en inventant des scènes photographiques et en manipulant les ombres dans l'espace photographique. Au travers de ses photos on retrouve les effets surréalistes qu'elle créait – peut-être intentionnellement – en faisant des tirages de deux négatifs superposés. Dans le cadre de ces images, on retrouve des bédouins et des Européens, des paysans et des bourgeois, des femmes et des hommes se partageant le même espace. La plupart des photos de Marie al-Khazen évoquent les destins de femmes indépendantes et engagées. Ces photos sont chargées de symboles qui suggèrent une représentation de la femme émancipée. A travers le corpus d'al-Khazen, des femmes apparaissent en train de fumer des cigarettes et de conduire des automobiles. On retrouve également des femmes qui accompagnaient les hommes dans leurs excursions de chasse. Ces photos semblent incompatibles avec la façon dont les femmes étaient représentées dans la presse des années vingt au Moyen Orient où les femmes, en général, évitaient de se montrer dans des endroits publiques. Je propose une lecture qui articule la façon dont al-Khazen a utilisé l'espace photographique pour manifester sa vision de la nouvelle femme: la femme moderne comme celle décrite par Tani Barlow et ses collègues dans The Modern Girl Around the World. Cette anthologie représente la "modern girl" qui, selon Barlow et ses collègues, "disregards the roles of dutiful daughter, wife and mother," en recherchant une émancipation sexuelle, économique et politique.Les photos d'al-Khazen m'incitent à interroger de façons multiples la représentation de la femininité et la masculinité à travers le comportement, le raisonnement, et les activités des femmes et des hommes dans ces photographies. Ces questions s'adressent à la sociologie de l'identité sexuelle et se proposent d'analyser la façon dont cette identité est évoquée dans les photos de Marie al-Khazen.

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Del, Re Sonia Loredana. "Re-forming images: Utrecht, Carvaggio and the body." Thesis, McGill University, 2014. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=121103.

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Abstract:

This dissertation argues for a reconsideration of the function of bodies in Caravaggistic painting, and in Utrecht Caravaggism more particularly. It examines the role of the human figure in the work of Caravaggio and the Utrecht Caravaggists in light of the distinct narrative mode within which Caravaggistic painting operates. The issues explored in this dissertation formulate a response to seventeenth-century criticism regarding the treatment of bodies in Caravaggistic pictures, and the purported loss of narrative meaning. This study thus describes how Caravaggistic bodies perform and enact narrative in a way that subverts normative forms of visual narration in Italian Renaissance and Baroque art. The project as a whole aims to provide a counterpart to our understanding of Caravaggism as a style founded on contrasts of light and dark and realistic representation. I move away from thinking about these characteristics as stylistic choices, and consider them instead as narrative means that are meant to highlight the performative function of bodies in creating narrative content. My study draws on forms of entertainment to illustrate how the human figure, through performance, both produces significations and engages beholders in narrative processes. Another objective of this project is to underline identity as a key factor in the shaping of Utrecht Caravaggism, as well as an important agent in Caravaggistic narrative. On the one hand, I explain in what ways Caravaggism renews a relationship between the cities of Rome and Utrecht that was so important to the visual and artistic identity of Utrecht in the sixteenth and seventeenth centuries. On the other hand, my work shows how identity functions within Caravaggistic painting as a pictorial and rhetorical device. To this end, Chapters Three and Four map out a new vision of the relationship between Caravaggistic painting and viewers by focusing on the mode of address employed by Caravaggistic half-length figural painting. Hence, my approach to the subject of bodies and performance in Caravaggism posits narrative not simply as a visual form but as a site between representations and viewers. Within this contiguous space, pictorial bodies and identities and their equivalent in the real world become imbricated. My interpretation of Caravaggistic painting, and of Utrecht Caravaggism more precisely, therefore seeks to reconcile a pictorial mode that appears to negate space and time with narrative invention and intention.
Cette thèse propose de reconsidérer la fonction du corps humain dans la peinture caravagiste et, plus particulièrement, dans le Caravagisme utrechtois. Elle examine le rôle de la figure humaine dans l'œuvre de Caravage et dans l'œuvre des Caravagistes d'Utrecht compte tenu du mode de narration distinct qu'emploie la peinture caravagiste. Les thèmes envisagés ici sont inspirés par les critiques émises au dix-septième siècle au sujet de la représentation du corps humain dans la peinture caravagiste et selon lesquelles celle-ci nuit à la fonction narrative de la peinture. Cette étude décrit comment l'approche caravagiste subvertit les règles albertiennes de narration en refusant de situer les représentations dans le temps et dans l'espace, et en se concentrant de préférence sur la figure humaine, qu'elle met en avant-plan. De façon générale, ce projet offre une interprétation complémentaire à la conception du Caravagisme en tant que style préconisant les vifs contrastes de lumière et le réalisme pictural. Plutôt que d'envisager ces traits caractéristiques comme choix stylistiques, ils sont ici considérés pour leur capacité à souligner la fonction narrative du corps humain. Afin de mettre en évidence le rôle performatif de la figure humaine dans la narration figurative, cette étude s'appuie, entre autres, sur l'examen de formes contemporaines de divertissement. Cette approche permet de retracer les processus narratifs que la figure humaine engendre dans la peinture caravagiste et qui impliquent le spectateur dans la création de sens. Cette thèse a pour autre objectif de souligner un facteur clé dans l'essor du Caravagisme à Utrecht: la notion d'identité. Cette dernière revêt un intérêt particulier pour cette étude parce qu'elle joue également un rôle essentiel au sein du développement narratif dans la peinture caravagiste. Les chapitres qui suivent révèlent, d'abord, que le caravagisme permet de renouer les relations entre Rome et Utrecht qui furent indispensables à la constitution d'une identité visuelle et artistique pour Utrecht aux seizième et dix-septième siècles. Ensuite, ils démontrent l'utilisation de la notion d'identité comme dispositif pictural et rhétorique dans la peinture caravagiste. À cette fin, les troisième et quatrième chapitres dressent un nouveau portrait des liens que la peinture caravagiste cherche à tisser avec ses spectateurs. Typiquement caravagesques, les personnages grandeur nature, représentés à mi-corps attirent particulièrement l'attention des observateurs. La façon dont ils s'adressent aux spectateurs constituent donc le sujet de ces deux derniers chapitres. Les thèmes de la corporalité et de la théâtralité dans l'art caravagiste demandent d'envisager la narration non pas uniquement comme forme visuelle, mais aussi comme lieu d'échange entre image et spectateur. Les corps dépeints sont souvent poussés aux confins de l'espace pictural de sorte que la fiction s'imbrique avec la réalité. Ainsi, cette thèse souhaite expliquer que ce mode pictural qui semble vouloir nier l'espace et le temps met en branle sa propre méthode narrative par laquelle le spectateur est appelé à participer à la création de sens.

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El-Sheikh, Tammer. "Strategies of refusal: art and cultural politics in the work of Edward W. Said and Hassan Khan." Thesis, McGill University, 2014. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=121327.

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Abstract:

This dissertation examines the thought of Palestinian-American literary scholar Edward W. Said and selected works by London-born Egyptian artist Hassan Khan. Through a comparison and contrast of their respective approaches to the production and critique of Arab representations I argue that Said's work from the 1970s and 1980s is of lasting importance for art historians dealing with contemporary art from the Middle East in general and Khan's work in particular. Much recent scholarship on contemporary art in the Middle East and Egypt has focused on features of artworks that contribute to notions of Arab political, ethnic and national identity. While such studies are valuable in describing the social and political contexts of emerging Middle Eastern art practices, they often pass over the formal, stylistic and aesthetic strategies employed by artists in the region. Through an examination of Said's published writing and his unpublished correspondence, I argue that his approach to literary and visual art interpretation accounts for both identity-political and more strictly formal or stylistic features of artworks and practices from the contemporary Middle East. In this dissertation I examine Said's interpretative strategies to prepare for an analysis of selected artworks by Hassan Khan. This is not a regional study of Arab or Middle Eastern art. Indeed, Said's work and Khan's, albeit in different contexts, with different means and to varying degrees challenges and often refuses generalizations about political, ethnic and national identity on which regional art histories are based. This dissertation thus aims to describe Said's and Khan's critical, highly individual and often eccentric approaches to Arab representations, rather than represent and identify them as Arabs, and explain their work as a consequence or expression of such a fixed identity. In the interest of preserving the particularity of Said's work and of Khan's I examine their reckoning with these problems in context.
Cette dissertation examine la pensée de l'homme de lettres palestinien-américain Edward W. Said, ainsi qu'une sélection d'oeuvres de l'artiste égyptien d'origine londonaise Hassan Khan. En comparant et contrastant leurs approches respectives de la production et critique des représentations des arabes, je soutiens que l'oeuvre de Said entre 1970 et 1980 est d'une importance durable pour les historiens de l'art, du moyen orient en général, et particulièrement dans le cas de l'œuvre de Khan. Un grande part des recherches académiques récentes portant sur l'art contemporain moyen oriental et égyptien porte sur les aspects d'œuvres d'art qui contribuent aux notions d'identité politique, ethnique et culturelle arabe. Tandis que ces études ont la vertu de décrire le contexte social et politique de pratiques artistiques émergentes au moyen orient, celles-ci omettent souvent d'examiner les stratégies de représentation formelles, stylistiques et esthétiques, employées par les artistes de cette région. En examinant les écrits publiés et ses correspondances non-publiées de Said, je soutiens que ses stratégies d'interprétation de l'art littéraire et visuel s'appliquent tant aux aspects identitaires-politiques qu'aux aspects strictement formels ou stylistiques d'œuvres d'art et de pratiques du moyen orient contemporain. Dans cette dissertation j'examine les stratégies d'interprétation de Said afin de préparer une analyse d'une sélection d'œuvres d'art de Hassan Khan. Il ne s'agit pas d'une étude régionale d'art arabe ou moyen oriental. En effet, malgré que l'œuvre de Said et de Khan proviennent de différents contextes, avec des stratégies de représentation distinctes qui à divers degrés mettent en cause et refusent les généralisations portant sur l'identité politique, ethnique et nationale sur laquelle se basent les études régionales de l'histoire de l'art. Cette dissertation vise donc à décrire les approches critiques, hautement individuelles et souvent excentriques, plutôt que de les représenter et identifier comme arabes, expliquant leur œuvre comme la conséquence ou expression d'une telle identité fixe. Dans le but de préserver la particularité de l'œuvre de Said et de celle de Khan, j'examine contextuellement leur évaluation et production de représentations arabes.

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Simonds, Sylvie. "A countercultural movement: examining Carlee Scheemann's kinetic theatre between 1963 and 1970." Thesis, McGill University, 2014. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=121261.

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Abstract:

This dissertation examines Carolee Schneemann's kinetic theatre performances (1963-1970) within the specific context of the art of the 1960s and the counterculture. In 1962, Schneemann coined the term “kinetic theatre” to describe her particular form of happenings and performance art. Although this definition was recognized in the initial art criticism of the 1960s, this is a genre of art that has been lost within current forms of feminist art history, performance studies and postwar art. Indeed, there has been no critical study of kinetic theatre within art history. My research examines the emergence of Schneemann's kinetic theatre, establishes its relationship to the counterculture and provides an explanation for its disappearance in 1970. Feminist art historians and critics have almost exclusively focused on the agency and the role of Schneemann's body within her performances. However, these interpretations have failed to address the political and aesthetic use of her group choreography within her kinetic theatre. This research charts a new direction of scholarship on Schneemann and more broadly it addresses the discourse on mid-twentieth performance art and feminist art history. I demonstrate that Schneemann was working in collaboration with male artists such as Stan Brakhage and that her kinetic theatre was politically situated within the antiwar movement, the politics of antipsychiatry and the New Left. By examining Schneemann's intricate network and collaborative associations in the 1960s this research provides a more expansive and less mythic understanding of the counterculture and the particular kinds of feminist and artistic interventions that she made within the antiwar movement.
Cette thèse porte sur le théâtre cinétique de Carolee Schneemann (née en 1939) produit durant la période 1963-1970. Attestant du rôle primordial de l'artiste en tant que figure de proue de la communauté avant-gardiste d'après-guerre, cette étude offre une des premières interprétations archivistiques de ses œuvres. Ma recherche offre une perspective critique dans le champ de l'histoire de l'art en examinant comment le théâtre cinétique de Schneemann aborde la guerre du Vietnam et les développements militaires propres à la Guerre froide à travers l'exploration esthétique de procédures développées au sein des débats psychiatriques et antipsychiatriques. L'une des questions fondamentales auxquelles cette thèse tente de répondre consiste à savoir pourquoi il n'y a pas eu d'études approfondies sur le théâtre cinétique en histoire de l'art. Il est vrai que l'histoire de l'art féministe a fourni les premières études concernant le travail de Schneemann. Ces dernières se sont principalement penchées sur la présence du corps de l'artiste comme matériau d'expression de façon à révéler les sophismes asexués ayant pris racine dans l'art moderne et postmoderne. Mais en se centrant uniquement sur le rôle joué par le corps de Schneemann, ces analyses ont omis de sonder tout un pan du travail de l'artiste lié à la portée politique de ses chorégraphies de groupe. En d'autres mots, les théories existantes n'examinent pas comment les performances de l'artiste ont aussi contribué à nourrir les débats critiques sur la représentation de la guerre du Vietnam et à démystifier les violences et le militarisme grandissant à l'intérieur de la nouvelle gauche. L'utilisation des chorégraphies de groupe au sein du théâtre cinétique a mis en lumière comment l'intériorisation du genre et la différence sexuelle participaient à une forme de « violence aveugle » recouvrant les notions de soi et de collectivité, issues des années soixante. Le théâtre cinétique a ainsi fait transparaître le « corps », capturé dans un processus dialectique de visualisation qui empruntait momentanément une structure identitaire, faisant ainsi écho aux désirs de l'époque associés aux promesses de libération, de collectivité, et de changement, tout en prenant soin de maintenir ces mythes hors d'atteinte. Le fait de performer ces désirs, à partir d'une distance critique, fait en sorte que la libération n'est jamais vraiment assimilée par le corps, le groupe et ses performances. Dans cette veine, ce projet examine ultimement les parallèles entre la violence militante au sein de la communauté antiguerre et la dissolution graduelle, le désenchantement, du théâtre cinétique en 1970.

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Van, Toorn Tai Amida. "On site, out of sight: viewing devices in Canadian land art, 1969-1980." Thesis, McGill University, 2014. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=122970.

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Abstract:

This doctoral dissertation addresses land art—ephemeral, site-specific works created from found materials, such as plants, stones, logs, earth, and water, in public and private outdoor locales—by Canadian artists from 1969 to 1980. I examine lesser-known artworks and writings by, and archival materials pertaining to, the N.E. Thing Co. (Iain and Ingrid Baxter), Dean Ellis, Robin Mackenzie, Reinhard Reitzenstein, and Bill Vazan. Despite the diversity of materials and settings chosen by artists, the artworks of interest to this study are united by their operation as viewing devices that transformatively mediate the beholder's view of the sites in which the works are located. My central argument is that three viewing devices featured in Canadian land art—frames, viewfinders, and apertures—deliberately destabilize the conception of site. These devices undermine the commonly assumed stability, visual coherence, fixity, and boundaries of sites by producing new, visually experienced sites displaying unstable, mutable, even contradictory appearances. I further underscore that these views respond critically to issues in Canadian culture, history, and regional politics in the post-Centenary era. To develop this argument, the Introduction situates Canadian land art in relation to existing scholarship on theories of visual perception and site specificity in 20th-century outdoor art (predominantly devoted to American and European art). The Introduction specifies this study's original contributions to previous scholarship before mapping the structure of the dissertation. Chapter One defines essential terms, concepts, and debates, and proposes a contextual definition of visually oriented land art in Canada. Each of the subsequent four chapters, chronologically and thematically ordered, analyzes a particular type of viewing device and model of site in an artwork by a Canadian artist discussed in connection with contemporaneous works by international artists. The Conclusion reprises the central argument, expands on the contextual definition, and extricates the principal characteristics defining land art's manipulation of site through sight.
Cette thèse analyse le « land art » canadien produit entre 1969 et 1980. Cet art comprend des œuvres éphémères installées dans des lieux publiques et privés et fabriquées d'objets et de matériaux trouvés, incluant des plantes, des pierres, des bûches, de la terre, et de l'eau. J'examine des œuvres d'art moins connues, des textes, et des documents d'archives des artistes N.E. Thing Co. (Iain et Ingrid Baxter), Dean Ellis, Robin Mackenzie, Reinhard Reitzenstein, et Bill Vazan. Malgré la diversité des matériaux et des lieux sélectionnés par ces artistes, leurs œuvres partagent la fonction d'agir comme « dispositifs visuels » qui médiatisent la perception visuelle du sujet face aux sites où se trouvent les œuvres. Mon argument central propose que les trois catégories de dispositifs visuels caractérisant le land art canadien—cadres, viseurs, et ouvertures—déstabilisent le concept du site. Ces œuvres sapent la stabilité, la cohérence, la fixité, et les limites conventionnellement attribuées aux sites en produisant des nouvelles vues dotées d'apparences instables, changeantes, et parfois paradoxales. Je souligne aussi que les vues produites par ces œuvres répondent de façon critique à la culture et l'histoire canadiennes post- centenaires ainsi qu'aux politiques régionales. Pour développer cet argument, l'introduction situe le land art canadien par rapport aux publications scientifiques (dont la majorité traite de l'art américain et européen) concernant les théories de la vision et du lieu dans l'art in situ contemporain du vingtième siècle. L'introduction identifie les contributions originales de cette étude à la littérature scientifique et décrit la structure de la thèse. Le premier chapitre définit les termes, les concepts et les débats essentiels au développement du land art. Il propose également une définition contextuelle du land art canadien orienté visuellement. Chacun des quatre chapitres suivants, organisés chronologiquement et thématiquement, examine un dispositif visuel et un type de site dans une œuvre spécifique d'un artiste canadien en tissant des liens avec des œuvres d'artistes internationaux. La conclusion reprend l'argument, développe la définition contextuelle, et démontre les caractéristiques principales de la manipulation des sites à travers une diversité de stratégies visuelles.

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Vargas, Cervantes Susana. "Alarma!: mujercitos performing gender in a pigmentocratic sociocultural system." Thesis, McGill University, 2013. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=119469.

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Abstract:

This research project examines the photographs of mujercitos and hombrecitas in the exemplary Mexican nota roja periodical Alarma!, from 1963 to 1986. The photographs of mujercitos, "effeminate men" and hombrecitas, "masculine type women" (as defined by Alarma!) are not what one expects from a nota roja periodical. Nota roja is a particular news genre for the narration of violence characterized by its gruesome and cruel photographic content. Within these photographs, mujercitos and hombrecitas are shown posing and taking the center stage of the camera for 23 consecutive years. Through an analysis of how the photographs of mujercitos and hombrecitas featured in the nota roja periodical Alarma! inform and participate in the larger national imaginary in relation to peripheral sexualities in Mexico, my dissertation contends that these photographs work as a site of resistance to and a subversion of many different forms of violence in Mexico. Moreover, this analysis reveals a process of subjectivation and subject identification informed as much by class/skin tonalities as by gender/sex. As such, my dissertation maps some of the zones of tension between the main Anglo North American theories of performative gender/sex within the pigmentocratic sociocultural system of Mexico.
Ce projet de recherche s'intéresse aux photographies de mujercitos et de hombrecitas dans le fameux périodique nota roja mexicain, Alarma!, de 1963 à 1986. Les photographies de mujercitos, « hommes efféminées » et hombrecitas « femmes masculines » (définis comme tel dans Alarma!) sont quelque peu inattendu dans un magazine nota roja. La presse nota roja est spécialisé dans une narration sensationnaliste de la violence et se caractérise par un contenu photographique tape-à-l'œil, très cru et souvent morbide. Pourtant ces sexualités périphériques vont s'y mettre en scène et prendre la pose devant l'objectif et pendant 23 années consécutives. A partir d'une analyse sur la manière dont les photographies de mujercitos et hombrecitas publiées dans le périodique de nota roja, Alarma! rendent comptent et participent du large imaginaire des sexualité périphérique au Mexique, ma dissertation soutient que ces photographies fonctionnent comme lieu de résistance et de subversion face à différentes formes de violence au Mexique. En outre, cette analyse révèle un processus de subjectivation et d´identification du sujet, défini aussi bien à partir de la classe social /tonalité de peau que du genre /sexe. De la sorte, ma dissertation cartographie les zones de tensions entre les principales théories nord-américaines et anglophones de genre /sexe performatif avec le système socio-culture de pigmentocratie au Mexique.

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Silver, Erin. "Sites unseen and scenes unsighted: histories of feminist and queer alternative art spaces, ca. 1970-2012." Thesis, McGill University, 2013. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=119481.

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Abstract:

Histories of North American feminist, queer, and queer feminist art can be traced in relation to a history of the institutions, organizations, and structures that have helped to secure and legitimize feminist and queer art practices. My dissertation provides a queer feminist historiographical analysis of key feminist and queer alternative art spaces in three North American cities, in an effort to both affirm their enduring historical significance and to delineate the ways by which the present day histories of past queer and feminist practices support or challenge the dominant narrative lens through which the histories have come to be read. With focus on the 1970s feminist art movement in Los Angeles, the underground queer art communities formed in New York City in the 1980s and continuing into the mid-2000s, and the burgeoning queer feminist cultural communities working in the present day in Montreal, I show how the socio-political conditions of each place have resulted in divergent paths among the institutions. Putting each history into dialogue with contemporary queer feminist initiatives and interventions, I demonstrate how queer feminism can work, in the present day, both to secure the historical significance of these spaces and to critically engage histories of exclusion as integral to their continued relevance.
On peut retracer l'histoire de l'art féministe, de l'art queer ainsi que de l'art queer et féministe en Amérique du Nord à travers une histoire des institutions, des organisations et des structures qui ont contribué à garantir et légitimer les pratiques d'art queer et féministe. Ma thèse offre une analyse historiographique queer et féministe des espaces d'art alternatifs, féministes et queer clés dans trois villes nord-américaines, de manière à affirmer leur portée historique tout en délimitant les façons par lesquelles l'histoire actuelle des pratiques queer et féministes du passé soutient ou remet en question l'optique du discours dominant à travers laquelle cette histoire en est venue à être lue. En me concentrant sur le mouvement artistique féministe des années 1970 à Los Angeles, sur les communautés underground d'art queer formées à New York dans les années 1980 jusqu'à la première moitié des années 2000 et sur les communautés culturelles queer et féministes émergeantes aujourd'hui à Montréal, je démontre comment les conditions socio-politiques présentes dans chaque ville ont mené les institutions dans des trajectoires divergentes. En engageant chaque histoire dans un dialogue avec des initiatives et interventions féministes et queer contemporaines, je démontre comment le féminisme queer peut présentement participer tant à assurer l'importance historique de ces espaces qu'à aborder, de façon critique, les histoires d'exclusion comme étant une partie intégrante de leur pertinence continue.

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Metcalfe, Christian Todd 1974. "MediaJacket : an integrated clothing based personal communications system." Thesis, Massachusetts Institute of Technology, 1999. http://hdl.handle.net/1721.1/62093.

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Abstract:

Thesis (S.M.)--Massachusetts Institute of Technology, School of Architecture and Planning, Program in Media Arts and Sciences, 1999.
Includes bibliographical references (leaves 46-47).
Recent developments in fabric based conductive embroidered input devices has created the opportunity for the next generation of wearable computing. This thesis presents a preliminary attempt to develop a wearable, multi-purpose, extensible, IP device that uses flexible fabric based circuitry for its user interface. It integrates a suite of advanced communications devices into a standard PolarTecTMjacket using an embedded personal computer for its controller. Users wear the MediaJacket similarly to normal clothing, and can use a diverse set of applications that include IP telephony, two-way pager-like email, an MP3 audio player, and a contactless "interface pocket" for handling input data streams from external devices. By embedding advanced electronics into clothing using an RF connection for tetherless internet connectivity, this research aims to reduce the stigma of using technology by creating a more personalized user experience. It is our hope, that as the size and cost of the MediaJacket's components come down, this research will help people better to better integrate technology into their lives.
by Christian Todd Metcalfe.
S.M.

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Thrift, Samantha. "NAC, the news, and the neoliberal state 1984-1993." Thesis, McGill University, 2010. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=86711.

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Abstract:

This study situates the National Action Committee on the Status of Women's [NAC] activism and media strategies in relation to the emergence of neoliberal policy and political discourse at the federal level in Canada. The rise of neoliberal policies and political language during the 1980s and early 1990s in Canada created a new terrain on which political debates about women's issues entered into public culture. Consequently, women's organizations had to change advocacy strategies in order to participate in national political discourse and contest the terms on which women's issues were being framed. While this story has primarily been told as the beginning of the end of Canadian second wave feminism, my dissertation investigates how Canadian feminism did not decline or die, as news media reported, but instead was forced to change strategies and, in the process, re-organize the movement's shape, objectives and practice. My study uses qualitative, historical and discursive analysis to examine two sets of representations occurring around the NAC-sponsored federal leadership debates. The first set is drawn from representations of the organization's interests and strategies produced through their own materials, policies and media tactics. This approach facilitates analysis of the internal dynamics informing NAC's media strategy, so as to fully evince the organization's keen awareness of the potential opportunities and constraints for Canadian women presented by a shift to a neoliberal federal framework. The second set is constructed in the English-language news media around NAC's strategic media events in order to determine the ways in which the Canadian women's movement was being discussed and historicized in the mainstream news media.
La présente recherche fait le point sur l'activité militante et les stratégies médiatiques du comité canadien d'action sur le statut de la femme (CCASF), en relation avec l'émergence d'une politique et d'un discours néolibéraux au niveau fédéral. Le développement des politiques néolibérales et du langage politique au cours des années 1980 et au début des années 1990, au Canada, a créé une nouvelle réalité dans laquelle les débats politiques sur les questions féminines sont entrés dans la culture populaire. Par conséquent, les organisations féminines ont été forcées de modifier leurs stratégies en matière de représentation des femmes, afin d'être en mesure de participer au discours politique canadien et de contester les modalités servant à formuler les questions relatives à la condition féminine. Même si ce sujet a été présenté principalement comme le commencement de la fin de la deuxième vague féministe au Canada, ma thèse explique pourquoi le féminisme n'est pas mort, comme l'avaient annoncé les médias, mais qu'il a dû modifier ses stratégies, et par la même occasion, restructurer la forme, les objectifs et les pratiques du mouvement. Ma recherche utilise l'analyse qualitative, historique et discursive pour examiner deux groupes de représentations qui ont eu lieu autour des débats parrainés par le CCASF. Le premier groupe est tiré de représentations relatives aux intérêts et aux stratégies de l'organisation, effectuées à l'aide de son propre matériel, de ses politiques et de ses tactiques médiatiques. Cette approche facilite l'analyse de la dynamique interne qui a influencé les stratégies médiatiques du CCASF, afin de démontrer pleinement que l'organisation était consciente des perspectives et des contraintes éventuelles qu'un changement vers une structure néolibérale fédérale créerait pour les Canadiennes. Le deuxième groupe est constitué à partir des informations provenant des

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Sannicandro, Joseph. "Nothing behind the mask: an Arenditian approach to virtual worlds and the politics of online education." Thesis, McGill University, 2012. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=107865.

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Abstract:

Proceeding from an analysis of contemporary practices of online education courses taught in virtual environments, I seek to recuperate a notion of social identity in Hannah Arendt's vision of a political stage; social identity as a mask that actors wear when acting politically. I avoid the language of mediation, instead seeing the 'Mask' as ever present. I offer this mode of inscription as being central to our understanding of medium specificity, and apply it in particular to my analysis of the use of Second Life (SL) in online learning environments. I take the use of SL in university courses as an example to think through what happens when education- which I understand as being essential to citizenship, a practice that depends on appearing in public- shifts to a space of virtual publicity. I examine the history of the modern university and the role that technologies have played in the growing corporate reorganization of the university. I defend the university as, ideally, an autonomous site from which, in Nietzsche's words, the "untimely" can emerge. I look to the political thought of Hannah Arendt as a theoretical ground for understanding avatars and virtual community, following Norma Claire Moruzzi in reading the mask of social identity as a site of political engagement. I explore the appositeness of Hannah Arendt's articulation of public, political personae or masks in On Revolution, as well as her critique of Plato's metaphysical bifurcation of Being and appearance, and her understanding of (Jewish) identity as non-territorial- and therefore virtual- to contemporary debates concerning cybersociality and online community. I read her against common reception to argue that the conception of political actors animating her texts is best illuminated when read heuristically through contemporary discourses of technology. In so doing I develop an Arendtian view of politics and social identity that is amenable to and invests itself in modes of resistance enabled by cybersociality. From the perspective of critical pedagogy, I aim to think through ways of utilizing technologies as potentially repoliticizing, and I identify the properties online learning must demonstrate in order to create new sites of resistance.
Partant d'une analyse des pratiques contemporaines de cours de formation en ligne a enseigné dans les environnements virtuels, je cherche à récupérer une notion d'identité sociale dans la vision de Hannah Arendt sur une scène politique, l'identité sociale comme un masque que les acteurs portent quand il agit politiquement. J'évite le langage de la médiation, au lieu de voir le "Mask" plus que jamais présent. J'offre ce mode d'inscription comme étant cruciales pour notre compréhension de la spécificité moyenne, et il s'applique en particulier à mon analyse de l'utilisation de Second Life (SL) dans des environnements d'apprentissage en ligne. Je prends l'utilisation de SL dans les cours universitaires comme un exemple de penser à ce qui arrive quand l'éducation-ce que je comprends comme étant essentiels à la citoyenneté, une pratique qui dépend apparaître en public-se déplace vers un espace de publicité virtuelle. J'examine l'histoire de l'université moderne et le rôle que les technologies ont joué dans la réorganisation des entreprises de croissance de l'université. Je défends l'université, idéalement, un site retiré par d'autres institutions, un site à partir de laquelle, dans les mots de Nietzsche, le «prématurée» peut émerger. Je me tourne vers la pensée politique de Hannah Arendt, comme un motif théorique pour comprendre et avatars communauté virtuelle, après Norma Claire Moruzzi en lisant le masque de l'identité sociale comme un site d'engagement politique. J'explore l'apposition de l'articulation de Hannah Arendt de public, personae politique ou des masques dans Essai sur la révolution, ainsi que sa critique de bifurcation métaphysique de Platon de l'Etre et l'apparence, et sa compréhension de (juif) identité en tant que non-territoriales-et donc virtuelle aux débats actuels concernant cybersociality et de la communauté en ligne. Je lui ai lu contre la réception commune pour faire valoir que la conception des acteurs politiques animant ses textes est la meilleure lumineux lorsqu'il est lu à travers les discours contemporains heuristique de la technologie. Ce faisant je développe un point de vue d'Arendt de la politique et l'identité sociale qui est susceptible d'être et s'investit dans des modes de résistance possibles par cybersociality. Du point de vue de la pédagogie critique, je vise à réfléchir aux moyens d'utiliser les technologies comme potentiellement repolitiser, et je identifier les propriétés d'apprentissage en ligne doivent démontrer de manière à créer de nouveaux sites de résistance.

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Lavigne, Carlen J. "Mirrorshade women: feminism and cyberpunk at the turn of the twenty-first century." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=21937.

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Abstract:

This study analyzes works of cyberpunk literature written between 1981 and 2005, and positions women's cyberpunk as part of a larger cultural discussion of feminist issues. It traces the origins of the genre, reviews critical reactions, and subsequently outlines the ways in which women's cyberpunk altered genre conventions in order to advance specifically feminist points of view. Novels are examined within their historical contexts; their content is compared to broader trends and controversies within contemporary feminism, and their themes are revealed to be visible reflections of feminist discourse at the end of the twentieth century. The study will ultimately make a case for the treatment of feminist cyberpunk as a unique vehicle for the examination of contemporary women's issues, and for the analysis of feminist science fiction as a complex source of political ideas.
Cette étude fait l'analyse d'ouvrages de littérature cyberpunk écrits entre 1981 et 2005, et situe la littérature féminine cyberpunk dans le contexte d'une discussion culturelle plus vaste des questions féministes. Elle établit les origines du genre, analyse les réactions culturelles et, par la suite, donne un aperçu des différentes manières dont la littérature féminine cyberpunk a transformé les usages du genre afin de promouvoir en particulier le point de vue féministe. Les romans sont examinés dans leurs contextes historiques; leur contenu est comparé aux tendances et controverses de plus grande envergure du féminisme contemporain, et leurs thèmes affichés comme images manifestes du discours féministe à la fin du vingtième siècle. L'étude présentera en fin de compte des arguments appuyant l'approche de la littérature cyberpunk féministe comme véhicule exceptionnel pour l'examen des questions féminines contemporaines et pour l'analyse de la science-fiction féministe en tant que source complexe d'idées politiques.

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Sutton, Paul. "Smoking is a socialist issue: health promotion and neoliberal politics in Canada." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=66946.

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Abstract:

Recent studies by Health Canada have shown its public service announcements (PSAs) and tobacco warning labels are increasingly ineffective. This thesis questions whether public communication is the best course of action for health promotion. I analyze texts by health promotion scholars and professionals that emphasize community and economically redistributive approaches – approaches that have been taken up on only a limited basis by health agencies in Canada. Added to this, smoking rates are significantly higher in working class, poor and mentally ill populations; in this way, it makes sense economic redistribution should be one component of plans to achieve better health for all. Further, the widespread adoption of neoliberal economic policies since the 1980s have overwhelmingly disadvantaged these populations; because of this, I suggest the pleasures smoking provides trump information-based prevention efforts for these populations, which happen to mostly model idealized, middle-class normatively gendered and heteronormative situations as reason to quit. To conclude, I contrast two recent programs for addiction control in Canada: the Smoke-Free Ontario Act, which introduced legal prohibitions that limit public spaces in which cigarettes can be consumed in order to encourage smoking cessation, and InSite, the supervised injection site in Vancouver's Downtown Eastside that uses a harm-reduction approach that helps clients address the multiple challenges in their lives without requiring drug abstinence as a precondition for access.
Des études récentes effectuées par Santé Canada ont démontré que ses publicités d'intérêt public et ses avertissements sur les produits de tabac sont de plus en plus inefficaces. Ce mémoire soulève la question à savoir si la communication publique est le meilleur type d'intervention pour la promotion de la santé. Je ferai l'analyse de textes écrits par des érudits et professionnels en matière de promotion de la santé qui mettent l'emphase sur l'approche communautaire et de redistribution économique, approches qui ont n'été repris que de manière limitée par les agences de santé canadiennes. De plus, le taux de tabagisme est plus élevé parmi les groupes de population de la classe ouvrière, les pauvres, et ceux atteints de maladie mentale. En ce sens, il suit que la redistribution économique devrait être une composante de tout plan visant à améliorer la santé de la population. De plus, l'adoption de politiques néolibérales à partir des années 1980 ont désavantagé ces groupes; à cause de cela, je suggère que le plaisir qu'apporte l'acte de fumer fait obstacle aux efforts de prévention basés sur l'information, qui le plus souvent proposent comme modèle des situations idéalisées issues de la classe moyenne et présentant une norme de genre et de sexualité hétérosexuelle comme étant des raisons de cesser de fumer. Pour conclure, je ferai un contraste entre deux programmes récents pour le contrôle de la dépendance au tabac et de la toxicomanie: La Loi favorisant un Ontario sans fumée, qui a introduit des prohibitions légales limitant les lieux dans lesquels le tabac peut être consommé afin d'encourager la cessation de l'usage du tabac ainsi que InSite, le site d'injection supervisé dans le « Downtown Eastside » de Vancouver qui fait usage d'une approche de réduction des dommages en aidant sa clientèle à faire face aux multiples défis dans leur vie sans

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Sorochan, Cayley. "Flash mobs and urban gaming: networked performances in urban space." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=67004.

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Abstract:

In this thesis I analyze "flash mob" and "urban gaming" practices as manifestations of online social relations in actual spaces. In contrast to theories that emphasize the democratizing and empowering effects of new communication technologies I argue that flash mobs are an example of the depoliticizing effects of online consumption and participation. I explore the highly mediated nature of flash mob performances through an analysis of the visual technologies used to document and represent them online and the social networking sites used to organize them. Through an analysis of flash mob video spectatorship and a Marxist approach to social space, I argue that the participation and activity that is demanded of users in online contexts and seen in flash mob and urban gaming events often functions to defer political action and further incorporate social space into processes of capitalist valorization.
Dans ce projet de mémoire l'auteur se prête à l'étude des "foules éclairs" (flash mobs) et des "jeux urbains" (urban gaming) contemporains en tant que manifestation de relations médiatisées par ordinateur et actualisées dans des espaces actuels. À l'encontre de ceux qui voient chez les foules éclairs l'effet démocratisateur des nouvelles technologies de communication, l'auteur y voit plutôt un effet de dépolitisation de par la même participation et la communication médiatisée. L'analyse des dispositifs sociaux et visuels qui sont utilisés pour les resprésenter ainsi que pour les organiser s'ajoute à l'approche marxiste à l'espace social pour enfin rendre l'hypothèse que ces activités laissent à un temps différé l'action politique et, de plus, rend l'espace social aux effets de valorization capitaliste.

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Ranachan, Emma Kate. "Cheering for Barça: FC Barcelona and the shaping of Catalan identity." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=22036.

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Abstract:

This thesis examines the relationship between Football Club Barcelona (Barça) and the Catalan nationalist movement. From its creation, Barça has been identified as a Catalan club. This identity took on new meaning during the Franco period when the regime's oppression of Catalan society drove all expressions of Catalan identity out of the public sphere. It was through the club and within the walls of the Camp Nou stadium that Catalunya was able to sustain its identity. The end of the Franco regime has created new opportunities for national expression and political solutions and the forces of globalisation have expanded Barça's fan base beyond the borders of Catalunya and now includes many who do not identify with the Catalan cause. This thesis assesses how the end of Franco and globalisation have changed Barça's Catalan identity and whether Barça might provide a model for expanding our understanding of the roles that cultural institutions can play in developing, shaping and sustaining sub-state nationalist identities.
Ce mémoire examine la relation entre le Football Club Barcelona (Barça) et le mouvement nationaliste catalan. Dès sa création, Barça fut perçu comme un club catalan. Cette identité a pris un nouvel aspect pendant le régime de Franco, qui, par l'oppression de la société catalane, a poussé l'expression de l'identité catalane hors de la sphère publique. La Catalogne est parvenue à maintenir son identité grâce au club et au stade Camp Nou. La fin du régime de Franco a créé de nouvelles opportunités pour l'expression nationale, alors que les solutions politiques et les forces de la mondialisation ont étendu le support de Barça au delà des frontières de la Catalogne : beaucoup de supporters aujourd'hui n'adhèrent pas à la cause catalane. Ce mémoire examine comment la fin du régime de Franco ainsi que la mondialisation ont changé l'identité catalane de Barça, et la façon dont Barça peut servir de modèle pour approfondir la compréhension des rôles que les institutions culturelles peuvent jouer dans le développement, le façonnement et le maintien des identités nationalistes minoritaires à l'intérieur d'un État.

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Landry, Normand. "Les poursuites stratégiques contre la mobilisation publique : l'activisme citoyen et la juridicisation du politique au Québec." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=97055.

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Abstract:

This dissertation is intended as a discursive, empirical and theoretical analysis of a social campaign that has mobilized citizen and social groups from Quebec against a specific practice of legal intimidation targeting politically active citizens. It looks at the social constitution of a socio-legal problematic and at the translation of this problematic into a social, political and legal issue that has captured the attention of activists, media, lawyers and policy-makers for more than three years. Central to the elaboration of this problematic was the concept of strategic lawsuits against public participation (SLAPPs). As such, this dissertation discusses the concept of strategic lawsuit against public participation, addresses the conceptual difficulties inherent to the notion, synthesizes the various social, political and psychological issues associated with SLAPP suits, and offers a review of the rights and freedoms threatened by this practice of legal intimidation. It further addresses the processes by which politically active citizens are bullied out of a public sphere of political debate and confined into a legal arena of private action.This dissertation draws extensively on social movement literature and conceptualizes social protest as communicative and cognitive phenomena. It further addresses issues of legal mobilization, rights and legal consciousness, rights discourse, and legal strategies. It aims at theorizing and understanding the processes by which the legal system is instrumentalized politically- both by and against activists- in order to generate or block social change, to alter power relations and to defend specific positions and interests. As such, it addresses the issue of juridification of politics in Quebec and Canada and questions the processes by which social and political controversies are displaced from what is generally conceived as public spaces of relative openness and transparency – the media, city halls, schools, parliaments, to name a few – and confined to the more opaque and narrow institution of the courtroom.
Cette thèse se veut une analyse discursive, empirique et théorique d'une campagne de mobilisation sociale ayant galvanisé individus et groupes sociaux du Québec contre une pratique spécifique d'intimidation judiciaire ciblant les citoyens actifs sur la scène sociale et politique. Elle s'intéresse à un processus de construction sociale d'une problématique socio-juridique et à la traduction de cette dernière en un enjeu social, politique et juridique ayant capturé l'attention d'activistes, des médias et de la classe politique pendant plus de trois ans. Cette problématique a été essentiellement élaborée autour du concept de poursuite stratégique contre la mobilisation publique (également connu sous son acronyme anglais, « SLAPP »). À ce titre, cette thèse traite de manière extensive de cette notion particulière, soulève les difficultés conceptuelles qui y sont inhérentes, synthétise les différentes problématiques sociales, politiques et psychologiques lui étant associées, et présente les principaux droits et libertés menacés par cette pratique d'intimidation judiciaire. Elle traite en outre des processus par lesquels des citoyens politiquement actifs sont traînés hors d'un espace public de discussion politique et confinés dans un espace judiciaire. Cette thèse s'appuie largement sur la littérature se consacrant aux mouvements sociaux et conceptualise la mobilisation sociale en tant que phénomène cognitif et communicationnel. Elle traite également des questions associées à la mobilisation politique des tribunaux, à l'élaboration d'une conscience des droits, à la prolifération des discours juridiques à l'extérieur de l'institution judiciaire, et aux stratégies juridiques employées dans le cadre de joutes sociales et politiques. Elle cherche à théoriser et à comprendre les manières avec lesquelles le système judiciaire est instrumentalisé politiquement par et contre des activistes afin de générer ou de bloquer des dynamiques de changement social, de modifier des relations de pouvoir, et de défendre des positions politiques et intérêts spécifiques. Cette thèse aborde conséquemment la question de la juridicisation de la vie politique au Québec et au Canada et discute des processus de déplacement des controverses sociales et politiques d'espaces publics maintenant un certain niveau d'ouverture et de transparence – les médias, le conseil municipal, le parlement, pour n'en nommer que quelques-uns – et de leur confinement à l'intérieur des tribunaux.

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Abraham, Christiana. "Images of third world women: difference and disjuncture in development representations." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=18780.

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Abstract:

Images of Third World Women: Difference and Disjuncture in Development Representations This dissertation analyzes the use of images of women of the third world by the Canadian International Development Agency (CIDA) during the Women in Development period (WID). This critical interpretative analysis examines how images as institutional texts function to reproduce notions of difference about women and the third world. The study looks at the disjuncture between the language and images of development and studies how media narratives circulate gender discourses through strands of colonial and race-based knowledges as normalized ways of classifying the world through imaginary categories. The study suggests that through recurrent representative tropes, WID facilitated the deliberate production of a development category that was highly identifiable – that of the third world woman. This focus on women allowed their images to assume immense circulatory value in CIDA development imagery so that depictions of third world women became representative of development itself. Operating as sign systems, these images of third world women also functioned as important symbols of the uniqueness of Canadian values. The study provides a framework for understanding development representations as powerful sign systems that prioritize and hierarchize preferred narratives.
Résumé Les Images des Femmes du Tiers Monde: Différence et Rupture dans les Représentations du Développement Cette thèse analyse l'usage des images des femmes du Tiers Monde par l'Agence Canadienne de Développement International (ACDI) durant la période 'Les Femmes dans le Développement' (FED). Cette analyse interprétative critique examine comment ces images, - en tant que textes institutionnels -, fonctionnent pour reproduire les notions de différence à propos des femmes et du Tiers Monde. Cette étude se penche sur la rupture entre le langage et les images du développement et analyse la manière dont les messages médiatiques véhiculent les discours relativement au genre par le truchement de formes résiduelles de savoirs colonial et racisé en tant que moyens normalisés de classifier le monde par l'entremise de catégories imaginaires. Cette étude suggère que, par l'entremise de catégories représentatives récurrentes, l'époque FED facilita la production délibérée d'une figure du développement fortement identifiable - celle de la femme du Tiers Monde. Cette tendance à cibler les femmes a permis à ces images d'assurer une immense valeur véhiculaire dans l'imaginaire du développement de l'ACDI, de sorte que ces images des femmes du Tiers Monde sont devenues elles-mêmes représentatives du développement. Fonctionnant comme systèmes de signes, ces images des femmes du Tiers Monde ont également opérés comme d'importants symboles de la singularité des valeurs canadiennes. Cette étude fournit un cadre pour comprendre les représentations du développement en tant que systèmes de signes puissants qui priorisent et hiérarchisent les préférences narratives.

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Lee, YongWoo. "Embedded voices in-between empires: the cultural formation of Korean popular music in modern times." Thesis, McGill University, 2010. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=95009.

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Abstract:

This dissertation examines the historical trajectory of colonial mentality and the genealogy of cultural modernity and Americanization in South Korea by recontextualizing popular music as a narrative of collective memories and mass trauma. By mapping out two continual colonial histories, those represented by the periods of the Japanese Empire and of the American military government, I develop a narrative of Korean popular music that echoes this submission experienced by Koreans, a movement empowered by modern western technology such as the gramophone, radio and phonograph records as well as by the appropriation of various foreign popular music genres. This research primarily explores the ways in which consumption and production practices of Korean popular music were intertwined with structures of Korean cultural modernity. By examining socio-historical transformations such as urban development, commercialization and modernization, I examine the colonial experiences of Koreans as manifest in popular music narratives that gradually embraced collective sentiments and mass perceptions of everyday life under colonial circumstances, particularly as these were influenced by burgeoning concepts of western and American modernity and represented in song lyrics and musical performances from within the interior of Japanese colonial surveillance. As I shall argue, the submissive colonial narrative in Korean popular songs was enforced by the mobilization of Japanese militarism and imperial discourses concerned with becoming an imperial subject within the imperial national body, such that the colonial narrative was present continuously from the post-liberation era until the 1950s when the U.S. military controlled Korean society. Thus, this research raises a set of questions concerning, first, the embedding of Japanese colonialism within Korean popular songs, and secondly, the means by which Americanization and modern life circulated within the colonial and postcolonial di
En replaçant la musique populaire dans le contexte d'une histoire de mémoire collective et de traumatisme de masse, cette thèse examine le parcours historique des mentalités coloniales et la généalogie de la modernité culturelle et de l'américanisation en Corée du Sud. En traçant les contours de deux histoires coloniales successives, de l'Empire japonais au contrôle du gouvernement militaire américain, les expériences modernes des Coréens font écho à la soumission implicite du récit colonial au sein du texte culturel, autorisée par le trope moderne des technologies occidentales le gramophone, la radio et les enregistrements phonographiques et la conciliation entre divers genres de musique populaire. Cette recherche explore comment les pratiques de consommation et de production de la musique populaire, s'enlacent intimement dans la formation de la modernité culturelle en examinant la commercialisation et la modernisation, avec le développement urbain. La représentation des expériences coloniales des Coréens dans le récit de la musique populaire a progressivement englobé les sentiments collectifs et les perceptions de masse des circonstances coloniales en insufflant le concept naissant de modernité occidentale/américaine dans les paroles et dans les performances, à travers plusieurs processus de modernisations macroscopiques dans la vie de tous les jours à l'intérieur de l'imaginaire colonial japonais. Par conséquent, le récit assujetti à l'empire japonais de l'expérience coloniale, dans les chants populaires, avait été renforcé par la mobilisation du militarisme japonais et des discours sur le « sujet impérial » à l'intérieur du corps impérial de la nation qui ont refait surface sous la forme de la soumission continuelle à l'intérieur des mentalités coréennes qui avaient repris les pleins pouvoirs après la libération du joug japonais durant les années 1950. Cette étude s'intéresse à la période de la guerr

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Lamasanu, Stefana. "Capturing the Romanian revolution: violent imagery, affect and the televisual event." Thesis, McGill University, 2011. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=96815.

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Abstract:

On December 21, 1989, the communist regime of Nicolae Ceauşescu crumbled to its demise under the gaze of the video cameras filming the start of what was to become the 'Romanian televised revolution'. This dissertation analyses the visual representation of the fall of Communism in Romania, and more specifically, the mediatised footage of Nicolae Ceauşescu's execution, as it was broadcast in Romania and globally. The uprisings and the execution are examined here as a constructed "televisual event" (Morse 93) with important socio-political implications. One of the main assertions of this dissertation is that these images were produced and disseminated within an economy of emotions that circulated affect for political and ideological purposes. Furthermore, beyond their role as documentary representations and historical archives, these visuals offer a forum for discussing the way viewers experience a certain kind of pleasure in the consumption of violent images. In order to better situate the object of study, the project begins with a broad overview of current ways of thinking about death imagery and its circulation, before presenting the specific historical and political context of the visuals of the revolution. Then, through archival research on the news disseminated during the revolution and after, the study provides an examination of the domestic and international media coverage of the events. Subsequently, in order to examine the interplay between media technology, politics, and the public, the images are examined as particular audiovisual texts with their own aesthetic codes and style. Finally, the thesis considers the images as sites for the mobilization of affect, exploring their ethical and political implications, in their role as media performances.
Le 21 décembre 1989, le régime communiste de Nicolae Ceauşescu s'est effondré devant les caméras. C'était le début de ce qu'on a appelé la « révolution roumaine télévisée ». La présente dissertation analyse la représentation visuelle de la chute du communisme en Roumanie, et notamment les images de l'exécution de Nicolae Ceauşescu qui ont été diffusées dans ce pays et dans le monde. Les soulèvements et l'exécution sont examinés ici comme un « évènement télévisuel » fabriqué (Morse) aux importantes ramifications sociopolitiques. La présente dissertation établit notamment que ces images ont été produites et diffusées dans une économie des émotions qui transmettait des affects à des fins idéologiques et politiques. Outre leur rôle de représentations documentaires et d'archives historiques, ces images sont aussi pour nous l'occasion d'aborder la question du plaisir que les spectateurs peuvent tirer de la consommation d'images violentes. Afin de cerner notre sujet, nous commençons par un survol des théories actuelles de l'imagerie de la mort et de sa circulation, puis nous exposons le contexte historique et politique des images de la révolution. Nous compulsons ensuite les archives des actualités pour analyser la couverture médiatique des évènements en Roumanie et dans les autres pays, après quoi nous examinons les images en tant que textes audiovisuels pourvus de codes esthétiques et d'un style particulier pour étudier l'interaction de la technologie médiatique, de la politique et du public. Enfin, nous analysons les images en tant que sites de mobilisation des affects en étudiant leurs répercussions éthiques et politiques de spectacle médiatisé.

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Moscote, Freire Ariana. "Tuning into you: personalized audio streaming services and their remediation of radio." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=18799.

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Abstract:

This thesis sets out to study and contextualize the discourses and structures surrounding an emerging form of music promotion, distribution, and consumption, namely personalized audio streaming driven by music recommender systems. It finds that services including Last.fm, Yahoo! LAUNCHcast, Pandora.com, and Radiolibre.ca rely on a discursive construct of 'radioness' in order to frame and legitimize their activities to their listeners, to the industry, and to the State. Simultaneously, these emergent media forms claim to surpass conventional radio by offering users agency over their listening experiences and promising artists more equal and relevant access to the 'airwaves,' with potentially revolutionary consequences. The argument of this thesis is that it is a particular conception of 'radio' that is at play in these articulations, and that furthermore, we should recognize the structuring impact of the regulatory context, industrial practices, and technological design of these personalized music streaming systems on their development and implementation, rather than take their promotional rhetoric at face value.
Ce mémoire a pour but d'étudier et de mettre en contexte les discours et les structures liés à une forme naissante de promotion, de distribution et de consommation de musique, soit des services de programmation musicale personnalisés par des systèmes de recommandation. Il y est démontré que ces services, dont Yahoo! LAUNCHcast, Last.fm, Pandora.com et Radiolibre.ca s'appuient sur une notion discursive de ce qu'est la radio afin d'encadrer et de rendre légitimes leurs activités aux yeux de leurs membres, de l'industrie musicale et de l'État. Ils rejettent simultanément cette même notion lorsqu'ils clament dépasser la radio conventionnelle en offrant à leurs usagers de contrôler leurs expériences auditives, et aux artistes émergents un accès plus égal et pertinent aux « ondes », aux conséquences potentiellement révolutionnaires. La thèse présentée est qu'un concept particulier de la « radio » est exploité dans ces situations, et que la valeur apparente des promesses des services personnalisés ne correspond pas nécessairement à la réalité, définie par l'impact structurel de la réglementation, des pratiques de l'industrie et de la technologie sur le développement de ces nouveaux médias.

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Gennaro, Stephen. "Selling youth: how market research at the J. Walter Thompson company framed what it meant to be a child (and an adult) in 20th Century America." Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=18816.

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Abstract:

Selling Youth: How Market Research at the J. Walter Thompson Company Framed What It Meant to Be a Child (and an Adult) in 20th Century America. This thesis examines the marketing discourse of “perpetual adolescence,” a term, which describes the ways in which the advertising industry trains all people, young and old, to be consumers of “youth” in a marketplace that privileges adolescence over adulthood; with ultimate goal of achieving access to an adult wallet that is controlled by a consumer with child-like sensibilities. The discourse of perpetual adolescence came to prominence after WWII when drastic changes in population and the emergence of a new middle class were influential factors in shifting ideologies surrounding what it meant to be a child, a teenager, and an adult. One of the key institutions in the crystallizing of new ideologies about “youth” was the advertising agency, who through advertisements framed and defined the family unit in postwar America to American consumers. The thesis looks specifically at the interior of one of the largest advertising agencies of the 20th century the J. Walter Thompson Company. Through an examination of their practices in consumer research with behaviourist John B. Watson, the Consumer Panel, the Personality Profile Project, and a series of advertisements produced for The Seven-Up Company between 1942 and 1968, the J. Walter Thompson Company in the post war period aimed to further expand the youth market into the more profitable age category of 25-44 year olds by selling “youthfulness” to adults. Consumers were promised the romanticized sensibilities of youth but were only given the destabilized identity of adolescence. Explicitly, J. Walter Thompson sold images of “youth” to adults who longed to be young again. In doing so they implicitly “took the lid off” of a time that adults were supposed to have already conquered—adolescence—by drawing them back to a destabilized identity that
Vendre la jeunesse : comment la recherche de marché au J. Walter Thompson Company a encadré ce qui veut dire être un enfant (et un adulte) en Amérique pendant le 20e siècle. Cette thèse nous permet d'examiner le discours, issu du marketing, que nous désignons par « adolescence perpétuelle ». Nous avons conçu cette expression pour décrire les différentes formules utilisées par l'industrie publicitaire afin d'apprendre aux gens — tant les jeunes comme les personnes âgées — à devenir des consommateurs de « jouvence » dans un marché qui privilégie l'adolescence à l'âge adulte. Le but étant l'accès au portefeuille du consommateur adulte ayant des sensibilités d'enfant. Le discours de « l'adolescence perpétuelle » a toujours été présent dans la publicité, mais est devenu déterminant après la Deuxième Guerre mondiale. Des changements majeurs en ce qui concerne la population ainsi que l'émergence d'une nouvelle classe moyenne influencent de façon décisive les changements idéologiques de l'époque entourant la conception de ce que veut dire être un enfant, un adolescent et un adulte. Une des industries clefs permettant la cristallisation des nouvelles idéologies concernant l'idée de jeunesse a été l'agence publicitaire. Cette dernière à travers la publicité encadre et définit la cellule familiale des consommateurs de l'Amérique d'après-guerre. Notre thèse se concentre plus spécifiquement sur l'une des plus grandes agences publicitaires du vingtième siècle : la J. Walter Thompson Company. À travers l'examen des pratiques concernant la recherche sur le consommateur avec le behavioriste John B. Watson, le Consumer Panel, le Personality Profile Project et une série d'annonces publicitaires produites pour les compagnies Seven Up et Ford entre 1942 et 1968, nous pouvons dire que la J. Walter Thompson Company, en cette période d'après-guerre, cherche à étendre son marché à une catégorie d'âge ayant un pouvoir

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Sutherland, Richard Francis. "Making Canadian music industry policy 1970-1998." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=32522.

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Abstract:

This dissertation is a history of the development of the Canadian federal government's music industry policies from about 1970 to 1998. Over this period the government undertook a number of significant initiatives that mark the emergence of the Canadian music industry as a distinctive object of federal policy. The resulting account is not a single, linear narrative but unfolds in three separate but related streams, based on the following policies: Canadian content quotas for radio, the Sound Recording Development Program (a funding program to support the production and marketing of sound recordings), and revisions to Canada's copyright regime, such as neighbouring rights and a home taping levy. Each of these policies has a distinct history, originating in different areas of government at different times. Together, they do not form a consistent whole as much as an overlapping set of separate "policy assemblages," incorporating distinctive policy instruments and particular configurations of the Canadian music industry. Drawing on Michel Callon's work on the construction of markets, the dissertation explores the various ways in which the Canadian music industry enters into cultural policy through its associations with other extant policy formations. Canada's music industry appears in various roles in this history – as a supplier of programming for broadcasters, as a sector comparable to other 'cultural industries' such as film production and book publishing, and as the representative of the rights of artists and creators. Finally, the dissertation examines the ways in which these conceptions begin to cohere through the efforts of government and the industry representati
Ce travail dresse un historique des mesures prises par le gouvernement fédéral canadien dans le domaine de l'industrie musicale, de 1970 environ jusqu'en 1998. Au cours de cette période, le gouvernement met en place plusieurs mesures décisives qui font de la production musicale un secteur spécifique de la politique fédérale. Le texte qui suit n'est pas un compte rendu chronologique; il s'organise en trois parties distinctes mais interdépendantes, qui recensent trois types de mesures : le quota de contenu canadien pour les programmes radiophoniques, le programme d'aide au dévelopement de l'enregistrement sonore (un programme qui finance la production et le marketing des enregistrements sonores), et les corrections apportées au régime canadien du droit d'auteur : droits voisins, droits à la copie pour usage privé. Ces mesures ont leurs histoires propres, nées à des périodes différentes dans des ministères différents. Considérées dans leur ensemble, elles ne forment pas un tout cohérent, mais plutôt une collection d'"agencements politiques", qui combinent procédures politiques et aménagements propres au secteur concerné, celui de la production musicale au Canada. S'inspirant des recherches de Michel Callon sur la construction des marchés, notre travail explore les différentes filières par lesquelles la production musicale canadienne a pris place dans la politique culturelle grâce à son association avec d'autres institutions déjà en place. L'industrie musicale canadienne joue plusieurs rôles dans notre travail : pour les diffuseurs, celui de fournisseur de programmes, pour les autres secteurs de la vie culturelle (cinéma ou édition), cel

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Slominska, Anita Marie. "Interpreting success and failure: the eclectic careers of Eva and Juliette Gauthier." Thesis, McGill University, 2009. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=40714.

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Abstract:

My dissertation explores the eclectic singing careers of sisters Eva and Juliette Gauthier. Born in Ottawa, Eva and Juliettte were aided in their musical aspirations by the patronage of Prime Minister Wilfred Laurier and his wife Lady Zoë. They both received classical vocal training in Europe. Eva spent four years in Java. She studied the local music, which later became incorporated into her concert repertoire in North America. She went on to become a leading interpreter of modern art song. Juliette became a performer of Canadian folk music in Canada, the United States and Europe, aiming to reproduce folk music “realistically” in a concert setting. My dissertation is the result of examining archival materials pertaining to their careers, combined with research into the various social and cultural worlds they traversed. Eva and Juliette’s careers are revealing of a period of transition in the arts and in social experience more generally. These transitions are related to the exploitation of non-Western people, uses of the “folk,” and the emergence of a cultural marketplace that was defined by a mixture of highbrow institutions and mass culture industries. My methodology draws from the sociology of art and cultural history, transposing Eva and Juliette Gauthier against the backdrop of the social, cultural and economic conditions that shaped their career trajectories and made them possible.
Ma thèse de doctorat explore les carrières éclectiques des chanteuses Eva et Juliette Gauthier. Nées à Ottawa, ces deux sœurs ont été supportées par le Premier Ministre Wilfred Laurier et sa femme Lady Zoë dans la poursuite de leurs aspirations musicales. Toutes deux ont suivi des cours de chant classiques en Europe, Eva passant quatre ans à Java où elle étudia la musique locale qu’elle a ensuite introduite dans son répertoire de concert en Amérique du Nord. Elle devint ainsi une des interprètes principales de la chanson de l’école moderne. Pour sa part, Juliette est devenue chanteuse de musique folk canadienne, donnant des concerts tant au Canada et aux Etats-Unis qu’en Europe, dans le but d’en donner une représentation « réaliste » à l’intérieur même d’un concert.Ma thèse est le résultat de l’analyse des documents d’archive portant sur leurs carrières et de la recherche des divers milieux sociaux et culturels qu’elles ont traversés. Les carrières d’Eva et de Juliette sont révélatrices d’une période de transition dans le domaine des arts et, de façon générale, dans l’expérience sociale. Ces transitions sont reliées à l’exploitation des peuples non-occidentaux, à l’usage du « folk » et à l’émergence d’un marché culturel défini par le mélange des institutions établies et des industries de la culture de masse. Ma méthodologie puise dans la sociologie de l’histoire de l’art et de la culture, mettant Eva et Juliette Gauthier en relief dans le contexte des conditions sociales, culturelles et économiques qui ont marqué et rendu possible la trajectoire de leurs carrières.

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Sumner, Lisa. "'Known by the company it keeps': popularizing Seagram's in the Canadian imagination." Thesis, McGill University, 2010. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=92250.

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Abstract:

The expansion of print media and cultural nationalism in Canada was fortuitous for the Seagram Company who linked promotions of Canadian whisky to the evolving nation-building effort. Seagram's advertisements appearing in popular magazines, as well as branded material culture, helped to naturalize the narratives of Canadian patrimony that were being produced by the artistic and intellectual elite in the early part of the twentieth century. Increasing cultural democracy in the postwar period would allow Seagram's greater participation in Canadian boosterism while linking consumption of their brands to moral uplift and middlebrow aspiration. Indeed, in a manner similar to Hollywood's movie moguls, Seagram's advertisements, product names and design would embed within the popular imaginary the dominant narratives, iconographies and distortions of imperialism and nascent Canadian nationalism with the keen vision of aspirational outsiders. Seagram's rapidly expanding multinational presence and diversifying product line would also offer Canadians a cosmopolitan consumerism from which to explore acquaintance with the cultural unknown and experiment with a popular questioning of Canada's place and identity in a transforming international landscape. These marketing techniques served to obscure the contentious nature of both alcohol and the Bronfman fortune while at the same time securing the Seagram Company an active role within a national cultural industry. The Seagram brand would assume an increasingly visible role and contested symbolic currency in Quebec following the Quiet Revolution. This would prompt Seagram's efforts towards a rebranding while the company also worked fervently to maintain Canadian hegemony in the province.
L'expansion de la presse écrite et le nationalisme culturel au Canada était fortuit pour la Compagnie Seagram qui a lié des promotions de whisky canadien à l'effort de construction de la nation en évolution. Les publicités de Seagram paraissant dans les magazines populaires, ainsi que la culture matérielle de marque, ont aidé de naturaliser les récits du patrimoine canadien qui étaient produits par l'élite artistique et intellectuelle dans la première partie du XXe siècle. D'accroître la démocratie culturelle dans la période après-guerre permettrait une plus grande participation de Seagram en "boosterism" canadien tout en liant la consommation de leurs marques à l'élévation morale et l'aspiration conventionnelle. La présence multinationale de Seagram en pleine expansion et la diversification de la gamme de produits ont offerte aux Canadiens un consumérisme cosmopolite pour explorer la connaissance de l'inconnu culturelle, et expérimenter avec une remise en cause de la place et de l'identité du Canada dans un paysage international en pleine transformation. Ces techniques de commercialisation ont servi à masquer la nature controversée de l'alcool et la fortune Bronfman, tandis que, dans le même temps, la mise en place de la Compagnie Seagram dans un rôle actif au sein de l'industrie culturelle nationale. La marque Seagram assumerait un rôle de plus en plus visibles et contesté au Québec suite à la Révolution tranquille. Cela inciterait les efforts de Seagram vers un changement de stratégie de marque tandis que la compagnie a également travaillé avec ardeur pour maintenir l'hégémonie canadienne dans la province.

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Mulvin, Dylan. ""Human eye inadequate:" Instant replay and the politics of video." Thesis, McGill University, 2012. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=106597.

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Abstract:

This thesis examines the cultural history of instant replay video technologies and techniques. It approaches this subject by looking at the technological, social, and economic environments in which video appeared in the late 1950s, and the commercial adaptations of its use in the 1960s. Based on primary research in engineering and broadcasting archives, and a survey of popular and trade press from the time, this project analyzes the development of video technology as a means of "timeshifting" network programming and its subsequent adaptation as a means of automation, evidence production, and self-improvement. This project also traces the conceptual and cultural history of the "instant" and the "replay" as phenomena that developed within and around practices of sports spectatorship in the late 19th century and early 20th century. This thesis concludes by describing how localized forms of timeshifting extended and accelerated established forms of machine-mediated management and helped to popularize nascent forms of cybernetic management based on personalized feedback loops.
Cette étude considère l'histoire culturelle des technologies et des techniques de vidéo, et de la reprise instantanée par vidéo. Cette étude traite ce sujet en examinant les environnements technologique, social et économique dans lequel la vidéo est apparue dans les années 1950, et les adaptations commerciales de son utilisation dans les années 1960. Basé sur des recherches d'archives primaires, et un survol auprès de la presse spécialisée et la presse populaire de l'époque, ce projet analyse le développement de la technologie vidéo comme un moyen de «timeshifting» la programmation et son adaptation subséquente comme moyens d'automatisation, de la production des preuves, et de l'auto-amélioration. Ce projet retrace également l'histoire conceptuelle et culturelle de l'«instant» et le «rejouer» en tant que phénomènes qui se sont développées autour des pratiques des spectateurs de sport à la fin du 19e siècle et au début du 20e. Cette thèse conclut en décrivant comment les formes de «timeshifting» localisée ont étendu et accéléré les formes établies de la gestion par médiation machinique, et ont contribué à populariser les formes naissantes de la gestion cybernétique, basée sur des boucles de rétroaction personnalisées.

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Dissertations / Theses on the topic 'Communications and the Arts'

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