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Journal articles on the topic 'Création (esthétique) – Et les arts'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 1 February 2022

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1

Michel, Alain. "Le vocabulaire esthétique à Rome : rhétorique et création artistique." Mélanges de l’École française de Rome. Antiquité 97, no. 1 (1985): 495–514. http://dx.doi.org/10.3406/mefr.1985.5495.

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2

Kerlan, Alain, and André D. Robert. "Enfance, art, modernite et postmodernite." El Futuro del Pasado 4 (May 30, 2013): 277–93. http://dx.doi.org/10.14201/fdp.24757.

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Abstract:

Cet article traite de la portée relationnelle, éducative, esthétique, «démocratique» de situations qui, tendant à se généraliser dans de nombreux pays, placent de plus en plus les enfants «auprès d’artistes» à l’occasion des résidences d’artistes installées dans des écoles ou dans des centres éducatifs. Il développe une double dimension, historique et philosophique. Le sens de Modernité et Post modernité est précisé. L’approche historique rappelle les étapes de la découverte d’un sentiment de l’enfance que le Moyen Age avait laissé se dissoudre (incidemment, l’art apparaît comme un des supports de cette découverte). Critiquant les positions post modernes des nouveaux sociologues de l’enfance, l’approche philosophique révèle –dans les situations esthétiques considérées– une tension entre la relation d’égal à égal enfant/artiste (illustration possible du principe post moderne de symétrie) et le maintien de la singularité de l’artiste adulte (condition de possibilité de l’éducation, au sens moderne). L’expérience de l’enfant «auprès d’artistes» porte une intéressante possibilité de création d’une nouvelle normativité (inhérente à l’œuvre en train de se faire).

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3

André, João Maria. "As Artes do Corpo e o Corpo como Arte." Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 10, no. 19 (2002): 7–26. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica20021019/202.

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Abstract:

Dans ce texte, en partant du double sens de l’expression «arts du corps» et après un parcours bref sur la présence du corps dans la culture occidentale, on essaye de caractériser, premièrement, les arts du corps qui font du corps son objet ou instrument (génitif objectif) de travail, exposition et manipulation, tels que la chirurgie esthétique, les marques du piercing et du tatouage (elles-mêmes de double sens), le «body building», quelques excès du «body art», les divers types de prothèses mécaniques qui font du corps un cyborg et, finalement, ce qu’on peut appeler les prothèses chimiques qui modèlent le désir et le tempérament et qui sont administrés par une médicine psychiatrique au service d’un bien-être normalisé. Dans un second moment notre regard se tourne vers les arts du corps dans lesquels le corps se présente en tant que sujet de création artistique (génitif subjectif), en relevant surtout les arts de la scène et, en spécial, la danse et le théâtre: on essaye, ainsi, de montrer dans quel sens on peut parler du corps en tant que sujet, tant dans la danse classique que dans la danse contemporaine, et on traverse aussi le développement du théâtre, surtout après Artaud, en passant par Grotowski, Barbas et Peter Brook, pour souligner le passage du corps au premier plan de la scène. Nous concluons en soulignant le rapport intrinsèque entre ces arts, le corps et le mouvement, ce qui nous permet de dire que, s’ils sont sont les plus éphémères de tous les arts, c’est parce que dans ces arts tout se passe comme si on faisait l’amour avec le temps.

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4

Wiame, Aline. "L’art comme expérience et la pragmatique du spectateur, entre performance et philosophie." Tangence, no. 108 (May 30, 2016): 13–27. http://dx.doi.org/10.7202/1036452ar.

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Abstract:

En prenant pour point de départ les thèses développées par Jacques Rancière dans Le spectateur émancipé, cet article se demande à quelles conditions la philosophie pourrait jouer un rôle constructif dans l’étude de l’engagement du spectateur. L’article propose de se tourner vers la philosophie pragmatique de John Dewey telle qu’elle est exposée dans L’art comme expérience : pensée comme transformation des énergies corporelles, l’expérience esthétique définie par Dewey est somatique, rythmique et relationnelle, permettant le dépassement des oppositions acteur/spectateur, activité/passivité. La théorie esthétique tout entière de Dewey fait une large part à l’expérience du spectateur en tant qu’elle est créative. En explorant les influences qu’a eues L’art comme expérience sur le développement des arts américains et dans l’esthétique pragmatique selon Richard Shusterman, l’article met en évidence la part performative constitutive de l’expérience esthétique. En concevant le spectateur comme partie prenante d’une performance, le pragmatisme pousse à revisiter du même mouvement le rôle et la fonction de la philosophie : aux prises avec la question de l’engagement du spectateur, la philosophie peut alors être envisagée dans ses propres dimensions performatives, selon une approche telle que celle du réseau de chercheurs récemment créé « Performance Philosophy ».

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5

Urrutiaguer, Daniel, and Laure de Verdalle. "Transfiguration théâtrale des objets par les sonorités et valeur esthétique." L’Annuaire théâtral, no. 56-57 (August 30, 2016): 123–34. http://dx.doi.org/10.7202/1037333ar.

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Abstract:

Les compositions contextuelles visent à agir sur l’imaginaire des spectateurs afin de modifier la perception des objets et des espaces urbains par leur transfiguration poétique. Ces compositions sont basées sur l’amplification des sonorités de matériaux hybrides et sur une interprétation comportant une part d’improvisation. Le contexte de ces créations est en outre influencé par les possibilités de financement. Celles-ci dépendent du degré de reconnaissance de la valeur esthétique de la production artistique des compagnies dans un environnement marqué par une institutionnalisation encore fragile des arts de la rue et une crise de diffusion du spectacle vivant.

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6

BEKHEDIDJA, Nabila. "La technique du collage : une stratégie esthétique et un procédé littéraire dans “Terrasse à Rome“ de Pascal Quignard." FRANCISOLA 3, no. 2 (2019): 105. http://dx.doi.org/10.17509/francisola.v3i2.15744.

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Abstract:

RÉSUMÉ. Pascal Quignard crée une structure en morceaux dans Terrasse à Rome, avec l’utilisation d’un procédé proche des arts plastiques : le collage. Le collage désigne le fait d’introduire dans une œuvre des fragments qui ne lui appartiennent pas (extraits de textes littéraires, écriture en italique, écriture étrangères, inventaire, versets bibliques, etc.).Une approche immanente mettra en exergue une structure romanesque éclatée dans laquelle se présente une diffraction narrative et textuelle .L’objectif de cette étude est d’expliquer le rôle de la technique du collage dans la création d’un effet hybride et hétéroclite qui exige la participation du lecteur pour rassembler les éléments éparpillés de l’histoire racontée. Mots-clés : collage -hétéroclite - hybride-lecteur-reconstitution.ABSTRACT. Pascal Quignard creates a structure in pieces in Terrasse à Rome, using a process close to the plastic arts: collage. Collage refers to the introduction into a work of fragments that do not belong to it (excerpts from literary texts, italic writing, foreign writing, inventory, biblical verses, etc. ) An immanent approach will highlight a fragmented novel structure in which there is a narrative and textual diffraction. The objective of this study is to explain the role of the collage technique in creating a hybrid and heterogeneous effect that requires the reader's participation to bring together the scattered elements of the story being told. Keywords: collage - heteroclite - hybrid - reader-reconstitution.

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7

Suciu, Silvia. "Afacerea artei. Negoț cu artă și artiști în epoca modernă." Anuarul Muzeului Etnograif al Transilvaniei 34 (December 20, 2020): 259–98. http://dx.doi.org/10.47802/amet.2020.34.15.

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Abstract:

"L’affaire de l’art Le marché d’art dans l’époque moderne La deuxième partie du 19ème siècle a marqué une époque sans précédent de l’expression esthétique et des moyens de vendre les produits artistiques. La révolution des impressionnistes a changé pour toujours la technique et l’image de la peinture. L’exposition de 1874 des impressionnistes - Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Armand Guillaumin, Bethe Morisot - de l’atelier du photographe Nadar du Boulevard des Capucines avait choqué le publique qui accusait le caractère indéfini de leurs œuvres et les expositions suivantes ont suscité les mêmes critiques. La peinture de Claude Monet, «Impression, soleil levant», a donné le nom de ce groupe d’artistes considérés souvent « intransigeants » et « révolutionnaires ». Plus de 30 ans ont dû passer pour que leur création soit acceptée. Comme dans les époques antérieures, l’art était destiné à une clientèle riche et représentait un moyen de montrer le rang, la vertu et la grandeur de ceux qui le possédaient. Paul Durand-Ruel, Ambroise Vollard et la famille Wildenstein ont changé radicalement le commerce d’art et leurs nouvelles techniques de commerce se trouvent à la base de la distribution des arts plastiques dans l’époque contemporaine. Ils ont soutenu l’Impressionnisme et l’ont transformé dans un « mode » et un courant artistique en vogue. Ils ont formé une nouvelle catégorie des collectionneurs qui ont commencé à comprendre ce mouvement nouveau. Paul Durand-Ruel a introduit la peinture des impressionnistes dans les États-Unis et a marqué leur reconnaissance internationale. Les nouveaux-riches américains ont prouvé de l’appétit pour cet art révolutionnaire et sont devenus les bénéficiaires parfaits de ce mouvement, avant que les français l’acceptent. Mots clés: époque moderne, marché d’art, Impressionnisme, les États-Unis, collection "

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8

Aguirre Martínez, Guillermo. "Gide, Kafka, Woolf. Iluminación de su vida y obra a través de los diarios." Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada 1, no. 18 (2012): 168. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_tropelias/tropelias.201218569.

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Abstract:

Para la realización de este estudio se han seleccionado tres autores, André Gide, Franz Kafka y Virginia Woolf, en los que obra y vida se confunden y alimentan mutuamente sin apenas discontinuidad que permita observar dónde nace una y muere la otra. Encontramos, no obstante, en sus respectivos diarios, la herramienta idónea de cara a discernir los límites entre ideal y experiencia, poesía y verdad, una vez que cada uno de ellos hará de su diario no solo un apoyo o guía vital, sino también un soporte donde poder plasmar aquellos pensamientos, aquellas primeras imágenes que posteriormente darán lugar, ya de modo elaborado, a la obra de arte. Observar y analizar esas primeras manifestaciones, sus progresivas metamorfosis y, finalmente, sus cristalizaciones en forma de creación estética, constituye el propósito del presente trabajo.Palabras clave: André Gide, Franz Kafka, Virginia Woolf, diarios, literatura, novela. Pour la réalisation de cette étude, trois auteurs ont été sélectionnés, André Gide, Kakfa et Woolf, chez lesquels l’œuvre et vie se confondent et se nourrissent mutuellement sans qu’on puisse observer de discontinuité entre naissance et mort de l’une et de l’autre. Nous trouvons, cependant, dans leurs journaux respectifs l’outil idoine qui permet de discerner les limites entre idéal et expérience, poésie et vérité vu que chacun d’eux fera de son journal non seulement un soutien ou guide vital, mais aussi un support où pouvoir exprimer ces pensées, ces premières images qui donneront lieu «a posteriori» de façon élaborée, à l’œuvre d’art. Observer et analyser ces premières manifestations, leurs progressives métamorphoses et, pour finir, leur cristallisation sous forme de création esthétique, constitue l’objet du présent travail.Mots clé: André Gide, Franz Kafka, Virginia Woolf, journaux, littérature, roman.

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9

Bérard, Stéphanie. "Les dramaturgies antillaises contemporaines du « Chaos-Monde »." L’Annuaire théâtral, no. 43-44 (May 25, 2010): 45–57. http://dx.doi.org/10.7202/041705ar.

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Abstract:

La création théâtrale caribéenne contemporaine s’oriente vers des voies esthétiques plurielles favorisant le mélange des genres, des langues et l’hybridation des formes artistiques (en intégrant en son sein des composantes culturelles populaires telles que tradition orale des contes, proverbes et chansons, musiques et danses, rituels profanes et religieux). Des oeuvres innovantes, parfois déroutantes, viennent perturber les habitudes des spectateurs contraints de donner un sens à des pièces en apparence hétérogènes, désordonnées, voire chaotiques. C’est ce « désordre théâtral » que nous examinons dans cet article, et plus précisément les manifestations et les effets qu’un apparent chaos peut opérer sur l’écriture dramatique et sur la scène. Avec le temps… Con el tiempo… et Andidan Lawonn-la, du metteur en scène et comédien guadeloupéen Gilbert Laumord, sont deux pièces fondées sur l’exploitation dramaturgique de la culture populaire créole. Une fulgurante énergie créatrice se déploie sur la scène où s’opère la rencontre des langues, des genres et des arts, tandis que la parole poétique et contée se conjugue à l’expression corporelle. Ce théâtre hybride, à l’architecture fragmentée, voire disloquée, défie les lois de la rationalité et de la logique en célébrant la naissance d’un ordre nouveau, celui, obscur et opaque, imprévisible et fluctuant, du « Tout-Monde ».

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10

Sami-Ali, Mahmoud. "Esthétique et création." Psychosomatique relationnelle 7, no. 1 (2017): 11. http://dx.doi.org/10.3917/psyr.007.0011.

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Bidima, Jean Godefroy. "Création, imagination et sens esthétique." Philosophiques 46, no. 2 (2019): 327. http://dx.doi.org/10.7202/1066773ar.

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Nardi-Pion, Brigitte. "Esthétique et création dans la clinique anorexique." Le Journal des psychologues 333, no. 1 (2016): 25. http://dx.doi.org/10.3917/jdp.333.0025.

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Franco, Bernard. "Création romanesque et pensée esthétique autour de 1800." Revue de littérature comparée 369, no. 1 (2019): 23. http://dx.doi.org/10.3917/rlc.369.0023.

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Levinson, Jerrold. "Contextualisme esthétique." Articles 32, no. 1 (2005): 125–33. http://dx.doi.org/10.7202/011066ar.

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Abstract:

Résumé Je me fixe deux objectifs dans ce texte. Le premier est de situer l’esthétique ou la philosophie de l’art par rapport à la philosophie en général et d’expliquer pourquoi elle a été la préoccupation centrale de tant de philosophes dans la tradition. Mon second objectif est de définir un courant dominant de l’esthétique des trente dernières années, que je nomme « contextualisme », et d’expliquer son importance en ce qui concerne les réflexions des artistes, critiques, théoriciens et publics à propos de l’art. Le contextualisme, en un mot, est la thèse selon laquelle les oeuvres d’art sont, du point de vue ontologique, épistémologique et de la critique, liées à leur contexte de création et de projection ; en dehors de ce contexte, les oeuvres d’art cessent d’être ce qu’elles sont et n’ont plus les qualités et significations qu’elles possèdent en réalité.

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Nutting, Stéphanie. "La poétique de la détection dans Provincetown Playhouse." Dossier 25, no. 3 (2006): 462–70. http://dx.doi.org/10.7202/201497ar.

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Abstract:

Résumé Comment les théories sur la transmission et la création du sens peuvent-elles éclairer la vision de la beauté (et de son pendant, la laideur) dans la pièce de théâtre Provincetown Playhouse, juillet 1919, j'avais 19 ans de Normand Chaurette? De même que le processus de détection fonctionne dans un système basé sur des relations de substitution, la vision esthétique de la pièce passe par la pensée métaphorique. Du coup, la création du sens et la création du sentiment ressemblent au même mécanisme redoutable.

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Michaud, Yves. "Esthétique et arts visuels contemporains." Études Phénoménologiques 3, no. 5 (1987): 137–56. http://dx.doi.org/10.5840/etudphen198735/66.

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Wiseman, Boris, and Anne Wilhelmi. "Invention mythique et création esthétique : le mytho-poème de Lévi-Strauss." Les Temps Modernes 628, no. 3 (2004): 154. http://dx.doi.org/10.3917/ltm.628.0154.

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Otto, Patrick. "Fondement esthétique et techniques d’écriture dans Mynes (2007)." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, no. 2 (2018): 15–26. http://dx.doi.org/10.7202/1054088ar.

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Abstract:

Si la recherche exige un protocole reconnaissable par la communauté scientifique, en revanche la création prend en compte la subjectivité de l’appréciation – du sonore en l’occurrence – comme source de connaissance valide. Partant de ce double constat, le processus de composition de Mynes pour trio à cordes et orchestre, exemple « d’oeuvre-présent », conçu et créé en 2007, sera pris comme objet d’étude. La première partie de l’exposé thématise le repérage des moments ayant chacun obtenu une authentification : premières improvisations pianistiques, captation d’un titre, improvisation collective confiée au trio à cordes et confrontée à un orchestre. La seconde partie de l’exposé présente les techniques d’écriture employées : passage d’un accord à un autre, en particulier au moyen de l’improvisation, la forme en ellipse, le « donné à entendre ».

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Posner, David M. "Frank Greiner. Les métamorphoses d'Hermès: Tradition alchimique et esthétique littéraire dans la France de l'âge baroque (1583-1646). (Bibliothèque littéraire de la Renaissance, 3.42.) Paris: Honoré Champion Éditeur, 2000. 672 pp. index, append, bibl. 610 FF. ISBN: 2-7453-0295-7. - Jean-Claude Ternaux. Lucain et la littérature de l'âge baroque en France: Citation, imitation et création. (Bibliothèque littéraire de la Renaissance, 3.43.) Paris: Honoré Champion Éditeur, 2000. 472 pp. index, append, bibl. 420 FF. ISBN: 2-7453-0297-3." Renaissance Quarterly 56, no. 1 (2003): 190–92. http://dx.doi.org/10.2307/1262280.

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Kocay, Victor. "L’axiologie d’Ingarden." Articles 22, no. 1 (2007): 35–52. http://dx.doi.org/10.7202/027307ar.

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Abstract:

RÉSUMÉ Cet article met en lumière la formation des valeurs esthétiques entendues au sens de la philosophie de Roman Ingarden. L'auteur présente et commente trois notions essentielles de cette pensée : il s'agit de la concrétisation, de la valeur esthétique et du noyau de l'objet esthétique. Bien que la critique s'intéresse depuis longtemps à l'axiologie ingardénienne, la perspective de l'auteur, mettant en valeur la notion de noyau esthétique, indique clairement que la pensée d'Ingarden chevauche deux approches différentes en ce qui concerne la formation des valeurs. Lorsqu'il s'agit de la création de nouvelles valeurs, par exemple, la soi-disant objectivité de la philosophie d'Ingarden semble masquer le côté subjectif de leur formation.

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Guy, Emmanuel. "Esthétique et préhistoire." L'Homme, no. 165 (January 1, 2003): 283–90. http://dx.doi.org/10.4000/lhomme.15662.

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Lefebvre, Marie-Thérèse. "L’Underground musical des années 1970 au Québec." Les Cahiers des dix, no. 68 (March 31, 2015): 249–86. http://dx.doi.org/10.7202/1029295ar.

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Abstract:

La contre-culture possède deux visages : l’un à découvert (overground) et l’autre, souterrain (underground). Dans la mouvance « overground » des musiques écrites d’avant-garde et d’allégeance européenne défendues, entre autres, par la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ), une nouvelle génération de musiciens revendique un espace de création pluridisciplinaire où l’expérimentation et l’improvisation prennent appui sur les modèles américains. « Underground » dans les années 70, ce mouvement artistique donne naissance à un courant esthétique qui émerge au début des années 80 sous le nom de “musique actuelle”. Histoire d’une rencontre entre deux univers de création.

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Boisseau, Maryvonne. "(Im)possible coïncidence des textes : l’ordinaire de la création. « The Sea in Winter » (Derek Mahon) / « La Mer hivernale » (Jacques Chuto)." Partie 2 – Les dessous de la créativité 62, no. 3 (2018): 552–64. http://dx.doi.org/10.7202/1043948ar.

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Abstract:

La traduction littéraire n’est pas simple communication ou simple transmission du sens. Elle est aussi écriture originale parce qu’elle procède d’une énonciation qui est unique comme celle dont a procédé le texte initial. C’est en se fondant sur cette hypothèse que cet article interroge l’adéquation entre les termes de traduction et création et la portée de la comparaison « latraductioncomme création ». L’article s’attache d’abord à la proximité sémantique des termes de création et créativité que l’on substitue souvent l’un à l’autre. Puis sont examinés les liens entre le processus de traduction en tant que cheminement créatif et le « produit », en tant que création. L’article avance l’idée que la traduction peut être appréciée comme une création si elle résulte d’un travail qui vise à la rencontre des textes et cherche une concordance esthétique et poétique entre les langues en puisant dans les profondeurs de la langue de traduction. À cette fin, sont comparés des extraits du poème « The Sea in Winter » de Derek Mahon et de sa traduction par Jacques Chuto, « La Mer hivernale », afin de mettre au jour les ressorts de l’ordinaire de la création.

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Guillen, Anne-Sophie. "De l'acte de création à l‘acte révolutionnaire: le cas Schoenberg." Revista Latinoamericana de Psicopatologia Fundamental 24, no. 2 (2021): 446–59. http://dx.doi.org/10.1590/1415-4714.2021v24n2p446.11.

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Abstract:

La réception des œuvres d'Arnold Schoenberg dans la Vienne d'avant la Première Guerre mondiale est foudroyante. Les scandales se succèdent et la musique atonale du compositeur avant-gardiste vient bouleverser la sensibilité morale, esthétique et politique de son époque et de sa culture. En transgressant les lois de la musique tonale, Schoenberg transgresse la loi au sens politique du terme. C'est parce qu'une nécessité intérieure le pousse à ne pas se contenter du savoir établi que Schoenberg a pu marquer l'histoire de son style et subvertir le pouvoir.

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Nattiez, Jean-Jacques. "Musique, esthétique et société." L'Homme, no. 161 (January 1, 2002): 97–110. http://dx.doi.org/10.4000/lhomme.142.

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LIVINGSTON, PAISLEY. "Roger Pouivet, Esthétique Et Logique." Journal of Aesthetics and Art Criticism 55, no. 4 (1997): 431. http://dx.doi.org/10.1111/1540_6245.jaac55.4.0431.

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Morin, Geneviève. "La marionnette chez Pierre Albert-Birot : l’exemple de Matoum et Tévibar." L’Annuaire théâtral, no. 37 (May 6, 2010): 165–82. http://dx.doi.org/10.7202/041601ar.

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Abstract:

Artiste polyvalent, Pierre Albert-Birot s’inscrit dans le courant des avant-gardes littéraires du début du XXe siècle. Il développe une esthétique théâtrale — le nunisme — qui attribue à la marionnette un rôle clé dans la création d’un théâtre nouveau. Gardienne de l’art dramatique, celle-ci se voit dotée des pouvoirs d’évocation poétique et de subversion. Albert-Birot écrit plusieurs pièces pour marionnettes dont Matoum et Tévibar, qui fut jouée tour à tour par des marionnettes et des acteurs humains.

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Pacheco, José António Leite Cruz de Matos. "A Dialéctica da Verdade e do Sentido." Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 7, no. 13 (1999): 57–89. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica19997134.

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Abstract:

L’étude de la dialectique de la Vérité et du Sens chez Weil nous conduit, dans cet essai, à en visager pourquoi n’aurait-il pas élaboré une philosophie du sens de l ’être-là (ce que nous apellons ici, dans l’aception kantienne de la Kritik der Urteilskraft, plutôt que dans celle de Baumgarten: une réflexion esthétique), et quelle est la signification profonde de cette absence, étant donné que le sens constitue, selon Eric Weil, le fond et le fondement de tout discours, de toute philosophie et de toute vérité. On y cherche à montrer, finalement, l’impossibilite de cette esthétique: la proximité entre la philosophie et la poésie (poésie en tant que lieu-même de création de sens), chez Weil et selon lui, veut dire que le philosophe ne devra pas refouler la mémoire de la naissance de la philosophie à partir de la poésie, mais, aussi, qu’il ne pourra pas y parler philosophiquement, ou, donc, mettre en discours et en science - une esthétique, justement - ce mouvement de sens qui fonde le discours philosophique.

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Dumouchel, Daniel. "Entre métaphysique et esthétique." Dossier. La philosophie à l’Académie de Berlin au XVIIIe siècle 42, no. 1 (2015): 51–72. http://dx.doi.org/10.7202/1032217ar.

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Abstract:

Le nom de Johann Georg Sulzer reste attaché à la naissance de l’esthétique philosophique en Allemagne, principalement à travers son oeuvre majeure, la Théorie générale des beaux-arts (1771-1774). Il s’agira de montrer ici comment ce membre influent de la classe de philosophie spéculative de l’Académie de Berlin, fortement influencé par la pensée de Leibniz et de Wolff, mais également très attentif aux particularités psychopathologiques de l’esprit humain et aux composantes corporelles de l’activité psychique, prétend fournir une assise métaphysique à la théorie du beau en la fondant sur ce que, depuis Wolff, on appelle la psychologie. À partir de l’étude d’une série de Mémoires dont la rédaction s’étend de 1751 à 1763, on portera une attention particulière au projet de déduction des sentiments agréables et désagréables, que Sulzer entend opérer à partir du principe d’activité de l’âme, pour mieux saisir la nature des plaisirs que nous procure la beauté. Sur cette base, on reviendra en fin de parcours à la question de la fonction des beaux-arts dans la pensée de Sulzer, pour soutenir l’idée que l’énergie de l’art ne peut être réduite à la question de la beauté.

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Cardinal, Serge. "Les « convulsions paroxystiques » de l’acteur. La synchronisation de l’image et du son sur le corps de Jerry Lewis." Intermédialités, no. 19 (October 9, 2012): 65–83. http://dx.doi.org/10.7202/1012656ar.

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Abstract:

Fort de la conviction qu’un acteur peut participer à la création de possibilités esthétiques, l’auteur veut construire un concept de synchronisation qui inclue les tics de Jerry Lewis. Il s’agira d’un concept à trois composantes : chez Jerry Lewis, la synchronisation implique une opération de captation, une opération de dissonance, une opération de réfraction. Cette invention esthétique et poétique de l’acteur est en même temps création d’une possibilité de vie. À la fois occasion critique où s’évalue le rapport entre soi et les autres, seuil d’émergence d’une figure précaire d’humanité et de rythme existentiel qui compose une communauté éphémère, la synchronisation est chez Lewis une éthique ; capter, dissoner et réfracter sont les trois moments mis en boucle d’un même processus de subjectivation.

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Lefebvre, Marie-Thérèse. "Introduction à la pensée esthétique de Gilles Tremblay à travers ses écrits." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 12, no. 1-2 (2018): 31–43. http://dx.doi.org/10.7202/1054198ar.

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Abstract:

La personnalité artistique de Tremblay se définit autour d’un seul axe, la spiritualité/le sacré, autour duquel se développe sa conception de la nature (et par ricochet sa conception de la forme, du son et du silence). L’oeuvre musicale et le discours s’imbriquent de manière cohérente dans une seule et unique figure centrale : Gilles Tremblay est un artiste croyant qui conçoit l’acte de composition comme un prolongement de la Création. Pour mieux comprendre ce cheminement esthétique et spirituel, cet article propose une analyse des textes publiés par le compositeur en abordant deux aspects de sa pensée : la spiritualité et la nature.

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Lamoureux, Diane. "Hannah Arendt, l’esthétique et le politique." Revue québécoise de science politique, no. 25 (December 5, 2008): 65–87. http://dx.doi.org/10.7202/040337ar.

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Abstract:

Résumé Dans La crise de la culture, Hannah Arendt opère une analogie entre esthétique et politique, analogie qui ne sert pas tant à une esthétisation du politique qu’à souligner que, dans les deux sphères d’activité, ce qui est à l’oeuvre c’est la capacité humaine de jugement. Cette démonstration s’effectue en trois temps. D’abord, il s’agit de cerner la difficulté du politique dans le monde contemporain. Ensuite, il sera question du rôle de l’art dans les « sombres temps ». Enfin, le théâtre du monde sera distingué de la société du spectacle. Tout ceci permettra de comprendre le rôle du jugement dans la création d’une communauté politique diversifiée et fondée sur la parole persuasive.

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SONG, Hongjin. "Esthétique et poétique baudelairiennes des arts médiatiques." Études de Langue et Littérature Françaises 122 (June 15, 2020): 165–216. http://dx.doi.org/10.18824/ellf.122.06.

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Forest, Philippe. "Chacun est seul responsable de tous : morale de Saint-Exupéry." Études françaises 46, no. 1 (2010): 15–25. http://dx.doi.org/10.7202/039813ar.

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Abstract:

« Chacun est responsable de tous » écrit Saint-Exupéry dans Pilote de guerre. De Terre des hommes et Vol de nuit à ses derniers écrits (parmi lesquels Le Petit Prince et le roman inachevé Citadelle), Saint-Exupéry met l’accent sur le concept-clé de « responsabilité » pour tenter de penser l’essence vraie de la condition humaine et de la création littéraire, le deuil et la perte devenant les bases d’une éthique et d’une esthétique dans le contexte d’une civilisation sous la menace du nihilisme.

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Da Nóbrega, Petrucia, and Laís Saraiva Torres. "La boue comme champ expressif : une esthésiologie du corps et la motricité en danse." Movement & Sport Sciences - Science & Motricité, no. 99 (2018): 69–75. http://dx.doi.org/10.1051/sm/2018006.

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Abstract:

Il s’agit de présenter le corps esthésiologique à partir des récits en première personne des participants à la manifestation traditionnelle « Os Cão », pendant le Carnaval de la plage de Redinha, à Natal, au Brésil, en 2017. D’autre part, il s’agit d’évoquer le spectacle « Cão sem plumas » (Le Chien sans plumes), de Débora Colcker pour créer des liens entre l’esthésiologie et l’expérience esthétique de la boue comme un champ expressif pour l’écologisation du corps vers la création de nouveaux sens pour la motricité, notamment dans le domaine de la danse. Une telle proposition nous aide à comprendre la quête de la danse vers une nouvelle fabrication poétique du réel en interaction avec la nature, au mouvement et à la notion du spectacle lui-même au-delà du divertissement ou du simple « loisir » mais comme pourvoyeur de sens existentiel, esthétique et culturel.

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Alloa, Emmanuel, Sarah Burkhalter, and Carrie Lambert-Beatty. "Kinesthésie plurielle : danse, esthétique et agentivité." Perspective, no. 2 (December 30, 2020): 73–84. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.20271.

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Ez-Zouaine, Younès. "Proust, traducteur de Ruskin. De la traduction de Ruskin à la création d’À la recherche du temps perdu." Partie 2 – Les dessous de la créativité 62, no. 3 (2018): 585–98. http://dx.doi.org/10.7202/1043950ar.

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Abstract:

La rédaction de Contre Sainte-Beuve et d’À la recherche du temps perdu de Marcel Proust a été précédée par la traduction de The Bible of Amiens (1884) et de Sesame and Lilies (1865) de John Ruskin. L’examen de ces deux traductions montre que le traducteur s’en est inspiré pour échafauder le socle esthétique de son oeuvre à venir. En effet, la traduction des essais ruskiniens fait partie intégrante du processus d’apprentissage et de maturation qui devance et prépare la rédaction définitive de À la recherche du temps perdu. Cette traduction a consisté en une activité de transfert des contenus esthétiques de l’oeuvre de l’esthète anglais à la sienne propre. Nous essaierons dans cet article de montrer que le cadre esthétique d’À la recherche du temps perdu provient directement, avec quelques modifications que nécessite toute transformation créatrice, de sa confrontation avec les livres de Ruskin.

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Côté, Julie-Anne. "De la danse au musée : mémoires de l’oeuvre chorégraphique contemporaine." Muséologies 7, no. 2 (2015): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/1030250ar.

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Abstract:

La notion de patrimoine culturel s’est élargie ces dernières années. Traditionnellement associée aux monuments et aux sites sous l’angle de leurs valeurs esthétiques et historiques, elle englobe maintenant les traditions et les pratiques sociales, mais aussi les arts du spectacle, dont la danse. L’élargissement de la notion de patrimoine pose la question des nouveaux objets patrimoniaux et muséaux dont les aspects vivants, contemporains, intangibles ou immatériels sont régis par des valeurs qui s’opposent aux valeurs traditionnelles des musées. Ainsi, quoique la conservation et la valorisation du patrimoine de la danse apparaissent nécessaires, elles n’en restent pas moins complexes, particulièrement en ce qui touche l’oeuvre chorégraphique contemporaine en Occident. La danse contemporaine requiert des modes singuliers de mémoire qui supposent diverses perspectives de transmission et de mise en mémoire. Après avoir situé la danse par rapport à la notion de patrimoine culturel immatériel, ce texte présente le double registre de la mémoire de la danse contemporaine : une mémoire documentaire et matérielle et une mémoire vivante et créative. L’étude du Musée de la danse de Boris Charmatz montre comment cette mémoire vivante et créatrice de la danse est mise en oeuvre et l’examen du projet d’exposition virtuelle de la Fondation Jean-Pierre Perreault présente la mise en valeur d’une mémoire documentaire et matérielle. Ces deux formes de mise en mémoire d’oeuvres chorégraphiques contemporaines illustrent de nouvelles perspectives de sauvegarde et de muséalisation d’un patrimoine vivant.

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COROIU, Petruța-Maria. "Hypostases de la temporalité dans l’œuvre musicale, dans les concerts d’Aurel Stroe." BULLETIN OF THE TRANSYLVANIA UNIVERSITY OF BRASOV SERIES VIII - PERFORMING ARTS 13 (62), SI (2021): 49–56. http://dx.doi.org/10.31926/but.pa.2020.13.62.3.5.

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Abstract:

La démarche esthétique et sémantique, celle qui part à la recherche du sens de l'œuvre d'art, est l'une des plus difficiles, mais indispensable à sa compréhension profonde. Le niveau sonore, purement acoustique, n'est qu'une couche de surface, qui ne donne pas accès aux valeurs supérieures qu'incarne l'œuvre. Seule la recherche dans le plan sémantique, esthétique (au-delà du plan strictement stylistique qui concerne les paramètres techniques de la création) et, si nécessaire, au niveau herméneutique, peut clarifier les profondeurs de signification de chaque chef-d'œuvre. La situation architecturale du Concert pour saxophone et orchestre est similaire à celle de la fin du concert d'accordéon et d'ensemble solo, ce qui signifie que depuis le début de la dernière décennie du siècle dernier, Aurel Stroe avait finalisé cette nouvelle formule d'expression architecturale, créant au moins deux chefs-d'œuvre dans le sens analysé jusqu'à présent.

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DEL MASTRO, Cesare. "De l’achèvement de l’image à l’ouverture de l’œuvre d’art : éthique et esthétique chez Henry Bauchau et Emmanuel Levinas." Revue internationale Henry Bauchau. L’écriture à l’écoute, no. 5 (January 10, 2013): 167–84. http://dx.doi.org/10.14428/rihb.v0i5.17323.

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Abstract:

Cette lecture de L’Enfant bleu en dialogue avec la philosophie d’Emmanuel Levinas prend pour hypothèse que, d’une esthétique de l’achèvement de l’image qui se situe aux antipodes de l’éthique, on passe ici à la création de l’œuvre d’art habitée par l’altérité. Le personnage d’Orion, d’abord prisonnier des images dévalorisantes qu’on lui renvoie et paralysé dans l’anonymat du « on doit », expérimente la barbarie intérieure, révélée grâce à la figuration du mythe du Minotaure. La mise en récit de ses dessins à l’usage de la thérapeute engage ensuite un appel à un au-delà de soi qui émane du visage de l’Autre ; elle invite à une dynamique positive d’échange, qui réintroduit une altérité positive.

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Jeantroux, Myriam. "“je crois peut-être que tout est vrai”." Samuel Beckett Today / Aujourd’hui 31, no. 1 (2019): 66–81. http://dx.doi.org/10.1163/18757405-03101006.

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Abstract:

Résumé Le chemin qui mène des premiers manuscrits de Fin de partie à la dernière révision du texte sur la scène londonienne en 1980 est celui d’ un déploiement de l’ incertitude. Cette esthétique de l’ ambiguïté procède par toute une série de gommages et de déplacements qui clôturent l’ espace scénique, rendent équivoque la situation des personnages et donnent à lire, dans le processus même de l’ écriture, une poétique du doute qui interroge l’ origine et le sens de la création littéraire.

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Khouri, Nadia. "Valeur esthétique et valeur critique." Neohelicon 13, no. 2 (1986): 217–28. http://dx.doi.org/10.1007/bf02028910.

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Guzski, Carolyn, and Violetta Donini. "Le ballet américain au Metropolitan Opera: The Dance in Place Congo de Henry F. Gilbert." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (2012): 43–50. http://dx.doi.org/10.7202/1012349ar.

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Abstract:

La création de Dance in Place Congo (1918) du compositeur américain Henry F. Gilbert par la compagnie de danse en résidence et l’orchestre du Metropolitan Opera a été la première production sur un thème africano-américain à être présentée dans l’enceinte du Metropolitan Opera. Il s’agit aussi de la toute première prestation de musiques vernaculaires noires et de la première présence d’artistes de couleur sur la scène légendaire du Met. Le résultat, cependant, est davantage un reflet des rivalités entre compositeur, chorégraphe et gestionnaires, et d’un choc de visions artistiques en réponse à une esthétique moderniste émergente en musique, danse et scénographie.

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Mitchell, William J. Thomas. "Iconologie, culture visuelle et esthétique des médias." Perspective, no. 3 (September 30, 2009): 339–42. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.1301.

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Rivron, Vassili. "Reconversion et consécration : trajectoires de musiciens savants et valorisation de la musique populaire brésilienne." Sociologie et sociétés 47, no. 2 (2016): 211–35. http://dx.doi.org/10.7202/1036346ar.

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Abstract:

Nous comparons ici les crises vocationnelles et les reconversions consécutives des deux compositeurs, solistes et chefs d’orchestre savants Heitor Villa-Lobos et Radamés Gnattali à deux formes différentes de culture de masse : l’éducation nationale et la radiodiffusion publicitaire. La reconfiguration de l’espace musical a suscité chez eux des stratégies de reconversion qui les éloignaient initialement de leurs aspirations initiales. Mais nous montrons comment ces reconversions contribuent à inventer de nouvelles formes de mécénat (par l’État, par la publicité), et qu’outre les conditions de production, elles permettent de mettre en exergue le rôle actif qu’ils ont pu prendre dans la création d’un public et d’une esthétique nouvelle, correspondant à de nouvelles pratiques musicales, partagées sur le territoire. Ces reconversions se sont finalement avérées être l’une des conditions de leur consécration comme producteurs d’oeuvres savantes emblématiques du collectif national.

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Tissier, Brice. "« A garland on Pierre Boulez ». Quelques considérations sur Pour le Dr. Kalmus (1969/2005)." Articles 34, no. 1-2 (2015): 153–79. http://dx.doi.org/10.7202/1030874ar.

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Abstract:

Retirée après sa création en 1969, la pièce Pour le Dr Kalmus de Pierre Boulez a fait en 2005 une surprenante réapparition. On ignore encore les raisons qui ont décidé Boulez à réviser cette partition. On ignore d’ailleurs presque tout la concernant. Il est toutefois possible aujourd’hui, à la lumière des quelques sources manuscrites conservées et de la nouvelle partition éditée, de faire plusieurs constatations historiques, philologiques et analytiques sur cette oeuvre certes secondaire dans le corpus boulézien, mais non dénuée d’intérêt, et composée à un moment charnière de sa production musicale et de son évolution esthétique.

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Bonhomme, Marc. "L’exhibition des tabous dans la littérature argotique moderne. L’exemple d’Alphonse Boudard." ACTA UNIVERSITATIS LODZIENSIS. FOLIA LITTERARIA ROMANICA, no. 12 (May 22, 2017): 257–69. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.12.22.

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Abstract:

Si l’argot a toujours transgressé les tabous, une telle transgression a évolué depuis quelque temps avec son développement dans les romans modernes. En effet, il ne se borne plus à mettre en avant les interdits bannis par le bon usage, mais il leur confère une dimension esthétique dans le processus de la création littéraire. Nous nous intéressons au retraitement transgressif des tabous dans l’oeuvre représentative d’Alphonse Boudard. D’une part, nous montrons que celle-ci trouve ses thèmes dans l’exhibition de domaines traditionnellement tabouisés. D’autre part, nous voyons comment la transgression des tabous chez Boudard suscite une forte productivité narrative et un recyclage linguistique novateur. Ce dernier concerne les rapports complexes entre dysphémisme et euphémisme, la création de néologismes qui explorent les limites de la langue et une rhétorique ludique jouant avec les interdits langagiers. Ces pratiques conduisent à une revalorisation des termes tabouisés et à la genèse d’une écriture elle-même sans tabous.

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Caruana, Francesca. "Gisement pour la singularité." Protée 30, no. 3 (2003): 45–54. http://dx.doi.org/10.7202/006867ar.

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Abstract:

Au contact d’œuvres d’art, nous sommes enclins le plus souvent à interroger les significations possibles contenues dans les sujets représentés. La question se pose de savoir comment ces sujets, fussent-ils non figuratifs et adoptant de multiples formes de présentation, résorbent la nécessité d’être exprimés. La sémiotique de Peirce fournit des éléments de compréhension lorsqu’on aborde le processus de création. Il est lié aux surgissements de signes, empreintes corporelles originaires de notre organisation psychique, qui sont eux-mêmes travaillés par le musement, flot ininterrompu de nos pensées. L’inscription produite dans le moment de création est une rupture du musement « esthétique », rupture dont le caractère temporel dénote une importance identique à celle vécue dans la cure. En ce sens, l’inscription est première et fait retour sur un principe associatif inconscient, disponible hic et nunc. Ce principe lui est second puisque émergé par coupure dont la continuité s’exerce en révélant singularités et idiolectes plastiques.

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Desjardins, Jacques. "Brian Cherney et Bruce Mather : la clairvoyance du compositeur solitaire." Circuit 10, no. 2 (2002): 17–28. http://dx.doi.org/10.7202/004660ar.

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Abstract:

Résumé Deux compositeurs d’origine ontarienne mais ayant élu domicile à Montréal sont présentés par un ancien élève. Leurs démarches présentent certaines similitudes. Par exemple, ils ne se soucient pas des modes et entretiennent des liens étroits avec le milieu de la création européenne et québécoise d’avant-garde. L’auteur insiste sur la personnalité contemplative de Brian Cherney et l’admiration qu’il porte au poète allemand Rainer Maria Rilke, sentiment qu’il partage d’ailleurs avec son collègue Bruce Mather, comme lui professeur à la Faculté de musique de l’université McGill, à Montréal. Les influences de Bartók, de Carter et de Bruce Mather ont été déterminantes sur l’évolution de Brian Cherney en tant que compositeur. Quant à Bruce Mather, il nous est présenté comme un esthète d’une grande culture, amateur averti de grands vins français et disciple du compositeur Wyschnegradsky, dont il a fait la connaissance en 1974. Plusieurs de ses oeuvres témoignent de son intérêt pour la musique microtonale mais aussi pour la poésie. Il aime composer pour des interprètes choisis, sensibles à son esthétique et il n’hésite pas à faire connaître ses opinions sur la création musicale contemporaine.

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Ladouceur, Louise. "Bilinguisme et création… to escape various limitations." Theatre Research in Canada 37, no. 1 (2016): 116–18. http://dx.doi.org/10.3138/tric.37.1.116.

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