Dissertations / Theses on the topic 'Crise esthétique'

Robert Aldrich est passé maître en fait de crise et de paroxysme, de violence et de traumatisme. Son cinéma dépeint l’aventure humaine dans ce qu’elle a de plus douloureux – les heurts et antagonismes qui délient l’individu de son environnement et de lui-même. Mais la crise s’exerce également sur l’essence même du spectacle hollywoodien : sa parfaite transparence et son évidence figurative. Ils sont au nombre de trois, les hiatus projectifs qui conduisent le langage cinématographique de Robert Aldrich à inquiéter la matière filmique et sa pleine lisibilité : les syncopes perspectives, les brisures scalaires et les effets de rupture qui procèdent d’une caméra par trop lucide, la caméra-perspicace. Stigmates de la désunification du visible, les traces que laissent dans l’image les affrontements auxquels se livrent perspective et architecture, escaliers cadencés et corps rythmiques, caméra et scène de la fiction, précipitent la représentation dans un régime cinématographique paradoxal, où la crédulité du spectateur s’enraye inexorablement
Robert Aldrich was a master at representing crisis, paroxysm, violence and trauma. His films depict the human adventure while focusing on its most painful moments – when conflict and antagonism detach the individual from his environment and from himself. This crisis also affects the essence of the Hollywood show itself, in its perfect transparency and its figurative evidence. Three projective hiatus are present in Robert Aldrich's cinematographic language that disturb the filmic material and its full readability : perspectival syncopes, scalar breaks and effects of rupture, offshoots of an overly lucid camera, the perspicacious camera. The traces left on the image by the confrontation of perspective and architecture, rhythmical staircases and bodies, camera and scenes of fiction, are stigmata of the disunification of the visible. They throw representation into a paradoxical cinematographic system in which the spectator's credulity is inexorably bound to get jammed

Cette étude porte sur l' appropriation d' images et de stratégies publicitaires par l'art contemporain dans le contexte culturel du postmodernisme. L'hypothèse est que dans les sociétés de communication, les rapports de la sphère artistique et de la publicité sont régis par des modalités esthétiques qui convergent vers le principe de spécularité de la représentation. La problématique s'articule autour de trois points: la généralisation de l'élément esthétique, le rôle critique des procédés allégoriques et le rapport de l'oeuvre au public, esquissant les grandes lignes d'une économie politique du regard. A travers l' analyse d' oeuvres de Richard Prince, Barbara Kruger, Dan Graham, John Knight, Victor Burgin, Jeff Wall et d' autres artistes, ainsi que de campagnes publicitaires, il s'agit d'interroger la notion de néo-avant-garde dans le but d' établir un modèle de visualité qui puisse rendre compte de la complexité des implications de sa collusion avec l'industrie du spectacle.

Ford Madox Ford occupa une place majeure mais paradoxale au sein du modernisme. Son inscription dans ce contexte littéraire se caractérise par la vibration entre l'hommage à son héritage artistique et l'enthousiasme pour les démarches de rupture constitutives du modernisme. Les résistances à inscrire Ford dans le canon moderniste peuvent s'expliquer par la difficulté à réconcilier les contradictions de son œuvre et à en dégager ainsi un système esthétique stable. L'ambivalence se retrouve au cœur du projet esthétique de l'auteur et particulièrement de Parade's End. Cette tétralogie décrit un rapport contradictoire à l'héritage - idéologique, esthétique et philosophique - et au passé. La dialectique est irréconciliable entre la chimère d'un passé venant habiter le présent et la rupture dont cette nostalgie est le symptôme. Le texte témoigne d'une réticence à dénouer les apories qu'il génère : il est impossible d'établir une ligne de partage fixe entre les valeurs de la tradition et de la modernité. La dimension fondamentale de négativité imprime au texte un paradoxal dynamisme. Ce travail explore la tension entre hommage et dérision qui caractérise Paradas End, La nostalgie d'une idéologie stable, d'un récit satisfaisant les attentes du lecteur et d'un sujet qui se laisse appréhender de façon unifiée, est simultanément sublimée et tournée en dérision. Cette mise en crise des systèmes de pensée idéologique, esthétique et ontologique ne débouche pas sur l'élaboration d'un système alternatif; elle ne débouche pourtant pas sur du vide, mais sur un système dont nous devinons les contours. Le texte est en perpétuel mouvement vers une esthétique qu'il suggère en creux
Ford Madox Ford held a major yet paradoxical stance within modernist. His relationship to his literary context is characterized by a vibration between the tribute to his artistic heritage and enthusiasm for the imperative of novelty mat defines modernism. The reluctance to inscribe Ford within the modernist canon may be explained by the difficulty to reconcile his work's contradictions and consequently to delineate a stable aesthetic System. Ambivalence is indeed at the core of the author's aesthetic project, particularly so in Parade's End. The tetralogy describes a contradictory relationship to its ideological, aesthetic and philosophical heritage and to the past; it initiates an irreconcilable dialectic between the ideal of a past inhabiting the present and the notion of newness that such nostalgia implies. The text conveys a reluctance to resolve the confusion it generates: it is thus impossible to establish a fixed line between the values of tradition and those of modernity. The fundamental dimension of negativity endows the text with a paradoxical dynamism. This work explores the tension between homage and derision that characterizes Parade's End, The nostalgia of a stable ideology, of a satisfyingly coherent narrative and of a subject that can be grasped as a whole, is simultaneously sublimated and derided. The crisis of ideological, aesthetic and ontological Systems of thought that is thus made blatant does not result in the development of an alternative System; it does not however lead to void either, but to lets us delineate a System that has yet to be created. The text is constantly moving towards an aesthetics whose contours are merely suggested

La période fin de siècle est considérée comme une époque de grands changements sociaux, philosophiques et artistiques. On oublie alors que la notion de fin de siècle n'apparaît pas ex nihilo et participe à un mouvement bien plus étendu, que retrace un siècle entier de changements, de découvertes et de questionnements. Dans ce travail de recherche, nous avons choisi de montrer que certains victoriens ont lutté pour donner à la littérature un statut plus complexe que de n'être que la simple représentation de la réalité. Cette vision réductrice, qui fait de l'art le miroir de la société, est contredite, in fine, par Walter Pater et Oscar Wilde. À travers ce refus d'un art-artisanat, c'est la question du moi qui surgit. Depuis le héros carlylien jusqu'au Christ individualiste de Wilde, les manifestations du moi prennent une ampleur nouvelle et insoupçonnée dans la littérature victorienne. La vérité, que Wilde rejette dans " Le Déclin du mensonge ", devient obsolète et laisse place au " faux ". Loin d'être universelle et une, la vérité se trouve dans le mensonge, car c'est l'âme et le désir de l'homme en tant qu'individu qu'elle traduit. En redéfinissant l'art comme une forme d'expression personnelle, indépendante et " sans fin ", pour reprendre le terme kantien, les artistes victoriens mettent un terme au long cycle historique qui avait négligé l'individu et se fondait sur la notion de vérité absolue. Au terme de nombreuses hésitations et remises en question, c'est la diversité de la vérité, portée par l'individu, qui semble triompher. Nous proposons alors de comprendre l'origine de ce changement vis-à-vis du moi - qu'il soit évolution ou rupture - et découvrir comment la vérité est devenue relative.

En France, à chaque fois que dans l'histoire de l'art moderne la notion de crise apparaît, celle-ci ne se rapporte pas à la création plastique mais à la réception critique. Ce que révèlent ces crises, en effet, c'est le décalage entre la création et l'institution muséale, le retard de celle-ci sur l'art entrain de se faire. La crise à la fin du XXe siècle n'échappe pas à cette donnée. Alors que Marcel Duchamp a été la référence majeure des avant-gardes des années 60 en Europe et aux Etats-Unis, les institutions culturelles françaises ne réalisent son importance qu'à la fin des années 70. Le dogme de la mort de la peinture devient la doctrine officielle à partir de 80 et dans la décennie suivante. Les artistes qui n'acceptent pas l'idée de cette mort vont réfléchir au cœur même de cette crise au moyen de réinventer la pratique picturale, démontrant ainsi qu'elle continue à être un moyen d'expression essentiel qui ne peut être mis à l'écart de l'art contemporain.

L’œuvre de Gracq affirme clairement sa littérarité - par opposition à d’autres types de productions langagières et textuelles - et son indépendance - par opposition à une logique dite de marché. Le problème global que pose le processus de sa consécration est celui du sens et de la portée de cette affirmation d’autonomie : quelle conception de la littérature, quelles valeurs et quel rapport au collectif recouvre t elle effectivement ? Restituer son contexte historique à la production fictionnelle et prendre en compte l’ensemble des interventions publiques de l’écrivain, en particulier ses entretiens, permet d’interroger la représentation ambiguë d’une grande œuvre « étrangère à son temps » et plus généralement le mythe de l’intellectuel « insituable ». Le retour sur la biographie intellectuelle et sensible de Julien Gracq rappelle qu’il entre en littérature dans le contexte d’une crise politique qui affecte, avec l’installation de l’hitlérisme en Allemagne, l’idée même de société (Partie I). Entre 1936 et 1939, la prise de conscience touchant au caractère catastrophique de la situation politique européenne n’influence pas seulement l’engagement de Louis Poirier au Parti communiste : le sentiment exacerbé de l’ampleur de la crise collective préside à l’invention même de « Julien Gracq » (Partie II), et par là à l’ensemble de la production romanesque (Partie III)
The works of Julien Gracq claim their belonging to the sphere of literature - in opposition to other forms of expression and writing - and their independance from the law of the market. Our purpose is to fully understand the range of this claim of independance through a series of questions : what would be Gracq’s definition of literature ? What values and what kind of relationship to society are induced by this particular definition ? In order to answer those questions the present essay particularly focuses on the writer’s speeches and interviews and tries to explore the historical context of his creation. The rise of fascism in the 1930ies was to prove of great significance for Gracq, not only as far as his political comittment - in the Communist party - is concerned, but also because it is at the core of his very process of writing. The writing of his novels can thus be understood in the light of his experience of this major crisis in european thought and tends to contradict the established image of a writer whose work would be « out of his time »

Questionner la crise du cadre oblige à une définition rigoureuse de la notion de cadre. Cette crise prend la forme d'un doute : peut-on analyser l'art en un temps où sa définition est elle-même problématique ? Exemplaire, la figure de Malévitch porte en elle-même les signes de contradictions de son époque et celles-ci sont à l'origine de plusieurs phases de crise qui se manifestent encore de nos jours.
Malévitch, un des premiers, a supposé des cadres conceptuels pour comprendre un " langage de l'art " (" l'élément additionnel ", 1927). Un cadre matériel se transforme ainsi en un cadre conceptuel, le cadre de référence (" frame of reference ") chez Nelson Goodman. Sa théorie (" Langages de l'art ", 1968) est ici considérée comme celle du cadre modelant. La crise du cadre dans l'art ramène au moteur de la création. Toutes les crises constatées - celles du discours, de l'œuvre, du lieu, de l'artiste, du regard - contribuent à l'ouverture de nouvelles visions et donc, en un sens plus large, à la création.

Ce travail présente une étude de la compositrice Marie Jaëll. Les activités de la musicienne sont présentées dans le contexte d'une époque marquée par le conflit franco-prussien de 1870 et par l'établissement de la IIIème République. Les nombreux documents présentés, les correspondances de Marie Jaëll avec Liszt et Saint-Saëns ainsi que l'analyse d'oeuvres musicales de la compositrice mmontrent le cheminement d'une Alsacienne formée à lécole allemande et cherchant à initier une esthétique exclusivement française. Un catalogue thématique présente de larges extraits des oeuvres musicales de Marie Jaëll
This work presents a study of the woman composer Marie Jaëll. The activities of the musician are presented in the context of time marked by the French-Prussian conflict of 1870 and by the establishment of the "IIIème République". The numerous presented documents, the correspondences of Marie Jaëll with Liszt and Saint-Saëns as well as the analysis of pieces of music of the composer show the progress of an Alsatian formed at the German school and looking to introduce an exclusively French aesthetics. A thematic catalogue presents wide extracts of Marie Jaëll's pieces of music

Victor Segalen n’a pas été seulement le decouvreur, l’inventeur comme dit le langage du droit, des tresors de la chine ancienne. Mais son invention de la Chine nécessite aussi un engagement personnel profond et l’intervention de toute sa personnalité, de son imagination, de sa sensibilité et de ses interrogations. La Chine sous sa plume montre à la fois l’image des dégradations modernes d’un vieil empire et l’image d’une nature préservée; ses paysages naturels, sa civilisation ancienne et son passé culturel qui permettent un mouvement de retour aux origines. Parallèlement, sa découverte de la Chine lui a fourni des expériences intimes et a entretenu chez lui des visions profondes et poétiques qui répondaient à sa quêete de soi. La Chine joue un rôle de révélateur dans l’expérience personnelle, culturelle et littéraire de l’écrivain. L’image que Victor Segalen donne de la Chine est une représentation codée, un portrait de la Chine qui reflète le monde intérieur de l’écrivain
Victor Segalen is a “discoverer” as well as an “inventor” of the treasures of ancient China, with the latter literally meaning the former in French legalist language. He’s “discovery” of China is also an invention because he committed himself to it with all his personality, imagination, sensibility and questions. China, in Segalen’s writing, testifies the degradation of an old empire and the preservation of nature: natural landscapes, ancient civilization and fiistory which enabled possible his tracing the origins. In parallel, China is for Segalen a source of inner experiences and is discovery maintains him in a deep and poetic spirit, corresponding to his request for himself. China is crucial to Segalen’s personal, cultural and literary life and the image of China he created is such an encoded one that reflects the writer’s inner world

Cette thèse analyse la position problématique et paradoxale du groupe Forces Nouvelles dans le large mouvement du retour à la figuration réaliste qui s’opère dans l’esthétique de l’entre-deux-guerres. Lancé en 1935 comme un groupe à la fois antimoderne et anticonformiste, Forces Nouvelles avance un nouveau langage pictural, un réalisme plus sensible investi dans l’expression de l’intériorité de l’être et éloigné de toute connotation sociale et idéologique, au-delà de toute trivialité ou de classicisme éteint. Pour beaucoup, ce réalisme d’esprit humaniste donnait au groupe un profil esthète et noble. Cette ambivalence entre réalisme et classicisme, entre activisme et esthétisme, est perpétuée dans la critique d’art même après la dissolution de l’ensemble en 1942. Cette identité ambiguë et obscure de Forces Nouvelles prend son sens une fois mise en relation avec les quêtes spirituelles et idéologiques de l’intelligentsia des années 1930. Révoltée contre l’idéologie matérialiste - dans sa forme libérale ou marxiste -, cette intelligentsia non-conformiste aspire à une nouvelle modernité plus spirituelle et morale ; explorant une voie alternative, ni à droite ni à gauche, elle vire souvent au conservatisme le plus anachronique et frôle la dérive fasciste. Forces Nouvelles, partageant une forme de pensée analogue à celle de l’élite contestataire – à la fois nihiliste et synthétique –, s’investit dans la recherche d’une esthétique originale, moderne et spirituelle, dans la recherche d’une nouvelle Renaissance ; s’inspirant d’une tradition picturale supposée authentique, le groupe élabore jusqu’au bout un style réaliste, grave et austère, effleurant l’archaïsme. En résonance avec la vision de cette génération non-conformiste, avec l’avènement d’un nouvel ordre moral, Forces Nouvelles propose un style réaliste au fondement existentiel comme horizon d’une nouvelle esthétique ultramoderne
This dissertation analyses the problematic, paradoxical position of the group known as Forces Nouvelles within the large movement of a return to realistic figuration, which takes place in the context of interwar aesthetics. Forces Nouvelles, launched in 1935 as an anti-modern, anti-conformist group, proposes a new pictorial language, a more sensitive realism at the service of the expression of the interiority of human beings and remote from social and ideological associations, beyond trivial realism and jaded classicism. This humanistic realism would confer a noble aesthete's profile to the group. Such ambivalence between realism and classicism, between activism and aestheticism is carried over in art criticism even after the dissolution of the group in 1942. This ambiguous, obscure identity of Forces Nouvelles becomes meaningful in the light of the spiritual and ideological quest of the 1930s intelligentsia, which revolted against materialist ideology, whether liberal or Marxist, aspiring to a new, more spiritual and moral, modernity. In its exploration of a new alternative, which is neither right nor left-oriented, it veers towards the most anachronistic conservatism verging on fascism. Having intellectual affinities with the radical elite, this both nihilistic and eclectic group, strives to achieve original aesthetics - modern and spiritual - and a new Renaissance. Based on a supposed authentic pictorial tradition Forces Nouvelles adopts a realistic style, grave and sober, verging on archaism. Resonating with the vision of this non-conformist generation and the advent of a new moral order Forces Nouvelles puts forward a realistic style with an existential basis as the aesthetics of ultra-modernity

La production culturelle de l’entre-deux-guerres se distingue par un intérêt renouvelé pour la représentation des enjeux sociaux qui troublent la vie quotidienne de la population française : le travail et la misère dans un espace de plus en plus urbanisé deviennent les sujets primordiaux dans la littérature, la photographie et le cinéma, notamment pendant la période entre 1928 et 1939. Face à la crise financière, les grèves ouvrières et l’essor du Front populaire, le champ artistique réagit avec un renouveau des formes de représentation réaliste qui doit aboutir à l’interrogation de la nature du ‘peuple’, des liens sociaux qui le déterminent et de la survie des traditions populaires pendant la modernisation des pratiques quotidiennes. En littérature, un courant éphémère du roman domine les débats à partir de 1929 : le roman populiste, courant fondé dans un manifeste de Léon Lemonnier. Il devient rapidement la toile de fond d’une discussion sur le besoin de renouveler le roman réaliste et naturaliste. Simultanément, le groupe de la littérature prolétarienne autour d’Henry Poulaille se réclame de la même volonté en donnant la voix aux ouvriers. Les deux groupes, ainsi que beaucoup d’autres auteurs qui se rapprochent du populisme littéraire, réclament un renouveau du roman par le biais de la description du ‘peuple’ et de ses conditions de vie. La notion de ‘peuple’ s’oppose, dans ce contexte, à la bourgeoisie et ses écritures ‘psychologique’ et ‘snobiste’. Recourir au ‘peuple’ signifie donc avant tout une certaine esthétique anti-bourgeoise, mais – contrairement aux avant-gardes – également antimoderne, créant l’imaginaire d’une normalité marqué par la pauvreté qui devrait correspondre à l’expérience de la majorité de la population française.La thèse présente cherche à dégager d’abord les éléments d’un tel imaginaire du ‘peuple’ en s’appuyant sur la critique artistique ainsi que sur l’analyse de plusieurs romans de la nébuleuse du roman populiste : Pierre Mac Orlan, Eugène Dabit, André Thérive, Marcel Aymé et Henry Poulaille. Elle montre ensuite la survie des éléments esthétiques du populisme dans le film du réalisme poétique et dans la photographie documentaire qui donne naissance à la photographie humaniste. Ce faisant, ce travail représente une contribution sociocritique à l’histoire des idées de l’entre-deux-guerres français et signale les pièges idéologiques d’une esthétisation de termes comme ‘petites gens’ et du ‘peuple’
The cultural production of the interwar period in France is noted for its renewed interest in the representation of social issues which shake the everyday life of the French population : work and urban misery become the main subjects in literature, photography and cinema, especially in the period between 1928 and 1939. In view of the financial crisis, labour strikes and the rise of the Front Populaire, the artistic field reacts with a renovation of realist representation styles, which should lead to a questioning of the nature of ‘people’, of the underlying social connections in the masses and of the place of popular traditions in a modernized way of life. In the ambit of literature, a short-lived movement of novel writers dominates the discussions from 1929 onwards: the populist novel, a movement founded in a manifesto written by Léon Lemonnier. This movement becomes quickly the backround for a further discussion about the needs for a renewed literary realism or naturalism. Simultaneously, the group for proletarian literature, founded by Henry Poulaille, follows the same aesthetics and claims to be the real representants of the working people by giving workers the occasion to publish. Both groups, as well as many other authors close to the literary populism, try to renew the novel by describing the ‘people’ and their living conditions. In this context, the notion ‘people’ is opposed to the bourgeoisie and its ‘psychologic’ or ‘snobby’ writing style. Thus, resorting to the term ‘people’ means first and foremost that the creator subscribes to an anti-bourgeois aesthetics, but also to an anti-modernist mindset – which distinguishes populism from the French avantgardes. It means furthermore that the creator strengthens a conception of everyday life marked by poverty which should correspond to the experiences of a majority of the French population. This thesis tries to bring out the elements of such an imagination of the ‘people’ on the basis of the artistic criticism and of the analysis of several novels written by authors who are more or less associated to the populist novel movement: Pierre Mac Orlan, Eugène Dabit, André Thérive, Marcel Aymé and Henry Poulaille. The thesis goes then on to highlight the survival of aesthetic elements of populism in the cinema of poetic realism and in French documentary photography which marks the beginning of humanist photography. By doing so, the thesis represents a sociocritical contribution to the history of ideas of the French interwar period and indicates the ideological traps of aesteticization of terms like ‘little people’ or ‘people’ in general

Les changements d'une epoque se manifestent avant tout dans ses experiences esthetiques. Or, selon les observateurs les plus avises, avec la crise qui frappe les meta-recits de la legitimation. Nous entrons dans une nouvelle ere. Appellee, faute de mieux, la postmodernite, que veut dire la postmodernite dans les domaines speculatifs et artistiques (philosophie, sociologie. Peinture, architecture, cinema ) ? comment se presente-elle au niveau de son expression esthetique, notamment dans le roman ? la presente these, s'efforce de repondre a ces questions en analysant l'esthetique (objectifs. Procedes) du roman postmoderne francais, a travers l'oeuvre de quatre romanciers (l. R. Des forets, m. Tournier. A. Robbe-grillet et j. Echenoz ), mais aussi en survolant les romans postmodernes americain. Anglais. Quebecois et latino-americain. Fin, retour, reecriture. Mythe, melange (genres, epoque,. . . ). Confusion, attente,. . . Sont autant de mots qui definissent l'esthetique postmoderne. En particulier, la reecriture parodique. Strategie de retour et deuil de la modernite. S'avere etre la figure la plus representative du roman postmoderne. En operant un retour aux formes et contenus du passe, elle met en scene, sur un mode ironique et distance. Les rapports conflictuels du sujet moderne avec le langage, le reel. L'identite et l'autre. Elle signale en meme temps le theme de la fin de la litterature. La modernite et le roman sont nes le meme jour ; leurs destins semblent etre desormais. Plus que jamais. Lies
Changes in what marks an era are to be seen first of a11 in aesthetics. But according to the most judicious observers, the crisis actually hitting the meta-narratives of modern times allows us to think that we enter a new era called, lacking a better denomination, postmodernity. What does postmodernity mean in the fields of reflexion and arts (philosophy, sociology, painting, architecture, cinema). What is the aesthetical expression of postmodernity, especially in novels ? this thesis tries to give part of an answer to this question in analyzing aesthetics (objectives, procedures) of the french postmodern novel through the works of four novelists (l. R. Des forets, m. Tournier, a. Robbe-grillet and j. Echenoz). It also includes a survey of american, english, canadian and latin-american postmodern novels. We found that the parody is the most representative figure of modern aesthetics. Humourous rewriting ("return" strategy because of the state of exhaustion of modernity) returning to forms and contents of the past, show, in an ironical and distant way, the conflictual relationship of modern subjects with the langage, the real world, the identity and the others. It is also a sign of the end of literature. Modernity and the novel were born the same day. Their destinies seem, more than ever, to be linked together

Notre projet de recherche vise à récupérer, à travers l’utilisation du double instrument de l’herméneutique philosophiqueet de l’analyse littéraire des romans, une subjectivité informelle à l’intérieur de la pensée de Bataille.Tout d’abord, avant d’accomplir notre démonstration des aspects de l'informalité dans les romans obscènes deBataille, nous souhaitons ouvrir une brève parenthèse autour des principaux interprètes de l'Informe, pour articulernotre lecture à partir de leurs théories. Afin d'aborder ce discours, nous débuterons par l’oeuvre Documents(1929/30), publiée en 1995, par la volonté de D. Hollier, et nous essaierons de comprendre comment les deuxrévisions1 du concept d'Informe - bien qu'en contraste entre elles - ont limité les débats qui gravitent autour de cemot, incluant avec la pensée esthético-figurative toutes les pistes parcourables. Dans cette perspective, l’Informea perdu sa vocation intimement subversive pour obtenir le status de « joujou muséal » impliqué dans le milieuartistique. Après avoir esquissé l’informalité, et donné une perspective contemporaine, nous pourrons aboutir àune confrontation philosophique avec ses maîtres à penser : Nietzsche et Hegel. Ce n’est que grâce à un parallélismeet à la démonstration du dépassement des théories de ces deux auteurs par Bataille que nous pourronscomprendre comment l'auteur parvient à l’informalité qui se reflète jusque dans ses romans obscènes. Toujoursau cours de ce passage on comprendra la véritable signification de la parodie chez Bataille, ainsi que le renversementdes valeurs que l’auteur a appliqué comme lecture souveraine et déformatrice, en contraste avec les véritésdespotiques, dans tous les domaines, à partir de la philosophie jusqu’à la littérature. Ainsi les polarités quiparviennent au manichéisme, à la division du monde entre positif et négatif, seront un aspect basilaire visant à lacompréhension de l’oeuvre entière, et surtout de leur bouleversement. Ce désordre sera procuré par l’inversiondes valeurs morales divisées encore une fois par le haut et par le bas, auxquelles correspondra une valeur positiveà la polarité du haut et une valeur négative à celle du bas; leur bouleversement produira un mouvement de déformationdans la structure des romans mêmes, tout comme dans les personnages. Au cours de la dernière partiede notre étude, avant d’appliquer la théorie informelle, nous nous interrogerons brièvement sur les inversionsmajeures qui ont conduit notre auteur à prendre les distances du roman formatif (Bildungsroman) et à lui opposerun roman déformant (Verbildungsroman). Ce n’est qu’après avoir conçu l’inversion globale des valeurs que nousparviendrons au « jeu des polarités », qui nous mènera à la constitution d’un personnage informel. À partir de là,en effet, nous verrons que le personnage sera devenu une informité qui se manifeste à travers la narration, lamême subjectivité invisible et épouvantable qu’on aura rencontrée au cours du premier chapitre. Se consacrer àl'oeuvre de Bataille, signifie pour nous, non seulement comprendre comment le personnage naît à partir del’Informe, mais également comment cette informité pourrait être acquise au-delà des mores appliqués àl’intérieur de l’académie. Notre démonstration s’effectuera à travers un nouveau regard; l’Informe sera contemplécomme ce « devenir » qui ne devient pas, qui est aphone et imprononçable, mais qui a été malgré toutl’avant-garde des « devenirs deleuziens », des zones d’indistinctions, des sujets qui tentent une reconfigurationspatiale autonome, des subjectivités fluides des gender studies. C’est pour cela, à notre avis, que l’Informe mériteune plus grande réflexion au-delà de l’esthétique, afin d'orienter le terme vers un nouvel horizon dialogique,qui puisse ouvrir le concept au sens extrême de son immanence destructrice
We can utterly assert that the aim of our analysis has lead, throughout the balancing/ a balancement of aphilosophical hermeneutic and a literature analysis, to the delineation of an informal subjectivity in GeorgesBataille’s thought. Afore the achievement of our theoretical demonstration, we will be glad to onset a briefparenthesis over the first commenters who had set a debate over the Formless, to enhance, thanks to them, ourassumption. Commencing from the work Documents (1929/30), reprinted by the will of Dennis Hollier in 1995.we will understand why its main analysis2 have secluded the debate into the esthetical- figurative corner,effectively closing the debate to other possible postulations. In this perspective, the formless has lost itssubversive tendencies to gain/obtain the pityfull status of «museal knick knack» implied into the artisticaldomain. Afterward having drafted the meaning of formeless by new, and given to it a contemporary perspective,we could start to settle a confrontantion with his philosophical roots: Nietzsche and Hegel. It is only due to theparallel with them both and to the overhaul of their theories, which we could assert that Bataille has in a wayreached the true meaning of formeless. The same formeless that is deeply rooted in his erotical novels. It is alsothrough these passages that we could understand the real meaning of parody in the bataillean sense, that is is aninversion of the moral values that the author has applied as a souverain and deforming lecture of his works. Themanicheism that the autor recour to use to divise the whole reality into two exact parts of positive andnegative,will be a peculiar aspect that leads to the comprehension of his entire work. This disorder wil beprocured, by the inversion of the moral values which are divided into an “high” and a “low”, and as consequent,the higher polarity will be related to the a positive value, and the low, to its tcontrary. Their upheaval willproduse an ethical swap of their positions, in a second stance this will lead to a real deformation of every kind ofpreassumption in his novels and of course in the characters, a rupture taken against every kind of normalizationor reduction to the norms. In the last part of our research, before going through the application the formlesstheory, we will briefly argumentate about the major inversion that had prevailed upon our author, obliging him totake the distance from the Bildungsroman and to oppose to it a Verbildungsroman. Only after conceived theglobal valorial inversion, we will arrive to this “Game of polarities”m which will lead to the constitution of ainformal character. Starting from there, effectively, we eill see that the character will become a formless thatmanifest itself thanks to the narration, the same invisible and terrifing subjectivity that we have already met inthe first part of our work. Consacrating ourselves to the Bataille’s works, will signify, not only trying tounderstand the character born under a formless will, but even also- how this formless could be gained far distantfrom the mores applayed into the university. Our demonstration, will be constructed to have a new eye: theformless will be conceived to be à “becoming” that can’t be, that is aphone and unpronounceable, but so forth, itis a right alternative to the “Deleuzian’s becoming”, to the Z.O.O and of the subjects that are trying to force areconfiguration of an autonomous space, of the fluid sexualities: and is for these reasons that we evinct that theformless needs a new recalibration, far from the aesthetical intuitions, in need to re-orienting itself to a newdialogical horizon, and to put itself to the extreme sens of a destructive immanence

Aujourd'hui, bien que la mafia russe soit officiellement démantelée, elle continue à influencer et à transformer l’identité de son «fidèle» spectateur par la voie cinématographique. Dans ce cas comme dans sans doute beaucoup d’autres, comme le rappelle à juste titre Valérie Pozner, « le cinéma doit être replacé au sein d’un vaste réseau de pratiques spectaculaires et de stratégies éducatives, politiques et informatives hétérogènes ».1Cette thèse revient en premier lieu sur les participants et les engagements de cette coopération entre la mafia et le cinéma. Avant de retracer les principaux traits de ce mariage ciné-mafia-politique, nous allons aborder les formes nouvelles qui apparaissent dans ce nouveau style de cinéma criminel très populaire et répandu dans la société russe. Pour cela faire, dans un premier temps, la recherche donnera certaines détaillées nécessaires pour illustrer les principaux acteurs et principaux événements de la véritable guerre sanglante des groupement criminelles pendant la Grande Révolution Criminelle Russe de 1988-1994. Dans un deuxième temps, nous analyserons les mécanismes de propagande, véhiculés par le cinéma du genre mafieux et criminel russe dont une partie appartient à l’héritage soviétique. Ces mécanismes de propagande, explicites ou masqués, mais surtout ayant un rôle de promotion pour la toute-puissance Russie, accompagnent cette brutalité d’un style de vie que les occidentaux étudient, afin de le comprendre, depuis des siècles. Un Etat « à part » ainsi que son cinéma, que l'on peut aimer ou détester, mais face auquel on ne peut rester indiffèrent !Ce travail de doctorat s'appuiera sur trois hypothèses :Hypothèse 1 : L'arrivée de la Mafia russe dans les circuits de financement du cinéma est aussi une médiation, une communication entre la vie de l'Organisation et le grand public. Elle s'exprime notamment par la mise en place de ce que nous pourrions appeler une « esthétique mafieuse ».Hypothèse 2 : Les attributs de cette esthétique mafieuse profitent des attributs de l'esthétique à laquelle elle succède : l’esthétique soviétique, le socialisme. La question de la conscientisation de ces transformations est une question cruciale.Hypothèse 3 : Cette esthétique mafieuse, cinématographique opère une communication publique et, donc, une évolution des représentations sociales des spectateurs. Nous allons faire l'évaluation de ces valeurs par le public
Today, although the Russian mafia and organized crime community is officially defeated, it continues to influence, transform the identity of his « faithful » viewers through by the way of cinema. It's necessary to understand the exchanges between the cinema said « criminal fiction » and its influence on the public reality. On the one hand the Russian mafia identity of cinema was built across the international market and international audiovisual film.The originality of Russian fictional crime genre, in particular, that it was in some cases produced, directed and performed by former criminals, who also faced historical changes, and were influenced by Hollywood mafia movies lived a period of transformation in « cinema professionals », as also the professionals in the field of other arts such as literature, publication, music, television. Such was the case of Vitaly Demochka 1, the former criminal, who became director, producer, actor and writer. The particularity of his case, that he directed and performed his own « life story » on the screen, as well the members of his former criminal team became the fictional heroes of his film « Spets ».In parallel, our work is focused on the study of “communicating objects”, such as a music, behavior, language, dress code, tattoos. Which have become representative as the 'weapon' of mafia propaganda, projected in the cinema and widely recycled in reality, and vice versa. It operates not only the mythification of public communication but therefore, the evolution of the social representations and even transformation of the spectators

Cette étude propose de s’intéresser à un genre littéraire mineur, le Newgate, regroupant des romans parus entre 1830 et 1847. L’objectif est de définir les modalités d’écriture qui sous-tendent les œuvres rassemblées sous cette étiquette non pas par consensus d’auteurs, mais par les critiques. À la croisée entre biographies et romance, les romans livrent des portraits de voleurs, meurtriers ou bandits de grand chemin. Dans la lignée du Newgate Calendar, ils connurent un vif succès auprès d’un public essentiellement populaire, mêlant faits divers, légendes du crime et fantasme d’une écriture poétique. L’objet de notre étude consiste à évaluer comment s’opère, au cœur des romans, la rencontre entre crime et esthétique, deux notions qui trouvent dans le Newgate une pierre d’achoppement. Entre dissidence, sensationnalisme et obscénité, les romans fascinent autant qu’ils rebutent. Œuvres du scandale, ils conduisent dans un premier temps à s’interroger sur les conventions de leur temps qu’ils remettent en cause, depuis les conventions sociales et morales jusqu’au code pénal, en passant par les codes esthétiques. Tiraillés entre allégeance au passé et nécessité d’affirmer leur différence, les romans sont l’œuvre du désir, concept autour duquel se nouent crime et esthétique : à l’image des œuvres, les héros en quête d’origine sont en perpétuelle négociation avec l’avant. Enfin, ces romans populaires oscillent entre mélodrame et empreinte carnavalesque pour s’attirer les faveurs d’un public de masse convié à l’expérience d’une pratique de la lecture proche de l’enfièvrement et de la dévoration
This study focuses on a minor literary genre, the Newgate Novel, published between 1830 and 1847. Its aim is to define the scriptural modalities that lie at the core of these works of art which do not constitute a school of writing, but were grouped together by the critics of the time. Between biography and romance, the novels depict thieves, murderers or highwaymen. Following the Newgate Calendar, they were extremely popular at the time of their publication, a success which can be linked to the way they mingle crime news, legendary criminal figures and a poetical stance. The purpose of this study consists in assessing how crime and aesthetics meet in these novels to form the core of the literary project. The novels are caught in-between dissidence, sensationalism and obscenity: they fascinate as much as they repulse their audience. These scandalous pieces of writing keep negotiating with the conventions of their time – should they be social or moral conventions, the criminal code or the aesthetic standards. Thus, they can be situated in a paradoxical place, oscillating between their allegiance to the past and their necessity to affirm their difference, their novelty: they are the objects of desire, a key-concept around which gravitate the notions of crime and aesthetics. The heroes of the stories are also objects of desire, constantly longing for their origins. The novels were a success because they managed to affirm their popular identity: hesitating between the melodramatic and the carnivalesque, they aimed at attracting the new mass-reading public who were invited to indulge in a feverish, devouring reading experience

Qu’est-ce que l’art ? Qu’est-ce que l’art (d’)après l’art contemporain ? Cette thèse de doctorat part du constat d’un changement paradigmatique dans l’évolution artistique, et tend à analyser la cause et la nature même de la crise dite de l’art contemporain en France dans les années 1990 du siècle dernier. L’ensemble des débats conduit par la suite nos recherches à des questions essentielles liées à la définition de l’art, aux modes d’existence des œuvres et à la fonction artistique. C’est une approche ontologique avec un esprit analytique sur l’identité de l’art et de l’art (d’)après l’art contemporain
What is art? What is art after and according to contemporary art? This PHD dissertation starts with the observation of a paradigmatic turn in artistic evolution, and tends to analyze the cause and the very nature of the so-called "crisis of contemporary art" in France in the 90s of the last century. All of the debates subsequently lead our research into the essential questions related to the definition of art, the existence modes of works, and the artistic function. It is an ontological approach with an analytic spirit on the identity of art and art after and according to contemporary art

Dans l'économie générale du texte sadien, pourquoi y-a-t-il du crime plutôt que toute autre chose ? Sans doute parce que le verbe écrire est-il toujours déjà lié au verbe tuer. Cela non pas de façon contingente mais de façon naturelle. Le texte dit autrement la nature, nature qui a pour mode d'exister le crime : mouvement mécanique dont la finalité demeure la destruction. Expression de la nature, le crime advient à la conscience comme ce qui dit le mieux le coeur de l'homme, mais plus encore... la condition humaine. Le crime est la dramatisation de la condition humaine, une condition marquée par la pénitence. Partout, de par le fait d'exister, l'homme vit la peine et la souffrance. Sa condition est bien tragique, le crime lui est fatal. Fatal parce que le crime se présente in fine comme la seule réalité de l?existence. Vivre, c'est nécessairement expérimenter le crime. Le crime accule au malheur. Toutefois, lui résister c'est s'interdire la félicité. C'est pourquoi, de manière pragmatique, le bonheur implique l'avènement de l'homme criminel, de l'homme devenu nature, de l'homme devenu bestialité pure et dure
In Sade's text, why is there crime rather than anything else? Probably because the verb to write is always already bound to the verb to kill, not contingently but essentially. The text tells of Nature in another way, and crime is nature's mode of existence: mechanical movement whose goal is always destruction. As an expression of nature, crime is perceived as what best expresses Man's heart, but more than that ... the human condition. Crime is the dramatization of the human condition, a condition marked by penance. Everywhere, simply by virtue of his existence, man is experiencing pain and suffering. His condition is tragic indeed; crime is fatal to him. Fatal because, in fine, crime appears as the only reality of existence. Living is necessarily experiencing crime. Misfortune drives people to crime. However, resisting crime makes it impossible to reach bliss. This is why, pragmatically, happiness implies the advent of the criminal, a man who has become nature, a man who has become pure unadulterated bestiality

Les séries télévisées de fiction suscitent depuis quelques années un intérêt sans précédent dans leur histoire, qui amène à s’interroger sur le sens pris par cette forme de fiction. Mais, à cette question de la signification de l’objet, s’ajoute celle de la méthode permettant d’y répondre. Récits, fictions, les séries sont aussi des produits commerciaux et industriels et, de ce fait, fortement déterminées par leurs contextes de production et de réception.Depuis 1996 et la dérégulation des télécommunications aux Etats-Unis, le paysage médiatique et le marché télévisuel, américains puis internationaux, ont connu d’importants bouleversements économiques et technologiques dont une des conséquences a été l’adoption de stratégies d’expansion et de branding des programmes, qui prennent un tour inédit et auxquelles les séries n’échappent pas.Adaptées, dérivées, reprises, les séries, notamment dramatiques, se franchisent, faisant apparaître alors ce qui constitue une spécificité de la création sérielle, le format. Forme minimale de la fiction, le format consiste en une présentation écrite qui en fixe les constituants fondamentaux permettant non seulement sa sérialisation mais aussi sa distribution.A partir de formats et de franchises de séries dramatiques américaines de la décennie initiée à 1996, cette thèse se propose d’examiner en quoi le format pourrait contribuer à enrichir l’étude des séries télévisées dans une perspective autant théorique qu’interprétative
Since the beginning of the 2000s, television series arouse an unheard-of interest in their history, which brings to question the sense of this kind of fiction. But, in this issue of the meaning of the object, is also the one of the method to answer it.Narratives and fictions, series are also commercial and industrial products and, therefore, strongly determined by their contexts of production and reception. Since 1996 and the deregulation of telecommunications in the United States, american then international media landscapes and markets have known important economic and technological upheavals which led to new strategies of expansion and branding of the programs, in an unprecedented tourAdapted, spun off, remade, dramatic series lead to franchises, revealing then what establishes a specificity of the serial creation : the format. The television format is a written presentation which sets the fundamental core of the fiction, allowing not only serialization but also its distribution.Studying formats and franchises of American dramatic series of the decade introduced in 1996, this thesis examines how the television format could contribute to enrich the study of television series in a theoretical as well as in an interpretative objective

Robert Delaunay (1885-1941) est l’un des artistes français les plus présents à Berlin à l’aube de la Première guerre mondiale. Avec l’aide de Herwarth Walden (1878-1941), directeur de la revue et galerie Der Sturm, l’artiste acquiert rapidement une solide réputation dans la capitale allemande, où il expose une quarantaine de toiles au cours de la seule année 1913, tandis qu’il diffuse abondamment ses propres textes théoriques et ceux de ses amis Guillaume Apollinaire (1880-1918) et Blaise Cendrars (1887-1961). Le peintre français suscite bientôt l’engouement de certains artistes berlinois, nombreux à l’avoir rencontré lors de ses deux voyages en Allemagne avant la guerre. Pour une large partie de la recherche, ce succès s’expliquerait par un « malentendu productif » : les artistes de la capitale allemande auraient détourné l’œuvre de Delaunay dans un sens germanique, appréciant sa peinture pour des raisons étrangères à ses intentions initiales. Contestant cette hypothèse – variante de celle, pluriséculaire, de l’incompatibilité par nature des goûts allemands et français – nous proposons d’envisager la réception berlinoise de Delaunay dans une perspective micro-historique, en nous intéressant au regard porté sur lui par trois artistes : Ludwig Meidner (1884-1966), Lyonel Feininger (1871-1956) et Bruno Taut (1880-1936). Après avoir mis en exergue les discours possiblement « entendus » par ceux-ci autour de l’œuvre du peintre français en Allemagne, nous nous intéressons à la trajectoire individuelle de chacun d’entre eux, mettant en évidence la profondeur des liens qui unissent finalement les avant-gardes désignées sous les termes d’orphisme et d’expressionnisme
Robert Delaunay (1885-1941) is among the French artists that are the most involved in Berlin at the dawn of the World War I. Thanks to Herwarth Walden (1878-1941), who is the director of the magazine and the gallery Der Sturm, the artist quickly earns a solid reputation in the German capital city where he exhibits around forty paintings in 1913 alone, while widely circulating his own theoretical texts as well as those of his friends Guillaume Apollinaire (1880-1918) and Blaise Cendrars (1887-1961). The French painter soon spurs the interest of some Berlin artists, many of whom have met him during his two trips to Germany before the war. For an extensive part of the research, this success could be explained by a “working misunderstanding”: the artists of the German capital city supposedly twisted Delaunay’s work in a Germanic sense, appreciating his painting for reasons that were not related to his initial intents. We contest this hypothesis – which is a variant of the centuries-old hypothesis that states a natural incompatibility between German and French tastes – we suggest to consider the Berlin welcome of Delaunay in a micro-historical perspective by focusing on three artist’s point of view about him: Ludwig Meidner (1884-1966), Lyonel Feininger (1871-1956) and Bruno Taut (1880-1936). After underlining the speeches they possibly “heard” surrounding the French painter’s work in Germany, we focus on each artist’s individual path, showcasing the depths of the links that join actually the avant-gardes that are coined under the terms of orphism and expressionism

Cette thèse cherche à mieux comprendre le rôle de la dimension visuelle dans les conflits contemporains en produisant des données empiriques sur les images, leur production, leur circulation et leurs réceptions dans deux cas d’études. Ces deux cas sont les confit urbain autour du trafic de drogue et du Primeiro Comando da Capital à Sao Paulo, et celui de l’insurrection de Boko Haram au Nigéria, Tchad et Cameroun. Cette approche montre que les conflits sont l’objet de controverses sur leurs définitions. Les acteurs de ces conflits tentent tous d’imposer des cadrages (framing) et interprétations de la situation en se servant des images. Quand les acteurs ne produisent pas d’images, ils sont forcés de proposer des interprétations de ces images. Pour montrer le rôle des images dans les controverses des deux conflits étudiés, deux concepts ont été élaborés. Le premier est celui de régime d’images qui correspond à des modes de fonctionnement de ces images permettant d'expliquer leur pouvoir sur les controverses. Ce concept est appliqué aux deux cas pour montrer les dynamiques visuelles propres à chaque conflit. Dans le cas de Boko Haram, nous identifions deux régimes, dont l’un a internationalisé le conflit. A Sao Paulo, les régimes d’images identifiés construisent les positions au sein de la controverse sur la violence. La thèse fait aussi l’hypothèse d’un capital esthétique des groupes armés qui pourrait être converti en capital militaire. Nous validons cette hypothèse en montrant le rôle de ce capital pour Boko Haram et le PCC. Les deux groupes s’efforcent de reprendre les codes visuels de l’Etat islamique pour manifester leur antagonisme politique
This thesis aims at understanding the visual dimension of contemporary armed conflicts. To do so it presents empirical datas on the pictures, their production, circulation and reception during two armed conflicts. The first case is the urban conflict around drug trafficking and the Primeiro Comando da Capital in Sao Paulo. The second one is the Boko Haram insurgency in Nigeria, Chad and Cameroon. This approach shows that contemporary conflicts are entangled in controversies about their meaning and definition. The actors of theses conflicts try to impose their own framing and their interpretation of the conflict using pictures. When the actors do not produce images, they are forced to advance some interpretations of the pictures. To identify the role of images in controversies relating to armed conflicts the thesis develops two concepts. The first one is the « regime d’images ». It underlines the modes of functionment of these images and makes it possible to explain their power over the controversies. This concept is used to show the different dynamics in the two cases. Regarding the Boko Haram insurgency, one of the « regime d’image » contributed to the internationalization of the conflict. In Sao Paulo the regimes of images reinforce the different positions of the actors in the controversy. The thesis also develops the idea of aesthetic capital of armed groups. This aesthetic capital can be transformed into military capital. We validate this hypothesis showing how this capital worked for the PCC and Boko Haram. The two groups are forced to adopt the visual codes and the aesthetic of the Islamic State to manifest their political antagonism

L’effondrement des repères artistiques (que plusieurs associent aux premiers ready-made de Marcel Duchamp) dévoile les symptômes d’une crise de l’art. Comme l’histoire de l’art est en quelque sorte la représentation de ce que nous sommes, on peut raisonnablement penser que la crise s’étend bien au-delà de l’art. Toutefois, l’art possède un éclairage puissant, car il illustre, littéralement, plusieurs problèmes notamment au niveau du jugement et de la raison. Faute de repères, le monde contemporain manquerait-il de discernement ? Cette question est tout à fait légitime dans le contexte actuel où tout et n’importe quoi semblent pouvoir être élevés au rang de l’Art. Le culte que l’on voue à l’individu paraît être l’une des causes du problème. On observe qu’en régime de singularité (pour reprendre l’expression de la sociologue de l’art, Nathalie Heinich) les relations du monde de l’art sont de plus en plus conflictuelles : lorsqu’on demande à un artiste de justifier son propre travail, la rationalité devient nécessairement instrumentale ; on rend également caduc le rôle du critique et des institutions. Ce mémoire s’intéresse à analyser, dans une perspective philosophique, les différentes manifestations de la crise de l’art et ses enjeux dans le monde actuel.
The decline of artistic reference points (which several people associate with the first readymade of Marcel Duchamp) reveals the symptoms of a crisis in art. As the history of art is a representation of what we are, we can infer that the crisis extends far beyond art. However, art has the power to enlighten because it literally illustrates several problems, especially in terms of judgment and reasoning. Without references or common knowledge, could it be that our world is lacking in discernment ? This question is legitimate insofar as everything and anything seem to be elevated into Art in our present context. The cult of individualism seems to be one of the causes of the problem. As observed in the régime de singularité (in the words of art sociologist, Nathalie Heinich) relations in the world of art are becoming more and more conflicted : when asking an artist to justify his own work, rationality necessarily becomes instrumental; it also renders the role of critics and institutions obsolete. This thesis focuses on analyzing, from a philosophical perspective, the various manifestations of the crisis in art and its issues in the world today.

Cette thèse prend pour objet le nouage entre l’autoréflexivité et la mise en forme esthétique dans la poésie de Christophe Tarkos, produite dans les années 1990. Elle met en lumière les rapports entre l’élaboration d’une théorie du langage au sein de cette œuvre poétique et ses visées esthétiques totalisantes. Il s’agit d’identifier les principes générateurs de la théorie et de fournir une analyse de ses fondements qui s’ancrent dans la crise de la représentation moderne commençant dans la deuxième moitié du dix-neuvième siècle. Les motifs de la crise revisités par Tarkos inscrivent sa poésie dans une historicité, et notre thèse tente d’interpréter cette actualisation dans une œuvre qui donne forme au monde et à la mémoire individuelle. L’hypothèse qui chapeaute notre étude est que la théorie du langage favorise l’intelligibilité de l’œuvre totalisante en lui offrant un support réflexif. Notre thèse, qui privilégie une méthode fondée sur l’analyse des textes, se divise en trois parties. La première propose une recension de la réception critique de l’œuvre, dont nous retraçons les grandes lignes d’interprétation, de Christian Prigent à Jean-Michel Espitallier. Tout en plaçant Tarkos dans le champ poétique français, cette étape nous permet de positionner notre recherche par rapport à certains lieux communs de la critique. La deuxième partie vise à étudier la théorie du langage de Tarkos à partir de ses manifestes principaux (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) qui révèlent plusieurs principes, pouvoirs et limites de la langue et de la poésie. Afin de montrer la spécificité du concept de la « pâte-mot » de Tarkos, nous l’étudions dans un dialogue avec la figure de la « pâte » langagière chez la poète française Danielle Collobert. La troisième partie propose une étude de la volonté et de l’esthétique totalisantes dans l’œuvre de Tarkos, qui cherche à donner forme au réel. En effet, la poésie répond à l’excès du réel par diverses stratégies. Tout en voulant représenter son caractère débordant par une énonciation logorrhéique ou en usant de procédés comme celui de la répétition, elle cherche à le maîtriser dans des formes textuelles stables comme des fragments de prose « carrés » (Carrés, Caisses), dans des listes énumératives (Anachronisme) ou dans des réseaux d’images. La volonté totalisante chez Tarkos semble également prendre origine dans un sentiment d’urgence qui concerne, en dernière instance, une bataille contre la finitude.
This dissertation takes as its object the tie between self-reflexivity and aesthetic form in the poetry of Christophe Tarkos, produced in the 1990s. It highlights the relationship between the development of a theory of language within his poetic oeuvre and aims to illustrate its “totalizing” aesthetics. “Theory” is understood as the combination of reflections, meditations and concepts about language and poetry. This thesis endeavors to identify the generating principles in his poetic oeuvre, which are inscribed within the crisis of representation often seen as originating in the mid- nineteenth century. By revisiting this crisis of representation, Tarkos’s poetry can been seen as being located in a historicity. My thesis attempts to interpret this revisiting process through an analysis of a poetic form that gives shape to the world and to individual memory. My assumption is that the theory of language facilitates the intelligibility of his poetry because it provides a reflexive medium. My thesis, which favors a method based on textual analysis, is divided into three parts. The first provides a review of the critical reception of the work, in which I track major lines of interpretation, ranging from Christian Prigent to Jean-Michel Espitallier. Placing Tarkos within the French poetic field allows me to position my research within the commonplace of criticism. The second part investigates the theory of language in his manifestos (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) that reveal several principles, powers and limits of language and poetry. In order to demonstrate the specificity of the concept of « pâte- mot » (a dough of words) developed by Tarkos, I compare it to the poet Danielle Collobert’s figurative representation of « dough », as « paste ». The third part offers a study of the will and “totalizing” aesthetic present in the work of Tarkos, which seeks to shape the real. Indeed, poetry answers to the excess of the real by various strategies. While wanting to represent his brimming nature through a language akin to logorrhea or by using methods such as repetition, it also seeks to control it in stable textual forms such as « squared » fragments of prose (Carrés, Caisses), in enumerative lists (Anachronisme) or in networks of figures. Tarkos’s willingness to “totalize” also seems to be rooted in a sense of urgency concerning, ultimately, a battle against finitude.