Academic literature on the topic 'Création chorégraphique'
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Journal articles on the topic "Création chorégraphique"
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Djebbari, Elina. "La relation musique-danse dans le genre du ballet au Mali : organisation, évolution et émancipation." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (2012): 21–26. http://dx.doi.org/10.7202/1012346ar.
Full textAbstract:
Pendant longtemps, la danse dite « africaine » a été considérée comme une expression corporelle que l’on ne pouvait distinguer du « tam-tam », censé l’accompagner à tout moment. Depuis sa création après l’indépendance en 1960, le Ballet national du Mali a contribué à donner du sens à ce stéréotype en faisant du tambour jembe l’instrument-roi de ce genre musico-chorégraphique. Cet article propose de nous interroger sur les techniques musicales et chorégraphiques qui permettent l’interaction musique-danse lors de la performance scénique, sur les rapports de hiérarchie qui s’en dégagent, la façon dont ces valeurs peuvent s’inverser ou se transformer selon les contextes et les pratiques et, enfin, d’appréhender comment la création artistique contemporaine de ce genre musico-chorégraphique semble pouvoir s’orienter vers une dissociation de ces deux éléments alors que leur complémentarité en déterminait justement la caractéristique principale.
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Vassileva Fouilhoux, Biliana, and François Potdevin. "Les dispositifs d’immersion en danse : un nouvel outil créatif et pédagogique." Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 26, no. 1 (2014): 143–52. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2014.1630.
Full textAbstract:
Le danseur est toujours à la recherche d’invention d’outils d’amélioration de ses capacités créatives et corporelles pour étendre son champ de perception qui est au coeur de sa singularité. En danse, l’idée d’une enhanced motricity (motricité augmentée) est étroitement liée à l’habitus de perception construit au cours d’un entraînement complexe avec des objectifs esthétiques et technologiques. Ainsi, l’objet de cette réflexion se focalisera sur l’apparition et la diversité des dispositifs d’immersion à l’usage du danseur au cours de son processus de création et de formation d’interprète. L’enjeu de cet article est d’analyser les enjeux des pratiques d’exploration de sa propre virtualité par les nouvelles technologies qui pénètrent de façon constante le domaine de la création chorégraphique contemporaine. Un panorama retraçant les multiples collaborations entre danseurs, chorégraphes, ingénieurs et scientifiques nous aidera à comprendre la naissance d’un nouvel art chorégraphique dont les dispositifs d’immersion bousculent, aujourd’hui, les fondements de l’art de la danse.
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do Carmo, Lina. "Des peintures rupestres à la création chorégraphique : danser la mémoire." Skenegraphie, no. 6 (November 1, 2019): 155–64. http://dx.doi.org/10.4000/skenegraphie.2959.
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4
Marquié, Hélène. "Les femmes et la Création Chorégraphique en France : situation actuelle et mise en perspective." Diplômées 207, no. 1 (2003): 193–99. http://dx.doi.org/10.3406/femdi.2003.8296.
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Andrieu, Sarah. "Imaginer un monde de la création chorégraphique au Burkina Faso. Projets d’artistes de la diaspora." Ethnologie française Vol. 52, no. 2 (2022): 327–38. http://dx.doi.org/10.3917/ethn.222.0327.
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Cardoso, Thereza Cristina Rocha, Rosa Ana Fernandes de Lima, and Sylvio de Sousa Gadelha Costa. "Da técnica como poética: um quiasma de dança a partir de Michel Bernard." Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 1, no. 46 (2023): 1–20. http://dx.doi.org/10.5965/1414573101462023e0206.
Full textAbstract:
O presente artigo é parte inédita da pesquisa de doutorado, em fase de finalização, no Programa de Pós-graduação em Educação da Universidade Federal do Ceará, em que se realiza um estudo tradutório para o português da seminal obra De la Création Chorégraphique, de Michel Bernard (2001). O texto integra a Introdução crítica da tese em que são propostas reflexões no intento de enredar as práticas filosófica e pedagógica em dança, a partir do pensamento do filósofo. Investigou costuras conceituais que buscaram colaborar para uma compreensão de técnica em dança imanente aos processos sensório-perceptivos da experiência corporal. As experimentações aqui apresentadas colocaram, em relação, noções fulcrais na obra do autor – corporeidade dançante, orquesalidade e teoria ficcionária da sensação – enquanto território fértil para repensar o ensino de saberes técnicos em dança, tomando-os como uma das imbricadas faces da poética da dança. Pensar a técnica enquanto poética foi o nosso intento.
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Vandewalle, Julie, and Isabelle Caby. "Les activités artistiques dans le projet de soin en santé mentale." ÉCHO DE LA COMMUNAUTÉ / ECHOES OF THE COMMUNITY 23, no. 1 (2022): 83–91. http://dx.doi.org/10.7202/1086238ar.
Full textAbstract:
Que faire quand le corps n’existe plus, qu’il a disparu, qu’il a perdu sa place, son unité? La différence, la souffrance psychique sont stigmatisantes. L’exclusion est là, pesante, présente et l’isolement, une conséquence. Dans ce cas, la mise en scène du corps peut représenter un outil thérapeutique efficace pour la prise en charge et l’accompagnement de sujets en situation de souffrance psychique atteints par exemple de dépression, de psychose, de dépendance, de mélancolie, de bipolarité, d’état limite ou encore de schizophrénie. Si la danse permet d’accéder à un univers artistique où les émotions sont centrales, le défilé chorégraphique nous a permis d’apporter, aux sujets en détresse, confiance en soi et conscience de soi. Le corps devient alors un véritable support à la médiation, à la (re)construction de liens physiques, psychiques et sociaux. En ce sens, les activités artistiques, la création artistique et le processus de résilience associé s’inscrivent dans une approche globale de santé mentale.
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Jover, F. "Les affres de la création de l’espace : les carnets à dessin de Nijinski." European Psychiatry 28, S2 (2013): 37. http://dx.doi.org/10.1016/j.eurpsy.2013.09.092.
Full textAbstract:
La carrière fulgurante du danseur Vaslav Nijinski a duré dix ans de 1908 à 1917. Surnommé le « Dieu bondissant », il a quitté la scène publique pour un dernier saut dans la maladie à l’âge de 28 ans. Son histoire s’est mêlée à celle de la psychiatrie dont il va rencontrer les grands noms, A. Adler, M. Sakel, L. Binswanger et E. Bleuler qui va diagnostiquer « …une confusion mentale de nature schizophrénique avec une légère excitation maniaque… ». Le soir de sa dernière représentation en janvier 1919 au grand hôtel de St-Moritz devant 200 personnes Nijinski débute la rédaction de ses cahiers et confie à sa femme Romola qu’il veut montrer « les affres de la création, la souffrance endurée par l’artiste en train de travailler ». Parallèlement, il réalise des carnets à dessin avec le projet d’une nouvelle cotation chorégraphique. Ce faire-œuvre testamentaire de sa vie d’artiste avant de s’enfermer dans un long silence représente un manifeste de sa vaine habitation du monde face à la désorganisation psychotique et ses tentatives pour le reconstruire. Confronté à une modification du Sentir qu’il s’efforce d’endiguer par la rédaction de ce qu’il nomme « le livre du sentiment », il nous laisse son mystérieux catalogue à dessins, à la fois magnifique et effrayant, des transcriptions picturales d’une présence accablée par la proximité du monde et de ses objets hallucinatoires qui viennent le prendre au corps et dont il ne peut prendre distance.
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Scarpulla, Mattia. "Archives, danse1 et recréation. Une introduction2." Archives 46, no. 1 (2016): 15–34. http://dx.doi.org/10.7202/1035720ar.
Full textAbstract:
Dans son article, Mattia Scarpulla s’intéresse aux archives courantes et historiques du milieu professionnel de la danse qu’il nous décrit à travers les fonctions de transmission et de diffusion. Les archives administratives de ce milieu prennent différentes formes et sont autant de moyens de transmission, que ce soit lors de la création de la chorégraphie, de sa représentation ou encore de sa recréation. Le document d’archives, ainsi transmis, est porteur de la mémoire de la danse et du potentiel créatif des oeuvres. L’auteur explique qu’à la base de la mémoire de la danse, il y a sa disparition, d’où la nécessité de la conserver pour une nouvelle création. Quant aux archives historiques du domaine, elles possèdent également ce fort potentiel créatif qui se manifeste, entre autres, par la diffusion d’archives qui deviennent des oeuvres en elles-mêmes.Scarpulla nous présente trois institutions vouées à la conservation de ces archives, chacune possédant ses propres enjeux et approches, soit la bibliothèque de la danse Vincent-Warren, le Centre national de la danse et le Musée de la danse, situé à Rennes. Par ces exemples, l’auteur évoque la question des archives en lien avec la nécessité de produire de nouvelles mémoires, de nouvelles danses et aborde des sujets tels que le pouvoir de dire, les enjeux politiques institutionnels et les enjeux personnels propres à ce milieu. Ces derniers aspects sont des ouvertures vers des considérations sur la production d’archives, en tenant compte du facteur humain et créatif à la base d’un choix ou d’une action.
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Côté, Julie-Anne. "De la danse au musée : mémoires de l’oeuvre chorégraphique contemporaine." Muséologies 7, no. 2 (2015): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/1030250ar.
Full textAbstract:
La notion de patrimoine culturel s’est élargie ces dernières années. Traditionnellement associée aux monuments et aux sites sous l’angle de leurs valeurs esthétiques et historiques, elle englobe maintenant les traditions et les pratiques sociales, mais aussi les arts du spectacle, dont la danse. L’élargissement de la notion de patrimoine pose la question des nouveaux objets patrimoniaux et muséaux dont les aspects vivants, contemporains, intangibles ou immatériels sont régis par des valeurs qui s’opposent aux valeurs traditionnelles des musées. Ainsi, quoique la conservation et la valorisation du patrimoine de la danse apparaissent nécessaires, elles n’en restent pas moins complexes, particulièrement en ce qui touche l’oeuvre chorégraphique contemporaine en Occident. La danse contemporaine requiert des modes singuliers de mémoire qui supposent diverses perspectives de transmission et de mise en mémoire. Après avoir situé la danse par rapport à la notion de patrimoine culturel immatériel, ce texte présente le double registre de la mémoire de la danse contemporaine : une mémoire documentaire et matérielle et une mémoire vivante et créative. L’étude du Musée de la danse de Boris Charmatz montre comment cette mémoire vivante et créatrice de la danse est mise en oeuvre et l’examen du projet d’exposition virtuelle de la Fondation Jean-Pierre Perreault présente la mise en valeur d’une mémoire documentaire et matérielle. Ces deux formes de mise en mémoire d’oeuvres chorégraphiques contemporaines illustrent de nouvelles perspectives de sauvegarde et de muséalisation d’un patrimoine vivant.
Dissertations / Theses on the topic "Création chorégraphique"
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Blouin, Claudia, and Claudia Blouin. "Le potentiel théâtral et dramaturgique de la musique dans le processus de création chorégraphique." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28271.
Full textAbstract:
Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.<br>Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.<br>This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.<br>This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.
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Yoshida, Reiko. "Musique et danse dans la création chorégraphique de Maurice Béjart en collaboration avec des compositeurs contemporains." Thesis, Sorbonne université, 2021. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2021SORUL161.pdf.
Full textAbstract:
Notre thèse porte sur la relation entre la musique et la danse dans la création chorégraphique de Maurice Béjart (1927-2007). Nous nous intéressons en particulier aux spectacles pour lesquels le chorégraphe a travaillé avec ses contemporains. Le rapport que Béjart a proposé entre chorégraphie et œuvres musicales semble avoir fortement marqué le monde de la musique. Afin d’éclaircir le rôle de Béjart dans l’histoire de la création musicale contemporaine, cette recherche tente d’évaluer dans quelle mesure Béjart a influencé les créations de sept compositeurs avec qui il a collaboré : Pierre Henry (1927-2007), Iannis Xenakis (1922-2001), Karlheinz Stockhausen (1928-2007), Pierre Boulez (1925-2016), Luciano Berio (1925-2003), Toshirô Mayuzumi (1929-1997) et Alain Louvier (1945- ). La thèse s’articule en deux parties. La première est une présentation générale du travail de Béjart, précédée d’une mise en perspective de son rapport avec la musique. Nous avons également tenté de dégager un principe esthétique qui sous-tendrait chez Béjart son utilisation de la musique contemporaine dans le cadre de ses créations chorégraphiques. La seconde est en une analyse détaillée des œuvres précises. En nous concentrant sur les sept compositeurs sélectionnés, nous avons effectué une analyse de seize collaborations, de la Symphonie pour un homme seul en 1955 avec Henry jusqu’à Casta Diva en 1980 avec Louvier. Élaborée à partir de nombreux documents consultés dans différents lieux, et en particulier, dans différents départements de la BnF et aux Archives de l’Ina, notre recherche interroge les réflexions de Béjart sur les rapports entre danse et musique<br>Our thesis focuses on the relationship between music and dance in the choreographic creations of Maurice Béjart (1927-2007). We are particularly interested in the pieces for which the choreographer has worked with his contemporaries. The relationship that Béjart proposed between choreography and musical works seems to have strongly affected the world of music. In order to shed light on Béjart's role in the history of contemporary musical creation, this research attempts to assess to what extent Béjart has influenced the creations of seven composers with whom he worked: Pierre Henry (1927-2007), Iannis Xenakis (1922-2001), Karlheinz Stockhausen (1928-2007), Pierre Boulez (1925-2016), Luciano Berio (1925-2003), Toshirô Mayuzumi (1929-1997) and Alain Louvier (1945-). The thesis is divided into two parts. The first is a general presentation of Béjart's work, preceded by a perspective of his relationship with music. We also tried to find a principle that would unify Béjart's use of the contemporary music in his choreographic creations. The second part is a detailed analysis of specific works. Focusing on the seven selected composers, we analysed in detail several collaborations, from the Symphonie pour un homme seul in 1955 with Henry to Casta Diva in 1980 with Louvier. Elaborated from numerous documents consulted in many places, and in particular, in the various departments of the BnF and in the Archives of Ina, our research questions Béjart's reflections on the relationship between dance and music
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David, Fabrice. "Étude anthropologique de la création chorégraphique d'un spectacle de danse bretonne : Abenn Dimeurh de l'ensemble musique et danse Kevrenn Alré (Bretagne, France)." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2018. http://www.theses.fr/2018CLFAL011.
Full textAbstract:
Cette thèse s'intéresse au processus de création chorégraphique d'un spectacle de danses traditionnelles en Bretagne. Elle a été menée à partir d’un terrain effectué au sein de la Kevrenn Alré, ensemble de musique et danse bretonnes basé à Auray dans le Morbihan, de novembre 2010 à novembre 2012. Comme la majorité des groupes bretons, cet ensemble crée son spectacle annuel pour le besoin d'un concours organisé par sa confédération. La recherche analyse les activités et les modes collectifs de production mis en œuvre lors de la fabrication du spectacle Abenn dimeurh sur le thème des préparatifs d'une noce en pays d'Auray vers 1900. La description ethnographique d'un moment de concours et l'analyse des dynamiques internes de la Kevrenn Alré permettent d'abord d'appréhender la relation du groupe à son environnement socio-culturel et d'interroger la façon dont le cadre compétitif façonne le processus de création d'un spectacle. La fabrication d'Abenn Dimeurh est ensuite observée en détaillant les différentes étapes organisées par les chorégraphes : émergence du thème, collectage, présentation du projet aux danseurs, écriture chorégraphique. Cette observation met en lumière la façon dont les responsables de la Kevrenn Alré, pour faire aboutir leur projet artistique, doivent articuler un processus de création nettement ordonnancé et une organisation collective des activités. Au fil du processus sont engagées différentes formes de coopération qui montrent que les acteurs envisagent la notion du collectif et le travail en groupe autour d'une vision commune du sens de l'effort et de la responsabilité partagée. Il se dégage de l’analyse que la définition du travail artistique comme une activité collective est opératoire dans le contexte de la danse bretonne de spectacle en tenant compte des spécificités de l'univers associatif. Dans cet univers, les membres de la Kevrenn Alré s'efforcent de concilier le plaisir du partage et la réussite au concours. De ce constat émerge que le processus de création marque la production de son empreinte en engendrant un spectacle qui exprime leur vision de la culture bretonne<br>This thesis focuses on the process of choreographic creation of a folk dance performance in Brittany. It is based on fieldwork conducted in Kevrenn Alré, a Breton music and dance ensemble based in Auray in Morbihan, from November 2010 to November 2012. Like most Breton groups, Kevrenn Alré create their show to compete in the annual contest organized by the folk dance organization to which they belong. The research analyses the collective activities and modes of production implemented during the creation of the performance Abenn dimeurh on the theme of the preparations for a wedding in the Auray region around 1900.The ethnographic description of a dance contest and the analysis of Kevrenn Alré's internal dynamics first allow us to understand the group's relationship to its socio-cultural environment and to examine how the competitive framework shapes the creative process of a show. The making of Abenn Dimeurh is then observed by investigating the various steps organized by the choreographers: finding the theme, collecting data, presenting the project to the dancers, making and staging the choreographic score. This observation highlights the way Kevrenn Alré's leaders, in order to carry out their artistic project, must articulate a clearly organized creative process and a collective organization of activities. Throughout the process, various forms of cooperation are initiated, showing that the actors consider the notion of being and working together around a common vision of joint endeavour and shared responsibilities. The analysis shows that the definition of artistic work as a collective activity is operative in the context of Breton folk dance performance, taking into account the specificities of voluntary associations. In this environment, the members of Kevrenn Alré struggle to bring together the pleasure of shared activities and success in the contest. From all this, it emerges that the creative process leaves its imprint on the production by generating a performance that expresses their vision of Breton culture
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Amaral, Torres Vera Lúcia. "Le processus de création du mouvement chorégraphique au Brésil dans le contexte historique de l'élaboration identitaire : le cas de l'Etat de Santa Catarina." Paris 8, 2012. http://octaviana.fr/document/180089161#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
En intitulant cette recherche, « Le processus de création du mouvement chorégraphique au Brésil dans le contexte historique de l’élaboration identitaire : le cas de l’Etat de Santa Catarina », notre but est de comprendre la dynamique du contexte artistique de l’Etat de Santa Catarina, situé au sud du Brésil, région qui a connu une forte influence européenne dans son histoire et sa culture. Cette présence s’observe à travers des activités liées à la création et à la production chorégraphique. Nous cherchons à faire ressortir cet aspect notamment à partir de l'examen de deux villes de l’Etat, identifiées par nous, comme des pionnières dans le développement de ce type d’activité : Blumenau et Florianópolis. La recherche diachronique sur la situation de la danse, et son évolution, dans une région moins médiatisée que les régions phares du pays permet de mettre en valeur ce contexte artistique spécifique, tout en apportant une contribution à la compréhension du processus plus large de la création chorégraphique brésilienne. Cette étude aborde le processus historique de formation des activités liées à la danse au Brésil au XXe siècle, spécialement, dans la première moitié de cette période. Néanmoins, nous avons ajouté des informations relatives aux périodes antérieures et postérieures à celle-là afin de donner une vision plus exhaustive de la continuité des activités chorégraphiques<br>The purpose of the research titled: “Interactions between the movement of formation in the artistic field of dance in Brazil and the historic process of the development of the Brazilian people: the case of the state of Santa Catarina” is to understand the dynamics of the Brazilian artistic environment specifically in the state of Santa Catarina, located in the South of the country, by studying the activities related to choreographic creations and productions. This artistic environment will be analyzed in two cities which are considered as pioneers in the development of dance in this state: Blumenau and Florianopolis. The field of choreography will not only be analyzed through specific art, but within the landscape of influences that have historically formed the Brazilian environment, including: the cultural characteristics resulting from the formation of Brazilian society; information about the development of the cities studied and the implications of these processes on the artistic field of choreography. This study highlights the events of the first half of the 20th century; however, information from before and after this period was added to allow for a wider perspective on the development and continuity of choreographic activities
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Messina, Virginie. "Une approche didactique de la danse et de la création chorégraphique : de l’action conjointe chorégraphe/danseurs, à l’action conjointe professeur/élèves à l’école élémentaire." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20061.
Full textAbstract:
La recherche se centre sur trois études de cas pour caractériser la manière dont les savoirs de la danse et de la création chorégraphique sont mobilisés dans différentes institutions : séances de travail entre un chorégraphe et des danseurs en contexte de création, interventions d’un artiste chorégraphique en milieu scolaire, pratique scolaire de la danse menée par une enseignante à l’école élémentaire. Notre approche relève d’une anthropologie didactique, en s’appuyant sur la théorie de l’action conjointe en didactique (TACD), qui amène à analyser les transactions des différents acteurs observés (chorégraphe, danseurs, enseignantes, élèves), pour saisir à travers la construction des oeuvres chorégraphiques, la vie des savoirs qui leurs donnent forme. Elle conduit à caractériser la création comme un processsus d’enquête, à partir duquel chorégraphes et danseurs s’engagent dans un milieu d’invention. La mise en perspective des différentes études de cas permet de reconsidérer les conditions et les enjeux d’un enseignement-apprentissage de la danse à l’école, par un rapprochement entre pratiques chorégraphiques professionnelles et pratiques scolaires. En particulier, la question de l’expérience des élèves dans les processus de création en contexte scolaire est ici interrogée à l’aune d’une analyse de l’activité effective des artistes en situation de création. La recherche amène à questionner la manière dont les pratiques artistiques peuvent être pratiquées au sein de l’institution scolaire. L’approche didactique retenue permet de reconsidérer la relation professeur/élèves, à la lumière des spécificités inhérentes à ces pratiques<br>The research focuses on three case studies to characterize how knowledge of dance and choreographic creation is mobilized in different institutions: work sessions between a choreographer and dancers in a context of creation, interventions by a choreographic artist in schools, and school dance practice conducted by an elementary schoolteacher. Our approach is based on a didactic anthropology, based on the Joint Action Theory in Didactics (JATD), which leads us to analyse the transactions of the different actors we observe (choreographers, dancers, teachers, students) in order to understand through the construction of choreographic works, the life of the knowledge that shapes them. It results in characterizing creation as a process of inquiry, from which implies that choreographers and dancers get involved into an inventive milieu. The different case studies we put into perspective lead us to reconsider the conditions and issues of dance teaching and learning in schools, and to argue for a closer relatioship between professional choreographic practices and school practices. In particular, the question of students' experience in creative processes in the school context is questioned here on the basis of an analysis of the actual activity of artists in creative situations. The research raises questions about how artistic practices can be practiced within the school institution. The didactic approach chosen allows us to reconsider the teacher-student relationship in the light of the specificities inherent in these practices
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Givors, Martin. "La compagnie de Fractus V (Eastman / Sidi Larbi Cherkaoui) comme foyer de régénération pour les interprètes : récit écologique et micropolitique d'un travail de terrain mené au fil de la création et de la tournée d’une création chorégraphique (2015-2018)." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019GREAL004/document.
Full textAbstract:
Cette recherche s’élabore depuis un travail de terrain mené avec les artistes du spectacle Fractus V (Cie Eastman / choré. Sidi Larbi Cherkaoui) entre juin 2015 et mai 2018. Au fil du récit de cette traversée, de Barcelone à Anvers puis sur les routes d’Europe, une réflexion s’articule progressivement autour de l’interrogation suivante : dans quelle mesure le processus de création et la tournée du spectacle constituent-ils des expériences régénératrices pour les interprètes qui s’y engagent ? Rite de passage à bien des titres, Fractus V repose sur un désir de renouvellement et d’entre’fertilisation (« cross-fertilization ») partagé par neuf interprètes de cultures chorégraphiques et musicales différentes : les danseurs Sidi Larbi Cherkaoui, Dimitri Jourde, Johnny Lloyd, Fabian Thomé Duten et Patrick ‘Twoface’ Williams Seebacher ; les musiciens Soumik Datta, Kaspy N’Dia, Woojae Park et Shogo Yoshii. Leur modus operandi consiste d’abord en deux gestes : les interprètes s’apprennent les uns les autres des danses et s’essaient ensemble à des écritures collectives. Non sans difficultés, la compagnie naissante esquisse peu à peu les contours d’une micropolitique de création embrassant la nécessité de la fabrique d’un commun tout autant que l’inévitable processus de différenciation des interprètes entre eux. Comment les corps parviennent-ils à diffracter les apprentissages ? À faire « à leur manière » sans faire séparément ? À former une compagnie, voire un chœur polyphonique, plutôt qu’un assemblage d’altérités ? C’est à l’étude des pistes de réponse travaillées par les artistes, ainsi qu’à leurs évolutions dans le temps, que se dédie cette thèse. À cette fin, elle élabore une approche ethnographique, écologique et micropolitique des trajectoires et transformations des interprètes en mobilisant les anthropologies des lignes et des modes de Tim Ingold et de François Laplantine, les micropolitiques affectives de Brian Massumi et de Frédéric Lordon, la philosophie ontogénétique de Gilbert Simondon, ainsi que les études poïétiques en danse contemporaine. C’est aux côtés de cette assemblée d’artistes et de penseurs que se formule, au gré de récits et de réflexions théoriques, une pensée de la régénération comme principe d’une micropolitique écologique de l’être en devenir à l’œuvre au sein d’un processus de création chorégraphique collaboratif<br>This research developed from fieldwork conducted with the performers of the choreographic worked entitled “Fractus V” by the Eastman/Sidi Larbi company between June 2015 and May 2018. The narrative that unfolds from this fieldwork between Barcelona and Antwerp and thereafter along many roads of Europe revolves around the following questions: To what extent does the choreographic process and the tour of the performance constitute regenerative experiences for the performers involved? How are rites of passage understood? “Fractus V” is motivated by a choreographer’s desire for a renewal and cross-fertilizations shared by nine performers of different choreographic and musical cultures. The dancers include Sidi Larbi, Dimitri Jourde, Johnny Lloyd, Fabian Thomé Duten and Patrick ' Twoface ' Williams Seebacher; and musicians Soumik Datta, Kaspy N’Dia, Woojae Park and Shogo Yoshii. Their modus operandi is twofold: the performers learn each others’ dances and then try together to devise collectively. Not without difficulties, the nascent company gradually sketches out the contours of a creative policy embracing the necessity of “commoning” and differentiation. The thesis asks how do you create a polyphonic company respecting one’s idiosyncratic way of moving while not merely creating an assemblage of difference amongst each other? This thesis includes interviews conducted with the performers, as they evolve over the duration of rehearsals and touring. To this end, it develops an ethnographic, ecological and micropolitical approach analyzing the trajectories and transformations of the performers with Tim Ingold’s and François Laplantine’s anthropological approaches, the philosophy of affect of Brian Massumi and Frédéric Lordon, the ontogenetic philosophy of Gilbert Simondon, as well as the poetic studies in contemporary dance. The combination of the “Fractus V” fieldwork and the theoretical discourse mentioned above both contribute to the notion that the regenerative underpins the performer’s ecological approach of becoming through and with collaborative choreographic devising
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Fritz, Vivian. "Danse et nouvelles technologies vers d'inédites écritures chorégraphiques." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC001/document.
Full textAbstract:
Les avancées technologiques, principalement au niveau des télécommunications, interrogent les formes de relation et les transferts d’informations dans le monde actuel. La danse contemporaine, affectée par l’usage des technologies sur la scène (image vidéo, internet, logiciel), voit se modifier les manières de chorégraphier. Si les éléments de base de la création chorégraphique, à savoir le corps dansant, l’espace scénique et le temps de la danse, sont transgressés par l’usage des technologies de la télécommunication (téléprésence), comment les chorégraphes pensent-ils et écrivent-ils la danse en incluant ces nouveaux paramètres ? Que peut perdre ou gagner la danse ? Assistons-nous à l’éveil d’une nouvelle danse, ou à l’émergence d’un autre art ? La redéfinition du corps dansant, en interaction avec son espace et son temps, se trouve au centre de cette recherche. Un projet pratique sous forme d’un laboratoire de création chorégraphique multidisciplinaire, Seuil-Lab, est proposé comme méthodologie de travail pour l’analyse théorique de cette recherche<br>Technological advances, especially in telecommunications, call into question relationship modes and information transfers in today’s world. Contemporary dance has been affected by the use of technologies on stage (image, video, internet, software), which has modified choreographic practices. If the basic elements of choreographic creation - namely the dancing body, scenic space and dance time – are infringed upon by the use of technology and telecommunication (telepresence), how can choreographers think and write including these new parameters ? What can dance gain or lose ? Are we witnessing the dawn of a new dance, or the surfacing of a new art ? The redefinition of the dancing body, which interacts with its space and time, is at the core of this research. As a working methodology for the theoretical analysis of this research, we propose Seuil-Lab, a hands-on project in the form of a multidisciplinary choreographic creation lab
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Bourdie, Annie. "Créations chorégraphiques d’Afrique francophone : systèmes de représentations et stratégies de reconnaissance en période contemporaine." Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST0006.
Full textAbstract:
Les créations chorégraphiques contemporaines d’Afrique, sont non seulement traversées par des représentations sur la danse, le corps et les arts, mais également alimentées par toute une histoire des regards portés au cours des siècles par l’Occident sur l’Afrique le “Noir“, et “sa“ danse. Par ailleurs la France et l’Afrique ont entretenu historiquement des relations ambivalentes dont la teneur a pu avoir un impact sur les représentations, y compris dans le domaine de la danse scénique professionnelle. Dans les années soixante-dix, Léopold Sedar Senghor, mû par l’ambition de valoriser tous les Arts d’Afrique à travers le concept de Négritude, a tenté, à Dakar, en collaboration avec Maurice Béjart,une expérience inédite intitulée Mudra Afrique. Ce projet de formation aux arts de la scène, destiné essentiellement aux danseurs du continent, nourri par les représentations de ses concepteurs, visait à“moderniser“ les arts chorégraphiques en Afrique. Il n’a pourtant pas eu l’impact attendu, même si Germaine Acogny, qui en fut la directrice artistique, est devenue aujourd’hui l’une des figures les plus influentes de la danse en Afrique, au-delà même de sa partie francophone.Au cours des années quatre-vingt dix, on a pourtant assisté à un essor fulgurant de la création chorégraphique contemporaine du continent. Mais celui-ci est essentiellement dû à la mise en placepar le Ministère français des Affaires Etrangères d’une politique de coopération culturelle vis-à-vis despays africains. Le programme Afrique en Créations chargé de développer l’ensemble des expressionsartistiques contemporaines d’Afrique, a joué un rôle particulièrement déterminant dans la promotion etle développement d’une “danse africaine contemporaine“ notamment par la mise en place de rencontres chorégraphiques biennales.Par le biais des arts et de la culture, la France a ainsi réaffirmé ses liens spécifiques avec l’Afrique.Cependant, dans un tel contexte, où le politique et l’artistique se sont trouvés inextricablement liés,comment les artistes ont-ils composé avec les modèles dominants ? Sont-ils parvenus à se mettre à distance des ces cadres préétablis ? Quelles stratégies ont-ils été amenés à adopter ? Qu’en est-il plus spécifiquement pour les chorégraphes francophones ?<br>Contemporary choreographies from Africa have been crossed by social representations of dance, bodyand arts but they are also nurtured by the historical western gaze on Africa, on the “Black“, and on“his“ dance. Furthermore, the ambivalent relationships built for generations between France andAfrica have impacted these representations, including professional scenic dance.During the seventies, Léopold Sedar Senghar, driven by the ambition to promote arts in Africa throughthe concept of Negritude, proposed, with the french choreographer Maurice Béjart, a new artisticexperience called Mudra Afrique. This school was a training project about performing arts for Africandancers, nurtured by Senghor’s and Bejart’s representations, with the aim of “modernizing“ dance inAfrica. This project did not have the expected impact, even though the director of Mudra, GermaineAcogny, thanks to this school, has become one of the most influencial figure in the African dance, infrench-speaking area and beyond.Nevertheless, the explosive development of contemporary choreographies from Africa, since the1990s, is mainly due to the France’s foreign policy by redefining cultural cooperation with the Africancontinent. Its specific program called Afrique en Creations aimed to enable African artists to developtheir own contemporary expression. It contributed more specifically to the promotion of“contemporary African dance“ through the launch of biennial choreographic encounters in Africa. Bythis way, France reaffirmed the specific nature of its ties with Africa through arts and culture. Againstsuch a backdrop, when political and artistic expressions are closely related, how the artists dealt withthe dominant models? Could they move away from this established framework? Which strategies didthey adopt? And more specifically, what about the French-speaking choreographers?
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Cordeiro, Volmir. "Où le marginal danse : retours sur six pièces chorégraphiques." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080102.
Full textAbstract:
Cette thèse procède d’un travail réflexif en lien constant avec une création chorégraphique. Elle est la parole d’un artiste-chercheur qui ne pense pas sans œuvre ni sans les œuvres d’autres artistes. Toutes explorent la thématique des figures marginales dans le champ chorégraphique, et permettent de construire une poétique singulière adossée sur les esthétiques esquissées par certaines des œuvres des chorégraphes brésiliens Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Núcleo do Dirceu et Micheline Torres. En partant de Ciel, premier solo que je signe en tant que chorégraphe en 2012, et en m’orientant vers un réseau poétique des œuvres avec lesquelles une certaine proximité thématique me semble féconde, j’enquête sur ce qui fabrique la sensation de reconnaître un marginal qui danse. Les récits que j’en fais sont construits à partir de mes propres expériences de spectateur et consolidés par mon parcours d’artiste chorégraphique. La traversée critique, analytique, fictionnelle des œuvres constitue des trajectoires sensibles dont l’objectif est de faire la connaissance des modes d’être chorégraphiques des figures marginales. Cette étude analyse comment, au sein même de chaque œuvre, se construisent les regards et les récits participant à l’émergence des affects précaires mis en mouvement par des propos chorégraphiques. Elle examine ces propos à partir des rapports imaginés avec des altérités, et véhiculés par des éléments artistiques tels que le visage, l’adresse, la place accordée au spectateur, la construction du regard et ses modes de partage. Où le marginal danse est une tentative de réflexion pour envisager quand danser le marginal devient une manière de faire danser l’invisibilité du pouvoir en même temps que de rendre visible la puissance d’un décalage<br>This dissertation proceeds from a reflexive work in constant connection with a choreographic creation. It’s the speech of an artist-researcher who does not think without his own work or without the works of other artists. All of them explore the theme of marginal figures in the choreographic field, and allow to build a singular poetic based on the aesthetics sketched by some of the works of Brazilian choreographers Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Dirceu Nucleo and Micheline Torres. Starting from Ciel, the first solo choreographed under my signature in 2012, and moving towards a poetic network of pieces with which I feel there is a certain thematic proximity, I investigate what constitutes the sensation of recognizing a marginal who dances. The stories I create are based on my own experiences as a spectator and are consolidated by my career as a choreographic artist. The critical, analytical and fictional crossover of the works constitutes sensitive trajectories that help to comprehend the choreographic modes of being of the marginal figures. The works in question here draw innovative policies in the landscapes of the visible. This study analyzes how, within each work, the gazes and narratives are constructed, contributing to the emergence of precarious affections set in motion by choreographic remarks. These remarks are examined from reports imagined with otherness, and conveyed by artistic elements such as the face, the addressing, the place given to the spectator, the construction of the gaze and its modes of sharing. Where the marginal dances is a reflection that considers the fact that dancing the marginal implies in dancing the invisibility of a power and the strength of a change
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Cappelle, Laura. "Nouveaux classiques. La création de ballets dans les compagnies de répertoire." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA157.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet d’étude les processus d’élaboration de nouveaux ballets dans les compagnies de répertoire. À travers une enquête internationale, elle se propose d’interroger dans une perspective sociologique la situation de création spécifique qui est celle des chorégraphes de formation classique, insérés dans des institutions vouées principalement à l’entretien d’un répertoire d’œuvres existantes. Leurs trajectoires professionnelles et les différences genrées qu’elles mettent en évidence y sont élucidées, ainsi que la dimension fondamentalement collective d’un travail artistique qui implique la coopération d’autres acteurs, notamment les interprètes et les répétiteurs. À partir des formes d’incorporation et de circulation du mouvement, des logiques de création se dégagent, qui permettent d’interroger la nature de l’autorité créative du chorégraphe.Appuyé sur l’observation des répétitions de cinq créations au Ballet du Bolchoï, au Ballet de l’Opéra de Paris, à l’English National Ballet et au New York City Ballet, ce travail est complété par 29 entretiens et une base de données recensant toutes les créations des compagnies étudiées entre 2000 et 2016. Ces données croisées permettent de faire ressortir l’imaginaire commun qui sous-tend le travail des chorégraphes au XXIe siècle, les différences entre les quatre pays ainsi que les tensions propres à une forme de création identifiée comme classique<br>Creativity within classical art forms is often underrated, and little is known about what it takes to craft a new ballet. This thesis explores the process of making new works in ballet companies today from a sociological perspective. Drawing on original field work in four countries, it looks at the specificity of the creative endeavours of ballet-trained choreographers, who work in institutional contexts where creation is allowed only limited space in comparison to the existing repertoire. The career trajectories of classical choreographers are addressed along with gender biases in the field. An in-depth look at the ways in which movement is shared, shaped and incorporated in the studio reveals the collective nature of creative processes which closely involve dancers and ballet masters.In addition to sustained periods of observation related to five creations at the Bolshoi Ballet, English National Ballet, New York City Ballet and the Paris Opera Ballet, the data gathered includes 29 interviews and a database listing every ballet created by the four companies above between 2000 and 2016. These findings shed light on the classical imaginary – a network of images and models, I argue, underpinning the work of 21st-century ballet choreographers – and highlight the complexity of classical artistic identities today
Books on the topic "Création chorégraphique"
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Mefe, Guy-Marc Tony. Produire une création théâtrale ou chorégraphique. Éditions Scène d'Ebène, 2010.
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Aron-Michel, Anne-Marie. La danse et la création chorégraphique: Modes privilégiés d'élaboration des représentations de soi. A.N.R.T, Université de Lille III, 1992.
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Vionnet, Claire. L'ombre du geste. Georg Editeur, 2022. http://dx.doi.org/10.32551/georg.12740.
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Ce livre met en exergue ce qui se loge dans l’ombre du geste dansant à partir d’une ethnographie des processus de création de trois compagnies suisses : Nicole Seiler, Massimo Furlan/Numéro23Prod, deRothfils. L’anthropologue s’est intéressée au processus de fabrication d’oeuvres chorégraphiques qui abordent des questions existentielles. Angoisse, solitude, rapports entre morts et vivants, ces performances mettent en scène des ombres sous la forme d’esprits, de fantômes et de monstres. Enrichie par une pratique personnelle de la danse, cette recherche est née d’une anthropologie phénoménologique. La proximité avec les danseur.euse.s et chorégraphes a introduit la chercheuse au coeur des préoccupations de la création chorégraphique, et l’a amenée à partager les joies et les douleurs des corps affectés. En dialogue avec les études en danse, cet ouvrage contribue aux théories sociales du corps et des sensations.
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Pollatsek, E. Shura. Costume in Motion: A Guide to Collaboration for Costume Design and Choreography. Taylor & Francis Group, 2021.
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Pollatsek, E. Shura, and Mitchell D. Wilson. Costume in Motion. Taylor & Francis Group, 2021.
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Fléty, Laura. "Création plastique et performance chorégraphique d’une figure démoniaque (Bolivie)." In Politique et performativité de la patrimonialisation. Éditions de la Sorbonne, 2019. http://dx.doi.org/10.4000/books.psorbonne.38277.
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2
ELLAYAH, Pamela. "Remy Charlip." In Performance dans les Amériques. Editions des archives contemporaines, 2024. http://dx.doi.org/10.17184/eac.8117.
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Cet article vise à explorer comment le danseur et chorégraphe Remy Charlip a utilisé son expérience de la performance comme source d’inspiration pour illustrer ses albums pour enfants. Ayant collaboré avec John Cage et Merce Cunningham, il s’est investi dans multiples domaines artistiques que ce soit la dance, l’écriture et l’illustration de livres ainsi que la création de costumes. La danse et son écriture chorégraphique ont eu une telle influence sur ses albums que certains sont comparables à des “partitions visuelles”. La danse et les albums ont constitué des tentatives pour traduire l’énergie enfantine tout comme ils ont révélé des explorations graphiques dans le monde de cet artiste total.
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Beaulieu, Marie. "CENT ANS DE CRÉATION CHORÉGRAPHIQUE POUR LES ENFANTS DU QUÉBEC." In Faire danser à l’école. Presses de l'Université Laval, 2018. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv1g248dk.20.
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Duval, Hélène, and Nicole Turcotte. "PARTICULARITÉS DU PROCESSUS D’ACCOMPAGNEMENT DES JEUNES À LA CRÉATION CHORÉGRAPHIQUE." In Faire danser à l’école. Presses de l'Université Laval, 2018. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv1g248dk.16.
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Beaulieu, Marie. "Cent Ans De Création Chorégraphique Pour Les Enfants Du Québec." In Faire danser à l’école. Les Presses de l’Université de Laval, 2018. http://dx.doi.org/10.1515/9782763740096-018.
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Duval, Hélène, and Nicole Turcotte. "Particularités Du Processus D’Accompagnement Des Jeunes À La Création Chorégraphique." In Faire danser à l’école. Les Presses de l’Université de Laval, 2018. http://dx.doi.org/10.1515/9782763740096-014.
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Brunaux, Hélène. "Chapitre cinq. Terrains de la création chorégraphique et expériences de l’engagement dans l’espace urbain." In Sociologies et cosmopolitisme méthodologique. Presses universitaires du Midi, 2012. http://dx.doi.org/10.4000/books.pumi.17257.
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Chentouf, Rostan. "Les accueils-studio et résidences de création du Centre chorégraphique national de Tours. Direction Thomas Lebrun." In La résidence d’artiste. Presses universitaires François-Rabelais, 2016. http://dx.doi.org/10.4000/books.pufr.18657.
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Lefevre, Betty. "XVII. Productions chorégraphiques contemporaines et formes de ritualisation." In Rite et création. Hermann, 2020. http://dx.doi.org/10.3917/herm.watth.2020.01.0293.
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Duval, Hélène. "Des gestes professionnels d’enseignantes de la danse en milieu scolaire (EDMS) pour accompagner les élèves en création chorégraphique : révéler le dire et le faire ; lier identité et action." In Réfléchir à la formation artistique. Les Presses de l’Université de Laval, 2016. http://dx.doi.org/10.1515/9782763727011-006.
Full textConference papers on the topic "Création chorégraphique"
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Pellus, Anne. "Hybridité, Intermédialité, Politique sur la scène chorégraphique contemporaine : Then love was found and set the world on fire d’Hooman Sharifi." In Création, intermédialité, dispositif. Fabula, 2017. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.4452.
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