Dissertations / Theses on the topic 'Corneille, Pierre, 1606-1684. Menteur'

Par le biais d’une analyse du discours des personnages excentriques que nous retrouvons dans deux comédies et dans un roman comique français des décennies 1630-1640, Les Visionnaires (1637) de Jean Desmarets de Saint-Sorlin, Le Menteur (1643) de Pierre Corneille et Polyandre (1648) de Charles Sorel, nous nous intéressons aux liens qu’entretiennent illusion et folie au milieu du XVIIe siècle. Nous examinons plus précisément les procédés discursifs et rhétoriques caractéristiques du discours des personnages de fous comiques de cette période, afin de dégager des tendances révélatrices de la pensée d’une période de transition marquée par les questions de l’illusion et des apparences, mais aussi par celles de la raison, de la vraisemblance et de la juste mesure. Nous adoptons ainsi, en parallèle, une approche anthropologique de la littérature nous permettant d’envisager la parole de l’extravagant à partir des rapports étroits qui liaient les différents savoirs à cette époque.

Nous présentons l'édition complète de la quarantaine de textes, imprimés ou manuscrits, de la querelle du Cid (1637-1638). C'est un moment clé pour l'établissement des règles théâtrales, qui voit l'affrontement des irréguliers (Durval), qui défendent la libre disposition de l'intrigue, et des réguliers (Chapelain), qui l'emportent au nom de la vraisemblance dans le choix du sujet ("inventio"). L'opposition de Mairet et de Scudéry à Corneille est à l'origine de la polémique. Ses partisans (Balzac) mettent en avant la légitimation d'une pièce par le succès public et le plaisir, alors que ses adversaires l'accusent d'avoir simplement traduit un auteur espagnol et de prétendre devenir le tyran de la république des Lettres. Les stratégies d'écrivains sont en jeu et pour la première fois l'Académie française, protégée par Richelieu, rend un jugement officiel. Les échanges de libelles sont l'occasion d'exercer un examen personnel des oeuvres littéraires : de la censure des doctes émerge une critique plus mondaine. Une présentation générale explique le déroulement et les caractéristiques de cette polémique, les problèmes soulevés à l'époque et les enjeux modernes. Chaque libelle,amplement annoté, est précédé d'une notice qui traite de l'attribution et de l'intérêt du texte et qui recense les différentes éditions anciennes et modernes<br>We present the complete edition of the texts of the quarrel of 'The Cid' (1637-1638), about forty texts,printed or manuscript. It is a defining moment for the establishment of the theatrical rules, when the regulars (Durval), who fight for the free disposition of the plot, face the regulars, who win the argument in the name of the verisimilitude in the choice of the story ("inventio"). .

La représentation en 1650 de l'Andromède de Pierre Corneille, tragédie mythologique, en machines et en musique, est une des manifestations les plus achevées de l'art théâtral du siècle. L'etude s'attache à décrire les décors et les machines de Torelli, à expliquer leur fabrication, et à reconsiderer d'après cela le jeu des genres et des règles, et la nature de l'illusion théâtrale<br>The representation in 1650 of Pierre Corneille's Andromede, a mythological tragedy, with machines and music, is one of the achievements of the stage craft of that century. The work describes the decors and machines by Torelli, explains how they were made, and then reconsiders the policy of genres and rules, and the nature of theatrical illusion

L'œuvre de Pierre Corneille, de Mélite (1629) à Suréna (1674) traverse tout le 17e siècle. Profondément inscrite dans la réalité concrète du théâtre, cette œuvre révèle l'aspect fondamental et polymorphe que revêt la question du temps au théâtre. D'une part, il s'agit d'une question qui est à la base de la réflexion des théoriciens de la régularité au 17e siècle ; d'autre part, c'est une source de questionnement constante pour le dramaturge qui doit construire ses pièces en fonction des contraintes techniques de la représentation et de la capacité d'attention du spectateur ; enfin, le temps, et les images qui y sont associées, sont ce qui permet au spectateur de construire pendant la représentation théâtrale un univers parallèle au sien, fictif, et néanmoins acceptable. La question du temps offre ainsi l'avantage de permettre une interrogation sur la technique particulière de Corneille, sur la pratique du théâtre à un moment particulier de son histoire, et sur la façon dont une société construit des représentations d'elle-même

La thèse intitulée "la Rome de Corneille : mythes et réalités", est une étude de la vision de la grandeur romaine dans les oeuvres romaines de Corneille, en même temps que l'envers de la médaille. Rome, symbole de puissance, de durée, constitue une éthique, et entre autres choses, un langage particulier. Chapitre premier, "Rome du temps des rois: (Horace, 1640)" permet de définir un prototype du héros romain, grâce aux oppositions. Montrant déjà l'ambivalence de l'attitude de Corneille. Chapitre deux (Cinna, 1642, Pompée, 1642-3, et Sertorius, 1662), brosse un tableau de Rome d'abord déchirée et ensuite réunifiée, les romains étant plus humains mais accédant parfois au sublime. Chapitre trois traitant de la Rome païenne face au christianisme militant, (Polyeucte, 1642-3, et Théodore, 1645) montre les romains somme toute sous un jour défavorable. Chapitre quatre, "la Byzance de Corneille" (Heraclius, 1647 et Pulcherie, 1672), présente quelques vestiges des gloires romaines, malgré les étrangetés. Quand Rome est confrontée par les nationalistes asiatiques et africains (Nicomède, 1651, et Sophonisbe, 1663), les vertus romaines perdent davantage de leur lustre. Les problèmes de succession et de mariages dynastiques (Othon, 1664 et Tite et Bérénice, 1670), chapitre six, représentent encore un palier dans la chute des romains. Enfin l'éclipse est aggravée par l'étalage des faiblesses des non héros (Attila, 1668 et Surena, 1674). Ainsi l'enthousiasme pour Rome va déclinant au cours de la carrière de Corneille, partiellement en réaction à la politique contemporaine. Quelquefois les non romains sont aussi prestigieux que les romains. Mais le Corneille romain est en général supérieur au Corneille non romain. Enfin Corneille ajoute aux mythes déjà existants par sa dramaturgie supérieure<br>The thesis entitled "Corneille's Rome : myths and realities", is a study of the vision of roman grandeur in the roman tragedies of Corneille, as well as the other side of the coin. Rome symbolizes power and durability, it constitutes a code of behavior and is also a language, among other things. Chapter one, "Rome under the kings: (Horace, 1640)" enables us to define the prototype of the roman hero, thanks to confrontations showing already Corneille'e ambivalent attitude. Chapter two (Cinna, 1642, Pompee, 1642-3, et Sertorius, 1662), paints a picture of Rome at first torn between factions and then reunited. The romains are more human but they do accede to the sublime. Chapter three dealing with pagan Rome confronting militant christianity (Polyeucte, 1642-3, and Theodore, 1645) shows the romans on the whole in an unfavorable light. Chapter four, Corneille's byzantium (Heraclius, 1647 and Pulcherie, 1672), presents some vestiges of roman glory, despite strangeness. When Rome has to face asiatic and african nationalists (Nicomede, 1651, and Sophonisbe, 1663), the roman virtues lose more of their lustre. Problems of succession and of dynastic marriages (Othon, 1664 and Tite et Berenice, 1970). Chapter six represents one more threshold in the decline of the romans. Finally the eclipse is worsened by the exposure of weaknesses of non heroes (Attila, 1668) et Surena, 1674). Thus enthusiasm for Rome continues to decline throughout Corneille’s career, partially in reaction to the contemporary political scene. Sometimes the non-romans are as prestigious as the romans. But roman Corneille is superior to non-roman Corneille. Finally, Corneille adds to the myths already

Le but de notre présent travail relève principalement d'une préoccupation poïétique et phonostylistique. Il vise d'abord, dans le cadre d'une analyse euphonique, l'observation d'un certain nombre de phénomènes, particulièrement inconscients, et le mode de leur émergence dans le langage du poète recherche. Intervient ensuite leur confrontation à d'autres valeurs entre autres sémantiques. Plus précisément, il s'agit de savoir d'abord si corneille, tout en rédigeant les stances du cid, se laisse guider inconsciemment par un souci d'équilibre, ou tenter de le rétablir à travers les substitutions diverses; il est question de vérifier ensuite, si le développement de l'euphonie ou son mouvement pouvait paraitre significatif par rapport au sens des textes étudiés, structuralement, nous répondons a ces deux questions: y-a-t-il interactivité sensible entre l'euphonie et la rythmique d'une part, et l'euphonie et la métrique de l'autre ? y-a-t-il compatibilité tangible entre un enjambement poétique et un autre euphonique ? Parmi nos 3 parties essentielles dans l'étude, seule, la première est consacrée a une approche théorique, corrélative; dans les deux autres, approfondies, il est question d'aborder la structure de l'euphonie selon ses deux axes aussi bien horizontal que vertical<br>In the present research, there is a talk of study, mainly, some phenomenon "poietic" and "phonostylistic" in this play theatrical. Intervenes afterwards their confrontation with other values, among other things, semantic. In other words, we wish to answer the following questions: can we find a specific equilibrium structural in each one of the elaborated texts, those of Rodrigue and Chimene; then, there is a talk of verify if the development of the euphony or his movement can be significant in comparison with the meaning of the different lyrical monologues in question; is there a sensitive compatibility between a poetic relation and another, euphonic ? Is there a tangible interactivity between the euphony and the rhythmic on the one hand, and the euphony and the metric on the other hand ?

Ce mémoire est consacré à l'étude du ± caractère ¿ du personnage éponyme de la première tragédie de Pierre Corneille, Médée, créée en 1635. L'analyse montre comment et combien Médée revêt, au fil de l'intrigue, certains traits qui deviendront des caractéristiques de l'héroïsme cornélien - notamment la volonté et le souci de dépassement de soi. Le texte est abordé sous les angles de la magie et de la monstruosité, deux motifs couramment associés à la figure de Médée : la perspective rhétorique permet de recenser leurs manifestations et de circonscrire leur fonction. La comparaison de cette pièce avec d'autres tragédies du même auteur permet d'établir la singularité et l'ambiguïté de Médée comme son importance et son incidence dans le développement de la vision héroïque cornélienne.

Le propos sentencieux est une des formes privilégiées de l'écriture tragique au XVIIe siècle. Par son importance et par sa chronologie (1630-1674), l'œuvre de Corneille peut être considérée comme représentative : son étude permet de mettre en évidence comment la tragédie au XVIIe siècle assume la modernité qu'elle revendique en rompant avec la visée didactique que la tradition assignait au genre tragique. Nous avons choisi 1660 comme terme chronologique de l'étude : c'est le moment où Corneille livre ses réflexions sur l'utilisation dramatique de la sentence dans ses discours et examens. La question de la sentence croise des questions qui concernent les règles de la composition d'une pièce : primauté de l'action, souci d'instruire tout en cherchant à plaire, théorie des genres et des styles. En outre l'étude montre comment la morale proposée dans les sentences et les maximes se conforme aux critères de bienséance et de vraisemblance, notions qui, comme la théorie des mœurs, sont fondamentales pour la poétique de l'époque de Corneille. La contamination, la concentration du sujet, la création des épisodes amènent à concevoir la sentence comme un approfondissement moral (ou politique) destiné moins à instruire qu'à orner ou à lier vraisemblablement les parties de l'intrigue qui se mêlent à l'action principale. Ainsi les sentences de Corneille servent moins à exprimer des lois universelles que les sentiments et raisonnements propres à chacun des personnages. La morale des sentences vise de moins en moins à instruire le public et sert surtout à construire la fiction.

En étudiant Corneille on peut observer un phénomène de rupture dans la première période de sa carrière théâtrale (1629-1652) : rupture entre le baroque et le classicisme d'abord, rupture entre les comédies et les tragédies ensuite. Pour étudier ces transformations d’esthétique et de genre du théâtre de Corneille, nous nous intéressons aux deux marqueurs « pertinents » que sont le couple lexical folie-déraison et le champ conceptuel correspondant. En effet la folie entretient des liens forts avec la comédie et le baroque tandis que la déraison entretient des liens avec la tragédie et le classicisme. L'étude lexicale, onomasiologique et sémasiologique, que nous faisons de la folie et de la déraison porte dans un premier temps sur une structuration en langue et dans un deuxième temps sur une structuration en contexte d’un corpus de quatre pièces charnières de l'œuvre de Corneille : Mélite, Clitandre, Le Cid, et Horace. Il s’agit d’un point de vue à la fois synchronique sur les pièces prises séparément et d'un point de vue diachronique sur ces mêmes pièces prises comme un ensemble. Notre recherche est lexicologique et se veut une contribution sur les points suivants : utilisation de l’analyse lexicale pour la construction d’un système sémantique en langue applicable en contexte à l’analyse littéraire des textes, analyse systématique des définitions de dictionnaires pour la construction du système sémantique en langue, construction en langue d’un champ lexico-sémantique invariant opérant sur plusieurs périodes, comparaison en contexte de champs lexico-sémantiques se rapportant à différentes pièces d’un même auteur<br>When studying Corneille, a rupture can be observed in the first period of his theatrical career (1629-1652); a rupture firstly between the baroque and the classical, then between the comedies and the tragedies. In order to study these aesthetic and generic changes in Corneille's theatre, two relevant 'markers' will be explored: the lexical pair of madness and insanity and the corresponding conceptual areas. Indeed, madness has strong affinities with comedy and the baroque whilst insanity is strongly associated with tragedy and classicism. The lexicaological study, both onomasiologic and semasiologic, of madness and insanity will be carried out firstly on a linguistic basis and secondly on a contextual one through a body of four key texts from Corneille's work: Mélite, Clitandre, Le Cid and Horace. A synchronous approach will be used to look at each play separately and a diachronous approach to study them holistically. The research will be lexical and will be seen to contribute to the following: — the use of a lexical analysis for the construction of a linguistic semantic system applicable in context to the literary analysis of texts, — the systematic analysis of dictionary definitions for the construction of a linguistic semantic system, — the linguistic construction of an unvarying lexico-semantic field operating over several periods, — the in-context comparison of lexico-semantic fields relating to several plays by the same author

En tant que dramaturge, Pierre Corneille excelle en activités argumentatives comme raisonnement et débat. Son théâtre est un lieu de confrontation des personnages qui raisonnent et débattent pour persuader les uns les autres ; ainsi est-elle avancée l’intrigue et aussi est-elle renforcée sa cohérence. On comprend que Corneille sait bien intégrer les activités argumentatives dans la facture du théâtre. Par ailleurs, il est un théoricien dramatique. Son texte théorique est constitué d’une suite de raisonnements pour justifier sa pratique théâtrale, s’appuyer sur l’autorité de son public et s’opposer aux théoriciens. Il n’hésite pas, si nécessaire, à réfuter sa propre affirmation d’autrefois en vue de construire une théorie cohérente en 1660, illustrée par les trois discours et les Examens. De là vient qu’il est efficace de tenir compte de la dimension argumentative du théâtre et de la théorie chez le dramaturge afin d’apprécier l’essentiel de sa dramaturgie ; c’est l’objectif de notre étude<br>As one of the greatest playwrights of 17th century France, Pierre Corneille is distinguished for the argumentative activities like reasoning and debate. In his theatre we find the confrontation of the characters that reason and discuss to persuade the ones the others. Thus the action is evolved without disturbing in coherence. Corneille is capable of integrating the argumentative activities in the structure of his theatre. Moreover, he is a dramatic theorist. His theoretical text consists of a succession of reasoning to justify his theatre based on the authority of the public against the critics. Corneille doesn’t hesitate, if necessary, to refute his former theoretical assertion in order to reinforce the coherence of his theory. Therefore, his dramaturgy will become clear only when we take into the consideration the argumentative dimension of his theatre and his theory. It is the chief purpose of our thesis

Qu'il s'agisse des figures mythologiques, historiques ou religieuses, les meres dans le theatre de corneille et de racine sont toujours des femmes prises dans un syteme de relations binaires qui les opposent a leurs maris et a leurs enfants. Reduites au prive et exclues du domaine public reserve au monde masculin, tous les discours a leurs propos, en texte ou en image, les associent tres tot a deux fonctions essentielles : celle d'epouse et de mere de famille. De ce fait, conformement a la tradition antique ou elle prend ses sources, la tragedie racinienne aussi bien que la tragedie cornelienne, inscrit toujours ses personnages maternels dans deux archetypes maternels universels : la bonne mere, la mere bienveillante - la mere douloureuse - ou la mauvaise mere, la mere terrible - la mere monstrueuse. Corneille et racine placent ainsi leurs personnages maternels au centre d'une question chere au grand siecle, celle du naturel. La presence maternelle permet la creation d'une tragedie edifiante qui ratifie les bonnes actions et qui en desavoue les mauvaises<br>Wheter one is dealing with mythological, historical or religious characters. At corneille and racine's theater mothers are always women inserted in a dual relationships system that objects them to their husbands and children. As they have been reduced to a private life and rejected by public domain, which is exclusive for men, every speech as far as they are concerned, either as a text or in image, links them, since very early, to two main tasks : wife and family mother. Thus, according to ancientry tradition where it is based on, both racine and corneille's tragedy inserts always its maternal characters in two universal maternal archetypes : the good mother - painful mother - and the bad mother, awful mother - monstrous mother. Racine and corneille place their maternal characters in a main subject field at great century eyes : the subject of nature. Therefore, maternal presence allows the creation of an edifying tragedy which rewards good actions and concerns bad ones

La présente étude interroge les opérations de la tension criminelle dans le théâtre de Pierre Corneille dans un double mouvement : celui de la construction de l’ethos des grands personnages criminels et celui de l’effet de leur spectacularisation sur la scène – le second dépendant du premier – à partir de l’analyse de l’esthétique de l’admiration telle que la pratique le dramaturge. Elle montre comment s’opère et opère le travail d’ « admirabilisation » de ces personnages, qui permet un jeu particulièrement réfléchi sur la dialectique de l’être et du paraître et sur les pouvoirs de la spectacularité, notamment à travers les personnages féminins, qu’elle propose de considérer comme un reflet de la puissance du genre théâtral lui-même. Elle pose également plus généralement la question de l’agence, qui repose sur la tension entre activité et passivité, entre action et passion. Ultimement, l’admirable criminel, à l’image de tout sujet cornélien, apparaît librement déterminé par la plus grande de ses passions : la passion de soi, autre nom de sa gloire. La spectacularisation de l’admirable criminel repose alors sur une dramatisation du soi, qui se révèle et s’offre en spectacle au reste du monde pour faire coïncider son ethos projectif et son ethos effectif, dans un mouvement souvent marqué par une tension vers la mort, qui permet d’imprimer définitivement sa gloire sur la scène<br>The present study questions the use and operation of criminality in Pierre Corneille’s plays, in a double aspect : through the elaboration of the ethos of great criminal characters and through the effects of their spectacularization upon the stage – the latter depending on the former – based on an analysis of the aesthetics of admiration [wonder] that the playwright produces. It tends to show how operates and is operated the « wonderization » of such characters, which allows an exceptionally reflexive dialectical tension between essences and appearances and a reflection of the power of spectacularity, especially through feminine characters, which are here considered as mirroring images of the power of theatrical art itself. It interrogates more generally the question of agency, and its functioning interactions between activity and passivity, between action and passion. Eventually, the amazing criminals, not unlike any cornelian subject, appears to be freely defined by their greatest passion of all : self-passion, which can serve as an alternative name for their « gloire ». Their spectacularization thus revolves around a dramatization of the self, unveiling and offering it to the eyes of the rest of the world, in an attempt to make the projective ethos coincide with the effective ethos. Such dynamics are often characterized by fatal leanings, death being the ultimate expression of their gloire upon the stage

Premiere partie : a) situation : le temps et les thèmes avant Pertharite. (Histoire de France et évolution de Corneille d'Andromède à Nicomède). B) sources littéraires, sources historiques. Le problème des influences : Shakespeare, Scudéry, la fronde, la guerre civile anglaise vue du continent. Conséquences des deux dernières sur les rôles, vus a mi-chemin entre réalité et fiction (voir notre étude). Leur responsabilité dans l'échec. Deuxième partie : étude du mécanisme théâtral de Pertharite dans ses grandeurs et ses limites. (pièce subordonnée à l'expression d'un message loyaliste et conciliant). Troisième partie : fortune critique, bibliographie. Edition critique de Pertharite, texte établi sur les premières éditions, avec en note les variantes ultérieures<br>First part: a) time and themes before Pertharite from Andromede to Nicomède. B) litteraries and historical influences, (Shakespeare, Scudery, the French fronde, the English civil war. Their consequences on the meaning of the characters - see our analysis). Second part: a study of the play, analysis scene after scene, of a theatrical mechanism used in order to call forth and to conciliate two political problems, that is to say usurpation and sacred origin of the real power. Third part: a critical edition of Pertharite based on the first editions, including the corrections made by the author

Contre une conception essentialiste du point de vue du genre, et irénique, de la galanterie, cette étude appréhende cette dernière en termes d’histoire de la sexualité pour mettre en évidence la mise en place d’une micropolitique galante dès le premier XVIIe siècle. Elle se concentre sur les premières comédies de Corneille, dont le succès fait fond sur l’essor d’une nouvelle culture amoureuse, la galanterie. La première partie problématise le succès du discours galant, qui, produit par la sphère des belles lettres, peut toujours tourner à la simple politesse, mais ne s’en impose pas moins dans le contexte de la mixité d’ancien régime. La comédie cornélienne constitue ainsi une technologie galante où s’élabore, et d’où se diffuse, le discours galant qui, en régulant le commerce amoureux, légitime le mariage d’amour. La deuxième partie appréhende le conflit dramatique autour duquel s’organise l’intrigue galante en termes de constructionnisme social pour définir les contours de l’érotique galante. Dispositif « hétérotopique », la galanterie commande des processus de subjectivation tels que l’amour hétérosexuel cède désormais le pas à l’amitié homosociale, naturalisant du même coup le lien entre sexe et investissement affectif – ce complexe bientôt appelé « sexualité ». La galanterie s’inscrit ainsi dans la généalogie de la matrice hétérosexuelle. La troisième partie aborde la dramaturgie tragique de Corneille et montre comment la tragédie classique, en réponse à la tendance du discours galant à fonctionner à titre d’art de plaire autant qu’à titre d’art d’aimer, a inventé un discours amoureux adapté à l’individualisme moderne : non plus l’amour comme « passion de l’âme », mais, tout simplement, « la passion »<br>As opposed to an irenic conception of gallantry that also relies on an essentialist definition of gender, this study addresses gallantry in terms of the history of sexuality, so as to emphasize the deployment of a gallant micropolitics the early 17th century France. It focuses on the success of Pierre Corneille’s comedies in the context of the blooming of a new amorous culture, soon to be called gallantry. The first part problematizes the discourse of gallantry produced by the sphere of the belle-Letters, which can always turn to mere courtesy, but nevertheless becomes pervasive to regulate men/women interactions in the Ancien Régime France. The Cornelian comedy functions as a gallant technology that produces and diffuses the discourse of gallantry, which organizes amorous relationships so as to legitimize love marriage. The second part addresses the conflict around which turns the whole plot of Corneille’s gallant comedies in terms of social constructionism, so as to account for the erotic subjectivities construed by gallantry. As an “heterotopic” apparatus, gallantry implies processes of subjectivation such that heterosexual love now prevails over homosocial friendship, thereby naturalizing the link between sex and emotional investment – a complex soon to be called “sexuality”. Thus, gallantry is part of the genealogy of the heterosexual matrix. The third part focuses on Pierre Corneille’s poetics of tragedy, and shows that the genre of the 17th century French tragedy replied to the tendency for the discourse of gallantry to function as a form of politeness rather than an authentic form of love by inventing an amorous discourse more suitable to modern individualism, and which no longer depicts love as a “passion of the soul” but simply as, in French, la passion

La thèse définit d'abord l'héroïsme cornélien comme une combinaison de la violence dramatique et oratoire du forcené et de la constance de l'amoureux; elle propose une étude caractérologique du tyran et du héros inconstant (Enée, Jason, Dom Juan, Hylas. . . ) qui dessine l'originalité de Corneille par rapport à la tradition théâtrale du premier XVIIe siècle, puis propose une typologie des séducteurs cornéliens en fonction de leur statut (simples héros, roi, prince héritier) et de l'efficacité de leur séduction. Elle étudié ensuite la dynamisation de l'intrigue matrimoniale, tant tragique que comique, et s'attache en particulier à cerner l'originalité des dénouements à mariage empêché, d'un point de vue générique et génétique. Le réalisme cornélien est envisagé sous l'angle du re-travail de l'heureux mariage de comédie, du dynamisme tragi-comique ou du motif de la sublimation précieuse. Il apparait comme celui d'un théâtre fondamentalement politique: théâtre d'un séducteur qui propose un compromis original entre désir et devoir, n'ayant de sens que dans le cadre d'une dynamique de la carrière sociale ou du service de l'état. Les comédies des années 1633-36 en particulier sont étudiées sous cet angle. La seconde partie étudie la confrontation du héros et du roi (le Cid, Horace, Cinna, Suréna) et les jeux d'identité, de statut politique caché, de promotion ou de régression (Héraclius, don Sanche, Pertharite, Sophonisbe. . . ). Elle s'attache au déplacement de la focalisation dramatique du héros vers le roi, après Cinna et Rodogune. Elle propose enfin une problématique du rapport de la tragédie cornélienne à l'histoire, avec une étude des dénouements à tombeau (Horace) ou à châtiment annonce (Suréna) et une comparaison avec les théâtres de Hardy et de Thomas Corneille<br>The work firstly defines cornelian heroism as a combination of the dramatic and oratorical violence of the forcene and of the constancy of the amoureux. It proposes a study of the personas of the tyrant, of the inconstant hero (Enee, Jason, Dom Juan, Hylas. . ), putting forward the originality of Corneille regarding the dramatic tradition of the 17th century, then gives a typology of the cornelian lover (seducteur) according to his status (mere hero, king, crown prince) and the efficiency of his seduction. It then studies the dynamics of the marital plot, both in comedy and tragedy, and gives particular attention to the originality of the thwarted-marriage denouements, from a generic and genetic point-of-view. The cornelian realism is approached from the angle of the re- working of the comic happy marriage, the tragi-comic dynamism and the motif of euphuistic sublimation. This realism appears as belonging to a fundamentally political drama, the lover proposing an original compromise between desire and duty, which is only relevant in the context of the dynamics of a social career or of the service to the state. The comedies of the years 1633 to 1636 in particular are studied from this angle. The second part of the work studies the confrontation of the hero and the king (le Cid, Horace, Cinna, Surena) and the play on identity, withheld political status, promotion or regression (Heraclius, don Sanche, Pertharite, Sophonisbe. . . ). It concentrates on the shift of dramatic focalisation from the hero to the king, after Cinna and Rodogune. Lastly, it problematizes the relationship between the cornelian tragedy and history, with a study of the death-denouements (à tombeau) as in Horace, or those based on an announced punishment as in Surena, with a comparison to the plays of Hardy and Thomas Corneille

La mise en scène contemporaine et précisément celle de Jean-Pierre Miquel anime le présent sujet. Les pièces choisies tournent autour de la tragédie du XVIIème siècle, la comédie de Marivaux et des auteurs modernes. En ce qui concerne la tragédie, Corneille est la figure prédominante. Quatre pièces lui ont été consacrées dont Horace, Othon, Sertorius et Suréna. Britannicus est la seule pièce abordée de Racine. La comédie de Marivaux est centrée sur la Colonie, La seconde surprise de l'amour, La double inconstance, Les fausses confidences et Le legs. Quant aux auteurs modernes, ils sont axés sur les œuvres contemporaines à l'exception de Tchekhov. Max Frisch, Harold Pinter, Louis Calaferte, François Billetdoux et Jean-Claude Brisville occupent cette partie. Le but est de montrer le lien qui existe entre les textes proposés et leur réalisation scénique. Il s'agit de faire découvrir au lecteur la façon dont une mise en scène transforme un texte littéraire grâce au jeu des acteurs, au décor et aux costumes.

L'admiration traditionnelle en Occident depuis la Renaissance pour la Rome antique ne se vérifie pas en France, au 17e et au 18e, chez de grands écrivains tels que Corneille, Bossuet, Montesquieu, Rousseau, de simples essayistes comme St-Evremond, des hommes de la révolution comme Marat, Robespierre. Son paradoxe est prouvé en étudiant les écrits sur Rome de ces auteurs, où sont dénoncés, malgré des préoccupations de style, son désir de domination universelle, ses institutions, la corruption qui la gagne après quelques siècles d'existence, le culte excessif dont elle est l'objet parmi les modernes. Ces études s'accompagnent d'analyse qui mettent en rapport les jugements critiques portés sur Rome et la "politique" implicite ou explicite dont l'oeuvre de chacun est poteuse<br>In the france of the 17th and the 18th century some prominent writers like corneille, bossuet, montesquieu and rousseau, simple essayists like saint-evremond, and revolutionaries like marat and robespierre did not adhere to the admiration of ancient rome that had become traditional in europe since the renaissance. The author makes this point by a detailed study of the works of these writers who, in spite of texts written with certain precautions of style, denounce the excessive cult of rome of modern europeans, its aspiration to universal domination, its institutions and the corruption which takes over after several centuries of existence. These studies are accompanied by analyses which link these critical opinions of rome to the political views which are implicit or explicit in each work. Views which are implicit or explicit in each work

Cette thèse examine les grandes orientations esthétiques de la mise en scène des pièces de Corneille, Molière et Racine en France depuis 1965. Une première partie résume les expérimentations de la première moitié du XXe siècle. La deuxième partie considère comment, depuis les années 1960, les metteurs en scène modifient les traditions d'interprétations des pièces classiques et les renouvellent en faisant du plateau le lieu des commentaires du texte ou de la société. La troisième partie mène une étude sur la façon dont ils jouent, particulièrement depuis deux décennies, avec les conventions de représentation, déconstruisent la fiction ou encore redécouvrent ou réinventent la langue du XVIIe siècle<br>This dissertation examines the major aesthetic orientations in the performance of theater plays by Corneille, Molière and Racine in France from 1965 to nowadays. The first part summarizes the experimentations during the first half of the 20th century. The second part considers how, since the 1960s, the directors have changed the hermeneutic traditions of the classical plays and renewed them, transforming the stage into a commentary of the text and of the society. The third part analyses the way they have played, in particular since two decades, with the conventions of performance, how they have deconstructed the fiction and rediscovered or reinvented the language of the 17th century

Ce mémoire présente une approche empirique du rythme et de la rime du vers alexandrin classique. Un outil d'analyse systématique du vers, le métromètre, a été mis au point. Il transcrit le vers dans l'alphabet phonétique, le découpe selon les positions ou syllabes métriques, en respectant les règles de la versification (diérèse/synérèse, décompte du e muet et liaison) ; finalement, il attribue à chacune des positions un certain nombre de marquages ou étiquettes d'ordre exclusivement linguistique : noyau vocalique et syllabe de la position, catégorie morpho-syntaxique, situation dans le mot et présence d'une marque accentuelle sur la position. L'outil repose sur un analyseur syntaxique développé par P. Constant et un phonétiseur développé par F. Yvon. Les outils ont été adaptés aux particularités du vers. <br />Le métromètre a été utilisé pour analyser les 80 000 vers de Corneille et Racine. Il en résulte que la structure rythmique du vers est bel et bien le résultat d'un agencement spécifique des éléments de la langue (il n'y a pas « d'accent de vers »). Nous montrons que tous les marquages, qui relèvent de composantes a priori indépendantes de la langue, contribuent chacun à leur manière à définir la forme rythmique de chaque hémistiche et du vers. Les corrélations entre ces niveaux a priori indépendants semblent être constitutives du rythme. <br />Parallèlement, l'examen systématique de la rime chez Corneille et Racine a permis de montrer l'existence de régularités, non attestées dans les traités de métrique (la voyelle [e] a, par exemple, toujours besoin d'une consonne d'appui) et de proposer une définition contextuelle des concepts de rime riche, suffisante ou pauvre, lesquels varient selon le type de terminaison examiné. <br />Enfin, nous avons tenté de montrer en quoi la structure rythmique et rimique des vers pouvait contribuer à enrichir l'analyse stylistique : nous avons ainsi mis à jour des corrélations entre des univers de discours et des rythmes spécifiques.

Le but de notre travail a été de comparer trois auteurs de langue différente appartenant au XVIIe siècle: Shakespeare, Calderon et Corneille. Nous avons voulu montrer que leurs œuvres théâtrales présentaient des traits d'une esthétique baroque, dépassant ainsi l'image établie d'un Corneille classique. Nous avons choisi un des aspects qui nous parait le plus représentatif du baroque théâtral: la folie. La thématique de la folie nous a ainsi permis d'examiner, sous un angle linguistique, stylistique et littéraire, plusieurs caractéristiques communes ou divergentes à ce théâtre anglais, espagnol et français. Nous nous sommes tout d'abord attachée à l'idée que, chez ces trois auteurs, certains personnages manifestaient un désir démesuré de pouvoir et de domination représentant sur la scène un des aspects fondamentaux de cette folie, que nous avons nommé un "défi prométhéen". A partir de là, nous avons pu constater que l'expression linguistique et stylistique de la folie ne passait pas forcement par un langage hyperbolique mais, de manière paradoxale, par un langage de raison. Notre réflexion s'est alors portée sur la folie amoureuse, et plus particulièrement sur la jalousie, qui, elle, symbolise un baroque dionysiaque, en exhibant et montrant, sur le mode tragique ou comique, la violence de la passion. Enfin, nous avons vu que la folie pouvait présenter des signes cliniques et pathologiques et traduire ainsi un désordre spirituel et somatique, faisant l'objet de descriptions minutieuses de la part des auteurs. Cette étude nous conduit par conséquent à dire que le topos de la folie reflète parfaitement un baroque théâtral aux multiples visages dans les œuvres de Shakespeare, Calderon et Corneille<br>The purpose of this study was to compare three authors writing in different idioms, all three belonging to the XVIIth century: Shakespeare, Calderon and Corneille. We tried to show that their theatrical works offer the features of a baroque aesthetics, refusing consequently the image of a classical Corneille. We choosed one of the aspects which represents the best the baroque in the theater: madness. The theme of madness leaded us to examine, in a linguistical, stylistical and literary point of view, some characteristics common or divergent between this English, Spanish and French theater. First, we began to point out in these three authors that some characters were having an unbounded desire of power and domination, representing on stage what we called "a Prometheus challenge". From this point, we established that the linguistical and stylistical expression of madness was not necessarily appearing with an hyperbolical language but, paradoxically, with a rational language. We studied then the madness of love, and more particularly jealousy, which symbolizes a DionysiaC baroque, producing, in the tragedy or the comedy, the violence of passion. Finally, we saw that madness could present clinical and pathological signs and symbolize therefore a spiritual, somatical and macrocosmical disorder, described with precision by the three authors. In conclusion, this work shows that the topic of madness perfectly reflects a theatrical baroque with different faces in the works of Shakespeare, Calderon and Corneille

Le point de départ de ce travail réside d’une part dans la découverte d’une différence considérable de nature entre le héros du Cid et les protagonistes du théâtre contemporain ; et d’autre part sur l’intuition que l’analyse littéraire utilise presque exclusivement Rodrigue comme personnage représentatif du premier XVIIe siècle. Notre première démarche a été de chercher à confirmer ces impressions en démontrant le statut particulier de ce personnage. Nous avons étudié la réception du Cid et de son héros au fil des siècles dans cette optique, jugeant que les réactions des spectateurs, des lecteurs et des critiques construisaient progressivement notre image actuelle de Rodrigue. Nous avons cherché à voir comment depuis janvier 1637 jusqu’au début du XXIe siècle la pièce et son héros ont été accueillis. Nous avons ainsi établi la longévité du texte, ainsi que les exceptionnelles réactions d’engouement qu’il a pu rencontrer. Cela nous a permis d’établir la mythification de la pièce et de dégager sa portée universelle. Ces premières conclusions nous ont invité à rechercher les causes d’un tel succès. C’est à nouveau l’étude de la réception qui nous a permis de découvrir que cette unanimité tenait essentiellement au personnage de Rodrigue. C’est lui qui semble d’abord retenir l’intérêt des lecteurs et des spectateurs. Nous avons donc cherché dans une deuxième partie à comprendre ce qui fascinait tant en Rodrigue. Pour cette raison, nous l’avons confronté à l’idée de héros. La coïncidence saisissante que les réactions publiques révèlent entre ce personnage archétypal et le protagoniste du Cid nous a permis d’aboutir à un premier stade de compréhension : la pièce est accueillie avec enthousiasme au XVIIe siècle parce que son personnage principal actualise l’idéal humain tel que l’époque se le représente. Cependant, l’engouement des siècles suivants repose sur le même motif : c’est parce que Rodrigue incarne le héros du XVIIe siècle que le spectateur du siècle des Lumières, du Romantisme, de la Troisième République ou de l’entre-deux-guerres l’apprécie. Le protagoniste du Cid apparaît comme un héros révéré mais regretté car appartenant à une époque révolue. Au sein de l’œuvre de Corneille, il est également envisagé comme un paradigme héroïque et incarne le modèle dont tous les personnages masculins du théâtre cornélien ne seraient que la déclinaison. Il est l’élément fondateur du mythe du « héros cornélien ». Cependant, l’unanimité de réception face à Rodrigue pose question : Le Cid a-t-il réellement eu une place à part sur le théâtre du premier XVIIe siècle ? À l’ouverture de notre troisième partie, une brève étude de ce théâtre permet de révéler l’écart entre l’image de Rodrigue façonnée par la réception et la réalité dramaturgique des années 1630-1650. La tragi-comédie de Corneille n’est pas la seule pièce à connaître le succès et son héros n’est pas l’unique incarnation sur scène de l’homme tel qu’on se le représente alors. De nombreux autres dramaturges connaissent de réelles réussites. Toutefois, la réception critique les oublie. L’histoire littéraire semble ne vouloir retenir que Corneille pour la postérité. Elle impose Le Cid comme pièce modèle ; mais, se faisant, elle fausse l’appréciation que nous nous faisons du théâtre et des mentalités du XVIIe siècle. Nombre de théories critiques se sont en effet élaborées sur l’idée d’un premier XVIIe siècle glorieux à l’image de Rodrigue et d’une seconde moitié de siècle déclinante et sombre. C’est le cas de Paul Bénichou et de sa « démolition du héros ». Mais peut-on en garantir la véracité si elles reposent pour affirmer la grandeur des premières décennies du siècle sur le seul exemple de Rodrigue ? Une relecture de la littérature de cette période permet pour finir de revenir sur des conceptions altérées notamment par l’éclat du succès incomparable du Cid et d’envisager le premier XVIIe siècle sous une autre lumière<br>The basis of this work lies primarily in the discovery of a huge nature difference between the hero in “Le Cid”, and the far less glorious contemporary drama protagonists. On the other hand, it is based upon the intuition that most literary analysis almost exclusively use Rodrigue as the character of the first decades of the17th century.The first step of our work was therefore to try to confirm these impressions by conveying the very special status of this character. We have studied the treatment of “Le Cid” and its hero throughout the centuries with this goal in mind, assessing that the way audiences, readers and critics reacted to the play steadily built our perception of Rodrigue. We have tried to understand how the play and its hero were welcomed from January 1637 to the outcome of the 21st century. We have thus established the longevity of the text as well as the outstanding praise reactions it met with. This enabled us to substantiate the mythification of the play and bring into light its universal scope.From these first conclusions, we then tried to find out the reasons why the success of the play has never been denied. Here again it is the study of the critic treatment that quickly showed us that the unanimous public feeling was essentially due to Rodrigue as a character. For it is he mainly who seems to captivate the audience and the readers’interest. In the second part, we therefore tried to understand why Rodrigue is so mesmerising. With this purpose in mind, we confronted our character to the very hero notion. The stiking coincidence that public reactions convey between this archetypal character and “Le Cid” protagonist brought us to a first conclusion: the play is enthusiastically welcomed in the 17th century because the main character updates the human ideal as it was viewed at the time. Yet, the passion that the play generated in later periods is based on the same principle: it is because Rodrigue embodies the 17th century hero that the public from the age of enlightenment, from the great romantic era, from the French 3rd Republic or the interwar period do feel fond of him. “Le Cid” protagonist appears both as a revered and missed hero because he belongs to days gone by, a past example of the ideal man. In Corneille’s entire works, he is also regarded as a heroic paradygm and is viewed as the Cornelian male reference from which other male characters are derived in the works of the playwright. He is the very source of “the Cornelian hero” myth.However, Rodrigue’s unanimous critic treatment brings forward another issue: does “Le Cid” really stand apart in the early 17th century drama? At the outset of our third part, a brief survey of the period drama reveals the gap between Rodrigue’s image as it was made by the critic treatment and the dramatic reality of the 1630-1650 era. Corneille’s tragicomedy is not the only successful play and its hero is not the only stage embodiment of the male figure as it was then represented. Several other playwrights were successful too. Yet, the critic treatment does not take them into account. It seems as if Corneille is the only author to be remembered in the history of literature. Thus, “Le Cid” is the play reference. But it alters our vision of the 17th century drama and mentalities.In fact, scores of critic theories were based on the idea of a glorious early 17th century (impersonated by Rodrigue) as opposed to a gloomier and declining period at the end of the century. But can one guarantee their truthfulness if they are only based on the character of Rodrigue to assert the grandeur of the early 17th century decades?To conclude, a precise and detailed reading of the period literature allows one to study many misinterpretations, particularly because of “Le Cid” unmatched success, and to consider the early 17th century with a brand new perspective

La vertu féminine théâtrale apparaît dans le discours et dans l'action de l'héroïne : ils définissent son ethos tragique, plus qu'ils n'illustrent les catégories morales traditionnelles. Dès lors, cette vertu constitue un objet dramatique, esthétique, modelé par et pour la mimèsis tragique. Le personnage féminin, de la tragédie humaniste de Jodelle au théâtre de Corneille, pendant la Fronde, révèle sans doute l'idéologie propre à chaque période littéraire. Mais la vertu redéfinie par les théoriciens permet l'élaboration dramatique du caractère, surtout lorsque le plaisir théâtral et les contraintes d'ordre dramaturgique priment sur la volonté d'instruction morale et sur l'illustration, dans un personnage, d'un discours moral cohérent établi par la tradition. La vertu étant un objet dramatique, elle doit être donnée à voir ; ce défi – montrer la perfection morale, par définition moins scénique que les passions – implique une codification esthétique pour la représentation. Cette vertu féminine aurait alors pour fonction la représentation idéalisée, mimétique selon la définition aristotélicienne (déformante, mais efficace), de l'éthique d'une société. La notion de vertu est médiatisée par le personnage féminin, dans ses divers aspects traditionnels, souvent dichotomiques : vertu chrétienne et vertu stoïcienne, héroïque et morale, virile et féminine, active et passive, le plus souvent, mêlées. Comme les passions mêmes, elle aurait été convertie par les auteurs tragiques en matériau pour construire une œuvre dramatique, au prix, parfois, de ses valeurs philosophiques et morales. La vertu serait devenue elle-même sur scène, peut-être, une passion comme les autres, pour susciter le plaisir tragique<br>In plays, feminine virtue appears in the words and actions of the heroine : they give a definition of her tragic "ethos" more than they illustrate the traditional moral categories. Therefore, this virtue represents a dramatic and aesthetic object shaped by, and for, the tragic "mimesis". This female character, from the humanist tragedy by Jodelle to the palys bu Corneille during the insurrection of the Fronde, probably reveals an ideology belonging to each literary period. But virtue, redefined by the thoereticians, allows the dramatic creation of the character, especially when the theatrical pleasure and dramatic constraints are more important than the wish for moral instruction and the illustration of a coherent moral speech established by tradition. Being a dramatic object, virtue must be shown ; this challenge, consisting in showing moral perfection which is by definition less scenic than passions, implies an aesthetic coding for the representation. This feminine virtue would then become the idealized, mimetic -according to the definition given by Aristotles- representation of of the ethics of a society. The notion of virtue appears trough the female character in its diferent traditional aspects which are often opposed and mixed : Christian and stoïcal, heroic and moral, male and female, active and passive. As with the passions, this notion of virtue would have been turned into play material by tragic playwrights, sometimes to the detriment of the philosophical and moral virtues. Virtue itself would then become a passion like any other in stage in order to create tragic pleasure

Depuis sa naissance, la tragédie a été l'un des genres littéraires qui ont influencé de la façon la plus nette les conceptions qu'une civilisation pouvait avoir du temps. D'un point de vue formel tout d'abord, en raison de la nécessité de résoudre le problème de l'adaptation du temps de l'histoire représentée avec la durée de la représentation - motif principal des débats théoriques des 16e et 17e siècles sur la dramatisation du temps, en lien avec la question du vraisemblable. A la suite notamment de la découverte de la Poétique d'Aristote'et des commentaires des Italiens sur ce texte, la réflexion théorique a pris de l'envergure, et les solutions proposées ont joué un rôle de premier plan dans les créations des chefs-d'œuvre du théâtre élisabéthain, du théâtre baroque espagnol, et du théâtre classique français. Le respect ou non de la règle de l'unité de jour a des conséquences sur la conception du temps que la pièce saura véhiculer. L'étude des motivations et des procédés suivis dans la dramatisation du temps (première partie de la thèse) s'avère ainsi indispensable dans l'interprétation de toute oeuvre théâtrale. L'analyse des oeuvres elles-mêmes, à partir de la perspective temporelle (deuxième et troisième partie de la thèse), permet ensuite d'approcher l'image de l'homme qui se dégage, au sein des mentalités étudiées, de cette dramatisation du temps, et de préciser ainsi les raisons éthiques de son action, telle qu'elle se voit représentée par la tragédie. On proposera ainsi une redéfinition du rôle joué par les pièces au sein de la civilisation chrétienne qui les a produites, en s'appuyant sur les visions du inonde et sur les conceptions religieuses de l'Histoire que ces pièces véhiculent<br>Since its origin, Tragedy has been one of the literary genres which have most clearly influenced the ideas of time that a civilization could have. Firstly, from a formai point of view, due to the Tact that the length of the story, which is being represented, must fit the time requirements of the duration of the play – i. E. The main issue of theoretical debates of XVI and XVII centuries regarding the dramatization of time in order to make the play vraisemblable. After the discovery of Aristotle's Poetics and the Italian commentaries on this text, the theoretical discussion has become extremely relevant, and the suggested solutions have played a major role in the creation of the masterpieces of the Elizabethan theatre, the Baroque Spanish theatre and the Classical French theatre. Certainly, the respect or not of the "Unit of time" nuances the conception of time that the play will spread. Consequently, studying the reasons and the methodology of the dramatization of time is essential for the interpretation of any play (part I of the Thesis). Moreover, the analysis of plays from a temporal perspective (part II and III of the Thesis) allows to reveal the ideas of man and the ethical foundations of his actions inside the studied mentalities. Therefore, this study proposes a redefinition of the role of these plays in the context of the Christian civilization in which they were originated, by means of analysing the world views and conceptions of the History which these plays convey

Dès la fin du XVIIe siècle, Corneille, Racine et Molière se voient attribuer une supériorité indiscutable sur l’ensemble des autres dramaturges contemporains. Cette hiérarchie dont l’histoire littéraire actuelle a hérité continue à nous faire admettre comme une évidence la précellence accordée à ce trio de « classiques » et les études consacrées aux auteurs dits « mineurs » interrogent rarement le statut d’auteur « majeur ». Nous avons souhaité étudier le processus d’élaboration du statut de grand dramaturge. Cette thèse met ainsi en lumière les différents aspects et manifestations de cette construction, dont elle retrace les étapes du vivant des auteurs — des années 1640 à 1680 —, tout en identifiant les facteurs permettant de comprendre pourquoi ces trois dramaturges bénéficièrent d’un tel statut, au détriment de leurs confrères et concurrents. Ce travail observe ensuite l’immédiate postérité de nos auteurs — des années 1670 à 1720 —, afin de montrer comment la hiérarchisation et la classification à l’œuvre dans le double processus de majoration et de minoration desdramaturges posent les bases de l’histoire du théâtre français. Pour comprendre la constitution du panthéon des grands dramaturges, nous analysons les mécanismes d’écriture de l’histoire du théâtre dit « classique » et faisons émerger le processus de mythification qui préside à l’apparition de la « triade sacrée » Corneille- Racine-Molière. Nous expliquons alors comment l’histoire du théâtre français s’écrit à la gloire de ces auteurs, à partir et autour de leurs trois figures, classicisées et transformées en symboles du « siècle de Louis XIV »<br>From the late 17th century, Corneille, Racine and Molière are given an undeniable superiority over all other contemporary playwrights. This hierarchy, from which current literary history has inherited, continues to make us consider the pre-eminence granted to this “classical” trio as obvious and the studies devoted to the so-called “minor” authors rarely question the “major” author status. Our goal has been to study the elaboration process of the great playwright status. Thus, this PhD thesis highlights the different aspects and manifestations of this construction, retracing its stages during the authors’ lifetime — from the 1640s to the 1680s — while identifiying the factors allowing to understand why these three playwrights were given such a status, at the detriment of their colleagues and competitors. Moreover, this work studies our authors’ immediate posterity — from the 1670s to the 1720s — in order to show how the hierarchy and classification at work in the “majoration” and “minoration” process lay the foundation of French theater history. To understand how the great playwrights’ pantheon was built, we analyze the writing mechanisms of “classical” theater history and bring out the process of mythification that leads to the birth of the “sacred triad” Corneille-Racine-Molière. We then explain how the French theater history is written in praise of these authors, from and around their three figures, classicized and converted into symbols of “the age of Louis XIV”

Cette thèse a pour objectif d’étudier la tragédie du XVIIe siècle en France avec la notion de faute tragique, hamartia, et de montrer l’originalité et la diversité des tragédies classiques. Commentée dans la Poétique d’Aristote, l’hamartia se définit comme une notion médiane entre un délit volontaire et une malchance. Coupable d’une hamartia, le héros n’en est pas pour autant entièrement responsable malgré sa prise d’initiative, dans la mesure où la faute n’est pas due à l’intention perverse. Parce que le malheur déclenché par une hamartia, apparaît disproportionné à l’intention du coupable, les spectateurs éprouvent de la compassion envers le héros infortuné. Dans la mesure où la compassion est une des émotions essentielles de la tragédie au même titre que la terreur – en effet, la catharsis consiste en l’épuration de ces émotions –, la faute tragique constitue à cet égard un des composants sine qua non de la tragédie. Mais arrivée au XVIIe siècle en France, la faute garde-t-elle le même statut ? Pour répondre à cette question, nous examinons les tragédies de sept dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine et Jean-Galbert de Campistron, ce qui permet d’étudier le XVIIe siècle en entier. Le premier chapitre sera consacré à l’examen de la notion de faute dans les écrits théoriques. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéresserons à la fabrique du héros coupable. Le troisième chapitre portera sur la nature de la faute. Et nous étudierons, dans le quatrième chapitre, le statut de la faute sur le plan dramaturgique, avant d’examiner, dans le dernier chapitre, les problèmes moraux. Ce travail révèlera l’importance de la Poétique d’Aristote dans la tragédie du XVIIe siècle en France<br>The purpose of this doctoral thesis is to study the French tragedy in the seventeenth century researching into the notion of tragic flaw, hamartia, and to show the originality and the diversity of the French classical tragedy. This notion, commented by Aristotle in "Poetics" originally differs from either an intentional crime or an accidental one. The tragic flaw presupposes the participation of an agent without denying the presence of fortuity. Although a tragic hero is responsible for his misfortune, as it proceeded from his fault, the result exceeds his intention. And this disparity between intention and misfortune makes the audience feel compassion for the hero suffering from his misfortune. If this compassion is one of the emotions caused only by tragedies, the tragic flaw constitutes in this respect an essential element of tragedy. But is the concept of fault identical in the Christendom society of the seventeenth century? To answer this question, I deal with the tragedies of seven dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine and Jean-Galbert de Campistron, to cover the seventeenth century. In the first section of this work, I examine the notion of fault in the theoretical texts. The second section consists in studying the tragic figure. The third section is about the nature of the fault, the private fault and the politic fault. The fourth section concerns the status of fault on the dramaturgical level, before examining moral questions in the final section. This work reveals the importance of Aristotle’s Poetics in the French tragedy of the seventeenth century

Dans les annees 1630-1640, on voit apparaitre un certain nombre de pieces qui ont pour theme le theatre lui-meme. Dans notre travail, nous essayons de mettre en lumiere leurs differentes implications sociales et esthetiques<br>Throughout a study of the "comedies des comediens" on the early seventeenth century's french stage, we try to show their social and esthetical implications

Pierre Corneille (1606-1684) gehört neben Racine (1639-1699) und Molière (1622-1673) zu den drei großen Autoren des klassischen französischen Theaters. Seine erste Tragödie "Médée" wurde von Publikum und Kritikern zurückgewiesen. Corneille hatte seinen typischen Stil noch nicht entwickelt: Das Drama oszilliert zwischen Komödie und Tragödie, ist einerseits dem Handlungstheater des Barock verpflichtet und wahrt andererseits die Einheiten der "doctrine classique". Der französische Dramatiker rezipiert in seinem Stück den griechischen Tragiker Euripides (480-406 v. Chr.) und den römischen Autor Seneca (1-65 n. Chr.). Gerade den Stil Senecas ahmt er nach. Dieses Buch soll einen Beitrag zum besseren Verständnis der französischen Klassik leisten: Zwar spielt die direkte Rezeption der senecanischen Tragödie eine wichtige Rolle für das klassische französische Drama, doch Form und dramatische Technik resultierten vor allem aus der Beschäftigung mit antiken Poetiken<br>Besides Racine (1639-1699) and Molière (1622-1673), Pierre Corneille (1606-1684) is one of the three greatest authors of classical French theatre. His first tragedy Médée was rejected by critics and the audience. Corneille had not developed his typical style yet: The drama oscillates between comedy and tragedy; on the one hand, it is rich in action like baroque plays and on the other hand, it sticks to the formal unities established by the doctrine classique. In Médée, the French playwright adopts ideas from the Greek tragedian Euripides (480-406 B.C.) and the Roman author Seneca (1-65 A.D.). It is Seneca’s style that he imitates in particular. This book would like to contribute to a better understanding of classical French literature: The direct reception of Seneca’s tragedies really plays an important role for the classical French drama, its form and its dramatic technique, however, are mostly the result the of an intense reading of ancient poetics

This dissertation explores the intersection between three different literary genres – historiography, tragedy, and epic poetry – in the neoclassical period, taking as its central problem the way said genres set out to represent strange and even unintelligible moments in the past. It is based on a case study of four canonical works that, contrary to what is expected of neoclassical literature, represent historical figures seen by audiences of the time as too disturbing or too farcical to be intellectually or artistically “useful”: the violent Roman hero Horace (the protagonist of Corneille’s eponymous tragedy), the Swedish king Charles XII (who anchors Voltaire’s first historical biography) and finally Joan of Arc (who appears in Voltaire’s comical epic La Pucelle d’Orléans, and in Schiller’s tragedy Die Jungfrau von Orléans). In exploring these texts, I set out to show that, while neoclassical poetics deeply emphasized the importance of representing the past in a plausible and dignified manner (be it in histories or in poetry), authors of the time were also aware that the past could be the domain of the uncanny and the fabulous, and that representing the implausible required different kinds of textual experimentation and different ways of playing with genre norms.