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Dissertations / Theses on the topic 'Compositeur'
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1
Claisse, Van Heesbeke Denise. "Jacques Casterede compositeur français." Online version, 1996. http://bibpurl.oclc.org/web/23441.
Full text
2
Brouillaud, Jean-Pierre. "Le juge amiable compositeur." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010265.
Full textAbstract:
L'amiable compositeur est celui qui a la possibilite de trancher un litige en faisant prevaloir la conception qu'il a de l'equite sur l'application stricte de la regle de droit. Le juge etatique est en principe contraint de statuer par reference exclusive a la loi, mais, dans certains cas, cette regle s'efface et le juge devient alors un amiable compositeur. Il s'agit, en premier lieu, des hypotheses d'arbitrage judiciaire : le juge judiciaire statue en equite lorsqu'il examin e une sentence arbitrale rendue elle-meme en amiable composition, ou lorsque les parties, en vertu de l'article 12 alinea 4 du nouveau code de procedure civile, lui ont donnee cette mission. Il s'agit egalement des cas dans lesquels le juge, sans avoir le statut officiel d'amiable compositeur, statue en equite, soit que la loi l'y autorise, expressement ou implicitement, soit qu'il ecarte de sa propre initiative une regle de droit qu'il estime injusteThe judge's mission, theoretically, is to apply the law. When he has to resolve a cese, he cannot win acceptance for his opinion, without taking legal rules into account. But there are a few exceptions to this obligation : sometimes the judge can put aside the enforcement of the law and resolve the case by the application of his conception of equity and justice, notably when the parties to the case, by common consent, ask him, or when the law enables him to do so. But even if ther is neither request from the parties nor legal authorization, the judge, pretending to be interpreting a law, sometimes puts it aside, when he considers it unfair. In such situations, the judge can be considered like an arbitrator, searching more for equity and justice than for a decision exclusively founded on a strict application of juridical rules
3
Claisse, Denise. "Jacques Castérède, compositeur français." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040017.
Full textAbstract:
Jacques Castérède, qui fut professeur d'analyse musicale au Conservatoire national supérieur de Paris, est l'un des compositeurs les plus représentatifs de la musique actuelle. Au moment de son soixante-dixième anniversaire, cette thèse présente les principaux éléments de sa vie et de sa carrière (livre 1), fait découvrir les lignes directrices de son langage musical (livre 2), présente une analyse approfondie de 9 partitions significatives (livre 3). Cette œuvre, structurée et d'un style clair, intègre, sans coupure avec ses racines culturelles, les techniques d'écriture les plus contemporaines. Ecrite par un compositeur-artisan, elle est accessible bien que non-conventionnelle. Jacques Castérède est l'auteur de 150 œuvres dont beaucoup ont été créées par Radio-France ou dans de grands festivals français et étrangers. Ses œuvres les plus récentes sont souvent d'inspiration spirituelle. Cette thèse est le premier ouvrage entièrement consacre à ce compositeurJacques Castérède, who was a professor of musical analysis in the Paris conservatoire, is one of the most significant composers of the music of to-day for his seventieth anniversary. This thesis presents the chiefly elements of his life and of his career (the first book), allows discovering the main lines of his musical language (the second one), and offers a detailed analysis of nine significant scores (the third one). This work, well-structured and clearly built, contains, the most contemporary technics of writing, without cutting with his cultural roots. Well done and written by a conscientious composer, it is easy to hear although unconventional. Jacques Castérède is the author of 150 works. Most of them were created by Radio-France or in great French and foreign festivals. His most recent works are often of spiritual inspiration. That thesis is the first work entirely devoted to this composer
4
Teglia, Elisa. "Théodore Dubois, compositeur organiste en son temps." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040054.
Full textAbstract:
Théodore Dubois (1837-1924) fut un musicien très célèbre en son temps : ses nombreuses et importantes fonctions dans le monde musical parisien le placèrent au centre de la réalité complexe et bouleversée du début du XXe siècle français. Mais après sa mort, ses œuvres tombèrent dans un oubli presque total, et ses idées théoriques furent considérées comme hostiles au progrès comme aux mouvements musicaux nouveaux. Cette thèse, fondée sur plusieurs documents inédits, présente une biographie qui situe ce musicien dans son époque, à travers une étude de sa carrière ainsi qu'une analyse approfondie de toutes ses partitions pour orgue. Elle permet de déterminer la nature et la portée de son œuvre à l'intérieur du contexte musical de son époque. Un catalogue complet de ses pièces organistiques et divers documents nouveaux accompagnent ce travailThéodore Dubois (1837-1924) has been a famous musician during his life: his numerous and important charges in the parisian musical life placed him in the complex and perturbed reality of the early 20th century. After his death, almost all his works falled into oblivion, and his teorical ideas were considered as the product of a man who did not follow the progress and who opposed the new musical movements. This dissertation, based on several unpublished sources, comprises a biography which describes his place in contemporary musical life, an examination of his career and a careful analysis of all his catalogue for organ. It contributes to an understanding of the significance of his life-work in the musical context at his time. Included are a complete catalogue of his organ compositions and various selected documents
5
Decourt, Aurélie. "Albert Alain (1880-1971), organiste et compositeur /." Villeneuve d'Ascq : Presses universitaires du Septentrion, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376364894.
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6
Lueders, Kurt. "Alexandre Guilmant (1837-1911), organiste et compositeur." [Paris] : [K. Lueders], 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb389853868.
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7
Turellier, François. "Jean-Baptiste Morin (1677-1745) : compositeur français." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040288.
Full textAbstract:
La thèse retrace la biographie de ce compositeur. Elle établit ensuite son corpus et présente l'analyse de ses œuvres. Nous en transcrivons deux. Le catalogue décrit les exemplaires existant en France. Cet inventaire des recueils et des œuvres est assorti d'une localisation des exemplaires imprimés ou gravés qui sont à l'étranger. Une généalogie et une chronologie terminent la thèse. Nous commençons par décrire les milieux dans lesquels Morin vécut et définissons sa place. Formé dans la maitrise d'une église d'Orléans, cite janséniste, il s'installa, vers 1698, à Paris, où il fut d'abord attaché à Jean Serré de Rieux, parlementaire, poète et amateur de musique, surtout italienne. Devenu également ordinaire du duc d'Orléans (le futur régent, aux goûts semblables), Morin publia. En 1719, après quatre années obscures, peut-être dues aux nouvelles préoccupations du prince ou à des persécutions religieuses, il entra encore au service de la fille du régent, devenue abbesse de Chelles, à 19 km de paris. Elle était musicienne et janséniste. Apres qu'elle eut démissionné, en 1731, Morin resta proche de personnes qu'il avait connues à Chelles. Il continua à produire, parfois avec Serré de Rieux. On lui doit des petits motets. Il resta célèbre pour avoir été un des tout premiers créateurs de la cantate française, peut-être le premier. Sa notoriété atteignit un sommet avec le divertissement la chasse du cerf. Il chercha à unir les styles français et italien, dans le motet comme dans la cantate, créée a l'imitation de la cantate profane italienne. La basse continue soutient, généralement, un ou deux chanteurs et parfois un ou deux violons concertants (ou flutes). La cantate enchaine souvent trois récitatifs et trois airs, da capo, mais aussi binaires à la française. Chez lui, la polyphonie tient une assez grande place. Figuralisme et agréments se côtoient. La conduite de la basse peut être originale. Ses dernières cantates et ses deux divertissements doivent plus au style français.
8
Chueke, Isaac. "Francisco Braga, compositeur brésilien : la vie et l’œuvre." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040031.
Full textAbstract:
Francisco Braga (1868-1945) fut une personnalité musicale très marquante en son temps : compositeur, chef d’orchestre, professeur, il occupa de nombreuses et importantes fonctions dans le scénario musical brésilien, qui assista à d’importantes transformations à partir du début du XXe siècle. Malgré son séjour de dix ans en Europe, ce compositeur demeure encore virtuellement méconnu à l’étranger ce qui s’avère être également vrai auprès des nouvelles générations de musiciens dans son pays natal. Cette thèse présente la biographie de Braga et l’analyse de quelques-unes de ses œuvres orchestrales. En examinant sa trajectoire dans les divers contextes musicaux, l’on sera en mesure de mieux déterminer la portée de son œuvre artistique. Un catalogue de ses compositions, ainsi que divers documents difficiles d’accès accompagnent ce travailFrancisco Braga (1868-1945) has been a famous musician in his time: as composer, conductor and teacher, he held several and important positions in the Brazilian musical scenario, which suffered important changes from the beginning of the 20th century. Notwithstanding his ten-year period in Europe, he still remains virtually unknown to audiences abroad, a fact which proves to be also true among the new generations of musicians in his native country. This dissertation presents thus Braga’s biography as well as the analysis of some of his orchestral works. Examining his career within the various musical contexts, we shall be able to better apprehend the significance of his artistic output. Included are a catalog of his compositions and various selected documents
9
Papadimitriou, Nicolas. "Être compositeur aujourd'hui : de l'analyse à la création." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010524.
Full textAbstract:
Etude sur la création musicale contemporaine à travers l'analyse d'une démarche compositionnelle personnelle, celle de l'auteur. Influences et révélations par l'analyse comparée des œuvres de Schonberg et de Debussy, définition de deux modernités dont se réclament beaucoup de compositeurs aujourd'hui: la modernité française et la modernité allemande. Questions de forme et de contenu et discussion de la dissonance comme facteur de mouvement dans l'œuvre musicale. Témoignage personnel du cheminement entre la poétique de l'idée compositionnelle et les techniques de sa réalisationThis is an essay on contemporary musical composition based on the analysis of a personal artistic evolution. That of the writer. There are also discussed his influences from the study of the masterpieces of Schonberg and Debussy, and, eventually, his definition of two modernities, one German the other French, which have inspired many composers of his generation. Furthermore, this is an essay on both form and content in music, as well as on dissonance being a factor of motion in musical composition
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Pirez, Simone. "Alexandre Vassilievitch Mossolov, compositeur soviétique (vie et œuvre)." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040373.
Full textAbstract:
Alexandre Vassilievitch Mossolov (1900-1973) est un compositeur soviétique connu pour son activité au sein de l'association de musique contemporaine. Il fait partie de la jeune génération issue de la Révolution d'Octobre : cette dernière a élaboré un système de langage musical futuriste, puisant ses racines dans la vie quotidienne d'une société en pleine mutation. Dès 1924, il compose des œuvres de musique de chambre (quatuor pour cordes), de musique vocale (Quatre annonces de journaux, mélodies pour voix et piano) de musique orchestrale (Zavod : musique des machines, concerto pour harpe). Après avoir passé huit mois en camp de travail pour "activité antisoviétique", Mossolov se tourne vers l'ethnomusicologie : il recueille, harmonise des chants du Kouban, de Kabardino-Balkarie. Il achève sa vie en écrivant de nombreuses compositions pour le chœur académique russe d'État du Grand NordAlexander V. Mossolov (1900-1973) is a soviet composer known for his activities within the association of contemporary music. He belongs to the young generation issued from the October Revolution which worked out a system of futuristic musical language originated from the daily life of a society in full change. By 1924 he composed works of chamber music (string quartet, melodies for voice and piano), orchestral music (“Zavod : music-machines”, harp concerto). After spending eight months in a work camp owing to his "anti-Soviet activities", Mossolov takes to ethnomusicology: he gathers, harmonizes songs from Kouban, Kabardino-Balkaria. At the end of his life he writes several compositions for the academic state choir of the Great North
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Decourt-Alain, Aurélie. "Albert Alain (1880-1971), organiste et compositeur français." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040053.
Full textAbstract:
Issu d'une famille d'artisans, musiciens amateurs, Albert Alain étudia au Conservatoire national de musique de Paris, de 1896 à 1907, avec Antonin Taudou, Georges Caussade, Louis Vierne et Alexandre Guilmant. Convaincu par les thèses rythmiques de Georges Houdard sur le chant grégorien, il anima, avec l’abbé Clément Besse et le peintre Maurice Denis, un cénacle musical et participa au renouveau de la musique religieuse française dans la ligne définie par le motu proprio de Pie X. Il composa des cantiques modernes et des motets largement diffusés dans les églises de Saint-Germain-en-Laye, Versailles et Paris entre 1905 et 1960. Des messes, des oratorios et des pièces d'orgue ou d'harmonium complètent une œuvre étroitement adaptée aux besoins et aux goûts des catholiques français. L'analyse de son métier d'organiste liturgique, par son caractère représentatif, contribue à la connaissance de l'histoire religieuse et sociale française. La valeur exemplaire de la biographie transparait au travers de la carrière de musicien d'église d’Albert Alain, un des derniers cantors du XXe siècle. Personnage singulier, Albert Alain fut aussi facteur d'orgues autodidacte. Il construisit seul un orgue de salon à traction mécanique de 42 jeux, quatre claviers et un pédalier. D'esthétique profondément originale, des 1914, cet instrument exerça une influence réelle sur le monde de l'orgue de l'entre-deux-guerres et marqua de son empreinte les enfants, Jehan, le compositeur, Odile, Olivier et Marie-Claire. Albert Alain leur appliqua les méthodes d'apprentissage de la musique mises au point avec ses nombreux élèves. La réussite, éclatante en ce domaine, témoigne de l'importance de la transmission de l'héritage musical paternel. Au terme de l'étude, Albert Alain apparait comme un maillon important dans l'histoire de la musique française du XXe siècle.
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Junqueira, Guimarães Maria Inês. "L'œuvre de Lobo de Mesquita compositeur brésilien (?1746-1805) /." Online version, 1996. http://bibpurl.oclc.org/web/30828.
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13
Roldán, Sánchez José David. "Luis Carlos Figueroa (1923) : parcours d'un compositeur et pianiste colombien." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0118.
Full textAbstract:
Le XXe siècle en Amérique Latine est marqué par une volonté des compositeurs de trouver des voix qui puissent refléter l'identité des jeunes nations américaines en essayant, en même temps, de se détacher du continent européen. Paradoxalement, cette quête se fera à travers d'une amalgame de traditions folkloriques et autochtones, et de traditions des musiques savantes européennes. L'œuvre musicale de Luis Carlos Figueroa (né à Cali, Colombie, en 1923) est la « colonne vertébrale » de cette thèse. Dans la deuxième moitié du XXe siècle, il peut être considéré comme le successeur de son professeur le compositeur et pianiste Antonio Maria Valencia (1902-1952). En suivant ses conseils, Figueroa séjourna à Paris entre 1950 et 1959, pour compléter sa formation musicale. Ensuite, il s'installa définitivement à Cali et continua l'action culturelle initiée par son mentor. Notre travail de recherche, caractérisé par son interdisciplinarité, se divise en deux axes de travail : d'une part, un travail d'analyse d'un parcours biographique, où on mobilise des notions et des outils d'études propres aux sciences sociales, pour comprendre le développement d'une carrière de compositeur et de pianiste en relation aux contextes sociaux, culturels et politiques dans lequel ce parcours se développe. D'autre part, un travail de redécouverte, de revalorisation et d'analyse musicale de l'œuvre de Luis Carlos Figueroa, pour comprendre son langage musical, son évolution et les différents styles et influences qu'on trouve dans son œuvreThe Twentieth Century in Latin America is marked by a willingness of composers to find voices that can reflect the identity of the young American nations in trying, at the same time, to detacl themselves from the European continent. Paradoxically, this quest will be through a mix of folk traditions and and traditions of Western classical music. The musical work of Luis Carlos Figueroa (Born in Cali, Colombia, in 1923) is the "vertébral column" of this thesis. In the second half of the Twentieth Century, he can be regarded as the successor of his profesor, the composer and pianist Antonio Maria Valencia (1902-1952). Following his advice, Figueroa lived in Paris between 1950 and 1959, to complète his musical training; and then he settled permanently in Cali and continued the cultural action initiated by his mentor. Our research work, characterized by its interdisciplinarity, is divided in two working axes: On one hand, a work of analysis of a biography, where we mobilize some concepts and tools from the social sciences, to understand the development of a composer and pianist career in relation to his many contexts (social, cultural and political). On the other hand, a work of rediscovery and musical analysis of the work of Luis Carlos Figueroa, to understand his musical language, its évolution and the différent styles and influences that can be found in his work
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Cessac, Catherine. "Élisabeth Jacquet de la Guerre (1665-1729) : claveciniste et compositeur." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040342.
Full textAbstract:
Depuis l'enfance prodige révélée devant la Cour de France,en passant par la vie parisienne entre l'île Saint-Louis et la Sainte-Chapelle,jusqu'à la mort discrète dans le quartier Saint-Eustache,cette thèse s'attache à suivre l'itinéraire de la femme compositeur. L'oeuvre d'Elisabeth Jacquet de La Guerre recouvre plusieurs genres : pièce de clavecin,sonate,cantate,tragédie lyrique,air. Elle est la première femme en France à avoir composé un opéraProgressing from her revelation as a child-prodigy before the French court,to her Parisian years on the isle Saint Louis and the holy Chapel on the Cité,to her discreet death in the Saint Eustache district,this thesis follows the itinerary of the woman composer,through personal and musical events. .
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Cessac, Catherine. "Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665-1729) : claveciniste et compositeur /." Paris : [C. Cessac], 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35846625q.
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Lacourcelle, Éric. "L'odyssée musicale d'Emmanuel Chabrier (1841-1894) : histoire d'un compositeur insolite." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040182.
Full textAbstract:
Un travail qui décrit la vie et l'œuvre d'un compositeur semi-autodidacte, iconoclaste, ses audacieuses et profondes aspirations artistiques, son intention d'allier la bouffonnerie au drame lyrique de grande allure, d'abolir les hiérarchies entre les genres musicaux, c'est-à-dire la complexité de son exceptionnel tempérament - véritable manifeste « à la Chabrier ». Travail qui relate sa traversée d'une époque immobilisée dans sa cérémonie, ses préjugés et ses jugements de valeurs - traversée en conséquence fort mouvementée. Nous suivons de près les maintes luttes qu'il dut mener contre « vents et marées », observons ses difficultés à « tenir le cap » qu'il portait en lui et mesurons l'angle de la dérive qui fut la sienne. Car l'auteur de l’Etoile fut en partie détourné de son génie, par les nombreuses résistances qu'il rencontra et. . . L'envoûtant chant de sirène qui parcourait les partitions de Wagner. Outre les problèmes évoqués, une carrière professionnelle tardive et écourtée par la maladie et une mort prématurée ne lui permit pas de donner une assise suffisante à une œuvre qui, néanmoins, reste l'une des plus importantes et des plus riches de son temps. Celle d'un génial visionnaire et précurseur. .A work which describes the life and works of an iconoclastic, partly self-taught composer, as well as his daring, deep-rooted artistic aspirations, his intentions to blend together buffoonery and high-class grand opera, to abolish the hierarchy between musical genres, that is, a work which describes the complexity of his exceptional temperament - a genuine , manifesto « à la Chabrier ». A work which recounts his voyage across an era stuck in its ceremoniousness, its prejudices, its value judgment, therefore a very stormy voyage. We closely follow the numerous struggles he had to carry on, come hell or high water, watching his difficulties to steer the course he had set himself, and measuring the angle of his drift. For the author of l’Etoile met with a number of oppositions which put him off his course, together with the entrancing siren song which ran through Wagner’s scores. Besides the above-mentioned problems, a late professional career, cut short by illness and a premature death, was not enough to give sufficient firmness to Chabrier's work which counts, nonetheless, as one of the most important and richest of his time. The work of a visionary and groundbreaker of genius
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Wadhera, Piyush. "Représenter le compositeur de musique à l’ère de l’industrie visuelle : entre gloire et célébrité, 1830-1871." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL030.
Full textAbstract:
L’avènement de la monarchie de Juillet mène à l’apparition d’une figure d’artiste, dont l’importance symbolique dans la culture française ne cesse de croître tout au long du XIXe siècle. Pourtant, la conception plurielle de cette catégorie sociale peine à inclure les compositeurs de musique, dont seulement certains arrivent à accéder au pouvoir symbolique offerte par la nouvelle représentation de l’artiste dans la société française. La conception prérévolutionnaire de la « gloire » du compositeur est ainsi remise en question par la réévaluation de son statut, ce dernier essayant ainsi de se faire valoir dans un cénacle d’artistes où les places sont traditionnellement occupées par les représentants des beaux-arts. Avec le Second Empire, l’industrie culturelle permet l’essor d’une nouvelle conception de l’artiste, plus commerciale et plus accessible. L’essor combiné du spectacle dramatique et de la photographie permet la naissance de la célébrité moderne à travers le « star system ». Le compositeur de musique, représentant traditionnel de l’œuvre musicale, se trouve désormais concurrencé par ses propres interprètes. Comment le compositeur de musique négocie sa place dans la société française à l’aune de ces phénomènes politiques et culturelles ? Il s’agit dans cette étude de redonner place au compositeur dans une conception transdisciplinaire de l’histoire de l’art, afin d’étudier les transformations profondes que subissent la profession artistique de la musique et la conception symbolique du compositeur, avant que ne naisse l’industrie de cinéma. Entre la gloire traditionnelle et la célébrité moderne, le compositeur essaie de trouver sa place dans un nouveau marché d’images et de spectacles. À travers ses propres représentations, il transforme la conception globale de l’artiste et de l’art au XIXe siècle, dont certains aspects perdurent jusqu’aujourd’huiThe advent of the July monarchy led to the appearance of an artist, whose symbolic importance in French culture continued to grow throughout the 19th century. However, the plural conception of this social category struggled to include music composers, only a few of which managed to access the symbolic power offered by the artist's new representation in French society. The pre-revolutionary conception of the composer's "glory" is thus called into question by the reassessment of his status, the latter thus trying to assert himself in a cenacle of artists where places are traditionally occupied by representatives of the fine arts. With the Second Empire, the cultural industry allowed the development of a new conception of the artist, more commercial and more accessible. The combined rise of musical drama and photography allowed the birth of the modern celebrity through the "star system". The music composer, the traditional representative of the musical work, is now faced with competition from his own performers. How does the music composer negotiate his place in French society in the light of these political and cultural phenomena? In this study, the aim is to restore the composer's place in a transdisciplinary conception of art history, in order to study the profound transformations undergone by the artistic profession of music and the symbolic conception of the composer, before the cinema industry was born. Between traditional glory and modern celebrity, the composer tries to find his place in a new market of images and spectacles. Through these representations, the music composer thus influences certain general conceptions of the artist and of art in the 19th century, some of which continue to this day
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Larose, François 1970. "Le compositeur de la musique du film : coauteur de l'œuvre cinematographique." Thesis, McGill University, 2001. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=32810.
Full textAbstract:
Under the Canadian Copyright Act, a cinematographic work is qualified as a dramatic work. The Act does not say if a motion picture is a work of joint authorship, nor does it say who is, or who are, the authors of the film. The present study is devoted to demonstrate that the author of the musical compositions specifically composed for the motion picture is one of the co-authors of the film, created jointly with other authors. Since the Canadian legal sources alone cannot provide us with a precise answer, we look at other jurisdictions, from civil law countries to common law countries, to demonstrate that the music composer is a co-author of the cinematographic work, in Canada.
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Khoj, Adnan. "Le premier chanteur compositeur saoudien et du Golf arabe : Talal Maddah." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010580.
Full textAbstract:
Le travail commence par présenter le thème et les objectifs de la recherche, avant d'en souligner I'importance et I'étendue, et d'en préciser la méthode, le contenu et les outils. Ensuite, et pour permettre au lecteur d'avoir une idée du contexte socioculturel du chanteur, nous avons donné un aperçu de l'histoire du Royaume avant de présenter la biographie de Talal Maddah, les points de repère dans sa vie, les hommes de lettres et les artistes qu'il a connus et dont la connaissance a permis de créer une collaboration fructueuse et enrichissante, aussi bien pour notre artiste que pour ces partenaires. Le troisième chapitre de la thèse est consacré à l'analyse des chansons que nous avons réussi à réunir. Ce travail technique met en évidence les traits caractéristiques de I'art de Talal Maddah dont nous avons parlé précédemment. Notre travail se termine par une conclusion où nous récapitulons les résultats de notre recherche et faisons quelques propositions.
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Himbert, Clément. "Entre compositeur et interprète : analyse d’un processus de fabrication d’une œuvre." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040062.
Full textAbstract:
À la croisée des études sur les processus créateurs en musique et sur l’interprétation (performance studies), la recherche interroge le rôle de l’interprète dans la création contemporaine. L’œuvre musicale est considérée selon quatre états (œuvre projetée, écrite, jouée et entendue) et selon les interactions intervenant dans le processus de création, particulièrement entre compositeur et interprète en situation de collaboration directe. L’étude de cas au centre de ce travail est la création d’une œuvre nouvelle avec le compositeur Gérard Pesson, Blanc mérité (d’après Roman Opalka) pour saxophone et ensemble, dont la genèse est documentée dans une perspective « auto-ethnographique ». Le processus, étalé sur sept années, génère une importante quantité de données dont le traitement et l’analyse impliquent le développement d’outils méthodologiques adaptés. Permettant de retracer l’origine et la place des interactions dans la genèse des objets constitutifs de l’œuvre, la recherche apporte des éclairages sur la dimension infralinguistique du travail et participe à la réflexion sur les enjeux de la création artistique dans sa dimension collaborativeDrawing on studies focused on creative processes in music as well as performance, the research questions the performer’s role in contemporary creation. The creative process is considered here as evolutions of the musical work between four interconnected stages: work as project, work as score, work as sound production and work as sound perception, among which the nature of the interactions between actors evolves constantly.The main case study is the creation of a new work with composer Gérard Pesson. Blanc mérité (referring to Roman Opalka), for saxophone and ensemble, is observed and analysed by the dedicatee all along a seven years process. Adopting an “autoethnographic” point of view and a “naturalistic” approach, the research draws upon data collected since the project’s premises, by recording exhaustively the interactions between composer and performer. Quantitative and qualitative analysis methods are applied to the amount of verbal data, and crossed with musical analysis of the scores and recordings. Allowing to retrace origins of musical objects as well as interactions in their genesis, the research enlightens an “infralinguistic” dimension of the artistic work and therefore takes part in the reflection about creative collaboration
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Jaffres, Yves. "Michel Corrette (1707-1795) : sa vie, son oeuvre." Lyon 2, 1989. http://www.theses.fr/1989LYO20053.
Full text
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Ducros, Frédéric. "Un compositeur français au miroir de sa correspondance : Henri Tomasi (1901-1971)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040009.
Full textAbstract:
La présente thèse s’appuie sur les correspondances adressées par le compositeur Henri Tomasi, entre 1916 et 1940, à Joséphine et Xavier Tomasi, ses parents, puis de 1954 à 1971, à Jean Molinetti, son ami le plus proche. Il s’agit d’un ensemble de 533 lettres inédites, qui ont été transcrites, classées, et annotées. Cet unique témoignage écrit du musicien nous permet de comprendre les répercussions qu’eurent sur son œuvre créatrice les événements qui ponctuèrent sa vie et dont ses courriers se font l’écho. Nous étudions ainsi tour à tour l’environnement familial d’Henri Tomasi, au travers notamment du rôle fondamental que joua son père tant dans son éducation que dans le cadre de ses recherches sur la musique traditionnelle corse ; nous voyons la façon dont le jeune musicien conduisit ses études musicales, les rapports qu’il entretint avec les institutions de son temps, mais aussi le rôle que purent jouer les différentes activités de chef d’orchestre qu’il exerça à certaines périodes de son existence. Nous assistons également à l’évolution progressive de sa pensée et à sa transposition dans son œuvre musicale. Tout au long de ces années, cette correspondance au cours de laquelle le musicien passe successivement d’une écriture contrainte à une écriture choisie, nous livre des informations capitales et nous séduit par la vivacité de son ton et le mordant de son styleThe present thesis is based on all the written correspondence from the composer Henri Tomasi to Joséphine and Xavier Tomasi, his parents, between 1916 and 1940.Then, from 1954 to 1971 to Jean Molinetti, his closest friend. This correspondence includes 533 unpublished letters which have been transcribed, classified and annotated. This musician's unique written testimony allows us to understand how the events which punctuated his life, echoed in his letters, had repercussions on his creative work. Thus in turn, we will study Henri Tomasi's family environment considering notably the fundamental role played by his father in his education as well as in the field of his research on traditional Corsican music ; we'll see the way the young musician conducted his musical studies, his relationship with the institutions of his time but also the role his various activities as a conductor were to play at certain periods of his life. We will also follow the progressive evolution of his thought and its transposition in his musical work. In this correspondence, throughout all those years, the musician's constrained writing style gradually evolved into a more personal one. It gives us essential information and Tomasi seduces us by the incisiveness of his style and by the liveliness of his tone
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Etcharry, Stephan. "Henri Collet (1885-1951), compositeur : un itinéraire singulier dans l'hispanisme musical français." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040266.
Full textAbstract:
Henri Collet (1885-1951) n'est pas seulement le critique musical de Comœdia ayant lancé le fameux " Groupe des Six " dans ses deux articles des 16 et 23 janvier 1920. Hispaniste, professeur d'espagnol, traducteur, écrivain, pianiste, musicologue, il se définit avant tout lui-même comme un compositeur chez qui l'inspiration espagnole occupe une place prépondérante, comme en témoigne l'important catalogue de ses œuvres musicales. À travers un choix de pièces significatives - couvrant la diversité des genres musicaux abordés et leur chronologie -, cette étude passe en revue les traits stylistiques qui circulent de façon récurrente dans l'œuvre de Collet pour tenter de mieux cerner l'essence même de son hispanisme. Les références au folklore castillan et à la musique de la Renaissance ibérique jouent un rôle capital dans son processus compositionnel, plaçant la problématique de l'intertextualité au centre de son travail. Sans jamais séparer la démarche du musicologue de celle du compositeur, l'analyse des partitions semble tracer un itinéraire artistique passant par trois étapes bien distinctes : la Castille, Paris et l'Andalousie. À contre-courant en quelque sorte de l'évolution générale de l'hispanisme musical français dans la première moitié du XXe siècle, en revenant à une image romantique et convenue de l'Espagne, le cheminement esthétique d'Henri Collet mène d'une recherche de l'authenticité à une certaine forme de décantation pour finalement aboutir à une idéalisation musicale de l'Espagne renvoyant à sa propre intimitéHenri Collet (1885-1951) was not only the music critic of Comedia who created the " Groupe des Six " in his two articles dated 16 and 23 January 1920. He was a Spanish scholar, a Spanish teacher, a translator, a writer, a pianist and a musicologist who described himself mainly as a composer for whom the Spanish inspiration played a dominating part, as we can see from the important catalogue of his musical works. Through a selection of significant pieces - covering the diversity of musical styles and their chronology -, this study examines the stylistic aspects which repeatedly appear in Collet's work in order to get a clearer view of his hispanicism. References to Castillan folklore and to music from the Spanish Renaissance play a major part in his composing process, the concept of intertextuality being placed at the core of his work. Without separating the musicologist's process from that of the composer, the analysis of the scores shows an artistic itinerary that appears to go through three distinctive phases : Castile, Paris and Andalusia. Collet's aesthetic progression goes against the general evolution of French musical hispanicism during the first half of the 20th century, coming back to a romantic and conventional picture of Spain. It starts from the search for authenticity, goes through some kind of settling and eventually ends in a musical idealization of Spain referring to its own intimacy
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Mersiol, Jean-Baptiste. "Léo Ferré, auteur de chansons ou compositeur ? : un nouveau genre de chanson française." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2008/MERSIOL_Jean-Baptiste_2008.pdf.
Full textAbstract:
Grâce à plus de cinquante années de création musicale et poétique, Léo Ferré est aujourd’hui considéré comme l’une des références majeures de la chanson française. Ses succès populaires comme Paris canaille, Jolie môme, C’est extra ou Avec le temps lui ont valu une renommée mondiale, tant par la qualité des paroles que par celle des mélodies. Derrière l’auteur de plus de quatre cents chansons se cache pourtant un compositeur qui a produit des œuvres symphoniques de grande ampleur, dans plusieurs genres : messe, symphonie, ballet, opéra, oratorio… Il a, en outre, mis en musique des poèmes de toutes époques, en remontant jusqu’au Moyen Âge. La présente thèse étudie la démarche de Ferré essentiellement sous l’angle musical. Elle met en évidence les préoccupations qui l’ont incité à cultiver le genre « savant » au lieu de se contenter de la veine « légère », et à se présenter comme le créateur d’un nouveau type de chanson française. À cet effet, les œuvres de Ferré sont analysées sous leurs divers aspects. La question de l’enregistrement est également abordée, ainsi que celles de la consommation de musique et de l’interprétationThough over fifty years of musical and poetic creation, Léo Ferré has gained recognition as a major standard in French songwriting. His popular best-seller songs Paris canaille, Jolie môme, C’est extra or Avec le temps succeded in giving him worldwide renown, though both lyrical and their melodic qualities. Behindhe who wrote over four hundred songs hides yet a true composer of symphonic pieces of great magnitude in many different genres : mass, symphony, ballet, opera, oratorio. . . Furthermore, he put into song poems out of any time period dating as far back as the middle-ages. This doctoral thesis shall study Ferré’s path mainly from a musical perspective. It shall cast light upon the reasons which caused him to work the « savant » genre instead of merely going « légère », and hence to present himself as creator of a new type of French songwriting. Ferré’s works shall this be analysed though their many aspects. The matter of recording technics and proceeds shall also be dealt with, as well as musical consumption and interpretation
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D'Eredità, Raffaele. "Le dernier Massenet : Esthétique dramaturgique et analyse musicale des oeuvres ultimes du compositeur." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040048.
Full textAbstract:
L’étude des derniers travaux de Jules Massenet (1842-1912), conçus pendant les cinq dernières années de savie, dans le contexte artistique et philosophique de la Belle-Époque, veut mettre en évidence les traces d'uneévolution du langage musical du compositeur. Dans les trois sections de notre recherche nous proposons uneanalyse dramaturgique et musicale d’un corpus constitué des cinq oeuvres ultimes, dont on considère Bacchus(1909) comme un opéra de transition fondamentale dans le dernier revirement stylistique du compositeur,représenté par les deux diptyques : Don Quichotte/Panurge et Roma/Cléopâtre. En outre, à traversl’observation systématique des langages comique et tragique présents dans ces ouvrages, et une comparaisoncontinue avec la production antécédente du compositeur on propose une définition de cet extrême renouveaude l’écriture de Massenet. Une écriture qui s’avère complexe au moment de l’analyse à cause de sonextraordinaire éclectisme – un heureux équilibre entre érudition et modernité –, bien inséré dans un contextestylistique expressif et en même temps dépouillé. Notre étude – menée à travers l’analyse des manuscritsautographes et des partitions imprimées, ainsi que d’une vaste bibliographie comprenant monographies,dissertations, correspondances, articles, documents de mise en scène – couvrira différents aspects du styledernier du compositeur : conception historique et littéraire, analyse narratologique comparée des livrets,pertinence dramatique du style musical, conception mélodique, emploi des harmonies et des formes musicales,constantes et innovations dans l’orchestrationThe study of the works of Jules Massenet (1842-1912) created in the last five years of his life, during the artisticand philosophical context of the Belle-Époque, wants to highlight the traces of the evolution of musicallanguage of the composer. In the three sections of our research we propose a dramaturgical and musical analysisof a selection including five last works, which are considered Bacchus (1909) as a key transitional work in thelatest stylistic shift the composer, represented by the two diptychs: Don Quichotte/Panurge andRoma/Cléopâtre. Also, through the systematic observation of comic and tragic languages of these works andtheir continuous comparison among the composer’s antecedent production, we propose a definition of thisextreme evolution of Massenet writing. A writing that is complex to analyse because of its extraordinaryeclecticism – an effective balance between tradition and modernity – although inserted into an expressive andessential stylistic context. Our study – carried out through the analysis of original manuscripts and printedscores, as well as an extensive bibliography including monographs, essays, correspondence, articles, stagingdocuments – will cover different aspects of the composer's late style: historical design and literary narratologycomparative analysis of librettos, dramatic appropriateness of musical style, melodic design, use of harmoniesand musical forms, constants and innovations in orchestration
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Nakanishi, Mitsuya. "Saint-Saëns et le Japon : considérations sur le japonisme dans l’oeuvre du compositeur." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040038.
Full textAbstract:
Le sujet de la thèse s’intitule « Saint-Saëns et le Japon ». Ce compositeur français (1835-1921) a toute sa vie durant entretenu un intérêt soutenu pour le Japon. Il s’est rendu célèbre comme « orientaliste » avec des œuvres telles que Samson et Dalila, la Suite Algérienne et le cinquième Concerto pour piano, dit l’Egyptien. Toutefois, son engouement pour le Japon n’a pas encore fait l’objet d’une étude approfondie, car son corpus musical ne comporte qu’une œuvre y étant dédiée, un opéra-comique intitulé La Princesse Jaune (1872). En revanche, il a publié deux poèmes : « Le Japon » et « Le Fouji-Yama », tous deux datant de 1890, auxquels s’ajoute un conte inédit, « Le Miroir » (1912). Le mouvement artistique « japonisme » désigne l’influence des objets d’art japonais, comme l’ukiyo-e (forme d’estampe), sur des artistes occidentaux. Vincent Van Gogh et Edmond de Goncourt en sont les exemples les plus connus. Saint-Saëns possédait lui-même une collection significative d’objets d’art et de livres japonais. Cependant, son intérêt concernait surtout le domaine littéraire, puisque ses guides japonisants étaient ses amis écrivains : Louis Gallet, Judith Gautier et un Japonais qui s’appelait Motoyosi Saizau. Enfin, le compositeur était un fameux « voyageur ». Ses séjours à Londres lui donnèrent l’occasion de visiter des expositions consacrées au Japon. A la suite de sa visite en Indochine, il avait même prévu de s’y rendreThe subject of the thesis is entitled "Saint-Saëns and Japan." This French composer (1835-1921) has throughout his life maintained a continued interest in Japan. He became famous as "orientalist" with works such as Samson and Delilah, the Algerian Suite and the fifth Piano Concerto, said the Egyptian. However, his infatuation with Japan has not been an object of profound study because his musical corpus has only one work dedicated to Japan, a comic opera entitled La Princesse Jaune (1872). However, he published two poems: "Japon" and "Fouji-Yama", both from 1890, plus an unpublished tale, "Le Miroir" (1912). The artistic movement "Japonism" means the influence of Japanese art objects, such as ukiyo-e (as print), on Western artists. Vincent Van Gogh and Edmond de Goncourt are the best known examples. Saint-Saëns himself possessed a significant collection of art objects and Japanese books. However, his interest mainly concerned the literary field, as its “japonisant” guides were his writer friends: Louis Gallet, Judith and a Japanese named Motoyosi Saizau. Finally, the composer was a famous "traveler". His stays in London gave him the opportunity to visit the exhibitions in Japan. Following his visit to Indochina, he had even planned to get there
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Ducombs, Anne-Sophie. "Acte de création et acte psychanalytique : traversée de l'oeuvre du compositeur Arnold Schoenberg." Thesis, Toulouse 2, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU20044/document.
Full textAbstract:
La passe est le dispositif inventé par Lacan pour tenter de saisir et d’éclairer l’émergence du désir de l’analyste. Ce moment électif, où le psychanalysant passe au psychanalyste, Lacan le nomme acte analytique. En 1971, Lacan nous fait une proposition pour le moins surprenante : grâce à son art, l’écrivain James Joyce en serait arrivé au même point que l’analysant en fin de cure. La passe déborde-t-elle la situation analytique et concerne-t-elle la création artistique ? Dès lors, peut-on penser qu’il existe un lien entre acte de création et acte analytique ?Afin de montrer en quoi l’acte de création du compositeur A. Schoenberg est concerné par les enjeux de la passe, nous avons choisi d’extraire trois points cruciaux : le rapport au savoir, la cause du désir et le symptôme. Les écrits d’A. Schoenberg nous permettent d’avancer que son acte de création présente des similitudes avec ce qu’on peut attendre d’un analysant ayant accompli la passe. Il témoigne d’une mutation dans son rapport au savoir nécessaire à l’invention d’un système compositionnel inédit. C’est en suivant une nécessité intérieure (cause du désir), qu’il parvient à révolutionner les lois de la composition. La musique d’A. Schoenberg se présente comme un savoir-y-faire avec le réel. Elle lui assure le fait qu’il ne peut être réduit au savoir ou à la jouissance de l’Autre (symptôme). A. Schoenberg n’est pas sans paradoxe. Il se construit une version mystique, messianique (métaphore délirante) de ce qui le pousse à la création. Sa musique lui permet de mettre à l’abri sa singularité, tout en ne faisant pas complètement voler en éclat le lien socialThe Pass is the procedure invented by Jacques Lacan in an attempt to seize and understand how emerges the desire of the analyst.Lacan named Analytic Act the point at which the subject passes from the position of the analysand to the position of the analyst. In 1971, Lacan suggested a surprising proposal: thanks to his art, the writer James Joyce would have attained the same point as the analysand reaching the end of his analytic cure. Does the Pass extend beyond the analytic situation and could it be related to the artistic creation? Consequently, does it exist a link between the act of creation and the analytic act?In order to show in what way the act of creation of the composer A. Schoenberg maintains connections with the issues of the Pass, we chose to extract three crucial points: the relation to knowledge, the cause of the desire and the symptom.A. Schoenberg’s writings allow us to assert that his act of creation shares some similarities with what is awaited from the analysand going through the Pass. He there attests a change in his relation to the knowledge required to create an original compositional system. He succeeds in subverting the composition laws guided by an inner necessity (cause of desire). A. Schoenberg’s music presents itself as a handling mode of the real. It is for him a safe means not to be reduced to the Other’s knowledge or jouissance (symptom). A. Schoenberg is not without paradox. He builds a mystical and messianic version of what drives him to create (delirious metaphor). His music enables him to protect his singularity, without destroying the social link
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Ancillotti, Lorenzo. "Alessandro Esposito (1913-1981) : l'éclectisme infatigable d'un organiste-compositeur confronté aux antagonismes d'une époque." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL177.
Full textAbstract:
Cette thèse se fonde sur le principe d’une reconstruction biographique et dans le même temps sur l’analyse d’un contexte culturel dans lequel le protagoniste naît, se forme et œuvre. La vie d’Alessandro Esposito, ses expériences, ses rencontres deviennent la source d’un intérêt scientifique grâce à une fine recherche, finalisée à une contextualisation historique, géographique et musicologique. Parallèlement à cette chronologie, plusieurs sentiers ont été tracés, mettant à la lumière une multitude de situations hétérogènes, consacrées au monde de l’orgue, illustrées grâce à la découverte d’une documentation riche. L’identification, la classement et l’analyse de tous ces témoins, ont débouché sur plusieurs domaines de recherche qui ont concerné le parcours du protagoniste : sa formation et sa spécialisation, répondant à une période qui s’étend de 1924 à 1942 ; son activité de concertiste (1926-1981), son répertoire et sa manière d’interpréter la musique ; son activité de compositeur (1926-1978), particulièrement consacrée à l’orgue et à son répertoire liturgique et de concerts ; son activité d’enseignant (1941-1978) et son activité pour l’édition (1956-1976). Le facteur transversal et constant qui s’est posé lors de cette recherche a été de trouver la pensée d’Alessandro Esposito sur la conception de l’orgue et sur son activité d’animateur du débat relatif à l’interprétation de la littérature et aux progrès dans l’art de la facture d’orgue. L’aptitude de cet homme, intéressé à tous les domaines concernant le monde de l’orgue et de sa musique, se vouant à concilier avec engagement et succès des activités aussi différentes, nous révèle sa prédisposition à un éclectisme qui nous permet, donc, de nous pencher sur un monde hétérogène, qui recueille des opinions et des points de vue divergents, qui réunit des pensées et des méthodes différentes concernant le roi des instruments, lequel devient un véritable protagoniste de ce travailThis thesis is based on the principle of biographical reconstruction and, at the same time, on the analysis of a cultural context into which the protagonist was born, studied and operated. Alessandro Esposito’s life, his experiences and his enconunters become a source of scientific interest thanks to a meticulous research, aimed at a historical, geographical and musicological contextualization. Parallel to this chronology, numerous paths are traced that highlight a series of heterogeneous situations addressed to the world of the organ, illustrated thanks to the discovery of a rich documentation. Identification, classification and analysis of these witnesses led the reflection towards the different research areas encountered by the protagonist in his human path : training and specialization, relating to a period that extends from 1924 to 1942, the concert activity (1926-1981), the repertoire and the interpretative characteristics; the activity of composer (1926-1978), particularly dedicated to the organ in its liturgical and concertistic role; the didactic activity (1941-1978) and the editorial one (1956-1976). The transversal and constant factor that stems from this research is the identification of Alessandro Esposito's thinking about the concept of the organ, through the observation of his activity as an animator of the debate concerning the interpretation of literature and progress in the art of organ building. This man’s fascination with every area of the world of the organ and music related to it, allows him to combine many different activities, which reveal a predisposition and an eclecticism that permits a reflection about the complex world, rich in opinions and divergent points of view concerning the king of instruments, the true protagonist of this work
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Queiroz, de Albuquerque Filho Severino. "Le clair-obscur dans le répertoire d'opéra seria magique du compositeur Georg Friedrich Haendel." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040061.
Full textAbstract:
George Friedrich Haendel fut l'un des artistes des arts imitatifs. Durant sa production d'opéra seria, il inventa, disposa ses œuvres artistiques, suivant les principes de ces arts. On y observe une ordonnance du tout-ensemble et de ses parties liées entre elles en établissant une alternance des masses d'ombres et de lumières sonores. Ce placement averti de clair-obscur fut l'un des composants incontournables pour maintenir l'intérêt du public, en lui apportant une variété incessamment renouvelée et des repos pour l'âme. Ses récitatifs terminaient invariablement par des notes instrumentales seules aux fins de mesures et leurs decrescendo inévitables obscurs et/ou par des silences représentatifs de l'obscurité. Ceci contrastait avec les airs plus clairs avec des densités sonores importantes. Également, ce compositeur y indiqua des fortes et des pianos instrumentaux pour rehausser les reliefs sonores des clair-obscur spécifiques à chaque partie de ses opéras. Concernant les densités sonores, Haendel disposa habituellement des parties A longues, denses instrumentalement en contraste aux parties B courtes, peu denses instrumentalement et habituellement avec des pianos instrumentaux dès les débuts des parties B, renfonçant l'obscurité de ces parties-ci. Musicalement, le placement du clair-obscur sonore s'y faisait sur des longues tenues vocales et/ou instrumentales avec le développement musical de celles-ci sur des crescendos, des decrescendos et/ou des messa di voce. Les parties d'agilité vocale et/ou instrumentale suivait ces dynamiques sonores, en mettant en valeur les parties de bravoure en contraste de clair-obscur des airs pathétiquesGeorge Friedrich Haendel was one of the artists of the imitative arts. During his opera seria production, he invented, laid out his artistics works, according to the principes of these arts. One observes there an ordinary of the entier opera and its parts dependend between them by estabilishing an alternation of shades and lights sounds. This placement of schiaroscuro xas one of the composants to curcumvent to maintien the interest of the public, while bringing a without delay renewed variety. His recitatives finished invariably by instruments notes only for purposes of dark inevitable measurements and their decrescendo and/or by silences representatives of the darkness. This contrasted with the clearer airs with important sound densities. Also, this composer indicated to it the fortes and pianos instrumentals to raise the depths of sound of the chiaroscuro of each part of his operas. Concerning the sound densities, Haendel usually had long, dense parts A instrumentaly contrasts about it with the short parts B, not very dense instrumentaly and usually with instrumental pianos as of the beginnings of the partie B, recessing the darkness of these parts. Musically, the placement of the chiaroscuro was done there on long vocal and/or instrumental behavious with the musical developpement of those on crescendo, decrescendos and/or messa di voce. The parts of vocal and/or instrumental agility followed these dynamic sound, by emphasizing the parts of bravery in contrast of the pathetic airs
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Boghossian, Mouradian Claire-Marie. "Gustav Holst, sa vie, son œuvre." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040096.
Full textAbstract:
Gustav Holst (21-9-1874 Cheltenham 25-5-1934 Londres) est anglais de naissance et de culture, bien que sa famille soit d'origine germanique et scandinave. Compositeur, chef de chœur et d'orchestre, professeur, organiste, tromboniste de band et d'orchestre, Holst domine son art. Surdoué à l'instar de Mozart, il est mal compris. Les difficultés rencontrées l'incitent à rechercher un langage musical accessible à tous. Il n'a rien négligé pour atteindre son objectif et fit même un détour par la culture sanscrite. Dans la Bhagavad-gita, il découvre la sagesse de la vie et réalise que la nouveauté est autour de lui. Les hasards de l'existence le conduiront à la Dulwich Picture Gallery où il a la révélation du message de Poussin (l'expression des passions au moyen des modes musicaux grecs). A partir de là, Holst complète son message sonore par l'image et le mouvement pour atteindre l'art total mais comme Scriabine, il n'a pas eu le temps de parachever cet idéal. Holst reçu la lumière d'une communication pour tous, lors de l'audition de Didon et Énée : le langage anglais avec ses rythmes irréguliers, ses incises brèves, ses sonorités. Il l'exprima dans The Planets, suite symphonique en 7 mouvements qui est l'exemple de l'idiome anglais dont The Hymn of Jesus est l'aboutissement et pièce maitresse de l'écriture chorale. Dans un style miniaturiste, son opéra Savitri est le précurseur de l'opéra de chambre de Britten. Il écrit donc une musique naturelle dynamique, intemporelle, toujours différente et généralement brève. Dans un art minimaliste, Egdon Heath révèle la section dorée et immortalise la culture de son pays, les bruits et les sentiments avec le double concerto, Hammersmith et le lyric movement. Nous avons essayé de présenter cet auteur méconnuGustav Holst (21-9-1874 Cheltenham, 25-5-1934 London). English by birth and culturally, he is from a German and Scandinavian musical family. Composer, choirmaster and orchestra conductor, teacher, organist, trombonist of band and orchestra, Holst dominates his art. An exceptionally gifted child, as Mozart, he was misunderstood. To counter difficulties, host looked to a musical language accessible to all of us. He did not neglect anything to achieve his goal and studied Sanskrit culture and philosophy. In the Bhagavad-gita, he found wisdom in life and realizes that originality was all around him. Chance will take him to the Dulwich Picture Gallery where he get the revelation of Poussin's message (the expression of passion with the help of Greek musical modes). From there, Holst completed his musical message by image and the movement to reach a total art but as Scriabin he did not had the time to complete his ideal. Holst's visionary communication for all came from the audition of Didon and Aeneas: the English language with its irregular rhythms, its stresses, its sounds. The planets symphonic suite in 7 movements is the English idiom of which The Hymn of Jesus is the result and a masterpiece of choral writing. In a miniaturist style, his opera Savitri is the precursor of Britten’s English chamber opera. Holst's music is naturally dynamic, timeless, always different and generally short. In a minimalist art, Egdon Heath discloses the golden section and immortalizes his country culture, the sound and sentiment with some score as the double concerto, Hammersmith and the lyric movement. We have tried to introduce this composer
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Molle, Nicolas. "Beethoven et la Grande-Bretagne du vivant du compositeur : une fascination réciproque aux multiples facettes." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0221/document.
Full textAbstract:
L'objet de cette thèse est de s'intéresser aux relations entre le compositeur allemand et la Grande-Bretagne. À première vue, cette idée peut paraître surprenante. En effet, Beethoven, compositeur allemand né en 1770, ne foula jamais le sol anglais à l’inverse d’autres compositeurs comme Haydn, Weber et Mendelssohn. Pourtant, ce travail s'efforcera de démontrer qu’une relation véritable s’était établie, qu’elle portait sur de nombreux aspects et qu’elle était mue par un sentiment d'admiration réciproque. En premier lieu, cette thèse s'attachera à définir, d'une part, les origines de l'enthousiasme du compositeur allemand pour la Grande-Bretagne et, d'autre part, les aspects de la culture britannique qui plurent tant au compositeur. Ainsi, la politique, le système parlementaire, la littérature et la musique anglaise furent autant d’éléments sur lesquels Beethoven portait son admiration. Aussi, nous retrouvons le témoignage de cette affection à travers certaines de ses œuvres et inspirations musicales. Ensuite, ce travail de recherche mettra en lumière les mécanismes qui permirent de faire de Beethoven un compositeur célébré dans tout le Royaume-Uni jusqu’à l’ériger en un nouveau héros musical britannique. Par conséquent, ce travail analysera la programmation et la réception des œuvres du compositeur dans tout le royaume et mettra en évidence le rôle du réseau beethovénien à Londres dans la promotion de sa musique. En effet, Beethoven put jouir de l’aide précieuse de deux réseaux : un premier réseau composé d’amis viennois ou étrangers résidant à Londres comme Clementi, Salomon, von Häring, Ries qui le mirent en relation avec un second réseau, composé de Britanniques comme les musiciens Smart, Neate ou l’éditeur Birchall. Ces deux lobbies se retrouvèrent dans l’outil principal de promotion de Beethoven, la Société Philharmonique de Londres, créée en 1813. La thèse démontrera également l'importance des différents aspects contextuels – social, historique et esthétique – favorables à la domination de Beethoven sur la scène musicale britannique. Enfin, ce travail montrera comment la presse fit du compositeur allemand un « citoyen » britannique. Pour terminer, au fil des pages, ce travail tentera de combler une lacune dans les études beethovéniennes, à savoir, l’explication des raisons qui poussèrent Beethoven à abandonner ses projets de visite, pourtant nombreux, en Grande-BretagneThe aim of this thesis is to focus on the relationship between the German composer and Great Britain. However, at first glance, this idea may be surprising. Indeed, Beethoven, born in 1770 in Germany never went to Britain unlike other composers such as Haydn, Weber and Mendelssohn. Nevertheless, this study will attempt to show that a true relationship was established, based on numerous aspects and on a reciprocal feeling of admiration. Firstly, this thesis will try to find the origins of the German composer’s enthusiasm for Britain and it will then define the different cultural aspects that were so dear to Beethoven. Thus, literature, music and politics emerge as the different aspects of British culture which the musician admired the most. As a result, it is possible to find tokens of his fascination for Britain through his works. In the same way, this research work will describe the mechanisms which contributed to make Beethoven a celebrated composer in the United Kingdom who, gradually, became the new British musical hero. Thus, this thesis will analyse the concert programmes and reception of Beethoven’s works and it will shed new light on the importance of networks which promoted the composer within the British musical scene. Indeed, Beethoven benefited from the valuable help of two networks: the first was composed of Viennese or foreign friends living in London like Clementi, Salomon, von Häring or Ries, who put him in contact with a second network, a British one with English musicians like Sir George Smart, Charles Neate or publishers like Robert Birchall. Finally, these two lobbies merged together into one of the key elements promoting Beethoven’s music, The Philharmonic Society, created in 1813. This study will also show the importance of the social, musical and esthetical factors which favoured Beethoven’s domination of the British musical scene. It will show how the British press elevated Beethoven to the rank of “British” citizen especially during his agony. Finally, in Beethoven studies, there is a major gap to fill in: the reasons why Beethoven abandoned the different projects of visiting England
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Guimarães, Maria Inês Junqueira. "L'œuvre de Lobo de Mesquita, compositeur brésilien (1746?-1805) : contexte historique, analyse, discographie, catalogue thématique." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040234.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie, en trois volumes, la vie et l'œuvre du musicien brésilien Lobo de Mesquita qui vécut dans la province du Minas Gerais au XVIIIe siècle. Ce compositeur de musique religieuse - un des tout premiers du Brésil - pose le problème de l'influence qu'ont pu exercer sur sa formation, puis sur son œuvre, l’Europe et notamment la puissance coloniale portugaise. Le Brésil et plus particulièrement le Minas Gerais étaient dotés d'une structure religieuse et associative offrant, malgré la jeunesse du pays, un cadre à l'épanouissement de l'expression musicale dans un contexte annonciateur d'une culture multiraciale. La réunion et la mise en catalogue de son œuvre - autographes et copies - les restitutions et l'analyse des compositions, se révéla une tache redoutable et aussi délicate que l'étude de l'authenticité des documents exploités. La thèse comporte la première restitution réalisée à partir de l'autographe (en parties séparées) de la messe pour le dimanche des rameaux (Dominica in palmis - 1782), l'analyse de cette composition, et le catalogue thématique de l'œuvre retrouvée du compositeur, le seul existant de nos jours. Bien que le chant grégorien soit encore pratique - incorpore ou en alternance avec les œuvres des compositeurs - la priorité est réservée à une musique homophonique, caractérisée plutôt par une facture tonale dont les caractéristiques se rapprochent de la musique produite à la fin du XVIIIe siècle en EuropeThis thesis is a study of the life and works of the Brazilian composer Lobo de Mesquita who lived in the province of Minas Gerais during the eighteenth century. This composer of religious music - one of the first in Brazil - raises the question of the influence of Europe and in particular the Portuguese colonial power on his education and works. Brazil and in particular Minas Gerais had a religious and social structure which in spite of the youth of the country provided a foundation for the expansion of musical expression in a context presaging a multiracial society. The collection and cataloguing of his works (from both autographed manuscripts and copies), the transcription and analysis of his compositions was to prove a formidable task and as fastidious as the authentification of the documents used. The thesis includes: the first transcription from an autographed manuscript (in separate parts) of the mass for palm Sunday (Dominica in palmis, 1782), the analysis of this composition, and the only thematic catalogue of the known works of this composer currently in existence
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Mandolini, Ricardo. "Langages en expansion réflexions critiques sur le style, sur le compositeur et sur l'oeuvre : analyse des travaux /." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37607648q.
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Cazaux, Chantal. "Pour une approche de l'écriture dramatique de Gaetano Donizetti de 1830 à 1837 : contribution à l'étude d'Anna Bolena, de Maria Stuarda et Roberto Devereux." Saint-Etienne, 2002. http://www.theses.fr/2002STET2073.
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Ce travail tente de déterminer les différentes caractéristiques musicales et littéraires propres à l'écriture dramatique de Gaetano Donizetti, compositeur italien (1797-1848), dans la décennie 1830. Ces caractéristiques sont observées telles qu'elles se dégagent de l'étude de trois opéras dramatiques choisis dans cette période - la plus féconde de la carrière italienne du compositeur : Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1834-1835) et Roberto Devereux (1837). Sont notamment visés par cette étude les livrets - leurs sources historiques et littéraires, remontant à la Renaissance anglaise et à ses dynasties régnantes tantôt par le biais du roman "gothique" anglais, tantôt par celui du théâtre romantique européen, leur niveau de langue audacieux, ou bien encore leurs réseaux psychologiques et formels de personnages et de narrations -, les structures musicales - reproduites plus ou moins fidélement ou éclatées pour le besoin de l'action dramatique, utilisant le rythme scènique, l'orchestration et le rapport de la voix à l'orchestre comme autant d'éléments dramaturgiques - et enfin, plus particulièrement, l'écriture vocale et les nouveaux usages propres au compositeur dans l'utilisation des registres, des tessitures et de l'écriture mélodique. Il s'agit ainsi de distinguer d'une part les éléments de langage servant chez Gaetano Donizetti les dimensions réalistes et/ou fantastiques du lyrisme dramatique et italien de l'époque, d'autre part ceux hérités du bel canto rossinien et ceux ouvrant la voie à une vocalité et une dramaturgie pré-verdiennes, distinctions permettant alors de tenter une définition du "drame donizettien".
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Guimarães, Maria Inês Junqueira. "L'oeuvre de Lobo de Mesquita : compositeur brésilien : (?1746-1805) : contexte historique, analyse, discographie, catalogue thématique, restitution /." Villeneuve d'Ascq : Presses universitaires Septentrion, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb371149919.
Full textAbstract:
Th. doct.--Musicologie--Paris 4-Sorbonne, 1996.2 tomes en un volume. Catalogue thématique p. 288-437. Restitution de l'oeuvre intitulée "Dominica in palmis" Bibliogr. et discogr. p. 242-271. Index.
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Kaltenecker, Martin. "Theodore gouvy." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1986PA040277.
Full textAbstract:
S'appuyant sur un grand nombre de documents inedits (correspondance, manuscrits, partitions, archives de la famille. . . ), ce travail, le premier de cette ampleur en francais, retrace la vie et decrit l'oeuvre d'un compositeur fort apprecie en son temps, theodore gouvy (1819-1898). Ami de berlioz, lalo, gounod, stephen heller, il fit une carriere de symphoniste dans les annees 1850, se consacra a la musique vocale (melodies surtout) a partir de 1860, participa au renouveau de la musique de chambre apres la guerre de 1870, puis se tourna vers l'oratorio. Son oeuvre, assez riche, fut jouee egalement en allemagne (gouvy faisait de frequents sejours a leipzig ou cologne) : on y considerait le compositeur comme "representant de l'art allemand en france". Cette etude s'emploie a etablir une biographie de gouvy (150 pages), puis a decrire brievement chaque partition (180 pages)This study of the composer theodore gouvy (1819-1898), the first of this importance in french, profits from many unpublished documents (lettres, scores, various archives. . . ). Gouvy, a friend of berlioz, lalo, gounod, stephen heller, most appreciated at his time, first dedicated his work to the symphony and the chamber music in the 1850 ties, wrote vocal music, especially melodies, after 1860, later oratorios often rehearsed in germany. He frequently travelled to leipzig and cologne, and was often described in germany as "representative of german music in france". The biography of the composer (150 pages) is followed by a short description of each work (180 pages)
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Contri, Fabrice. "Etre compositeur en Inde du sud : le krti chez les saints poètes musiciens de la Trinité carnatique." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040116.
Full textAbstract:
La présente étude aborde la problématique de la fonction et du statut du compositeur - comme celle de son influence et de son style - au sein de la tradition musicale classique de l’Inde du Sud (musique carnatique) à travers ses trois plus grands représentants ou « Trinité carnatique » : Śyāmā Śastri (1762/63 – 1827), Tyāgarāja (1767-1847), Muttusvāmi Dīkṣitar (1775-1835). Elle se concentre sur la forme reine d’un vaste répertoire que ces trois musiciens ont portée à son apogée : le kṛti. Instrument privilégié de la mystique hindoue appelée bhakti, le kṛti est d’abord destiné au chant, ses compositeurs sont aussi poètes et s’il apparaît tout entier dédié à la louange divine, il s’avère aussi le lieu privilégié de l’expression personnelle sur le plan tant littéraire que musical. La création musicale en Inde du Sud est par ailleurs le fruit d'une incessante et subtile alternance entre improvisation et composition : les formes compositionnelles contiennent une part d’ouverture qui en assure non seulement la vie mais aussi la pérennité. Comment le compositeur prend-T-Il en charge le devenir de ses œuvres et de quelles manières ? Comment, tant par ses compositions que par le modèle de son existence même – par le jeu hagiographique – s’inscrit-Il dans le processus créatif, notamment celui de l’interprétation ? En quoi le kṛti, et particulièrement ceux de la Trinité carnatique, constitue un terrain particulièrement favorable pour la dialectique de la fixité et de la mobilité ? Ces éléments de problématique impliquent une approche à la fois historique et anthropologique tout en ouvrant un vaste champ à l’analyse musicaleThe topic of this study presents the part and status of a composer – as well as his influence and style – within the traditional classical music in South India (carnatic music) through its three major representatives, so called carnatic Trinity : Śyāmā Śastri (1762/63 – 1827), Tyāgarāja (1767-1847), Muttusvāmi Dīkṣitar (1775-1835). It concentrates on the most radiant aspects of a large repertoire which has been brought to its achievement by these three musicians, the krti. As an essential tool to implement the Indian mysticism so called bhakti, the kṛti’s first purpose is linked to singing; its composers are also poets and though it is entirely dedicated to God’s praise, it appears to be also a unique way for personal expression, on literary as well as musical aspects. In South India, musical creativity is also a subtle and endless combination between improvisation and composition: the composition side remains partly opened which makes it not only vivid but also perennial. How does the composer manage the future evolution of his work and through which arrangements? Where does he stand in the creation process, including interpretation, through his compositions and his own life standard, thanks to hagiography? Why does the kṛti, especially those belonging to the carnatic Trinity, form a particularly favorable field for the dialectic of permanence and change? These aspects of the question need to be treated from a historical as well as anthropological standpoint but keep opened a wide area for musical analysis investigation
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Jouanna, Claude. "Résonances d'Yves Nat : du pianiste-compositeur au pianiste-pédagogue : "et comme une eau entoure exactement une île"." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040248.
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Monographie de l'artiste français Yves Nat qui fut à la fois pianiste, compositeur, pédagogue et poète. La correspondance du musicien avec son grand ami, le poète breton, Théophile Briant, les carnets parus à la Flûte de Pan, ainsi que les nombreux témoignages d'élèves ont permis d'éclairer la personnalité d'un interprète obsédé par les exigences de l'œuvre et totalement désintéressé par la notion de virtuosité pianistique. A travers les différentes activités de l'artiste, le biographe s'est efforce de souligner l'unité et la profonde authenticité d'une pensée musicale réunissant création et interprétation dans une même approche sonore entièrement tournée vers l'œuvre, à l'image de ce vers de Francis Jammes qu'affectionnait tant Yves Nat : "et comme une eau entoure exactement une ile"Monograph about the French artist Yves Nat, who was at one and the same time a pianist, a composer, a pedagogue and a poet. The musician's correspondence between he and his great friend, the Breton poet, Theophile Briant, as well as the numerous accounts has enabled us to recognize the personality of an interpreter who was obsessed by the demands of the work and totally disinterested in the performances of pianist virtuosity. By way of the artist's multifarious activities, the biographer tried to emphasize the unity and absolute authenticity of a musical conception combining both creation and interpretation in the same resonant approach, focused completely on the work, like this line of Francis Jammes that Yves Nat was so found of: "and as water perfectly surrounds an island”
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Abhervé, Séverine. "Compositeur de musiques de films dans l'industrie cinématographique française : définition, caractérisation et enjeux d'un métier en mutationj." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010522.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie le métier de compositeur de musiques de films au sein de l'industrie cinématographique française, selon une approche transversale et complémentaire (législation, sociologie du travail, psychologie sociale, économie). La première partie dresse un état des lieux de la profession et caractérise son statut de coauteur du film (loi 1957). Elle définit les rapports entre le compositeur et l'équipe du film afin de comprendre sa place dans l'industrie cinématographique, et tout particulièrement sa relation avec le réalisateur. La seconde partie présente les résultats d'une enquête réalisée auprès de 109 compositeurs travaillant pour le long-métrage français. Elle permet de définir et de caractériser le métier selon leur opinion. La vitalité de cette activité professionnelle est également mesurée autour de trois dates clefs (1985, 1995 et 2008) afin d'appréhender l'avenir de la profession dans l'industrie cinématographique française. La période analysée, 2000-2008, vise à mesurer la mutation que traverse le métier. Sa représentation est enfin esquissée du point de vue des cinéastes français, de l'industrie cinématographique et des compositeurs eux-mêmes. La troisième et dernière partie aborde l'aspect économique de la profession, ainsi que la politique de soutien au métier de la part des institutions (CNC et SACEM), puis les enjeux d'une formation apprenant au couple au couple réalisateur-compositeur à travailler de concert.
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Mandolini, Ricardo. "Langages en expansion : réflexions critiques sur le style, sur le compositeur et sur l'oeuvre : analyse des travaux." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080161.
Full textAbstract:
Cette these se presente en deux parties: d'un cote, une analyse du musicien et de ses parametres, de l'autre, une analyse de mes propres oeuvres. La 1ere partie fera apparaitre l'antinomie fondamentale de la musique contemporaine definie comme l'opposition de l'esthetique involontaire de la continuite et de l'esthetique volontaire de la discontinuite. Dans le premier chapitre, "du style", on opposera un style en expansion et un style historique. A cette opposition nous donnerons forme humaine et principe structurel: c'est beethoven et la musique-en-soi opposes a cage et la musique-vers-le monde. Le second chapitre, "du compositeur", definit d'abord le compositeur comme langage. Il prend deux aspects: le "continu-compact", sans parties, et le "repertoire operatoire", qui se definit comme la mise en forme d'un champ operationnel. Le troisieme chapitre parle "de l'oeuvre" comme poetique et comme notation. On distinguera d'abord l'espace kinesthesique-moteur de l'espace compose qui se subdivise en espace reduit au signal sonore compose, et en espace ouvert du signal qui s'associe aux bruits ambiants. La partie "notation", apres une analyse de la symbolique musicale, se conclut par une speculation fondamentale sur la correlation semiotique entre les symboles et les phenomenes musicaux. Dans la deuxieme partie, consacree a l'analyse de mes oeuvres, la premiere section parle du "texte comme source", ou differents materiaux provenant soit du discours parle soit de la signification, sont utilises dans la composition de mes pieces. Dans la seconde problematique, "la narration electroacoustique", c'est l'auditeur lui-meme qui imagine la possibilite de la narration; les quatre oeuvres que j'analyse alors partent a la recherche de cet argument illusoire. La troisieme partie, intitulee "l'oeuvre mixte", traite de la distinction entre l'imagination creatrice electroacoustique et instrumentale, et de la liaison des deux dans l'oeuvre. La description d'"un programme compositionnel interactif", conclut la deuxieme partie de la these et offre le cadre interpretatif a l'analyse d'une derniere oeuvre
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Bonellis, Spyros. "Le compositeur grec Jani Christou (1926-1970) : approche musicologique et esthétique de ses oeuvres à partir de 1960." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2007/BONELLIS_Spyros_2007.pdf.
Full textAbstract:
Le compositeur Jani Christou (1926-1970) constitue un des principaux témoins de la pensée musicale grecque du XXème siècle. L’intérêt pour nous est de montrer la diversité des compositions des dix dernières années de sa production, son style personnel et l’esthétique qui en ressort, ainsi que l’approche de pratiques d’expressions primitives (ritualisation, sacrifice) par le biais de la « métapraxis » et le rapport qui s’installe entre l’art et la métaphysique. Pour faire le lien nécessaire avec la période étudiée nous présentons les traits principaux de la vie du compositeur en donnant également les caractéristiques essentielles de ces compositions jusqu’à 1960. Ensuite nous analysons les œuvres majeures de la période qui nous intéresse (1960-1970) afin de montrer les techniques d’écriture et les idées extramusicales (très présentes chez Christou) qui régissent ses compositions. Notre but n’étant pas de faire une présentation de sa production, nous partageons notre corpus entre l’aspect musicologique et l’aspect esthétique (philosophique) du compositeur tout en le situant par rapport à son époque et à ses contemporainsThe composer Jani Christou is considered as one of the most important representatives of the Greek musical production in the 20th century. It is very interesting to reveal the diversity of his compositions during the last ten years of his life, his personal style and the resultant aesthetics, as well as the way he approached the techniques of primitive expressions (ritualisation, sacrifice) through “metapraxis” and the relationship which is being established between art and metaphysics. In order to comprehend sufficiently the period in question, first of all we will present the main events that marked the composer’s life outlining at the same time the most essential characteristics of his compositions up to 1960. Afterwards, we will analyze his major works during the period that concerns us (1960-1970) in order to show the writing techniques and the extramusical ideas (very often in Jani Christou’s work) that influenced deeply his compositions. Since we’re not aiming to make a presentation of his musical production, our study will focus on the composer’s musicological and aesthetical points of view, while we will try simultaneously to place these elements in connection with his age and his contemporaries
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Guglielmetti, Yohann. "De la relation entre musique et images, en prenant comme témoin le cinéma du réalisateur-compositeur Tom Tykwer." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H317/document.
Full textAbstract:
La sempiternelle recherche de compréhension par le visuel, des émotions générées par la musique, ouvre un horizon de paradoxes au cinéma qui mérite que l'on s'y attarde. L'esthétique du réalisateur-compositeur Tom Tykwer qui réalise ses films comme Wagner compose ses opéras en écrivant partition et livret, et dont l'inflexibilité sur sa double fonction est probablement unique au cinéma, nous sert de modèle pour consolider notre révision de quelques pensées communément admises sur la relation entre musique et images. Nous y revisitons la définition de la musique en tant que matière sonore du film, la question de sa concordance avec l'image, de son indépendance alors qu'elle intègre un tout unifié, ainsi que de son rapport aux sens et à leur transcendance. Les images comme substrat matériel et la musique comme élément de conscience chez ce réalisateur-compositeur, conservent leur autonomie de sens alors même que la partition est intimement liée à la structure du film. Elles s'inscrivent dans un rapport de complémentarité qui remet en cause tout un paradigme basé sur l'idée d'analogie ou de convergence, en somme, de dualité entre images et musique au cinémaThe perennial search of comprehension by the visual, of emotions generated by music, opens an horizon of paradoxes in cinema that merits further consideration. Filmmaker-composer Tom Tykwer's aesthetics that allows him to direct movies as Wagner composes his operas by writing scores and libretto, and whose inflexibility of his double function is probably unique in cinema, serve us as model to strengthen our revision of some commonly admitted thoughts about the relationship between music and images. We reassess the definition of music as sound material of films, the question of its concordance with the image, of its indépendence even though it integrates an unified whole, as well as its connection with the senses and their transcendence. Images as material substrate and music as element of consciousness in this director-composer's work retain their autonomy of sense while the score is closely connected to the film'structure. They are consistent with a complementary relation that questions an entire paradigm based on the idea of analogy or convergence, in short, of a duality between images and music in cinema
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Bardot, Jean-Marc. "Une esthétique du souvenir dans la musique de Philippe Hersant : poésie sonore, résonance, forme." Saint-Etienne, 2006. http://www.theses.fr/2006STET2084.
Full textAbstract:
Apres une breve et sommaire formation a la composition aupres d'andre jolivet, philippe hersant (compositeur francais ne en 1948] s'est peu a peu affirme comme un compositeur libre de toute reference systemique et stylistique fixe. Le question de son langage syntaxique est donc bien moins importante que celle des moyens mis en oeuvre pour la creation d'un univers musical infiniment poetique. Le resonance sous l'aspect de la technique instrumentale, comme sous celui du discours harmonique, occupe dans ce cadre une place privilegiee. Pourtant, depuis 1985, son imaginaire ne peut se demarquer de l'usage de citations que sa memoire, depuis son enfance a engrangees. Ce recours au souvenir filtre et deforme par le temps conditionne la plus grande part de sa musique, depuis sa source comme fondement de l'imaginaire, a sa realisation finale comme creation formelle originale. L'oeuvre avec citation se construit sur le fondement d'un tissage, d'une coalescence du materiau "impur" issu de la memoire, et de celui qui est nouvellement "compose". Elle vehicule ainsi, grace a des ressassements varies, et au sein d'une dialectique du temps et de l'espace, un certain caractere sacre. Au dela de la seduction sonore qu'offre l'oeuvre musicale de philippe hersant, chacune de ses formes musicales ainsi creees (32 oeuvres sont analysees en detail dans la these), loin de se reduire a sa propre structure, repond a un imperieux besoin de basculement de l'expression d'une confession personnelle, sur un projet artistiqueAfter a short and basic training in composition with andre jolivet, philippe hersant (french composer born in 1948) gradually established himself as a composer, free of any set systemic and stylistic reference. Therefore, the question of his syntactic language is of much less importance than the means used to create an infinitely poetic musical world. In this context, resonance takes on a key composition, whether as instrumental technique or as harmonic language. However, since 1985, his imaginative universe has been closely interlaced with the use of quotations stored up from childhood by his memory. The use of memories from the past determines most of his music, from its sources as a basis for the imaginary world, to its final form as a definite original creation. The work with quotations is built on the basis of weaving together of a coalescence of the "impure", distorted memory with the newly composed one. In this manner, through turning it over and within a time and space dialectis, the work conveys a certain sacred character. Beyond the tonic appeal of philippe hersant's musical works, this is how each of his musical forms (32 works are fully analysed in the thesis), far from being reduced to its own structure, fulfills an urgent need to swing from the expression of a personal, private confession to an artistic project
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Amblard, Jacques. "Pascal Dusapin et "l'intonationnisme"." Aix-Marseille 1, 2001. http://www.theses.fr/2001AIX10052.
Full textAbstract:
L'objet préliminaire de ce travail est de montrer qu'on peut analyser des structures modales (" modes restreints ") dans les intonations de la parole. Leur transcription sur la partition, par Dusapin (compositeur français né en 1955), aboutit alors à u,n " intonationnisme mélodique ". Plus rudimentaire, in " intonationnisme rythmique " semble avoir été développé depuis la fin du XVIe siècle, et avoir notamment participé à la naissance de l'opéra en Italie. " l 'esprit de la tragédie grecque " était au centre de cette transcription musicale d'une prosodie idéalisée, perçue comme écho des époques où l'on " parlait comme on chantait ". L'intonation serait rien moins qu'une survivance de l'origine commune de la musique et du langage, origine aussi ancienne que l'humanité. C'est donc un certain naturalisme, celui qui consiste à reproduire en musique cette " langue de la nature ", qui lie des compositeurs aussi apparemment éloignés que Monteverdi, Lully, Jean-Jacques Rousseau, Grétry, Moussorgski, Hugo Wolf, parfois Debussy et Richard Strauss, puis Varèse et surtout Janacek et Dusapin. Dans le cas de ce dernier, ce naturalisme particulier (l' "intonationnisme "), réinjecté dans une musique cette fois atonale, a les mérites supplémentaires : d'une part de rendre la transcription de l'information plus précise (par exemple par le respect de sa microtonalité, ce qui était impossible en musique tonale), d'autre part de permettre à la musique contemporaine de sortir de son esthétique souvent appelée " négative ". L'esthétique de l'intonationnisme de Dusapin, que nous avons appelé " l'écho ", est une démarche aveugle, purement " vocale ", qui ignore tout scientisme ou logique visuelle de la partition, apanage des avants-gardes du Xxe siècle. Cette " non-esthétique " ne garde de la modernité que sa tradition de " crudité vocale ", dont l'œuvre de Dusapin permet de comprendre les aboutissants, ceux de rejoindre une tradition plus ancienne, intemporelle.
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Cantoni, Angelo. "La référence à Bach dans les œuvres néo-classiques de Stravinsky : sa fonction dans le renouvellement stylistique du compositeur." Tours, 1994. http://www.theses.fr/1994TOUR2002.
Full textAbstract:
Dans le cadre de ce travail je me suis propose d'étudier un aspect de la problématique fondamentale de la période néo-classique de Stravinsky : celui de la relation à des modèles stylistiques préexistants. Pour affronter ce problème, j'ai choisi d'aborder toutes les œuvres qui révèlent une "influence" significative de la musique de Bach, pour essayer de comprendre quelle fonction celle-ci y exerce. Le phénomène de la référence à Bach se remarque surtout dans les œuvres instrumentales du compositeur, depuis l'Octuor (1923) au Dumbarton Oaks concerto (1938), mais aussi dans une de ses principales œuvres vocales : la symphonie des psaumes. L’étude de cette problématique a permis aussi d'ouvrir de nouvelles perspectives sur la production successive du compositeur, y compris sur des œuvres appartenant à sa dernière période créatrice. La référence à Bach a surtout servi à Stravinsky pour définir certains principes de composition caractéristiques de sa période néo-classique, qui se retrouveront aussi dans les œuvres scéniques de cette période (qui ne présentent pas, sauf exceptions, des allusions stylistiques à Bach). Ainsi la relation au compositeur allemand constitue un problème central pour l'étude du langage stravinskienIn this dissertation i have studied one aspect of the major problem concerning Stravinsky's neoclassical works : that of the relationship to preexisting stylistic models. For this, i have studied all those works which reflect an important influence of Bach 's music, to try to understand its function in Stravinsky's musical language. This phenomenon can mainly be observed in his instrumental pieces compposed between the octet (1923) and the dumbarton oaks concerto (1938), but also in one of Stravinsky's major vocal compositions : the symphony of psalms (1930). The study of this problem has also permitted new insight in some of Stravinsky's futher compositions. References to Bach 's style have helped the composer to define some characteristic compositional principles of his neoclazssical period which can also be found in his dramatic works without specific allusions to Bach 's style. Ths study of the relationship to Bach 's music is therefore a central problem to approach Stravinsky's musical language
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Fischer, Michel. "L'oeuvre d'orgue d'olivier messiaen. Rhetorique de la representation musicale des indices scripturaires au fil de l'intentionnalite declarative du compositeur." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040097.
Full textAbstract:
Notre etude vise a pallier un aspect lacunaire dans la mesure ou la plupart des chercheurs analysent l'oeuvre d'orgue de messiaen en dehors des indices scripturaires, quitte a commenter le travail du compositeur dans une perspective qui reprend mot a mot l'intentionnalite declarative de l'auteur. Pour ne pas se condamner a ignorer les difficultes creees par le support epigraphique en tant qu'intelligence des textes sacre dans leurs connexions avec les indices du corpus johannique et des evangiles de l'enfance du christ, le tout transfere dans un reseau de partitions, nous avons degage cinq grands themes theologiques susceptibles d'etre rhetorises et representes par l'action compositionnelle : ils delimitent en cinq livres l'axe de la recherche, s'obstinent a penser l'ecriture organistique comme une realite de l'indice scripturaire brise. Ainsi posee, la reflexion organise un veritable parcours du mouvement musical qui revele l'enjeu d'un discours a l'interieur duquel s'articule une rhetorique entierement dissimuleeThe aim of our study is to bridge certain gasps due to the approach of some researchers who analysemessiaen's organ works without heeding the composer's scriptural clues. Although it may mean commenting upon the composer's work in an approach taking up, word for word, the proclaimed intentions of the author. Not to be doomed to ignore the difficulties raised by the epigraphic quotations as a revelation of the scriptures connected with the indices of the johannine corpus and the gospels of christ's childhood, the whole transferred in a network of scores, we have brought out five great theological themes open to the rhetoric and representation of composition. These themes define the framework or our research in five books and persist in thinking organ writing as a reality of the broken scriptural indice. Thus established, our reflection organizes a true survey of the musical movement that reveals the stakes of a discourse within which an entirely cancealed rhetoric is articulated
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Cantoni, Angelo. "La référence à Bach dans les oeuvres néo-classiques de Stravinsky : sa fonction dans le renouvellement stylistique du compositeur /." Tours : [A. Cantoni], 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb401156670.
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Desagulier, Jean-Bernard. "Hermann Cohen, élève de Franz Liszt." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040056.
Full textAbstract:
Franz Liszt eut de nombreux élèves tout particulièrement à l'Altenburg. Aloys Tausig vint s'y installer et y vécut deux ans. Mais auparavant les biographies, les correspondances diverses que Franz Liszt a échangées avec les personnalités musicales et littéraires de son temps, font mention à de nombreuses reprises de la présence à ses côtés d'un élève privilégié qui outre son enseignement partagea son intimité familiale. Hermann Cohen né en 1821, jeune pianiste prodige venu de Hambourg devint l'élève de Liszt en 1834 ; il rejoindra son maitre à Genève ou il se verra confier malgré son jeune âge une classe de piano au conservatoire nouvellement fondé. Ce séjour sera émaillé de nombreux concerts et se termina par une mémorable excursion racontée par George Sand dans les lettres d'un voyageur (vii et x). De retour à paris, il mène une carrière de concertiste et de professeur. Malheureusement sa vie dissolue et la passion du jeu le séparent de son maitre et il continue seul sa carrière. Touche par la grâce, il se convertit au catholicisme en 1847 et entre dans l'Ordre des Carmes Déchaussés. Il deviendra le père Augustin-Marie du Très-Saint-Sacrement, appelé le plus souvent père Hermann. Il se révèle un très brillant prédicateur, fonde plusieurs monastères, compose alors de la musique religieuse. Il mourut à Spandau le 20 janvier 1871 au service des prisonniers français. Dans le cadre de cette thèse, la gravure et l’édition de deux œuvres manuscrites de Hermann Cohen ont été réalisées : Les contretemps (1839), Les bords de l’Elbe (s. D) valse.
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Vieira, Manoel. "Création de pièces novatrices reflétant l'hybridation entre le choro brésilien et l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk." Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/39096.
Full textAbstract:
Le but de ce travail est de mener une enquête sur les principaux aspects du choro brésilien et sur l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk afin de créer des pièces originales inspirées de l'hybridation de ces deux approches musicales. Le choro est un genre musical qui a beaucoup influencé la musique brésilienne depuis son apparition au XIXe siècle. Par ailleurs, l'énigmatique musique de Thelonious a contribué à la création et au développement du bebop jazz. Ces deux approches ont subi le processus d'hybridation musicale comme élément clé dans leurs consolidation et création au cours du temps. Pour mon projet, l'approche compositionnelle de Monk m'a inspiré en tant que source d'expérimentation pour restructurer le choro. De la même façon, les différents aspects du choro m'incitent à les utiliser comme des outils permettant la modification du style de Monk. Leurs façons de structurer la mélodie, l'harmonie et le rythme sont à la base de mes compositions. J'explore plus précisément le défi de mettre en interaction ces deux approches en développant un vocabulaire capable d'équilibrer leurs éléments, et ce à travers mes propres compositions. Par l'observation et l'analyse de ces éléments et structures, j'ajoute quelques considérations interprétatives dans le but de collaborer aussi à la performance. Ce projet retrace aussi les aspects historiques du choro et de Monk avec l'idée de faire mieux comprendre leurs origines et leurs processus de formation. Chaque composition présente une combinaison d'éléments structurels assez variés qui visent à une interaction et à une intégration équilibrées, stimulées par ma propre individualité artistique. Ce projet a pour ambition d'aider les musiciens dans leur interprétation musicale en encourageant la création.The aim of this work is to investigate the main aspects of Brazilian choro and the compositional approach of American pianist and composer Thelonious Monk to create original pieces inspired by the hybridization of these two musical approaches. Choro is a musical genre that has greatly influenced Brazilian music since its appearance in the nineteenth century. In addition, the enigmatic music of Thelonious contributed to the creation and development of Bebop jazz. Both approaches have undergone the process of musical hybridization as a key element in their consolidation and creation over time. For my project, Monk's compositional approach inspired me as a source of experimentation to restructure the choro. In the same way, the different aspects of choro encourage me to use them as tools allowing the modification of Monk's style. Their ways of structuring melody, harmony and rhythm are at the base of my compositions. I explore more precisely the challenge of interacting these two approaches by developing a vocabulary able to balance their elements, and this through my own compositions. By observing and analyzing these elements and structures, I add some interpretative considerations in order to collaborate also on performance. This project also traces the historical aspects of Choro and Monk with the idea of making better understand their origins and their training processes. Each composition presents a combination of quite varied structural elements that aim at balanced interaction and integration, stimulated by my own artistic individuality. This project aims to help the musicians in their musical interpretation by encouraging the creation.
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Sillanoli, Marie-Hélène. "La vie et l'œuvre de Michel de La Barre (1675-15 mars 1745) : flûtiste de la chambre et compositeur français." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA04A030.
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