Log in

Relevant bibliographies by topics / Danse classique / Journal articles

To see the other types of publications on this topic, follow the link: Danse classique.

Journal articles on the topic 'Danse classique'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 30 July 2024

Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles

Select a source type:

Consult the top 50 journal articles for your research on the topic 'Danse classique.'

Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.

You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.

Browse journal articles on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.

1

Toth, Lucille. "De la house au ballet : décolonisation de la danse en France." III. Arts, no. 125-126 (November 12, 2021): 231–41. http://dx.doi.org/10.7202/1083874ar.

Full text

Abstract:

Lutte des classes, violences de genre, racisme systémique, certaines danses, tels le hip-hop, la house ou le voguing, se sont historiquement faites porte-parole de voix minoritaires en devenant un espace intersectionnel qui met en corps la pluralité des identités françaises. Parallèlement, d’autres danses, telles que la danse classique ou les danses folkloriques, sont utilisées comme moyen de modeler les corps et de les uniformiser au profit d’une docilité sociale et pour conserver une danse créée sur un modèle impérialiste. En explorant la house, danse encore méconnue par le large public en France, et en la confrontant à la danse classique, cet article cherche à réfléchir sur la résistance française à penser la danse actuelle dans sa diversité. Il répond également au débat actuel sur la décolonisation des arts opposant « antiracistes » et « universalistes ».

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

2

Barea GARCÍA, Teresa. "DANSE ET GALLICISMES: LE FRANÇAIS ACCOMPAGNE LA DANSE CLASSIQUE DEPUIS LE XVIE S." Motif Akademi Halk Bilimi Dergisi 2016, no. 2016-1 (January 1, 2016): 93. http://dx.doi.org/10.12981/motif.365.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

3

Laforge, Marceline, Marc-André Nadeau, and Jean Brunelle. "Étude comparative de deux approches d’enseignement en danse classique." Articles 16, no. 2 (November 19, 2009): 207–21. http://dx.doi.org/10.7202/900661ar.

Full text

Abstract:

Résumé Une expérience d’apprentissage de la danse classique vécue auprès d’une population adulte révèle que l’approche selon l’évaluation formative utilisée dans l’enseignement réciproque s’avère un moyen aussi efficace que l’approche habituelle d’enseignement. Les étudiants engagés dans la classe d’enseignement réciproque manifestent davantage de satisfaction à participer au processus d’apprentissage cognitif que ceux évoluant dans la classe d’enseignement traditionnel.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

4

Tousignant, Marielle, and Jean Brunelle. "Responsabilisation des apprenants : analyse d’expériences vécues en danse classique." Articles 19, no. 4 (October 10, 2007): 715–27. http://dx.doi.org/10.7202/031674ar.

Full text

Abstract:

Résumé Cette étude explore comment des enseignantes soucieuses d'offrir la meilleure formation possible à leurs élèves peuvent réfléchir sur leur action et expérimenter à leur gré des moyens pour favoriser l'engagement actif et la responsabilisation des danseurs dans leur processus d'apprentissage, sans bouleverser l'écologie de classes d'entraînement technique. Deux professeures de danse ont pris conscience de leurs croyances, ont expérimenté divers moyens puisés dans leur répertoire et ont observé les réactions de leurs élèves. Cette phase de sensibilisation leur a permis de prendre conscience de leurs possibilités et de leurs limites. Elle constitue une structure d'accueil à partir de laquelle des stratégies plus formelles de responsabilisation des étudiants pourraient être établies.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

5

Roucher-Kougioumtzoglou, Eugénia. "Quand Furetière menait la danse." Meta 39, no. 4 (September 30, 2002): 716–30. http://dx.doi.org/10.7202/003996ar.

Full text

Abstract:

Résumé Le vocabulaire de la danse classique, descendante directe de la belle danse du XVII e siècle, est en français dans le monde entier. Il fut codifié entre 1660 et 1680 et diffusé au moyen de la Chorégraphie , système de notation du mouvement mis au point en 1700 permettant de consigner par écrit la totalité du vocabulaire de la danse. Le but de cet article est de montrer la place non négligeable qu'occupé ce vocabulaire dans les trois grands dictionnaires de la fin du XVII e siècle - Dictionnaire François , Dictionnaire Universel , et Dictionnaire de l'Académie avec son supplément technique, le Dictionnaire des Arts et des Sciences de Thomas Corneille. L'étude est composée de trois chapitres. Le premier présente un rapide tour d'horizon de la place accordée aux vocabulaires techniques à l'intérieur de la production lexicographique française en fonction des options choisies par chacun des dictionnaires étudiés. Dans le deuxième, on procède à une comparaison entre eux portant sur deux points : a) la nomenclature relative à la danse ; b) le traitement du matériau lexical notamment en ce qui concerne l'organisation des articles, les définitions ainsi que l'utilisation des exemples, des citations et des collocations. Le troisième chapitre, enfin, démontre la supériorité de Furetière tant pour le linguiste que pour le choréologue. En effet, la richesse de sa nomenclature, l'enregistrement par son auteur d'un certain nombre de termes bien avant leur parution au XVIII e siècle dans des ouvrages spécialisés, ainsi qu'un travail définitionnel complet et précis, font du Dictionnaire Universel une source première inestimable non seulement pour l'étude du vocabulaire de la danse mais aussi pour la reconstitution fidèle des danses de l'époque.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

6

Adomnicai, Irina. "Corps de ballerines dans la danse classique : éphémères en sursis." Revue française de psychosomatique 51, no. 1 (2017): 143. http://dx.doi.org/10.3917/rfps.051.0143.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

7

Delavaud-Roux, Marie-Hélène. "Que diálogo haveria entre música, arte dramática e dança no teatro antigo grego da época clássica?" Classica - Revista Brasileira de Estudos Clássicos 25 (2012): 125–32. http://dx.doi.org/10.14195/2176-6436_25_7.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

8

Viviani, Christian. "Pantomime, danse et stylisation (Cary Grant, James Cagney, Fred Astaire)." Cinémas 25, no. 1 (May 5, 2015): 59–83. http://dx.doi.org/10.7202/1030230ar.

Full text

Abstract:

Music-hall et pantomime placent les acteurs qui en sont issus au carrefour de plusieurs formes artistiques et entraînent chez eux une stylisation antinaturaliste du jeu corporel. Trois cas, relevant du cinéma classique hollywoodien, sont analysés dans cet article : Cary Grant, James Cagney et Fred Astaire. De ces trois acteurs formés à l’école de la pantomime et de la danse populaires, un seul, Astaire, a privilégié le genre musical ; les incursions dans le film non dansé sont pour lui exceptionnelles, comme celles de Cagney, grande figure du cinéma criminel, dans le film musical. Quant à Grant, qui a su imposer un jeu non naturaliste, la formation chorégraphique et pantomimique est peut-être pour lui un moyen de mieux entrer dans le mystère de l’équilibre entre réalité et fiction des corps cinématographiques qu’il incarne. Les traces d’une formation chorégraphique ou pantomimique favorisent le passage du banal à l’exceptionnel sans entamer la crédibilité. Le filigrane féminin vient ainsi enrichir la virilité affichée. L’acteur de cinéma doit-il être un peu mime et danseur pour pouvoir proposer un corps proprement cinématographique ?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

9

Arcangeli, Alessandro, and Anne Wery. "La Danse Ecartelee de la Fin du Moyen Age a l'Age Classique." Dance Research: The Journal of the Society for Dance Research 12, no. 1 (1994): 96. http://dx.doi.org/10.2307/1290721.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

10

Kintzler, Catherine. "Haïr le théâtre, haïr l’opéra, haïr la danse dans la France classique." Dix-septième siècle 298, no. 1 (January 20, 2023): 109–24. http://dx.doi.org/10.3917/dss.231.0109.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

11

Majed, Asma. "Musique et hypnose." Wisdom Journal For Studies & Research 2, no. 2 (March 30, 2022): 148–73. http://dx.doi.org/10.55165/wjfsar.v2i2.92.

Full text

Abstract:

Le samaï est une forme classique de la musique arabe. La danse des derviches tourneurs est parmis ses pratiques les plus repondues pour cela on les voit souvent dans des états de transe. Etant donné ses qualités structurelles rythmiques et maqamiques, il présente une autohypnose. D’une part, il assure la synchronisation du rythme respiratoire avec le rythme musical. D’autre part, la notion du maqam, précisément béyeti porte aussi une singularité en termes d’interprétation et d’alliance de l’image acoustique à l’image mentale cela est parfois ressourçant d’énergie et de positivité ainsi ainsi qu’il pourrait être hypnotisant.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

12

Anthony, Sarah. "Entre les bons et les méchants, entre le texte et la danse : La belle au bois dormant selon Perrault, Petipa, Ek et Lock." Voix Plurielles 15, no. 2 (December 9, 2018): 18–32. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v15i2.2071.

Full text

Abstract:

Les rapprochements à faire entre l’univers du ballet classique et celui de la littérature sont nombreux, car cet art du mouvement puise souvent son inspiration d’œuvres littéraires. Mais comment s’effectue cette transposition du textuel au gestuel ? Comment narre-t-on à travers le mouvement ? En prenant La belle au bois dormant à l’appui, nous chercherons dans cet article à examiner ce lien intermédial, en comparant dans un premier temps, le conte de fées de Charles Perrault (1697) au libretto d’Ivan Vsevolozhsky (1890) ainsi qu’au ballet de Marius Petipa (1890). Dans un deuxième temps, nous analyserons comment les chorégraphies contemporaines de Mats Ek et d’Édouard Lock – Sleeping Beauty (1996) et Amjad (2007) respectivement – font des clins d’œil à l’œuvre de Petipa et ce que dévoile ce deuxième degré de transposition – du classique au contemporain – pour le rapport entre le texte et la danse. Ces études comparatives révéleront notamment que l’archétype peut être un outil important pour la mise en mouvement d’un texte.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

13

Fournier, Marion. "Le cheveu dénoué chez Pina Bausch. Mutation d’une transgression esthétique." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 129–42. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0129.

Full text

Abstract:

L’article explore l’importance des cheveux dans l’œuvre de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009) et leur interprétation dans la réception critique. Pina Bausch, connue pour avoir développé le Tanztheater , a opté pour une utilisation des cheveux de ses danseuses allant souvent à l’encontre des normes sociales établies. Dans les années 1970, elle faisait danser ses danseuses les cheveux lâchés, rompant avec un code traditionnel provenant de la danse classique. Les cheveux détachés étaient associés à la liberté, à l’authenticité et à l’individualité du corps, en opposition aux normes de contrôle de la coiffure. Au fil des décennies, le motif des cheveux détachés a évolué, mais est resté transgressif, remettant en question des canons de beauté contemporains. À l’aube des années 2000, les cheveux longs et disciplinés étaient devenus obligatoires pour les danseuses de la compagnie. Les critiques de danse ont comparé cette esthétique capillaire à celle des publicités pour les shampoings. L’article examine la nature et l’intensité du lien entre l’imagerie des cheveux dans les œuvres de Pina Bausch et celle diffusée dans la publicité, reflet de discours sociaux portés sur le corps. Au Tanztheater , la liberté de manipuler ses cheveux n’était pas autorisée, ce qui contrastait avec la tendance en vigueur qui poussait à choisir à sa guise la longueur, la coupe, la couleur de sa chevelure. Malgré les changements de normes esthétiques dans la société, Pina Bausch a maintenu son caractère transgressif en utilisant les cheveux comme moyen de sculpter un imaginaire du corps.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

14

Gualandi, Alberto. "The dance of the mind. Physics and metaphysics in Gilles Deleuze and David Bohm." Veritas (Porto Alegre) 62, no. 2 (October 26, 2017): 279. http://dx.doi.org/10.15448/1984-6746.2017.2.28508.

Full text

Abstract:

Au delà des différences de terminologie et de background culturel, on essaye ici de montrer que le physicien quantique David Bohm (Wilkes-Barre 1917 – Londre 1992) et le philosophe poststructuraliste Gilles Deleuze (Paris 1925 – Paris 1995) ont visé un but de pensée commun: remplacer l’image classique (mécaniste) de la réalité, encore dominante à notre époque, par une métaphysique finalement en accord avec les concepts et les résultats de la relativité, de la mécanique quantique et de la biologie contemporaine. Pour cesdeux penseurs, le monde des choses bien individuées dans l’espace et le temps, et ordonnées selon des relations mécaniques de cause et d’effet, n’est rien d’autre que l’expression momentanée d’une “Totalité indivise en devenir” qui en constitue le véritable fondement ontologique. Par le moyen de cette nouvelle métaphysique, le monde de l’expérience quotidienne et de la science classique apparaît comme la manifestation explicite ou développée de l’ordre implicite que la totalité indivise contient virtuellement en elle à des niveaux d’enveloppementet d’imbrication toujours plus profonds. Le monde explicite (de la science classique et de l’expérience quotidienne) est le résultat d’un processus de répétition, ralentissement et stabilisation temporelle, déclenché par l’interaction de nos instruments de mesure – appareils techniques, organes sensoriels et moteurs, formes a priori et catégories de l’entendement – avec une totalité mouvante dont le sujet pensant et observant représente un reflet momentané et partial plutôt qu’un fragment solitaire et autonome. En critiquant l’image classique de la correspondance/adéquation entre l’être et la pensée, Bohm et Deleuze montrent enfin que la pensée qui veut saisir cette Totalité en devenirinteragit inévitablement avec elle, en la modifiant, en la recréant, en l’accomplissant dans une direction plutôt qu’une autre. La pensée ressemble ainsi à une danse qui essaye de s’harmoniser avec le flux universel qui l’engendre et l’emporte dans un seul mouvement avec la matière.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

15

Tardieu, Nadège. "Corps mis en branle dans la danse classique de Wilfride Piollet : un pouvoir imaginaire du corps." Corps 7, no. 2 (2009): 39. http://dx.doi.org/10.3917/corp.007.0039.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

16

André, João Maria. "As Artes do Corpo e o Corpo como Arte." Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 10, no. 19 (2002): 7–26. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica20021019/202.

Full text

Abstract:

Dans ce texte, en partant du double sens de l’expression «arts du corps» et après un parcours bref sur la présence du corps dans la culture occidentale, on essaye de caractériser, premièrement, les arts du corps qui font du corps son objet ou instrument (génitif objectif) de travail, exposition et manipulation, tels que la chirurgie esthétique, les marques du piercing et du tatouage (elles-mêmes de double sens), le «body building», quelques excès du «body art», les divers types de prothèses mécaniques qui font du corps un cyborg et, finalement, ce qu’on peut appeler les prothèses chimiques qui modèlent le désir et le tempérament et qui sont administrés par une médicine psychiatrique au service d’un bien-être normalisé. Dans un second moment notre regard se tourne vers les arts du corps dans lesquels le corps se présente en tant que sujet de création artistique (génitif subjectif), en relevant surtout les arts de la scène et, en spécial, la danse et le théâtre: on essaye, ainsi, de montrer dans quel sens on peut parler du corps en tant que sujet, tant dans la danse classique que dans la danse contemporaine, et on traverse aussi le développement du théâtre, surtout après Artaud, en passant par Grotowski, Barbas et Peter Brook, pour souligner le passage du corps au premier plan de la scène. Nous concluons en soulignant le rapport intrinsèque entre ces arts, le corps et le mouvement, ce qui nous permet de dire que, s’ils sont sont les plus éphémères de tous les arts, c’est parce que dans ces arts tout se passe comme si on faisait l’amour avec le temps.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

17

Iovita, Cristina. "Le rat est mort ! Ou le jeu de la tradition dans l’Hamlet de William Shakespeare (Notes de mise en scène)." L’Annuaire théâtral, no. 52 (October 20, 2014): 25–35. http://dx.doi.org/10.7202/1027009ar.

Full text

Abstract:

L’article décrit le processus de création du spectacle Hamlet de William Shakespeare adapté et mis en scène par Cristina Iovita au Théâtre de l’Utopie (Montréal, mars-avril 2010). La première partie examine les rapports entre le personnage de Polonius et celui de Pantalon, personnage typique de la commedia dell’arte qui donne la « clé » de l’adaptation scénique. La deuxième partie présente la reconstruction du texte de Shakespeare sur les structures de base de la commedia dell’arte, structures identifiées et inspirées par la « scène des acteurs » (Acte II, Scène 2) du texte original. La troisième partie suit les innovations de style amenées par l’insertion dans la trame scénique du tango argentin, une danse narrative de type populaire exprimant les rites de la passion. La conclusion porte sur le potentiel d’actualisation du répertoire classique par la récupération des moyens scéniques traditionnels.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

18

Pucci, Giuseppe. "Image et mouvement dans l’Antiquité et au-delà." Eikon / Imago 10 (February 8, 2021): 383–89. http://dx.doi.org/10.5209/eiko.74160.

Full text

Abstract:

On examine le problème de la restitution du mouvement dans les images de l’art de l’antiquité classique, en partant de la conception philosophique et anthropologique du mouvement des penseurs grecs. Les concepts de σχῆμα et ῥυθμός sont fondamentaux pour clarifier la relation dialectique entre mouvement et stase en relation avec la μίμηεσις, à la fois dans la danse, l’art ‘mimétique’ par excellence, et dans les arts visuels. Une figure peinte ou sculptée est une ἠρεμία, un punctum temporis isolé, qui contient néanmoins potentiellement le flux du mouvement, que l’observateur peut récréer mentalement en imaginant les mouvances qui la précèdent et celles qui la suivent. On compare les vues des Anciens en matière avec celles des certains penseur modernes (Lessing, Bergson, Deleuze) et on termine en revisitant l’anthropologie visuelle fondée par Warburg à la lumière des récentes acquisitions de la psychologie cognitive et de la neuroesthétique.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

19

Shim, Kyung-Eun, and Blandine Bril. "Intégration et transformation d’une figure de la danse classique par la danse coréenne – une analyse comparée de la Pirouette en dehors et du Hanbaldeuleodolgi basée sur la notation Laban." Social Science Information 56, no. 2 (March 14, 2017): 309–27. http://dx.doi.org/10.1177/0539018417694776.

Full text

Abstract:

Due to cultural exchange between the West and Asia since the beginning of the 20th century, the Korean dance has integrated quite a few aspects of classical dance while transforming its figures. The transformation itself is what we are interested in. We focus on a central figure in classical ballet, la pirouette en dehors, which in the Korean dance is known as the Hanbaldeuleodolgi. Our research aims at understanding how is expressed in both cultures (France and Korea), a dance movement which comes under similar mechanical constraints (producing rotational forces) while displaying a unique aesthetic to each context. The detailed analysis of this figure is carried out based on the theory of Rudolf Laban.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

20

Jan, Corentin. "Un Tanztheater pour le XXI e siècle ? Pratiques corporelles et grotesque queer-féministe dans les spectacles de Florentina Holzinger." Allemagne d'aujourd'hui N° 245, no. 3 (September 28, 2023): 143–54. http://dx.doi.org/10.3917/all.245.0143.

Full text

Abstract:

La jeune chorégraphe autrichienne Florentina Holzinger, développe depuis une dizaine d’années un Tanztheater qui fait la part belle à l’exploration critique de pratiques corporelles contemporaines et plus anciennes, en convoquant et détournant par exemple les chorégraphies du ballet classique et moderne. Au sein de spectacles presque toujours interprétés par des femmes, ces pratiques se trouvent réagencées, déplacées et insérées dans des univers où se mêlent des références aux grands récits occidentaux ( La Divine Comédie de Dante, Hamlet de Shakespeare…) et à des formes spectaculaires plus contemporaines ( Freak Show , concours de télévision…). La démarche de Florentina Holzinger cherche moins une esthétique du choc et de la violence qu’elle ne joue en acte avec les pratiques corporelles présentes et passées ainsi que leurs significations culturelles. Il s’agit de montrer en quoi la démarche de la chorégraphe vise à s’approprier, à détourner et à observer d’un œil critique les pratiques corporelles du présent et du passé et les imaginaires qui leur sont associés. Deux spectacles, A Divine Comedy (2021) et Ophelia’s got Talent (2022), sont au cœur de l’analyse qui considère la danse comme un lieu de travail esthétique sur les pratiques et les imaginaires sociaux du corps. Les deux spectacles détournent ces pratiques et ces « images corporelles » en les soumettant à un registre grotesque au sens bakhtinien du terme et en les détournant vers des pratiques sexuelles, scatologiques ou qui, plus largement, prennent appui sur la matérialité des corps en présence. Cet esthétique grotesque s’inscrit dans un projet artistique queer-féministe et dans une filiation critique de l’histoire de la danse et de la performance.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

21

Docquir, Camille. "« Une danseuse est dressée (sur la pointe des pieds) ». Approche de la question du masochisme dans la danse classique." L'Évolution Psychiatrique 78, no. 3 (July 2013): 387–97. http://dx.doi.org/10.1016/j.evopsy.2013.01.015.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

22

Egervari, Tibor. "Enseigner l'Inenseignable ou "Les Fous Inventent les Modes et les Sages les Suivent"." Theatre Research in Canada 17, no. 1 (January 1996): 120–27. http://dx.doi.org/10.3138/tric.17.1.120.

Full text

Abstract:

Il est intéressant de noter que parmi tous les arts d'interprétation, le théâtre est le seul à ne pas avoir de véritables concours ou de compétitions. Certes, il existe des festivals avec des prix, des palmarès de fin de saison dans quelques grandes villes de théâtre, mais il n'y a rien de comparable à l'influence des Oscars, de la Palme ou du Lion d'or. Encore moins y a-t-il des concours d'interprètes comme en musique ou en danse classique. La raison en est relativement simple: il y a longtemps que le théâtre a perdu toute communauté de codes, seul instrument pouvant permettre des comparaisons justes et équitables. Or, comme l'enseignement est essentiellement une transmission de savoir, ou de savoir-faire, organisée autour de codes, l'enseignement théâtral de ce siècle a été fortement marqué par cette absence. Plus affecté que tout le reste par cet état de choses, l'enseignement de la mise en scène demeure constamment empêtré dans des débats idéologiques. Afin de démêler un peu l'écheveau je vais consacrer quelques lignes à l'évolution générale de l'enseignement théâtral.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

23

FREEMAN, M. J. "Review. La Danse ecartelee de la fin du moyen age a l'age classique: Moeurs, esthetiques et croyances en Europe romane. Wery, Anne." French Studies 49, no. 1 (January 1, 1995): 67–68. http://dx.doi.org/10.1093/fs/49.1.67-a.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

24

Llopart Castro, Daniela, Rebeca Recuero Rebs, Eleonora Campos da Motta Santos, and Daniela Ferreira de Souza. "Cours de laboratoire de ballet classique dans le programme de danse de premier cycle de l'UFPel : expériences en mode distant en 2021/1." Revista Brasileira de Estudos em Dança 2, no. 4 (February 1, 2024): 117–31. http://dx.doi.org/10.58786/rbed.2023.v2.n4.62087.

Full text

Abstract:

Este texto se configura como um relato de experiência sobre a reorganização da disciplina Laboratório de Balé Clássico, do curso de Dança Licenciatura da UFPEL, para o modo remoto, durante a pandemia do COVID-19. Por ser uma disciplina eminentemente prática, foi necessário um planejamento rigoroso, envolvendo diversos aspectos a serem considerados. O preparo das aulas aconteceu de maneira a não perder a lógica do ensino e, ao mesmo tempo, evitar compreensões incorretas dos movimentos. Foram construídos tutoriais em vídeo para auxiliar na execução dos passos, ajustada a tecnologia a ser utilizada durante as aulas online e solicitada a entrega de tarefas semanais, em forma de vídeos. A experiência mostrou que foi possível redimensionar a oferta de uma disciplina prática para a exigência do contexto remoto. A vontade de achar formas desta oferta acontecer foi fundamental para assumirmos o desafio de desacomodar-se e lidar com a incerteza dos resultados.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

25

Barbé, J., and J. C. Seznec. "Danse classique et adolescence féminine : quelques éléments concernant l'impact de la pratique sur les processus de maturation, à partir de l'étude de sept jeunes filles. Classic dance and feminine adolescence : impact of an intensive practice of ballet dance on the maturation process." Annales Médico-psychologiques, revue psychiatrique 161, no. 8 (October 2003): 614–20. http://dx.doi.org/10.1016/j.amp.2003.08.005.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

26

Caufriez, Anne. "Guitare portuguaise et fado." Anuario Musical, no. 53 (January 24, 2019): 247. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.1998.i53.282.

Full text

Abstract:

Le fado est une chanson d'amour et de nostalgie {saudade) qui est née dans les bas-quartiers de Lisbonne, à la charnière du 18e et du 19e siècles. A partir du 19e siècle, l'instrument qui accompagne le fado est la guitare portugaise (à cordes frappées et pincées). Sa table d'harmonie présente six choeurs ainsi qu'une ouïe ronde tandis que son manche est muni de 17 à 22 frettes et son cheviller se termine en éventail. Cette guitare est issue du cistre classique dans son évolution tardive du 17e siècle, le cistre appelé guitare anglaise. Le Portugais Galráo et l'Anglais Simpson lui apportent des modifications successives. La guitare portugaise atteint les campagnes pour animer la danse. La Severa, incarne au 19e siècle, le grand mythe national du fado. Fille de bidonvilles, elle travaillait dans une maison clause de la Mauraria (quartier de Lisbonne). Cette chanteuse de talent était aussi liée au milieu de la tauromachie équestre, dont le Comte de Vimioso, épris d'elle, était le symbole. Julia Florista ou la Cesarla sont d'autres femmes fadistes illustres. Le fadiste masculin de cette époque est décrit comme un parasite social, qui vit d'expédients et d'harnac. Plus tard, il pratiquera des petits métiers. A la fin du 19e siècle, le fado est chanté dans les jardins potagers de Lisbonne, situés le long des chemins empruntés par les taureaux qui étaient acheminés vers les arènes. Il devient alors un chant de divertissement pour les banquets et les noces. Des noms de chanteurs et guitaristes se détachent tels Antonio Casaca, Caetano Calcinhas, Joâo Black. L'âge d'or du fado se situerait dans les années 1930-50. A partir des années 30, le fado va peu à peu perdre son caractère instantané et spontané au profit du professionalisme, encouragé par la radio. Il évolue alors vers la scène dont Amalia Rodrigues et Alfredo Marceneiro sont les représentants les plus illustres.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

27

Bergeron, Bertrand. "Un classique de la recherche en tradition orale. Jean Du Berger, Le Diable à la danse, Québec, Célat et Les Presses de l’Université Laval, « Ethnologie de l’Amérique française », 2006, 246 p. ISBN 2-7637-8377-5." Rabaska: Revue d'ethnologie de l'Amérique française 5 (2007): 103. http://dx.doi.org/10.7202/019031ar.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

28

Servan-Schreiber, Catherine. "Musique et danse indiennes classiques en France. Un processus d'intégration." Hommes et Migrations 1268, no. 1 (2007): 60–67. http://dx.doi.org/10.3406/homig.2007.4629.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

29

Lavoie, Gervais. "Identité ethnique et folklorisation : le cas des Mongols de Chine." Anthropologie et Sociétés 10, no. 2 (September 10, 2003): 57–74. http://dx.doi.org/10.7202/006349ar.

Full text

Abstract:

Résumé Identité ethnique et folklorisation : le cas des Mongols de Chine Depuis 1949, le gouvernement chinois s'est donné une série d'institutions, tel l'Ensemble de danse et de chant de Mongolie intérieure, dont la fonction est de supporter une structure politico-économique définie comme socialiste. En comparant les définitions classiques d'ethnicité et d'identité ethnique à celle de minorités nationales utilisée par les sociologues chinois, cet article tente d'établir des corollaires permettant de poser l'origine du " folklore " chez les groupes minoritaires en tant que dévaluation de leurs propres valeurs traditionnelles. Se basant sur l'expérience mongole en République populaire de Chine, il propose aussi une nouvelle définition de l'assimilation et de l'intégration et suggère que l'assimilation des valeurs socio-politiques est un préalable indispensable à l'intégration d'une minorité ethnique.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

30

Filotico, Anna Pia. "Dantesque. Sur les traces du modèle, sous la direction de Giuseppe Sangirardi et Jean-Marie Fritz, Paris, Classiques Garnier 2019 (rencontres; 406), 305 pp." Deutsches Dante-Jahrbuch 96, no. 1 (September 24, 2021): 181–84. http://dx.doi.org/10.1515/dante-2021-0033.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

31

van Oostveldt, Bram, and Stijn Bussels. "The Sublime and French Seventeenth-Century Theories of the Spectacle: Toward an Aesthetic Approach to Performance." Theatre Survey 58, no. 2 (April 19, 2017): 209–32. http://dx.doi.org/10.1017/s0040557417000072.

Full text

Abstract:

Theatre scholars and historians assume too easily that theoretical reflection on the performative qualities of the theatre began only in the eighteenth century. In mid-eighteenth century France, writers and philosophers such as Denis Diderot, Jean le Rond D'Alembert, Jean-Jacques Rousseau, Antoine-François Riccoboni, or Jean-Georges Noverre (to name but a few) showed a passionate interest in the aesthetics and the morality of performance practices in dramatic theatre, music theatre, or dance. Compared to this rich diversity of ideas in the eighteenth century, seventeenth-century French writings on theatre and the performing arts seem, at first sight, far less interesting or daring. However, this is merely a modern perception. Our idea of le théâtre classique is still rather reductionist, and often limited to the theatrical canon of Pierre Corneille, Jean Racine, and Molière. It affords a view of the performing arts that is dominated by tragedy and comedy and that, firmly embedded within a neo-Aristotelian poetics, privileges dramatic concerns above performative interests.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

32

Norman, Buford. "Remaking a cultural icon: Phèdre and the operatic stage." Cambridge Opera Journal 10, no. 3 (November 1998): 225–45. http://dx.doi.org/10.1017/s0954586700005401.

Full text

Abstract:

The age of Louis XIV was an age of contrasts. It was fond of spectacle and ostentation, typified in the great fêtes of Versailles, yet it is rightly known as ‘l'époque classique’, characterised by order and decorum. Its greatest playwright was Jean Racine, whose eleven tragedies had only the barest of sets, presented one action in one place during a maximum of twenty-four hours, chose subjects from history or mythology that featured only mortal characters in easily believable situations, relegated violence and other unseemly behaviour to the wings and to descriptions (récits), and used a limited, noble vocabulary to explore the depths of the human condition and to create poetry of extraordinary beauty. However, in 1673, during the peak of Racine's career, Quinault and Lully created French opera (tragédie lyrique), which, while also using a limited, noble vocabulary, featured spectacular sets and costumes for each act, allowed subplots (even comic ones in the first three operas), staged battles, storms and divine interventions, eschewed historical characters, and presented simpler situations and characterisations in order to leave time for music and dance.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

33

Papavassiliou, Anthony. "Les nouveaux enjeux de la granulation sonore : l’esthétique populaire de l’Intelligent Dance Music (IDM)." Articles 30, no. 2 (November 18, 2011): 101–16. http://dx.doi.org/10.7202/1006380ar.

Full text

Abstract:

L’Intelligent Dance Music, abrégé IDM, est un courant né dans les années 1990 en Angleterre. Sa particularité a été de proposer une musique aux spécificités structurelles populaires (rythmes majoritairement binaires, nombreuses répétitions, formes classiques, etc.) mêlée à une certaine complexité du contenu rythmique et timbral. Reprenant les techniques de micromanipulations sonores explorées dans les milieux académiques des années 1970 et 1980, les artistes d’IDM les ont développées par la création d’outils dédiés qu’ils ont ensuite diffusés à un large public appartenant à une nouvelle génération d’auditeurs « actifs ». Ce partage, favorisé par le contexte particulier de développement des technologies numériques qui débuta dans les années 1990, a donné lieu à une utilisation massive des micromanipulations dans les musiques populaires. L’esthétique issue des micromanipulations se manifeste à l’audition par l’effet de granulation du son qui provient de l’utilisation de diverses techniques de construction et décomposition tels que la granulation sonore, la synthèse granulaire, le découpage, répétition et mélange automatisés, ainsi que l’étirement ou encore le « gel » du son. Le présent article résume l’évolution de l’usage des micromanipulations sonores en tenant compte du contexte qui a favorisé son développement et présente l’IDM comme le courant qui a assuré le transfert d’un concept de création vers une esthétique populaire.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

34

Pavy-Guilbert, Élise, and Alain Sandrier. "Dóra Kiss , Saisir le mouvement, Écrire et lire les sources de la belle danse (1700-1797) , Paris, Classiques Garnier, coll. « Fonds Paul Zumthor », 2016." Dix-huitième siècle 53, no. 1 (June 28, 2021): CIII. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.053.0729cy.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

35

Dubé, Valérie. "Une lecture féministe du « souci de soi » de Michel Foucault : pour un retour à la culture différenciée du genre féminin." Articles 21, no. 1 (June 26, 2008): 79–98. http://dx.doi.org/10.7202/018310ar.

Full text

Abstract:

Cet article traite du troisième volume de la trilogie de Michel Foucault sur l’histoire de la sexualité, volume intituléLe souci de soi. L’auteure y fait la recherche d'un rapport analogique entre le rapport « de soi à soi au masculin » versus le rapport « de soi à l'autre au féminin ».DansLe souci de soi, Foucault fait la démonstration des techniques de pouvoir-savoir par lesquels les adeptes du stoïcisme de l’époque classique, entre autres à travers des autodisciplines d’ordre sexuel, arrivaient à rejoindre la tempérance dans un rapport de pouvoir, à accéder à la vérité à la suite d’une conversion à caractère spirituel de leur être et à émerger en tant quesujetsde leur histoire. Cet « art de vivre » (strictement masculin) nécessitait néanmoins le soutien inconditionnel des femmes et se réalisaitau moyende celles-ci. Ainsi, dans son étude de la sexualité, Foucault semble, d’une part, nier l’historicité de la sexualité féminine et, d’autre part, ignorer l’existence de la matrice patriarcale autour de laquelle celle-ci s’organise; par cela, c’est à la notion même de genre que le philosophe échappe. En guise de réponse à la culture de soi dont l’auteure fait l’étude, son article amène la proposition d’un mode féminin de rapport au monde ayant de tout temps porté l’individu à s’autoréaliserpar et avec l’autre. Aussi, à la lumière du débat qui entoure l’appropriation différenciée de l’héritage théorique foucaldien par les théoriciennes du genre et du féminisme, l’auteure tente de situer le « sujet femme » au centre d’une réflexion féministe héritière de la tradition matérialiste, soutenue par une démarche éthique et se situant en retrait des préoccupations identitaires propres aux études de genre (gender studies) de la troisième vague féministe.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

36

Pavy-Guilbert, Élise, and François Moureau. "Élise Dutray-Lecoin , Martine Lefèvre et Danielle Muzerelle (dir.), Les Plaisirs de l’Arsenal. Poésie, musique, danse et érudition au 17 e et au 18 e siècles , Paris, Classiques Garnier, coll. « Rencontres » 369, 2018, 747 p." Dix-huitième siècle 52, no. 1 (October 1, 2020): LXXXI. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.052.0493cc.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

37

Araiza Hernández, Elizabeth. "Un texto vivo. Formas e interacciones del libreto de pastorela (Ihuatzio y Comachuén, Michoacán)." Revista Trace, no. 76 (July 31, 2019): 48. http://dx.doi.org/10.22134/trace.76.2019.581.

Full text

Abstract:

A partir del análisis de dos casos ejemplares y de observaciones de campo en diferentes pueblos purépechas, se argumenta sobre el valor antropológico, las interacciones y usos peculiares del libreto de pastorela. El libreto se relaciona con tres manuscritos antiguos en lengua tarasca, y con los que se utilizan en otras danzas y otros rituales indígenas, donde la palabra escrita es importante –y no solamente la palabra hablada o representada en imágenes, como establecieron los estudios clásicos– para el desenvolvimiento, sentido y alcances del ritual. El corolario es una reflexión sobre el poder de un objeto –el libreto–, para desafiar distinciones binarias: objeto-sujeto, material-inmaterial, y lo que se ha establecido como eficacia, causas o efectos del ritual. Abstract: Based on the analysis of two exemplary cases and on field observations in different Purépecha villages, we examine the anthropological value, interactions and peculiar uses of the Christmas play script scenario. This scenario is related to three ancient manuscripts in Tarascan language, and to those used in other dances and Indian rituals, in which the written word –and not only the spoken word or the word represented in images, as established in classic studies– is important for the development, sense, and significance of the ritual. The corollary is a reflection on the power of an object –script scenario– to challenge binary distinctions: object-subject, material-immaterial, and to prompt us to rethink what has been established as efficacy, causes or effects of the ritual as anthropological problems. Résumé : À partir de cas concrets et d’observations de terrain menées dans différents villages purépechas, cette étude aborde la valeur anthropologique, les interactions et les usages particuliers donnés au livret de pastourelle. Ce dernier est associé à trois anciens manuscrits rédigés en langue tarasque et aux autres textes utilisés dans le cadre de danses et de rituels autochtones où la parole écrite joue un rôle important – contrairement à ce qu’établissent certains classiques, la parole ne se limite pas à l’oralité ou à la représentation en images – dans le déroulement du rituel, pour son sens et sa portée. En corollaire, l’article développe une réflexion sur le pouvoir de l’objet – ici, le livret – pour interroger les distinctions binaires : objet/sujet, matériel/immatériel, et pour repenser en tant que problèmes anthropologiques ce qui avait été pris pour de l’efficacité, les causes ou les effets du rituel.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

38

Targa, Marco. "The Music for Salon Orchestra and its Use in Silent Films." Fontes Artis Musicae 71, no. 2 (April 2024): 85–98. http://dx.doi.org/10.1353/fam.2024.a933074.

Full text

Abstract:

English Abstract: Recently, the study of music in silent film has brought attention to a musical repertoire that had enormous growth between the end of the nineteenth century and the first decades of the twentieth century: salon music. This repertoire has not yet been fully investigated, although it has an evident historical importance in the development of cinematographic music and it represents a fundamental link between the nineteenth-century musical tradition of highbrow origin and the explosion of popular music genres at the beginning of the twentieth century. The main core of this repertoire is based on three typologies of pieces: transcriptions from the operatic and symphonic repertoire, original pieces in Romantic style, and dances and songs. The analytical study of this repertoire aims to bring its historical importance back into perspective, transforming it into an object of investigation with its own autonomy, rather than a phenomenon simply derived from the classical repertoire, devoid of its own interest and, therefore, negligible. The clarification of the peculiar characteristics of its musical language is fundamental to begin to outline an aesthetic of musical compilation in the silent film era. Studies of music in silent films has in fact concentrated more on the phenomenon of original scores, quantitatively marginal, while neglecting the study of compiled musical accompaniment, which was the most diffused form of accompaniment. This study, in addition to filling the historiographical gap that still exists, provides information fundamental to understanding the subsequent developments of early sound films. French Abstract: Récemment, l'étude de la musique du cinéma muet a fait émerger un répertoire musical qui a connu un essor considérable entre la fin du XIXe siècle et les premières décennies du XXe siècle : la musique de salon. Ce répertoire n'a pas encore fait l'objet d'une étude approfondie, bien que son importance historique dans le développement de la musique cinématographique soit évidente et qu'il représente un lien fondamental entre la tradition musicale du dix-neuvième siècle issue de la haute société et l'explosion des genres musicaux populaires au début du vingtième siècle. Le noyau principal de ce répertoire repose sur trois types de pièces : des transcriptions du répertoire opératique et symphonique, des pièces originales dans le style romantique, ainsi que des danses et des chansons. L'étude analytique de ce répertoire vise à remettre en perspective son importance historique, en le transformant en un objet d'étude autonome, plutôt qu'en un phénomène simplement dérivé du répertoire classique, dépourvu d'intérêt intrinsèque et, par conséquent, négligeable. Clarifier les caractéristiques particulières de son langage musical est fondamental pour commencer à esquisser une esthétique de la compilation musicale à l'époque du film muet. Les études sur la musique dans les films muets se sont en effet davantage concentrées sur le phénomène des partitions originales, marginales d'un point de vue quantitatif, au détriment de l'étude de l'accompagnement musical sous forme de compilation, qui était pourtant la forme d'accompagnement la plus répandue. Cette étude, tout en comblant le fossé historiographique qui subsiste, fournit des informations fondamentales pour comprendre les développements ultérieurs des premiers films sonores. German Abstract: In jüngster Zeit hat die Untersuchung von Stummfilmmusik die Aufmerksamkeit auf ein musikalisches Erbe gelenkt, das zwischen dem Ende des 19. und den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts ein enormes Wachstum erlebte: die Salonmusik. Dieses Repertoire ist noch nicht vollständig erforscht, obwohl es eine herausragende historische Bedeutung für die Entwicklung der Filmmusik hat und eine grundlegende Verbindung zwischen der hochkulturellen Musiktradition des 19. Jahrhunderts und der explosionsartigen Ausbreitung populärer Musikgenres zu Beginn des 20. Jahrhunderts darstellt. Der Kern dieses Repertoires basiert auf drei Werktypologien: auf Transkriptionen aus dem Opern- und Symphonierepertoire, Originalwerken im romantischen Stil sowie Tänzen und Liedern. Die analytische Untersuchung dieses Repertoires zielt darauf ab, seine historische Bedeutung wieder in den Blick zu nehmen und es in ein eigenständiges Untersuchungsobjekt zu verwandeln. Somit vermeidet man, daraus ein nicht zu hinterfragendes Randphänomen zu machen, das einfach aus dem klassischen Repertoire abgeleitet wird, und daher vernachlässigbar ist. Die Klärung der besonderen Merkmale der musikalischen Sprache dieses Repertoires ist von grundlegender Bedeutung, um eine Ästhetik der musikalischen Zusammenstellungen im Stummfilmzeitalter zu skizzieren. Studien zur Musik in Stummfilmen haben sich bisher mehr auf das quantitativ marginale Phänomen der Originalpartituren konzentriert, während sie die Untersuchung von zusammengestellten Musikbegleitungen vernachlässigten, die die am weitesten verbreitete Form der Begleitung darstellen. Diese Studie füllt nicht nur die noch bestehende historiografische Lücke, sondern liefert auch grundlegende Informationen für das Verständnis der weiteren Entwicklung des frühen Tonfilms.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

39

Slater, William. "Sorting out pantomime (and mime) from top to bottom - EDITH HALL and ROSIE WYLES (edd.), NEW DIRECTIONS IN ANCIENT PANTOMIME (Oxford University Press2008). Pp. x + 481, 26 ill. ISBN 978-0-19-923253-6. - MARIE-HÉLÈNE GARELLI, DANSER LE MYTHE: LA PANTOMIME ET SA RÉCEPTION DANS LA CULTURE ANTIQUE (Bibliothèque d'Études Classiques 51; Louvain2007). Pp. 511, 13 figs. ISBN 978-90-429-1841-2." Journal of Roman Archaeology 23 (2010): 533–41. http://dx.doi.org/10.1017/s104775940000266x.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

40

Basselier, Laetitia. "Quelle grâce pour la danse classique aujourd’hui ?" Déméter, no. 9 (May 4, 2023). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.1050.

Full text

Abstract:

Peut-on sauver un sens contemporain pour la grâce dans le domaine de la danse classique ? S’il est communément admis que la danse classique est un art de la grâce, l’indétermination de cette notion, tout autant que le soupçon de désuétude porté à son égard, affectent tout particulièrement les discours sur cette forme artistique. Faut-il pour autant renoncer à penser la danse classique depuis la grâce ? Notre article fera plutôt l’hypothèse qu’il est possible de redonner une consistance aux liens entre grâce et danse classique, c’est-à-dire de mieux déterminer la notion de grâce, afin qu’elle ne constitue pas un obstacle épistémologique, mais plutôt un outil heuristique pour appréhender la danse classique, sans la renvoyer à une forme d’art anachronique qui ne nous donnerait plus rien à penser aujourd’hui. Il s’agira pour cela d’étudier les usages effectifs de la grâce dans les pratiques actuelles de la danse classique, mais aussi de retracer la généalogie de notre imaginaire actuel de la grâce en danse classique, afin de mieux en comprendre la portée et les limites.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

41

Thuries, Aude. "Le mouvement circulaire, du rite au ballet." Déméter, no. 7 | Hiver (December 1, 2021). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.463.

Full text

Abstract:

Un parcours spatial est couramment emprunté dans différentes formes de danse : le mouvement circulaire – de la circumambulation de certaines danses rituelles au « manège » de la danse classique occidentale, en passant par les rondes des danses traditionnelles. Le mouvement circulaire est un motif qui, par sa récurrence même, témoigne d’une filiation entre forme rituelle et forme artistique et spectaculaire qu’il sera intéressant d’explorer en premier lieu. Cette analyse du mouvement circulaire dans la spécificité de ses contextes et de ses déploiements chorégraphiques nous permettra ensuite de passer en revue les différentes fonctions – magiques, symboliques ou plastiques – qui lui sont assignées ; et d’ainsi réfléchir, à partir de cette observation des mutations d’un motif dansé, sur le processus, à l’œuvre dans la danse, d’évolution conjointe des formes gestuelles et de leurs charges signifiantes.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

42

Leroy, Christine. "La fabrique de la danse classique : une pratique performative." Recherches en danse, March 10, 2018. http://dx.doi.org/10.4000/danse.1775.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

43

Rousselot, Maëlle, and Éléonore Guérineau. "Parler de danse classique. Les images sensorielles d’Éléonore Guérineau." Recherches en danse, no. 12 (December 15, 2023). http://dx.doi.org/10.4000/danse.6734.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

44

Goupillon-Villefort, Lucile. "William Forsythe : déconstruire et renouveler la danse « classique »." L'Atelier du CRH, December 31, 2021. http://dx.doi.org/10.4000/acrh.24526.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

45

Basselier, Laetitia. "Qu’est-ce qui fait art en danse classique ?" Noesis, no. 37 (December 15, 2021). http://dx.doi.org/10.4000/noesis.5494.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

46

Santos, Vanessa Lessa Fraga dos, and Mônica Santos Salgado. "École de théâtre Bolchoï à Rio de Janeiro : intégration entre art, éducation et architecture." Revista Científica Multidisciplinar Núcleo do Conhecimento, June 8, 2021, 142–73. http://dx.doi.org/10.32749/nucleodoconhecimento.com.br/architecture-fr/ecole-de-theatre.

Full text

Abstract:

Le présent projet est le résultat d’une réflexion sur des thèmes tels que le ballet classique, l’art, l’enseignement traditionnel au Brésil et l’architecture, comment chacun est lié et comment les insérer dans la composition d’un projet architectural, ayant été présenté comme une exigence pour l’obtention diplômé de la Faculté d’Architecture et d’Urbanisme de l’UFRJ. Un concept a été recherché qui pourrait rassembler toutes les intentions de conception et qui ferait la corrélation entre l’art du ballet classique, l’art de l’architecture et le programme des besoins de l’entreprise. L’art de la conception ne doit pas simplement suivre des modèles, des paramètres et des formes rigides et, dans ce contexte, nous avons cherché à développer une architecture fluide et légère qui avait des caractéristiques des arts et du ballet classique. Pour cela, il a été vérifié la manière dont le corps du danseur exécute les pas de ballet et comment l’axe de ce corps permet les mouvements et la fluidité des pas de la chorégraphie. Il n’y a pas de « vrai ou faux » dans la réalisation d’un projet, ce qu’il faut prendre en compte, ce sont les orientations, les besoins et les spécificités de chaque public, espace physique ou culture locale. Le projet Bolshoi Ballet School à Rio de Janeiro ajoute des connaissances en danse, avec des cours pratiques et théoriques de ballet, jazz, contemporain, flamenco, claquettes et danses folkloriques à la formation secondaire dispensée au Brésil. Les étudiants apprennent des techniques vidéo et musicales, en plus d’avoir des cours de musique pratiques et théoriques, ce qui élargit encore leur formation en danse, faisant d’eux des danseurs plus complets.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

47

Cheymol, Florent, Antoine Bioy, and Nathalie Duriez. "La danse classique ou la domestication de la transe." Annales Médico-psychologiques, revue psychiatrique, March 2023. http://dx.doi.org/10.1016/j.amp.2023.03.006.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

48

Petit-Wood, Catherine. "Appréhender la danse classique et ses évolutions stylistiques par la pratique choréologique." Recherches en danse, no. 11 (December 15, 2022). http://dx.doi.org/10.4000/danse.5470.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

49

Bottero, Anouk. "Fanny Beuré, That’s Entertainment ! Musique, danse et représentations dans la comédie musicale hollywoodienne classique." Genre en séries, no. 11 (June 1, 2020). http://dx.doi.org/10.4000/ges.1094.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

50

Bauer, Elodie. "Les bandelettes croisées : l’attribut de la femme active grecque ?" Varia, no. 11 (January 1, 2021). http://dx.doi.org/10.54563/eugesta.70.

Full text

Abstract:

Cet article analyse la fonction identitaire, genrée et pratique d’un accessoire vestimentaire particulier, les bandelettes croisées. Portées sur la partie supérieure du vêtement, elles semblent caractériser les jeunes filles grecques à l’époque classique. Deux postulats principaux sont examinés de manière critique : d’une part le fait qu’il s’agisse d’un attribut associé aux divinités qui s’illustrent par leur goût du mouvement (Athéna, Niké...), d’autre part qu’il forme un signe de reconnaissance sociale des jeunes filles, παρθένοι, en manifestant leur statut de femme non mariée. Le rôle pratique d’un tel accessoire doit aussi être interrogé. Est-il destiné à maintenir uniquement le vêtement ou également la poitrine féminine lors de mouvements ? On le sait, les παρθένοι pratiquaient toutes sortes d’activités impliquant des mouvements vifs et variés, comme lors de jeu, danse ou rites initiatiques. L’article se propose dès lors d’analyser le rôle polysémique de cet attribut au travers du prisme de la nature active des jeunes filles qui le portent en se fondant sur les sources iconographiques et textuelles. La notion d’« activité », outre son sens littéral qui induit le mouvement, est à appréhender également dans un sens métaphorique d’agentivité féminine, directement lié au rôle des παρθένοι dans la société athénienne de l’époque classique que cet attribut éclaire.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

We offer discounts on all premium plans for authors whose works are included in thematic literature selections. Contact us to get a unique promo code!