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Dissertations / Theses on the topic 'Critique littéraire – États-Unis – 20e siècle'
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Lemoine, Xavier. "Naissance et développement du théâtre queer aux États-Unis." Paris 10, 2001. http://www.theses.fr/2001PA100112.
Full textAbstract:
Même si la notion d'un théâtre queer se développe aux Etats-Unis à partir des années 1990, elle est dépositaire d'un héritage remontant au début de ce siècle. En effet, la figuration de l'homosexualité sur les planches a suivi une histoire ponctuée par la censure morale et légale, révélatrice des tensions de la scène. La critique queer, fondée sur une intertextualité théorique, interroge les sédimentations catégorielles de la sexualité, du genre, de la race et de la classe ainsi que leurs relations. Dans cette perspective, le queer explore les politiques de la représentation et essaie de saisir ce qui fonde la différence entre le présentable et l'irreprésentable. Un panorama des créations scéniques dans l'Amérique du XXe siècle permet de relever les mouvements qui définissent simultanément une histoire et sa construction en tant que catégorie. Un "théâtre homosexuel" d'abord caractérisé par le trope du placard se développe avec l'avènement du théâtre gay et lesbien fondé sur le trope du coming out. Bien que cette distinction soit un effet épistémologique, elle procure des repères et explique l'émergence du théâtre queer. Se distinguant d'une logique strictement identitaire, la scène queer s'oppose à la normalisation perpétuée par une conception monolithique du sujet. L'approche transversale du théâtre queer formule une résistance aux verrous binaires qui scellent les arts du spectacle. Il sonde les modes de perception en place et tente d'ouvrir la clôture de l'interprétation pour sortir des impasses hétéronormatives. La crise du sida accélère ce processus par la remise en cause de la corporalité prolongée par le camp, la pornographie et le SM. Ces aspects, complexifiés par leurs implications performatives, illustrent l'élan queer. Le théâtre queer s'inscrit donc comme une force déterminante dans le paysage américain. Il expose les limites et les contradictions de la scène et suggère de nouvelles voies vers un théâtre sur la brècheAlthough the notion of Queer Theater only began to develop in the early 1990s its stretch back to the beginning of the 20th century. Indeed, the portrayal of homosexuality on the stage has been shaped by moral and legal censorship revealing the tensions articulating theater as a whole. Queer theory, based on theoretical intertextuality, enables us to examine the way in which sex, gender, race and class are formed and how they are interrelated. Within this framework, queer criticism interrogates the politics of representation and attempts to grasp the forces that determine the boundaries separating the visible from the invisible. A general survey of drama reveals the variations that define both a history of Queer Theater and its construction as a category. "Homosexual theater," firstly characterized by the trope of the closet, was subsequently developed by a gay and lesbian theater informed by the trope of the coming out. Although this distinction is in itself an epistemological effect, it provides basic markers and explains the emergence of Queer Theater. Rejecting moot issues spawned by identity politics, Queer Theater sets out to utilize strategies against normative impulses perpetuated by a monolithic conception of the subject. Thus, Queer Theater offers a crosspollination that runs counter to the predominance of binary oppositions on stage. It then delves into the reception and production modes and attempts to open up the closure of interpretations and meanings of the text in order to go beyond heteronormativity. The AIDS crisis accelerated this process by questioning the status of the body furthered as well by the practice of camp, pornography and S/M. These aspects of queer performance, made more complex due to their performative effects, illustrate the queer momentum. Queer Theater therefore is a determining force on the stage, both pointing to its limitations and signaling new paths to keep it alive and on the cutting edge
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Yechouti, Yahya. "L'oeuvre littéraire d'Alice Walker." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040131.
Full textAbstract:
La these porte sur l'etude de toute la production litteraire d'alice walker jusqu'a 1990. Elle inclut donc ses quatre romans, ses quatre recueils de poesie, ses deux recueils de nouvelles, et enfin ses deux recueils d'essais. Auteur connu surtout par son troisieme roman, the color purple qui lui a rapporte une renommee internationale, alice walker se caracterise par son engagement feministe, un terme qu'elle rebaptise "womanist" pour distinguer son mouvement afro-ameri cain de celui des feministes blanches. Elle est connue aussi par son defi et sa rebellion contre les conventions et les tabous sociaux, et contre les canons des genres litteraires. La these tente d'analyser ainsi les raisons biographiques de sa rebellion et de son adoption du mouvement "womanist", les manifestations de ce mouvement dans son oeuvre, l'equilibre souvent reussi entre l'ideologie de l'auteur et son art, et enfin le developpement de sa vision a travers le temps et a travers ses oeuvres, d'une "womanist" radicale a une humanisteThis dissertaion studies the literary production of alice walker until 1990. It includes thus her four novels, her four books of poetry, her two collections of short stories, and finally her two collections of essays. Known particularly by her third novel, the color purple which brought her worldwide fame, alice walker is caracterized by her feminist committment. She has however changed the term feminist to "womanist" to distingwish her afro-american movement from that of the white feminists. She is also known by her challenge and rebellion against the social taboos and conventions, and against the canons of the different literary genres. The dissertation tries furthermore to analyse the biographical reasons of this rebellion and adoption of the womanist movement, the manifestations of her ideology in her work, the often successful balance between this ideology and her art , and finally the development of her vision through time and through her works from a radical womanist to a humanist
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Diouf, Abdourahmane. "Esthétique, politique et éthique : la création littéraire dans l’œuvre romanesque de John Steinbeck." Thesis, Le Mans, 2020. http://www.theses.fr/2020LEMA3008.
Full textAbstract:
Les œuvres de John Steinbeck ne sauraient être réduites à une sèche catégorisation d’ordre esthétique ou idéologique. On les étudie souvent à la croisée de styles bariolés qui s’entremêlent et se heurtent, pour pouvoir appréhender derrière les variétés le substratum de l’œuvre. L’enjeu de cette thèse est d’étudier le lien entre esthétique, politique et éthique en partant non plus des positions politiques de l’écrivain mais des œuvres elles-mêmes, pour analyser les manières dont ces notions peuvent s’éclairer de manière dynamique et progressive au fur et à mesure que l’œuvre se déploie sur quatre décennies. En passant du roman lyrique et picaresque au roman social (particulièrement Tortilla Flat et la trilogie des « Dust Bowl Novels » : In Dubious Battle, Of Mice and Men et The Grapes of Wrath), John Steinbeck laisse se construire dans son œuvre une critique politique fondée sur la remise en cause de la linéarité du discours narratif. Tout comme la forme du discours, le « contenu » narratif véhicule et développe une vision politique qui substitue au Rêve américain et son « Melting Pot » utopique, une structure sociopolitique plus réaliste où l’on perçoit « deux classes » opposées, en vertu du système de domination capitaliste. Steinbeck a re-travaillé le genre romanesque pour y laisser se développer une vision à la fois providentielle, humaniste et anticapitaliste. En mettant à l’épreuve les notions d’intrigue, de protagoniste (ou « héros ») et de temporalité, il a inscrit cette critique politique au cœur même de l’écriture, invitant ses lecteurs à porter un nouveau regard sur ses œuvres des années 1930-50, davantage « politiques », et sur les liens entre modernisme, engagement politique et écologie. Même si certains de ses ouvrages sont radicalement contestataires, il n’en demeure pas moins qu’il a eu recours constamment au mythe des origines. Ce recours aux pensées mythiques des textes américains fondateurs joue un rôle de trait d’union lui permettant de déconstruire littérairement les discours politiques dominateurs de sa sociétéJohn Steinbeck’s works cannot be reduced to a strict aesthetic or ideological categorization. They are often studied at the crossroads of colourful styles that intermingle and clash, in order to grasp the substratum of the work behind its varieties. The challenge of this thesis is to study the link between aesthetics, politics and ethics, starting not from the writer's political positions but from the works themselves, in order to analyze the ways in which these notions can be dynamically and progressively highlighted as the work unfolds over four decades. Moving from the lyrical and picaresque novel to the social novel (particularly Tortilla Flat and the Dust Bowl Novels trilogy: In Dubious Battle, Of Mice and Men and The Grapes of Wrath), John Steinbeck makes it possible for a political critique to be constructed in his work based on a questioning of the linearity of narrative discourse. Like the form of the discourse, the narrative “content” conveys and develops a political vision that substitutes for the American Dream and its utopian “Melting Pot” a more realistic sociopolitical structure in which one perceives “two opposing classes”, by virtue of the system of capitalist domination. Steinbeck reworked the novel genre to develop a providential, humanist and anti-capitalist vision. By testing the notions of plot, protagonist (or “hero”) and temporality, he placed this political critique at the very heart of the writing process, inviting readers to take a fresh look at his more “political” works of the 1930s and 1950s, and at the links between modernism, political engagement and ecology. Although some of his works are radically contested, he has made constant use of the myth of origins. This recourse to the mythical thoughts of the founding American texts acts as a hyphen allowing him to deconstruct literarily the dominant political discourses of his society
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Espejo, Roberto. "Paul Goodman et la critique en éducation : vers une pédagogie critique existentielle." Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/163812330#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Dans cette thèse nous nous interrogeons sur la contribution des idées pédagogiques de Paul Goodman (1911-1972) à une théorie critique de l’éducation. Nous considérons notre problème à travers un développement qui montre que : a) le problème de l’aliénation est au centre de la préoccupation de Goodman, b) l’importance de la théorie de la gestalt de Goodman pour comprendre son analyse de l’éducation, c) une composante « existentielle » de l’éducation doit être prise en compte pour décrire son approche pédagogique. Le rôle de Goodman dans le développement de la Gestalt-thérapie, principalement à travers sa « théorie du Self », est considéré comme une base pour son approche anthropologique. Cette approche est importante pour considérer la relation de Goodman vis-à-vis de l’éducation progressiste et d’autres modèles critiques, tels que la pédagogie libertaire. Goodman fournit une critique du système d’éducation des Etats-Unis dans les années 1960 : l’école primaire, secondaire et l’enseignement universitaire. Ces critiques devraient être comprises dans le contexte de sa philosophie gestaltiste et de ses idées libertaires. Nous montrons comment les idées critiques en éducation étaient déjà présentes dans le mouvement américain de l’école progressiste (John Dewey) et en particulier dans le mouvement de la reconstruction sociale (George Counts). Ce mouvement sera un antécédent important pour Goodman, mais aussi pour le développement de la Critical pedagogy américaine, qui nous semble une contribution importante à la théorie de l’éducation de nous jours. Nous explorons ainsi l’héritage du travail de Goodman et nous interrogeons sur la possibilité d’élargir l’idée de pédagogie critique en considérant l’aspect « existentiel » de celle-ciIn this thesis we explore the contribution of Paul Goodman’s (1911-1972) pedagogical ideas to a critical theory of education. We consider our problem demonstrating that: a) the problem of alienation is central in Goodman’s discourse, b) the relevance of Goodman’s gestalt theory for understanding his analysis of education and c) that an existential component must be taken into account in order to describe his pedagogical approach. Goodman’s role in the development of gestalt therapy, expressed mainly through his “theory of the Self”, is considered as a basis for his anthropological approach. This approach is important in order to consider Goodman’s relationship to progressive education and other critical models, such as libertarian pedagogy. Goodman provides a strong criticism of the educational system of the United States in the sixties at all levels: primary, secondary and higher education. This criticism should be understood according to his gestalt-philosophy and his libertarian ideas. We show how critical ideas in education were already present in the American movement of progressive education (John Dewey) and in his offshoot, the social reconstruction movement (George Counts). This movement is an important element for understanding Goodman’s ideas, as well as for the development of the American movement of critical pedagogy. This trend is considered by us as an important contribution to educational theory. We explore Goodman’s heritage and his and the possibility of broadening the idea of critical pedagogy, through considering its “existential” aspect
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Bertrand, Anne. "Walker Evans, écrits et propos. Edition critique." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCC122.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet les textes de Walker Evans (1903-1975), publiés de son vivant et signés de son nom. Figure majeure de la photographie américaine, dès l'exposition "American Photographs", au Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 1938, et le livre éponyme, Evans a d'abord voulu devenir écrivain. Sauf une décennie fondatrice pour son oeuvre photographique, du début des années 1930 au début des années 1940, il n'aura, de sa vie, cessé d'écrire. Il a cependant peu théorisé sur la photographie, et ne s'y est résolu que tard. Un essai est consacré à la relation d'Evans, photographe, à l'écriture ; une anthologie réunit la plupart de ses écrits et propos, chaque texte bénéficiant d'une introduction qui le présente et l'analyse,s'appuyant notamment sur les Walker Evans Archive conservées au Metropolitan Museum of Artde New York ; un volume iconographique reproduit des publications d'Evans alliant ses textes et des images. Critique pour le magazine Time (1943-1945), au côté de son ami Agee, puis collaborateur du magazine Fortune (1945-1965), Evans invente dans ce périodique une forme de portfolio juxtaposant texte court qu'il rédige et images, les siennes ou celles d'autres, sur dessujets relevant souvent d'une culture vernaculaire. Il signe par ailleurs dans la presse des critiques,notamment sur la photographie. À partir de la fin des années 1960, alors qu'il enseigne à l'université Yale de New Haven, il publie plusieurs textes essentiels pour l'histoire du médium,dont un entretien avec Leslie Katz, au moment de sa seconde rétrospective au MoMA en 1971.Evans y fonde l'expression "style documentaire", qui qualifie sa photographie, et entraîne avec elle tout un pan de la création contemporaine. Hors Atget, les références qu'il donne pour son art sont littéraires, Flaubert et Baudelaire, ou James, Proust, Nabokov – indiquant l'importance qu'eurent toujours à ses yeux l'écriture, et le styleThis thesis aims to provide a critical study of the texts Walker Evans (1903-1975) signed and published during his lifetime. One of the most important photographers of the United States, from his exhibition "American Photographs," at the Museum of Modern Art(MoMA) of New York, and the eponymous book, in 1938, Evans first wanted to become a writer. With the exception of one decade, from the early 1930s to the early 1940s, when hefocused solely on photography and produced the core of his work, never in his life did Evansstop writing. However, he did not theorize about photography but sparingly, and quite late in life. An essay is considering the relation of the photographer to writing ; a selective anthology gathersmost of his texts, each with an introduction which presents and analyses its contents, in the light of sources from the Walker Evans Archive at the Metropolitan Museum of Art in New York; an iconographical volume reproduces Evans's publications combining his texts and images. Evanswrote as a critic for Time Magazine (1943-1945) beside his friend Agee, then contributed to Fortune(1945-1965). He there invented the form of portfolios combining a short text he would write and images, either by him or by others, often times on vernacular subjects. Furthermore, he would sign critical essays in various periodicals, particularly on photography. From the end of the 1960s, while he was teaching at Yale University, he would publish a few theoretical writings which are decisive for the history of the medium, notably the interview with Leslie Katz which was published at the occasion of Evans's second retrospective at MoMA, in 1971. Here Evans coined the phrase "documentary style", which qualified his own photography, and would apply to manyworks by contemporary artists. At get being his main reference for photography, the other references he mentions are principally literary: Flaubert and Baudelaire, or James, Proust, Nabokov. They indicate how concerned the photographer was, always, with writing, and style
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Destoppeleire, Sandra. "Représentations de la judéité dans l'oeuvre romanesque et picturale de Chaim Potok." Paris 7, 2005. http://www.theses.fr/2005PA070046.
Full textAbstract:
Le judaïsme est le substrat de l'oeuvre de Chaim Potok. La fiction potokienne propose une véritable immersion dans le monde juif orthodoxe américain et se réclame miroir de cette réalité. Le parti pris de réalisme de Potok, servi par l'outil descriptif, répond à sa volonté de témoignage. La première partie de cette étude est consacrée à l'ancrage géographique et sociologique de l'univers représenté. La seconde partie met en relief l'inscription de l'Histoire dans l'oeuvre de Potok. Cependant, la fiction potokienne ne saurait être perçue comme une simple image mimétique de la réalité : une fonction didactique et idéologique se détache. Le contenu même de l'écriture de Potok trahit son héritage éthique hébraïque. Aussi, la troisième partie s'attache aux aspects éthiques et mystiques de l'oeuvre potokienne. En filigrane de cette oeuvre, se trouve posée la question du Mal. L'influence du système de pensée kabbalistique se révèle à cet égard particulièrement prégnante. Enfin, la Shoah est au coeur de cette réflexion sur le Mal, véritable interrogation philosophique sur l'indicible que Potok nous proposeJudaism is the essence of Chaim Potok's work. Potokian fiction, a profound immersion in the world of orthodox American Jewry, claims to mirror this reality. Potok's realistic perspective, aided by his descriptive technique, provides an accurate testimony of this world. The first part of this thesis concentrates on the geographical and sociological contexts of the wolrd depicted by Potok, while the second part focuses on a portayal of the Jewish-American community as it grapples with History. Potokian fiction cannot be understood as merely a portrait of reality, its didactic and ideological functions prevent such simplification. Indeed, the content of Potok's writing reveals the author's Hebraic ethical heritage : thus, this third part of this study focuses on the ethical and mystical aspects of his fiction. The problem of evil is woven into all of Potok's work, with Cabbalistic thought a particularly pregnant influence in this respect. As the Shoah is at the heart of his reflection on the notion of evil, Potok offers a true philosophical examination of the inexpressible
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Pittalis, Patrick. "La poétique de Robinson Jeffers sur "La route inhumaine"." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040048.
Full textAbstract:
La présente étude propose une approche critique de l'œuvre du poète californien Robinson Jefferson et s'articule à partir de la notion d'inhumanisme développée par le poète. Organisée en trois séquences et suivant une progression logique, l'étude s'efforce de révéler les articulations de la réflexion qui anime l'œuvre et examine ses dimensions critique et programmatique. La première séquence interroge les fondements de la réflexion jeffersienne de laquelle émerge une analyse critique sociale et culturelle de la civilisation occidentale moderne. L'étude des rapports conflictuels que le poète entretient tant avec la modernité qu'avec la religion, la science et l'humanisme révèlent les principes de la réflexion poétique de Jeffers qui permettent de proposer une tentative de définition de l'idée inhumaniste qui caractérise son œuvre. La deuxième s'attache à mettre au jour le programme poétique de Jeffers, fonde tant sur le sens de la solitude que sur une réévaluation du rapport de l'homme au monde et sur l'élaboration d'une esthétique de la nature. Au travers de l'étude des notions et concepts de solitude, monde, terre et nature, cette séquence établit un lien entre phénoménologie et poésie d'où il ressort que l'œuvre repose sur une vision biocentrique du monde. Enfin, la dernière séquence examine les moyens mis en œuvre dans l'écriture poétique jeffersienne pour soutenir et développer l'idée inhumaniste : l'étude du recours aux mythes, à la tragédie, aux poèmes narratifs ou didactiques, et aux principaux éléments de rhétorique (la rime et le rythme) dévoile la technique jeffersienne et permet de situer l'œuvre dans le cadre plus vaste de l'époque moderniste (que le poète rejette mais dont il partage néanmoins les préoccupations) et du rapport au romantisme. La conclusion insiste sur l'idée que l'œuvre de Jeffers se situe en marge de la poésie américaine moderniste et ouvre la voie du long poème narratif et de l'écopoésie qui émergeront du mouvement postmodernisteThis study aims at a critical approach to Robinson Jeffers's works and unfolds from the notion of inhumanism the poet coined. Following a logical progression in three sequences, it aims at revealing how Jeffers' poetic thought developed and examines its critical and programmatic structure. The first sequence, dealing with the conflicting views of the poet on modernity, science, religion and humanism, exposes Jeffers social and cultural critical analysis which led him to the idea of inhumanism and which reveal the basis of his poetics. The second examines his poetic program based on the concept of solitude and on a revaluation of the role of man in nature. The study of notions and concepts as solitude, world, earth, nature reveals the poet's biocentric vision and his aesthetics of nature, both establishing a connection between poetry and phenomenology. The study ends with an examination of Jeffers rhetorical devices and use of myth, narrative, and didacticism in order to support and nourish his idea of inhumanism; it also leads to a reconsideration of Jeffers' poetics in the vaster framework of modernism and the response to romanticism. To conclude, the emphasis is laid on Jeffers' importance as a turning point towards postmodernism. His poetry, written during the emerging and blooming years of modernist poetry opens the way to a postmodern narrative poetry and ecologically responsible poetry. Though it cannot be considered as a major poetic work, it must be seen as a precursor
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Planchard, de Cussac Etienne de. "L'Oeuvre romanesque de George Washington Cable (1844-1925) : essai d'interprétation et d'évaluation." Lyon 2, 1987. http://www.theses.fr/1987LYO20034.
Full textAbstract:
Dans les histoires littéraires, le romancier louisianais George Washington Cable (1844-1925) est classe dans la rubrique : couleur locale. Or le but de cette thèse est de démontrer que ce romancier, sudiste converti à la démocratie américaine, et de ce fait hérétique dans sa "section", est avant tout un écrivain politique, et que c'est cette intention politique qui donne à son œuvre unité, force et originalité. La lecture proposée exclut du corpus étudié, toute sa production postérieure à John March, Southerner, qui met un terme à sa peinture critique de la société sudiste. Parce que Cable n'a jamais été financièrement indépendant, son œuvre a été tributaire des conditions socio-économiques de son temps, en particulier de la tyrannie exercée par les revues mensuelles et leur public. L'auteur a accédé à la renommée nationale grâce à la couleur locale. Mais il a su en élargir le cadre en la mariant avec la "romance" américaine, et enraciner le pittoresque créole dans la vérité du cœur humain, pour donner à son meilleur roman, The Grandissimes, une portée universelle. Cable a ensuite délaissé la "romance" pour le réalisme. Cette démarche lui a semblé constituer une stratégie plus efficace pour démocratiser le Sud. En effet, en présentant à cette région un reflet fidèle de sa réalité, Cable a pensé trouver le défaut de la cuirasse sudiste : sa capacité à secréter des mythes à propos de sa propre expérience, que favorise l'absence de critique à l'intérieur de la "section". John March, Southerner, est une excellente illustration de cette stratégie. Vaincu par l'hostilité de l'équipe rédactionnelle de Century et l'indifférence du public, Cable a délaissé sa critique du sud pour une littérature plus anodine et plus alimentaire. C'est pour cela que les œuvres postérieures à John March, Southerner, n'offrent guère d'intérêt. Cable est le précurseur du roman sudiste moderne, et de son œuvre, caractérisée par une langue riche et fluide, un don particulier pour l'analyse des ressorts de la société, mais trop souvent entachée de sentimentalité, doivent survivre Old creole days, The Grandissimes et John March, SouthernerLouisiana-born novelist George Washington Cable (1844-1925) is still listed today in literary histories as a local colorist who wrote about the creoles of Louisiana. The purpose of this doctoral dissertation is to demonstrate that the novelist, a southerner who adopted the democratic values of the union and thus became a heretic in his section, is essentially a political writer, and that the unity, strength and originality of his work derive from his political purpose. This interpretation leaves aside all the fiction he published John March, Southerner, which is his last foray against the south. Because Cable depended on writing to earn his living, his work was deeply influenced by the socio-economic conditions of his time, and especially by the demands of the national monthly reviews and their readers. He gained nation-wide fame through local color fiction, but was able to enlarge the narrow scope of that genre by combining it with the american romance and to infuse the picturesque creole life with the truth of the human heart to confer a universal import to his best novel, The Grandissimes. Then Cable abandoned the "romance" for realism which, to him, seemed a better approach to a picture of society intended to persuade the south to adopt a more democratic attitude. Indeed, by confronting that section with a true image of herself, he hoped to defeat her propensity for creating a mythical image of her experience all the more easily as this image usually went unchallenged by southern public opinion. John March, Southerner, is a good example of this strategy. Eventually Cable bowed to the hostility of his editors and the indifference of his readers, and abandoned his criticism of the south in favor of less scathing fiction. Thus, what he wrote after John March, Southerner, is of little interest. Yet, Cable blazed the trail for the 20th century southern novelists. His main qualities as a writer lie in his exceptional ability to unravel the skein of social intricacies and his unfailing command of the english language, but his work is often marred by sentimentality. Three of his books deserve to be remembered : Old creole days, The Grandissimes and John March, Southerner
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Urs, Luminita. "La ville nord-américaine dans la poésie québécoise des années 1980-2000." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040222.
Full textAbstract:
L'Amérique demeure un référent privilégié dans la poésie québécoise contemporaine. Remplaçant la poésie du terroir et la rhétorique aux accents nationalistes, une nouvelle poétique américaine s'affirme à partir des années 1980. Elle valorise la thématique de la ville, comme espace ludique et cosmopolite et du voyage transcontinental. Lieu de la diversité mais aussi de la violence et de la solitude, la ville est l'expression du multiculturalisme et du melting-pot. La ville se définit principalement par son appartenance au continent nord-américain. Le poète québécois traverse des métropoles telles que Montréal, New York, Los Angeles ou San Francisco, pour dire ce qui en fait l'espace de référence de l'américanité et de la modernité du vingtième siècle. D'autres villes d'Europe ou d'ailleurs complètent cet imaginaire poétique. Tout en s'écrivant en français, la poésie québécoise des années 1980 à 2000 assimile l'expérience de la Beat Generation (Jack Kerouac, Allen Ginsberg, William Burroughs) et underground américaine. L'importance accordée à l'américanité justifie les références culturelles étasuniennes au cinéma, à la littérature, au jazz et au rock. La poésie québécoise des années 1980 à 2000 retrouve néanmoins l'intimité, à travers des " îlots " et des lieux urbains " habitables ", chez Louise Dupré, Hélène Dorion, Jacques Brault et François CharronAmerica stands as a privileged reference in Quebec's poetry today. Dislodging the poetry of the earth and nationalistic-sounding rhetoric, a new American poetry arises with the eighties. It valorises the themes of the city, a cosmopolitan and playful space as well as that of the transcontinental journey. A place of diversity, but also, of violence and solitude, it is the expression of multiculturalism and of the melting-pot. It is mainly defined by its belonging to the North-American continent. The Quebec poet crosses metropolises like Montreal, New York, Los Angeles or San Francisco, in order to account for the changes in the reference of Americanism and in 20th century modernity. Other cities, from Europe or other places, enhance this poetic imaginary. Although written in French, the Quebec poetry of the eighties assimilates the experience of the Beat Generation (Jack Kerouac, Allen Ginsberg, William Burroughs) and of the American underground. The importance granted to Americanism is motivated by US cultural references to cinema, to literature, to jazz and rock'n'roll. Quebec poetry of the eighties nevertheless retrieves intimacy, by " small islands " in " liveable " places, with Louise Dupré, Hélène Dorion, Jacques Brault et François Charron
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Price-Chupin, Helen. "Tensions dans l'œuvre d'Anne Tyler : une écriture de l'entre-deux." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040159.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une approche stylistique de la fiction d'Anne Tyler, explorant les tensions qui parcourent son oeuvre. La première partie examine les stratégies mises en oeuvre à l'égard de certaines conventions génériques, celles du roman du Sud et celles du roman réaliste traditionnel. La deuxième partie est consacrée à une étude de la structuration et des fonctions de l'espace. Cette partie propose aussi une approche psychanalytique de l'espace. La troisième partie aborde la question de la présence intertextuelle des oeuvres d'Emerson et de Thoreau ainsi que celle de la religion quaker. A cet égard, à travers l'étude détaillée de passages sélectionnés, une attention particulière est accordée aux notions du banal et du silence. Se situant entre transparence et opacité, espace fermé et espace ouvert, narcissisme et relation objectale, dissimulation et révélation, l'écriture de Tyler se définit comme une écriture de l'entre-deuxThis thesis proposes a stylistic approach to the fiction of Anne Tyler, examining how it reveals or conceals a certain number of tensions running through her work. In the first part, we study the strategies put in place regarding certain generic conventions, those of the Southern novel and those of the traditional realist novel. The second part is dedicated to a study of the structure and the function of space. This part also proposes a psychoanalytic approach to the use of space in Tyler's work. The third part addresses the question of the intertextual presence of the work of Emerson and Thoreau as well as that of the Quaker religion, treating the subject through the detailed study of selected passages and with particular attention paid to the treatment of silence and the banal. Between transparency and opacity, closed space and open space, narcissism and objectal relations, concealment and revelation, Tyler's work can be defined as presenting an intermediary style of writing
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Amoretti, Julien. "Le souffle et la glaise : logique de l'image dans l'oeuvre de William Faulkner (1919-1942)." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070040.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objet l'imaginaire faulknérien considéré comme une langue. A partir des outils mis au point par la critique structuraliste et formaliste, ce travail tente d'en décrire le vocabulaire et la syntaxe afin de définir la logique qui organise la co-présence de diverses images au sein de séquences textuelles spécifiques et détermine leur devenir au cours du récit. L'objectif est en particulier de dégager une forme signifiante minimale, à la fois descriptive et narrative, à partir de laquelle l'univers imaginaire faulknérien se déploie par un jeu complexe de reformulations et de variations. Pour ce faire, cette étude explore de manière systématique les images qui caractérisent la poésie et la fiction faulknérienne entre 1919 et 1942, qu'il s'agisse de personnages (mère, amant, père, doubles divers), de décors (sanctuaire pastoral, ruine, fleuve, forêt vierge notamment) ou de types de récits (poursuite amoureuse, fuite, affrontement, construction d'un monument, entre autres) afin de comprendre les relations qu'elles entretiennent et la manière dont elles permettent l'élaboration du sensThe topic of this study is Faulkner's imagery, considered as a specific language. Using concepts derived from structuralist and formalist criticism, this essay attempts to describe the vocabulary and syntax that characterize Faulkner's imagery, in order to determine the rules that explain the co-presence of some of these images within a specific textual unit and how they evolve as the narrative develops. The analysis focuses on defining a seminal signifying unit, both descriptive and narrative, out of which Faulkner's imagery unfolds through a complex network of reformulations and variations. Systematic textual study allows us to explore the various images that recur in Faulkner's poetry and fiction from 1919 to 1942: characters (mother and father images, lovers, doubling figures), settings (pastoral landscapes, ruins, rivers, the wilderness, etc. ) but also types of narratives (love quests, flight situations, confrontations, monument building, etc. ). The purpose of this analysis is to shed light on the relations that connect Faulkner's images and how these help create meaning in the text
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Montaclair, Florent. "Fantastique et anticipation chez Jules Verne et Howard Phillip Lovecraft." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040097.
Full textAbstract:
Le français Jules Verne (1828-1905) et l'américain Howard Phillips Lovecraft (1890-1937) sont considérés dans leur pays respectif comme les chantres d'une nouvelle forme littéraire : l'anticipation scientifique. Tous deux s'inscrivent dans une problématique d'insertion de la modernité et du savoir qu'elle suppose dans l'œuvre littéraire. Notre but est, à partir des points communs aux deux auteurs, d'analyser en quoi leur production est novatrice et en quoi elle est en prolongement (ou en rupture) avec les courants littéraires qui s'exprimaient dans leurs pays. Nous regardons en particulier comment leur rejet d'une forme de littérature fantastique les inscrit dans des mouvements qui déterminent leurs productions. A partir de trois points de comparaison (l'utilisation de l'espace, la forme du surnaturel et le rôle du narrateur dans le texte), notre optique, à la fois formelle et historique, tente de présenter Lovecraft et Verne dans leur siècle pour mieux approcher leurs singularitésJules Verne (1828-1905), the French writer, and Howard Phillips Lovecraft (1890-1937), the American writer, have been considered, in their respective countries, as creators of a new literary genre - science fiction. The works of both the authors are linked to the problematic of inserting modernity, and the knowledge which comes with it, in fiction. The aim of this research is to analyze what is common to both writers, how their work is innovative and whether their work becomes - or not - the prolongation of the literary movements which triumphed in their century. The rejection of a fantastic literary genre is inscribed within the movement which determines their work and forms an aspect which will be examined in depth. By using three points of comparison (namely proxemics, characteristics of the supernatural, and the narrator's role in the text), the formal and historical perspective of this research tries to study Lovecraft and Verne in their own century so as to bring out their uniqueness within the literary context of the period
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Boissier, Laurence. "Le roman policier juridique dans l'Amérique contemporaine." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30010.
Full text
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Cohen-Cheminet, Geneviève. "L'entretien infini : modernité poétique et tradition appropriée dans l'oeuvre de Charles Reznikoff." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20093.
Full textAbstract:
La modernité poétique de l'oeuvre de Reznikoff apparaît dans son appropriation discrète des chaines d'écriture et de lecture héritées de la tradition herméneutique juive. La singularité littéraire de cette oeuvre ne vient pas du degré de sa représentativité du groupe ethnique juif-américain mais des fins artistiques autonomes qu'elle se donne. L'investissement de l'héritage textuel juif est conjoint à la recherche de modes poétiques nouveaux. Tradition de lecture et expérimentations poétiques vont de pair. Ce travail s'articule ainsi : un parcours biographique, une introduction et un prologue présentent l'armature conceptuelle et le choix d'une approche pragmatique. L'énonciation poétique est étudiée sous l'angle de Reznikoffl-lecteur (hypertextualité) et de Reznikoff-poète pour tout lecteur (sérialité du dialogue). Sont d'abord étudiés les aspects constitutifs du geste poétique, dans le rapport du moi poétique à la ville et à l'espace (rythme sériel, expérience de la marche, chambre d'écriture). Sont ensuite traités les rapports du poète à l'histoire à partir de l'hypothèse d'une relation hypertextuelle au passé. Cela conduit à élaborer la notion de commentaire, en relation double de rupture et de généalogie avec les textes passés, et à proposer des lectures textuelles (séries bibliques et séries tisserandes). Le concept de commentaire est enfin déplacé vers les chaînes archiviales tragiques de Testimony et Holocaust. Leur écriture s'inscrit dans le contexte messianique plus large d'un discours qui attribue au lecteur le pouvoir de faire advenir la parole poétique, de transformer le signe perdu en trace. Ecriture et lecture constituent alors les 2 versants de l'entretien infini entre le poète et tout lecteurThe underlying idea of this research is that the poetical modernity of charles reznikoff's works should be related to the jewish hermeneutical tradition. Great labor allowed reznikoff to delve into the jewish textual heritage and to make the jewish tradition of interpretation consonant with his search for new poetical modes. Therefore the issue of the ethnic representativity of reznikoff's writings is less irrelevant than the relation existing between the jewish heritage of interpretation and reznikoff's aesthetic concerns. An introduction and a prologue lay out the conceptual groundwork and pragmatic approach chosen for this study. Poetical enunciation is analysed both from the point of view of the poet-as-reader (hypertextuality) and from the point of view of the poet-for-a-reader (dialogical seriality). A first part assesses the specificity of reznikoff's writing as evidenced in his relation to space and the american city. Then a second part is devoted to the relation of the poet to history. Our hypothesis is that reznikoff's relation to the past is textual and we use the concept of commentary as his mode of relating to past textual chains either on the basis of rupture or on the basis of a retrieved genealogy. In a third part, the concept of commentary is displaced towards other tragical archivial chains. Charles reznikoff reads them in the messianic context of the reader's coming. Like messiah's coming, the reader's opening of the book is not warranted but, should it happen, it will transform lost traces into meaningful signs. Writing and reading thus constitute the two aspects of an infinite conversation between poet and reader
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Caruana, Valérie. "La question de la représentation dans l'oeuvre de Ralph Waldo Ellison." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030137.
Full textAbstract:
Cette étude se prose d’étudier la question de la représentation dans l’œuvre de l’auteur afro-américain, Ralph Ellison à travers ses deux romans publiés quasiment à un demi-siècle d’intervalle (dont le second à titre posthume), ses nouvelles, mais également ses nombreux essais, articles, correspondances et interviews. Dans son œuvre, Ralph Ellison s’applique à révéler et à démontrer une forme d’unicité existant au-delà de la diversité apparente, au-delà des frontières visibles et invisibles, et au-delà de l’analogie symbolique entre le concept pictural de collage et le schéma identitaire américain. En outre, il insiste sur le fait que la réception de l’œuvre constitue un travail parallèle à celui de la création, rendant ces deux étapes d’écriture et de lecture indissociables et nécessaires à la vie de la création elle-même. La représentation invite à un processus de reconstruction de la part du lecteur. L’étude analyse les théories et les mécanismes de la représentation d’un point de vue historique, puis tels que l’auteur les exploite dans son écriture, mais également les limites dont la mimesis peut faire l’objet. La représentation transpose également des motivations didactiques : elle se veut conjugaison des héritages artistiques afro-américains et occidentaux (motif du rejet de Ralph Ellison par d’autres auteurs afro-américains), mais également vecteur d’historicité à travers l’expression de l’expérience afro-américaine, le dilemme de la non-représentation, les problématiques de la mémoire et du déni, l’inscription du patrimoine culturel afro-américain dans l’histoire américaine. La représentation crée parallèlement un modèle esthétique en instaurant un espace de neutralité propice à une formidable créativité métaphorique ainsi qu’à la participation de la musicalité au schéma narratif. La représentation constitue pour Ralph Ellison un outil de sa stratégie mimétique qui remplit une fonction d’analyse et de critique du dilemme de l’hybriditéThis study consists in analysis of the question of the representation in the work of Afro-american author Ralph Ellison, through his two novels published in almost a half century of interval, his short stories, and his numerous essays, articles, correspondences, and interviews. In his work, Ralph Ellison aims at revealing and showing o form of unity beyond the apparent diversity, beyond the visible and the invisible borders, and beyond the symbolic analogy between the pictorial concept of collage and the American identity scheme. Moreover, Ellison underlines that the reception of his works constitutes a parallel work with that of creation, making these two stages of writing and reading immutable and necessary to the life of creation itself. Representation invites the reader to a process of reconstruction (as opposed to debunking). The study analyzes the theories and the mechanisms of the representation from an historical point of view, and then such as the author exploits them in his writing, but also the limits of which mimesis can be the object. Representation also conveys didactic motivations: it aims at blending the Afro-Americans and Westerners artistic heritages (reason for the rejection of Ralph Ellison by other Afro-Americans authors). Representation is also a vector of historicity through the expression of the Afro-American experience , the dilemma of non-representation, the complex questions of collective memory and denial, the integration of the Afro-American cultural heritage into American history. Meanwhile, representation creates an aesthetic model by creating and launching a space of neutrality, promising a formidable metaphorical creative drive, together with the participation of the musical dimension in the narrative scheme. Representation constitutes for Ralph Ellison a tool in his mimetic strategy and this tool fulfils a function of analysis and criticism of the dilemma of hybridity
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D, Schooley Béatrice. "Personnes, Personnel et Impersonnel dans l’œuvre de Richard Powers." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030161/document.
Full textAbstract:
Plus connue pour le foisonnement et la richesse de ses thèmes, pour la densité de son contenu historique, socioéconomique, et pour la technicité avec laquelle elle manipule divers domaines scientifiques, l’œuvre de Powers laisse pourtant également une très large place à ses personnages. Jouant le double rôle de reflets de la société et de piliers narratifs organisant le récit, ces personnages expriment en effet la vision de Powers de l’Amérique contemporaine et constituent un lieu d’expérimentation littéraire. Ces romans s’intéressent aux façons dont les êtres entrent en lutte pour préserver et réinventer leur identité propre au sein d’un monde en perpétuelle mutation sociale et politique, et saturé de moyens technologiques nouveaux. Powers fait le choix d’une approche à la fois sociologique et philosophique en partageant le regard qu’il porte sur la société contemporaine américaine et en mettant au cœur de son œuvre la notion de relation à soi et aux autres. Les implications narratives de cet intérêt pour la complexité accrue d’un statut ontologique de la personne sont multiples et aboutissent à la construction de personnages mouvants et discontinus, réfractant plus qu’ils ne concentrent une énergie remise en circulation au triple niveau de la fiction, de la lecture et de l’écriture. Les modalités d’écriture des personnages, qui rendent compte de l’éclatement de l’unité de la personne dans le monde contemporain américain, font alors déborder la conception individualisante et personnelle qui leur est le plus souvent associée et lui substituent une vision fragmentaire, paradoxalement fédératrice, et en définitive impersonnelle, des êtresRichard Powers’ novels are best known for the diverse and rich quality of their themes, for the density of their historic and socio-economic contents, as well as for the level of technicality with which they handle a variety of scientific themes, yet they also leave a place of choice to the characters. Their role consists in both mirroring a social reality and holding the paramount function of organizing the course of the narrative, as they express Powers’ vision of contemporary America and constitute a space of literary experimentation. These novels focus on the ways human beings who are caught in a world saturated with new technological means and struggling through constant social and political mutations, can fight to preserve and reinvent their personal identity. The author chooses both a sociological and philosophical approach by expressing his vision of the contemporary American society and by putting at the very center of his works the notion of relationship to oneself and to others. The narrative implications of such interests in the increasing complexity of the ontological status of the individual are multiple and lead to the construction of changing and discontinuous characters who refract more than they absorb an energy that can be recirculated at the triple level of the fiction, the readers, and the act of writing. Accounting for the destruction of the unity of the individual in the contemporary American world, the modalities of Powers’ character writing push back the boundaries of the traditional individualistic and personal concept of literary character and substitute to it a paradoxically welcoming, fragmentary and impersonal vision of the human nature
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Gourbe, Géraldine. "Prolégomènes à une réflexion sur l'être-ensemble : analyse critique de la performance nord-américaine des années 70-80." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100089.
Full textAbstract:
Nous avons interrogé dans cette recherche les liens politiques et esthétiques entre la performance artistique et les discours féministes à partir de l'analyse critique d'un collectif artistique et féministe nord-américain des années 70 et 80, le Feminist Art Program. Nous avons situé, dans un premier temps, cette recherche sur l'art et le féminisme dans un contexte épistémologique de diffusion de la théorie queer aux États-Unis puis en Europe, théorie qui a favorisé les rapprochements entre la performance et les questions d'identité de genre et de sexe. Nous avons considéré ensuite une autre lecture des performances féministes en les considérant comme des productions relevant de conventions, de contextes d'apparition et d'échanges configurant des alternatives pour un être-ensemble. L'expérience collective du Feminist Art Program est à ce titre un exemple singulier. Nous nous sommes enfin attachés à montrer que la pratique artistique et féministe n'est pas réservée aux seules problématiques de la femme et du genre, mais bien au contraire participent à une politique globale capable de questionner la société dans son ensembleWe questioned political and aesthetic links between artistic performance and feminist speeches from the critical analysis of a North American artistic and feminist collective of the seventies and the eighties, the Feminist Art Program. We located our research about art and feminism, at first, in the epistemologic context of the queer theory's spreading in North America then Europe, a theory who favoured rapprochement between performance and questions of gender identity. We considered then another reading of feminist performances by considering them to be productions being recovering from conventions, from contexts of appearance and from exchanges configurant of alternatives for a group-being. The collective experience of the Feminist Art Program is in this title a peculiar example. We finally set out to show that feminist and artistic practice is not reserved for the only problems of the woman and gender, but on the contrary participates in a global politic which question the society as a whole
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Roudeau, Cécile. "Pays, pages, paysages : écriture du lieu : la Nouvelle-Angleterre de Sarah Orne Jewet, Mary E. Wilkins Freemen, Alice Brown et Rose Terry Cooke." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040225.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier comment, des années 1870 au tournant du XXe siècle, les récits des écrivains-femmes de Nouvelle-Angleterre, ceux de Sarah Orne Jewett notamment, vont choisir de récrire le lieu Nouvelle-Angleterre – territoire et locus littéraire –, à l’heure où, de centre symbolique de la nation, la Nouvelle-Angleterre devient région, non plus site d’une certaine généralité américaine, mais couleur locale. En optant pour un genre et un objet désormais considérés comme mineurs, ces écrivains-femmes vont faire de la place que leur désignent la nation et les lettres un « lieu » c’est-àdire un espace de création toujours continuée ; elles vont tirer parti de la malléabilité de la marge pour retailler à leur façon les tropes d’un imaginaire. En recentrant la lecture de ces textes sur le lieu Nouvelle-Angleterre, cette thèse ne veut pas tant réenraciner une écriture que redonner corps, histoire et mémoire, à un régionalisme que la critique s’est obstinée à dé-territorialiserThe thesis argues that New England women writers, and Sarah Orne Jewett principally among them, rewrote New England as a literary locus and territorial muse. Their rewriting is placed within the larger context of New England’s transition from a normative and synecdochic center of the nation to a region among others. By choosing a genre and a literary object which had been classified as minor, these women-writers transformed the place to which they had been assigned in the world of letters into a site of creation (lieu)–that is a site of continuous invention. They used the malleability of the margins to reshape the tropes of the New England imaginary in their own words. In lieu of a New England which has been interpreted alternatively as either a site of local color or, more recently, a deterritorialized region, the thesis reterritorializes the life and shape, history and memory of this locus which both framed the work of women writers at the turn of the twentieth century and was reinvented by them
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Grenon, Carole. "L'économie du principe féminin dans l'oeuvre d'Ernest J. Gaines." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030009.
Full textAbstract:
Ce travail propose une réflexion sur le principe féminin dans l’œuvre romanesque d’Ernest J. Gaines : Catherine Carmier, Of Love and Dust, A Gathering of Old Men, In My Father’s House, A Lesson Before Dying, The Autobiography of Miss Jane Pittman. Il tente de définir le sujet féminin et d’identifier ses principes moraux [par opposition aux principes masculins]. Il s’articule autour de trois parties et dévoile une évolution du principe féminin dans l’œuvre gainesienne. De Catherine Carmier à The Autobiography of Miss Jane Pittman, le principe féminin se fortifie. Dans les premiers romans, le féminin agit conformément au devoir [et par devoir], il prône un idéal de vertu, une sagesse qui l’empêche de créer. Le féminin s’affirme alors progressivement par le biais du langage dans un face à face avec le masculin et déconstruit l’idéologie blanche. Ce travail explore la violence de la construction anormale du sujet noir et les stratégies de déconstruction du mythe de la suprématie blanche. L’analyse de la libération identitaire révèle une déstabilisation des frontières du genre. Face au masculin dévirilisé, le féminin se virilise et relève la féminité du masculin. Enfin, dans le roman The Autobiography of Miss Jane Pittman, le féminin devient militantisme et activisme. La mère de la communauté noire, s’identifiant à la loi Divine de la famille, parvient à créer, à s’imposer, à transmettre des principes moraux à des hommes en devenir. Les destins du féminin et le masculin sont alors en miroir : ils travaillent pour obtenir la reconnaissance de l’homme blanc, se perfectionnent. Ce travail révèle l’idée de la mort digne, idée d’une liberté qui s’affirme dans la négativitéThis thesis studies the principles of the feminine in Ernest J. Gaines’ six novels: Catherine Carmier, Of Love and Dust, A Gathering of Old Men, In My Father’s House, A Lesson Before Dying and The Autobiography of Miss Jane Pittman. It defines the feminine subject and identifies its moral principles. There is a gradual evolution of the feminine in the works of Ernest J. Gaines. From Catherine Carmier to The Autobiography of Miss Jane Pittman, the feminine strengthens itself. In the first novels, the feminine acts out of duty, advocates wisdom, which prevents it from creating things. The feminine gradually reaffirms itself through language and faces the masculine. This work explores the violence of the abnormal construction of the Black self and the strategies of deconstruction of the myth of white supremacy. The analysis of the reconstruction of the self shows a redefinition of genres. The feminine is virilized and feminizes the masculine. Finally, in The Autobiography of Miss Jane Pittman, the feminine becomes militant and activist. The mother of the black community, identifying herself with the female Divine Law of the family, embodies female agency; she raises her sons and teaches them moral principles. The feminine and the masculine function as mirror images of each other; they work to get the recognition of the White man, and they seek to improve themselves. This study highlights the idea of dignity in death, of freedom which asserts itself in negativity
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Nicolini, Juliette. "Le visuel chez Gilbert Sorrentino : figures et couleurs du purisme." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030126.
Full textAbstract:
Gilbert Sorrentino est souvent présenté comme un auteur postmoderniste. Pourtant, loin du nivellement postmoderniste, il privilégie des principes modernistes selon une posture moralisante et exclusive. Ce travail, qui porte sur la couleur et sur le visuel, s’appuie notamment sur cinq œuvres : The Sky Changes, Steelwork, Splendide-Hôtel, Aberration of Starlight, Crystal Vision. Les valeurs intermédiaires du gris impliquent une indécision qui renvoie à l’informe et au mal. Le poids d’une éducation religieuse est sensible dans l’opposition des valeurs sombres, qui sont associées au péché, et de l’éclair lumineux qui s’oppose à l’apathie grise pour redonner vie et forme à l’espace. La radicalité de Sorrentino s’exprime par un goût pour les contrastes colorés, notamment dans Splendide-Hôtel. Noir et blanc forgent un contraste plastique extrême, comme dans la peinture de Franz Kline. La posture élégiaque de l’auteur s’appuie sur l’opposition entre le rouge et le gris. Le goût pour la synthèse mène à une schématisation des formes et des couleurs, proche du Minimal Art. On note un tropisme vers l’abstraction immatérielle et immuable. L’auteur se limite aux termes génériques pour dire la couleur. Ce respect des spécificités du langage évoque le purisme de Clement Greenberg. Écrit à partir de sources disparates (le Rider deck conçu par A. E. Waite et Steelwork), Crystal Vision instaure une tension entre la symbolique noble du tarot et la réalité misérable du roman. En posant une dichotomie entre le visible profane et l’invisible sacré, la vision de Sorrentino rejoint la sensibilité platonicienne et médiévale. La transposition ironique des images participe d’un idéalisme déçuGilbert Sorrentino is often presented as an emblematic postmodernist writer. This study focuses on colour and the visual in five works in particular : The Sky Changes, Steelwork, Splendide-Hôtel, Aberration of Starlight and Crystal Vision. Far from the egalitarianism of postmodernism, modernist principles go along with a moralizing and exclusive viewpoint. Intermediate values of grey imply uncertainty which refer to the amorphous and to evil. The burden of a religious education is felt in the opposition between dark values, which refer to sin, and flashing light which breaks into the mournful grey, giving life and form to space. The radicalism of Sorrentino’s aesthetic position shows in his taste for contrasts in colour, namely in Splendide-Hôtel. Black and white set up a sharp contrast, as in Franz Kline’s paintings. The elegiac stand of the author is asserted by the opposition between red and grey. A taste for synthesis leads to a simplification of shapes and colours which evokes the Minimal Art movement. A propensity for immaterial and immutable abstraction is noticed. Sorrentino expresses colour by using generic terms, thus taking account of the inability of language to encompass the real. This respect of the language idiosyncrasy matches Clement Greenberg’s purism. Crystal Vision is based on two ill-assorted sources (A. E. Waite’s Rider deck and Steelwork) which produces a tension between the high symbolism of the cards and the sordid reality of Steelwork. By setting a dichotomy between the secular visible and the sacred invisible, Sorrentino goes towards the platonic and medieval mind. The ironic transposition of images proceeds from a defeated idealism
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Waters, Maureen Eileen. "L'américanité : perspectives états-uniennes, franco-canadiennes et amérindiennes." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030088.
Full textAbstract:
Nous effectuons dans notre présent travail une étude comparée de la littérature nord-américaine du vingtième siècle par rapport à la notion de l'américanité. La relecture des romans classiques nord-américains nous permet de retracer l'émergence et l'évolution de l'américanité chez des auteurs tels que Jack London, Ralph Ellison et Alain Grandbois. À travers les écrits de Scott Momaday et de D'Arcy McNickle, notre compréhension de l'américanité s'enrichit des perspectives amérindiennes. Les derniers chapitres reprennent le mythe de l'errance dans son rapport avec la représentation de l'exil et de la production artistique chez Germaine Guèvremont et Gabrielle Roy. Jack Kerouac, pourvu d'origines franco-canadiennes, sert de lien continuel entre le roman états-unien et le roman franco-canadien. Lecteur et grand admirateur de Thomas Wolfe, le célèbre auteur de la génération beat inspire à son tour Jacques Poulin, avec Volkswagen blues. Cette thèse vise à ouvrir de nouvelles perspectives sur de vieux débats, à susciter une vision plus équilibrée de l'américanité et à récuser ce que nous estimons être un faux discours sur la notion d'américanisationThe present study consists of a comparative study in North American literature in regards to the notion of l'américanité. As we re-read the classic North American novel, we trace the emergence and evolution of l'américanité in the works of authors such as Jack London, Ralph Ellison and Alain Grandbois. The novels of Scott Momaday and D'Arcy McNickle further our comprehension of l'américanité from the Native American perspective. The final chapters look at the myth of wandering in relation to exile and artistic production in the works of Germaine Guèvremont and Gabrielle Roy. Jack Kerouac, given his French Canadian heritage, serves as a constant bridge between the United States and French Canadian novel. Reader and great admirer of Thomas Wolfe, the famous beat generation writer comes to inspire Jacques Poulin with Volkswagen blues. With this thesis we aim to open up new perspectives on old debates, encourage a more balanced view of l'américanité, and challenge what we consider to be a false discourse on the notion of Americanization
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Charollois, Louis. "Mémoires d'homme d'état américains : mémoire de l'Amérique ?" Bordeaux 3, 2009. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2011BOR30039.
Full textAbstract:
Les mémoires d’hommes d’État américains sont devenus au cours du XXe siècle une véritable pratique institutionnelle et des succès de librairie incontestables. L’étude des mémoires nous amènera à nous demander s’il existe une homologie entre les mémoires des présidents et la « mémoire » de l’Amérique. Notre étude se porte essentiellement sur quatre ouvrages : deux rédigés par des présidents Républicains : Richard Nixon et George H. Bush et deux produits par des hommes d’État Démocrates : Lyndon B. Johnson et Jimmy Carter et appelle trois parties : dans un premier temps, il est question des similitudes et constantes entre ces ouvrages. Notre seconde partie aborde la question des divergences entre les différents mémoires : ces divergences apparaissent tant sur la forme que sur le fond : ainsi, alors que certains hommes d’État évoquent l’ensemble de leur vie depuis leur enfance, d’autres se focalisent exclusivement sur leurs années passées à la tête du pays. Notre troisième et dernière partie vise à mettre en perspective la portée historique des mémoires : les mémoires sont souvent cités par des historiens et leur valeur est souvent reconnue. Aussi convient-il d’étudier et de souligner le cas échéant les efforts d’objectivité de leurs auteursOver the 20th Century, the memoirs of American Presidents have turned into a political common practice as well as unquestioned best sellers. The study of the memoirs will bring the question of the existence of a special link between the memoirs of American statesmen and the memory of America. We will mainly study four memoirs : two books drafted by Republican Presidents : Richard Nixon and George H. Bush and two others written by two Democrats: Lyndon B. Johnson and Jimmy Carter. Three parts will be needed : our first part will examine the permanent traits and similitudes between the memoirs. The second part will deal with the differences between the various books , which tend appear in the literary form as well as the content of the message delivered: some writers tell about their whole life starting from their childhood whiles others only explain the years spent as a political leader. The third and last part will examine the historical perspective of the memoirs: even if some historians tend to question the validity of such books, other political observers rely on them and the effort made by the writers to deliver proper and quite objective messages have to underlined
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Schultze, Marie-Laure. "Une lecture d'un genre, l'heroïc fantasy : Royaume-Uni, Etats-Unis, 1932-1982." Bordeaux 3, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR30067.
Full textAbstract:
Peut-on determiner les caracteristiques qui font de l'heroic fantasy un genre a part entiere ? l'heroic fantasy, litterature de l'imaginaire apparue a la fin du 19eme siecle et depuis trente ans en plein essor,releverait du merveilleux litteraire. Son ancetre le plus direct serait la romance medievale, mais elle emprunterait egalement des traits a l'epopee(pour son sous-genre la sword-and-sorcery)et au conte (pour la high fantasy). Les heros qu'elle propose s'apparentent a des heros tragiques et sadiques (en sword-and-sorcery) ou bien comiques et masochistes (high fantasy). Destinee a des adolescents ou a des jeunes adultes, elle favoriserait la maturation psychique de ceux-ci, et pour cela retrouverait les composantes traditionnelles des rites initiatiquesConsidering heroic fantasy as a genre, how can it be defined? medieval romances, epics and fairy tales are among its ancestors. Its heroes are either tragic sadists or comic masochists. Read by teenagers and young adults, heroic fantasy may help them to become more mature; consequently, the stories that it tells can be compared to initiatory rites
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Crignon, Cyril. "Le "dripping" de Jackson Pollock et le "zip" de Barnett Newman : les deux pôles de construction du lieu dans la peinture "à l'américaine" : pour une approche philosophique de la question." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010521.
Full textAbstract:
Pour mieux cerner l'optique en laquelle la grande peinture américaine fut élaborée après la Seconde Guerre mondiale , cette étude élargit la focale par l'examen conjoint des œuvres de Barnett Newman et de Jackson Pollock. Sous des aspects contraires, les deux veulent en effet créer chez le spectateur un sens du lieu et lui rendre sensible la constitution de l'espace au lieu de lui en donner des représentations. Rouvrant le débat sur le modernisme entamé par Clément Greenberg, la thèse admet que cette peinture tient sa spécificité de ses réponses à la crise du tableau de chevalet diagnostiquée par le critique, et voit comme elle prend en compte la question de la place du spectateur étudiée par Michael Fried dans la continuité de celui-ci. Elle affirme cela dit la nécessité d'une approche philosophique de la construction picturale du lieu qui soulève des questions touchant à la spatialisation, au passage d'une forme « à priori » de la sensibilité à des formes sensibles, à la position puis à la réforme du sujet dans sa relation avec l'objet. La réflexion part ainsi du kantisme pour en dépasser les cadres stricts, naviguant entre l'idéalisme transcendantal et la phénoménologie. Elle croise les références à Fichte, Husserl et Lévinas avec celles de l'esthétique et de l'histoire de l'art, en prenant soin de les ancrer dans l'analyse d'oeuvres singulières. Elle espère ainsi mieux saisir la façon dont ces œuvres produisent du sens hors des voies de l'iconographie et déterminer les significations historiques qui s'y rattachent. Une définition plus large du modernisme est ici en jeu, ainsi qu'une conception de l'abstraction qui en affirme le socle anthropologique et la fonction cognitive.
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Pavlouskova, Nela. "Réflexion dans le processus créatif : les actes abstraits dans l'œuvre de Cy Twombly." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010505.
Full textAbstract:
Notre travail est une monographie qui pose un aperçu complet sur trois séries de peintures de Cy Twombly appartenant à sa dernière période de création entre les années 2005 et 2011. Il s'agit des séries suivantes : "Bacchus, Psilax et Mainomenos, Camino Real" et "Leaving Paphos ringed with waves". Nous analysons l'ensemble des aspects constitutifs des peintures à partir des observations des œuvres achevées et définissons ainsi leur thème, l'interprétation, les références et le contexte. Nos analyses étant riches en témoignages et en documentations inédites, nous développons le point de vue sur le processus de création afin de déterminer la vision, l'intention et l'expression de l'artiste. Notre travail positionne les séries de peintures dans leur contexte historique relatif à la création de Cy Twombly et définit ainsi l'évolution et l'aboutissement de la période de sa peinture tardive. L'intention de l'artiste et par conséquent le thème étant exprimés par le geste, nous étudions, définissons et démontrons à travers nos analyses des trois séries de peintures deux positions du geste et de sa forme chez Cy Twombly : le geste non figuratif et le geste figuratif.
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Foubert, Jean. "David Lynch et le film noir (1986-1997)." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070049.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet principal d'éclairer le rapport de David Lynch au film noir américain classique et contemporain. Notre analyse porte sur les films "Blue Velvet" (1986), "Twin Peaks : Fire Walk with me" (1992) et "Lost Highway" (1997) ainsi que sur la série télévisée "Twin Peaks" : (1989-91). On y étudie plus particulièrement les stratégies d'appropriation et de subversion des conventions narratives du film noir et on y considère les spécificités et les qualités novatrices du "noir" lynchien. On a ainsi voulu montrer comment, en s'appropriant et en renouvelant le genre hollywoodien du film noir, David Lynch célèbre le potentiel expressif et créatif du cinémaThis dissertation is essentially concerned in exploring the relation of David Lynch to classic and contemporary American film noir. Our analysis bears on the films "Blue Velvet" (1986), "Twin Peaks : Fire Walk With Me" (1992) and "Lost Highway" (1997) as well as on the television series "Twin Peaks" (1989-1991). It focuses on David Lynch's appropriative and subversive strategies of film noir's narratives conventions and it also deals with the specificities and the innovative qualities of his noirs. Our object was to show how, by reappropriating and renewing Hollywood film noir genre, Lynch celebrates the expressive and creative potential in the cinematographic discourse
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Monnanteuil, François. "Thomas Jefferson et la France." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040069.
Full text
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Mouëllic, Gilles. "Jazz et cinéma : convergences esthétiques." Rennes 2, 1999. http://www.theses.fr/1999REN20009.
Full textAbstract:
Le jazz est ne de la rencontre de deux cultures, l'une africaine, réputée plus spontanée, l'autre occidentale, fondée sur l'idéalisme hérite de la Grèce classique. Folklore néo-orléanais au début du XXe siècle, il s'est universellement impose comme un art grâce a l'éclosion de moyens techniques nouveaux. Parmi ceux-ci, le cinéma joue un rôle déterminant. Présence des musiciens dans les salles et sur les écrans du muet, influence du swing et des big bands sur les genres majeurs du cinéma américain des années trente et quarante, jusqu'a la création d'un jazz hollywoodien qui s'impose dans la décennie suivante : le septième art, qui refuse aux grands créateurs de couleur une reconnaissance qui fait encore aujourd'hui défaut, ne cesse de se nourrir de cette esthétique nouvelle qui marque peu a peu de son empreinte tous les arts de son siècle. Tandis que le cinéma des noirs américains, longtemps aussi marginal que passionnant, tente de rendre justice au jazz, quelques cinéastes blancs revendiquent bientôt cette musique comme modèle. C'est le cas de John Cassavetes dans son premier film, Shadows (1959) ou deux esthétiques, celle du jazz et celle du cinéma, parviennent enfin à se rencontrer. D'autres metteurs en scène, s'inspirent eux aussi, consciemment ou non, du jazz Shirley Clarke aux Etats-Unis, mais egalement, en Europe, Jean-Luc Godard ou Jean Rouch. La plupart de ces rencontres fructueuses ont lieu a la fin des annees cinquante, dans des oeuvres qui marquent une volonte de faire du cinema autrement. Pour Gilles Deleuze, ces années sont celles ou, dans le cinéma, le renversement entre l'image-temps et l'image mouvement devient parfaitement visible. Que le jazz moderne y soit présent a ce moment ne relève pas du hasard : les grands musiciens tentent eux aussi de subordonner le mouvement au temps. Conquérir un nouvel espace : telle est alors l'ambition que le jazz et le cinéma partagent avec les courants les plus novateurs de l'art contemporainJazz was born out of the meeting of two cultures, African culture, supposedly more spontaneous, and western culture, founded on the idealism inherited from classical Greece. What was New Orleans folk music at the beginning of the 20th century became universally known as an art form through the use of new technical developments, including the cinema, which played an important role in this movement. With the presence of musicians in movie theatres and on silent film screens, the influence of swing and the big bands on the major American cinema genres during the nineteen thirties and forties, and the creation of Hollywood jazz which took over during the following decade, film making was permanently inspired by the new aesthetic which gradually left its mark on all aspects of the arts this century while at the same time and even up to the present refusing to recognize the great black film directors. While black American cinema, marginal but fascinating, tried to give jazz its rightful place, a few white film makers began to take this music as a model. This is the case for John Cassavetes in his first film Shadows (1959) where two aesthetics, jazz and the cinema, came together at last. Other directors became inspired, consciously or not, by jazz: Shirley Clarke in the US, but also Jean-Luc Godard and Jean Rouch in Europe. Most of this activity took place in the late nineteen fifties in works marked by the desire to work differently in film making. For Gilles Deleuze it was during those years that the reversal between "time-image" and "movement-image" became perfectly visible. If modern jazz was present at that time, it was no accident: great musicians were also trying to subordinate movement to time. Conquering a new space: that was then the joint ambition of jazz and the cinema, found also in the most innovating currents in
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Hutchins-Viroux, Rachel. "Nationalisme et identité nationale dans les manuels d'histoire américaine de l'enseignement primaire au Texas : 1982-1997." Nancy 2, 2005. http://www.theses.fr/2005NAN21027.
Full textAbstract:
Les manuels scolaires d'histoire construisent et véhiculent une version officielle du passé de la nation et constituent ainsi des objets de grande polémique. L'examen des ouvrages du primaire adoptés par l'Etat très influent du Texas en 1982 et en 1997 révèle l'évolution de la représentation de l'identité américaine et de l'écriture de l'histoire nationale à la suite des mouvements multiculturalistes des années1960 et 1970 et de la réaction conservatrice et des "guerres culturelles" des années 1980 et 1990. Notamment, on constate que la sensibilité multiculturaliste est tempérée par la prédominance persistante d'une vision traditionaliste qui ne peut admettre l'importance du racisme dans le passé américain et qui exige la glorification de la nation et l'inculcation du patriotisme. Cette thèse analyse les effets des tensions émanant des débats autour de l'identité nationale et du nationalisme dans les années 1980 et 1990 en s'appuyant sur le texte et les images des manuels scolairesHistory textbooks construct and transmit an official version of a nation's past, and as such are highly contested political terrain. An examination of the textbooks that were adopted for use in primary education by the very influential state of Texas in 1982 and 1997 reveals the evolution of the representation of American identity and the way in which American history was written following the multiculturalist movements of the 1960s/1970s and the conservative backlash and the "culture wars" of the 1980s/1990s. Notably, multiculturalist viewpoints are attenuated in the world of public primary education by the persistent predominance of a traditionalist vision which refuses to recognize the significance of racism in the American past, and which demands the glorification of the nation and the inculcation of patriotism. This thesis analyzes the effects of these tensions on the books' text and iconography in light of the debates concerning identity and nationalism in the 1980s and 1990s
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Dryansky, Larisa. "Déplacements : les usages de la cartographie et de la photographie dans l'art américain des années 1960 et du début des années 1970 : les cas de Mel Bochner, Douglas Huebler, Dennis Oppenheim, Ed Ruscha et Robert Smithson." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010557.
Full textAbstract:
A travers les cas de cinq artistes (Mel Bochner, Douglas Huebler, Dennis Oppenheim, Ed Ruscha et Robert Smithson), il s'agit, dans cette étude, de rendre compte de la diversité et de la complexité des usages de la cartographie et de la photographie dans l'art américain des années 1960 et du début des années 1970, une période marquée par la remise en question de la définition formaliste de l’œuvre d'art. Loin de n'avoir, dans ce contexte, qu'une fonction documentaire - interprétation qui a prévalu jusqu'ici -, cartes et photographies, ainsi que nous le démontrons, jouent un rôle fondamental dans l' exploration de modalités différentes de la perception et la recherche de voies nouvelles pour l'art. Dans la première partie de la thèse, nous examinons comment le recours à la cartographie et au médium photographique s'articule à la problématique de la réintroduction de la temporalité dans les oeuvres d'art qui est au cœur de la crise du modèle moderniste. Dans un deuxième temps, nous traitons de la relation au paysage en montrant en quoi cartes et photographies participent d'une réflexion sur la redéfinition de l' abstraction en lien avec le réel. La troisième partie porte sur les façons dont les techniques et les représentations cartographiques et photographiques servent à interroger les conceptions habituelles de l'espace, et ce à un moment où l'art investit de nouveaux sites. Nous envisageons de la sorte tant les usages conceptuels que matériels de la cartographie et de la photographie.
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Paquereau, Marine. "Le réalisme social américain à l'ère postmoderne : (Russell Banks, Raymond Carver, Richard Ford)." Thesis, Dijon, 2015. http://www.theses.fr/2015DIJOL017/document.
Full textAbstract:
Cette étude se penche sur les œuvres de Russell Banks, Raymond Carver et Richard Ford, qui ont débuté leur carrière dans les années 1960-1970. À une époque où les milieux académiques s’intéressent davantage à l’autoréflexivité et aux jeux métafictionnels des écrivains postmodernes, les trois auteurs revendiquent, quant à eux, leur appartenance à la tradition réaliste. Dans « Quelques mots sur le minimalisme », John Barth suggère que le retour du réalisme social à partir des années 1970 peut être vu à la fois comme une réaction à la fiction dite « postmoderne » et comme un symptôme du malaise social et économique de l’époque. En effet, Cathedral, Continental Drift et The Sportswriter décrivent, dans un souci de vraisemblance et d’exactitude, la vie quotidienne d’Américains ordinaires malmenés par la politique de Reagan. Cette étude montre que les trois auteurs s’inscrivent dans la tradition du réalisme social, mais qu’ils sont influencés par le contexte postmoderne dans lequel ils écrivent et tiennent compte des problèmes de représentation typiques de cette période. Leurs œuvres sont donc marquées par une tension entre le respect des conventions littéraires propres à la tradition réaliste et la mise en évidence de l’artificialité de l’illusion mimétique, à une époque où la réalité elle-même est vue comme une construction linguistiqueHis study focuses on the works of Russell Banks, Raymond Carver and Richard Ford. They started writing during the 1960s and 1970s, at a time when the self-reflexivity and metafictional play of postmodernist writers were drawing a lot of critical attention in academic circles. However, they consider themselves to be realist writers. In “A Few Words about Minimalism,” John Barth suggested that the return to realist fiction in the mid-1970s could be both a reaction against so-called “postmodernist” fiction and a symptom of the social and economic unease of the period. Indeed, Cathedral, Continental Drift and The Sportswriter describe in accurate detail the everyday lives of ordinary American men and women during Reagan’s presidency. This study demonstrates that these authors are part of the American realist tradition, but that their strand of social realism also takes into account the postmodern context in which they write, by dealing with problems of representation that are typical of the period. Their works both use and challenge the literary conventions associated with the realist tradition, by underlining the artificiality of mimetic illusion at a time when reality itself is seen as a linguistic construct
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Boutet, Marjolaine. "L'identité américaine face à la guerre (1898-1991) : étude de l'évolution des récits des guerres étrangères dans les manuels d'Histoire des Etats-Unis à destination du secondaire." Paris, Institut d'études politiques, 2009. http://www.theses.fr/2009IEPP0033.
Full textAbstract:
Cette thèse, qui appartient au champ de l’histoire des représentations, de l’histoire culturelle et de l’histoire sociale des Etats-Unis, analyse l’évolution du récit des guerres menées par les Etats-Unis à l’étranger entre 1898 et 1989 (la guerre hispano-américaine, la Première Guerre mondiale, la Seconde Guerre mondiale, la guerre de Corée et la guerre du Vietnam) au sein d’un corpus de 145 manuels d’Histoire à destination des élèves du secondaire publiés aux Etats-Unis entre 1901 et 1991. Au sein de ces récits de l’histoire nationale, le récit des guerres qui ont ponctué l’histoire des Etats-Unis entre 1898 et la fin de la Guerre froide, de l’affirmation des Etats-Unis comme puissance mondiale à l’apogée de cette puissance, permet de comprendre la spécificité et l’évolution de l’identité américaine au cours du vingtième siècle, en croisant l’évolution de la pédagogie, les débats au sein de l’opinion publique,l’historiographie anglo-saxonne de ces cinq guerres et l’analyse du contenu des manuels. De 1898 à 1917, les manuels d'Histoire sont les véhicules d'un patriotisme confiant. De 1918 à 1939, ils reflètent les relations complexes entre l'Europe et les Etats-Unis. De 1940 à 1964, ils témoignent de la lutte idéologique des Etats-Unis contre les fascismes (jusqu’en 1946), puis le communisme (à partir de 1947). De 1965 à 1979, ils restent quelque peu à l’écart des bouleversements culturels et sociaux de la période. Dans les années 1980, ils témoignent de l’acceptation du nouveau consensus multiculturel aux Etats-UnisThis Ph. D belongs to the fields of American studies, cultural studies, social history and mentality history. It analyses how the war narratives have evolved throughout the twentieth century in 145 American History textbooks for secondary schools published between 1901 and 1991, focusing on 5 foreign wars in which the United States have fought : the Spanish-American War, the two World Wars, the Korean War and the Vietnam War. Indeed, within the story of the building of the American nation, the narratives of foreign wars fought from the advent of the U. S. As a world power to the apogee of their power at the end of the Cold War help to understand the specificities and the evolution of the American identity throughout the twentieth century by studying the pedagogical debates, the evolution of public opinion, the one of historiography and analyzing the content of these textbooks. From 1898 to 1917, American History textbooks are vehicles of a proud and confident patriotism. From 1918 to 1939 they mirror the complex and strained relationship between Europe and the United States. From 1940 to 1964, they are ideological weapons against fascism (until 1946), and then against communism (from 1947 on). From 1965 to 1979, American History textbooks remained relatively silent on the major cultural and social issues of the 60s and 70s. In the 1980s, they portray the new multicultural consensus on American identity
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Oudart, Clément. "Les métamorphoses du modernisme de H.D. à Robert Duncan : vers une poétique de la relation." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00947767.
Full textAbstract:
Cette thèse explore le fonctionnement de la poésie moderniste américaine sous l'angle de la relation. Critiquant la rhétorique de la rupture généralement associée à l'esthétique des avant-gardes modernistes, notre parcours suit la ligne sinueuse de la poétique de la relation de H.D. [1886-1961] à Robert Duncan [1919-1988]. Loin de tracer une trajectoire chronologique entre ces deux points, qui ne sont pas envisagés comme les œuvres-limites d'un nouveau canon, cette étude a pour point central The H.D. Book. La poésie dite de l'après-guerre émerge comme celle d'un perpétuel entre-deux-guerres, et sa postmodernité, comme une illusion. L'analyse montre que le passage du modernisme historique à son avatar métamoderniste s'effectue par la reconfiguration du mode disjonctif en mise en relation. Ligne fuyante du modernisme, la relation Duncan-H.D. est une utopie. C'est pourquoi elle permet sa critique. Celle-ci implique le passage d'une politique individuelle de l'invention [Pound, Eliot...] à une éthique de l'écriture. Cette aventure, fondée sur des échanges poétiques et épistolaires publiés et inédits, passe par Eliot, Pound, Levertov, Olson et Creeley, mais aussi par Mallarmé, Baudelaire, Valéry ou encore Deleuze, Meschonnic et Glissant. Du H.D. Book à Ground Work, comme de Hymen à Trilogy, la philosophie du devenir, qui s'étend de l'héraclitéisme à la relation d'Édouard Glissant, en passant par le flux bergsonien et par l'empirisme radical de Williams James, offre un cadre conceptuel propre à rendre compte de l'écriture comme processus, de l'espace poétique comme champ de composition, du texte comme système complexe et du poème comme projet.
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Guerrero, Victoria. "Roberto Matta Echaurren : sa période new-yorkaise, 1938-1948." Master's thesis, Université Laval, 1993. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33527.
Full textAbstract:
Par l'analyse des tableaux et de sa propre théorie de 1938 à 1948 nous proposons une nouvelle exégèse de l'oeuvre de Roberto Matta Echaurren. Cette période se déroule principalement à New York devenue la nouvelle capitale de l'art. Un contexte particulier d'inquietude par rapport au destin de l'humanité et à la fois d'une grande prospérité économique précisaient les bases de la grande période de l'École de NewYork. Les écrits des notables critiques d'art de l'époque et le passage brusque à une nouvelle iconographie, de la part de Matta, nous montrent deux manifestations opposées de l'art. D'une part, une esthétique d'autosatisfaction et de l'autre, l'art engagé.Montréal Trigonix inc. 2018
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Riaudel, Michel. "Intertextualité et transferts (Brésil, Etats-Unis, Europe) : réécritures de la modernité poétique dans l’œuvre d’Ana Cristina Cesar (Rio de Janeiro, 1952-1983)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100096.
Full textAbstract:
Ana Cristina Cesar (Rio de Janeiro, 1952-1983) a fait de son œuvre poétique un carrefour de la littérature moderne et contemporaine en citant, détournant, traduisant, imitant, de façon plus ou moins clandestine, ses auteurs de prédilection, d’expression lusophone, anglaise, française, espagnole : W. Whitman, E. Dickinson, K. Mansfield, T. S. Eliot, R. Lowell (marchant sur les traces de ses Imitations), C. Baudelaire, S. Mallarmé, H. Michaux, Manuel Bandeira, Mário de Andrade, Jorge de Lima, Otavio Paz… L’étude vise à analyser les modalités de ces rencontres intertextuelles, à partir notamment d’un examen de ses lectures et de ses manuscrits. Toutefois, bien au-delà de ces constats, son vif intérêt pour la traduction et les jeux interlinguistiques, dont témoignent entre autres son activité de traductrice et son titre de Master of Arts sur la traduction littéraire obtenu en 1980 à l’Université d’Essex (Angleterre), permet de problématiser les convergences et divergences agissant dans les processus de lecture et d’écriture, d’herméneutique et de création. Ces formes d’écritures secondes mettent en jeu des effets de transferts culturels et poétiques, des mécanismes de répétition et de différence, des glissements métonymiques. Ressurgissent ainsi de façon très singulière et à travers un traitement fort original des problématiques au cœur de la modernité poétique, comme l’inscription du sujet lyrique, le rapport dialogique au lecteur, l’articulation du corps et du signifiant. Ce travail de poésie comparée éclaire par ailleurs un moment très particulier de l’histoire de la poésie brésilienne, qui semble s’émanciper alors d’une sorte de complexe postcolonialAna Cristina Cesar (Rio de Janeiro, 1952-1983) made of her poetical work a crossroad of modern and contemporary literature by quoting, diverting, translating, imitating, in a more or less clandestine way, her favourite authors of Lusophone, English, French or Spanish expression: W. Whitman, E. Dickinson, K. Mansfield, T. S. Eliot, R. Lowell (following the steps of his Imitations), C. Baudelaire, S. Mallarmé, H. Michaux, Manuel Bandeira, Mário de Andrade, Jorge de Lima, Octavio Paz… This study aims at analysing the modalities of these intertextual encounters, notably by an examination of her readings and manuscripts. Nonetheless, far beyond these statements, her sharp interest for translation and interlinguistic puns, as is testified by her activity as a translator and her Master of Arts in literary translation obtained in 1980 at the University of Essex (United Kingdom), allows us to problematize the convergences and divergences operating in the processes of reading and writing, hermeneutics and creation. These forms of secondary writing bring about effects of cultural and poetical transfers, mechanisms of repetition and difference, metonymic shifts in meaning. Thus, some of the problematics at the core of poetical modernity re-emerge in a very singular manner: the defining of the lyric subject, the dialogical relationship to the reader, the link between body and signifier. This study of comparative poetry casts a light on a very peculiar moment in Brazilian poetry, which seems here to emancipate itself from a sort of postcolonial complex
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Rivière, Nathalie. "Le cinéma américain de science-fiction de 1968 à 2001 : prospective et perspectives." Caen, 2007. http://www.theses.fr/2007CAEN1474.
Full textAbstract:
D’où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ? Ces trois questions existentielles sous-tendent le film de Stanley Kubrick, 2001, A Space Odyssey. Ce récit résume un siècle de science-fiction à travers ses thèmes majeurs comme la conquête de l’espace, la recherche d’une intelligence non terrestre, la technologie, la robotisation, le désir de surpasser le créateur qu’il s’agisse de l’homme ou de Dieu lui-même, ou encore la solitude de l’homme face à l’immensité de l’univers. L’homme est le sujet de 2001, A Space Odyssey. De ses origines à son avenir, Kubrick nous montre son évolution. Plus largement, il nous parle de la vie, celle que l’homme pourrait rencontrer dans l’espace, ou celle qui pourrait venir à lui, sur la Terre. 2001, A Space Odyssey, récit moderne, pose ainsi, dès 1968, les fondements de la science-fiction contemporaine. C’est pourtant moins par sa thématique métaphysique que par sa maîtrise cinématographiques et les technologies dont il use que Stanley Kubrick frappe le public et la critique. Il marquera ainsi la génération de cinéastes apparus dans les années 70 parmi lesquels Lucas, Spielberg, Dante, Gilliam ou Cameron, de même que la suivante, celle des années 90, à laquelle appartiennent Del Toro, Niccol, Natali, Jackson, les frères Wachowski. Avec ces cinéastes, c’est aussi l’infographie qui a intégré le cinéma. L’image et l’imagination n’ont désormais plus de limites. Le cinéaste est devenu un infographiste. L’image de synthèse est devenue nécessaire à la pré production comme au financement du film. Influencés par l’oeuvre de Kubrick, les écrivains ont, à leur tour, donné un nouveau souffle à la science-fiction. Avant les années 60, ce que l’on pouvait encore appeler des sous-genres comptaient déjà la fantasy, l’utopie, le space opera et l’anticipation. Dans les années 70, de nouveaux motifs apparaissent parmi lesquels l’écologie, l’informatique, la musique qui vont conduire, dans les années 80-90, à l’éclosion de nouvelles tendances, ou plus exactement de nouvelles mouvances tant elles évoluent, telles que le cyberpunk, le Steampunk, la hard science, la speculative fiction… Mais ce qui apparaît surtout à travers cette étude, c’est que la science-fiction, qu’elle évoque un passé qui aurait pu être, un présent alternatif, ou un futur hypothétique, parle de l’homme, de ses préoccupations, de ses désillusions et de ses espoirs, dans son présent et dans sa réalité.
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Andréolle, Donna. "Dialectique idéologique et sociale dans la science fiction féminine aux Etat-Unis, 1966-1996 : querelles du présent, utopies du futur." Grenoble 3, 1998. http://www.theses.fr/1998GRE3A002.
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Roy, André. "LE «DRAME HUMAIN» CHEZ POLLOCK ET ROTHKO Authenticité, subjectivité et quête existentielle dans la peinture abstraite américaine du milieu du 20e siècle." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27846/27846.pdf.
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Maho, Jonathan. "Regards sur l'oeuvre de Robert Mapplethorpe : réception au-delà des Culture Wars (1970-2010)." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC052.
Full textAbstract:
Notre étude a pour objet la réception de l'oeuvre de l'artiste américain Robert Mapplethorpe (1946-1989). Par l'examen des expositions et des publications, elle permet de retranscrire l'évolution du discours critique. Ce dernier est considéré pour ses lacunes dans le contexte polémique des Culture Wars — conflit latent marqué par des batailles idéologiques opposant conservateurs et libéraux aux États-Unis. Dans une première partie, nous proposons de dé-contextualiser la réception de l'oeuvre en montrant que la censure, souvent comprise comme une conséquence de la controverse à laquelle l'artiste est associé, doit être considérée comme étant au centre de ses préoccupations et ce, dès les années 1970. Nous montrons notamment que le contenu de ses travaux et de ses expositions a été soumis à de multiples contraintes pendant toute sa carrière. Nous offrons ensuite dans la partie suivante la possibilité d'étudier la part de l'oeuvre la moins connue afin de faire émerger des principes clefs, négligés dans les études portées par une approche formaliste. Après avoir critiqué cette approche conventionnelle (interprétée ici comme le coeur du problème dans la réception de l'oeuvre), nous proposons dans la troisième partie des arguments inédits permettant de mettre en valeur le contenu des travaux. Notre méthode pluridisciplinaire permet plus généralement de valoriser l'étude des archives personnelles de l'artiste, peu exploitées jusqu'iciOur study takes as its object the reception of Robert Mapplethorpe's work. By examining exhibitions and publications, it retraces the evolution of the critical discourse. The latter is considered for its deficiencies with regards to the polemical context of the Culture Wars — a latent conflict characterized by a series of ideological, disputes between conservatives and liberals in the United States. In the first part, we work to decontextualize the reception of Mapplethorpe's work, showing that censorship, often seen as a consequence of the controversy with which the artist has been involved, must be understood, as of the 1970s, to have been a central theme of his work. We notably demonstrate that the content of his art and exhibitions has been shaped by multiple constraints during the entirety of his career. In the second part, we offer an opportunity to study the lesser-known of his works, revealing key principals that have been neglected in studies conducted with a formalist approach. After having criticized this conventional approach (understood here to be the main problem in the reception of his oeuvre), we propose, in a third part, novel arguments that make it possible to focus on the works' content. More generally, our transdisciplinary method makes it possible to value the artist's personal archives, which have been largely underexplored in existing research
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Pecorari, Marie. "Le Théâtre de Charles Ludlam (1943-1987)." Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040194/document.
Full textAbstract:
Cette monographie sur l’œuvre théâtrale de Charles Ludlam (1943-1987), dramaturge, comédien, metteur en scène et directeur de la Ridicoulous Theatrical Company (1967-1987) à new york, s’attache à mettre en valeur le fonctionnement poétique des pièces. A partir de l’étude de la réception, des archives et des commentaires de Ludlam, et surtout, des pièces elles-mêmes, il s’agit de réexaminer la validité des jugements critiques portés sur l’œuvre, qui n’a pas fait l’objet de réévaluation sérieuse depuis le contexte immédiat de la création des pièces. Prenant nos distances avec les classifications habituelles du dramaturge (théâtre gay, théâtre de divertissement, théâtre parodique), nous montrons que la compréhension de l’œuvre de Ludlam ne peut avoir lieu sans une confrontation à la tradition de la pensée du théâtre occidental. Ludlam entretient ainsi un rapport ambigu et ambivalent au milieu de l’avant-garde dans lequel il s’inscrit, qui explique en partie les contresens dont il a été victimeThis monograph on the theatrical works of Charles Ludlam (1943-1987), playwright, actor, director and founder of the Ridiculous Theatrical Company (1967-1987) in New York City, aimes at exploring the poetic underpinnings of the plays. Based on the study of the works’ reception, of Ludlam’s archive an down commentaries, and above all, of the plays per se, our purpose was ton reexamine the validity of the critical judgements on works which have note been seriously reconsidered since their original opening. Distancing ourselves from the usual labels attached to the playwright (gay theatre, entertainment, parody) we show that any real understanding of Ludlam ought to rely on an confrontation with the tradition of and reflection on western theatre practices. Ludlam thus enjoyed an ambiguous and ambibalent relationship with the avant-garde milieu of which he was part, which accounts in part for the misundersandings to which his work has fallen prey
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Encrevé, Lucile. "Brice Marden, opacité et transparence." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040159.
Full textAbstract:
L'œuvre de l'artiste abstrait américain Brice Marden, né en 1938, est constitué de deux parties distinctes en apparence: des peintures à panneaux monochromes et des tableaux parcourus de lignes, qu'annonçaient, plus tôt dans sa carrière, des œuvres sur papier. Il est en réalité très cohérent, soumis à l'opacité comme à la transparence. Si cette dernière est une tentation, l'opacité triomphe toujours. Deux gestes de l'artiste sont essentiels à cet égard: le recouvrement et l'effacement. Ses œuvres, dont les titres font référence au réel ou à l'histoire de l'art dans son ensemble mais dont les sujets sont d'abord la mort, la mélancolie, la mémoire et la présence, interrogent les possibilités de la peinture abstraite et affirment sa vitalitéThe work of the American abstract artist Brice Marden, born in 1938, is made up of two parts outwardly distinct: paintings with monochromatic panels and pictures with a network of lines, which earlier works on paper announced. It is actually very coherent, subjected to opacity and to transparency alike. If the latter is a temptation, the opacity is always triumphant. Two actions of the artist are essential in connection with that: recovering and erasing. His works, whose titles refer to reality or to the whole art history but whose real subjects are death, melancholy, memory and presence, question the possibilities of abstract painting and declare its vitality
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Zeis, Vincent. "Stuart Heisler : un kaléidoscope hollywoodien." Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMC006.
Full textAbstract:
Stuart Heisler est un réalisateur américain travaillant dans le contexte des grands studios reposant sur une division en genres et sur des acteurs constituant des modèles pour les spectateurs et servant à attirer les foules dans la période allant des années 1930 aux années 1960. L’esthétique propre des films de Stuart Heisler sera étudiée dans ses détails à travers l’analyse filmique, dans une approche stylistique de la carrière du cinéaste, mais aussi en rapport avec la signification globale des films en rapport avec leur narration, le jeu de leurs acteurs et leur utilisation des décors. Les rapports entre cette esthétique et le mode de production des films peuvent être considérés comme la conséquence directe des modes de fabrication de la production hollywoodienne. Alors, comment caractériser ces évolutions conjointes ? Elles concernent à la fois le cinéaste et son contexte de production à travers le temps dans une perspective historiographique. L’étude combinera ainsi une approche stylistique et une approche historiographique de la carrière de Stuart Heisler. Caractériser ces évolutions permettra de comprendre les différentes facettes de la pratique du réalisateur, sa manière de création cinématographique pour chaque film, et enfin de faire le portrait artistique du réalisateur à travers sa pratique à l’intérieur du système de production dans lequel il s’inscrit. L’étude permettra de brosser le portrait artistique de Stuart Heisler à partir de son insertion dans plusieurs contextes de production correspondant à l’évolution conjointe de la carrière du cinéaste et des structures de production. Il s’agira de définir les formes et les modalités de la coalescence esthétique particulière du style du réalisateur, partant de sa situation de monteur durant les années 1920 et 1930 lors de ses débuts de carrière avant la réalisation à proprement dit. L’influence de ses collaborateurs sur Stuart Heisler sera étudiée avant le passage du réalisateur à la réalisation en 1936. Ce dernier va vers plus d’indépendance en 1944 et 1945 alors que sa volonté personnelle reste encadrée par la production. Stuart Heisler va vers la situation d’un réalisateur développant un style particulier durant les années 1940 et 1950 autour de la figure filmique. La figure centrale de l’incendie repose sur le pro-filmique détruit. La figure de l’incendie est également en rapport avec l’éclatement, puis se retrouve lors la réalisation de télévision durant les années 1950 et 1960. Le réalisateur se tourne vers la réalisation de télévision dans les années 1950-1960. La familiarité du cinéaste avec son travail se retrouve dans la série télévisée. Le travail étudiera finalement les influences suscitées par le style de Stuart HeislerStuart Heisler is an American director working in the context of major studios based on a division into genres and on actors constituting models for spectators and used to attract crowds in the period from the 1930s to the 1960s. Films by Stuart Heisler will be studied in detail through film analysis, in a stylistic approach of the filmmaker’s career, but also in relation to the global meaning of the films in relation to their narrative, the acting and their use of sets. The relationship between this aesthetic and the films’ modes of production of the can be considered as a direct consequence of Hollywood’s modes of production. So, how to characterize these joint evolutions? They concern both the filmmaker and his production context through time in a historiographical perspective. The study will combine a stylistic and a historiographic approach of Stuart Heisler’s career. Characterizing these evolutions will make it possible to understand the different facets of the director's practice, his manner of cinematographic creation for each film, and finally to make the artistic portrait of the director through his practice within the production system in which he is working. The study will paint the artistic portrait of Stuart Heisler through his insertion in several contexts of production corresponding to the joint evolution of the filmmaker’s career and his production structures. It will define the forms and the modalities of the particular aesthetic coalescence of the director's style, starting from his position as editor during the 1920’s and 1930’s during his career beginnings before the actual directing. The influence of the different collaborators have on Stuart Heisler will be studied before the passage from editing to directing in 1936. Heisler goes towards more independence in 1944 and 1945 whereas his personal will remains framed by the production. Stuart Heisler goes to the situation of a director developing a particular style during the 1940s and 1950s centered around the filmic figure. The central figure of the fire is founded on the destruction of the pro-filmic. The figure of the fire is also related to the figure of bursting and is visible for television production during the 1950s and 1960s. The director is turning towards television in the 1950’s and 1960’s. The filmmaker's familiarity with his work is reflected in the television series. The work will finally study the works inspired by Stuart Heisler's style
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Labarre, Nicolas. "Du Kitsch au Camp : théories de la culture de masse aux Etats-Unis, 1944-1964." Phd thesis, Université Rennes 2, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00189960.
Full textAbstract:
Les théories de la culture de masse sont durant vingt ans un enjeu essentiel pour les intellectuels américains, qui cherchent à construire un modèle rendant compte des dangers esthétiques mais aussi sociaux des contenus culturels diffusés par les médias de masse. Influencés par les théories de l'Ecole de Francfort mais développant une pensée indépendante, les intellectuels américains et en particulier le groupe des New York intellectuals se livrent par revues interposées à un long dialogue, qui prend fin brusquement au début des années soixante. Cette recherche reconstitue l'histoire de cette pensée aux Etats-Unis, depuis sa formulation condensée par le journaliste Dwight Macdonald dés 1944, dans un article retentissant ("A Theory of Popular Culture"), jusqu'à sa disparition deux décennies plus tard, consacrée par la publication simultanée du Understanding Media de Marshall McLuhan et des "Notes on Camp" de Susan Sontag. Il s'agit également de tester le domaine de validité de ces théories en les confrontant à un objet culture supposé de masse, les comic books. Deux ambitions sous-tendent cette recherche : reconstituer le débat dans sa complexité en interrogeant les textes clés, mais aussi identifier les facteurs endogènes et exogènes ayant mené à la désaffection rapide pour cette idée. Une attention particulière est accordée à deux passerelles entre l'activité intellectuelle et le grand public, d'une part l'influent recueil Mass Culture, the Popular Arts in America, publié en 1957, et de l'autre son pendant Culture for the Millions?, publié quatre ans plus tard.
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Santana, Maria do Rosário da Silva. "Elliott Carter : le rapport avec la musique européenne dans le domaine du rythme et du temps." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040049.
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Elliott Carter est l'un des compositeurs des plus remarquables du 20eme siècle aux États-Unis. Le modernisme de son œuvre se révèle non seulement par les structures rythmiques et temporelles très complexes mais aussi par des structures harmoniques et mélodiques très singulières. En 1945, il définit les fondements de son écriture musicale dans les domaines du rythme et du temps, et sa carrière prend un nouveau départ. Le quatuor à cordes n. 1 [1951] en marquera un sommet, mais carter ne cessera jamais de surprendre. L'objet de cette thèse est de déterminer comment les compositeurs européens ont influence Elliott Carter rythmiquement et temporellement. Pour répondre à cette question nous avons étudié l'évolution de Carter dans le domaine de la composition musicale au moyen des plus marquantes de ses œuvres en les comparant à celles de plusieurs compositeurs européens. Nous avons choisi les œuvres en fonction de leurs caractéristiques, leurs particularités et leurs procédés de composition dans les domaines du rythme et du temps. Nos analyses sont orientées vers ces deux axes essentiels de notre thèseElliott carter is one of the most important composer in USA. His concept on rhythms, tempo, harmony and melody is one of the most important contribute to the music in this century. It starts at 1945 with sonata for piano his research on rhythms and tempo. String's quartet n. 1 [1951] is one of the most representative works on these concepts. This thesis wants to demonstrate the role of the European composers on Carter's language on rhythms and tempo. To answer to this question, we have made several analyses of the most important works of Carter and some of the most important works of European composers. The chosen of these works is found in the criteria of character, particularities and processes of composition on rhythms and tempo. The analysis of these works is make essentially on these characters
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Constantinesco, Thomas. "Ralph Waldo Emerson : l'Amérique à l'essai - lectures de l'oeuvre en prose." Paris 7, 2009. http://www.theses.fr/2009PA070049.
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À sa mort en 1882, Ralph Waldo Emerson fait déjà figure de monument littéraire et de père, fondateur de la culture nationale : de fait, « The American Scholar » (1837) apparaît pour beaucoup comme la « Déclaration d'Indépendance intellectuelle » de l'Amérique. Cependant, si les Lettres contribuent à créer, en Amérique comme ailleurs, la représentation d'un imaginaire commun qui donne corps à l'idée de nation et si, au XIXe siècle, la nation américaine s'invente dans sa littérature, c'est d'abord par le truchement de ses fictions. Or Emerson a toujours manifesté une grande méfiance à l'égard de la fiction, synonyme pour lui d'illusion, affichant sa préférence pour la prose d'idées et notamment l'essai. C'est donc à rebours d'un siècle qui érige le conte, la romance et le roman en genres littéraires autochtones, enfin affranchis de la tutelle des Lettres européennes, qu'Emerson jette son dévolu sur le genre non-fictionnel de l'essai et en fait la forme privilégiée d'un dire américain. Aussi s'agira-t-il de lire les essais d'Emerson comme autant de travaux d'approches d'une Amérique que le texte d'« Expérience » qualifie d'« inapprochable », pour les envisager comme le lieu où s'écrit et se récrit continuellement le contrat social d'une démocratie qui n'a de cesse de remettre en jeu le moment de sa fondation. Ce faisant, il s'agira également de montrer que, malgré l'aversion d'Emerson pour les formes fictionnelles, les essais finissent par s'abandonne au désir de fiction qui les travaille en secret et deviennent ce qu'il appelle des « romances du caractère » où se façonnent, au gré de l'enchaînement des caractères sur la page, les héros représentatifs de l'Amérique à venirUpon his death in 1882, Ralph Waldo Emerson had already become a literary monument and was recognized as a founding figure of American culture. Published in 1837, "The American Scholar" is indeed hailed by many to be America's "intellectual Declaration of Independence. " However, if the "Belles Lettres" did contribute to creating the representation of a common imaginary whereby the American nation could invent itself and if, in the course of the nineteenth century, America wrote itself into existence, such an enterprise remained largely the province of fiction. Yet Emerson was always suspicious of fiction, which for him rhymed with illusion, choosing instead to write non-fictional prose, and more particularly essays. Contrary to some of his contemporaries who turned tales, romances, and novels into indigenous genres, free at last from the shackles of European Letters, Emerson turned towards the genre of the essay and made it one of America's privileged forms of literary expression. This thesis thus offers to read Emerson's essays as so many ways of approaching what "Experience" describes as "this new yet unapproachable America," considering them as the locus where the American democracy repeatedly writes and rewrites its social compact and continuously reinvents itself. By the same token however, and despite Emerson's aversion for fictional forms, the essays yield to the desire for fiction that haunts them in secret and become what he called "romances of character," fashioning the character of America's representative men even as the letters, the characters, take shape on the page
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Zrann, Fatma. "La problématique identitaire dans la photographie noire américaine : de l'identité comme revendication communautaire à l'identité comme principe d'autonomie esthétique." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070112.
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Ce travail est une réflexion sur la problématique identitaire de la production photographique et plus généralement picturale d'artiste noirs. Il s'agit d'interroger les oeuvres de photographes noirs et leurs manières de représenter ou de masquer la réalité africaine américaine. Mon but était d'étudier l'identité noire au sens de l'identité africaine ou d'origine africaine telle que revendiquée par les Noirs Américains et son traitement par les artistes contemporains, en particulier dans les oeuvres de photographes noirs. C'est un questionnement sur l'histoire et le présent, basé sur des images d'archives, des tableaux des photographies et des témoignages divers et croisés partant de faits vécus, historiques ou imaginaires qui offrent une analyse profonde et objective des problématiques complexes liées à l'esclavage, aux discriminations, à l'existence d'une identité noire et à la représentativité des Noirs et des minorités aux États-Unis en général. C'est au final une étude culturelle sur la façon dont l'identité noire prend corps dans des oeuvres très différentes au sein desquelles le photographe met en jeu des motivations personnelles et des problématiques communesThis work is a reflection of the problem of identity in photographic and more generally pictorial production. It questions Black American photographers' works and the way they portray or mask the African American reality. My aim was to study the Black identity in the sense of the African identity or African origin asserted by Black Americans and the way contemporary artists deal with it, especially in the works of Black photographers. It looks at the past and present, using various and overlapping archived images, paintings, photographs and evidence, based on real, historical or imaginary events which give an in-depth, objective analysis of complex problems related to slavery, discrimination, the existence of a Black identity and the portrayal of African Americans and other minorities in the United States in general. In the end, it's a cultural study, which looks at how Black identity takes shape across very different works in which the photographer brings into play persona! motivations and common problems
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Peyroles, Aurore. "Roman et engagement : le laboratoire des années 1930 en Allemagne, aux États-Unis et en France. Autour de November 1918 de Döblin, de USA de Dos Passos et du Monde réel d’Aragon." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040256.
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C’est en réinscrivant la notion d’engagement littéraire dans le contexte des années 1930, qui ont vu son émergence et sa mise en pratique, que nous nous proposons de rendre son caractère opérationnel à une expression trop souvent considérée comme contradictoire ou réductrice. Envisagée à travers des textes qui ont précédé la théorisation sartrienne – Le Monde réel d’Aragon, USA de Dos Passos et November 1918 de Döblin –, la notion d’engagement littéraire rend compte d’une écriture littéraire et d’une ambition politique qui ne se conçoivent que dans le rapport simultané de l’une à l’autre. Élaboré comme une réponse en acte à une situation jugée insupportable, le roman engagé des années 1930 apparaît comme le lieu de reconfigurations multiples : reconfiguration du regard porté sur le monde réel, dont le scandale est révélé en plein par la représentation romanesque ; reconfiguration de la langue de la nation et de l’entreprise narrative, redéfinies par opposition aux mésusages et aux manipulations des adversaires, et ainsi rénovées ; reconfiguration d’un espace politique intrinsèquement démocratique, dont la lecture permet l’expérimentationBy inscribing the notion of literary commitment in the context of the 1930’s, which saw its apparition and its practice, we intend to restore the efficiency of an expression which is too often considered as the difficult conciliation between two areas supposedly antagonistic: politics and literature. Approached through novels which preceded Sartre’s theorization – Aragon’s The Real World, Dos Passos’ USA and Döblin’s November 1918 – the notion of literary commitment accounts for a literary writing and a political ambition which are only conceived in relation with one and another. Written as an answer in action to a situation considered as unbearable, the committed novel of the 1930’s appears as the place where multiple reconfigurations take place: reconfiguration of the perception of the real world, which scandal is revealed by the fictional representation; reconfiguration of the national language and of the narrative process, which are redefined by opposition to the misuses and the manipulations of the opponents; reconfiguration of a political space inherently democratic, experimented in the process of reading itself
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Matar-Perret, Roula. "Substrats, alchimie et révélations : les propositions architecturales de Gordon Matta-Clark." Rennes 2, 2008. http://www.theses.fr/2008REN20026.
Full textAbstract:
Gordon Matta-Clark, figure importante de l’art américain des années soixante-dix, est surtout connu pour ses découpes architecturales spectaculaires. Mais il a également produit un corpus d’œuvres d’une grande diversité : des expérimentations alchimiques sur la matière, de nombreux dessins, des performances ou des visions construites photographiques. Ces travaux sont ici analysés pour mettre à jour leurs multiples références architecturales. Sous leurs formes variées, ils recèlent autant de propositions sur de nouvelles modalités spatiales qui resituent Gordon Matta-Clark dans son champ de formation initiale, l’architectureGordon Matta-Clark, an important figure of the American Art of the seventies, is mostly known for his spectacular building cuts. But he also produced a corpus of works, of great diversity : alchemical experimentations on matter, a profusion of drawings, performances or photographic constructed visions. These works are analysed in order to reveal all their architectural references. In their various forms lie hidden as much propositions on new spatial modalities that place Gordon Matta-Clark within his initial field of education, architecture
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Hennequet, Claire. "L'identité poétique de la nation. Walt Whitman, José Marti, Aimé Césaire." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030085/document.
Full textAbstract:
Dans l’Amérique et les Caraïbes des XIXe et XXe siècles, l’œuvre du poète national est au cœur d’un trafic d’images qui nourrit un lien social fragile dans un temps où les collectivités reposent moins sur un lien direct entre leurs membres que sur un lien imaginé. Prenant ses distances vis-à-vis des représentations en circulation à son époque, comme les représentations exotiques de la nature, le poète offre une vision démocratique ambitieuse pour l’avenir de la communauté à travers des images nouvelles du territoire, du peuple, de l’esclavage et de l’histoire. L’ethos auctorial encourage l’appropriation de ce discours par le lecteur en désignant le poète comme figure de référence. Mais c’est surtout à travers son procédé d’écriture qui met à mal les normes littéraires de son temps que celui-ci est à même d’influer sur la société. Plutôt qu’ils ne parviennent à saisir l’esprit de leur peuple, Whitman, Martí et Césaire participent par leur travail sur le fragment, les formes populaires ou le tremblement du sens à la création d’un devenir collectifIn 19th and 20th centuries America and West Indies, the national poet’s works lay at the centre of a traffic of images. This traffic feeds the fragile social ties of young collectivities, at a time when communities are bound by imagination rather than by direct contact between their members. Distancing themselves from the representations of the community circulating at that time, like the exotic images of the New World’s nature, the poet offers an ambitious democratic vision for the future which is channeled through images of the territory, the people, slavery and history. The poet’s ethos encourages the reader to appropriate this discourse by presenting the author as a role model. However, it is mainly thanks to his style, at odds with the literary norms of his time, that the poet is able to act upon society. Whitman, Martí and Césaire do not so much contrive to capture their people’s spirit, as they participate through their work on the fragment, on popular poetical forms or on the destabilizing of meaning, in the creation of a common devenir
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Valentin, Éric. "Claes Oldenburg, Coosje Van Bruggen, sculptures publiques : l'euphorie et l'angoisse du grotesque." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100021.
Full textAbstract:
Notre thèse a pour objet les sculptures publiques de l'artiste pop américain Claes Oldenburg et de son épouse, Coosje van Bruggen. Leurs oeuvres sont liées à différentes figures du grotesque qui s'opposent au sacré et au sublime. Oldenburg fait des emprunts à des arts populaires de la tradition et aux arts de masse contemporains, pour créer des oeuvres qui, souvent, se démarquent de manière critique du modernisme de Greenberg et du postmodernisme de Venturi. Satiriques, ses sculptures publiques sont anti-monumentales. Elles possèdent des significations artistiques, politiques, philosophiques et sociales qui varient selon le site dans lequel elles sont installées. La thèse propose une analyse approfondie de la plupart des sculptures publiques de Claes Oldenburg. Néo-dadaïste, l'art de Claes Oldenburg est lié à une critique notamment de l'art des ingénieurs et de leurs monuments modernes, les gratte-ciel. Ses oeuvres, installées dans des espaces urbains, contiennent des allusions au contexte architectural. Réflexives, ces sculptures recèlent de nombreuses références à des sculptures marquantes du XXe siècle et déconstruisent leur monumentalité latente ou explicite.