Dissertations / Theses: 'Danse et mouvement'

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Park, Soyoung. "Le paradoxe du mouvement dans l'art pictural : interface, peinture et danse." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010519.

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Abstract:

Peintre, tout corps dansant m'apparait comme un flux incessant qui s'empare de moi. Il fait tourbillonner ma pensée qui remonte vers mon enfance, quand je dansais. L'hypothèse est que la pratique de la danse et de la chorégraphie apporte à ma peinture le flux continu qui, paradoxalement, s'incarne avec le maximum d'énergie dans la suspension du mouvement. D'abord, je condense dans mon carnet d'esquisses la succession des courbes dessinées par le corps dansant dans l'espace scénique. Danser et dessiner s'unissent le temps du spectacle de danse pour me rendre visible le flux temporel du mouvement. Ensuite, loin de la danse, je m'assieds dans mon atelier et je vis une dilatation de l'espace et du temps dans laquelle j'oublie le temps qui s'écoule et l'espace du monde. L'instauration de mes peintures repose sur la force des contraires : attraction et répulsion, flux et influx. Les efforts que je fournis pour peindre me rapprochent de la curiosité et de la "pureté" de l'enfance dans laquelle on ne cesse d'entrer. Loin de mon pays, mon réenracinement poïétique pourrait se concrétiser en passant par ma volonté de rupture avec mes acquis pour aller plus loin sur un terrain réapproprié. Ma thèse comprend trois parties : la partie 1, Le temps dans les arts plastiques : je tente de réfléchir au rôle du temps dans le processus pictural. La partie 2, Le corps en mouvement : je m'attache à comprendre la place du corps dans l'acte peint. La partie 3, Peindre et danser pour la vie : j'aborde les axes possibles de rapprochement entre la danse et ma peinture dans l'appréhension du mouvement et je tente de restituer ma démarche dans l'expérience de ma vie. Il peut paraitre paradoxal de vouloir traiter le mouvement, par essence libre et mobile, dans un espace pictural limité et fermé. Je capte du flux de mouvement dans ma mémoire, pour ensuite encapsuler dans ma toile l'énergie qu'il contient, et qui fera circuler le mouvement dans la pensée du spectateur.

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Fournié, Fanny. "Danse, émotions et pensée en mouvement : contribution à une sociologie des émotions : le cas de Giselle et de MayB." Thesis, Grenoble, 2012. http://www.theses.fr/2012GRENH032/document.

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Abstract:

Ce travail propose une réflexion menée à la croisée d'une sociologie des émotions, objet principal de la recherche, et d'une sociologie de l'art. En effet, la représentation d'un ballet romantique, Giselle, de Jules Perrot et Jean Coralli et d'un ballet contemporain, MayB, de Maguy Marin, forme le terrain de l'enquête. L'enjeu de l'analyse a consisté à rendre visibles les différents mouvements des émotions, à l'œuvre lors d'une soirée chorégraphique. D'un côté, le mouvement des danseurs sur la scène, qui, s'appuyant sur la technique corporelle, mais aussi la musique, le récit, les costumes et les décors, confectionnent les émotions. D'un autre côté, le mouvement des pensées, visibles chez les danseurs comme chez les spectateurs, à travers une sorte de dialogue intérieur participant à la fabrication des émotions individuelles. Enfin, le mouvement collectif des émotions échangées entre les danseurs et les spectateurs, dans un va-et-vient permanent, nécessaire à la construction de la matière chorégraphique. La méthodologie, qualitative, a été constituée de manière à saisir les différents temps de cette confection émotionnelle. Les observations directes, réalisées durant les répétitions, permettent de saisir, en amont, comment une technique de danse fabrique les émotions. L'observation participante lors des spectacles offre l'illustration, intime, du vécu corporel et émotionnel d'un spectateur : le ballet devient expérience, les spectateurs, acteurs de la soirée en train de se faire. Enfin, les entretiens, réalisés auprès des danseurs et des spectateurs, fournissent une matière sensible à la réflexion, tournée vers une sociologie compréhensive. Au final, la thèse présente les émotions comme « le corps » des relations sociales. Au travers elles, les individus se saisissent les uns des autres, soulignent leurs différences ou leurs similitudes, s'adaptent ou non au groupe, selon la « prise » ou la « déprise » des émotions du ballet sur eux This study stands at a crossroads between a sociology of emotions – the main focus of our research – and a sociology of art. The survey here presented is grounded in two dance performances, the romantic ballet Giselle, by Jules Perrot and Jean Coralli on the one hand, and on the other hand, the contemporary dance performance MayB, by Maguy Marin The point of this analysis was to bring out the various movements of emotion at play in the course of a choreographic performance. First, I have studied the dancers' movements on stage, which, while resting on the body's technique as well as the music, the story, the costumes and the decors, participate in the making of emotions. Second, I have delved into the movement of thoughts, perceptible in the dancers and in the audience, via a kind of interior dialogue which takes part in the making of various emotions. Last but not least, I have looked into the collective and continuous flow of emotions moving back and forth between the dancers and the audience, and which is necessary for the construction of choreographic material. The methodology here used is a qualitative one, aiming to grasp the various moments in the making of emotions. Direct observations carried out during rehearsals allow for a prior understanding of how a dance technique can create emotions. Participatory observation during the performances grants an intimate illustration of the physical and emotional response of a spectator: the ballet becomes experience and the spectators become actors of the evening in the making. Finally, the audience and dancers' interviews offer food for thought, building towards a comprehensive sociology. In the end, this thesis presents emotions as “the body” of social relationships. Through them, individuals take hold of one another, underlining their differences or similarities. They adapt to the group or they do not, depending on the hold the emotions of the ballet may have on them

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Negre, Richard. "Immobilité et mouvement : négocier avec le temps." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080039.

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Abstract:

Il s’agit d’interroger notre rapport au temps. Cette réflexion s’engage parune confrontation entre l’immobilité de la matière et son activation par le cinémad’animation. Dessin, peinture, volume ont quitté leur matérialité pours’incarner dans celle des images mouvantes. Mais voilà qu’à son tour, lemouvement de ces images animées agit sur la pratique du dessin- peinture- volume. Mouvement et immobilité évoluent dans une telle proximité qu’ildevient difficile de savoir lequel est à l’origine de l’émergence des formes.Du dessin qui se fait dans la durée au photogramme qui n’apparaît qu’1_25ede seconde à l’écran c’est avec une véritable distorsion des échelles detemps qu’on est amené à travailler et vite, à négocier. Alors, quelles stratégiesde création mettre en place face à ce paradoxe ? Parmi les diverschamps convoqués, la danse nous aidera à transformer cette négociationen l’expérience poétique recherchée. C’est alors que l’intervention de l’outilnumérique et le rapport singulier qu’il entretient avec le temps vient perturbercette stabilité. Les approches traditionnelles de conception du mouvementanimé semblant désormais insuffisantes il faut trouver un autre horizonque l’imagination saura définir Our purpose is to question our connection to time. This starts with the confrontation of immobility ofmatter and its activation by animated cinema. Drawings, paintings, and volumes have shed their ownmateriality to appear in that of shifting images. But then, the movement itself of the animated imagesaffects the practice of drawing - painting - volume. Movement and immobility evolve in such closenessthat it becomes difficult to perceive from which the shapes are emerging. From time-consuming handdrawing to photographic images which appear only for 1_25th second on screen, a true distortion oftimescales emerges with which one is to work, and soon compromise. Facing this paradox, whatstrategies of creation does one need to implement? Amongst the various interacting fields, danceacts as a developing tank and will help transform the approach into the desired poetical experience.This is when the use of digital tools and their peculiar relationship to time come to perturb this stability.Traditional design methods of animated movement have eventually become insufficient, and anotherhorizon remains to be defined, convinced as we are, that imagination holds the key

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Greilsammer, Haguit. "Métapsychologie du mouvement : la thérapie par la danse et le mouvement dans le traitement psychique." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070035.

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Abstract:

Notre objectif de recherche est l'appréhension de l'espace intérieur du mouvement chez l'homme. Les concepts et les théories d'Aristote, de Descartes ou de Freud sont utilisés pour étudier la question de la relation du corps et de l'esprit ainsi que le rôle du mouvement, et non pour éclairer leur pensée. Nous avons principalement pris appui sur les œuvres suivantes : chez Aristote, De l'âme, La Marche des animaux-Mouvement des animaux. Chez Descartes, Méditations, Les passions de l'âme. Chez Freud, « Traitement psychique (Traitement d'âme) », Métapsychologie, « Analyse avec fin et l'analyse sans fin ». Ce que nous enseigne Aristote, c'est quelles sont les facultés de l'âme et comment l'âme met le corps en mouvement. Descartes, nous permet d'appréhender la possibilité de la pathologie avec le mouvement bi-directionnel entre l'âme et le corps. C'est avec Freud, dans le saut de la métaphysique à la métapsychologie et l'hypothèse de l'inconscient, qu'une méthode de traitement devient possible. Ce retour à la théorie vise à produire une description métapsychologique du mouvement dans le but de conceptualiser son utilisation psychothérapeutique Our research objective is the apprehension of the human inner space of movement. The concepts and theories of Aristotle, Descartes and Freud will be used to study the body-mind relation and the role of movement, not for clarifying their thinking. We have used principally the following works: in Aristotle, On the Soul, Movement of animals-Progression of animals. In Descartes, Metaphysical meditations, The passions of the soul. In Freud, « Psychic treatment (soul treatment) », On Metapsychology, « Analysis Terminable and Interminable ». Aristotle teaches us about the soul faculties and how the mind puts the body in movement. Descartes allows us to apprehend the possibility of a pathology with the bi-directional movement between the mind and the body. It is with Freud, in the jump from metaphysics to metapsychology and the hypothesis of the unconscious that a treatment method becomes possible. Our return to the theory aims to produce a metapsychological description of movement in order to conceptualize its psychotherapeutic use

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Gadet, Steve. "Le mouvement Hip-Hop et le mouvement rastafari dans l'Amérique anglophone." Antilles-Guyane, 2008. http://www.theses.fr/2008AGUY0238.

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Abstract:

Durant notre travail de thèse nous avons porté notre intérêt sur l'étude des peuples créateurs, sur les espaces de création et enfin sur les créations elles-mêmes. Tout au long de notre réflexion, nous avons tenté de cemer les échanges interculturels entre ces deux ensembles. Ces mouvements socioculturels sont tous deux des conséquences de l'isolement racial vécu par les populations de couleur dans l'Amérique anglophone. Depuis leur intemationalisation, la culture hip-hop et le mouvemen trastafari ont su s'exporter sur les cinq continents. Nous avons choisi d'appuyer notre démarche méthodologique et conceptuelle sur les notions suivantes: Nouveaux Mouvements sociaux, le fait religieux, multiculturalisme, interculturalité, diversité culturelle et capitalisme, déterritorialisation, et créolisation. Les mouvements hip-hop et rastafari ont bâti un nouvel ensemble qui les transcende mais qui n'éradique pas leurs singularités respectives. Ce phénomène est à l'image du monde dans lequel nous évoluons. Les cultures hybrides n'ont plus un ensemble de valeurs rigides et bien définies, au contraire,ce mécanisme est de plus en plus complexe et parfois contradictoire. Dans nos sociétés, nombreux sont ceux qui doivent assumer leur avenir au point de rencontre de plusieurs cultures et de plusieurs groupes plus ou moins structurants. Au terme de notre démonstration, il ressort que notre hypothèse de départ est totalement vérifiée. Il existe bel et bien un lien entre le mouvemen rastafari et le mouvement hip-hop. Il y a bien un échange entre les deux diasporas composées " de descendants d'Africains transplantés" aux Etats-Unis et en Jamaïque During our thesis work we have focused our interest on the study of the creators, the spaces of creation and the creations themselves. Throughoutour discussions, we tried to identify intercultural exchanges between these two movements. These social movements are bot consequences of racial isolation experienced by people of color in the English-speaking America. Since their intemationalization, hip-hop culture and the Rastafarian movement have successfully exported themselves on the five continents. We chose to support our conceptua and methodological approach on the following terms: Interculturality, New Social Movements, religion, multiculturalism, cultural diversity and capitalism, deterritorialization and creolization. The hip-hop movement and Rastafarianism built a new set that transcends each other but dot not eradicatetheir respective specificities. This phenomenon is a refleçtion of the world in whichwe operate. The hybridcultures ino longer a set of rigidvalues and weil defined, on the contrary, this mechanismis becoming more complex and sometimescontradictoryln our society, many people must build their Mure at the meeting point of several cultures and several groups more or Iess structured. At the end of our demonstration, it is clear that our premise is completely verified. There is a link between the Rastafarian and the hip-hop movement. There are many exchanges between the two diasporas composed of descendants of Africans transplanted in the United States and Jamaica

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Kiss, Dóra. "La saisie du mouvement : de l'écriture et de la lecture des sources de la belle danse." Thesis, Nice, 2013. http://www.theses.fr/2013NICE2047.

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Abstract:

La thèse définit ce qui pourrait être une saisie du mouvement et interroge la possibilité d'écrire et de lire la danse. La belle danse, dont l'origine, la contextualisation, et la définition en tant que style sont présentés dans le premier chapitre est prise comme cas d'école. Le second chapitre est rédigé dans la perspective du scripteur et il présente une analyse de la notation Beauchamps-Feuillet. Le troisième chapitre, qui adopte le point de vue du lecteur, définit les règles implicites de la belle danse, déductible de l'analyse des sources, et propose une analyse de la "Türkish Dance" (c.1725), due au chorégraphe Antony L'Abbé et au notateur François le Roussau. La thèse se réfère aux recherches de Guillemette Bolens pour la compréhension de l'usage de l'empathie kinesthésique pour l'écriture et la lecture, comme à des recherches cognitivistes récentes (Alva Noë). Elle se réfère aux recherches d'Etienne Darbellay et à leur cadre théorique, par exemple la théorie de la métaphore (Jakoff & Johnson; Zbikowski pour son usage en musicologie) et la compréhension des processus mémoriels (Croisile). Elle prend en compte certaines études, cruciales pour la compréhension de la belle danse, de son écriture et de sa lecture (Francine Lancelot et Marina Nordera par exemple) This thesis defines if dance could be grasps, and how. Belle danse is taken as a "cas d'école" for unswering this question. Belle danse's origin, contextualisation and definition are given in the first chapter. The second chapter embraces the scriptwriter perspective to analyse Beauchamps-Feuillet notation. The third chapter adopts the reader's perspective (if "reading" can mean "decode", " analyse", "interpret" and "perform".) This chapter explicits some of belle danse's rules that are implicitly explained in the sources. It analyses the "Türkish Dance" (c. 1725). This score —and this dance— has been choreographed by Antony L'Abbé, and notated by François le Roussau. This thesis is written in reference to Guillemette Bolens researches that takes in acount the use of kinesthesis for writing and reading actions. It points to Etienne Darbellay's research based both on "théorie de la métaphore" (Lakoff and Johnson) and memory's process understanding (Croisile), and to crucial researches on belle danse writing and reading, particularly those of Marina Nordera

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Villard, Marie-Aline. "Poétique du geste chez Henri Michaux : mouvement, regard, participation, danse." Phd thesis, Université de Grenoble, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00919040.

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Abstract:

En quoi Michaux fonde-t-il son échange littéraire et artistique sur les gestes ? Nous montrerons qu'il inaugure le partage d'un espace d'action par l'activité de l'agi-sentir et du voir. Dans nos analyses, nous resterons au plus près de l'expérience du mouvement, en l'examinant dans ses relances et ses retours selon une circulation qui relie le regard, la trace, la corporéité et l'imaginaire. Pour accompagner théoriquement notre démonstration, nous avons sollicité des penseurs ayant comme point commun le mouvement - qu'il soit abordé d'un point de vue physiologique, anthropologique, phénoménologique, philosophique, artistique ou chorégraphique. Chacun se focalise sur une activité de l'œuvre qui met le lecteur/spectateur face à sa présence vivante. En définitive, la pratique du geste de Michaux engendrera celle d'une lecture inédite, qui deviendra à son tour productrice de gestes - à la fois éprise et ravisseuse des formes-forces qu'elle (re)découvre à mesure.

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Jacoby, Estelle. "Dialogues et convergences entre la danse et la poésie moderne." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082319.

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Abstract:

Le rapport entre la danse et la poésie est dans ce travail envisagé selon deux points de vue conjoints : une comparaison des enjeux communs auxquels ces deux arts, se trouvent confrontés et un pari méthodologique, celui de lire la poésie avec la théorie de la danse. Deux axes de réflexion se dégagent, établis à partir d'une définition resserrée de la danse comme art du corps en mouvement : précisément, le corps et le mouvement. L'étude de ces deux axes se distribue en trois parties. La première est consacrée à la déconstruction de la notion de corps pour penser avec la danse un corps pluriel qui ne s'inscrit plus du côté du donné mais de celui de la fiction. Est interrogée ensuite la question du passage du corps dans l'écrit. Trois opérations sont distinguées : la transcription, la traduction et la translittération. La troisième partie montre que la prise en compte, à partir de la danse, de la catégorie de mouvement, conduit à penser l'ouverture de la poésie au bouleversement du virtuel In this work the relationship between dance and poetry is seen from two related viewpoints : first, a comparison between the common stakes which those two arts are confronted with, and then, a methodological challenge consisting in reading poetry according to a dance theory approach. According to those viewpoints two main lines of thinking emerge from a restricted definition of dance as a body movement art : precisely body and movement. Those two lines will be studied in three parts. The first will deal with the deconstruction of the notion of body to enable dance to produce a plural body that no longer belongs to facts but fiction. Then will come the question of the body in writing. Three operations will be explored : transcription, translation and transliteration. The third part will demonstrate that, from the dancing point of view, taking movement category into account leads to consider the opening of poetry to the disruption of fiction

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Cordier, Virginie. "Influence de la simulation mentale guidée sur l'apprentissage du mouvement en danse." Thesis, La Réunion, 2010. http://www.theses.fr/2010LARE0003/document.

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Abstract:

Ce travail a pour objectif de mettre en évidence les effets de la simulation mentale guidée sur l’apprentissage, sur la performance et sur l’image du mouvement en danse. Dans la revue de littérature, nous présentons les principales théories de l’apprentissage cognitif et socio-cognitif, ainsi que les mises en œuvre des méthodes d’apprentissage issues de ces deux champs théoriques. Puis, à partir des spécificités de la danse « didactisée », des transformations visées en milieu scolaire et universitaire, et de la place des images mentales en danse, nous envisageons la simulation mentale guidée par des consignes rythmiques, motrices et métaphoriques. Nous présentons ensuite une étude préliminaire visant la construction d'outils d'évaluation de la performance en danse, ainsi que deux études expérimentales menées auprès de sujets adultes novices portant sur l'apprentissage lors de tâches de reproduction de forme et d'improvisation-composition. Les résultats dans ce qu'ils ont d'essentiel montrent (1) que la simulation mentale est une méthode d'apprentissage plus efficace que l'observation à partir du moment où elle est guidée, (2) que les consignes rythmiques sont fondamentales dans l'apprentissage en danse parce qu'elles permettent d'organiser et de structurer le mouvement, (3) que les consignes métaphoriques apparaissent particulièrement adaptées à la dimension expressive et artistique de la danse. Dans leur ensemble, ces résultats soulignent l'importance de guider la simulation mentale à l'aide de consignes pour s'assurer de son efficacité dans l'apprentissage This study aims to highlight the effects of mental simulation of guided learning, performance and image of the movement in dance. In the literature review, we present the main theories of cognitive and socio-cognitive, and implementations of learning methods from these two theoretical fields. Then, from the specifics of the dance "didactical" transformations referred by schools and universities, and the place of mental images in dance, we consider the mental simulation guided by rhythmic and metaphorical instructions. Afterwards, we present a preliminary study for the tool construction for assessing performance in dance, and two experimental studies conducted with novice adult subjects on learning tasks during reproduction of form and improvisation-composition. The results in their essence show (1) that mental simulation is a more effective method of learning than observation, from the moment it is guided 2) that the rhythmic instructions are fundamental in dance learning because they help to organize and structure the movement, (3) that the metaphorical instructions seem particularly suited to the expressive and artistic dimensions of dancing. Taken together, these findings emphasize the importance of guided mental simulation with instructions to ensure its effectiveness in learning

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Jean, Julie. "Mémoire de travail et rappel de séquences de mouvements chez les danseurs experts et novices." Montpellier 1, 2001. http://www.theses.fr/2001MON14007.

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Abstract:

L'objectif de cette these etait de determiner ce qui caracterise l'expertise mnesique en danse dans une serie de recherches portant sur les processus mnesiques dans la memorisation de mouvements de nature morphocinetique. Plus precisement, nous nous sommes interessees aux possibles implications de la memoire de travail dans cette tache. Trois experiences ont ete faites. Dans la premiere, nous avons etudie la nature de l'encodage dans la memorisation de sequences de mouvements chez des sujets experts et novices en danse. La deuxieme experience portait sur la nature de l'encodage en memoire de travail de sequences de mouvements prealablement appris. Dans ces deux experiences, nous avons utilise le paradigme de double tache dans lequel les sujets devaient effectuer une tache de rappel moteur immediat (observer et reproduire des sequences de sept mouvements non danses) dans differentes conditions d'interference, verbale, spatiale et motrice. Enfin, la derniere experience concernait l'utilisation de la memoire a long terme dans la memorisation de sequences de mouvements chez des novices et experts en danse. La methode utilisee a consiste a introduire un delai de retention entre la presentation des sequences et le rappel moteur, ce delai etant occupe ou non par une tache attentionnelle. Nos resultats montrent que l'expertise mnesique des experts repose sur l'optimisation de l'acces en memoire a long terme. Ils montrent egalement qu'il existe des registres de memoire separes pour le stockage des informations de nature kinesthesique et spatiale.

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Puxeddu, Vincenzo. "Le processus empathique et la régulation des émotions à travers la Danse Mouvement Thérapie." Paris 5, 2008. http://www.theses.fr/2008PA05H037.

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Abstract:

Etude de nature exploratoire, longitudinale sur vingt mois, avec une méthode tes-retest, à prévalence quantitative, par l'utilisation de deux échelles validées, l'Echelle d'Alexithymie de Toronto (TAS- 20) et l'IRI (Index de Réactivité Interpersonnelle) de Davis, supportées par un auto-questionnaire sur les compétences corporelles, imaginatives, émotionnelles et empathiques. La population est constituée de 119 sujets, dont 93% sont des femmes, qui ont pratiqué la DMT (Danse Mouvement Thérapie), divisés en trois groupes: étudiants en DMT, étudiants de l'Académie Nationale de Danse, participants à des groupes cliniques intégrés. Considérant la durée de l'intervention par la DMT, la population a été divisée en un "groupe de durée brève" (avec un parcours DMT < 10 mois) et un "groupe de durée longue", (avec un pratique > 10 mois). Dans le groupe de durée longue, on met en évidence une baisse significative de la sous-échelle F3 de la TAS-20 (pensée opératoire) et une augmantation de la sous-échelle considération empathique de l'IRI, alors que le questionnaire d'autoévaluation met en évidence un développement des capacités corporelles, émotionnelles, empathiques, d'évocation d'images tout au long de l'expérience de DMT. Ces compétences sont associées à une augmentation significative de la capacité d'expression par la parole. La méthodologie de la DMT Intégrée, par son dispositif qui associe une pratique corporelle à des moments d'élaboration par le dessin et a parole, semblerait favoriser un processus d'élaboration émotionnelle en activant ce que Wilma Bucci appelle le "cycle référentiel" An exploratory 20-month longitudinal study conducted with a primarily quantitative test-retest method via two approved scales, the Toronto Alexithymia Scale (TAS-20) and Davis' IRI (Interpersonal Reactivity Index), and supported by a self-evaluation questionnaire regarding bodily, imaginative, emotional and empathetic abilities. The test population was composed of 119 subjects, of which 93% were women, who did DMT (Danse Movement Therapy). The subjects were divided into three groups: DMT students, students from the Natioanl Academy of Dance and clinical study groups. Given the time DMT was used, the test population was divided into a "short-term group" (< 10 months of DMT) and a "long-term group" (>10 months of DMT). In the long-term group, there was a significant decrease in the F3 subscale of the self-evaluation questionnaire showed an increase in subscale empathetic consideration as measured by the IRI, and the self-evaluation questionnaire showed an increase in bodily, emotional, empathic and image evocation abilities throughout the DMT experiment. These abilities were accompanied by a significant increase in the capacity for verbal self-expression. The Integrated DMT method, which combines body movement with drawing and verbal self-expression would appear to facilitate a process of emotional growth by activating what Wilma Bucci calls the "referential cycle"

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Issartel, Johann. "Co-ordinations motrices interpersonnelles non-intentionnelles : contribution méthodologique et expérimentale." Montpellier 1, 2006. http://www.theses.fr/2006MON14005.

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L'objectif de ce travail de recherche porte sur la caractérisation des processus de co-ordinations interpersonnelles non-intentionnelles. Pour cela nous avons mis en place des situations expérimentales dans lesquelles les mouvements des participants n'étaient soumis à aucune contrainte cinématique. La tâche des sujets (seul ou en couple) était de bouger leur avant-bras droit, dans le plan sagittal. Notre but était d'analyser : i) la dynamique intrinsèque individuelle (ou signature motrice) et ii) la dynamique des co-ordinations émergeant entre deux personnes. Globalement, les résultats révèlent des co-ordinations préférentielles entre les personnes et le maintien de la signature motrice individuelle. Ils indiquent également l'émergence de co-ordinations non-intentionnelles et ce, même lorsqu'il était spécifiquement demandé aux sujets de ne pas se coordonner avec la personne avec laquelle ils étaient appariés. Nous avons basé nos interprétations sur le système de contraintes proposé par Newell (1985) que nous avons revisité et adapté à l'étude des co-ordinations interpersonnelles. L'ensemble de nos résultats montre que la nature des patrons de co-ordinations réalisés par les sujets dépend de l'interaction de trois types de contraintes : i) celles liées aux organismes (comme l'expertise : danseurs vs. Non-danseurs), ii) celles liées aux tâches expérimentales et iii) celles liées aux environnements (interaction ou non entre les sujets). La particularité de nos situation expérimentales nous a également conduit à développer un outil méthodologique : l'analyse croisée en ondelettes. Cette méthode permet l'analyse de l'évolution temporelle des fréquences de mouvements ainsi qu'une quantification de la phase relative de chacune de ces fréquences. Dans l'ensemble, cette thèse nous a permis de valider expérimentalement une nouvelle méthode d'analyse ainsi qu'un modèle théorique original pour l'étude des co-ordinations interpersonnelles.

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Thuries, Aude. "L'apparition de la danse : construction et émergence du sens dans le mouvement. : à partir de la philosophie de Susanne Langer." Thesis, Lille 3, 2014. http://www.theses.fr/2014LIL30025/document.

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Abstract:

Notre travail de recherche propose d'envisager et d'étudier la danse en tant qu'activité constructrice de sens. Cette notion complexe a été diversement thématisée et explorée au cours de l'histoire de la danse, mais n'a que rarement été questionnée frontalement. Nous nous appuyons, pour mener à bien cette entreprise, sur les travaux de Susanne Langer, philosophe américaine du XXe siècle dont les ouvrages explorent la question du symbolique. Elle a développé au sujet de la danse une pensée originale, et élaboré des concepts proposant de circonscrire au mieux les processus symboliques à l'oeuvre dans les pratiques non discursives, et en particulier dans l'art. Nous choisissons, plutôt que d’aborder la danse d’un point de vue ontologique, comme une catégorie en soi sous laquelle seraient subsumés certains mouvements, de la considérer comme un événement, dont la survenue peut être intermittente. Approcher la danse sous cet angle offre la possibilité de rendre compte de son éventuelle apparition dans toute forme de mouvement, de la danse artistique à la danse festive, du mime au cinéma, du rite à la création numérique. Ce choix de ne pas réduire a priori le champ d'étude permet a posteriori de redessiner une frontière nette entre la danse et les autres formes de mouvement ou de pratiques corporelles. En effet, notre travail tend à réaffirmer la spécificité fondamentale de la danse, quels que soient les environnements, moments et corps dans lesquels elle apparaît – une spécificité tenant à ses processus symboliques uniques, et aux sens qu'elle peut ainsi construire ou faire émerger The aim of our work is to consider and study dance as a sense-Building activity. Sense is a complex notion, which has been variously conceptualized in the course of dance history but merely investigated. In order to do so, we build upon the works of Suzanne Langer, a 20th century American philosopher whose writings explore the concept of “symbol”. She elaborated an original thought about dance and came up with concepts that allowed her to circumscribe the symbolic processes happening during the non-Discursive practices, in art especially. Rather than looking at dance from an ontological point of view or as a category that gathers certain types of moves, we choose to study it as something that may appear on an intermittent basis. Watching dance this way makes it possible for us to give an account of the possibility of its emergence in any kind of movement, whether it happens in the course of artistic dance, festal dance, mime, cinema, rite or within a digital creation. This decision not to reduce a priori the field of study allows us to draw a posteriori a clear distinction between dance and any other kind of moves or bodily practices. Indeed, our work tends to claim the fundamental specificity of dance, whatever environments, moments or bodies in or during which it occurs – a specificity that may be explained by its unique symbolic processes and the meanings or senses it may build or give birth to

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Bardet, Marie. "Philosophie des corps en mouvement : entre l'improvisation en danse et la philosophie de Bergson : étude de l'immédiateté." Paris 8, 2008. http://octaviana.fr/document/136508049#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

La rencontre de la philosophie avec la danse, en redéfinissant un terrain théorico-pratique, permet de saisir les corporéités en jeu à un niveau sensible et à un niveau représentationnel, à travers la relation gravitaire. Les collectifs de danse qui se constituent dans les années 1960 et 1970 aux États-Unis (le Judson Dance Theatre et le Grand Union) mettent en cause la fonction-auteur entre les membres des collectifs, et opèrent une répartition du poids dans le corps et entre les corps. L'improvisation exprime singulièrement quelques-unes des multiples directions prises par cette déhiérarchisation, dans une expérience gravitaire qui permet en même temps d'en critiquer le mythe d'une authenticité à soi et de poser les termes du problème d'une composition dans l'immédiateté. En travaillant cette dernière au plus près des mouvements dansés de Julyen Hamilton, se pense un présent de l'improvisation comme attention, dans un écho saisissant avec la philosophie de la durée de Bergson. En partant de la question de la posture intuitive se développe une pensée précise et critique de l'immédiateté et d'une composition immédiate comme différenciations qualitatives, hétérogénéités et agencements. Les déplacements qu'opère l'improvisation sur les terrains du possible renouvèlent une pensée de l'actualisation et des devenirs, dans des échos deleuziens, qui travaillent le champ de la représentation, et se situent ainsi au cœur des enjeux contemporains de la philosophie entre art et politique (Deleuze, Rancière), exigeant de penser et repenser l'écart qui saisit finement la réalité d'une production et composition immédiates This encounter between philosophy and dance -in redefining a theoretic-practical field- offers an opportunity to seize corporeities at play in dance from both sensitive and representational points of view, through its relationship with gravity. By splitting the weight in and amongst bodies, North American dance groups of the sixties and seventies (like The Judson Dance Theatre and The Grand Union) have called into question the author's function amid group members. Ever since then, improvisation has singularly expressed some of the many ways taken by that dehierarchization. And it has done so through a gravitational experience that allows both to criticise the myth of authenticity towards oneself, and to come to terms with the problem of composition and immediacy. Working closely with the danced movements of Julyen Hamilton, the present time of improvisation as attention is rethought in consonance with Bergson’s philosophy of duration. And departing from the common question of intuitive posture, a detailed and critical consideration of immediacy and immediate composition is undertaken in terms of qualitative differentiation, heterogeneity and assemblage. Finally, the shifts introduced by improvisation in the field of possibility renew the need for a philosophy of actualisation and becoming. At the same time, this shifts contest the grounds of representation in the edge of arts and politics that has livened up the latest philosophical debates (Deleuze, Rancière). And they force to think and rethink the separation "écart" set up in immediate production and composition

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Acogny-de, Souza Patrick. "Les techniques des danses africaines et leur expansion en France : transmission et genèse de corporéités interculturelles." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083419.

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Abstract:

On connaît très mal l’histoire des danses africaines sur le continent et de leur arrivée en France. Pourtant, il existe une histoire des pratiques, avec plusieurs ruptures dans les traditions qui feront entrer les danses d’Afrique dans une nouvelle ère, celle des danses de scène. En produisant de nouvelles formes, dont la plus récente est la danse africaine contemporaine, les danses d’Afrique attirent nécessairement l’attention. Cette histoire des danses d’Afrique, du fait de sa récente culture chorégraphique, recueille peu de recherches et savoirs sur les pratiques en cours. Quelles sont ces pratiques ? Quelles les pensées les sous-tendent ? Centrée sur les questions de la transmission et de l’enseignement, notre thèse poursuit une double perspective de l’analyse du geste dansé, observé à la fois sous l’aspect systémique et socio anthropologique. Ma problématique s’appuie sur l’hypothèse d’une mutation du sens et des modalités de transmission des danses africaines et, donc, sur une transformation de leurs pratiques. Elle questionne ces mutations et interroge cette poétique du geste dansé dans son esthétique et sa symbolique. De l’émergence des premiers cours de danses africaines à la mise en évidence des modalités de transmission ou de l’enseignement, jusqu’aux particularités esthétiques et kinesthésiques de ces danses, l’investigation tente de montrer comment ces modalités de transmission et d’enseignement, tout en ayant évolué et changé de sens, conservent les principes de base des danses africaines, tout en modifiant sensiblement la signification symbolique et kinesthésique des corps dansants. On assiste à l’émergence de corporéités originales, des corporéités interculturelles qui façonnent des formes de danses africaines inédites et hybrides We know very little about the history of African dances on the continent and their arrival in France. However, there is a history of practices, with several discontinuities in the traditional dances practices that will come from Africa in a new era of dance concert. By producing new forms, the latest of contemporary African dance, African dances necessarily attract attention. The history of dance in Africa, because of his recent choreographic culture, gathers little research and knowledge on present practices. What are these practices? What are the thoughts behind them? Focusing on issues of transmission and teaching, our thesis has a dual perspective of the analysis of dancing gestures, observed in both the systemic and social anthropological aspects. Our review is based on the assumption of a mutation of the meaning and methods of transmission of African dances and, therefore, a transformation of their practices. It questioned these changes, and questions the poetic gesture in dance aesthetics and symbolism. From the emergence of the first courses in African dance highlighting the methods of diffusion or education, to aesthetic and kinesthetic of these dances, the investigation attempts to show how those modes of transmission and education, while having evolved and changed direction, keep the basic principles of African dance, while significantly altering the symbolic significance of the body, and kinesthetic dance. We are witnessing the emergence of original dancing body types, body types of cross-cultural shaping of African dance forms and unusual hybrids

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Godfroy, Alice. "Ecrire, danser : prendre corps et langue : étude pour une 'dansité' de l'écriture poétique." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC012.

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Abstract:

Cette étude s’affronte à des poètes qui ne parlent plus spécifiquement de la danse. Elle parcourt les œuvres d’Henri Michaux, de Paul Celan, d’André du Bouchet et de Bernard Noël pour entendre sous le silence thématique de la danse la quête d’une forme de convergence plus élémentaire. D’un pli en deçà des mots qui s’opère à la genèse des gestes expressifs et convie danseurs et poètes à une même expérience du corps interne, de ses sentis infra-motiles et de ses inchoations de mouvement. De là naît un nouvel horizon comparatiste qui rend possible une autre façon de lire la poésie. Car un poème certes ne danse pas, mais il est porté par une certaine dansité qui renvoie au mouvement corporel qui le sous-tend et qui mobilise la motricité du lecteur. Cette trajectoire de l’infra nous déporte aux racines de tout acte créateur et nous permet d’envisager une poétique des arts à partir de l’expérience chorégraphique. Une réévaluation esthétique qui s’ente sur le savoir-sentir du corps dansant et fonde le concept de dansité en lui construisant un abécédaire (ressources motrices communes aux actes de danser et d’écrire) et une grammaire (principaux rythmes qui ressourcent le mouvement) This study meets poets who don’t properly write about dance. Immersing ourselves in the works of Henri Michaux, Paul Celan, André du Bouchet and Bernard Noël, we try to perceive beneath the thematic silence of dance, the quest for a more elementary form of convergence. This quest is also a confluence out of which expressive gestures are born, before words are formulated; soulful movements which invite dancers and poets to enjoy a common experience of the inner body, its infra-motile stirrings, its inchoate motion. This gives rise to a new comparatist horizon, paving the way for a different experience of reading poetry. For a poem indeed does not dance, but is supported by a certain « dansité » -dancity-, which alludes to the corporeal movement underlying the poem and which appeals to the reader's own motricity. Following this trajectory at the limbo and origin before movement happens, transports us to the root origin of every act of creation, and enables us to envision a poetics for the arts, one which would have the choreographic experience at its core

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Habig, Claire. "Mouvement et musique, partance et partition dans les oeuvres de Jacques Réda, Guy Goffette et Jean-Michel Maulpoix." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC012/document.

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Abstract:

Cette étude vise à montrer le lien entre mouvement et musique dans les œuvres de Jacques Réda, Guy Goffette et Jean-Michel Maulpoix. Leurs textes sont traversés par toutes sortes de déplacements, aussi insatisfaisants que complexes puisque départ et retour se mêlent au point dedevenir interchangeables. Entravés ou contraints d’avancer, les poètes rêvent de s’établir dans un entre-deux : entre mobilité et immobilité, entre départ et retour, entre ici et ailleurs. La partance est le moyen qu’ils trouvent pour concilier les opposés et partir tout en restant. C’est grâce à la musique et à la transposition d’éléments propres à cet art qu’ils parviennent à mener à bien ce paradoxal mouvement de surplace. En effet, par la mise en œuvre d’une partition ils déclenchent une efficace partance. La langue musicale se fait alors pleinement un moyen de transport. Véhicule et émotion, elle débouche sur des épisodes de danse où se réalise l’alliance du mouvement et de la musique This study tries to show the connection between movement and music in the works of Jacques Réda, Guy Goffette and Jean-Michel Maulpoix. Many kinds of complex and disappointing movements go accross their texts, and way off and way back are so intermingled that they become interchangeable. Trapped or forced to move forward, the poets dream to live between mobility and immobility, departure and return, here and away. The partance is the way they found out to reconcile the opposite and go away while they stay. Thanks to the music and to the transposition of its elements, they succeed in leading this paradoxical and motionless movement. With the writing of a score – partition – they cause an efficient partance. Their musical language becomes a means of transport. Vehicle and emotion, it leads to danse scenes where the alliance of movement and music shows through

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Lee, Ga-Young. "Création d'une pratique théorique, d'une théorie pratique à partir des quatre éléments : les quatre éléments comme expérience des matières corporelles et comme idées qui stimulent les sensations et l'imagination pour la danse." Nice, 2011. http://www.theses.fr/2011NICE2015.

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Abstract:

Ce projet de recherche - création naît du désir de rendre intelligible la logique de la naissance du mouvement telle que le danseur la ressent. La naissance du mouvement dansé s'articule avec la naissance d'idées. Comment les matières corporelles donnent-elles naissance à des idées? Comment les idées peuvent-elles produire des matières corporelles? Pour répondre à ces questions, les vécus du chorégraphe danseur sont analysés durant le processus d'une création sur les quatre éléments. Le travail sur l'élément terre éclaircit la relation qu'entretient le danseur avec la gravité. C'est la dimension affective de l'épreuve du poids qui motive chacun des gestes de la chorégraphie. Le travail sur l'élément air examine la question de l'empathie kinesthésique. Est proposée une danse qui n'est plus à regarder, mais à écouter. L'état affectif du corps malade est la matière première du travail sur l'élément feu. L'analyse de la façon dont la société se comporte face à l'étrangeté de ce corps met en évidence la violence théorique qui s'exerce sur la chair affective. Une chorégraphie tente de redonner la parole à ce corps affectif. À partir de l'expérience de l'apesanteur telle qu'elle est vécue dans l'eau, le travail sur l'élément eau chemine jusqu'à la réalisation d'une vidéographie où s'exprime l'épreuve intime et vertigineuse du corps fusionnant avec l'eau. Cette première étape du travail, descriptive et expérimentale, permet d'établir une méthode spécifique: «le regard intime», qui fouille au plus profond des couches sensibles du corps et qui renonce aux concepts hérités du monde extérieur. La seconde partie du travail s'appuie sur ce regard pour décrire l'épreuve que fait le danseur de la spatialité et de la temporalité. Par le pli, le danseur retourne son regard vers l'intérieur et s'affecte de son espace interne. Ce pli vers le dedans est aussi une remémoration des vécus passés. La danse vit dans ce passé intime. Au cœur de cette intimité, la dynamique qui lie les élans de la chair et les élans de la pensée peut alors être décrite. Les créations présentées lors de la soutenance révèlent cette dynamique This project of research - creation is born from the desire to make intelligeble the logic of the birth of the movement such as the dancer feels it. The birth of the dance movement works with the birth of ideas. How do the physical materials give birth to ideas? How can the ideas produce physical materials? To answer these questions, the experiences of the choreographer dancer are analyzed during the process of a creation on the four elements. The work on the element « Earth » clarifies the relationship between the dancer and gravity. It is the emotional dimension of gravity's effects which triggers each of the movements of the choreography. The work on the element « Air » examines the question of the kinesthetic empathy. A dance is offered which is not to be looked at any more but listened to. The emotional state of the sick body is the raw material of the work on the element « Fire ». The analysis of the way in which society behaves in front of the strangeness of this body brings to light the theoretical violence which is inflicted on the emotional flesh. A choreography attempts to give back a voice to this emotional body. From the experience of the weightlessness such as lived in the water, the work on the element « Water » advances towards the realization of a videography which expresses the intimate and vertiginous experience of the body melting with the water. This first stage of the work, descriptive and experimental, enables a specific method to be established: «the intimate look», which searches in the depths of the sensitive layers of the body and which gives up the concepts inherited from the outside the world. The second section of the work relies on this look to describe the experience which the dancer has of the spatiality and temporality. Through the fold, the dancer looks inwards and feels the interior space. This inward look is also a further recall of past experiences. Dance lives in this intimate past. In the heart of this intimacy, the dynamics which bind the impulse of the flesh to the impulse of the mind can then be described. The creations are presented during the defense and reveal these dynamics

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Shim, Kyung-Eun. "L'assimilation du tour-pivot en danse classique la Pirouette en dehors par la danse coréenne Hanbaldeuleodolgi : une étude comparative de la manière dont la danse classique et la danse coréenne maîtrisent les principes fonctionnels du tour-pivot à partir d'une analyse de leur apprentissage." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0010.

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Abstract:

A partir des échanges culturels entre l'Occident et l'Asie depuis début de 20eme siècle, la danse coréenne a intégré tout en les transformant des figures de la danse classique. Nous avons retenu un figure centrale de la danse classique la pirouette en dehors, qui dans la danse coréenne est connu sous le nom de Hanbaldeuleodolgi. L'intérêt de cette figure dansée est qu'elle relève d'une esthétique différente selon le contexte culturel dans lequel elle est réalisée tout en répondant à des principe mécaniques analogues. Notre recherche vise donc à saisir d'une part comment est exprimé dans ces deux cultures (France, Corée), un mouvement dansé qui relève de contraintes mécaniques similaire (créer des forces de rotation) et d'autre part comment cette figure dansée est apprise par les jeune danseuses. Pour mener à bien ce projet nous avons intégré diverses approches complémentaires entre différents cadres disciplinaires. Nous proposons deux manières de décrire le tour pivot qualitativement étudié à l'aide de la théorie de Laban et à partir d'entretiens semi-directifs de professeurs pour savoir comment chaque culture perçoit les propriétés du tour pivot d'une part et d'autre part comment l'apprentissage est envisagé. Par ailleurs une analyse biomécanique du tour pivot a permis de montrer comment chaque culture maîtrise les paramètres de mouvement. Ces analyses mises en perspective avec une certaine philosophie coréenne de la personne nous permet de saisir, du moins en partie, le processus de transformation et donc d'assimilation d'un mouvement dansé de la danse classique par la danse coréenne From the cultural exchange between the West and Asia since the beginning of the 20th century, the Korean dance has integrated quite a few aspects of classical dance while transforming its figures. The transformation itself is what we are interested in. We focused on a central figure in ballet la pirouette en dehors, which in the Korean dance is known as the Hanbaldeuleodolgi. Our research aims to understand how a dance movement which comes under similar mechanical stresses (producing rotational forces) is expressed in both cultures (France, Korea). To complete this project we believe that an overall approach between different academic fields was necessary. We propose two ways to describe the pivot turn qualitatively, a detailed description of the dance figures with the theory of Laban and semi-structured interviews of how high level teachers from both cultures perceive the pivot turn properties and how they view the learning process. In addition, a biomechanical analysis of the pivot turn has enabled to show how each culture finely tune motion parameters to give both dance its cultural artistic dimension. These analyzes set in perspective with some aspect of Korean philosophy of the person enables us to capture, at least partially, the process of transformation and therefore assimilation of ballet dance movements by Korean dance

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Lawton, Marc. "A la recherche du geste unique : pratique et théorie chez Alwin Nikolaïs." Phd thesis, Université Charles de Gaulle - Lille III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00881517.

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Abstract:

Nikolaïs a prolongé la pensée de Laban et l'a enrichie en l'expérimentant sur les corps-mêmes des danseurs de sa compagnie. son approche s'est développée dans un va-et-vient constant entre les 'principles' et l'expérience sensible du corps dansant. les éléments de langage chorégraphique (qualités de 'motion', 'shape'...) et les outils pédagogiques de nikolaïs (décentrement, 'gestalt' ou totalité reconnaissable, triade technique-improvisation-composition...) se sont élaborés sans être soumis à un savoir théorique extérieur. Cet enseignement consiste à munir le corps et l'esprit d'un savoir et d'une conscience immédiate des facteurs entrant en jeu dans le mouvement dansé. L'étude tendra à affirmer que là où il y a pédagogie, il y a théorie. la 'theory' est chez Nikolaïs un moment d'investigation à travers l'improvisation où concept, chorégraphie et performances sont instantanés. l'improvisation, un des éléments-clés de la modernité en danse, semble donc représenter le processus privilégié où pratique et théorie se confondent ou se vérifient l'une l'autre. Par ailleurs, sera aussi questionnée la prétendue "universalité" des outils et éléments de syntaxe de Nikolaïs, par l'analyse du contexte particulier des années 1950 (historique, socio-politique, artistique et technologique) et l'idéologie très liée à la personnalité de son créateur et à l'engouement qu'il a suscité. On se propose donc de déconstruire le modèle en empruntant une troisième voie au-delà de l'héritage fidèlement entretenu ou rejeté pour tenter, en contrant la présence diffuse de cet enseignement en France, une réhabilitation et une analyse qui questionneront la pertinence et les enjeux de cette pensée aujourd'hui.

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Raymond, Caroline. "Les pratiques effectives de transposition didactique dans la planification et l’enseignement de la danse à l’école primaire québécoise : un mouvement dialogique intérieur et interactif." Thèse, Université de Sherbrooke, 2014. http://hdl.handle.net/11143/5483.

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Abstract:

Dans l’actuel Programme de formation au primaire (Gouvernement du Québec, 2001), la danse est définie comme une forme d’art fondée sur la création, l’interprétation et l’appréciation chorégraphique. Il s’agit de trois compétences artistiques qui contribuent à l’atteinte des visées d’éducation artistique, esthétique et culturelle que l’école québécoise s’est données au cours de la réforme de l’éducation des années 2000. La présente thèse vise à comprendre comment se développent les pratiques effectives de transposition didactique à la lumière des savoirs prescrits dans le programme de danse au primaire. La notion de transposition didactique (Chevallard, 1985/1991) sert de principale assise conceptuelle pour éclairer la compréhension des modes de transmission des savoirs dans la planification de situations d’apprentissage et d’évaluation (SAÉ) ainsi que dans l’enseignement de la danse. Une enquête socio-anthropologique (Olivier de Sardan, 2008) a été menée auprès de cinq enseignantes au moyen de quatre méthodes de production de données qualitatives (collecte de documents, entretien biographique (Demazière, 2003), entretien d’explicitation (Vermersch, 2006) et observation des pratiques). L’analyse des données, à l’aide de la méthode par catégories conceptualisantes (Paillé et Mucchielli, 2012) s’inscrivant dans la tradition de la grounded theory (Glaser et Strauss, 1967/2010), a permis de cerner des phénomènes transpositifs de diverses natures (processurales, temporelles et procédurales), de décrire des dispositifs didactiques favorisant les apprentissages artistiques (A), esthétiques (E) et culturels (C) ainsi que de développer un modèle théorique complémentaire à celui de Chevallard. Ce modèle illustre un mouvement d’alternance entre deux types de dialogue didactique (DD) : l’un intérieur, l’autre interactif. À la croisée de ce mouvement dialogique s’opère un processus d’actualisation de la SAÉ se déroulant selon trois phases didactiques (conceptualisation de la proposition dansée, mise en forme de la SAÉ et élaboration du scénario d’évaluation). La théorisation des pratiques effectives de transposition didactique propose des retombées dans la formation initiale et continue à l’enseignement de la danse, lesquelles peuvent profiter à d’autres disciplines scolaires de nature praxique.

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Potrovic, Laura. "Ce qu'un corps peut devenir : cartographie entre danse et philosophie." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA087/document.

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Abstract:

Cette thèse n'explore pas ce qu'est le corps, mais ce qu'un corps peut devenir. Elle explore le corps comme un événement en train de se faire à travers les concepts tels que le Corps sans Organes (Antonin Artaud, Gilles Deleuze et Félix Guattari), le bodying (Erin Manning), le corps en train de se faire (Erin Manning) et le devenir (Gilles Deleuze et Félix Guattari). Ce que tous ces concepts ont en commun est l'état de devenir. Ici, le corps devient, et en tant que tel - c'est un verbe, une activité, une force. Cette thèse explore non seulement le corps comme une force de devenir, mais elle explore également le devenir de cette force - au niveau moléculaire, expérientiel et relationnel. Comme le dit Manning, un corps est toujours plus qu'un corps. Ici, nous essayons d'aborder les devenirs physiques, expérientiels et relationnels d'un corps en mouvement. Ce qui bouge le corps de l'état d'être vers l'état de devenir est le mouvement. Cette thèse tente de montrer comment le mouvement ne s'arrête jamais. Nous bougeons toujours, donc, il y a une continuité de devenir. Un corps n'est jamais uniquement une forme, il est une force-forme. Le mouvement est celui qui ouvre le corps vers son devenir de force(s). Un corps en mouvement n'est pas une forme d'expression, mais une force d'expressivité. Le mouvement fait le corps, par conséquent, le corps lui-même est un mouvement. Nous ne dansons pas avec le corps, nous dansons le corps lui-même. Le corps est une partition, un corps-partition, de son devenir This thesis does not explore what body is, but what a body can become. It explores the body as event-in-making throughout the concepts such as Body without Organs (Antonin Artaud, Gilles Deleuze and Félix Guattari), bodying (Erin Manning), body-in-making (Erin Manning). What all of those concepts have in common is the same state - a state of becoming. Here, body becomes, and as such - it is a verb, an activity, a force. This thesis does not only explore the body as a force of becoming, but it also explores the becoming of that force - at the molecular, experiential and relational level. As Manning says, a body is always more-than one. Here, we are trying to approach the physical, experiential and relational becomings of a body in movement. That which moves the body from the state of being into the state of becoming is movement. This thesis is trying to show how movement never stops. We always move, therefore, there is a continuity of becoming. A body is never just a form, but a force-form. Movement is that which opens the body toward its becoming of force(s). A moving body is not a form of expression, but a force-field of expressivity. Movement makes the body, therefore, the body itself is a movement. We are not dancing with the body, we are dancing the body itself. The body is a score, a body-score, of its own becoming

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Fratagnoli, Federica. "Les danses savantes de l'Inde à l'épreuve de l'Occident : formes hybrides et contemporaines du religieux." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083976.

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Abstract:

Cette étude se propose d’analyser les nouvelles créations chorégraphiques des artistes de la diaspora indienne, en prenant comme référence privilégiée le contexte anglais, le nœud le plus fructueux de l’expérience artistique indienne en Europe. Partant d’une analyse historiographique des danses de l’Inde, cette thèse remet en question les notions ce tradition et d’authenticité, souvent associées à ces formes de danse. La deuxième partie de ce travail propose une étude de cas spécifique : les créations chorégraphiques de l’artiste indo-anglais Akram Khan. L'examen de ses pièces permet de remettre en cause la notion d’hybride, couramment associée aux créations de la diaspora, qui ont recours à d’autres techniques corporelles pour dépasser la « tradition ». Une telle analyse laissera apparaître des connexions étroites avec la question du « religieux », qui pétrit les pratiques corporelles de l’Inde. La dernière partie de la thèse essayera de saisir comment la scène chorégraphique contemporaine a transféré et re-localisé le « religieux » propre à ces danses. Celui-ci ne s’incarne plus dans une divinité, il passe davantage dans un mouvement d’immanence, par l’individu et sa conscience corporelle. Ce parcours orientera notre étude vers l'examen des liens qui se tissent alors entre trois notions, très importantes dans un certain champ de la création chorégraphique contemporaine : sensation, body awareness (conscience du corps) et « spiritualité » This study analyzes new choreographic creations by artists of the Indian diaspora, taking the most fruitful Indian artistic centre in Europe, i. E. Britain, as its reference point. Beginning with an historical analysis of Indian dance forms, this thesis challenges the notions of tradition and authenticity with which they are often associated. The second part of this work deals with a specific case study: the choreographic creations of the Indo-British artist, Akram Khan. An analysis of his work raises questions about the notion of the hybrid, a notion that is commonly associated with the creative work of the Diaspora, which uses a variety of physical techniques to transcend the « tradition ». Such an analysis also reveals close connections with the « religious » question, which gives form to physical expression in India. The last part of the thesis will try to establish how the contemporary dance scene has transferred and relocated the « religious » within these dances. The « religious » is no longer embodied by a deity; rather it has become a movement of immanence through the individual and his or her physical consciousness. This study leads to an examination of the links between three concepts that are very important in a certain field of contemporary creation: sensation, body awareness and « spirituality »

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Alias, Valérie. "Postures et dérobades : écritures du corps en mouvement dans les œuvres d'Henri Michaux et de Samuel Beckett." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC038.

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Abstract:

Les oeuvres de Michaux et de Beckett se rejoignent dans leur méfiance à l'endroit du langage et des moyens de représentation. A cet égard, la représentation du corps est soumise à une critique radicale : il s'agit de pousser jusqu'à leur ratage les traditions langagières, rhétoriques, théâtrales, picturales qui prétendent donner une forme au corps. Ces stratégies de sabotage ont pour enjeu une réflexion sur le corps et le sujet : aux figures du corps-forme correspond une certaine conception du sujet que les oeuvres agressent, au nom d'une expérience du corps qui l'éprouve au contraire comme force, aussi instable et indéterminé que le sujet qu'il suppose. La critique, dans les deux oeuvres, exhibe donc à la fois les échecs des traditions figuratives, et les diverses tentatives pour représenter autrement cette matière en mouvement. Cet effort positif, expérimental, implique une attention extrême aux surfaces du corps et du geste : avant d'interpréter, de rapporter à une profondeur ces surfaces du corps, les oeuvres s'appliquent à scruter, inventorier, épuiser ses mouvements concrets, à noter ses expériences et ses états. D'où cette proximité entre les corps représentés dans les oeuvres de Michaux et de Beckett : on y détaille les blessures, les maladies, les chutes, comme autant d'événements où le corps apparaît dans son mouvement, c'est-à-dire dans ses capacités de métamorphose et de résistance. La thèse s'attache à suivre ce scrupule descriptif : quelles postures, quelles démarches, quels élans, quels tremblements, quelles lignes '? Ce faisant, elle propose de rapprocher ces écritures des façons dont la danse contemporaine pense, pratique et chorégraphie le corps en mouvement The works of Michaux and Beckett share a common distrust of language and of the various means of representation. For this reason, both display a radical critique of the ways in which bodies are represented : in these works, the linguistic, rhetorical, theatrical and pictorial traditions that daim to shape bodies are pushed to their breaking point. These strategies of subversion amount to a questioning of the ideas of « body » and « subject » : the various figures of the body-as-form are underpinned by a certain understanding of the subject which both works attack, and to which they oppose an experience of the body as force, as something equally unstable and indeterminate as the subject it presupposes. Hence, the critique that permeates both works exposes the failures of the various figurative traditions, and brings to light the various attempts at representing this matter-in-motion differently. This positive- and experimental endeavour requires that one pay close attention to the surface of bodies and gestures : these works scrutinize and record the concrete movements of bodies, take note of their experiences and the states they find themselves in. As a result, the bodies represented in the works of Michaux and Beckett have something in common: their wounds, their ailments and their fans become events in which bodies are shown in motion, in which their ability to change and resist are brought to the fore. The present study aims to share in this care to describe. In doing so, connections are drawn up between these works and the ways in which contemporary dance thinks, experiences and orchestrates bodies in motion

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Asaro, Gabriella. "L'éphémère qui se veut éternel : la sténochorégraphie d'Arthur Saint-Léon et les autres systèmes de notation de la danse au XIXe siècle." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2011. http://www.theses.fr/2011VERS001S.

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Longtemps ignorés, les systèmes de notation chorégraphique du XIXe siècle attirent depuis trois décennies l’attention des historiens de la danse et des spécialistes de notation chorégraphique, mais, jusqu’à présent, ils n’ont jamais été étudiés dans le cadre de l’histoire culturelle. Le but de notre thèse est d’étudier les relations entre la théorisation de la notation chorégraphique comme instrument de rachat et de régénération du ballet français, et les conditions de vie, de travail et de considération sociale des danseurs – et surtout des danseuses – du XIXe siècle, afin d’expliquer les raisons de l’échec des systèmes de notation chorégraphique de l’époque, malgré leur valeur et utilité potentielles. Cela nous a menée aussi à une réflexion sur les enjeux de la notation de la danse et de la reconstitution du répertoire du XIXe siècle After having been ignored for a long time, the 19th-century dance notation systems are drawing, since the last three decades, the attention of dance historians and dance notation specialists, but they have not been considered yet as a culture history phenomenon. Our PhD thesis intends to study the links between the theorisation of dance notation as a way of redeeming and regenerating French ballet, and the conditions of life, work, and social reputation of (mostly female) dancers in the 19th century, in order to explain why the dance notation systems of this period failed, in spite of their value and usefulness. Moreover, we consider the aims of dance notation and reconstruction of the 19th-century repertoire

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Beauquel, Julia. "Esthétique de la danse : définitions, expression et compréhension chorégraphiques." Thesis, Université de Lorraine, 2013. http://www.theses.fr/2013LORR0010/document.

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Abstract:

Ce travail d'esthétique philosophique est une analyse de l'art chorégraphique.Souvent considérée comme une forme d'expression immédiate et naturelle, la danse est aussi un art dont l'histoire relativement récente, les styles et les contenus thématiques sont riches et variés. Cette paradoxale combinaison de simplicité et de complexité mène à mettre en question nos systèmes théoriques les plus sophistiqués et nos distinctions conceptuelles les plus ancrées.Les avantages et inconvénients de diverses définitions philosophiques de l'art sont examinés, avant d'aborder la question du fonctionnement symbolique et de la réalité des propriétés chorégraphiques. En tant qu'art multiple, la danse représente un défi ontologique. Un chapitre est consacré aux processus créatifs, au statut de la notation et au rapport entre les oeuvres, leurs représentations et leurs interprétations. Après avoir proposé une définition de la danse, le travail étudie le concept d'expression. Outre les états mentaux et les mouvements physiques, l'intention et l'action, la liberté et le déterminisme, les notions d'expressivité naturelle, de technique, de style et de signification font l'objet d'une étude approfondie. Les dichotomies philosophiques traditionnelles se révèlent inadaptées à la danse, laquelle réconcilie la sensibilité et la rationalité, l'émotion et la compréhension, la spontanéité et la délibération, l'activité et la passivité, l'intériorité et l'extériorité, la contrainte et la liberté This study is a philosophical aesthetic analysis of choreographic art. Often considered as an immediate and natural form of expression, dance is also an art with a relatively recent, rapidly evolving history and varied styles and thematic contents. This paradoxical combination of simplicity and complexity leads to question our most sophisticated theoretical systems and our most apparently obvious conceptual distinctions, in a reconsideration of fundamental philosophical problems.The advantages and drawbacks of diverse definitions of art are examined, before addressing the symbolic functioning and the reality of choreographic properties. As a multiple art, dance is an ontological challenge. A chapter is devoted to the creation processes, the status of notation and the relation between the works and their performances and interpretations. After proposing a definition of dance, the study focuses on the concept of expression. In addition to mental states and physical movements, intention and action, freewill and determinism, the notions of natural expressiveness, technique, style and meaning are studied in detail. The traditional philosophical dichotomies appear to be inadequate to dance, insofar as this art reconciles sensibility and rationality, emotion and understanding, spontaneity and deliberation, activity and passivity, interiority and exteriority, constraint and freewill

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Clay, Alexis. "La branche émotion, un modèle conceptuel pour l’intégration de la reconnaissance multimodale d’émotions dans des applications interactives : application au mouvement et `a la danse augmentée." Thesis, Bordeaux 1, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR13935/document.

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Abstract:

La reconnaissance d'émotions est un domaine jeune mais dont la maturité grandissante implique de nouveaux besoins en termes de modélisation et d'intégration dans des modèles existants. Ce travail de thèse expose un modèle conceptuel pour la conception d'applications interactives sensibles aux émotions de l'utilisateur. Notre approche se fonde sur les résultats conceptuels issus de l'interaction multimodale: nous redéfinissons les concepts de modalité et de multimodalité dans le cadre de la reconnaissance passive d'émotions. Nous décrivons ensuite un modèle conceptuel à base de composants logiciels s'appuyant sur cette redéfinition: la branche émotion, facilitant la conception, le développement et le maintien d'applications reconnaissant l'émotion de l'utilisateur. Une application multimodale de reconnaissance d'émotions par la gestuelle a été développée selon le modèle de la branche émotion et intégrée dans un système d'augmentation de spectacle de ballet sensible aux émotions d'un danseur Computer-based emotion recognition is a growing field which develops new needs in terms of software modeling and integration of existing models. This thesis describes a conceptual framework for designing emotionally-aware interactive software. Our approach is based upon conceptual results from the field of multimodal interaction: we redefine the concepts of modality and multimodality within the frame of passive emotion recognition. We then describe a component-based conceptual model relying on this redefinition. The emotion branch facilitates the design, development and maintenance of emotionally-aware systems. A multimodal, interactive, gesture-based emotion recognition software based on the emotion branch was developed. This system was integrated within an augmented reality system to augment a ballet dance show according to the dancer's expressed emotions

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Damian, Jérémy. "Intériorités/Sensations/Consciences : sociologie des expérimentations somatiques du Contact Improvisation et du Body-Mind Centering." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH039/document.

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Abstract:

Je considère deux pratiques « somatiques » nées dans le même contexte culturel des années 70 aux États-Unis, l'une héritière de la postmodern dance — le Contact Improvisation —, l'autre s'inscrivant dans le champ émergeant de l'Éducation Somatique — le Body-Mind Centering. Je m'intéresse à elles en tant qu'elles expérimentent des discours, des pratiques et des savoirs sur les rapports entre le corps et l'esprit, ou encore la « conscience corporelle ». À la croisée de l'anthropologie somatique et de la sociologie des sciences, l'enquête porte sur des expériences qui questionnent l'évidence de notre conception « moderne » de l'« intériorité », réduite à sa part mentale, et qui contestent le partage selon lequel tout ce qui se manifeste « à la surface » du corps est une affaire publique tandis que tout ce qui s'y passe « en profondeur » est une affaire privée. Elle suit des praticiens qui font de leur « intériorité » un lieu de pratique et d'apprentissage, presque un lieu d'intervention publique, en construisant des sensations à la fois intérieures et publiques Ces pratiques instaurent la possibilité de se rendre sensible à des « entités intérieures » (internal material) qui comptent comme autant de ressources pour danser, improviser, composer et, plus largement, sentir, se relier et connaître. Cette recherche documente ce travail de « mise en culture des sens intérieurs » (Luhrmann) par lequel d'autres « versions » (Despret) de l'« intériorité », de la « sensation » et de la « conscience » se mettent à exister, à compter et à guider ceux qui apprennent à les cultiver. Au final, cette thèse ne fait rien de plus que de poser la question « qui danse ? », en s'obligeant toutefois à donner suffisamment d'épaisseur spéculative à cette interrogation pour que l'enquête puisse témoigner du nombre et de la variété de ceux que la réponse requiert et engage This inquiry considers two different somatic practices coming from the same cultural context: 70's in United States. One emerged whithin Postmodern dance experimentations — Contact Improvisation —, the other belongs to the “somatics” field (Hanna) — Body-Mind Centering. Both practices experiment discourses, knowledge and experiences on the binding of body and mind. The inquiry aims to document the ways practitioners, thanks to their inner sensations and specific training of their attention, allow their “interiority” to transform into a place for practicing and learning, or even into a public space. I intend to describe these practises as practices enhancing an « inner sense cultivation » (Luhrmann) revealing the opportunity for what we normally call « interiority », « sensation » or « body consciousness » to exist in other « versions » (Despret). Somehow, it just points out a recurrent question: “who does the dancing?”. And it brings another one: How could we force ourselves to detail our answers so that these new ‘versions' might start to vividly enter the dance?

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Glon, Marie. "Les Lumières chorégraphiques : les maîtres de danse européens au cœur d’un phénomène éditorial (1700-1760)." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0065.

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Abstract:

Conjuguant l'histoire des usages de l'écrit, l'histoire des transferts culturels et l'histoire du corps, cette thèse cherche à comprendre le phénomène éditorial qui se déploie en Europe, durant deux tiers de siècle, à partir de la Chorégraphie - « art de décrire la dance » dont les principes sont publiés à Paris en 1700. Grâce à cet art scripturaire sont publiées plusieurs centaines de « danses gravées », objets à la lisière de l'écriture et de l'image, dont le déchiffrage est destiné à mettre en mouvement le corps de l'usager. L'étude des danses gravées révèle des expériences novatrices quant à l'autonomie du lecteur-danseur postulé par ces objets. Elle éclaire également une pensée technique propre au premier XVIIIe siècle, alliant de façon originale l'abstraction et la culture artisanale : une conceptualisation du corps en mouvement s'invente au sein même des caractéristiques les plus concrètes d'ouvrages conçus comme des outils. Elle dévoile enfin un réseau d'échanges : il s'agit de faire circuler, dans des espaces géographiques et sociaux divers, des danses, mais aussi des idées et des innovations techniques. Pour les maîtres de danse qui y recourent, la Chorégraphie devient en effet une langue écrite internationale, au moyen de laquelle ils dialoguent avec leurs confrères. Investissant le monde de l'imprimé, instaurant les conditions d'exercice d'un esprit critique et collaboratif, ils reconfigurent leur statut et leurs activités. C'est l'ensemble de ce phénomène que nous appelons les Lumières chorégraphiques : un projet de mise en mouvement du corps, de mise en mouvement des frontières géographiques, institutionnelles et sociales, de mise en mouvement de pensée At the crossroads between the history of the uses of the written word, the history of cultural exchanges, and the history of the body, this doctoral thesis seeks to understand the publishing phenomenon which spread in Europe from 1700 to c. 1760 about and through Chorégraphie (i. E. "the art of dancing by characters") - following the publication of its principles in Paris, in 1700. Thanks to this scriptural art, hundreds of "dances engraven in characters and figures" were published; they pertained both to writing and to drawing, and were meant to set the user's body into motion. A study of these "dances in characters" brings out novel paths towards the self-reliance of the typical reader-cum-dancer targeted by these objects. It also sheds light on a form of technical thinking typical of the early 18th century, and characterized by a combination of abstraction and craftsmanship: a conceptualization of the dancing body emerged from the most concrete features of the printed material designed as a tool. It also reveals a whole network of exchanges: the aim was to introduce dances, but also breakthrough ideas and techniques, into different geographical and social areas. Indeed, for the dancing masters resorting to it, Chorégraphie was becoming a kind of written lingua franca. By taking hold of the world of print, and setting the conditions for the exercise of critical and collaborative thinking, they were redefining their own assignments and statuses. What we call Choreographic Enlightenment encompasses the various aspects of this phenomenon - the project of getting the body to move, boundaries to move, whether they were geographical, institutional or social, and thoughts to move

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Bonnet, Aurore. "Qualification des espaces publics urbains par les rythmes de marche : approche à travers la danse contemporaine." Phd thesis, Université de Grenoble, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00846710.

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Abstract:

En quoi et comment l'étude des rythmes de marche rejoint-elle une approche de la ville par le corps ? Cette question qui traverse ce travail, est aussi celle que nous formulons en direction de la conception architecturale et urbaine des espaces publics contemporains. En choisissant de contribuer aux recherches sur la marche en ville et en nous consacrant à l'étude des rythmes de marche, nous avons choisi de nous intéresser particulièrement à la définition de l'espace du mouvement, c'est-à-dire à l'importance, au niveau de la perception, de l'établissement d'une relation à l'environnement qui n'en appelle pas à une expérience finalisée de la réalisation d'un parcours d'un point de départ à un point d'arrivée, mais à celle de l'avènement d'une présence. De quelle manière s'établit cette relation à l'environnement qui nous ouvre à cette expérience de parcourir la ville sur le mode des variations présentielles ? Comment peut-on envisager concevoir l'espace public urbain selon ce mode du mouvement des corps et de l'espace ? En explorant cette problématique, nous inscrivons notre travail dans le champ des ambiances architecturales et urbaines, en revendiquant pour la marche à la fois sa dimension d'expérience sensible de la ville par le corps mais aussi, par l'engagement du corps qu'elle permet, la disposition à une posture pouvant enclencher le processus de conception. Notre étude a porté sur deux terrains : l'esplanade de la BnF et la passerelle Simone de Beauvoir à Paris. Entre immersion, recueil de paroles en marche et travail vidéographique, au détour de la post modern dance et de la danse contemporaine, notre recherche croise les dimensions sensibles, spatiales du mouvement et des émotions de la marche. Les analyses menées s'attachent à découvrir et restituer les mouvements de l'expérience présentielle de ces terrains d'étude. Ces observations pourront intéresser le milieu de la conception en l'amenant à une réflexion sur la composition des espaces publics en termes de conditions d'appuis des corps en marche permettant d'établir une relation à l'environnement dans le mouvement. Cette recherche ouvre aussi à un questionnement sur la façon dont une approche par l'esthétique de l'ambiance peut s'instaurer en critique de la conception architecturale et urbaine par le mouvement.

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Strazzacappa, Hernandez Marcia. "Fondements et enseignement des techniques corporelles des artistes de la scène dans l é́tat de Sao Paulo (Brésil) au XXe siècle." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081674.

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Abstract:

La presente recherche sur "les fondements et l'enseignement des techniques corporelles des artistes de la scene dans l'etat de sao paulo, bresil, au xxeme siecle" analyse la genese et l'appropriation de techniques corporelles codifiees utilisees dans la formation pratique des artistes de la scene. Certaines expressions utilisees dans le texte comme : "l'artiste de la scene", "l'education somatique", "reformateurs", "pratiquants" et "praticiens" ont trouves leurs respectives definitions dans l' introduction du texte. Divise en trois parties, la these presente d'abord la realite de l'enseignement general au bresil et, plus specifiquement, de la formation artistique. Nous avons examine, dans la deuxieme partie, les conditions de la naissance de deux courants complementaires : l'un ne du contact avec des reformateurs etrangers et l'autre genere par des theoriciens locaux. Les biographies des reformateurs du mouvement comme dalcroze, laban, alexander, feldenkrais, entre autre, ont ete soigneusement etudiees. Parmi les reformateurs locaux, la these analyse le travail de quatre bresiliens, dont les recherches ont ete tres importantes dans la formation des artistes dans l'etat de sao paulo : maria duschenes, klauss vianna, luis otavio burnier et jose antonio lima. La troisieme partie fait une analyse comparative entre les techniques abordees, a partir des notions fondamentales de chaque technique pour ensuite discuter le travail en salle, c'est-a-dire le travail pratique des techniques elles-memes, ou nous avons pu observer les digressions et les malentendus actuels.

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Clavilier, Marion. "Ut Saltatio Poesis : Le mouvement dansant de la poésie moderne chez Valentin Parnakh (1891-1951), William Carlos Williams (1883-1963) et Dominique Fourcade (1938)." Thesis, Université Clermont Auvergne‎ (2017-2020), 2019. http://theses.bu.uca.fr/nondiff/2019CLFAL016_CLAVILIER.pdf.

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Abstract:

L'horizon de cette thèse sur la poésie moderne est de sonder le mouvement dansant du texte et de dégager des critères sémiotiques pour rendre compte des implications théoriques d'une métaphore plus surprenante à première vue que celle de « musicalité littéraire ». Dans la mesure où les trois auteurs ne peuvent pas être appréhendés sur le seul plan littéraire puisqu'ils ont collaboré avec des chorégraphes, voire exercé l'activité de danseur-chorégraphe, la perspective historique est mobilisée, afin de saisir la similitude du rapport qu'ils entretiennent avec le moderne en danse. C'est finalement son élection comme un art-source pour l'écriture, qui unit les trois écrivains. Absorbant les leçons du moderne chorégraphique, l'écriture poétique enrichit les structures du langage d'une qualité corporelle et gestuelle. Pareillement, le mode de composition poétique se rapproche de la danse, agençant les constituants de la phrase et du vers, comme s'ils étaient des kinèmes. Par-delà la parcellisation des courants chorégraphiques au XXe siècle, le contemporain est appréhendé dans la thèse comme une continuation du moderne. Présente en poésie, la danse officie une totalisation des arts et du réel, et affiche le programme de la poétique à laquelle aspire l'écrivain. La deuxième partie de la thèse s'intéresse donc aux modes de présence de la danse à travers le texte poétique, envisagé comme objet polysémiotique. Les acquis de la danse moderne sont remodelés littérairement et transférés au poème. Le poète, ayant assisté aux pièces de danse, cherche à recréer ce qu'il a vu, incluant sa perception transformatrice de spectateur. Au sein de l'examen du transfert intersémiotique vers le texte, nous prenons pour outils les notions de « figure » et d' « ekphrasis ». Déjà, R. Barthes, notait dans les Fragments d'un discours amoureux le caractère chorégraphique de la « figure » textuelle. La danse ne s'apparente véritablement à une figure que lorsque le motif devient l'emblème d'une poétique. Nous restreignons l'« ekphrasis » à une danse théâtrale, réellement vue sur scène par l'auteur, et qui structure de manière cohérente un poème. L'ekphrasis implique une description au second ou au premier degré, selon que la danse est médiatisée ou non par la peinture. L'analyse permet, dès lors, d'établir une évolution d'une logique de la représentation, encore marquée, avec V. Parnakh, par le mimétisme des sons et des mouvements, à celle de la présentation, avec W. C. Williams et D. Fourcade. La présence textuelle de la danse est toujours étayée par une mention explicite (vocabulaire chorégraphique, du mouvement ou du corps, référence à tel danseur, tel chorégraphe, telle pièce...). Le plan de l'expression ou du contenu sémiotiques, seuls, ne suffisent pas à établir avec précision la dimension dansante. C'est donc le mode de lecture adopté, et le type de perceptions qui en découle, qu'il convient en définitive d'envisager pour fonder le caractère dansant de la poésie moderne. Le texte fonctionne comme une matrice pour l'interprétation-incarnation du lecteur, qui peut éventuellement déboucher sur son transfert en danse. Aussi établissons-nous une méthode originale, en vue de légitimer une approche de la textualité, déplacée du côté de l'acte de lecture. Ce dernier est envisagé comme une performance unique, celle d'un « autre lecteur », dont rendent compte trois situations d'auto-explicitation. Il existe un mode de lecture chorégraphique des textes, attentif à la dimension cinétique et kinesthésique des mots et des phrases, que nous examinons, après avoir constaté la difficulté à séparer l'étude du mouvement dansant et du mouvement dansé, en nous contentant d'une approche sémiotique. En revanche, si l'on adopte le point de vue du lecteur, les associations sont moins directement tributaires de la sémantique. [...] The perspective of this thesis on modern poetry is to probe the dancing movement of the text and to identify semiotic criteria to account for theoretical implications of an apparently more surprising metaphor than that of "literary musicality". Since the three authors can not be assessed solely on the literary plane since they collaborated with choreographers, or were even practioners of the art of dancer-choreographer, the historical perspective is used, in order to understand the common character of their relationship with modern dance. It is ultimately the election of dance as an art-source for writing, which unites the three writers. Absorbing the lessons of choreographic modernity, poetic writing enriches the structures of language with a corporeal and gestural quality. Similarly, the mode of poetic composition becomes close to dance, arranging the componentents of sentence and line, as if they were kinemes. Beyond the dissemination of choreographic currents, the contemporary is conceived in the thesis as a continuation of the modern. In poetry, dance achieves a synthesis of the other arts and the real, and displays the program of poetics to which the writer aspires. The second part of the thesis focuses on the modes of presence of dance through the poetic text considered as a polysemiotic object. The achievements of modern dance are literarily remodeled and transferred to the poem. The poet, having witnessed the dance pieces, seeks to recreate what he has seen, including his transformative viewer perception. In the examination of the intersemiotic transfer, we take as tools the notions of "figure" and "ekfrasis". Already, R. Barthes noted in A Lover's discourse : Fragments the choreographic character of the textual "figure". The dance is not really akin to a figure until the motif becomes the emblem of poetics. We limit the use of the term "ekfrasis" to a theatrical dance, really seen on stage by the author, and which brings a given poem a unitary structure. Ekfrasis implies a description in the second or first degree, depending on whether the dance is mediated or not by painting. The analysis allows, therefore, the evolution of a logic of representation, still strongly marked by the mimicry of sounds and movements, with V. Parnakh, with that of the presentation, with W. C Williams and D. Fourcade. The textual presence of dance is always supported by an explicit mention (vocabulary of dance, movement or the body, reference to a dancer, a choreographer, a piece ...). Expression or semiotic content are not sufficient to establish precisely the dancing dimension of the poem. Eventually, it is the mode of reading, and the type of perception that results from it, which founds the dancing character of modern poetry. The text functions as a matrix for the interpretation-embodiment of the reader, which can eventually lead to its transfer into dance. That's why we establish an original method, in order to legitimize an approach of textuality, that shifts to the reading act. It is considered as a unique performance of a "different reader", expressed through three self-explication situations. There is a mode of choreographic reading of the texts, attentive to the kinetic and kinesthetic dimension of the words and sentences, which we examine, after having noted the difficulty to separate the study of the dancing movement and the danced movement, when we settle with a semiotics of the text. On the other hand, if we take the reader's point of view, associations are less directly dependent on semantics. When he's reading, he develops from the text a kinetic perception, which may eventually lead to finding retrospectively in the form of the poem structures of movement. The notion of the inner world argues that the dance takes place inside the reader, even before its translation into dance

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Rebeschini, Nicola. "Image corporelle, Corps d'images. Processus de création et œuvre aujourd'hui. Hypothèses pour une esthétique organique : Étude comparative à partir de l'installation-performative Sketches / Notebook de Meg Stuart (Berlin, 2013)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA138.

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Abstract:

Le corps est être-au-monde. Le corps est l'être-vivant-de-l'image et, ainsi, le corps est image habitée. L'image-corps donne lieu à l'espace sensible lors de son apparition. L'Être comme Nature, peut-il se rendre visible à travers les images ou dans les gestes ? Y a-t-il une spécificité de certains fragments filmiques ou performatifs de la figure du corps et des formes de la persona ? Si cette spécificité a lieu, par quelles voies de la création esthétique ces images ou ces gestes se créent-ils et de quelles manières en imprègnent-t-ils l'œuvre ? Selon quels dispositifs de partage sensible de l'espace matériel et immatériel établi par l'œuvre le spectateur peut-il vivre l'expérience du surgissement de l'être dans l'image ou dans le geste dont il est témoin ? Cette étude est fondée sur l'expérience de recherche pratique et théorique des œuvres. Le sens de cette recherche est ancré dans l'expérience de la création de la danse performative et du cinéma du corps et, plus largement, du cinéma de danse. La quête d'une théorie du sensible est ici fondée, d'une part, sur l'étude du processus de création transdisciplinaire mettant en jeu le corps et les images / les images et les corps en mouvement, d'autre part, sur l'étude d'images mouvantes donnant lieu à une expérience de la présence du corps considérée comme spécifique à la matière de l'humain. Il s'agit, par cette perspective, dans un processus de création performatif, d'étudier les conditions qui donnent lieu au surgissement de ce que nous qualifions de corps d'images et, dans une œuvre filmique, de saisir et de décrire les modalités de l'apparition de ce que nous définissons comme une image corporelle. En ce qui concerne la recherche pratique, nous avons intégré l'équipe de création de l'installation performative Sketches / Notebook de Meg Stuart et, ainsi, constitué un corpus documentaire que, tout au long de notre recherche théorique, nous avons analysé et comparé avec un corpus complémentaire constitué d'œuvres performatives et, surtout, filmiques (on compte, parmi elles, Die Klage der Kaiserin, de Pina Bausch ou Sátántángo de Béla Tarr). Cette recherche nous a permis d’évoquer de nombreux liens entre diverses perspectives philosophiques et esthétiques et d'approfondir l'élaboration du concept janus bifrons d'image corporelle / de corps d'images en relation à la manifestation de la persona dans un environnement de dispositifs et de symboles que nous proposons de penser comme propre à une esthétique organique. En effet, nous reconnaissons à certains fragments de ces œuvres filmiques ou scéniques la puissance de création de l'espace sensible; une organisation de dispositifs dans l'image ou dans le geste capable de générer une mutation de l'espace de signes et de leur réception. De ce fait, nous comprenons qu'en terme de processus de création, certains fragments performatifs et certaines images semblent témoigner de protocoles d'expérience de créations qui - de manière plus propices que d'autres - permettent de donner lieu, voire de faire surgir, des images du corps comme images de la persona : par la présence particulière et universelle à la fois de l'être humain, signe ana-chronique d'une présence mortelle The body is being-in-the-world. The body is the image's-being-alive, and thus, the body is an inhabited-image. The image-body gives place to the sensitive space within its advent. Can the Being, as Nature, be visible through images or gestures ? Is there a specificity in certain filmic or performative fragments about the figure of the body and forms taken by a persona ? If this specificity is proven, through which means of the aesthetic creation can these images or gestures be created and how do they impact the artwork ? What are the devices of material and immaterial sensitive sharing of space, as settled by the artwork, that allow the onlooker to live the experiment of the emergence of being through the image or the gesture which he is witnessing ? This study is based upon the experience of practical and theoretical research on artworks. The meaning of said research is rooted in the experience of creation concerning performative dance, cinema of the body and, in a wider perspective, dance cinema. The quest for a theory of the sensitive, in our work, has its foundations, first in the study of the process involved in transdisciplinary creation involving body and images / images and body in motion ; second, in the study of moving pictures generating an experience of the body's presence, considered as specific to human matters. In light of this point of view, our project, through the process of performative creation, is to study the conditions which give birth to the upsurge of what we call a body of images and, in filmic artwork, to grasp and describe the modalities through which what we define as a corporeal image appear. Concerning practical research, we have taken part in the creative team of Meg Stuart's performative setup, Sketches / Notebook, and thus assembled a set of documents which we have analysed and compared, all along our theoretical research, to a complementary set made of performative and, most of all, filmic artworks (among which are included Pina Bausch's Die Klage der Kaiserin and Béla Tarr's Sátántángo). This research gave us the opportunity to call to mind the numerous links existing between different philosophical and aesthetical points of view, as well as to deepen our construction of the janus bifrons concept of corporeal image / body of images, as related to the expression of the persona in an environment made of setups and symbols which our research designates as specific to an organic aesthetic. In fact, we recognize in specific fragments of these filmic or scenic artworks the creative power of sensitive space ; the arrangement of setups within the image or within the gesture, able to operate a mutation of the space of signs and their reception. Therefore, it is our understanding that, regarding the creation process, some performative fragments and some images appear to participate in protocols in creative experience which, in a more suitable manner than others, lead, or even give birth to images of the body as images of a persona, through the presence, all together individual and universal, of the human being as the anachronistic sign of a mortal presence

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Locatelli, Axelle. "Les chœurs de mouvements Laban : entre danses traditionnelles, gymnastique et expériences artistiques (Allemagne, 1923-1936) : étude à partir du fonds d’archives Albrecht Knust." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080036.

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Abstract:

En partant de la question de l’être-ensemble et de sa visibilité, cette thèse vise à souligner la multiplicité des discours et pratiques que sous-tend l’appellation « chœurs de mouvements Laban » [Bewegungschöre Laban] et à saisir ce que cache cette hétérogénéité. Elle tente d’expliquer comment cette pluralité s’accompagne d’un déplacement de certaines catégories qui implique une redéfinition du champ esthétique et de ses effets politiques. Les pratiques chorales que le groupe de danseurs et pédagogues constitué autour de Rudolf von Laban déploie surtout dans l’Allemagne de l’entre-deux-guerres s’appliquent à investir l’espace entre : entre danse et gymnastique, entre amateurs et professionnels, entre écrit et oralité, entre pluralité et uniformité… L’examen de ces tensions s’effectue essentiellement à partir du fonds d’archives Albrecht Knust déposé au Centre National de la Danse de Pantin. Il accorde une attention toute particulière aux partitions de danses chorales en cinétographie Laban et s’efforce de faire dialoguer observations théoriques et questionnements issus de la mise à l’épreuve en studio de ces partitions. Il s’efforce ainsi de donner à voir les pratiques chorales labaniennes et de montrer qu’elles témoignent de politiques à l’œuvre à différents niveaux : de l’individu, du groupe, de la chorégraphie de groupes, des discours, du contexte. Finalement, il s’agit d’interroger le poids de ces politiques face à l’emprise nationale-socialiste. Peut-on aujourd’hui, à l’heure où certaines danses chorales composées sous Weimar sont régulièrement recréés, défendre ces chœurs de mouvements Laban et à quelles conditions ? Starting from the question of being-together and its visibility, this thesis aims to emphasize the multiplicity of discourses and practices that underlies the term "Laban movement choirs" [Bewegungschöre Laban] and to understand what is hidden by this heterogeneity. It attempts to explain how this plurality is accompanied by a shift in certain categories that implies a redefinition of the aesthetic field and its political effects. The choral practices the group of dancers and teachers formed around Rudolf von Laban developed mainly in Germany during the inter-war period were set out to invest the space between: between dance and gymnastic, between amateurs and professionals, between writing and orality, between plurality and uniformity... The examination of these tensions is mainly carried out from the Albrecht Knust archives deposited at the Centre National de la Danse in Pantin. He particularly pays attention to the scores of choral dances in Labanotation and strives to make a dialogue between theoretical observations and questions alike stemming from studio experimentations of these scores. He thus strives to show the Labanian choral practices and to explain that they bear witness to policies at work at different levels: the individual, group, choreography of groups, speeches and context. Finally, it is a question of considering the weight of these policies in the face of national socialist domination. Is it possible today, at a time when certain choral dances composed under Weimar are regularly recreated, to defend these Laban movement choirs and under what conditions?

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Riom, Charlotte. "Apollon, Orpheus, Agon ou les étapes d’un cheminement spirituel : Une nouvelle interprétation de la trilogie grecque de Stravinsky et Balanchine, d’après une idée de Kirstein, à travers une perspective interdisciplinaire." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040237.

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Abstract:

Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles Les trois ballets grecs de Stravinsky et de Balanchine s’unissent autour de l’agonisme − qui trouve son origine dans l’agôn, en grec « lutte » − que nous définissons comme étant la conciliation entre l’apollinien et le dionysiaque. Nous tentons de montrer comment le ballet manifeste la recherche d’un équilibre entre les qualités apollinienne et dionysiaque, essence même de la trilogie, par sa représentation et sa dramaturgie. Nous proposons pour cela une méthodologie afin d’étudier la coexistence des arts. Un mémoire sur les écritures du mouvement est joint à la thèse. Il part d’une réflexion menée sur les supports matériels qui conduisent au ballet – enregistrements vidéo, DVD, dessins, photographies, captures d’écran, dessins, partitions chorégraphiques, initiées dans ce travail. En dégageant la signification profonde de la trilogie, nous en proposons une interprétation et une production nouvelles

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Namèche, Isabelle. "Le savoir-danser d'Isadora Duncan : origine et transmission d'une œuvre esthétique." Thesis, Normandie, 2019. http://www.theses.fr/2019NORMR103.

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Abstract:

Isadora Duncan fait partie de ce genre d’artiste qui laisse une empreinte profonde dans la culture. Arrivée en Europe en 1899 avec sa famille pour exposer sa nouvelle danse, Isadora Duncan va sillonner l’Europe et le monde pour montrer, au moyen de son savoir-danser, une voie à l’éveil de soi. Elle-même objet de cette expérience à laquelle elle a été préparée dans la cellule familiale par une éducation de l’amour de l’être pour ce qu’il est, Isadora choisit sa propre voie philosophique pour élaborer son œuvre en communauté et projeter de former, avec sa sœur Elizabeth, des disciples à l’art Duncan. Or, le contexte réformateur de la vie en Allemagne et le déploiement économique et technique de l’industrie, vont poser, d’une certaine façon, l’antagonisme des voies pédagogiques que choisissent les sœurs Duncan dans leur transmission. Elles vont surtout révéler la survivance d’un courant pédagogique antique à partir duquel elles construisent leur rapport au monde et le sens qu’elles donnent à l’aspect de la formation. Car le style d’Isadora Duncan, s’il peut être défini comme étant un style naturel, c’est qu’il pose la question de sa genèse, de sa transmission et de ce qu’il laisse en héritage. C’est cet ensemble de questions qui a motivé notre enquête par traces au sein des archives en suivant Isadora et sa famille. Mais c’est aussi dans les lieux de pratiques Duncan que nous avons suivi le fil de la transmission et le projet depuis son origine pour en comprendre le sens Isadora Duncan is part of this kind of artist who leaves a deep imprint in the culture. Arrived in Europe in 1899 with his family to exhibit his new dance, Isadora Duncan will travel Europe and the world to show, through his knowledge-dancing, a path to self-awareness. She herself is the object of this experience to which she was prepared in the family unit by an education of the love of being for what it is, Isadora chooses her own philosophical way to elaborate her work in community and project of form, with his sister Elizabeth, disciples at Duncan art. However, the reforming context of life in Germany and the economic and technical deployment of the industry will, in a way, pose an antagonism to the educational pathways chosen by the Duncan sisters in their transmission. Above all, they will reveal the survival of an ancient educational current from which they have built their relationship to the world and the meaning they give to the aspect of formation. For Isadora Duncan's style, if it can be defined as a natural style, is that it raises the question of its genesis, its transmission and what it leaves as an inheritance. It is this set of questions that motivated our investigation by traces in the archives, following Isadora and his family, but also in places of practice Duncan to find the thread of transmission and follow the project from its origin to understand the meaning

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Motais-Louvel, Guylène. "Introduire la danse à l'école primaire : enjeux d'un processus de "pédagogisation" d'une discipline artistique." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20011.

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Abstract:

Quels sont les enjeux de la « danse à l'école », comme processus de transmission et de création artistique? Nous délimitons ce que l'on nomme communément la « danse à l'école ». Contrairement aux autres domaines d'enseignement, elle ne bénéficie pas d'une place importante dans les programmes scolaires. Nous en cherchons les causes, en interrogeant les concepts qui la génèrent. L'un, fondateur, concerne l'idiotie corporelle et le mouvement dansé. Le second entretient une dialectique forte avec l'école et correspond à l'art, comprenant à la fois le rapport culturel aux œuvres et le processus artistique de création. Ceux-ci nous conduiront à quitter ce mot valise « danse à l'école» pour élaborer le concept d'éducation chorégraphique, configuration spécifique, qui se bâtit par un processus identique aux « mondes de l'art» analysé par Becker dans un contexte favorisant « la dynamique des relations interindividuelles et ses dimensions matérielles et cognitives», permettant ainsi que « l'identité sociale de ceux qui prennent part à la production et à la consommation artistique soit spécifiée par la nature de leur engagement dans le réseau de coopération et de leur contribution à l'activité collective qui fait l'œuvre d'art. » Cette inscription de l'art chorégraphique en milieu scolaire, dans un contexte spécifique, d'interactions socio-cognitives et inter-individuelles donne à chaque acteur (élève, enseignant, artiste, médiateur culturel, formateur, institutionnel) la possibilité de se saisir du nœud de la différence et de l'identité proposé par Hacking, lié à la prise en compte des mondes pluriels entrant à l'Ecole, selon les analyses de Derouet et Boltanski. Ce concept émergera d'une configuration départementale de l'Ille et Vilaine, tel que l'élabore Elias, permettant de relativiser notre propos aux caractéristiques spécifiques de notre terrain de recherchi et permettant de mettre en évidence la construction identitaire des acteurs dans un cadre interactionnel What are the stakes for "danse à l'école". There are two keys elements: 1. Transmitting the message and 2. Artistic development at school. To define what is more commonly named "dance at school" taking into account, unlike other teaching professions, it does not have the same advantage of an important place in the school programme. We are looking for the reasons, investigating the concepts behind it. One of the founders, looks at the corporal differences from one person to another and the dance movement. The second, is to have a strong argument to bring to the school so as they can agree to the art, taking into consideration at the same time the cultural relations to work and the process of artistic expression. Those who push us to move away from this expression "danse à l'école" and to develop the education al concept of choreography, a specific outline which builds an identical process to "the worlds of art" analysed by Becker in an encouraging context "the dynamics of inter-individual relations and his equipment dimensions and cognitive( knowledge construction) as weil as is "social identity of those who take part in production and artistic consummation whatever is specified by nature of their involvement in the co-operation network and their contribution to the collective activity which makes it a work of art". This interpretation of choreography in a school environment in a particular context of social therapeutic interaction and inter-individuals gives each player ( student, teacher, artist, cultural mediator, trainer and institutes) the possibility to seize the opportunity of difference and the identity proposed by Hacking, linked to the plural worlds inside the school system, according to the analysis of Derouet and Boltanski. This concept will emerge from a departmental outline from Ille et Vilaine, such as Elias, who allows you to relativise our grounds for research and also to display the development of the players identities in an interactive framework

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Naef, Aude. "Fronteras y zonas de contacto entre las escrituras coreográficas y poéticas : lenguajes del cuerpo a la palabra en la obra de Andrés Neuman." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040180.

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Abstract:

Le dialogue entre les écritures poétiques et chorégraphiques permet de questionner les fondements de la création artistique et d’observer le parcours qui s’effectue entre le sujet et le monde qui l’embrasse. Ces deux types d’écriture impliquent un mouvement de déplacement de la relation quotidienne au monde. Le regard poétique se focalise sur un périmètre du paysage, aussi bien spatial que conceptuel, et amène une pluralité de lectures. Dans la danse, la transformation de la sensation ordinaire du mouvement en geste chargé d’intention, permet de véhiculer lesignifié et d’ouvrir une voie interprétative. Dans son oeuvre, l’écrivain-poète Andrés Neuman interroge de façon formelle et thématique la notion de frontière et la simultanéité des temporalités et des espaces, en dialogue avec la danseainsi que la poétique du haïku, comprises comme écritures instantanées qui ne laissent comme trace de son émission que le souvenir immatériel de son image The dialogue between poetic and choreographic writings offers the possibility of a reflexion about the fundament of the artistic creation and allows observing the existing distance between the subject and the world that embraces him. Both kinds of writing imply movement, as an image of a displacement of the usual connection to the world. The poetic sight focuses on a landscape’s perimeter, in a spatial as well as in a conceptual level, and generates a plurality of readings andinterpretations. In the field of dance, the transformation of a usual sensation to a gesture filled with intentions, conveys the signified and opens an interpretative line. In his literary work, the writer and poet Andrés Neuman questions, in a formal as well as in a thematic level, the notion of frontier and the simultaneity of temporalities and spaces. This opens a dialogue with dance expression and the poetic of the haiku, both considered as an instantaneouswriting that only lets the immaterial memory of their image, as a trace of their emission

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Mahfoud, Abdelhamid. "Calligraphie, cinégraphie : étude de la relation entre le cinéma et les arts du tracé." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA146.

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Abstract:

Cette recherche tente d’envisager l’art du cinéma comme un art cinégraphique, c’est-à-dire, selon la définition qu’on propose dans ce travail, comme un espace d’images en mouvement se déployant au regard à travers des influx énergétiques qui en animent les composants. Pour en dégager cette substance scripturale et en relever les implications sur le langage du cinéma, cette recherche entreprend un détour par deux pensées de l’image qui ont traditionnellement fait de l’art du tracé un art majeur, manifestant par-là des préoccupations esthétiques et des pensées du langage qui nous semblent en divergence avec celles qui ont conduit l’histoire culturelle occidentale à inventer le cinéma. Que devient alors le cinéma lorsqu’il est investi par ces pensées ? Réciproquement, que peut leur apporter le cinéma en tant que technique, dispositif et matière ? Le premier détour, en posant des questions de mouvement, de geste et de temps, passe par la calligraphie et l’art pictural chinois pour interroger le cinéma en tant que machine à enregistrer, liée à une pensée de la conservation, de la mémoire et de l’événement. Le second détour, en posant des questions de lumière, de regard et d’espace, passe par la calligraphie et l’art pictural musulman pour interroger le cinéma en tant que machine optique, liée à une pensée de la mimésis, de la profondeur et de la monstration. Ces détours servent enfin de base théorique pour penser notre rapport quotidien aux images (numériques principalement), rapport qui se transforme de manière exponentielle et qui reconfigure notre manière de voir, de lire et de toucher les images ; selon un mode précisément cinégraphique This research attempts to envisage the art of cinema as a cinegraphic art, that is to say, according to the definition herein, as a space of moving images unfolding themselves to the gaze through energetic impulses that animate its component parts. In order to draw forth this scriptural substance and to ascertain its implications for the language of cinema, this research detours into two realms of thought on the image, which have traditionally elevated the art of drawing into a prominent art form, thus manifesting aesthetic preoccupations and notions of language which we perceive as diverging from those that led Western cultural history to invent cinema. What then becomes of cinema when endowed by these thoughts? Conversely, what can cinema offer them as a technique, a device and a subject? The first detour, by posing questions of movement, gesture and time, journeys through Chinese calligraphy and pictorial art to question cinema as a recording machine, bound to a conception of conservation, memory and of the event. The second detour, by posing questions on light, gaze and space, journeys through Muslim calligraphy and pictorial art to question cinema as an optical machine, bound to a conception of mimesis, depth and of showing. These detours serve as a theoretical grounding for thinking about our everyday relationship to images (mainly digital), a relationship that changes exponentially and reconfigures our way of seeing, reading and touching images; according to a strictly cinegraphic mode

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Maurepas, Fritz-Lucien. "Changement social et mouvement paysan en Haïti : une plaidoirie pour l'intégration des mouvements paysans dans le champ du mouvement social." Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30047.

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Abstract:

Au départ de Duvalier en 1986, des organisations paysannes d’un type nouveau ont vu le jour en Haïti. Leur émergence apparaît à la fois comme un moyen de survie par rapport aux groupes dominés et comme une effort d’émancipation politique et sociale. Les travaux de formation et de conscientisation d’une partie de l'Église (revendiquant directement ou indirectement la théologie latino-américaine de libération) d’une part, de certains leaders politiques et d’ONG d’aide au développement d’autre part, ont contribué à cet effort. Sous l’impulsion de petits projets de développement rural appuyés par ces institutions, des OP aux objectifs et au fonctionnement très variés se sont multipliées. Mais se dessinent en même temps, au sein de la dynamique paysanne, un triangulaire ‘leaders/opportunités/alliances’ et une situation de foisonnement dans lesquels les paysans ont parfois du mal à s’y retrouver. L’analyse de leur mouvement, en terme de légitimité sociale, devient ainsi compliquée mais intéressante pour la recherche en sciences sociales et humaines. Cette étude veut apporter une contribution à l’analyse des mouvements sociaux haïtiens. Elle plaide pour la reconnaissance du mouvement paysan et son intégration dans le champ du mouvement social classique. Elle cherche à trouver des éléments d’explication et de réponse au travers d’une double ambivalence ou d’un double questionnement qui conditionne son fonctionnement : un mouvement initié et appuyé généralement par des acteurs extérieurs (Eglise, Etat, ONG), ballotté entre aide au développement et quête identitaire, peut-il arriver à modifier la vie dans des espaces ruraux en transformation ? Dans le champ analytique et interprétatif des mouvements sociaux, certaines mobilisations, parce qu’elles sont issues d’acteurs d’en bas, ont souvent un traitement de second rang. Une telle procédure n’altère-elle pas la légitimité des phénomènes sociaux en même temps qu’elle porte atteinte à la sociologie de la connaissance ? At the end of Duvalier government in 1986, peasant organization of a new type came into exisance in Haiti. In a changing of social and political area, their emergence appears as a means of survival compared with the dominant groups and also as a struggle for a social and political emancipation. Work on profesional training and conscience awarness of a party of the church (claiming direcly or indirecly the latino-american liberation theology) on one hand, and on the other, political leaders and NGO aid for development, contribute to this effort. At the instigation of low-level rural development project supported by those institutions, opposition of the objectives and diversified functionning multiplied. But, taking shape at the same time within the peasant dynamics, a triangular “leaders/opportunities/alliances” and a situation of proliferation in which peasant sometimes get real difficult to find their way. Analysis of their movement in terms of social legitimancy has been as a result, complicated, but interesting for searchers in human and social sciences. The study hopes to contribute to the analysis of social movement in Haiti. It is pleading for the recognition for the peasant movement and its integration into the wider field of classic social movement. The study is trying to find element of explanation in a double ambivalance that determines peasant movement functionning : a movement initiated and also supported by external forces (Church, State, NGO), torn between development aids and search for identity; on the other hand, a field of classical analysis and interpretation that pushes certain collective movements into the background and gives them a treatment that alters their legitimancy. A procedure which obviously damages the sociology of knowledge and the global analysis of social movement

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Padonou, Assomption. "Danser, c'est manger : pour une ethnographie de la créativité artistique chez les Gun de Porto-Novo (Bénin)." Thesis, Strasbourg, 2019. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2019/PADONOU_Assomption_2019_ED519.pdf.

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Abstract:

L’importance de la danse gun est, non la belle chorégraphie sur laquelle sont souvent focalisés les regards, mais plutôt l’activité du sang dans le corps dansant, y compris la dynamique culturelle suscitée par le savoir endogène auquel se réfèrent les traditions ancestrales. Car les mouvements observés lors de cette danse sont des contractions de muscles (yè) chaque fois accompagnées de relaxations du corps (hwé), comme s’il s’agissait, au fond, d’une alternance chaque fois renouvelée entre un cumul et une dépense d’énergies. Il en résulte que la danse gun se nourrit d’énergies. D’une part, elle se nourrit d’une énergie physique sous l’impulsion du cœur qui rythme la bonne circulation du sang irrigant le corps dansant de nourritures. D’autre part, la danse se nourrit d’émotions suscitées par le savoir qui éveille la mémoire à la joie, au sens d’espoir. Ainsi, la danse consiste dans l’éclosion du corps à travers la belle chorégraphie ; elle révèle à la fois une ouverture du cœur rythmant la vie et un éveil de la mémoire à la beauté du paradis, au sens d’oubli des misères des hommes et de leur histoire. Dans le cadre de cette thèse, je soutiens que la danse n’est pas seulement un art, mais elle est aussi une forme de nourriture. La danse est un art au cœur duquel le corps dansant mange la vie. La danse présente des caractéristiques nutritives d’émotions, à la fois performatives et communicatives ; elles expriment les relations des Gun entre eux, y compris avec leurs Vodǔn The importance of Gun dance is not the beautiful choreography on which the spectators are often focused, but rather the activity of blood in the dancing body, including the cultural dynamics aroused by the endogenous knowledge to which the endogenous knowledge refers ancestral traditions among the Gun people. Indeed, the movements observed during the Gun dance are contractions of muscles each time accompanied by relaxations of the body, as if it were a renewed alternation between a cumulative and an expenditure of energies. As a result, dance feeds on energy. On the one hand, it feeds on a physical energy under the impulse of the heart that rhythms the proper circulation of blood irrigating the body dancing with nutrients. On the other hand, dance feeds on emotions aroused by knowledge that awakens memory to joy, to the sense of hope that sustains life. Hence, the dance consists in the hatching of the body through the beautiful ultrasound; it reveals both an opening of the heart punctuating life and an awakening of memory to the beauty of paradise, in the sense of forgetting the miseries of men and their history. As part of this thesis, I argue that dance is not only an art, but it is also a form of food. Dance is an art in which the dancing body eats life. Gun dance has nutritional characteristics of emotions, both performative and communicative, which help to express the most fundamental relationships of the Gun people with each other, including with their Vodǔn

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Ghafouri, Gharavi Mohammad. "Représentations sensori-motrices du geste graphique dans l'espace tridimensionnel." Nancy 1, 1997. http://www.theses.fr/1997NAN10017.

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Abstract:

L'objectif de ce travail est l'étude de la représentation de l'espace péri-personnel chez l'homme. Cette étude est abordée par l'analyse du mouvement du bras dans l'espace tridimensionnel. Ce mouvement consiste en la production de gestes graphiques -des ellipses- dans les trois plans de référence anatomiques : les plans sagittal, frontal et horizontal. Par le choix de ce paradigme expérimental, on considère le mouvement comme l'expression d'un processus cognitif per se : la représentation perceptivo-motrice de l'espace tridimensionnel. La production des gestes graphiques dans l'espace a été enregistrée au moyen d'un système d'analyse de mouvement tridimensionnel Vicon. Dans la première partie, une étude comparative a été faite sur la représentation mentale de l'espace et l'influence des informations visuelles. Les résultats de cette première partie mettent en évidence l'existence d'une anisotropie dans la représentation motrice des plans de référence anatomiques. Dans la seconde partie nous avons étudié l'influence de la nature du mouvement sur la production des figures orientées dans l'espace péri-personnel. Dans cette partie les ellipses ont été produites soit par le tracé continu soit par le pointage. Les résultats confirment l'anisotropie que nous avons trouvée dans la première partie de notre étude. Dans la troisième partie, les performances des personnes âgées ne souffrant pas de déficit neurosensoriel, ont été étudiées. L'anisotropie dans la représentation motrice de l'espace, observée chez les personnes âgées, peut être interprétée comme un rétrécissement de la représentation de l'espace péri-personnel The goal of this work was to study the representation of the peri-personnal space in man. This investigation is performed by analysing the arm movement in the three-dimensional space. This movement consisted in the production of drawing movements -ellipses- executed in the three anatomical reference planes: the sagittal, the frontal and the horizontal. By selecting this experimental paradigm, we consider the movement as the expression of a cognitif processus per se: the perceptual motor representation of the three-dimensional space. The drawing movements in the space were recorded by means of the Vicon three-dimensional motion analyser. In the first part of this work, a comparative study has been done about the mental representation of the space and the influence of the visual information. The results of this first part showed that the motor representation of the anatomical reference planes was anisotropic. In the second part, we have studied the influence of the nature of the movement on the production of oriented figure in the space. In this part, the ellipses have been produced by drawing and by pointing. The results confirmed the anisotropy found in the first part of our work. In the third part, the performance of elderly subjects -not suffering of any neurosensorial deficiency- has been studied. The anisotropy in the motor representation of the space, observed for the elderly subjects, can be interpreted as a shrinking of the representation of the peri-personnal space

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Trat, Josette. "Genre et mouvements sociaux." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2002. http://www.theses.fr/2002VERSA001.

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Abstract:

Cette thèse est une réflexion d'ensemble sur les mouvements sociaux contemporains à la lumière des rapports de genre. Elle comprend quatre parties. La première est principalement consacrée à l'étude historique des relations conflictuelles entre le mouvement féministe contemporain et le mouvement ouvrier en France, entre 1970 et le début des années quatre-vingt-dix. Pour l'auteure, il existe bien un conflit structurel entre ces deux mouvements sociaux. Néanmoins pour comprendre l'abscence de dialogue au cours de cette période, il est nécessaire, selon elle, de prendre en compte la déstalinisation tardive du PCF et sa volonté de contrôle des mouvements sociaux. La deuxième partie est une analyse critique de la pensée de F. Engels, théoricien socialiste du XIXe siècle et de C. Delphy, théoricienne du "mode de production domestique". J. Trat se démarque à la fois de la théorie marxiste orthodoxe et de la pensée féministe radicale. Pour elle, seule une analyse en termes de rapports sociaux de sexe peut rendre compte de la complexité des relations entre rapports de classe et rapports de genre. Dans la troisième partie, l'auteure s'interroge sur la définition même des mouvements sociaux. Aprés avoir contesté la définition normative du mouvement social par A. Touraine, elle propose une distinction entre les mouvements sociaux liés à des crises politiques et les mouvements sociaux de longue durée permettant l'organisation et l'expression de groupes opprimés. Enracinant sa réflexion dans plusieurs enquêtes, J. Trat s'interroge sur la place des femmes comme actrices dans les mouvements sociaux sous hégémonie masculine ou sous hégémonie féminine. Elle met également en évidence les apports d'une approche en termes de "mouvement social sexué" (cf. D. Kergoat). La dernière partie analyse les différentes dimensions de l'oppression et les différentes voies que peuvent emprunter les opprimé-e-s pour sortir de leur postion de victimes et passer du silence à la résistance This dissertation aims to provide a comprehensive analysis of contemporary social movements, relying on a gender-based approach. It comprises four sections. The first section focuses mainly on the history of clashes between the feminist and the working-class movements in France between 1970 and the early 1990s. It is shown that a structural conflict divides the two social movements. In order, however, to understand the lack of dialogue, during taht period, it also proves necessary to take into account the fact that the French Communist Party went through a belated destalinization process, while wielding every effort to keep all social movements under its sway. The second section provides a critical analysis of the thought of F. Engels, the 19th century socialist theorist, on the one hand, and of C. Delphy's concept of "domestic mode of producction" on the other. The approach finally adopted is shown to differ from both orthodox Marxist theory and radical feminist thought: it is argued that social structure cannot be explained except in terms of the complex interaction between class relations and gender relations. The third section raises the question of how to define social movements. A. Touraine's normative definition is discussed ans discarded: instead it is suggested that a distinction should be made between social movements arising from political crises and long-term social movements allowing oppressed groups to organize and voice their claims. Then, relying on first-hand field work, the text investigates what active part women can be observed to play in both male-dominated and female-dominated social movements. Evidence is also provided for the relevance of an approach in terms of "gendered social movement". The last section is devoted to analysing the various dimensions of oppression and exploring the various paths the oppressed (wheter male or female) will find to put an end to victimization and move from silence to resistance

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Artus, Estelle. "Dans le mouvement de l'art vidéo." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010693.

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Abstract:

À travers l'analyse d'œuvres vidéo personnelles et celles d'artistes contemporains, cette thèse propose de considérer les implications de l'art vidéo dans les perceptions et les conceptions du temps, notamment du temps présent. Elle procède de l'étude d'œuvres créées à partir des années soixante jusqu'aux années deux mille. La première partie de cette thèse s'attache à suivre l'évolution de la technique vidéo et de ses modes opératoires. La seconde partie s'intéresse aux formes temporelles rencontrées dans les films d'art vidéo (temps suspendu, répétition, ralenti, etc. ). Les questions de la nouveauté, de l' histoire et de la mémoire nous permettent de mieux saisir les relations entre les oeuvres et le postmodernisme dans laquelle elles s'inscrivent. Enfin, nous examinons le problème de l'indétermination des pratiques vidéo et des confusions que celle-ci génère entre domaines d'activité, genres, et modes de présentation et de représentation.

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Peckel, Mathieu. "Le lien réciproque entre musique et mouvement étudié à travers les mouvements induits par la musique." Thesis, Dijon, 2014. http://www.theses.fr/2014DIJOL025/document.

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Abstract:

La musique et le mouvement sont inséparables. Les mouvements produits spontanément lors de l'écoute musicale seraient le reflet d'un lien étroit entre le système perceptif et moteur. Ce lien est l'objet d'étude de cette thèse. Une première approche concernait l'impact des mouvements induits par la musique sur la cognition musicale. Dans deux études, nous montrons que bouger en rythme sur la musique n'améliore ni la rétention de nouveaux morceaux de musique (Etude 1) ni la rétention d'informations contextuelles relatives à leur encodage (Etude 2). Les résultats des ces deux études suggèrent la superficialité du traitement inhérent à l'expression des affordances musicales nécessaire à la production de mouvements induits par la musique dans la tâche motrice ainsi qu'un traitement moteur automatique de la musique indépendamment de la tâche. L'importance du groove musical a également été mise en évidence. Une deuxième approche concernait l'influence de la perception de rythmes musicaux sur la production de mouvements rythmiques. Notre troisième étude testait l'hypothèse selon laquelle les membres du corps seraient influencés de manière différente en fonction du tempo musical. Les résultats montrent que la tâche de tapping était la plus influencée par la perception de rythmes musicaux. Ceci serait dû à la nature similaire de la pulsation musicale et des mécanismes de timing impliqués dans le tapping ainsi qu'à des phénomènes de résonance motrice. Nous avons également observé la mise en place de certaines stratégies face à la tâche. L'ensemble de ces résultats est discuté à la lumière du lien entre perception et action, de la cognition musicale incarnée et des affordances musicales Music and movement are inseparable. The movements that are spontaneously procuded when listening to music are thought to be related to the close relationship between the perceptual and motor system in listeners. This particular link is the main topic of this thesis. A first approach was focused on the impact of music-induced movements on music cognition. In two studies, we show that moving along to music neither enhances the retention of new musical pieces (Study 1) nor the retention of the contextual information related to their encoding (Study 2). These results suggest a shallow processing inherent to the expression of musical affordances required for the production of music-induced movements in the motor task. Moreover, they suggest that music is automatically processed in a motoric fashion independantly of the task. Our results also brought forward the importance of the musical groove. A second approach focused on the influence of the perception of musical rhythms on the production of rythmic movements. Our third study tested the hypothesis that different limbs would be differentially influenced depending on the musical tempo. Results show that the tapping taks was the most influenced by the perception of musical rhythms. We argued that this would come from the similar nature of the musical pulse and the timing mecanisms involved in the tapping task and motor resonance phenomena. We also observed different strategies put in place to cope with the task. All these results are discussed in light of the link between perception and action, embodied musical cognition and musical affordances

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Lemay, Robert. "Forme et mouvement dans Solitude oubliée et Sarajevo." Acfas-Sudbury, 2006. https://zone.biblio.laurentian.ca/dspace/handle/10219/71.

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Lassibille, Mahalia. "Danses nomades : mouvements et beauté chez les WoDaaBe du Niger." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0179.

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Abstract:

Dans une vie de dispersion , les WoDaaBe du Niger, Peuls pasteurs nomades, se retrouvent lors des réunions d'hivernage et dansent. Pourquoi la danse est-elle au centre du rassemblement de la société ? Cette recherche mène une analyse anthropologique avec des techniques de la danse, à partir des mouvements accomplis et des conceptions des WoDaaBe. La première partie décrit les différentes danses réalisées. La deuxième comprend une comparaison entre elles. Les points communs établis permettent d'envisager la définition de la danse du point de vue des WoDaaBe et de considérer les relations existant entre danse et société. Néanmoins, les danses sont différenciées et hiérarchisées par les WoDaaBe. L'analyse de cette hiérarchie amène à définir une valeur essentielle, la beauté. La dernière partie de ce travail porte sur la beauté chez les WoDaaBe, sa dimention identitaire, ses significations et son devenir de la danse. Cette étude conduit alors à déconstruire la catégorie de danse africaine In a life of scattering, the WoDaabe of Niger, pastoral nomads which belong to the Peul, meet together during dry season and dance. Why is dance in the centre of the gathering of society? This research unertakes an anthropologic analysis with techniques of dance, from the movements and the woDaaBe representations. The first part describes the different wodaabe dances. The second part compares them. The mutual characteristics make it possible to define dance from the wodaabe viewpoint and to consider the relations between dance and society. Nevertheless, the dances are differentiated and treated on a hierarchical basis by the Wodaabe. The analysis of this hierarchy brings to define an essential value, beauty. The third part of this work studies the beauty in the Wodaabe, its relation with identity, its meanings, and what it becomes during dance. This study then leads to question the category of african dance

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Nogueira, Junior Dario de Azevedo. "L'interférence des mouvements sociaux dans l'ordre du jour des médiasLe cas du Mouvement des sans-terre au Brésil entre avril 1996 et avril 1997." Paris 2, 2003. http://www.theses.fr/2003PA020005.

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Brault, Patrice. "Estimation de mouvement et segmentation d'image." Paris 11, 2005. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00011310.

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Abstract:

La première partie de ce mémoire présente une nouvelle vision de l'estimation de mouvement (EM) dans les séquences vidéo. Nous abordons l'EM à partir de familles d'ondelettes redondantes peu connues et adaptées à différentes transformations, dont, plus particulièrement, la vitesse. Les standards de compression actuels prennent en compte une compression objet mais ne calculent toujours que de simples vecteurs de mouvements de ``blocs''. Nous avons mis en œuvre ces familles d'ondelettes car 1) elles sont construites pour le calcul de paramètres sur plusieurs types de mouvement (rotation, vitesse, accélération). 2) à partir des paramètres de mouvement, nous proposons une approche de l'EM basée sur l'identification des trajectoires des objets. L'approche s'apparente alors à une compression contextuelle, fondée sur une compréhension de la scène. La seconde partie présente deux développements concernant la segmentation non-supervisée dans une approche bayésienne. 1) nous réduisons le temps de segmentation d'une séquence par une mise en oeuvre itérative de la segmentation. Nous montrons l'application à l'EM d'une région segmentée. 2) nous réduisons le temps de segmentation en effectuant la projection de l'image dans le domaine des ondelettes. Ces deux développements sont fondés sur une modélisation de Potts-Markov (PMRF) pour les étiquettes des pixels ou des coefficients d'ondelettes. Ils utilisent un algorithme itératif de type Markov Chain Monte Carlo avec échantillonneur de Gibbs. Enfin, dans l'approche par ondelettes, nous avons développé le modèle de Potts-Markov pour l'adapter aux orientations privilégiées des sous-bandes d'ondelettes The first part of this thesis presents a new vision of the motion estimation (ME) in video sequences. We investigate motion estimation with redundant wavelet families tuned to different kind of transformations and, in particular, to speed. Today video compression standards are supposed to realize the compression in an object-based approach, but still compute raw motion vectors on “blocks”. We thus implemented these wavelet families because 1) they are built to perform motion parameter quantization on several kinds of motions (rotation, speed, acceleration) and 2) based on the motion parameters, we can propose an approach of the ME through the identification of the objects trajectories. The global approach is then closer to a contextual compression, based on the understanding of the scene. The second part introduces two new developments on unsupervised segmentation in a Bayesian approach. 1) we reduce the computation time of a sequence through an iterative implementation of the segmentation. We show an application with the ME of a segmented region. 2) We reduce the segmentation time by making the projection of the image in the wavelet domain. These two developments are based on a Potts-Markov modelling (PMRF) for the labels of the pixels and of the wavelet coefficients. They use a Markov Chain Monte Carlo iterative algorithm with a Gibbs sampler. We also develop a Potts model in the wavelet domain to tune it to the specific orientations of the wavelet subbands

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Almeida, Marcia Soares de. "Les affections plastiques du corps et la danse contemporaine." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010693.

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Abstract:

Mon travail porte sur la relation mouvement-du-quotidien/mouvements-sur-scene. II y a une manière particulière de bouger selon les sociétés, une sorte de fusion entre I'être et \'environnement, les individus s'imprègnent de choses subtiles qui les font singuliers. L'ego et la physicalité composent la personne, les interactions et I'intrication entre la participation sensorielle de I'individu et son environnement prouvent qu'il existe une me��moire corporelle mêlée a la perception corporelle. L'être humain est en constante reformulation par rapport à lui-même et a ce qui I'entoure ; grace a sa plasticite, il est pret à s'adapter. Le corps est toujours un réceptacle de valeurs. Le corps dansant remodèle Ie monde, tel qu'il se présente à la personne, a travers I'affect de I'environnement. Le danseur expose ses émotions d'une manière telle que Ie public peut les vivre a sa façon, il transforme, de manière poétique, la réalité quotidienne. Par son expression particulière, I'artiste réinvente Ie matériau brut qu'il transforme en une chose qui n'existe pas au départ

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Dissertations / Theses on the topic 'Danse et mouvement'

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