Dissertations / Theses: 'Corps humain dans l'art'

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Zinetti, Philippe. "La blessure : la représentation du corps sur le corps." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010668.

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Abstract:

Le corps éprouvé par l'acte de peinture qui recouvre la peau et cherche ainsi, par le recueillement, à concentrer l'énergie créatrice sur mon propre corps. Une figure noire, signe d'ouverture apparait sur le corps. Il semble que l'absence, le manque s'inscrivent sur la peau par cette représentation. La peau doit être comprise comme une enveloppe qui protège le corps et qui par son ouverture laisse entrevoir l'intériorité de celui-ci. Le travail onirique doit être mené à partir de toute enveloppe servant l'élaboration de la pratique plastique. Ainsi, les tissus tendus dans l'atelier cernent l'organisation de la pratique qui elle-même prend naissance sur la surface du corps : la peau, pour enfin s'inscrire sur la pellicule photographique chargée de mémoriser l'acte de peinture. La souffrance, suggérée par la représentation, ainsi que ce désir d'écorcher la peau permettent de penser cette ouverture comme une blessure. Les dialectiques vide-plein, dedans-dehors élaborent la forme dans ce qui est défini comme représentation du corps sur le corps. La figure du double apparait dans la représentation et l'autre corps devient support de peinture. De l'activité du corps, il n'est garde que le souvenir de l'acte éphémère de peinture, l'action menée dans l'enceinte de l'atelier est inscrite sur le palimpseste photographique et l'image devient la nouvelle enveloppe investie par la pratique plastique. Ainsi, le corps par son état de vie instaure la constitution-même de sa dépouille. De son action naissent les signes de l'enveloppe, de la surface offerte au regard extérieur. Cette offrande n'est que la vaine tentative de réunir les différents états du corps entre la vie et la mort. Aussi, la blessure serait bien cette contusion symbolique qui signe la présence du corps dans la représentation
The body is tested by the act of painting which covers the skin and thus tries, through meditation to concentrate the creative energy on my own body. A dark shape, asign of opening, appears on the body. It seems that the absence, the gap are inscribed on the skin by that representation. The skin must be understood as a frame which protects the body and which throught its opening enables to have a glimpse of the interiority of that one. The dreamlike work must be led from any frame serving the elaboration of plastic practise. So, the fabric hung in the workshop outlines the organisation of the practise which itself takes form on the surface of the body : the skin, to be eventually printed on the photographic film in charge of memorizing the act of painting. The suffering, suggested by representation, as well as that desire fo r flaying the skin allows to think this opening as a wound. The empty-full, inside-outside dialectics elaborate the shap e in what is defined as the representation of the body on the body. The sign of the double appears in the representation and the other body becomes the support of painting. From the activity of the body, what is only kept is the remembrane of the short-lived act of painting, the action led within the workshop is inscribed on the photographic palimpsest and the picture becomes the new frame invested by plastic practise. So, the body through its state of life institutes the very constitution of its hide. The signs of the frame, of the surface offered to the exterior stare arise from its action. This offering is but the vain attempt of gathering the different states of the body between life and death. Therefore, the wound could very well be this symbolic extension which signs the presence of the body in the representation

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Porro, Fenaroli Flavia. "Corps, Corpus, Corps subtil : la pesanteur dans le champ élargi de la sculture contemporaine." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010556.

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Abstract:

Le champ élargi de la sculpture contemporaine intègre désormais des pratiques et des comportements, parfois anachroniques et archaïques, tous liés au corps, Dans un monde qui perd ses fondements culturels et tous les lieux qui nous ancraient "quelque part", le corps prend en charge une transmission. "Corps, Corpus, Corps subtil" auraient des multiples niveaux de signification. "Corps", vivant et matériel, est aussi un "Corpus", en latin successivement le corps, l'hostie et plus tard un recueil de textes. "Corps subtil", presque immatériel rappelle une "sub-tela" qui était aussi la trame d'un récit. "Corps, Corpus, Corps subtil", montreraient des correspondances entre corps, œuvre et document. A travers l'étude des œuvres nous verrons une évolution de l'espace de celles-ci vers les modalités de celui du document et aussi une intégration du corps dans cet espace. Corps subtil deviendra le moment d'une disparition, d'un retrait et d’une substitution, mais aussi la possibilité de créer un espace en marge dans lequel nous pouvons toujours nous reconnaitre. Un espace dans lequel nous pouvons toujours et encore bâtir ce "Templum" des origines, lieu premier de notre enracinement.

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Araujo, Nivalda Assunção de. "Corps humain, corps urbain : la traversée des apparences." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010532.

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Abstract:

Le but de cette thèse consiste à analyser la production artistique à partir de l'expérimentation du monde réel, ayant comme support théorique les rapports existants entre l'artiste et la ville vivante. Cette approche envisage d'explorer les liens existants entre le corps humain et le corps urbain; l'approximation des deux univers est démontrée par la mise en place d'une production plastique, qui interroge à la fois le monde souterrain, sombre, mystérieux de la ville, et sa surface claire et lumineuse. La photographie, la vidéo, les photomontages et les performances sont les différentes techniques utilisées pour pénétrer les symboles et l'imaginaire, et donner des significations du réel, tout en gardant une dimension poétique. Il s'agit de dépasser la réalité évidente, et d'aller vers un monde sous-jacent, sans lequel aucune existence ne serait possible. La ville et le corps humain impriment le rythme du parcours entrepris, et l'ensemble des oeuvres compose un seul corps, qui transite entre le paysage urbain et l'espace sombre du monde souterrain.

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Macheta, Gabriel. "Représentation et organisme : du corps pictural au visage peint." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010534.

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Abstract:

Loin d'une représentation kinesthésique du corps, l'organisme situe le phénotype physiologique dans le temps et l'espace ; l'organisme est l'efficience du corps, sa construction, sa précision. Pour autant que le corps intéresse centralement l'œuvre d'art, on peut supposer que l'organisme - en tant qu'il est l'ensemble des opérations du corps -constitue une solution adéquate pour une production plastique en état de fabrication, une réponse à la question "comment faire". Le "corps de l'œuvre", ou le corps pictural, sont des notions esthétiques trop discursives pour intéresser l'œuvre comme poétique, comme avènement et manifestation ; cette thèse tente donc de mieux définir ce corps dans sa dynamique, sa perspective et sa clarté "poïétique". La tête, par suite, considérée comme objet partiel de l'organisme, signe de sa dissémination, de son caractère constamment parcellaire, sera définit comme sur-organe, ou méta-organe. D'abord strictement "tête-chercheuse" et "tête centrale", elle devient visage dans la nouvelle sphère hominienne de subjectivité, c'est-à-dire face, pancarte, titre. Le visage identifie le sujet mais aussi aspire a le cacher, ou le juger. Le visage, comme l'organisme, répond à la dimension religieuse de la faute et du jugement, il "fait croix" à la place de. . . "faire le portrait", c'est ne refuser aucun de ces enjeux physiologiques, religieux, subjectifs ; et "faire un portrait" singulier, ce sera à chaque fois trancher le débat théologique de la visageité, sauver la picturalité du mauvais procès de sa vérification afin de la rendre à la réalisation
In the organic system lays the efficiency of the body, its construction, its preciseness. In the same way the body bas an essential effect on the work of art, the organic system, - since it sums up the body operations (and) draws its appropriate perspective as to shaping and coming out, is the answer to the question "how to do" plastic production ? Therefore, the head considered as a mere component of the system, sign of bis constant fragmentarity, will be, defined as a super-organ, or a meta-organ. At first, essentially, "searching head" and "central head", it is finally perceived as a surface, that is, as a face. Identifying the subject mais also contriving to hide him, the face judges, challenges. "To paint a singular portrait" will each time mean to settle the theological question of the "visageite", to save the pictoriality from the bad case of its verification to give it back to realization

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Coulombe, Maxime. "Faire du corps une image." Doctoral thesis, Université Laval, 2006. http://hdl.handle.net/20.500.11794/18280.

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Singer-Delaunay, Hélène. "Expressions du corps interne." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010662.

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Abstract:

Le titre de cette thèse, " Expressions du corps interne ", se présente comme une énigme: que signifie le " corps interne ", de quelle nature sont ses expressions? La solution recherchée passe par l'analyse de créations de l'auteur (des performances vocales), où elle se met en scène pour produire une matière sonore qui se situe au croisement du cri et du chant. Elle nomme cette création visuelle et vocale " chant plastique ". Elle tente par lui d'exprimer le " corps interne ". Ce chant se différencie du chant lyrique, tout en s'y référant; il apparaît comme un "hors chant" et un "en deçà du langage". Cette pratique vocale expérimentale relie différents domaines tels que le chant lyrique, le rock, le chamanisme, l'animalité et le burlesque. Le "corps interne" est un corps inconnu, invisible; seul le chant plastique pourrait l'exprimer, le rendre manifeste: il en donnerait une " visibilité auditive".

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Almiron, Miguel Angel. "La place du corps dans l'art technologique." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082234.

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Abstract:

A travers la notion de Théâtre éprouvé, puis d'Habitacle virtuel, nous verrons comment la rencontre interactive entre mode expressif de l'artiste et nouvelles technologies transforme l'homme, son corps, en vecteur principal de la dramaturgie scénique et montrerons le passage de l'oeuvre "pour voir" à celle "pour jouer". Dans ce polyptyque expérimental, le sujet corps devient, avec les progrès scientifiques et techniques, source inépuisable d'inspiration dans l'art technologique. Développant les concepts de chair et de peau numérique, mon propos est de reproduire les potentialités du corps à l'intérieur d'une enveloppe technologique, une autre peau, tentant de saisir les codes du corps pour restituer la sensation du vivant. Révisant le concept de peau, puis la révélant comme l'écriture même du corps, nous verrons enfin comment percevoir, par les oeuvres technologiques, via la sensorialité, l'implication globale du spectateur, la si étrange fragilité du corps : tout son mystère. .
Trough the notions of Théâtre éprouvé (total theatre) and Habitacle virtuel (virtual domain), we will see how the interactive meeting between the artist's expressive mode and new technologies transforms man, his body, into the principal vector of the scenic drama, and will show the passage of the artwork "to be seen" into one "to be played". In this experimental polyptych, the subject matter of the body becomes, with scientific and technical progress, an inexhaustible source of inspiration within technological art. Developing the concepts of digital flesh and skin, my intention is to reproduce the potentialities of the body inside a technological envelope, another skin, attempting to decipher the codes code of the body in order to return the living sensation. By looking anew at the concept of skin, then showing it to be the actual writing of the body, we will finally see how, through technological art via the senses, the global implication of spectator, one can perceive the so strange fragility of the body : all its mystery

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Bernard, Paul. "Corps indéfinis : la représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0188.

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Abstract:

Cette thèse intitulée Corps indéfinis. La représentation des corps dans l'art d'après Auschwitz vise à démontrer que l'événement en question a profondément rompu les formes de représentation du corps humain dans les arts plastiques, et plus particulièrement dans la peinture. Une telle rupture engage aussi bien les modes de représentation dits traditionnels, et dont on soutient ici qu'ils relèvent d'une esthétique du discernement, que les modes hérités de la modernité artistique en rendant précisément ces corps indéfinis, c'est-à-dire indiscernables. Dans une perspective à la fois historique et théorique, il s'agit donc de proposer un examen approfondi d'un certain nombre d'œuvres, aussi bien d'avant Auschwitz que d'après, en faisant droit pour ce qui touche à ces dernières aux multiples formes que suggère cette temporalité du « d'après », selon une dialectique qu'on définit comme celle de la traduction : à la fois transmission et trahison de l'événement. Il s'agit donc aussi bien de reconsidérer un corpus d'œuvres déjà constitué (celui de l'art contemporain) que de définir les outils d'analyse à même de définir les contours conceptuels et herméneutiques dudit corpus. Examen et analyse visant en toute fin de compte à repenser aussi bien les modes de représentation du corps humain que la façon dont un certain habitus s'est développé à ce sujet d'après Auschwitz
This doctoral dissertation, untitled Undefmed Bodies : The Representation of Bodies in Art after Auschwitz, aims to demonstrate that this event deeply ruptured the forms of representation of the human body in the plastic arts ; especially in painting. Such a rupture engages the so-called traditional modes of representation (for which we argue that they belong to an aesthetics of discernment), as well as those inherited from the artistic modernity, by making this bodies undefined, i. E. Undiscernible. In a perspective both historical and theoretical, this dissertation proposes a deep examination of several artworks, from before and after Auschwitz, trying to question for the latter the multiple forms of the temporality determined by the term "after", following then a dialectic close to the notion of translation : transmission as well as treason of the event. Therefore, the main purpose of the dissertation is to reconsider an artworks' corpus (already existing since it derives from contemporary art) and to define analysis devices able to define the conceptual and hermeneutic outlines of such a corpus. Both examination and analysis aim at rethinking the modes of representation of the human body as well as a kind of habitus which has been developed around them in the aftermath of Auschwitz

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Renault, Jean Marc. "De l'image du corps : élaboration d'une destructuration : vers une restructuration nouvelle." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010613.

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Abstract:

Ma recherche picturale porte sur l'image du corps humain ; image que je voudrais renouveler. Mon hypothèse de travail est que l'obtention d'une image du corps autre, restructurée de façon novatrice, implique une déstructuration préalable. Pour ce faire je vais premièrement tenter de cibler l'image du corps qui sera mon sujet d'investigation. L'image recherchée devra être, au-delà d'une représentation, une figuration optimale de l'idée du corps allant vers le figural. Le figural est le fondement, le point de départ de la figure, un corpus englobant l'ensemble des acceptations liées au corps et à sa présentation. Cette recherche transitera de la constitution anthropologique du corps à sa perception sensible, par ses mouvements, par son espace, par ses matières. Mes choix formels s'appuieront et s'articuleront autour de huit axes de recherche. Ces axes de recherche correspondent à des observations effectuées sur l'œuvre de plasticiens, modernes et contemporains, regroupés selon des critères de déstructuration constatés. Les choix plastiques qui découleront de cette recherche s'articuleront en trois phases. Une phase préliminaire de mise en place formelle de corps déstructurés suite à l'étude des plasticiens représentatifs des différents axes de recherche. Une phase intermédiaire d'assimilation des voies plastiques étudiées. Une phase terminale d'établissement plastique, vers une restructuration nouvelle. Dans cette dernière approche les matières constitutives du corps deviendront l'attribut essentiel de sa signalisation. En conclusion j'avancerai que l'image du corps ne peut pas définitivement être fixée dans des règles strictes. Toutes les règles mises en œuvre tenteront de contenir en elles les modalités d'établissement de nouvelles règles transgressives
My pictorial research is about human body image. Image that I want to make new. My hypothesis of work is that to have an other view of the body, I need to make a previous destructuration. To work on this way I first of all try to specify my subject of investigation. The desired image have to be a perfect figuration of body idea, going to the basis figure. This research going from the anthropological body constitution to his sensitive perception, through its mouvements, through its space, through its matter. My formal choices revolved around height axles of research. This basic research agree with some observations carried out on the work of modern and contemporary painters. My choices following this research are articulated in three phases. First, the research of a basis destructurated body. Secondly, an assimilation of studied painters. Thirdly, a make up foundation to a new restructuration. In this last approach the constituent matter of the body will become the essential signalling system of it. In conclusion, I think that image of the body cannot be fixed in a strict order. All working rules have to countain new contravene rules

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Buret, Nelly. "L'enveloppe des corps : déplacement des limites." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010541.

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Abstract:

La tension entre présence et absence au sein de tout corps témoigne d 'une chair en voie de constitution et de dissolution. Au lieu de combler une disparition, le corps met en forme un vide et donne chair à l'absence. Il est mis à l'épreuve d'une fissure qui réfléchit la fission. Il s'agit d'être attentif à ce qui circule entre, l'entre en tant qu'espace acousmatique. Comment la mémoire de notre enveloppe, tissée d'images et de mots lacunaires, en métamorphose incessante, peut-elle être circonscrite ? Le travail plastique a été envisagé dans un mouvement d'oscillation entre présence et absence de la figure. Les protocoles visuels et textuels ont permis de préciser, de localiser des images qui prennent la mémoire comme fondement de la lucidité des perceptions. Ils ont conduit un questionnement sur la matérialité qui délie la ressemblance.

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Barbillon, Claire. "Canons et théories de proportions du corps humain en France (1780-1895)." Paris 10, 1998. http://www.theses.fr/1998PA100120.

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Abstract:

La question du canon de proportions, qui a fait l'objet d'etudes pour l'antiquite et la renaissance, continue de se poser dans les theories et l'enseignement des beaux-arts au xixe siecle. La constitution, puis l'etude du corpus que constituent les textes rediges explicitement a l'intention des artistes par des auteurs issus d'horizons differents - peintres, sculpteurs, theoriciens de l'art, anthropologues, anatomistes - permet de mesurer la richesse, les enjeux et les evolutions de cette question depuis la penetration des theories neo-classiques en france, a la fin du xviiie siecle, jusqu'au tournant des xixe et xxe siecles, qui voit l'avenement du canon scientifique. Apres une premiere remise en cause de l'hegemonie du modele canonique antique, effectuee au nom des concepts developpes par la philosophie des lumieres de nature et de verite, et permise par les progres accomplis par la science anatomique, la question du canon de proportions trouve une place au coeur du debat esthetique francais nourri par les theories neo-classiques. La reference a l'antique persiste sous une double forme : celle du mythe d'un modele unique, le canon de polyclete, qui n'est connu en france, jusqu'aux annees 1880, que par la lecture de fragments de textes grecs ou latins, mais donne lieu a tout un faisceau de conjectures et interpretations ; celle d'un pantheon compose de sculptures antiques consacrees par une tradition academique, enrichi, diversifie, puis remis en cause par certaines voix avant son extinction progressive dans les manuels de dessin. Un nouveau type de references apparait a partir des annees 1830 dans nombre de traites de proportions ou d'ouvrages d'anatomie artistique y consacrant une part de leur etude : les auteurs manifestent du gout pour l'erudition historique, rapportent et commentent des exposes canoniques glanes dans les theories de l'art, depuis les modeles egyptiens jusqu'a la renaissance. Parallelement, les investigations techniques des theoriciens de la question des proportions se developpent, explorant, a partir de deux modeles dominants (le canon de huit tetes et celui de sept tetes et demie) des possibilites alternatives qui mettent en jeu une multiplicite d'unites de mesure et l'etude de rapports proportionnels complementaires, elargissant le champ des mesures dites canoniques qui se limitaient en general aux rapports proportionnels de hauteur

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Boudet, Menard Edwige. "Histoire de mon corps : enquête graphique et photographique, rôle thérapeutique." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010577.

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Abstract:

Deux travaux réalisés au cours de mon D. E. A. Me "pointent". Ils sont "moi",. . . Mais "qui et moi?". "Je" décide de répondre à cette question en réalisant mon "auto-analyse" à l'aide - de la méthode de libre association - de l'analyse de mes travaux photographiques selon la méthode de l'interprétation onirique en faisant appel au symbolisme collectif - d'une amplification du drame examiné au cours du premier chapitre, "l'image mentale : le corps souffrant" qui donne lieu à la création de trois séries : "l'ambivalence et l'acceptation de bi-polarité", "mort et re-naissance" et enfin "infini", et à leur analyse respectivement faite dans le second, troisième et quatrième chapitre. Le cinquième chapitre, "mon discours intérieur" affirme les unités de sens dégagées par les chaines associatives et cerne ma dynamique défensive. Ce n'est qu'à la fin de cette expérience que je prends conscience de l'ambigüité posée par mon projet : hallucinée par l'objet, j'étais impuissante à m'en dégager. Ils étaient le vrai moi : l'original. Mon corps ou l'image de mon corps étaient le double, le "remplissement" était "ailleurs". Mon "auto-analyse" sous la forme d'une thèse apparait comme le signe d'un doute quant à moi-même, et comme illusion des sens. Je sais que j'existe car je n'ignore point être un individu social, mais je réfute les conséquences logiques de cette perception. Il me faut une preuve de mon existence et ma préférence va à moi de papier. L'empreinte inscrite par la lumière, la trace écrite deviennent le double, la représentation d'une angoisse existentielle
Two works, completed during my "D. E. A. " represent limited analyses of myself. They are "me",. . . But "who am i ?". "I" propose to answer this question through a "self-analysis" that resorts - to the free association process, - the analysis of my photographic works according to the dream interpretation method, appealing to collective symbolism, - an amplification of the tragefy dealt with in the first chapter : "mental image : body in pain", resulting in the creation of three series : "ambivalence and the acceptance of bipolarity", "death and re-birth", and finally "the infinite", respectively dealt with in the second, third and fourth chapter. The fifth chapter, "my inner discourse", materialises the meaningful items determined by the associative @atterns, and it defines my defensive dynamic. It is only at the end of this experiment that i plainly realise the ambiguity of my project : mesmerized by the "object", i was unable to free myself from it. They were my real self : the original thing. My body and the image of my body were but a second self : the meaningful core of the matter was "elsewhere". My "self-analysis" embodied in a thesis appears as the exemplification of my questiioning my own self, an illusion of the senses. I know that i am, for i know that i am a social being; but i refute the logical consequences of that awareness

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Etter, Valérie. "Le monstre dans l'art contemporain : le corps (humain et animal) réinventé." Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAC027.

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Abstract:

Interroger la figure du monstre, paradoxalement, permet de questionner notre condition humaine. Si le corps est parfois envisagé sous son aspect tératologique dans l'art contemporain, déformé, défiguré, altéré de multiples façons, manipulé, métamorphosé, décomposé, etc., c'est parce que le monstre a le don de provoquer le regard, en générant tout à la fois fascination et répulsion. Tantôt réminiscences d'êtres fabuleux de civilisations anciennes, tantôt mutants de l'ère industrielle et génétique, les hybrides créés dans l'art d'aujourd'hui sont le miroir des rêves et des cauchemars, des fantasmes et des peurs de notre société. Ainsi, monstres, hybrides, androïdes forment un inquiétant bestiaire qui témoigne des phobies et obsessions corporelles de notre époque, alors que le corps entre dans « l'ère de sa reproductibilité technique » à travers la chirurgie esthétique ou la biotechnologie, qu’il tend à devenir obsolète tant la communication tend à se faire virtuelle. Le monstre possède le pouvoir de se faire métaphore, de devenir un double qui nous montre, (qui nous monstre), l'envers de nous-même, tout en nous permettant d’appréhender l’autre
Funnily enough, analysing the monster allows us to question the human condition. In contemporary art, the body is often considered as a technological entity, meaning deformed, disfigured, distorted in many ways, manipulated, metamorphosed, decomposed etc. Monsters force us to look at them with both fascination and repulsion. They can be either hybrids – echoes of those fabulous creatures belonging to ancient civilizations – or industrial and genetic mutants. As a matter of fact, monsters in contemporary art represent the dreams, nightmares, fantasies and fears of our modern society. Monsters, hybrids and androids compose an unsettling bestiary displaying the physical fears and obsessions of our present times where bodies can be technically reproduced (either by plastic surgery or biotechnology) or tend to vanish with communication becoming more and more virtual. They are metaphors, doubles revealing ourselves or the way we should approach others. Contemporary art transforms the human body into a phantasmagorical, marvellous, frightening or obscene memento mori that reminds us of our mortality

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Travert, Lucile. "Le démembrement du corps." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010569.

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Abstract:

C'est sur une production plastique continue que nous allons porter notre analyse et chercher à préciser les implications de la pensée et du corps dans le processus d'une création qui depuis 1989 traite toujours d'un seul et même sujet, le corps. Le sujet semble être ce qui constitue la peinture depuis ses origines. Pour la peinture dite figurative dont le but est de figurer, de représenter, le sujet est omniprésent. Il énonce le problème de la narration pour cette peinture qui finit par raconter plus qu'elle ne montre. En effet, telle est l'ambigui͏̈té de la Figuration. Aussi, comment faire pour conjurer la narration dans une peinture figurative ? Nous allons tenter de surmonter notre thèse de départ, à savoir que plus la figuration montre moins elle donne à voir. Pour ce faire nous émettrons l'hypothèse, dans le cadre précis de notre pratique plastique dont le sujet est le corps, d'arracher la figure au figuratif c'est-à-dire de rompre avec le motif figuratif pour préserver le sujet figuraI. Perdre le motif pour maintenir le sujet, telle serait la solution offerte à la peinture figurative pour se sortir d'elle-même, se maintenir et enfin se préserver. Pour cette rupture nous utiliserons le concept de démembrement parce qu'il permet de maintenir le corps dans un état de perte, par son mouvement d'effondrement, et un état de recouvrement, par son mouvement de dépassement. Le démembrement installe le travail dans un perpétuel mouvement de rupture et de tentative de reconstruction. Nous découvrirons à la fin de cette recherche que le démembrement a permis de transformer le motif figuratif en sujet fIgurai, de transférer l'espace traditionnel de la peinture figurative en espace figurai et, enfin, de transfigurer l'oeuvre figurative en oeuvre flgurale où corps et esprit se croisent en un centre qui se brise en permanence. Le démembrement, et non démembrer, situe la recherche plastique du corps dans une durée, un temps inachevé, inachevable en perpétuel retour sur soi. Il expulse l'artiste de son oeuvre. L'artiste mène alors une quête, celle de la perte de ce qu'il n'a jamais eu et qu'il n'aura jamais, c'est-à-dire la perte de l'origine.

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Acuti, Isabelle. "Le monstre dans l'art de 1950 à nos jours." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010532.

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Abstract:

Cette thèse propose une approche du monstre comme énigme au travers du travail de différents artistes qui sont, par ordre alphabétique Acuti, Francis Bacon, Dado, Gary Hill, Jean Rustin et Velickovic et qui ne saurait être confondu avec celui de Botero, Dali et Niki de Saint Phalle chez qui le monstre est symbole. L'énigme interroge sans jamais définir, alors que le symbole contient la réponse. Le monstre comme énigme est un élément concret d'interrogation, il pose la question des origines de l'homme, celle de son identité présente et de son devenir, il questionne sur ce qu'est la condition humaine aujourd'hui. Différents thèmes y sont abordés tels que le malaise et l'inquiétude, l'obscurité et le flou, l'obsession et le voyeurisme, l'obscénité, le débordement et l'explosion, la déformation et la défiguration, ainsi que le morcellement et la décomposition. Réunis sous le terme générique de de figuratifs, ces artistes redéfinissent l'art au travers d'œuvres figuratives qui de 1950 à aujourd'hui, responsabilisent l'artiste et le spectateur et abordent l'idée de la liberté sous un nouvel angle qui vivifie l'histoire de l'art plus que jamais. Une distinction est faite entre le monstre énigmatique sujet et le monstre symbolique objet. Dans ce sens ou le premier interroge pour créer une dynamique de réflexions et de réactions alors que le second répond et dès lors, nie toute possibilité de suppositions en utilisant différents axes tels que la caricature et l'humour, l'utilisation de codes et de la répétition et enfin les couleurs et les jeux. Dans ces œuvres, il est question de représentation presque universelle alors que dans celles des defiguratifs, il s'agit d'agir de façon individuelle, ou l'explication n'a pas sa place, ou il est question davantage d'excitation des sens plus que du sens. Dans les unes, une pétrification s'opère qui n'a pas lieu dans celles qui traitent du monstre comme énigme, interrogeant sans cesse, réactualisant toujours les questions primordiales qui sont celles d'une humanité en quête d'identité.

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Almeida, Marcia Soares de. "Les affections plastiques du corps et la danse contemporaine." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010693.

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Abstract:

Mon travail porte sur la relation mouvement-du-quotidien/mouvements-sur-scene. II y a une manière particulière de bouger selon les sociétés, une sorte de fusion entre I'être et \'environnement, les individus s'imprègnent de choses subtiles qui les font singuliers. L'ego et la physicalité composent la personne, les interactions et I'intrication entre la participation sensorielle de I'individu et son environnement prouvent qu'il existe une me��moire corporelle mêlée a la perception corporelle. L'être humain est en constante reformulation par rapport à lui-même et a ce qui I'entoure ; grace a sa plasticite, il est pret à s'adapter. Le corps est toujours un réceptacle de valeurs. Le corps dansant remodèle Ie monde, tel qu'il se présente à la personne, a travers I'affect de I'environnement. Le danseur expose ses émotions d'une manière telle que Ie public peut les vivre a sa façon, il transforme, de manière poétique, la réalité quotidienne. Par son expression particulière, I'artiste réinvente Ie matériau brut qu'il transforme en une chose qui n'existe pas au départ

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Mouton, Martine. "Les écritures du mouvement : sémiologie de la représentation écrite du mouvement du corps humain en Occident à travers ses systèmes d'écriture : problématique de la transcription du mouvement corporel du XVIème au XXème siècles : application théorique et pratique d'une écriture contemporaine." Paris 5, 1992. http://www.theses.fr/1992PA05H031.

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Abstract:

On nous a tellement répété que le mouvement était condamne à l'éphémère qu'on avait fini par le croire. Le mouvement, c'est à dire toute action physique humaine, laisse des traces dans l'espace et dans le temps. La danse, le sport ou encore les gestes quotidiens de l'homme ont fragilement traverse les siècles. Le verbe, le dessin, la photographie ou maintenant les techniques autido-visuelles ont décrit, reproduit ou enregistre l'action physique sans la représenter dans sa totalité. Cependant, en occident, dès le moyen-Age, apparait le désir de représenter par écrit les mouvements du corps humain, de créer une écriture propre au mouvement, comme l'est l'écriture musicale pour le son. Après de nombreuses tentatives qui ont plus ou moins marque l'histoire de la danse et du geste, le XXème siècle assiste à l'épanouissement de quatre écritures du mouvement : Laban, conte, benesh et eskhol qui sont officiellement reconnues. Ces écritures se révèlent être un moyen de transcription et d'analyse du mouvement. L’écriture conte par exemple, est un système d'écriture utilisant des signes, la plupart empruntes a l'écriture musicale. Par ailleurs, l'écriture procure au mouvement un nouveau statut : elle lui donne la mémoire qu'il n'a jamais eu. Elle participe à la construction de son histoire. Le mouvement n'est plus alors condamne à l'éphémère mais a l'interprétation, terme qui semble se dérober au fur et à mesure qu'on veut le saisir. Mais n'est-ce point-là le devenir de toute écriture?
We have so often heard that movement is condemned to the fleeting that we have come to believe it. Movement, it means all human physical action leaves its traces in space and time. Dance, sport or daily gestures of the human being crossed with fragility the centuries. The verb, the drawing, the photography and now the audio-visual technics described, reproduced and recorded physical action without representing it totally. However, in the western world, since the middle age, appeared the desire to represent by writing the human body movements, and create a writing for the movement, as it exist for the music the sound. After several attempts which have had more or less importance in dance and gesture history, the xxth century is a witness of the coming of four movement notations : laban, conte, benesh and eskhol. The writing of movement is a mean for transcribing and analyzing movement. "ecriture conte" for example, is a writing system using signs, most of which are borrowed from musical writing. Besides, writing brings to movement a new status: it gives to movement the memory it has never had. Movement, then, is no longer condemned to the fleeting but to interpretation, a tem which seems to become less clear as one tries to comprehend it. But is it not here the becoming of each writing ?

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Duclos, Jessica. "Les archives du corps." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30240/30240.pdf.

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Abstract:

Le présent mémoire fait état de ma recherche-création qui se veut une prospection sur la connaissance de soi, comprendre comment les expériences transforment différents aspects de la réalité humaine tels notre corps, notre intimité, notre personnalité et nos émotions. Mon travail s’esquisse autour de la présence de l’autre, de ses affects, et joue sur les possibilités visuelles pour mettre en relief les ambiguïtés interrelationnelles. Mettre en exergue la notion de subjectivation par l’intermédiaire de dispositifs immersifs interactifs est le fil conducteur de ma démarche, cette notion qui fait de nous des êtres créés par les éléments extérieurs qu’il côtoie, qui fait de vous et moi, le même.

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Vasseur, Catherine. "Le cadavre exquis (1925-1975)." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010523.

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Abstract:

Les surréalistes ont inventes de nombreux jeux, parmi lesquels le cadavre exquis fut sans doute le plus intensément et le plus durablement pratique. Ce travail porte uniquement sur les productions plastiques (dessins, collages, peintures) issues de ce jeu. Il comprend un catalogue raisonne couvrant la période de 1925 - date de création de ce jeu - à 1975, et un texte d'accompagnement. Le cadavre exquis y est abordé sous l'angle historique de sa création, de sa diffusion, de ses applications dans les diverses sphères touchées par le surréalisme - en Europe et Outre-Atlantique - durant cette période. Il propose également une réflexion sur les implications découlant de la transposition d'un jeu d'origine verbale a sa version plastique, et tente de mettre en rapport la conception de l'image surréaliste avec divers aspects de la redéfinition plus globale de l'image, telle qu'elle se dessine au tournant de notre siècle et jusqu'à nos jours, à la fois dans sa fonction et ses modes d'élaboration, dans diverses disciplines qui ont pour dénominateur commun la mise en visibilité du réel. L'image se révèle alors aussi comme un instrument de traduction d'une vision du réel - et non comme le réel lui-même
The surrealists created a lot of collective games ; among them, the exquisiste corpse is no doublt the most famous and the one which was most practised. This research concerns the "plastic" (drawings, collages, even paintings) productions created from the proceed of the surrealist game. It consists in a catalogue raisonne - assembling productions betwwen 1925 and 1975 - and an accompanying text, in which the different historical aspects are studied and analysed (applications of the game, diffusion in europe and america). Secondly, a reflection is proposed about the implications of the transposition from the verbal game to a plastic version of the same. Through a confrontation between surrealist conception of the "poetic" image and the "image" in different domains - such as painting, phtotography, illustration, collage - we try tosee how the exquisite corpse take part of the re-definition of the image - as an element of visibility of the world - in our century. The image seems to reveal itself as a translation of a conception of the world - and not as the world by itself

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Blanchard, Lyse. "L'homme désespécé - tête et corps - : ensemble d'une picturalité organique." Electronic Thesis or Diss., Amiens, 2016. http://www.theses.fr/2016AMIE0003.

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Abstract:

Cette thèse propose de revenir sur des questionnements majeurs dans l'histoire de nos représentations en portant un regard évolutionniste sur des thèmes tels que l'art et l'anatomie. L’art du corps et l'art du visage, regroupés sous une pellicule désespécée, c'est-à-dire une proposition d'hommes et d’animaux aux épidermes fragiles et douloureux. Le terme « désespécé » émane du vocabulaire beckettien, une signature en parfaite corrélation avec mon univers plastique. Ma picturalité s'apparente à un puzzle d'organes et d'ossements, des « tas » qui se mettent à vivre grâce à l'organologie sciences irraisonnée ou non raisonnable sous mon pinceau qui ignore ce qu'elle deviendra. Qu'est-ce qui exprime au mieux le devenir d'un corps, ses limites, ses modulations ? Il faut rechercher ceci dans la matière première. Seul moyen de mettre en tension les choses écrites et peintes pour les faire exister. Le chemin de l'homme désespécé s'est tracé sur ces terres guerrières dont l'artiste a su en saisir l'écho pictural. La trace s'est faite empreinte, l'empreinte s'est faite peinture au service de la mémoire. Des papes hurlants en passant par les enfants de chœur contristés jusqu'aux gueules cassées, il n'y avait qu'un pas. L'homme universel avec l'union des disciplines que sont l'histoire, l'art et la chirurgie
This doctoral dissertation aims at renewing the exploration of the major questions in the history of our representations. It adopts an evolutionary perspective on topics such as art and anatomy.The art of the body and the art of the face of men and animals, having both lost any resemblance to their species are perceived only through their painful and fragile skins: they have become “désespécé”, to quote Beckett; a reference that takes on its meaning from a plastic perspective.My work consists in a puzzle of organs and bones, "heaps" that come alive through organology, an irrational or unreasonable science under my brush that has no preconceived idea of what it will ultimately become. What best expresses the fate of a body, its limits, its modulations? Only the raw material can provide an answer. The only means of creating a tension between the written and the painted things to make them come to life.The path of the “désespécé” man goes through these warlike lands whose pictorial echoes the artist was able to capture. Men and animals left footprints which were then printed in the canvas to keep alive that memory. From howling popes to grieving choirboys, the next step were these broken faces. A universal human being bringing together such disciplines as history, art and surgery

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Bouftass, Saïd. "La morphologie du corps humain entre pédagogie artistique et science du corps." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA082034.

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Abstract:

Le corps humain a depuis toujours fasciné. Science, philosophie, art. . . Les disciplines majeures ont fait du corps humain leur objet de recherche. Alors, qu'en est-il de la représentation du corps ? Peut-on dresser un historique, au sein d'une institution comme l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris ? Y-a-t-il une pédagogie liée à l'étude du corps ? Comment des siècles d'anatomie ont donné naissance à la morphologie ? C'est à une aventure d'une incroyable richesse que vous convie l'auteur de cette recherche

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Breton, Myrtille. "Le corps opérateur." Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/37822.

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Abstract:

Le corps opérateur est une réflexion sur l’état de corps pendant une action-performance. Cetexte d’accompagnement explore les différents éléments qui viennent façonner ce «corpsopérateur» durant mes actions: le corps lui-même, les mots, l’espace public et la vidéo. Je questionne donc mon rapport au corps performatif, celui qui crée, danse et se meut et saprésence, mais aussi mon lien avec les textes qui viennent inspirer mes gestes; j’utilisemon corps comme un traducteur, passant des mots aux gestes. Ce corps performatif vientensuite se confronter à l’espace qu’il occupe, ici des espaces publics, espaces partagésentrainant de nouvelles présences, celles des passants. Enfin la diffusion, passant par lavidéo, entraîne de nouveaux espaces créés.

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Hwang, Eunok. "Le corps exposé entre espace intime et espace public : approche par la vidéo-performance." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010542.

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Abstract:

La thèse interroge les dualismes intérieur/extérieur et visible/invisible au travers de la vidéo-performance. Les scènes qui se déroulent dans l'espace public à Paris et à Séoul (Corée du Sud) nouent deux mondes, deux regards, deux sentiments. La recherche tente d'éprouver l'hypothèse suivante: comment le corps caché/montré à travers la performance crée-t-il un espace intime dans l'espace public ? La thèse s'articule en deux parties : I. Le corps enfermé à l'extérieur, II. L'espace intime dans l'espace public. Toutes les réflexions se concentrent sur ce corps à la fois vu et voyant. Les théories convoquent notamment les écrits de Merleau-Ponty, Maurice Blanchot, Hannah Arendt, Martin Heidegger, Gaston Bachelard, Georges Perec. L'analyse des œuvres de Louise Bourgeois, Éliane Chiron, Valie Export, Marina Abramovic, Tony Ours ler, Tehching Hsieh, Shirin Neshat, Orlan, Nan Goldin et Sophie Calle ont fourni des pistes sur le rôle et l'engagement de l'artiste dans la société, sur l'expérience singulière du corps et de l'espace. Comparativement, huit performances (#3, #4, #5, #6, #7, #8, #9, #/0) réalisées dans la rue à Paris et à Séoul permettent d'aboutir à cette thèse: le corps caché/montré à l'intérieur/extérieur éprouve ce sentiment ambigu de l'intime en soi à travers l'enfermement en public. L'Art révèle à la fois ce corps émotionnel et l'intime collectif en visualisant l'espace invisible dans l'espace public.

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Vrijs, Anke. "Métamorphoses permanentes : image du corps reproduite, entre filiation et engendrement." Strasbourg, 2011. https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2011/VRIJS_Anke_2011_1.pdf.

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Abstract:

Partie de l'intuition des liens intrinsèques entre corps et image, nous constatons que le corps et son image suscitent de nombreuses questions. Si pendant des siècles les filiations d'une image à l'autre étaient assez lisibles - copie, reprise, répétition, interprétation, plagiat ou remake par exemple -, aujourd'hui l'image du corps et les transformations multiples de cette image s'intègrent dans une démarche oscillant entre un travail sur l'image unique et l'image multiple. Copie et original sont des notions qui se brouillent et qui perdent leurs sens premier. Production et reproduction d’images se confondent. L'image se présente plutôt comme étant en transition dont les étapes de transformation successives sont plus ou moins lisibles. Nous postulons et supposons alors que l'image transformée est hybride (elle contient du neuf et de l'ancien, palimpseste et souvenir). L'interdépendance des images nous mènera à supposer que l'image est en métamorphose permanente, autrement dit, à voir si la production de l'image ne serait pas également recréation de celle-ci. Se pose alors la question du modèle en relation avec la production et la métamorphose par la reproduction partielle ou complète. Nous supposons que d'un médium à l'autre, l'image pourrait être recréée et que cette recréation se ferait au profit du mode de la récréation, du jeu
Starting from the intuition that body and image are closely linked, we have then observed that this connection raises some interesting questions. Considering that for centuries, the relations of one image to another had been easily identifiable, it is to be admitted that today, the image of the body and its numerous transformations is part of a process involving a constant dialogue between unique and multiple images. The concepts of copy and original have become blurred and have lost their primary meaning. Actually, the production and reproduction of images have gotten mixed up. The image should therefore be considered as being in permanent transition, the steps of its successive transformations being more or less legible. We postulate and suppose that the transformed image is a hybrid, containing new and ancient elements, superimpositions and memories. The interdependence of images leads us to consider that the image is in a state of permanent metamorphosis and that its production may also be a re-creation. This raises the question of the relationship between the model, the production process and the idea of metamorphosis through partial or total reproduction. We suppose that from one medium to the other, the image can be recreated. This recreation could then lead to the idea of fun and games

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Rekik, Mohamed. "Le Feu au corps : essai sur les métamorphoses suivant l'aspect de l'évolution dans l'involution de la forme." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010589.

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Abstract:

Ma thèse s'attache à savoir comment et pourquoi «le corps» envahit par «le feu» et la flamme est employé dans la pratique artistique contemporaine, Le feu possède un très fort caractère d'ambivalence dans l'imaginaire des hommes. Il est souvent associé à la couleur rouge, au cœur. Tantôt il incarne la passion, l'amour ou la colère, tantôt il symbolise l'esprit. Il est essentiel à la vie. Il réchauffe et éclaire, il cuit les aliments, il protège du danger et du mal, il détruit pour purifier. Il est encore amour spirituel; dans la verticalité de sa flamme il faut voir la symbolisation de l'élévation spirituelle et immatérielle, il brille au Paradis. Mais le feu est aussi puissamment destructeur. Il brûle sous terre en Enfer au cœur des volcans comme dans le ciel. Mon hypothèse de travail est que l'obtention d'une image du corps autre, restructuré de façon novatrice, implique une déstructuration préalable. C est par une pratique artistique réflexive et créative que j'espère tester la validité de cette hypothèse; pour ce faire je vais tenter de cibler l'image recherchée tout d'abord, il un niveau conceptuel, puis dans un déroulement souhaité logique, il un niveau formel. La démonstration plastique s'appuiera sur des recherches et des divers possibles attachés au feu et au corps. A ma grande surprise, et au fil des recherches élaborées sur l'effet du feu brûlant, les aboutissements formels infinis se métamorphosent pour donner naissance et apparition a des nombreuses corps étranges. Je m’arrêterai là, je ne chercherai pas à démontrer le mécanisme de cette métamorphose mais au contraire, cette inflammation subit par le feu, pour sortir du sujet qui m'occupe.

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Coulombe, Maxime. "Orlan : l'identité violente." Master's thesis, Université Laval, 2003. http://hdl.handle.net/20.500.11794/17769.

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Choi, Bong-lim. "Portraits de mains dans la photographie." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010662.

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Abstract:

Mes études concernent deux problèmes à travers les portraits de mains dans la photographie : l'un théorique l'autre historique. Le premier qui a, pourtant, une réelle validité historique consiste à savoir comment la figuration de mains peut entrer dans la définition du genre portrait, en d'autres termes, comment la main peut se substituer au visage. Le second pourrait se formuler de la façon suivante : à quelles conditions historiques et à quelles adhésions de systèmes iconographiques les portraits de mains peuvent-ils se produire? Mes études essaient d'abord de reconstituer la signification des affirmations de soi par les artistes eux- mêmes en donnant à chaque autoportrait de mains un caractère d'évènement et en voulant déterminer l'horizon esthétique dont son émergence dépend. Elles examinent ensuite des modalités de la fonction commémorative de notre objet, lesquelles ont pour conséquence de considérer la figuration de mains en tant que paradigme du portrait. En dernier, on analyse, à travers la « main du banquier d***, étude chirographique » de Nadar, les conditions externes de possibilité de l'apparition du portrait documentaire qui s'accompagne de la perte totale des valeurs commémoratives inhérentes au portrait, et élucide le propre du portrait documentaire. Le portrait de mains apparaissait au XIXe siècle au moment où les valeurs de la main étaient dépréciées profondément dans la production iconographique : l'académisation des arts visuels procédait à la démarcation entre l'esprit et la main à partir de laquelle s'est établie toute la hiérarchie des arts du dessin. À l'époque ou l'esprit s'est réservé le droit exclusif d'assumer les actes signifiants de l'homme, l'acte photographique a continué de valoriser la main humaine
My studies concern two problems through the portraits of hands in the photography : one is theoretical, the other is historical. The first which has yet a real historical validity consists in knowing how the figuration of hands can enter into the definition of the portrait, in other words, how the hand can be a substitute for the face. The second can be formulated the following way : at which historical conditions and in which implications of iconographic systems the portraits of hands can be producted? My studies try first to constitute the meaning of the assertions of the self by the artists themselves, in giving to each self-portrait of hands the characteristic of an event, and in trying to determine the esthetic frame on which its emergence depends. They examine next the modalities of the commemorative function of our object, which have as consequence to consider the representatin of hands as paradigm of the portrait. Lastly, we analyse, through the « hand of banker d***, study of chiromancy » by Nadar, the external conditions of the possibility of appearance of the documentary portrait which is accompanied by the total loss of the commemorative values, inherent to the portrait, and clarify the proper of the documentary portrait. The portrait of hands appeared in the 19th century, at the time when the values of the hand were deeply undervalued in the iconographic production : the academic process of the visual arts proceeded to reinforce a boundary line between the spirit and the hand on which the whole hierarchy of the arts of drawing was established. At the time when the spirit reserved the exclusive right of assuming the meaningful acts of the human being, the photographic act has continued to restore the values of the human hand

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Lasne, Magali. "Des structures internes du corps humain aux extensions spatiales : essai d'interprétation de l'interdépendance de ces deux espaces pour une approche artistique." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010540.

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Abstract:

Art et Science se trouvent liés pour aider I 'homme a connaître son organisme. Composé de multiples structures internes, cet espace intérieur semble destine a disparaître malgré nos tentatives de conservation. Nos réalisations artistiques devancent cette dématérialisation et orientent nos recherches. Entre opacité et transparence, visible et invisible, présence et absence, Ie corps semble être le composé d'éléments a priori contraires. Suite a la disparition charnelle, la peau, surface bidimensionnelle, parvient à recréer un volume corporel. Nos structures internes se retrouvent alors dans le tissage et les profondeurs de cette enveloppe corporelle. La peau semble plus ou moins filtrer ces structures vers l'espace extérieur celui-là. Les structures internes se tendent comme autant d'extensions a la conquête de l'environnement lui-même composé de multiples réseaux. L'homme peut-il plus aisément s 'y intégrer ? s'y projeter ? s'y multiplier au risque de s'y diviser et de s'y fondre. . .

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Kim, Bo-Hyun. "Du sang vivant." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010619.

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Abstract:

Cette thèse, soumettant au processus créateur de l'écoulement du sang, cherche diverses manifestations et significations du sang à travers le champ des arts plastiques. Nous étudions dans cette recherche l'effusion du sang dans la maladie, les blessures volontaires ou involontaires, l'art corporel, divers rituels sanglants, le sacrifice, la décapitation, l'accident et l'hécatombe. Ces phénomènes donnent au corps des modifications morphologiques et esthétiques, tels que cicatrisation, mutilation, démembrement, défiguration, réfiguration et monstruosité. Le corps blessé, fracturé et la chair morcelée se présentent comme création de nouvelles images-corps. Le saignement crée aussi des configurations scéniques hors corps à partir de ses gouttes, qui s'incarnent pour une représentation autonome. Les images de sang et ses esthétisations nous transmettent les sens symboliques, nous révèlent notre entité psychique, sociale, politique, anthropologique et spirituelle. Les scènes sanglantes se réactualisent sans cesse au fil de l'histoire, dans l'image comme incarnation, car l'image du sang nous effraie, mais elle possède en particulier une force dynamique qui parvient à renouveler et fortifier notre être complexe ayant déjà du sang vivant. Du sang versé en perte de vitalité, advient paradoxalement le sang faisant vivre, qui contribue à notre contrôle ontologique. Le sang, à travers ses nombreux symptômes visuels et plastiques, peut être désigné comme la signifiance et l'expression incontestable du corps, celles de la vie corporelle et de l'anima.

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Guerber-Cahuzac, Chloé. "Le corps réinventé : sens et enjeux de la modélisation du corps humain par le cinéma." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030033.

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Abstract:

Soumis au récit, le corps au cinéma est souvent réduit à des actes, à des symboles lisibles. Pour réapparaître, il doit s'insurger contre les règles de la fiction et devenir " un corps contre ". Cette réinvention est conditionnée par la spécificité analogique du médium. Pour distinguer les particularités du corps filmé et les enjeux de sa modélisation, nous évoquons la chronophotographie, l'anthropologie visuelle, la sculpture, la peinture et la danse. Notre approche esthétique intègre ainsi des dimensions historique, culturelle, anthropologique et éthique. Puis, quatre cas précis illustrent la construction du corps contre la narration : le personnage keatonien ; le modèle hollywoodien façonné par la censure des années trente ; le motif du corps fragmenté dans le cinéma français des années soixante ; le corps épuisé chez John Cassavetes. Peu à peu, des croyances se dessinent rappelant que toute réinvention du corps relie univers singulier, imaginaire collectif et statut du médium
Subordinated to the narrative, the body in cinema is often reduced to actions, to legible symbols. To reappear as itself, it must revolt against the rules of fiction and become "an opposing body. " This reinvention is governed by the analogical specificity of the medium. To distinguish the particularities of the filmed body and of its modeling, we evoke time-lapse photography, visual anthropology, sculpture, painting, and dance. Our aesthetic approach thus integrates historical, cultural, anthropological, and ethical dimensions. Then, four specific cases illustrate the construction of the body against the narration : the Keatonian character ; the Hollywood model resulting from censorship in the 1930s ; the motif of the fragmented body in the French cinema of the 1960s ; the exhausted body filmed by John Cassavetes. Little by little, concepts emerge to remind us that all reinventions of the body bring together a singular universe, a collective imagination, and the status of the medium

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Denoual, Fabienne. "Le corps/objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010641.

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Abstract:

Cette thèse fait état du problème que soulève la rencontre du corps et de l'objet dans les arts plastiques et la danse contemporaine. Elle tente de faire apparaître qu'au-delà du rapport du corps à l'objet, au cœur du vacillement issu de leur rencontre, se dégage une entité propre formalisée par le concept de corps/objet, dont ce travail se propose de relever les modalités dynamiques - entre indifférenciation et dialectique. Plus qu'une simple description des types de relations corps-objet. Ce concept de corps/objet permet de mettre à jour un véritable processus métabolique fondé sur la transfiguration transfiguratrice du vacillement qui devient ici le vecteur d'une métamorphose éclatante, le corps devenant créateur. C'est à débusquer sa présence au cœur même des dispositifs artistiques étudiés, et son implication chez ceux qui lui sont confrontés (artistes, danseurs, spectateurs) que ce cheminement nous invite

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Wermester, Catherine. "Le corps mutilé dans la peinture allemande : (1919-1933)." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010518.

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Abstract:

Première étude d'ensemble consacrée aux images de corps mutilés créées sous la république de Weimar, ce travail propose une approche iconologique au sens moderne du terme. Le corpus, compose d'images puisées dans l'œuvre d'une vingtaine d'artiste est ainsi interprété de manière à mettre en évidence les significations diverses que lui attribuent les différentes avant-gardes allemandes de l'entre-deux-guerres. S'ajoutant aux lectures psychanalytique et mythologique, l'exposition et l'analyse du discours de la politique officielle adoptée à l'égard des mutilés ont ainsi permis d'élucider le rôle et la place accordés à la figure du mutilé au sein de deux problématiques essentielles de l'art allemand des années vingt, celle des rapports de l'art et de la politique et celle de sa réflexion sur la société machiniste
This overall study deals with images of mutilated bodies which were created during the Weimar germany. It offers new readings of the artworks relying of the method of iconology in the modern sense of the term. The corpus is made of images chosen from the work of twenty or so artists and his interpretation is meant to bring forward the varied significations ascribed to them by the many german avant-gardes of the interwar period. When added to psychoanalytic and mythological readings, the analysis of the official political discourse adopted while refering to mutilated soldiers has made it possible to clarify the role given to the mutilated figure within two essential themes of german art in the 1920's. That is the relationship between art and politics and its reflections on the modern industrial society

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Lahuerta, Claire. "Poi͏̈étique de l'écoulement. Entre-deux corps. Humeurs secrètes." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010629.

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Abstract:

Cette thèse étudie l'écoulement corporel comme processus créateur. La poi͏̈étique y est méthode de recherche, outil théorique et plastique. A partir du thème des sécrétions corporelles, l'hypothèse est que l'écoulement en pure perte, des fluides corporels, peut être envisagé, dans l'art, comme un potentiel de métamorphose. Naturellement évacués par des mécanismes d'élimination comme l'urine et la transpiration, les liquides corporels maintiennent l'équilibre de la machine organique. Mais qu'un seul grain de sable enraye cette mécanique et c'est tout l'organisme qui est corrompu. Les pratiques abordées dans cette thèse font référence à un corps dysfonctionnant. A partir d'une pratique singulière, le champ sémantique naît du geste, et inversement. Le rythme de l'écoulement transforme la matière par une perturbation dynamique des substances. Les ultimes contingences plastiques et conceptuelles des créations corporelles contemporaines sont ici exposées dans leur dimension rédemptrice.

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Kim, Ryoung. "Disjonction et combinaison à travers l'image du corps humain : une recherche plastique personnelle." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082311.

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Abstract:

Cette thèse est un travail mixte d'arts plastiques, c'est-à-dire un mémoire articulant une pratique artistique personnelle et une réflexion théorique. Ma propre pratique plastique, demeurant dans l'espace à deux dimensions, se caractérise avant tout par la représentation du corps humain. Dans cette réalisation artistique, en utilisant trois médias tels que la peinture, la photographie et la nouvelle technologie, j'ai travaillé avec les deux idées antinomiques : la " disjonction " et la " combinaison ". Le cadre de la réflexion théorique repose donc sur celui de mon travail artistique : les trois disciplines citées plus haut du XXe siècle. En dévoilant les aspects de la " disjonction " et de la " combinaison " sur le plan de la forme et du procédé technique, j'ai voulu jeter une nouvelle lumière sur les productions artistiques qui sont examinées dans cette étude. L'objectif de ma recherche est d'établir mon univers artistique qui est constitué par ces deux notions contrastées en précisant des éléments plastiques que j'ai utilisés dans les réalisations, de développer ma pratique dans un nouveau champ combiné des médias et, en même temps, de bâtir une théorie artistique sur la base de mon travail plastique
This thesis is a mixed work of the plastic art, that is to say a memoir articulating a personal artistic practice and a theoretical reflection. My own plastic practice, which remains in two-dimensional space, is characterized above all by the representation of the human body. In this artistic realization, employing trois media like painting, photography and new technology, I worked with two opposite ideas : the disjunction and the combination. The categorie of theoretical reflection rests thus on that of my artistic work : three disciplines mentioned in the 20th century. By revealing the aspects of the disjunction and the combination in point of the forme and the technical method, I have undertaken to view a new light the artistic productions which were examined in this study. The objective of my research is to establish my artistic world that is constituted by these two opposite notions by clarifying plastic elements that I have used in realizations, to develop my practice in a new field combined medas and, at the same time, to build an artistic theory on the basis on my plastic work

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Blanchard, Lyse. "L'homme désespécé - tête et corps - : ensemble d'une picturalité organique." Thesis, Amiens, 2016. http://www.theses.fr/2016AMIE0003.

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Abstract:

Cette thèse propose de revenir sur des questionnements majeurs dans l'histoire de nos représentations en portant un regard évolutionniste sur des thèmes tels que l'art et l'anatomie. L’art du corps et l'art du visage, regroupés sous une pellicule désespécée, c'est-à-dire une proposition d'hommes et d’animaux aux épidermes fragiles et douloureux. Le terme « désespécé » émane du vocabulaire beckettien, une signature en parfaite corrélation avec mon univers plastique. Ma picturalité s'apparente à un puzzle d'organes et d'ossements, des « tas » qui se mettent à vivre grâce à l'organologie sciences irraisonnée ou non raisonnable sous mon pinceau qui ignore ce qu'elle deviendra. Qu'est-ce qui exprime au mieux le devenir d'un corps, ses limites, ses modulations ? Il faut rechercher ceci dans la matière première. Seul moyen de mettre en tension les choses écrites et peintes pour les faire exister. Le chemin de l'homme désespécé s'est tracé sur ces terres guerrières dont l'artiste a su en saisir l'écho pictural. La trace s'est faite empreinte, l'empreinte s'est faite peinture au service de la mémoire. Des papes hurlants en passant par les enfants de chœur contristés jusqu'aux gueules cassées, il n'y avait qu'un pas. L'homme universel avec l'union des disciplines que sont l'histoire, l'art et la chirurgie
This doctoral dissertation aims at renewing the exploration of the major questions in the history of our representations. It adopts an evolutionary perspective on topics such as art and anatomy.The art of the body and the art of the face of men and animals, having both lost any resemblance to their species are perceived only through their painful and fragile skins: they have become “désespécé”, to quote Beckett; a reference that takes on its meaning from a plastic perspective.My work consists in a puzzle of organs and bones, "heaps" that come alive through organology, an irrational or unreasonable science under my brush that has no preconceived idea of what it will ultimately become. What best expresses the fate of a body, its limits, its modulations? Only the raw material can provide an answer. The only means of creating a tension between the written and the painted things to make them come to life.The path of the “désespécé” man goes through these warlike lands whose pictorial echoes the artist was able to capture. Men and animals left footprints which were then printed in the canvas to keep alive that memory. From howling popes to grieving choirboys, the next step were these broken faces. A universal human being bringing together such disciplines as history, art and surgery

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Schedler, Bittencourt Adolfo Luis. "La dé-figuration : une évocation de la présence." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010682.

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Abstract:

Cette recherche est basée sur l'analyse de ma production artistique, caractérisée par la juxtaposition d'un vocabulaire de formes organiques ou inorganiques utilisées comme remplaçantes de certaines parties du corps humain. On va trouver ces fragments déterminés par une forme elliptique qui est présente dans presque toutes les cultures pré chrétiennes. Il s'agit en fait d'une dé- figuration de l'être humain, où il ne reste que ce qui lui est essentiel. La matière sera vue comme agent de transformation du projet initial et agent de création. Elle comprendra la description des changements du projet prédéterminé à partir des actes perceptifs qui auront lieu au moment de l'élaboration de l'oeuvre. Ce processus va se caractériser à partir d'une sorte de mouvement dialectique et systématique entre la représentation et l'abstraction, qui touchera, l'anéanti, l'informe, mais qui en même temps conservera toujours son caractère de figure ou figuratif, on va dénommer processus de dé-figuration.

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Silva, Liliana Coutinho Da. "Pour un discours sensible sur la capacité cognitive du corps dans l'expérience de l'art." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010570.

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Abstract:

Pour un discours sensible – sur la capacité cognitive du corps dans l'expérience de l'art est une réflexion sur l'expérience esthétique en tant qu'expérience de connaissance. Elle est nourrie par le travail de médiation entre art et société, que je développe en parallèle à mon parcours académique. Je veux comprendre, par un discours au plus près de l'activité sensible déclenchée par l'expérience d'œuvres d'art spécifiques, les liens entre l'artistique, l'esthétique et la connaissance, cette dernière comprise comme action effective dans l'environnement auquel nous appartenons. Les œuvres d'art sont prises selon une approche systémique, qui lesenracine dans des contextes historique, social et esthétique, alors que ces mêmes œuvres participent de leur composition. Abordant le rapport entre langage et expérience sensible, le rôle cognitif de la figuration et de l'indétermination au sein du langage théorique et la définition de corps et d'image au carrefour de lignes d'action sensitives, énergétiques et sociales, j'ai cherché à voir où me conduisait mon expérience de l'œuvre au niveau théorique. L'objet d'art est devenu un objet qui émergeait par ma corrélation avec lui et ceci au fur et à mesure que ma connaissance du champ de discussion visée s'élargissait. La question du rapport entre expérience esthétique et connaissance sous-entendait celle de savoir comment une expérience subjective pouvait être partagée et être considérée comme appartenant au champ d'expérience commune. La thèse se termine ainsi par une réflexion sur un horizon politique à même d'accepter les singularités vers lesquelles pointe l'expérience esthétique

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Deramaix, Emmanuelle. "Á corps perdu : sculpter la vie." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010657.

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Abstract:

Le corps perdu dont il est question dans cette thèse est celui qui a disparu suite à un événement traumatique subi en 1998. Il s'agit d'un A. V. C qui m'a immobilisée pendant plusieurs mois et qui a engendré une paralysie de toute la partie gauche de mon corps. Ce bouleversement physique va se répercuter sur mon travail plastique. Ressentant avec davantage d'acuité des phénomènes physiques tels que la gravité, l'immobilité et l'horizontalité, je vais tenter de les comprendre à travers une approche plastique plus que médicale. Je ne vais garder de mon ancienne pratique qu'un fil blanc auquel je vais m'accrocher pour me construire une nouvelle identité. C'est « à corps perdu », dans une nécessité vitale que je vais non pas tenter une réparation, mais une re-création. Ainsi, c'est ce corps mis à mal par l'A. V. C qui va permettre l'advenue d'un Je créateur qui continuant à dérouler le fil blanc de mon ancienne pratique va s'enrichir de mes incapacités physiques, travaillant désormais le soin et la relation au même titre que le temps. L'incertitude du vivant est désormais au cœur de cette pratique entre art et vie.

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Bacha, Lilia. "Le regard en-péché." Paris 1, 2012. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://www.harmatheque.com/ebook/9782343058085.

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Abstract:

La femme qui m'est arrivée. Redéfinir la femme à travers le regard qu'on lui porte. S'intéresser dans ce cas au regard qui va se promener sur son corps : coupable, interdit, voyant, magique, unique, second, aveugle. . . S'intéresser aussi au corps regardé : son troisième œil, son obscénité, sa monstruosité, sa duplicité, son androgynie, sa dominante féminine. . . Proposer ici une nouvelle conception de la 'awra, ce terme arabe dont un sens est « borgne », et qui désigne à la fois les parties qu'il faut cacher, le corps et la femme. Mieux comprendre l'attitude ambivalente face au corps regardé, c'est-à-dire cette voix de l'oeil qui dit : « ferme les yeux et regarde à travers les paupières ». S'intéresser à la voix de l'oeil : interdit, et dépassement. Aborder la transgression par la question de l'intouché intouchable paradoxalement déjà touché, et celle du retouché. Hawa', une sorte de « troisième être » se dessine alors et se distingue de la femme. Prendre conscience de l'existence de cette autre femme qui arrive aux hommes et aux femmes, cette autre de l'autre, oscillant entre le sale et le sacré, l'inhumain et le surhumain, celle qui est tout ce qui n'est pas humain. . .

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Grosu, Juliane. "Territoires du corps féminin." Limoges, 2013. http://www.theses.fr/2013LIMO2021.

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Abstract:

Ce travail de recherche géocritique étudie le corps féminin en tant qu’espace géographique dans six oeuvres qui utilisent des supports différents –texte, image fixe et image mobile- et où le corps devient paysage et territoire : Le Pique-nique sur l’Acropole (Louky Bersianik), Enclosed Worlds in Open Spaces (Kathy Prendergast), Hable con ella (Pedro Almodóvar), « Six inches » (Charles Bukowski), The Pillow Book (Peter Greenaway) et El anatomista (Federico Andahazi). Se situant à la croisée des courants postmoderniste, postcolonialiste et féministe, ces fictions ont en commun deux grands thèmes: la fragmentation, ainsi que la domination et l’exploration du corps féminin. La question principale qui guide ce travail est : comment les auteurs du corpus mettent-ils en scène les corps des femmes dans leurs dimensions séductrice, désirante et/ou effrayante ? Cette étude accorde, dans un premier temps, un intérêt particulier à la genèse des oeuvres, aux procédés d’intertextualité et d’intratextualité, et questionne aussi les genres, tant artistiques que sexuels. L’étude des cosmographies du corps féminin permet, par la suite, d’interroger les divers aspects de leur mise en scène qui les situent entre les conceptions de la nature et de la culture. Cette recherche examine aussi les topographies de la résistance féminine, les identités mobiles qui échappent au contrôle, ainsi que les territoires éphémères qui se dessinent et se redessinent sans cesse. Car, face au (bio)pouvoir, le corps se positionne aussi comme un « site de résistance » (Elizabeth Grosz) et comme le sujet d’une « biorevendication » (Christine Détrez et Anne Simon). Les analyses de l’ekphrasis, de la parodie, de la géographie dans ces fictions permettent de mettre en valeur des concepts essentiels pour cette étude, tels que la mimèsis (Aristote), l’hétérotopie (Michel Foucault), la médiance (Augustin Berque), la corpographèse (Marie-Anne Paveau et Pierre Zoberman), la territorialisation et la déterritorialisation (Gilles Deleuze et Félix Guattari)
This geocritical research studies the feminine body as a geographic space in six works that use different media supports—text, fixed images, and mobile images—and in which the body becomes a landscape and a territory: Le Pique-nique sur l’Acropole (Louky Bersianik), Enclosed Worlds in Open Spaces (Kathy Prendergast), Hable con ella (Pedro Almodóvar), “Six inches” (Charles Bukowski),The Pillow Book (Peter Greenaway), and El anatomista (Federico Andahazi). Situated at the crossroads of Post-Modernism, st-Colonialism, and Feminism, these works of fiction share two main themes: fragmentation as well as domination and the exploration of the feminine body. The main question that guides this work is: how do these authors conceptualize the bodies of women in their seductive, desirable, or frightening dimensions? Firstly, this study undertakes a particular interest in the genesis of the works, in their intertexutal and intratextual processes, also questioning artistic genres and sexual genders. The study of cosmographies of the feminine body enables us, then, to analyze the various aspects of their mise en scène which locates them between natural and cultural conceptions. This research equally examines the topographies of feminine resistance, the mobile identities that escape control, as well as the ephemeral territories that endlessly draw and redraw themselves. Because, when confronting the (bio) power, the body also positions itself as a “site of resistance” (Elizabeth Grosz) and as the subject of a “biorevendication” (Christine Détrez and Anne Simon). The analyses of ekphrasis, parody, and geography in these fictional works allow for the valorization of concepts essential to this study, such as mimesis (Aristotle), heterotopia (Michel Foucault), médiance (Augustin Berque), corpographèse/bodygraphesis (Marie-Anne Paveau and Pierre Zoberman), and territorialization/deterritorialization (Gilles Deleuze and Félix Guattari)

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Lanzani, Rossana. "Objets portables, prothèses et mise en scène : l'expérience du corps." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27739.

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Abstract:

Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.

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Marull, Mélodie. "Du corps transgressif au corps subversif : corporéités dissidentes dans l'œuvre de Pierre Molinier." Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2018. http://www.theses.fr/2018LORR0338.

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Abstract:

L’œuvre de Pierre Molinier (1900-1976) est profondément transgressive, autant par les procédés élaborés que par les thèmes investis. Le réseau d’influences nourrissant les expérimentations plastiques de l’artiste est com-plexe et nous verrons comment certains de ses points nodaux tel que le fétichisme sont métaphorisés au sein de ses techniques photographiques et picturales. Il s’agira également de comprendre pourquoi les images et les discours qu’elles produisent apparaissent aujourd’hui comme précurseurs d’une conception queer de l’identité, du corps et des sexualités. Par ailleurs, une telle recherche pose la question du regard porté sur ses œuvres et de la contextualisation de celui-ci. Nous avons eu recours à une méthodologie d’analyse similaire à celle employée par William F. Edmiston dans Sade Queer Theorist et reposant sur de réguliers retours aux œuvres et aux textes issus des notes et des correspondances de l’artiste. Nous avons choisi d’articuler notre thèse selon deux mouvements, similaires à ceux structurant le processus créatif de l’artiste. La première partie repose sur l’analyse d’une extension au-delà du corps de l’artiste. Masques et prothèses sont employés en tant qu’outils de modification corporelle et participent à l’expression d’une authenticité dans l’artifice. Les créa-tures que Molinier compose à partir de photographies de lui- même et de ses modèles traduisent le passage de la multiplicité à l’unité et donnent à voir des anatomies dissidentes. La seconde partie, répondant à la précédente, correspond à un mouvement de contraction. D’une part, son rapport à l’autre s’établit sur le mode de l’absorption, l’artiste conçoit le caractère ductile des corps et les emploie comme matériaux de création. D’autre part, les expérimentations autoérotiques occupent une place primordiale dans le paradigme molinien qui s’approprie le vocabulaire visuel du Bdsm. Chez Molinier, le corps se révèle dans une matérialité créatrice à partir de laquelle l’artiste- alchimiste donne naissance à des créatures hybrides, incarnant son idéal de fluidi-té de l’identité et des sexualités. Pierre Molinier vient perturber des systèmes binaires et normatifs tant dans ses pratiques autoérotiques que dans leur mode de représentation. Construisant un langage de l’intime et du corps, il en reconfigure la forme et les fonctions, alliant mascarade et transgression vers de nouvelles corpo-réités
Pierre Molinier's (1900-1976) art is fundamentally transgressive, regarding as much the process he elaborates as the topics he addresses. The artist's experiments are built on a complex network of influences, and we will explore how some of its nodal points - such as fetishism - are metaphorized in his photographic and pictorial techniques. This thesis deals with an understanding of how the images and the discourses they produce nowa-days appear to us as a proto-queer idea of identity, embodiment and sexualities. Furthermore, our research interrogates the perception of his works and their contextualization. Our analysis methodology is quite similar to the one that William F. Edmiston develops in Sade Queer Theorist, and is based on a deep look inside of the works and texts taken out of the artist's mail. Our thesis is articulated in two parts, looking alike the artist's creative process. The first part aims to develop the analysis of an outgrowth beyond the artist's body. Masks and prostheses are employed as body modification tools and participate in expressing a kind of authenticity in trickery. The creatures that Molinier builds based on his own photographs point out the path from multiplicity to unity and offer us to look at dissenting anatomies. The second part answers to the first and matches a movement of contraction. On the one side, the artist's relationship with the other is established on an absorp-tion mode, he understands the bodies ductile nature and uses them as creation materials. On the other side, auto- erotical experimentations take a firsthand place in the molinian paradigm, which reclaim the visual vo-cabulary of BDSM. In Molinier’s work, the body is shown as a creative materiality, on which the artist-alchemist builds in order to give birth to hybrid creatures, that embody his ideal of identity and sexualities fluidity. Pierre Molinier disrupts binaries and normativity, through both his auto-erotical practices and their mode of representation. Developing a language of the intimacy and the body, he redesigns their form and functions, combining masquerade and transgression, toward new embodiments

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Cuir, Raphael. "Du sujet de l'anatomie à l'anatomie du sujet." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0092.

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Abstract:

La rhétorique de l'autodémonstration transmise par la Fabrica de Vésale constitue le modèle des représentations anatomiques jusqu'au XVIIIe siècle. Il est pour nous paradoxal, l'animation des squelettes et des écorchés, mais il ne l'était pas pour la anatomistes et les artistes du XVIe siècle. Se demander pourquoi les figures anatomiques étaient représentées comme des corps vivants, c'est poser une question dont la réponse philosophique se trouve dans la culture humaniste des anatomistes. Avec l'autodémonstration des écorchés, l'anatomie se pose d'emblée comme une pratique réflexive. Le "connais-toi toi-même" s'avère alors le message essentiel d'une science née en participant à l'élaboration du sujet moderne. De l'autoportrait de Michel-Ange dans la peau de l'écorché à des oeuvres récentes comme celles d'Orlan, Venet, Barbier et Quinn. . . Se manifeste le rapport privilégié des artistes à l'imaginaire de l'anatomie de la science, quand l'art devient un mode de subjectivation
The selfdemonstration rhetoric passed on by Vesale's Fabrica made up the model of anatomical representations up intil the 18th century. It is for us paradoxical (the animation of skeletons and écorchés), but not for anatomists and artists of the 16th century. To question why anatomic figures were represented as living bodies is to ask a question whose philosophical response lies in the Humanist culture of anatomists. With the selfdemonstration of the écorchés, anatomy positions itself from the start as a reflexive practice, a knowledge that is first and foremost a relationship with oneself. "Know thyself" hence proves to be the essential message of a science born of participation in the elaboration of the modern subject. From Michelangelo's self portrait in which he is draped in Saint Bartholomew's skin to recent works by artists such as Orlan, Venet, Barbier, and Quinn. . . The privileged relationship artists have with the imaginary of anatomy and science is revealed. Art becomes a way of subjecting oneself

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Lavaud-Forest, Sophie. "Scénographies interactives : corps interfacés et systèmes dynamiques." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010654.

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Abstract:

Dans un monde désormais perçu comme instable, complexe, avec lequel nous établissons des relations de plus en plus médiées par des artefacts technologiques, comment évoluent la pratique et la pensée artistiques? Quels systèmes de représentation concevoir pour rendre compte des expériences perceptives kinesthésiques du corps inclus dans la scène du monde? D'une représentation statique du corps en mouvement à la mise en mouvement du corps du spectateur, c'est ce changement de paradigme de "économie représentative que nous réalisons. Changement qui entraîne la migration de la peinture du support/plan (défini par Wassily Kandinsky comme plan originel) vers des espaces d'informations computationnels, environnements virtuels, simulés, immersifs. Ces scénographies interactives, interfacées à la chair de notre corps, lui permettent d'y déplacer ses points de vue, d'y agir, d'y percevoir et réciproquement d'y être perçu, dans un nouvel espace-temps que je désigne sous le vocable espace-temps d'interactions. Conçues comme des systèmes dynamiques complexes, ces œuvres engagent de nouvelles formes esthétiques et symboliques d'échanges élaborés pour une sensibilité réceptrice augmentée.

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Maugery, Ariane. "L' instant et le mouvant : une esthétique du corps dansant : présence corporelle des pratiques dansées." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10093.

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Abstract:

Cette thèse aborde la question du sentiment de mobilité généré dans l'expérience artistique par un corps dansant inscrit dans un champ perceptif qu'il crée au travers de sa relation avec le monde. Elle prend appui sur les travaux d'artistes plasticiens et chorégraphes : elle est également motivée par ma propre démarche de plasticienne. Par la danse, il s'agit de penser des "pratiques de l'instant" qui génèrent des processus d'immersion perceptive en privilégiant, à travers l'improvisation, un lâcher-prise de l'attention au profit d'une réceptivité active, d'une disponibilité spécifique qui tient plus de l'écoute que de la vision, propice à l'état de danse. La danse apparaît ainsi comme modèle pour penser des pratiques plastiques contemporaines qui, en retour, se réflètent dans des pratiques chorégraphiques. Cette résonance d'un noeud plastique-dansé souligne la prégnance d'une écoute de la spatialité à l'oeuvre dans ces démarches non spectaculaires.

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Dairou, Jean-Marc. ""Ultrasensible" et/ou de l'ergonomie expérimentale en arts plastiques." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010594.

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Abstract:

Cette thèse à la fois oeuvre(s), corpus, projet(s), évaluation(s) et épistémologie(s), å divisée en 9 registres thématiques (fonctionnels) qui travaillent conjointement comme autant de problématiques-(raisons) et/ou logiques, aux constructions régulatrices et inhibitrices près, (sur le mode et/ou) , exemplifient et situent co-(si)-gnitivement le phénomène artistique personnel, à son optimum comme à son plat d'« u/trasensibilité », dans son utilité (sa pratique), son environnement expérimental (et modèle), et ses multiples (de)-(re)-(en)-(trans)(sur)-(inter)-(hyper)-codes; justifie le bien fondé de mon activité artistique (actuelle), sa dépendance au cadre universitaire et plus généralement aux champs historiques et esthétiques en termes de démarche, connaissance, contenus, qualité, développement, prospective, stylistique (isme), impact et exigences sociales; sur la base des concepts: d'o. A. , åo. A. -d. (dispositif(s) de l'oeuvre d'art) (Ì/É)= O. A. (OEuvre d'Art ~ monographie); de modèle et de-(pour la) simulation, le projet expose; de comportement spécifique, l'Op. (-o) (artiste)(o)(o. A. ) (l'opérateur(rice)); de performance, d'interprétation(s), (par niveaux et par phases expérimentales: Ph. 1 faire , Ph. 2 faits et données, Ph. 3 interdisciplinarité scientifique); de planification(s); de décision(s); d'acte(s); d'action(s); d'activité(s); d'image(s}; d'image(s); d'objet(s); de sujet(s); de signe(s); de concept(s); de gestalt(s); de corps; de communication(s); de discours; de langage(s); d'adaptation et d'automatisme(s); de Sujet<>~<>Objet; d'énaction et d'affordances; de programme(s); de taxonomie(s); d'architecture(s) et de bases de données. La question de savoir comment faire une «science de l'art» hyper-réaliste, tout en restant (artiste) dans le champ artistique, en marque la direction, en sciences humaines; en naissent: performatique comparatiste, morphogenèse, ergo-poïé-poétique, et pragma-sémio-sémantique; assujetties à une oeuvre et art cognitif; et à des langages référentiels de la réalité: physique, physiologique, psychologique, et sociale, formalises pour l'Intelligence Artificielle.

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Valhère, Didier Vacher dit. "Le visionneur de chair : la pornographie comme mobile de création picturale." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010546.

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Abstract:

La représentation du corps est fondamentale dans la peinture Occidentale. Art ( sacré et profane) et images de toutes natures se sont toujours influencés mutuellement. Depuis la transition vers l'art moderne, l'artiste s'est progressivement intéressé aux diverses manifestations du quotidien, non pour confondre sa pratique avec des activités banales, mais pour révéler son temps, l'intensifier aux yeux de ceux qui auraient trop tendance à vouloir l'ignorer ou le cacher. Le nu académique, relatif à une idéologie bien connotée, s'est progressivement décalé vers le nu trivial. Aujourd'hui, ce thème tend parfois jusqu'au " pornographique " comme pour mieux traduire notre tendance socioculturelle à surinvestir le rapport du corps au sexe. L 'Homme devient " chair à jouir ", il est dénudé sans artifice, morcelé dans sa représentation, révélé dans des situations intimes, fétichisé. Tout cela ne traduit pas son émancipation, mais exprime le désarroi profond face à une désincarnation qui met en scène le désir fruste pour exorciser les craintes du présent. L'obscène est le fruit d'une Histoire et d'un contexte, les artistes ne deviennent pas des pornographes parce qu'ils manipulent ces images triviales. La pornographie n'est pas de l'érotisme, même si ces notions sont très subjectives. Le corps exhibé de manière outrancière ne laisse jamais indifférent et même s'il n'est que représenté, il fait écho à notre condition humaine, déclenchant des réactions parfois vives/

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Petropoulos, Lefteris. "Esthétique et clinique du corps : à propos des modifications corporelles dans l'art contemporain." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070081.

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Abstract:

Ce travail traite l'esthétique contemporaine dans ses liens avec la clinique du corps. Se situant dans un terrain psychanalytique (de Freud à Lacan), enrichi par la pensée deleuzienne et par la phénoménologie, nous interrogeons l'émergence spectaculaire du corps dans l'art contemporain. Entre autres, on aborde l'atteinte au corps chez les Actionnistes viennois, les performances et les opérations esthétiques d'Orlan, le corps cybernétique de Cronenberg. Nous considérons l'utilisation du corps de l'artiste ainsi que les diverses figures du corps dans l'art contemporain autant comme des symptômes que comme des tentatives du sujet d'habiter son corps à l'intérieur des dispositifs et des modes de subjectivation spécifiques à la culture occidentale contemporaine. Notre stratégie consiste à mettre en vis-à-vis les dispositifs culturels et technologiques qui normalisent le corps et les expressions de l'art contemporain qui questionnent, révèlent et transgressent le statut du corps pour le sujet. On observe alors une tendance de retour à la matérialité de l'œuvre d'art et du corps ainsi qu'un effet d'emboîtement entre le corps, ses idéaux et ses interfaces. Il y a un aspect politique et identitaire majeur du genre de la performance qui peut résumer sa démarche à un geste dévoilant les effets de la normalisation sociale dans le corps. Il en va de même pour les figures monstrueuses quand elles ne sont pas exclues ou domestiquées par les normes. La pensée sur l'œuvre d'art peut nous aider à cerner le corps contemporain et les pratiques de sa modification qui participent à la construction identitaire et subjective
This study concerns aesthetics and its connection with clinical reflections on the body in contemporary western culture. Situated in a psychoanalytic perspective (from Freud to Lacan), enriched by deleuzian thought and phenomenology, we interrogate the spectacular emergence of the body in contemporary art. Among many artists, we concentrate in the attack of the body in Viennese actionism, the performances and aesthetic operations of Orlan, the cybernetic body in the cinema of Cronenberg. We consider the utilisation of the artist's body and the diverse figures of the body in contemporary art simultaneously as symptoms and attempts of the subject to "inhabit" his body inside the cultural apparatuses and modes of subjectivation specific to contemporary western culture. Our strategy consists in juxtaposing the cultural and technological apparatuses that normalise the body, with the expression of contemporary art that question, reveal and transgress the status of the body for the subject. Thus, we observe a tendency to return to the materiality of the artwork, and of the body, and, in the same time, an interlocking between body, ideals and interfaces. There is a major political and identity aspect of the genre of performance that can resume its approach in a gesture that reveals the effects of social normalisation in the body. The same goes for monstrous figures when they are not excluded or domesticated by cultural norms. Thinking on the artwork can help us delimitate the contemporary body and its modification practices that participate in the construction of the identity and of the subject

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Lambert, Xavier. "Le corps sans bords : identité / altérité dans l'image numérique et ses résonances dans la fiction narrative." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010591.

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Abstract:

Comment le corps dans l'art contemporain s'énonce-t-il sur de nouvelles bases du fait de sa confrontation aux enjeux conceptuels des technologies actuelles ? Il ne peut se concevoir que dans la permanence d'un corps in-fini parce que toujours en puissance, un corps sans bords. C'est par l'altérité du corps sans bords que l'artiste construit son identité, sa permanence, qui ne relève plus du stéréotype de la " mêmeté ", mais de l' archétype de la singularité. L ' artiste n'est pas l'individu, celui qui ne se divise pas, du corps organisé, il est la multitude de la singularité. Le corps sans bords est singulier, parce qu'antérieur à l'image, et que l'image inscrit déjà la reproduction. Mais il est multitude parce qu'il est puissance que l'œuvre d'art n'actualise que partiellement à chaque fois. Et l'outil numérique est l'outil technologique le plus approprié pour tenter d'inventorier les possibles qui naissent de la confrontation au réel que propose le corps sans bords.

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Bergeret, Albert. "Ellipses de la matière / rituels du corps." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010608.

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Abstract:

L'objet de cette recherche est de démontrer comment, dans une démarche artistique contemporaine, des rituels de confrontation entre le corps et la matière permettent de structurer l'être et visent à rétablir une continuité perdue entre l'être et la matière. L'analyse démontre comment la corporalisation de l'oeuvre s'applique autant à sa matérialité qu'à sa structuration par analogie avec le psychisme de l'artiste. L'acte artistique est considéré comme un rituel organisateur visant à s'opposer au chaos en reliant l'être à sa matérialité. Dans la série des Ostensoirs le rituel, même s'il est caché, est aussi important que le résultat visuel. L 'oeuvre est envisagée comme une unité à double face (face matérielle / face rituelle) qui indexe sa double nature par déclinaison plastique des figures de l'ellipse. L'osmose entre esprit et matière est incarnée dans les Ostensoirs par leur nature hybride et s'opère à travers l'espace d'exposition ou l'environnement qui participe à la mai͏̈eutique de l'oeuvre par les rencontres occasionnées. Les Ostensoirs sont envisagés comme Khôra dans le sens où l' oeuvre est la matrice d'un troisième genre marquant, la spécificité de l'oeuvre artistique qui représente une autre voie pour appréhender le réel et transcender l'être. Les Ostensoirs participent ainsi à l'émergence d'un mode de pensée nouveau basé sur la continuité entre l'esprit et sa matérialité. C'est en rétablissant cette continuité perdue à travers l'oeuvre plastique que l'Homme peut se projeter en tant que Dasein dans l'entropie générale de l'environnement matériel qui le fonde.

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Dissertations / Theses on the topic 'Corps humain dans l'art'

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