Dissertations / Theses on the topic 'Contemporary Canadian Theatre'

The goal of this research is to shed light on current developments in the field of Aboriginal Theatre Studies. This investigation encourages the reader to look again at the ways in which elements of Aboriginal culture are manifesting in contemporary theatre. Aboriginal theatre is increasingly visible in Canada and its cachet is growing with both artists and audiences. As a result, culturally specific worldviews and traditional practices are being introduced to mainstream Canadian theatre audiences. Through interviews with practicing Aboriginal artists like Floyd Favel, Yvette Nolan and Marie Clements and through an exploration of their individual theatrical processes, this research has attempted to identify how practicing Aboriginal artists consciously privilege Indigenous ways of knowing in their approaches to creating theatre for the contemporary stage.

The history of the Great War has been dominated by accounts that view the War as an international conflict between nations and soldiers that contributed to the consolidation of Canadian cultural and political independence and identity. In many cases, the War has assumed a foundational—even mythic—status as integral to the building of a mature state and people. Since the 1970s, however, there has been an efflorescence of Canadian plays that have problematized traditional representations of the War. Many of these plays are set on the home front and explore the ways in which the War, in the form of disease, disaster, and intra-communal in-fighting and suspicion, invaded Canadian home space. What they suggest is that the War was not simply launched against an external enemy but that the War invaded Canadian communities and households. This dissertation examines five of these plays: Kevin Kerr’s Unity (1918), Guy Vanderhaeghe’s Dancock’s Dance, Trina Davies’ Shatter, Jean Provencher and Gilles Lachance’s Québec, Printemps 1918, and Wendy Lill’s The Fighting Days, all of which were written and published after 1970. Ultimately, it demonstrates that these plays, by relocating the War to Canadian terrain, undertake an important and radical critique; they suggest that the understanding of the War should not be restricted to overseas conflicts or Canadian national self-definition but that it should be expanded to encompass a diversity of people and experiences in domestic and international settings. At the same time, this thesis recognizes these plays as part of an emergent, bourgeoning Canadian dramatic genre, one which attests to Canadians’ continued preoccupation with the War past.

A travers une étude interculturelle détaillée et comparée de la production théâtrale minoritaire canadienne et américaine, ma thèse cherche à mettre en lumière les les apports thématiques et esthétiques du théâtre multi-ethnicque nord-américain contemporain à la tradition anglo-américaine du 20ème siècle. Les communautés asiatiques, africaines et aborigènes sont retenues comme poste d'observation privilégié de l'expression esthétique de la condition multiculturelle postcoloniale dans le théâtre nord-américain de la période allant de 1972 à nos jours. Sur base d'un corpus de pièces de théâtre, ma recherche m'a permis de redéfinir les grandes articulations des notions d'hybridité, d'identité et de communauté/nation postcoloniale.

Through a detailed cross-cultural approach of the English Canadian and American minority theatrical production, my thesis aims to identify the thematic and aesthetic contributions of multi-ethnic North American drama to the Anglo-American tradition of the 20th century. My study examines North American drama from the vantage points of African, Asian, and Native communities from 1972 until today. Relying on a number of case studies, my research opened up new avenues for rethinking the notions of hybridity and identity in relation to the postcolonial community/nation.

Doctorat en Langues et lettres
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Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur
The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice

Using Benedict Anderson's "Imagined Communities" and Michael Billig's "Banal Nationalism", this paper searches for Canadian identity in five contemporary Canadian plays. The plays are from writers of different ages, genders, ethnicities and parts of Canada, and span approximately 25 years. The dramatic texts include David French's "Jitters", Kelly Rebar's "Bordertown Café", Joan MacLeod's "Amigo's Blue Guitar", Djanet Sears' "Harlem Duet" and Camyar Chai, Guillermo Verdecchia and Marcus Youssef's "The Adventures of Ali and Ali and the Axes of Evil". The paper determines, after much exploration of the plays' characters and their actions, that flexibility is the notion reinforced as the Canadian ideal. The multicultural, liberal, egalitarian nation of Canada imagines itself as able to shift or change whenever necessary. With respect to individual identities, group dynamics and inhabited spaces, this flexibility is requisite for Canadian citizens. The mimetic nature of theatre suggests it maintains an important role in the continual quest to discern the Canadian identity. In mirroring society, the theatre offers a clear indication of the perspectives which dominate the imaginations of Canadian playwrights and, therefore, their plays. The theatre and society will continue to reflect one another; in Canada, they will do so with flexibility.
Arts, Faculty of
Theatre and Film, Department of
Graduate

This study acknowledges that historical antipathies towards gay men have marginalised their theatrical representation in the past. However, over the last century a change has occurred in the social location of gay men in Canada (from being marginalised to being included). Given these changes, questions arise as to whether staged representations of gay men are still marginalised today. Given antipathies towards homosexuality and homophobia may contribute to the how theatres determine the riskiness of productions, my investigation sought a correlation between financial risk in theatrical production and the marginalisation of gay representations on stage. Furthermore, given that gay sex itself, and its representation on stage, have been theorised as loci of antipathies to gayness, I investigate the relationship between the visibility and overtness of gay sex in a given play and the production of that play’s proximity to the mainstream. The study located four plays from across the spectrum of production conditions (from high to low financial risk) in BC. Analysis of these four plays shows general trends, not only in the plays’ constructions but also in the material conditions of their productions that indicate that gay representations become more overt, visible and sexually explicit when less financial risk was at stake. Various factors are identified – including the development of the script, the producing theatre, venue, and promotion of the production – that shape gay representation. The analysis reveals that historical theatrical practices, that have had the effect of marginalizing the representations of gays in the past, are still in place. These practices appear more prevalent the higher the financial risk of the production.
The author would like to sincerely thank Ann Wilson, Ric Knowles, Matthew Hayday, Alan Shepard, Sky Gilbert, Daniel MacIvor, Michael Lewis MacLennan, Conrad Alexandrowicz, Chris Grignard, Edward Roy, Brad Fraser, Cole J. Alvis, Jonathan Seinan, David Oiye, Clinton Walker, Sean Cummings, Darrin Hagin, and Chris Galatchian.
SSHRC, The Heather McCallum Scholarship, Lambda Prize for achievement in lesbian, gay, bisexual and trans-gendered studies.

Peut-on qualifier la dramaturgie féminine contemporaine québécoise de féministe ? Ce mémoire répond par l’affirmative. Il montre que la dramaturgie féminine québécoise actuelle participe d’une nouvelle prise de parole féministe, plus complexe et plus diversifiée que celle des années 1970-1980, et qui tend notamment à conjuguer discours social et poétique de l’intime. Chaque jour de Fanny Britt (2011), L’Imposture d’Evelyne de la Chenelière (2009) et La Liste de Jennifer Tremblay (2008) proposent en effet des éléments novateurs quant à la représentation dramaturgique de la femme, tournant autour de trois imaginaires significatifs : l’imaginaire médiatique, l’imaginaire maternel et l’imaginaire du rapport hommes-femmes. En comparant les pièces entre elles ainsi qu’à quelques pièces charnières des décennies antérieures, il sera démontré que Chaque jour, L’Imposture et La Liste proposent de nouvelles représentations de la femme dans le paysage théâtral et social québécois. Enfin, ce mémoire vise à déterminer si la prise de parole féministe de ces pièces correspond au féminisme de la troisième vague.
Can contemporary Quebec feminine drama be considered feminist? This master’s dissertation answers in the affirmative. It demonstrates that the new women’s theatre is still feminist, but more complex and more diversified than in the 1970s and 80s, as it tends to blend the intimate and the social. The plays of Fanny Britt (Chaque jour, 2011), Evelyne de la Chenelière (L’Imposture, 2009), and Jennifer Tremblay (La Liste, 2008), offer innovative elements in their dramatic portrayal of women, as they focus on three themes: the media, motherhood and men-women relations. By comparing the plays with one another, as well as with important plays from past decades, it will be shown that Chaque jour, L’Imposture and La Liste renew the representation of women in Quebec theatre and society. Finally, this dissertation will address the links between this contemporary feminist theatre and the third wave feminist discourse.

Ce mémoire aborde trois oeuvres du théâtre québécois contemporain, Scotstown de Fabien Cloutier, Yukonstyle de Sarah Berthiaume et Félicité d’Olivier Choinière dans le but de les comparer. Cette comparaison doit alimenter une réflexion sur le concept de québécité, que le présent mémoire définit comme la mise en place d’un traitement de l’identité qui encourage le développement d’une certaine ambivalence identitaire. En stipulant que les discours identitaires sont empreints de ce que Gérard Bouchard appelle les mythes sociaux, ce mémoire analyse le corpus proposé pour en extraire les parts rationnelles de ces mythes, mais aussi les parts émotionnelles, qui agissent comme fondation de l’identité au même titre que la raison. Ce faisant, ce mémoire a pour ambition de déplacer une perception de la québécité ancrée dans une tradition historique et politique influencée par le nationalisme pour ramener ce concept vers une définition plus large, mais aussi plus polysémique pour interpréter l’histoire de la dramaturgie québécoise, qui entretient depuis la Révolution tranquille un rapport ironiquement ambivalent à l’égard des discours identitaires.
This memoir addresses three works of contemporary Quebec theatre, Fabien Cloutier’s Scotstown, Sarah Berthiaume’s Yukonstyle and Olivier Choinière’s Félicité, for the purpose of comparing them. This comparison must fuel a reflection on the concept of Quebec-ness, herein defined as the establishment of a treatment of identity promoting the development of an ambivalent identity. By providing that identity discourses are marked by what Gérard Bouchard calls “social myths”, this memoir analyses the proposed corpus with the intent of extracting the rational part of such myths along with their emotional parts, with both parts considered equally significant in the foundation identity. This memoir seeks to move away from common conceptions of Quebec-ness that are rooted in a political and historical tradition influenced by nationalism and proposes a more global definition of this concept, a definition that takes into account various meanings, allowing us to revisit the history of Quebec dramaturgy, as said dramaturgy ironically maintains an ambivalent position in regards to identity discourses since the Quiet Revolution.

This dissertation develops a theory for analyzing the role of audiences as aesthetic resources in contemporary site-specific performance and relational art. Collaborating with three Canadian companies as a participant-observer, interviewer, and in some cases, documenter, I develop case studies that track flexible stage-audience relationships in public spaces. By analyzing how companies Radix Theatre Society, Bluemouth, and Mammalian Diving Reflex put spectators to work in sites like IKEA showrooms, disused warehouses, and theatres, I advance a method that attends to the doubled practice of the spectator as worker and witness. This framework, which I term bifold spectatorship, articulates how audiences constitute theatrical worlds through direct physical engagement with the cultural criticism and formal experimentation that artists stage. Folded into the event, spectators literally compose the scene of the action, and enter into what I call critical proximity with the discourses that shape the performance. As participants interact with and directly query the artistic expressions that they patron, they answer a challenge to perform that is typically reserved for professionals. Such novel participation begins with a hail that interpellates audiences into the action as subjects and even sites of performance. Adapting the concept of the casting call, or what I coin site-casting, miscasting, and central casting, I show how spectators are aligned with the exigencies of the site; “mis-placed” or miscast by artists (provoking performance anxiety in participants); or cast to play a role they already perform in their everyday lives. In addition to these critical frameworks, I challenge the established narrative of “liberating the audience” by forwarding a multi-sited genealogy of site-specific performance that confronts the romance of freeing spectators from stage conventions. In examining the ethical problems that arise when audiences are made responsible for representation, The Stagehands of Subversive Spaces extends debates within site-specific performance to wider conversations in performance studies about ethics, subjectivity, and audience reception.

Le théâtre de Fabien Cloutier suscite abondamment le rire chez les spectateurs, mais ce rire est, très souvent, accompagné d'un sentiment de malaise qui investit la salle. Quel rôle joue le comique dans les pièces de Fabien Cloutier et quelle est la fonction du rire des spectateurs lors des représentations ? Ce mémoire postule que le rire, tel que provoqué par le théâtre de Fabien Cloutier, joue un rôle fondamentalement critique. À partir des dynamiques à la fois d’identification et de distanciation mises en œuvre par le théâtre de Fabien Cloutier, ce mémoire propose d’étudier la fonction critique du rire dans les pièces Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] et Pour réussir un poulet à la lumière de la théorie bergsonienne du rire, qui conçoit le rire comme un correctif social.
Fabien Cloutier’s plays spark copious laughter in spectators, but said laughter is often accompanied by a sense of discomfort which takes over the theatre. What part does the comic play in Fabien Cloutier’s work, and what is the function of audience members’ laughter during performances? This paper argues that laughter, as provoked by Fabien Cloutier’s theatre, serves a fundamentally critical purpose. Using the dynamics of both identification and distanciation at play in Fabien Cloutier’s theatre, this paper proposes that the critical function of laughter in plays Scotstown, Cranbourne, Billy [Les jours de hurlement] and Pour réussir un poulet be studied in light of the Bergsonian theory of laughter, which conceives of laughter as a social corrective.

La première partie du mémoire consiste en un court texte théâtral intitulé Procès-Verbal. Il met en scène un récit fragmentaire et explore les idées d’éclatement identitaire, de rupture de la mémoire et de mimétisme. Ces thèmes sont mis en relation avec des mécanismes de répétition, un traitement formel minimaliste et d’abondants silences, représentatifs de l’effacement identitaire des personnages. La seconde partie du mémoire, intitulée Filiation(s) rompue(s) : mémoire en pièces et tissus de parole, porte sur le traitement des thèmes de la mémoire et de l’héritage dans le roman Parents et amis sont invités à y assister d’Hervé Bouchard. L’analyse vise à mettre en lumière le lien entre la fragmentation textuelle et la rupture filiale, et s’attarde spécifiquement à la dislocation de la parole, qui témoigne d’une construction identitaire problématique.
The first part of this thesis consists of a short theatrical text entitled Procès-Verbal. It features a fragmentary story and explores the ideas of burst identity, broken memory and mimicry. These themes are related with mechanisms of repetition, minimalist formal treatment and abundant silences, representative of the faded identity of the characters. The second part of the thesis, entitled Filiation(s) rompue(s) : mémoire en pièces et tissus de parole, gets into the themes of memory and heritage in Hervé Bouchard’s novel Parents et amis sont invités à y assister. The analysis aims to highlight the link between textual fragmentation and disrupted legacy. It focuses specifically on the dislocation of speech, indication of a broken identity.

Ce mémoire aborde trois pièces du dramaturge québécois Olivier Choinière, Beauté intérieure (2003), Projet blanc (2011) et Manifeste de la Jeune-Fille (2017), dans le but d’en faire ressortir les possibilités d’émancipation spectatrice. Depuis ses tout débuts, Choinière tient un discours critique sur le spectateur de théâtre, et il cherche conséquemment à l’inclure et à l’impliquer dans ses créations. À la lumière des théories de la réception et surtout de celles de Jacques Rancière dans Le spectateur émancipé, ce mémoire a pour visée d’évaluer les possibilités émancipatrices de l’œuvre de Choinière en analysant les différents moyens qu’il utilise pour inclure le spectateur, tant sur le plan formel que sur le plan politique. Au cœur de la théorie de Rancière figure le paradoxe du spectateur, qui renvoie aux différents moyens utilisés par les dramaturges contemporains pour forcer l’activité spectatrice et qui, selon lui, nuisent à son émancipation. Ce mémoire analysera donc le travail de Choinière en portant une attention particulière à la possible reproduction de ce paradoxe dans le but d’établir un degré d’émancipation spectatrice probable dans les trois pièces choisies.
This master’s thesis addresses three works of the Quebec playwright Olivier Choinière, Beauté intérieure, Projet blanc and Manifeste de la Jeune-Fille with the aim of highlighting the possibilities of spectator emancipation. From his very beginnings, Choinière has held a critical discourse on the theater spectator, and he consequently seeks to include and involve him in his creations. In the light of the theories of reception and especially those of Jacques Rancière in Le spectateur émancipé, this master’s thesis aims to assess the emancipatory possibilities of Choinière's work by analyzing the different means he uses to include the spectator, both formally and politically. At the heart of Rancière's theory is the spectator paradox, which refers to the various means used by contemporary playwrights to force spectator activity and which, according to him, undermine his emancipation. This dissertation will therefore analyze Choinière's work, paying particular attention to the possible reproduction of this paradox in order to establish a degree of probable spectator emancipation in the three chosen pieces.

Ce mémoire postule que l’affirmation de soi, dans le théâtre de Fabien Cloutier, se fait au détriment de l’autre, voire contre l’autre. Je vérifierai cette hypothèse à travers l’analyse des pièces Scotstown, Billy (Les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne. Ce mémoire part de l’idée selon laquelle l’affirmation identitaire, aujourd’hui, va de pair avec les principes d’« écart » et de « différence », élaborés par François Jullien dans son essai Il n’y a pas d’identité culturelle. Dans les diverses théories, identité et altérité sont intrinsèquement liées. On va même jusqu’à opposer identité et altérité. Dans l’imaginaire collectif et dans l’univers dramaturgique de Fabien Cloutier, la notion d’altérité comporte une connotation fortement négative. Toutefois, ce qui fait la force des pièces de Cloutier, c’est qu’elles dépassent le constat que le soi est confronté à l’autre. Il s’opère plutôt en elles le passage du régime de la « différence » à celui de l’« écart ». Le régime de la « différence » implique un rapport de verticalité, ou autrement dit, de supériorité. Celui d’« écart » implique un rapport d’horizontalité, où les deux entités qui la composent sont prises pour ce qu’elles sont, pour ce qui les rassemble et les dissocie, sans que l’une serve de modèle ou de point de comparaison à l’autre. Pour repérer et analyser les manifestations de l’affirmation de soi et ses effets sur l’autre, telles qu’elles sont perceptibles dans les trois œuvres du corpus, je me pencherai plus particulièrement sur les modalités de l’énonciation et la nature du dialogisme comme les définit Hervé Guay. Je tenterai finalement de montrer comment Scotstown, Billy (les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne dénoncent la tendance à banaliser l’autre afin de mieux se valoriser et comment ces pièces tentent de changer la conception de l’altérité.
This memoir argues that self-affirmation in Fabien Cloutier’s theatre is made at the expense of or even against others. I will verify this theory through the analysis of the plays Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne. I will begin from the idea that nowadays, the affirmation of identity goes hand in hand with the principles of “gap” and “difference”, which were developed by François Jullien in his essay Il n’y a pas d’identité culturelle. In many theories, identity and alterity are intrinsically linked. They even go as far as to oppose identity and alterity. Within the collective imaginary and in Fabien Cloutier’s dramatic universe, the notion of alterity implies a strongly negative connotation. However, the strength of Cloutier’s plays lies in them going beyond the simple fact that the self is confronted to others. Instead, they undergo the transition from François Jullien’s “difference” system to the one of “gap”. The “difference” system implies a vertical relationship, or in other words one of superiority. The “gap” system implies a horizontal relationship, where the two entities that make it up are taken for what they are, for what links them together and what separates them, without one serving as a model or as a point of comparison to the other. To identify and analyse expressions of self-affirmation and their effects on others, as they are notable in the three works of the corpus, I will focus on the enunciation modalities and the nature of dialogism as Hervé Guay defines them. Finally, I will attempt to demonstrate how Scotstown, Billy (The Days of Howling) and Bonne retraite, Jocelyne denounce the tendency to depreciate others in order to better empower oneself, as well as how these plays attempt to change the notion of alterity.

Plusieurs études ont déjà relevé la place singulière qu’occupe le personnage dans la dramaturgie de Larry Tremblay. Les œuvres de cet auteur québécois regorgent effectivement d’individus tourmentés par l’environnement dans lequel ils évoluent. Durant les 20 dernières années, la thématique des médias a particulièrement été l’objet de l’attention de l’auteur. En créant des pièces ayant comme centre l’univers médiatique, Larry Tremblay entreprend de poser un regard critique sur cet aspect important touchant la société actuelle. Dans le cadre de ce mémoire, l’objectif est donc d’étudier plus spécifiquement les différents personnages du dramaturge lorsque ceux-ci sont placés dans des contextes où ils sont envahis par les médias. Il s’agira de montrer comment le dramaturge expose les effets néfastes du pouvoir des médias en abordant la question du regard, de la banalité, du vide, du narcissisme ainsi que de la désillusion marquant l’époque contemporaine. L’analyse des œuvres Ogre (1995), Téléroman (1997) et Grande écoute (2015) permettra de montrer que c’est par l’intermédiaire de personnages dont l’identité se morcelle et se transforme, que Larry Tremblay expose les conséquences les plus importantes qu’entraine la société médiatique sur l’individu. L’objet de ce mémoire est de saisir l’évolution de la pensée de l’auteur à l’égard des médias et de comprendre comment ses personnages ont évolué au fil du temps parallèlement au domaine médiatique.
Many studies have already examined the singular place occupied by the character in Larry Tremblay’s dramaturgy. This Quebec author’s works are filled with many individuals who are deeply affected by the environment they live in. For the past 20 years, the playwright’s particular interest in the theme of media has been observed. By creating plays in which the media are at the forefront, Larry Tremblay takes a critical look at an important aspect of current society. In the context of this thesis, the objective is therefore to study more specifically Tremblay’s characters who are in environments pervaded by the media. In order to show how the author exposes the negative impacts of the power of the media, we will address the question of the gaze, the banality, the void, the narcissism, as well as that of the disillusion that touches our time. The analysis of Ogre (1995), Téléroman (1997) and Grande écoute (2015) will demonstrate that it is through characters whose identity is crumbling and changing that Larry Tremblay denounces the most disastrous consequences stemming from the media for individuals. The purpose of this thesis is to grasp the evolution of the author’s thought regarding media and to understand how his characters have evolved over time alongside the media.

Ce mémoire de recherche-création composé de deux parties s’intéresse à l’usage du récit dans la dramaturgie québécoise contemporaine, plus particulièrement à la réactualisation du procédé de la teichoscopie en tant que « vision à travers le mur » et à sa relation avec les images. Prenant comme point de départ un évènement réel, la pièce Nuage de cendres raconte, sur le ton de l’ironie tragique, l’éruption du volcan islandais Eyjafjallajökull en 2010 vécue à distance par un volcanologue islandais et une Québécoise en fuite. Envisageant la teichoscopie à la fois comme procédé de montage et opération de conversion du « dire » en « voir », la pièce explore les questions du deuil, du silence, de la cendre et de la fascination pour les images. La deuxième partie est un essai intitulé Voir à travers les murs : la teichoscopie dans Yukonstyle de Sarah Berthiaume. Pour comprendre la circulation à relais de la faculté d’omniscience chez les personnages qui font le récit de leurs « visions à travers le mur », l’étude propose le concept de personnage-voyant. En étudiant la reprise de la figure amérindienne primordiale du corbeau, elle croise les concepts d’« espassetemps » (Dominique Legros), d’anachronisme et de survivance (Georges Didi-Huberman) afin d’analyser la construction, par la teichoscopie, d’un territoire qui résiste aux délimitations. La « vision à travers le mur » marque ainsi le franchissement de toutes les frontières : celles du temps, des lieux, des êtres. L’essai s’attache enfin à montrer que, contrairement à la tendance générale de la dramaturgie québécoise contemporaine où le récit exprime le repli sur soi et l’incommunicabilité entre les personnages, la teichoscopie rend possibles, dans Yukonstyle, une ouverture à l’autre et une transmission.
Composed of a play and an essay, this M.A. thesis examines the use of narration in contemporary theatre in Quebec. It focuses specifically on the renewal of the device known as teichoscopia, considered as “vision through the wall”, and its relationship with images. The play, Nuage de cendres, begins with a true event: it relates, with a tone of tragic irony, the eruption of the Icelandic volcano Eyjafjallajökull in 2010, experienced remotely by an Icelandic volcanologist and a young woman escaping from her life in Quebec. Considering teichoscopia both as an editing process and a means of converting words into vision, the play explores the issues of loss, silence, ashes and fascination for images. The second part of the thesis consists of an essay titled Voir à travers les murs : la teichoscopie dans Yukonstyle de Sarah Berthiaume. In order to analyze the relay of omniscient ability between the characters who narrate what they see through the wall, the essay proposes the concept of the character-seer. It studies how the play integrates the Native American figure of the crow, and how the concepts of “everywhen” (Dominique Legros), anachronism and survival (Georges Didi-Huberman) intersect. Teichoscopia thus builds a territory that resists delimitation: the “vision through the wall” marks the crossing not only of spatial and temporal boundaries, but those between beings as well. Finally, this essay shows how, in Yukonstyle, contrary to other contemporary plays that often use narration to express withdrawal into oneself and lack of communication, teichoscopia makes possible true openness and transmission.

Mémoire en recherche-création
Le présent mémoire propose d’interroger la construction du récit médiatique dans la fable théâtrale contemporaine. D’abord par une fiction au dispositif épuré, mais au verbe cru et humoristique, la pièce de théâtre Transactions, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge Gueule d’Étienne Lepage, nous désirons explorer les liens qui unissent le comique et la violence du langage, notamment par des affinités avec le mouvement britannique In-Yer-Face (Sarah Kane) et tels que mis de l’avant par un « personnage-réseau » porteur de discours, en écho à l’« impersonnage » de Jean-Pierre Sarrazac. En ce sens, nous avons convoqué les notions de dialogisme (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay), d’esthétique de la divergence (Hervé Guay), de polyphonie (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay) et de la mise à mal d’un conflit afin d’expliquer le renouvellement d’une esthétique dramaturgique tout à fait contemporaine, se rapportant à la Toile et dont le spectateur émancipé (Jacques Rancière) devient un actant principal par l’intermédiaire duquel le théâtre prend tout son sens.
This thesis aims to question the construction of the media narrative in the contemporary theatrical fable. First, by analyzing the play Transactions and its sober scenography, yet raw and humorous words, and subsequently examining Étienne Lepage’s Rouge Gueule, we will explore the links between the humor and violence of language. This includes the affinity with the British movement In-Yer-Face (Sarah Kane) as put forward by a "network-character" speech bearer in response to Jean-Pierre Sarrazac’s "non-character". Thus, this paper will study concepts including heteromorph (Hervé Guay) dialogism (Bakhtin), aesthetics of the divergence (Hervé Guay), heteromorph (Hervé Guay) polyphony (Bakhtine) and the redefinition of conflict in order to explain the replenishment of an aesthetic dramaturgy that is quite contemporary, relevant to the Web and in which the emancipated audience (Jacques Rancière) becomes a main actor through which the play takes on its full meaning.

Alice au pays des merveilles et Nietzsche n'ont en commun ni la dentelle ni la chanson. Quelque chose de beaucoup plus fort les unit toutefois; nous le découvrirons peut-être ce jour où voleront les cochons. Ou à la fin de cette pièce, selon le bon vouloir des principaux-ales intéressé-e-s. Pendant ce temps, du fin fond de leur enclos, ils et elles n'en peuvent plus d'attendre. Leur salut ? L'heure du glas ? Leur heure de gloire ? Grands incapables, pugilistes décadents qui se tuent à ne pas se tuer, se déchaînent dans le verbiage, s'érigeant malgré eux contre toute forme de verve. Combattre cet Autre qui s'immisce insidieusement en soi et qui conduit à la perte du moi. C'est dans une folle lucidité que les égos se dérangent sans échanger, s'attaquent sans s'atteindre, hurlent sans être entendus, dans l'espoir, peut-être, de se réveiller in the land of Nod. Comme l’indique le titre, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) met en scène une suite de chroniques dans lesquelles les principaux-ales intéressé-e-s témoignent de leur mal-être, et ce, à travers l’exploration de lieux communs. La dramaturgie tente, entre autres, de mettre en place une poésie de l’invective et de l’humour; une esthétique du trash-talking et de la logorrhée. Une importance particulière est accordée au rythme et au langage. L’atmosphère alterne résolument lourdeur et ludisme. La pièce Rouge Gueule, d'Étienne Lepage, présente une mécanique visant manifestement à « attaquer » l'Autre, qu’il s’agisse d’un personnage ou du lecteur-spectateur. Les attaques se perpètrent d'une part par un humour cru, influencé par la culture populaire, le trivial; un humour qui fonctionne de manière plutôt classique en convoquant des procédés aisément repérables et sans cesse réutilisés par l'auteur. D’autre part, la mécanique de « combat » se manifeste par l'invective, ainsi que par une violence caractérisée, du début à la fin, par un manque dans la motivation des actions. Ainsi, l’étude Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence s’intéresse à Rouge Gueule, aux relations qu'entretiennent l’humour et l'univers brutal de la pièce, dans la perspective où l’humour est inextricablement lié à la violence. Une attention particulière est portée sur le personnage type de Lepage de même que sur l’esthétique de « l'arsenal » trash. Cette dernière est analysée afin de mieux circonscrire les attaques : sont-elles des moyens, et le cas échéant, pour parvenir à quelle fin puisque la fable, et donc la « quête », dans le théâtre contemporain est souvent remise en question. Cette étude verra comment les attaques « à vide », sont, chez Lepage, la force motrice de ce que Hans-Thies Lehmann nomme la « situation théâtrale ».
Alice in wonderland and Nietzsche have in common neither the lace nor the song. However, something much stronger unites them; we shall discover it maybe this day when pigs will fly, or at the end of this play, according to the goodwill of the characters within. Meanwhile, by the very depths of their enclosure, they can’t wait anymore. For what ? Their salute ? The hour of the knell? Their hour of glory? Tremendous incapables, decadent pugilists who kill themselves trying not to kill themselves, who burst out in verbosity, setting themselves up in spite of themselves against eloquence. Fighting this Other who interferes insidiously in itself and who drives to the loss of the me. It is in a crazy lucidity that egos disturb each other without exchanging, attack without reaching, roar without being heard, in the hope, maybe, of waking up in the land of Nod. As indicated in the title, Chroniques de maux (de l’extrême ordinaire) stages a series of chronicles among which the characters are testifying their ill-being. The language and the situation of utterance of this play without acts, falls within resolutely "poetic-trash" esthetics, and the atmosphere aims to alternate heaviness with playfulness. Rouge Gueule, by Étienne Lepage, presents a structure aiming obviously at "attacking" the Other, whether it is about a character or about a reader-spectator. Attacks commited on the one hand by raw humor, influenced by the popular culture, the trivial; a humor which works in a rather classic way by using processes easily identifiable and ceaselessly reused by the author. On the other hand, the structural design of "fight" shows itself by the invective, as well as by the violence characterized, from the beginning to the end, by a lack in the motivation of the actions. So, this study, Attaques à vide. Bousculer la situation théâtrale au confluent de l’humour et la violence, looks into Rouge Gueule, by being interested in the relations that maintain the humor and the brutal universe of the play, in the perspective where the humor is inextricably connected to the violence. A particular attention is dedicated to the typical character of Lepage as well as the esthetics of the trash "arsenal". The latter is analyzed to better circumscribe the attacks: are they the means, and, if so, to what end considering that the fable, and thus the "quest", in contemporary theater is often questioned. This study will see how, in Lepage’s play, the "vacant" attacks are the driving strength of what Hans-Thies Lehmann appoints the "theatrical situation".

Par la nature double de sa réflexion, le présent mémoire propose d'interroger, au théâtre contemporain, la violence dans le langage comme modalité de négociation avec le réel. D'abord par une fiction au dispositif épuré et à la langue poétique, la pièce de théâtre Caille-moi, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge gueule d'Étienne Lepage, nous désirons mettre en lumière un langage désubjectivé (Gilles Deleuze et Félix Guattari, Pierre Ouellet) au cœur duquel la présence de l'altérité remplace une certaine aliénation. Inscrivant notre démarche à la croisée des études littéraires et théâtrales, à la suite des travaux de Marion Chénetier-Alev sur l'oralité au théâtre, nous exposons à la fois la violence faite au dispositif théâtral et aux lecteurs-spectateurs dans l'espace du théâtre rendu possible par la violence du langage. Notre réflexion se pose également dans une visée plus large, interrogeant l'inscription du théâtre in-yer-face britannique (Sarah Kane) et de ses répercussions dans le théâtre québécois contemporain, en soulignant la connaissance de la dramaturgie québécoise dont fait preuve la pièce. En ce sens, le langage inventé par le jeune dramaturge offre le contrepoint à un certain cynisme contemporain et impose un langage riche et conscient de son histoire.
Through a twofold approach, the current M.A. thesis suggests an investigation of violent language in contemporary theatre as a means of coping with reality. By proposing first the play Caille-moi and its sober scenography and subsequently an essay on Étienne Lepage’s Rouge gueule, this thesis aim to draw attention to a desubjectified language (Gilles Deleuze and Félix Guattari, Pierre Ouellet) in which alterity replaces an undeniable alienation. At the cross road of Literature and Theatre Studies and following Marion Chénetier-Alev’s work on the oral nature of theatre, the present study wants to address violence as both a theatrical apparatus and as directed towards the readers-viewers in the space of the theatre by use of language. The reflection on the subject also expands to investigate the British In-yer-face Theatre (Sarah Kane) and its ramifications on Quebec’s contemporary theatre by demonstrating its broad knowledge as proven by the play. Consequently, the young playwright’s invented language offers a counterpoint to contemporary cynicism and imposes a rich language conscious of its history.