Dissertations / Theses: 'Danseuses'

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Boudreau, Manon. "Comparaison de la performance sur la figure complexe de Rey-Osterrieth entre une population de danseuses et une population de non-danseuses." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp05/MQ62577.pdf.

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Lacasse, Shirley. "Le travail des danseuses nues au-delà du stigmate, une relation de service marchand /." Acc%60es réservé UdeM, 2003. http://proquest.umi.com/pqdweb?index=0&did=845716731&SrchMode=1&sid=1&Fmt=6&VInst=PROD&VType=PQD&RQT=309&VName=PQD&TS=1191587205&clientId=48948.

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Abstract:

Thèse (Ph. D.)--Université de Montréal, 2004.
Titre de l'écran-titre (visionné le 5 oct. 2007). "Thèse présentée à la Faculté des études supérieures en vue de l'obtention du grade de Philosophiae Doctor (Ph.D.) en sociologie" Paraît aussi en version papier et en version microforme.

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Labbé, Lucie. "Danseuses et divinités : Modalités et enjeux de l'apprentissage de la danse de cour cambodgienne." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0700.

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Abstract:

La thèse a pour objet la danse de cour cambodgienne qu’elle aborde non seulement en tant que production sociale mais aussi dans ses aspects esthétiques et techniques. D’origine rituelle et palatine, cette forme de danse également nommée « danse classique khmère » est aujourd’hui enseignée dans un contexte étatique institutionnel. Depuis quelques décennies, elle est aussi enseignée et pratiquée dans les cadres touristique et humanitaire. Des tournées internationales et des associations créées par des Cambodgiens de la diaspora ont également contribué à l’exporter hors du Cambodge. Partant de ces observations, les conditions dans lesquelles le « savoir dansé » est aujourd’hui incarné hors de la cour sont examinées afin de mettre en évidence le rôle actuel de la danse et des danseuses. Il s’est avéré que, dans les différents contextes où elle existe, la danse de cour n’apparaissait pas seulement comme un symbole visible de l’identité cambodgienne. Une efficacité rituelle lui est toujours reconnue dans certains cadres, en particulier celui du ministère de la Culture et des Beaux-Arts. Là, l’apprentissage est particulièrement rigoureux et rythmé par des cérémonies qui actualisent le lien entre les générations passées et présentes de maîtresses et d’élèves. Les danseuses, forgées par la danse à la fois dans leur corps et dans leur esprit, incarnent des modèles de femmes khmères dans un cadre ethnico-national où la royauté demeure un référent social. Certaines revendiquent par ailleurs un nouveau statut d’artiste en développant une expression personnelle dans la continuité mais aussi, pour quelques-unes, dans une forme de rupture avec les référents monarchiques et étatiques
This thesis looks at Cambodian court dance, not only as a social production but also though its aesthetic and its technical aspects. Originally a feminine ritual practice from the court, this kind of dance also named "Khmer classical dance" is now being taught in astate institutionalised context. Over the past decade, it has also been performed in touristic and humanitarian settings by dance troupes mainly made up of young people from disadvantaged backgrounds. International tours and Cambodian associations of the diaspora also contributed to export court dance outside of Cambodian borders. Based on these observations, the thesis questions the conditions in which danced knowledge is nowadays embodied outside of the court, thus highlighting the present role of both dance and dancers. It turns out that, in the various conexts where it now exists, court dance does not only appear as a visible symbol of Cambodian identity. In some settings, it is still considered as ritually efficient, especially inside the Ministry of Culture and Fine Arts. There, apprenticeship proves to be particularly rigirous and is still regulated by ceremonies aiming to update the existing link between passed generations and current masters and students. Dancers, whose body and spirit are shaoped by dance, incarnate exemplary Khmer women in an ethnonational frame where monarchy remains a social referent. In addition, some dancers are claiming a new status as artist by developing self-expression through dance in continuity or, for a few of them, by breaking up with monarchical and state referents

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Valentin, Virginie. "De fille en aiguille : figures du féminin et façonnage du corps dans la danse classique." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20001.

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Abstract:

"Ce travail dégage le sens d'une figure prégnante dans notre imaginaire, la ballerine, et analyse la place de l'apprentissage de la danse classique dans le parcours féminin. L'héroi͏̈ne des ballets romantiques est une jeune fille qui reste ou devient une sorte de fantôme faute d'avoir pu se marier. La formation des danseuses les contraint à "incorporer" cette image. Un autre personnage féminin qui, lui, parvient au mariage, apparaît dans les ballets: la fille rouge. Certaines danseuses professionnelles ont toujours été des filles blanches, tant à la scène que dans la vie; d'autres ont renoncé au métier de danseuse, incarné tour à tour la fille blanche et la fille rouge ou exercé d'autres styles de danse. Les jeunes filles qui pratiquent la danse en amateur abandonnent souvent la danse classique à l'adolescence pour se tourner vers les danses "modernes" ou "exotiques". La danse classique apparaît comme une étape dans l'initiation féminine, étape qu'il faut dépasser pour devenir une femme. "
The purpose of the dissertation is to bring out the meaning of the ballerina. It analyses the part taken by the learning of classical dance all along the feminine route. The heroine of romantic ballets is a young girl who becomes a sort of ghost for having not been able to get married. The training of the ballet dancers oblige them to "incorporate" this image. Another feminine character who succeeded in getting married can be seen in ballets : the red girl. Some ballet dancers have always been blanck dancers either on stage or in life; someothers have given up their professions, embodied from turn to turn by the blanck girl and the red girl or have performed other types of dances. The young girls who practice ballet dancing as amateurs usually will give up classical ballet dances when they are teen agers to shift to "modern" or "exotic" dances. The classical ballet-dance appears to be a stage in the initiation of girls which has to be overstepped in order for them to become women

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Ducrey, Guy. "Poétique de la danse et de la danseuse à la fin du XIXe siècle." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040060.

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Abstract:

A la fin du xixe siecle, la danse connait en europe une fortune sans precedent dans les textes. Dans des poemes, des romans et des novuelles que l'on peut compter par centaines, les danseuses deviennent un objet legitime et fascinant de representation. Elles constituent pour les ecrivains un enjeu proprement litteraire et ont une valeur heuristique pour le critique d'aujourd'hui. Par leur art du silence suggestif, qui les offre a la libre interpretation, elles somment naturalistes, symbolistes et decadents de prendre position. Mais un examen rapproche des textes revele que ces categories, traditionne llement distinguees par l'histoire litteraire, sont labiles. Considerees a l'aune des ecrits sur la danse, elles peuvent etre remises en question, et maints ecrivains de l'epoque les font coexister dans leur oeuvre. La coherence intime de l'imaginaire fin-de-siecle en matiere de choregraphie se situe donc au dela des courants litteraires: dans une interrogation inquiete sur l'ecriture et le langage, et leurs possibilites memes d'existence. Langage sans paroles, ecriture sans traces laissees, la danse est, dans un imaginaire melancolique et crepusculaire, le lieu d'une reflexion sur l'avenir incertain de la litterature
At the end of the 19th century, dancing becomes a favourite subject of representation in european literature. Dancers play important, sometimes essential parts in poems, novels and innumberable short stories. For writers, they become a literary stake, and for today's critic, they have an heuristic value. Their art of suggestive silence submits them to free interpretaion, and they summon naturalists, symbolists and decadents to disclose their positions. But in closely considering the texts, those categories, which history of literature has traditionnaly distinguished, appear fluctuating. As studied through the problems of dancing and ballet in literature, they can be put in question : the works of many writers reveal that naturalism, symbolism and decadence may coexist at the end of the century. The intimate coherence of the fin-de-siecle imagination in its relation to dancing thus lies beyond literary movements : in an axious questionnin g of writing and language, whose very conditions of existence are henceforth called in question. As a language without words, as a writing without traces, dancing is, in the melancholic and crepuscular imagination of the fin-de-siecle, the subject of a reflection about the uncertain future of literature

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Boukobza, Julie. "Être danseuse "orientale" au Caire : Construction, usages et enjeux d'une figure du féminin." Aix-Marseille 1, 2006. http://www.theses.fr/2006AIX10047.

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Abstract:

Le personnage de la danseuse « orientale » professionnelle révèle diverses conceptions de la féminité. Ces personnages ont été élaborés dans la littérature européenne traitant d’exotisme et de la femme « orientale ». Ils sont finalement réinterprétés au début du XXe siècle au sein de l’industrie cinématographique du Caire qui en fait des figures locales. Aujourd’hui les danseuses « orientales » au Caire sont de nationalités diverses. Elles font émerger une figure d’exubérance corporelle. Frappées de marginalité en tant que professionnelles d’une activité de séduction, elles ouvrent la possibilité d’interactions sociales transgressives au sein d’espaces festifs. Les discours sur cette danse féminine exaltent aussi avec fierté une féminité conçue comme locale et nationale. Ces représentations d’une identité de genre se cristallisent autour de la notion d’une nature féminine émotive, enracinant une ligne de partage entre une féminité conçue comme égyptienne voire « orientale » et les féminités venues d’autres horizons.

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Gourland, Natacha. "Ballerines de banlieue : géographie critique de la danse classique, du studio à la scène mondiale." Electronic Thesis or Diss., Paris Est, 2023. http://www.theses.fr/2023PESC0010.

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Abstract:

La thèse étudie la pratique de la danse classique en petite couronne parisienne à partir d'un terrain dans douze communes de banlieue, toutes dotées d'un conservatoire de danse. Dans ces structures, la danse classique est enseignée à un public jeune (12-25 ans), majoritairement féminin, dont les propriétés sociales et les pratiques urbaines sont au cœur de l'analyse. « Se placer » dans le vocabulaire de la danse, c'est être au bon endroit, au bon moment, pour exécuter le bon mouvement sur la musique. En géographie, la métaphore du placement et l'expression « être à sa place » désignent les tactiques de positionnement des individus et des groupes sociaux dans l'espace. À partir des pratiques de danse, la thèse interroge les stratégies de « placement de soi » pour révéler la façon dont les danseuses s'approprient l'espace et la manière dont elles perçoivent la légitimité de leur présence et de leur corps en petite couronne. Ce travail questionne les hiérarchies de corps et d'espaces entre Paris et ses banlieues afin d'identifier les tensions qui conduisent certains corps à être “In place” et d'autres “Out of place” (Cresswell, 1996) dans l'univers de la danse classique et dans les institutions culturelles. À partir d'une approche intersectionnelle de la danse, la thèse met en évidence la dimension spatiale de la distinction culturelle à plusieurs échelles. Elle démontre que la pratique de la danse classique s'insère dans des stratégies de placement où les rapports sociaux de classe, de race, de genre, d'âge et de validité interviennent dans l'expérience de la banlieue parisienne et dans la construction d'une carrière sur la scène internationale. En plaçant la focale sur les pratiques urbaines et artistiques des jeunes danseuses, il s'agira de déconstruire la vision exotique et englobante de « la » banlieue pour situer les lieux de la distinction et de la respectabilité féminine. À partir d'un corpus de 77 entretiens, de 42 séances d'observation participante dans des cours de danse, d'ateliers cartes mentales et d'un stage en conservatoire, la thèse analyse les pratiques artistiques des jeunes femmes sous l'angle des rapports de pouvoir. Je questionnerai la manière dont la danse est désignée et véhiculée en petite couronne par plusieurs acteurs (élus, institutionnels, parents, professeures de danse et élèves) pour prêter attention à la manière dont les jeunes femmes s'insèrent inégalement dans ce champ de pratiques
This dissertation studies the practice of classical ballet in the inner suburbs of Paris, based on a fieldwork in twelve suburban municipalities, all of which have dance conservatories. In these structures, classical dance is taught to a young (12-25 years old), white, predominantly female, middle-class public. These young women and their practices are the focus of the thesis. To ‘be placed' in the vocabulary of dance is to be in the right place at the right time to perform the right position. In geography, the rhetoric of placement and the expression "being at one's place" refer to the tactics of individuals and social groups in space. Using dance as a starting point, my thesis interrogates the metaphor of 'self-placement' to reveal the way in which dancers appropriate space and the way in which they perceive the legitimacy of their presence and their body. This work questions the centre-periphery dialectic between Paris and its suburbs, in order to identify the hierarchies and tensions that lead bodies to be "In place" or "Out of place" (Cresswell, 1996) in ballet. Using an intersectional approach, the thesis highlights the spatial dimension of cultural distinction and what placement strategies reveal about gender, class and race relations in the experience of the Parisian suburbs. By focusing on the urban and artistic experiences of young women, the aim is to deconstruct the exotic and all-encompassing vision of 'the suburbs', but also to question the construction of respectability and carrier in dance. Based on a corpus of 77 interviews, 42 participant observation sessions in dance classes, 20 mental maps and an internship in a dance conservatory, this dissertation analyzes dance practices at several scales, from the dance studio to the international stage, by placing the focus on young women

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Bush, Alexandra J. "Jane Avril, Toulouse-Lautrec, and Paul Sescau: Advertising a Fin-de-Siècle Danseuse." Scholarship @ Claremont, 2019. https://scholarship.claremont.edu/scripps_theses/1401.

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Abstract:

This thesis examines the relationships cabaret dancer Jane Avril formed with artist Toulouse-Lautrec and photographer Paul Sescau. As the star dancer of the Moulin rouge, Avril enlisted these two artists to create promotional images for her that set her apart from other performers in the competitive entertainment scene of the 1890s. This ability to direct her own advertisement methods was a creative opportunity that was available to few women during this time. These three figures were friends and artistic partners who lived in the outcast of society in fin-de-siecle Montmartre where they worked together and supported one another. Their many collaborations prove that Avril as well aware of the power she had in commissioning the most successful avant-garde artists of her time. This thesis studies Toulouse Lautrec’s painting Jane Avril Leaving the Moulin Rouge in chapter one, his poster, Jardin de Paris in chapter two, and Paul Sescau’s photograph of Avril in chapter three. Moving from Toulouse-Lautrec’s painting and poster to Paul Sescau’s photograph, I will show how Avril utilized multiple mediums to disseminate her image across Paris. Ultimately, mass media afforded Avril the most direct agency in shaping her public image. These collaborations prove that Toulouse-Lautrec in particular had an acute awareness of the public persona Avril crafted as a sophisticated yet unorthodox dancer.

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MITTLER, DUFOURNET BRIGITTE. "Le pied de la danseuse : a propos d'une enquete sur 108 eleves de danse classique." Besançon, 1991. http://www.theses.fr/1991BESA3031.

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Dubois, Kitsou. "Application des techniques de la danse à l'entraînement du vol en apesanteur : une danseuse en apesanteur." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081582.

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Abstract:

L'etude est fondee sur une approche transdisciplinaire, directement issue d'une pratique en danse contemporaine et du modele de corps qu'elle developpe. Pour la premiere fois au monde, un corps dansant a ete reellement confronte a un nouvel environnement, la microgravite, en participant a neuf vols paraboliques a bord de la caravelle zero g de l'agence spatiale francaise, le cnes. Cette these propose un parcours a travers plusieurs disciplines pour mettre en evidence les differences et les analogies entre danseurs et astronautes et reflechir a ce qu'ils peuvent s'apporter les uns les autres. Les informations fournies par la recherche spatiale sur l'observation des astronautes, la recherche fondamentale (notamment la neurophysiologie, l'ethologie, la psychologie) pour l'analyse du mouvement, et la recherche appliquee - medecine spatiale et entrainement des astronautes vont permettre d'elaborer un entrainement specifique a partir des techniques de danse. L'interet de notre travail consiste a etablir des connexions, a proceder par analogies et a tenter de faire des syntheses plutot que d'aborder chaque discipline dans son entierete. En analysant l'espace du corps du danseur sur terreet en apesanteur, nous allons faire exister une trajectoire entre la realite d'un mouvement avec poids et celle d'un mouvement sans poids. Ici, la danse contemporaine ouvre un espace de recherche, s'inscrit dans le vaste milieu "art/science", explore de nouveaux territoires grace aux nouvelles technologies et propose une autre conception de la perception visuelle. Elle s'inscrit dans l'art spatial.

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Hennebert, Elisabeth. ""Coureurs de cachets" : histoire des danseurs russes de Paris (1917-1944)." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010594.

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Abstract:

Entre 1917 et 1944 à Paris, une colonie russe se constitue par immigration des réfugiés de la révolution bolchévique ayant suivi divers itinéraires dont la capitale française n'est souvent qu'une étape. Entre autres moyens d'intégration, une petite partie des Russes de Paris trouve dans la danse une activité professionnelle d'autant plus fructueuse que les Ballets Russes de Diaghilev ont contribué, depuis 1909, à faire connaître aux Parisiens le talent des danseurs russes. Pédagogues, directeurs de compagnie, interprètes, chorégraphes voire membres du ballet national français, les danseurs russes de Paris forment dans l'Entre-Deux-Guerres un véritable milieu socio-professionnel cohérent et de plus en plus influent dans l'art chorégraphique français. Les ballets des Théâtres Lyriques Nationaux notamment, pénétrés par l'élément russe dont le représentant le plus important est Serge Lifar, s'en trouvent profondément bouleversés et durablement réformés. Ce phénomène, inscrit dans un contexte d'augmentation sensible de l'immigration en France au début du XXème siècle, n'est pas sans provoquer d'importants blocages et des signes de fermeture tels que l'adoption d'un quota de danseurs étrangers dans les théâtres subventionnés La Seconde Guerre Mondiale et l'Occupation allemande ne marquent pas de véritable coup d'arrêt aux activités de ce milieu mais elles accélèrent un mouvement de dispersion amorcé dès la fin des années trente et dont les bénéficiaires sont le ballet monégasque et surtout le ballet américain.

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Nhean, Chamnan. "L'éducation cambodgienne à travers le roman de Roland Meyer Saramani (danseuse cambodgienne) : réalité cambodgienne ou vision occidentale ?" Paris, INALCO, 2002. http://www.theses.fr/2002INAL0013.

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Abstract:

Cette thèse apporte d'abord des informations sur la carrière et les œuvres de Roland Meyer. Vient ensuite une analyse détaillée du texte publié en 1919, qui représente l'édition originale et seule intégrale du roman. L'édition de 1922, qui est une version remaniée et expurgée, est présentée à la suite, suivie d'une étude comparative des deux textes pour déterminer ce qui a été éliminé. La deuxième partie expose ce que Roland Meyer décrit à propos des relations entre les parents et les enfants, puis au sujet de l'éducation des enfants. Sont étudiées ensuite la vie du couple khmer et tout ce qui concerne l'éducation sociale, ainsi que le rôle des croyances dans la vie de la communauté. En conclusion, il apparaît que Roland Meyer a donné une image très proche de la réalité cambodgienne avec cependant une part d'imagination romanesque à propos des deux héros, Saramani et Komlah
This thesis gives some informations about the Roland Meyer's career and publications. It contains an abstract of the text issued in 1919 which is the integral edition of the novel. The 1922 edition which is expurgated is studied in order to find the parts disappeared. The second part of the thesis shows what Roland Meyer wrote about the relations between parents and children, about children education and also the relations between husband and wives and the social life. Roland Meyer gives in his novel a good picture of Cambodian education even if the personality of the two heroes, Saramani and Komlah, is slightly too romantic

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Costes, Antony. "Une nouvelle approche du cyclisme : la transition assis-danseuse comme prétexte à l'étude de l'optimisation du mouvement." Thesis, Toulouse 3, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU30402.

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Abstract:

L'objectif de ce travail a été d'approfondir la connaissance des choix spontanés effectués par les humains dans le but de réaliser des tâches locomotrices simples, avec un focus sur le mouvement de pédalage. L'analyse de la transition spontanée de la position assise vers celle en danseuse en cyclisme a été le thème central de ces travaux. Peu étudiée en comparaison de la transition marche-course, cette transition est pourtant digne d'intérêt du fait des quelques possibilités de contraindre le mouvement de pédalage, et par sa nature abrupte facilitant ainsi la mise en valeur des critères optimisés lors du mouvement. Les analyses cinématiques, par électromyographie de surface, et par méthode de dynamique inverse du corps complet, ainsi que la mesure des efforts exercés en chacun des points d'appui du cycliste sur un ergocycle entièrement instrumenté ont permis l'analyse du pédalage sous un nouvel angle. La combinaison de ces procédés offre de nouvelles perspectives pour comprendre les choix spontanés effectués pour pédaler sous contrainte incrémentale de production de puissance
The aim of this work has been to deepen the knowledge about the choices spontaneously made by humans in order to realize simple locomotor tasks, with a focus on the pedaling movement. The analysis of the spontaneous transition from the seated to the standing position in cycling was the main topic of this thesis. Little studied in comparison to the walk-run transition, this transition is of interest given the possibilities to constrain the pedaling movement, and because of its abrupt nature making easier the identification of the criteria optimized in the movement. The combination of full-body kinematics, electromyography, inverse dynamics, and the measure of the efforts applied on each of the cyclist's supports on a fully instrumented cycling-ergometer offered a new perspective on the pedaling movement. These methods provide new leads to understand the spontaneous choices made in order to pedal under increasing power-output constraints

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Despres, Altaïr. "Se faire contemporain : les danseurs africains à l'épreuve de la mondialisation culturelle." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070029.

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Abstract:

La mondialisation culturelle, saisie comme une conjonction de pratiques concrètes plutôt que comme un phénomène aussi uniforme qu'irrépressible, pose le problème de l'émergence d'espaces sociaux transnationaux, mais aussi celui de la production, à une échelle globale, de personnes, d'activités et d'intérêts spécifiques. La thèse se propose d'aborder cette question à partir du cas particulier de la danse contemporaine africaine, conçue comme un redéploiement au Sud d'une économie symbolique qui s'est structurée au Nord. En combinant plusieurs méthodes d'enquête - ethnographie multisituée (Mali, Burkina Faso, Tunisie, France), entretiens, archives - il s'agit d'abord de comprendre comment émerge un espace chorégraphique franco-africain, au croisement des logiques politiques de la coopération et de logiques proprement artistiques. L'analyse est ensuite consacrée aux trajectoires des danseurs concernés, souvent d'origine populaire, depuis leur improbable engagement dans la danse contemporaine, jusqu'à leur éventuelle insertion sur le marché chorégraphique international, en passant par leur apprentissage de codes inséparablement esthétiques et moraux. On voit alors que l'intérêt pour une pratique artistique venue d'ailleurs se forge et se perpétue au gré de logiques locales extra-artistiques : recherche de rétributions économiques, migration internationale notamment. Enfin, l'observation participante menée au sein d'une compagnie de danse permet de montrer que l'inscription de la création africaine dans le champ de l'art contemporain doit autant à l'intériorisation de ses normes esthétiques qu'à la mise en scène de symboles culturels supposés propres a l'Afrique
Cultural globalization considered as a conjunction of substantial practices rather than a uniform and unrestrained phenomenon, raises the problem of the emergence of transnational social spaces and the production, in a global scale, of persons, activities and specific interests. This research deals with this question starting with the case of african contemporary dance seen as a deployment in the South of a symbolic economy first structured in the North. Combining different methods of investigation - multisited ethnography (Mali, Burkina Faso, Tunisia, France), interviews, archives - the analysis first establishes the role of cooperation policies as well as artistic issues in the emergence of a franco-african choreographic space. The thesis then focuses on the trajectory of the concerned dancers, often born in poor families, from their unlikely engagement in contemporary dance, to their potential insertion in the international choreographic market, and their learning of codes which are inseparably aesthetic and moral. It appears that the interest for a foreign art practice can arise and perpetuate in relation to local extra-artistic issues: research for economic remuneration and international migration among others. The last part of the thesis, based on a participant observation in a contemporary dance company, shows that the integration of african creation in the field of contemporary art depends as much on the internalization of its aesthetic norms as on the staging of cultural symbols perceived as peculiar to Africa

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Saint-Sardos, Diaz Flores Jeanne. "S’affronter pour mieux unir : danseurs et musiciens de trois danses d’Ayacucho (Pérou)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040183/document.

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Abstract:

Dans la capitale péruvienne, trois danses continuent de rythmer la vie des Ayacuchanos émigrés bien que leurs contextes de performance aient subi des changements radicaux. Il s‟agit de danses de compétition réservées à des artistes spécialistes : la danse des ciseaux, celle des huaylías et celle des negritos de cinta. Dans les villages de la sierra, ces expressions représentent de véritables rituels qui s‟inscrivent au coeur des relations socioreligieuses de la communauté : elles les figurent mais participent aussi à leur renouvellement et à leur équilibre. Associée à celle qui en découle dans le domaine agricole, cette action contribue à unir la communauté et à assurer sa perpétuation tout en prenant en compte les changements et les évolutions. Ce rôle est appuyé par les modèles musico-chorégraphiques eux-mêmes puisqu‟ils laissent une grande marge de liberté et incitent à la variation et à la création. Les artistes, fins connaisseurs des usages sociaux, offrent ainsi un reflet de la société dans ce qu‟ils dansent et jouent. Le public, lui, gère la nouveauté à la fois pendant la performance mais aussi à travers les diverses mémoires qui se construisent autour des danses. De ce fait, le milieu de Lima apporte essentiellement l‟innovation et celui de la sierra la valide. Les trois danses agissent aussi dans ce sens sur le plan social : elles favorisent une certaine indépendance entre le milieu migrant et les villages tout en maintenant une unité communautaire en dehors d‟un territoire physique. Ainsi, malgré la migration, leur rôle n‟a pas vraiment changé mais s‟est juste adapté à la nouvelle situation
In the Peruvian capital, the Ayacuchano migrants‟ life is still governed by the rhythm of three dances even if their performances have undergone radical changes in their circumstances. They are competition dances restricted to specialist dancers, i.e. the scissors dance, the huaylías‟ dance and the dance of the negritos de cinta. In the sierra villages, these expressions represent genuine rituals which lie deep within the community‟s socio-religious relationships: they are their symbols but they also participate in renewing and ensuring their equilibrium. Being combined with following actions at an agricultural level, this activity contributes to uniting the community and securing its perpetuation while taking into account changes and evolutions. This role is backed up by musical-choreographic patterns since these patterns leave significant room for interpretation and encourage variations and creation. Thus the artists who are real connoisseurs of social practices present a reflection of society in what they dance or perform. As for audiences, they control the latest elements both during the performance and within the different memories built around dances. In fact the Lima milieu essentially provides innovation and the sierra environment ratifies it. The three dances also have a similar influence at a social level: they favour some independence between the migrant environment and the villages while preserving a unity of the community outside a physical territory. Consequently in spite of migration, their role has not really changed; it has simply adapted itself to the new situation

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Gauthier, Eglantine. "De cadencer à danser "jupes en l'air" : anthropologie des appropriations mémorielles et spectaculaires du séga mauricien." Electronic Thesis or Diss., Paris, EHESS, 2023. http://www.theses.fr/2023EHES0162.

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Abstract:

L’objectif de cette thèse est de partir de l’observation de la danse séga pour étudier les enjeux des appropriations mémorielles et artistiques du passé colonial dans la société post-esclavagiste mauricienne. L’entrée par la danse a alors été heuristique pour appréhender la culture populaire du séga comme un processus. À différents moments de son histoire la requalification du séga a permis d’inscrire cet objet dans une culture tantôt envisagée comme noire, africaine, créole, multiculturelle, de lui attribuer des racines, et d’orienter les débats sur les circulations et branchements qui entourent cet objet, ou encore de légitimer certains emprunts tout en accusant les appropriations culturelles. Absent du marché global de la musique ou de celui des loisirs, c’est sous la forme du spectacle chorégraphique que le séga circule comme étendard national, principalement sur les marchés touristiques. La récente inscription du séga traditionnel sur la liste représentative du PCI à l’UNESCO vient s’inscrire dans ces formes hégémoniques de spectacularisation et de commercialisation. Le caractère innovant de ce travail de recherche a été d’examiner la place des danseurs – et surtout des danseuses –, qui cristallise la réputation ambivalente du séga, à la fois dénigré et admiré, et de montrer les enjeux de requalification qui se concentrent autour de la spectacularisation de cette culture populaire, révélant différents rapports de pouvoir
The objective of this thesis is to start from the observation of the sega dance to study the stakes of the memory and artistic appropriations of the colonial past in the Mauritian post-slavery society. The entry through dance was then heuristic to apprehend the popular culture of sega as a process. At different times in its history the requalification of the sega allowed to register this object in a culture sometimes considered as black, African, creole, multicultural, to attribute to it roots, and to direct the debates on the circulations and connections that surround this object, or to legitimize certain borrowings while accusing cultural appropriations. Absent from the global music or leisure market, it is in the form of the choreographic show that the sega circulates as a national standard, mainly on the tourist markets. The recent inscription of the traditional sega on the representative list of the ICH at UNESCO is part of these hegemonic forms of spectacularization and commercialization. The innovative nature of this research work was to examine the place of dancers – and especially women – which crystallizes the ambivalent reputation of sega, both denigrated and admired, and to show the challenges of requalification that focus on the spectacularization of this popular culture, revealing different power relations

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VALENT-EVANO, CHRISTINE. "Analyse du travail des danseurs professionnels : etude de poste, enregistrement par holter, pathologie." Nantes, 1991. http://www.theses.fr/1991NANT101M.

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Ingrassia, Catherine. "Danseurs, acrobates et saltimbanques dans l'art du Moyen-Age : recherches sur les représentations ludiques, chorégraphiques et acrobatiques dans l'iconographie médiévale." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010522.

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Abstract:

L'iconographie de la danse du neuvième au quinzième siècle permet d'avoir une idée de l'évolution de la danse au moyen-âge. Tout au long de cette période, l'église a combattu et dénigré la danse sans jamais arriver à la faire disparaitre des scènes de la vie médiévale. Le jongleur est un artiste pluridisciplinaire ; montreur d'animaux, jongleur, prestidigitateur, acrobate, danseur, musicien, maitre à danser ou équilibriste. À la fin du moyen-âge il laisse la place à de nouvelles sortes d'artistes. À partir du douzième siècle, la carole apparait dans l'art et la littérature profane ; cette danse, dont on peut donner une définition approximative, disparait à la fin du moyen-âge. Plusieurs autres danses apparaissent à la même époque. Au quinzième siècle, les traités de danse permettent de découvrir la basse-danse et son évolution dans ses caractéristiques chorégraphiques et musicales. La moresque est une danse de spectacle, qui évolue rapidement et, bien qu'elle disparaisse à l'aube de la renaissance, sa thématique symbolique survivra dans de nombreuses danses populaires. La fin du moyen-âge va lier la danse a deux concepts; la folie et la mort, dans divers poèmes moraux tels que la danse macabre, la dance aux aveugles ou le narrenschiff.

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Steil, Laura. "Socialités, prestige et jeux de soi chez des jeunes danseurs urbains (Île-de-France)." Thesis, Paris, EPHE, 2015. http://www.theses.fr/2015EPHE5046.

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Abstract:

Les jeunes, et en particulier ceux qui sont marginalisés, investissent un temps et une énergie considérable dans la construction de leur statut et de leur estime auprès de leurs pairs, ainsi que dans la société plus large. Cette thèse explore les pratiques sociales par lesquelles des jeunes Français noirs, d’origine africaine et antillaise, construisent leur identité ethnique, raciale et genrée, tout en gagnant et négociant leur pouvoir et leur prestige. Examinant la culture populaire noire dans des contextes publics, privés et « virtuels », cette thèse se concentre sur les sociabilités musicales de la scène afro, telles qu’elles émergent dans des boîtes de nuit, des maisons de jeunes, des centres commerciaux, des sites de réseaux sociaux, des maisons et des rues de la région parisienne. Les pratiques sociales et les formes d’interaction de ces jeunes attestent non seulement de leur adaptabilité et leur ingéniosité, mais de leur capacité à se voir du point de vue d’un autre. Cette compétence interpersonnelle sophistiquée est illustrée dans leur habilité à puiser dans, et à alterner entre, une multiplicité des ressources culturelles et de styles comportementaux. C’est au moyen de pratiques sociales telles que le bluff, la frime et le commérage que les jeunes Noirs, tentant de concilier leurs ambitions individuelles avec les contraintes d’une vie relationnelle particulièrement intense, acquièrent et négocient leur statut social
This dissertation investigates the social practices whereby French young people of African and Caribbean background, both construct distinctive ethnic, racial and gendered identities, and acquire and negotiate power and prestige, in a context of unacknowledged structural racism. These young people often invest considerable time and energy in building status and esteem for themselves, among their peers and in society at large. Examining contemporary Black popular culture in public, private, and “virtual” settings, this dissertation focuses on the musical sociabilities of the afro scene, as they emerge in nightclubs, youth clubs, shopping malls, social media sites, homes and streets in the Paris region. The social practices and patterns of interaction of these young people attest not only to their versatility and ingenuity, but more importantly, to their ability to see themselves from another’s point of view. This refined interpersonal competence is made manifest through their capacity to draw from, and switch between, a multiplicity of cultural resources and behavioral styles. It is by means of social practices such as bluffing, flaunting or gossiping that young Black people, aiming to reconcile their individual ambitions with the constraints of a particularly intense relational life, acquire and negotiate personal standing

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Jolivet, Adèle. "Danse improvisée et processus de création : étude des dynamiques de personnalisation chez des danseurs." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20087.

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Abstract:

Ce travail analyse les processus de personnalisation dans les trajectoires de 23 danseurs improvisateurs, dans une approche psychologique. La danse improvisée est associée à un partage intersubjectif (Bigé, 2015) et à un état d’écoute (Guisgand, 2006) : le développement de cette écoute est ici étudié. Ses dimensions d’incertitude (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) et de recherche de liberté (Kintzler, 2006) associent l’improvisation à une pratique personnalisante, en référence aux théorisations de ce processus (Malrieu, 1979 ; 1994 ; 1995 ; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Des entretiens semi-directifs sont menés ainsi que des analyses thématique et par catégories conceptualisantes (Paillé & Mucchielli, 2012). Nous avons mis en exergue des tensions, des activités de signification et des réorganisations psychologiques et physiques dans les parcours de ces improvisateurs. Leur réflexivité vis-à-vis de leur pratique pousse ces danseurs à des prises de conscience et des analyses critiques : certains ne veulent plus répéter des mouvements ni improviser sans objectif. L’improvisation leur permet alors, par sa dimension de création, de se singulariser. Certains d’entre eux rencontrent des doutes sur leur capacité ou celle des autres à communiquer, à se connecter aux autres. Ils donnent alors à leur pratique de la danse des sens nouveaux : se lier aux autres, aider et coopérer. Créer dans l’instant les centre sur leur corps au moment présent et coopérer favorise l’écoute : ceci consolide la conscience de soi. Le fait de créer leurs propres mouvements et de dépasser ce qu’ils ont appris nourrit leurs besoins de dépassement et de liberté. Improviser permet donc à ces danseurs de se singulariser et de prendre conscience d’eux-mêmes : c’est une pratique personnalisante qui participe à la construction de soi
The present study aims to analyse personalization processes in the trajectories of 23 improvisational dancers. Improvised dance refers to intersubjective sharing (Bigé, 2015) and listening state (Guisgand, 2006): the development of this listening is studied here. Through its dimensions of uncertainty (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) and quest for freedom (Kintzler, 2006), improvisation combines with a personalization practice in reference to the theorizations of this process (Malrieu, 1979, 1994, 1995; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Semi-structured interviews were conducted. Two types of results analysis were used: thematic and through conceptualizing categories (Paillé & Mucchielli, 2012). These results highlight tensions, meaning activities and psychological reorganizations. Becoming aware of formatting, these dancers critically analyse their practises, in order not to repeat learned movements neither improvise without precise goal. The rejection of standard movements leads them to stand out through a personalizing process of creation. Some of them doubt about their ability or the ability of others to communicate, to interconnect. Those of them who are concerned with the lack of communication are trying to bring closer to others through danced improvisation : they cooperate. Cooperation makes them improve their listening and create spontaneously makes them centered on their bodies, which tends to consolidate their self-awareness. Creating their own movements and going beyond what they have learned feeds their need for overtaking and freedom.Through these processes of self-awareness and singularization, they personalize and build themselves

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Jolivet, Adèle. "Danse improvisée et processus de création : étude des dynamiques de personnalisation chez des danseurs." Electronic Thesis or Diss., Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20087.

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Abstract:

Ce travail analyse les processus de personnalisation dans les trajectoires de 23 danseurs improvisateurs, dans une approche psychologique. La danse improvisée est associée à un partage intersubjectif (Bigé, 2015) et à un état d’écoute (Guisgand, 2006) : le développement de cette écoute est ici étudié. Ses dimensions d’incertitude (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) et de recherche de liberté (Kintzler, 2006) associent l’improvisation à une pratique personnalisante, en référence aux théorisations de ce processus (Malrieu, 1979 ; 1994 ; 1995 ; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Des entretiens semi-directifs sont menés ainsi que des analyses thématique et par catégories conceptualisantes (Paillé & Mucchielli, 2012). Nous avons mis en exergue des tensions, des activités de signification et des réorganisations psychologiques et physiques dans les parcours de ces improvisateurs. Leur réflexivité vis-à-vis de leur pratique pousse ces danseurs à des prises de conscience et des analyses critiques : certains ne veulent plus répéter des mouvements ni improviser sans objectif. L’improvisation leur permet alors, par sa dimension de création, de se singulariser. Certains d’entre eux rencontrent des doutes sur leur capacité ou celle des autres à communiquer, à se connecter aux autres. Ils donnent alors à leur pratique de la danse des sens nouveaux : se lier aux autres, aider et coopérer. Créer dans l’instant les centre sur leur corps au moment présent et coopérer favorise l’écoute : ceci consolide la conscience de soi. Le fait de créer leurs propres mouvements et de dépasser ce qu’ils ont appris nourrit leurs besoins de dépassement et de liberté. Improviser permet donc à ces danseurs de se singulariser et de prendre conscience d’eux-mêmes : c’est une pratique personnalisante qui participe à la construction de soi
The present study aims to analyse personalization processes in the trajectories of 23 improvisational dancers. Improvised dance refers to intersubjective sharing (Bigé, 2015) and listening state (Guisgand, 2006): the development of this listening is studied here. Through its dimensions of uncertainty (Azaïs, Bachir-Loopuyt & Saint-Germier, 2010) and quest for freedom (Kintzler, 2006), improvisation combines with a personalization practice in reference to the theorizations of this process (Malrieu, 1979, 1994, 1995; Baubion-Broye, Dupuy & Prêteur, 2013). Semi-structured interviews were conducted. Two types of results analysis were used: thematic and through conceptualizing categories (Paillé & Mucchielli, 2012). These results highlight tensions, meaning activities and psychological reorganizations. Becoming aware of formatting, these dancers critically analyse their practises, in order not to repeat learned movements neither improvise without precise goal. The rejection of standard movements leads them to stand out through a personalizing process of creation. Some of them doubt about their ability or the ability of others to communicate, to interconnect. Those of them who are concerned with the lack of communication are trying to bring closer to others through danced improvisation : they cooperate. Cooperation makes them improve their listening and create spontaneously makes them centered on their bodies, which tends to consolidate their self-awareness. Creating their own movements and going beyond what they have learned feeds their need for overtaking and freedom.Through these processes of self-awareness and singularization, they personalize and build themselves

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Sage, Marion. "Danses modernes d'Allemagne à Paris : critiques de danses et danses critiques dans la France des années 30." Thesis, Lille 3, 2017. http://www.theses.fr/2017LIL30036.

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Abstract:

A partir des expériences singulières de danseurs expressionnistes allemands qui débutent leur carrière sous la République de Weimar et émigrent à Paris dans les années 30, il s’agira d’analyser des esthétiques politiquement engagées à gauche : quel langage scénique produit l’investissement politique de ces danseurs d’Allemagne ? Nous relèverons alors les différentes formes chorégraphiques de l’engagement, nous distinguerons plusieurs registres de la dénonciation et, à plus petite échelle, nous tenterons de répertorier une palette de gestes politiques à l’œuvre dans ces danses.Il faudra ensuite étudier l’évolution esthétique des chorégraphies au cœur du processus d’émigration : comment la lutte politique utopiste de la République de Weimar devient-elle un acte de survie pendant le temps de l’exil à Paris ? Quels réseaux artistiques et sociaux construisent les danseurs exilés pour continuer leur métier dans les contraintes de l'émigration?Par ailleurs, une étude comparative des deux contextes de réception – celui de l’Allemagne des années 20 et celui de la France des années 30-40 – permettra de mettre en avant les différents lieux de représentation, les divers publics de la danse et le regard particulier porté par les spectateurs et les critiques parisiens sur la danse d’expression allemande.En quoi en effet, l’exil politique de ces danseurs d’Allemagne constitue-t-il un véritable phénomène transculturel à travers la confrontation avec un nouveau mode de réception et malgré la montée des nationalismes également présents dans le milieu chorégraphique des années 30-40 ?
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Jean, Julie. "Mémoire de travail et rappel de séquences de mouvements chez les danseurs experts et novices." Montpellier 1, 2001. http://www.theses.fr/2001MON14007.

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Abstract:

L'objectif de cette these etait de determiner ce qui caracterise l'expertise mnesique en danse dans une serie de recherches portant sur les processus mnesiques dans la memorisation de mouvements de nature morphocinetique. Plus precisement, nous nous sommes interessees aux possibles implications de la memoire de travail dans cette tache. Trois experiences ont ete faites. Dans la premiere, nous avons etudie la nature de l'encodage dans la memorisation de sequences de mouvements chez des sujets experts et novices en danse. La deuxieme experience portait sur la nature de l'encodage en memoire de travail de sequences de mouvements prealablement appris. Dans ces deux experiences, nous avons utilise le paradigme de double tache dans lequel les sujets devaient effectuer une tache de rappel moteur immediat (observer et reproduire des sequences de sept mouvements non danses) dans differentes conditions d'interference, verbale, spatiale et motrice. Enfin, la derniere experience concernait l'utilisation de la memoire a long terme dans la memorisation de sequences de mouvements chez des novices et experts en danse. La methode utilisee a consiste a introduire un delai de retention entre la presentation des sequences et le rappel moteur, ce delai etant occupe ou non par une tache attentionnelle. Nos resultats montrent que l'expertise mnesique des experts repose sur l'optimisation de l'acces en memoire a long terme. Ils montrent egalement qu'il existe des registres de memoire separes pour le stockage des informations de nature kinesthesique et spatiale.

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Gauthier, Céline. "Une voix au chapitre : Paroles, discours et récits de gestes dans les écrits de danseurs." Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2023. https://intranet-theses.unice.fr/2023COAZ2005.

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Abstract:

Cette recherche s'intéresse aux pratiques d'écritures des danseurs contemporains, à travers l'étude d'un corpus constitué de quatre ouvrages récemment publiés par Dominique Dupuy (2011), Enora Rivière (2013), Myriam Lefkowitz (2015), et Noé Soulier (2016). Leur parution manifeste autant qu'il participe d'un contexte perceptif et esthétique, mais aussi institutionnel et éditorial qui donne place à la voix des artistes chorégraphiques. En effet, ces textes ont pour point commun d'être élaborés à partir de la parole des danseurs, qu'elle soit recueillie lors d'entretiens, puisée dans une conférence performée ou qu'elle soit le motif par lequel s'éprouve l'imaginaire d'une instantanéité chorégraphique. Ainsi, l'élaboration de ces ouvrages engage pour leurs auteurs une réflexion sur les valeurs acquises par la verbalisation comme par la scription dans les pratiques de danse. Parce que l'écriture est envisagée comme un processus transversal, non spécifiquement textuel, qui introduit des effets d'écart dans la relation que le danseur entretient à l'acte de danse, nous convoquons pour analyser ce corpus la pensée de Derrida ; ceci nous conduit à qualifier les phénomènes d'enchâssement et de "différance" manifestés par ce corpus comme relevant des « écrits de danseurs ». Ceci permet d'interroger la fonction de ces discours, considérés comme des prises de parole face à la doxa d'un mutisme inhérent à la figure scénique du danseur : d'une part, l'écriture témoigne des expériences propres au métier de danseur, et contribue à alimenter voire à renouveler les représentations afférentes à leur statut artistique et professionnel. D'autre part, la publication d'un objet livresque requalifie l'auctorialité du danseur au regard du chorégraphe comme des œuvres qu'il interprète : ceci participe à circonscrire un régime discursif spécifique, que nous désignons, à la suite de Foucault, comme une « fonction-danseur » active dans l'écriture. Finalement, notre analyse considère les interactions entre énonciation du geste et imaginaire langagier, lorsque morphologie lexicale et corporelle viennent à se confondre. À la suite de trois propositions théoriques (Godfroy, Louppe, Bernard) qui postulent la réversibilité des expériences kinésiques et sémiotiques, nous interrogeons l'activité de réception de ces ouvrages, lorsque les analyses cherchent à y déceler l'empreinte d'une « gestualité du dire ». Notre hypothèse considère que celle-ci relève d'un mécanisme fictionnaire, déployé tant dans le processus sensoriel par lequel les danseurs élaborent une parole sur leur danse que dans l'activité de lecture. Ceci souligne le fonctionnement empathique qui soutient notre fréquentation des textualités en danse ; au regard de la place occupée par les imaginaires littéraires et scripturaires dans l'élaboration des récits de gestes, tout comme dans l'émergence de dynamiques métaphoriques. Celles-ci soutiennent l'élaboration de logiques corporelles (Bolens) qui façonnent la corporéité du danseur qui s'énonce autant que les modalités narratives par lesquelles elle s'écrit. Cette étude prend place à la croisée de préoccupations portées par des analyses kinésiques comme linguistiques, selon une approche poïétique qui s'insère dans des interactions disciplinaires, artistiques et méthodologiques nombreuses entre études en danse et études littéraires
This research focuses on the writing practices of contemporary dancers, through the study of a corpus made up of four works recently published by Dominique Dupuy (2011), Enora Rivière (2013), Myriam Lefkowitz (2015), and Noé Soulier (2016). Their publication manifests as much as it participates in a perceptual and aesthetic context, but also an institutional and editorial one which gives place to the voice of the artists. Indeed, these texts have in common to be elaborated from the words of the dancers, whether it is collected during interviews, drawn from a lecture performed or whether it is the reason by which the feeling is experienced. imaginary of a choreographic immediacy. Thus, the elaboration of these works engages for their authors a reflection on the values acquired by the verbalization as by the scription in the practices of dance. Because writing is respected as a transversal process, not judged textual, which introduced effects of gap in the relationship that the dancer maintains to the act of dance, we summon to analyze this corpus the thought of Derrida; this leads us to qualify the phenomena of embeddedness and differance affected by this corpus as relevant to “dancers' writings”. This makes it possible to question the function of these discourses, translated as speaking out against the doxa of a silence inherent in the scenic figure of the dancer: on the one hand, the writing bears witness to the experiences specific to the profession of dancer, and contributes to nourishing or even renewing the representations relating to their artistic and professional status. On the other hand, the publication of a bookish object requalifies the authorship of the dancer with regard to the choreographer as the works he interprets : this contributes to circumscribing a specific discursive regime, which we designate, following Foucault, as a “dancer-function” active in writing. Finally, our analysis considers the interactions between the enunciation of the gesture and the linguistic imagination, when the lexical and body morphology come to merge. Following three theoretical propositions (Godfroy, Louppe, Bernard) which postulate the reversibility of kinesic and semiotic experiences, we question the activity of reception of these works, when the analyzes seek to decelerate the imprint of a "gestuality to say”. Our hypothesis considers that this stems from a fictional mechanism, deployed both in the sensory process by which the dancers adopt a word about their dance and in the reading activity. This underlines the empathic functioning that supports our frequentation of textualities in dance; about the place occupied by literary and scriptural imaginaries in the elaboration of narratives of gestures, as well as in the emergence of metaphorical dynamics. These require the development of bodily logics (Bolens) that shape the corporeality of the dancer who is expressed as much as the narrative modalities by requiring it to be written. This study takes place at the crossroads of concerns carried by kinesic and linguistic analyses, according to a poietic approach which fits into numerous disciplinary, artistic and methodological interactions between dance studies and literary studies

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Poirier, Eric. "Influence de paramètre biomécaniques et électrophysiologiques sur la technique de propulsion : transition de la posture classique vers la posture danseuse chez le cycliste." Toulouse 3, 2009. http://thesesups.ups-tlse.fr/714/.

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Abstract:

L'objectif de ce travail est de tenter d'identifier les facteurs qui sous-tendent les adaptations posturales lors de la propulsion du cycliste et notamment lors du passage de la posture classique vers la posture danseuse. Cette adaptation posturale est-elle liée à une recherche de création de forces supplémentaires et/ou permet-elle une économie musculaire? Pour aborder ce questionnement, il a été développé du matériel expérimental permettant de mesurer les contraintes mécaniques à l'interface entre le cycliste et la bicyclette. Ce matériel nous a permis d'enregistrer et d'analyser les paramètres mécaniques (moments articulaires et puissance) et physiologiques (EMG, rythme cardiaque) de chacune des postures lors de tests où la puissance mécanique est incrémentée. Les résultats montrent que l'utilisation de la posture danseuse crée des configurations musculo-squelettiques plus adaptées au développement de puissances qu'en posture classique. L'élévation de la puissance développée est liée à l'augmentation de la contrainte musculaire. Cette augmentation de contrainte invalide l'hypothèse d'économie musculaire à l'origine du choix postural. L'analyse de l'activité électromyographique montre une répartition différente des efforts entre les groupes musculaires en danseuse. Le biceps femoris (acteur essentiel de la propulsion) voit son activité diminuer en durée d'activation et en intensité de ses contractions ce qui augmente sa phase de repos. Cependant, l'amplitude de l'EMG de la majorité des muscles étudiés a augmenté. .
The aim of this study was to understand which elements induce postural adaptation during cycling propulsion and particularly during transition from the classical posture to the upright one. Lots of works investigate posture effect on cyclist performance. However, few studies interest in the upright posture utilization. In our knowledge, no studies clearly explain why cyclists change their posture from classical to upright when ergocycle's resistance becomes too high. Is this postural adaptation due to more force creation and/or to muscular economy? First, we have developed experimental devices allowing us to measure mechanical strain between cyclist and bicycle. We have studied mechanical and physiological parameters for each posture during power incremental test. Then, we have evaluated the more pertinent parameters influence on the transition trigger. Results show that upright posture allows musculoskeletal configuration favorable to the development of high power output. Using upright posture, absence of saddle support induces better postural adaptations to oppose to the ergocycle resistance increase. Power output growth is principally due to muscle strain increase. Electromyographic analysis shows that muscle activation is different between the two postures. In particular, biceps femoris is less activated in the upright posture in spite of the higher power output. The reduction of the duration and intensity of this muscle contraction permit to increase the rest phase. Better allocations of the effort between the muscles enable some of them to rest. This phenomenon of muscle economy could explain the transition from classical posture to the upright posture when power output get higher

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Dumont, Agathe. "Pour une exploration du geste virtuose en danse, passage XXe-XXIe siècles. Danseurs, "breakers", acrobates au travail." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030165.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat en arts du spectacle propose une approche des pratiques, des discours et des représentations autour de la notion de virtuosité en danse. Elle explore des formes en mutation sur la scène chorégraphique et interdisciplinaire contemporaine en s’intéressant à l’incorporation d’un geste virtuose chez plusieurs performers, au passage entre le vingtième et le vingt-et-unième siècle. Observant les transferts d’une discipline ou d’un art à l’autre, ce travail s’est construit à partir d’un corpus de douze interprètes danseurs, breakeurs et acrobates. La première approche choisie a été de les interroger sur leurs parcours, leurs habitudes de travail, leur perception du geste virtuose, puis d’observer les représentations auxquelles ils participent. L’analyse ainsi proposée se construit à partir un corpus d’œuvres (danse contemporaine, cirque contemporain, hip hop) et d’entretiens présentés en annexe de ce travail. La virtuosité est donc envisagée du point de vue de l’interprète, considérée dans un système complexe et présent comme une forme d’indiscipline. A partir de certains constats et grâce à des méthodologies propres à l’analyse du mouvement et à l’analyse esthétique, cette recherche propose une exploration du geste virtuose à l’aune de certaines migrations disciplinaires et s’interroge sur la présence et l’importance de nouvelles formes de virtuosité sur la scène contemporaine, tentant d’en redéfinir les termes et les pratiques
This doctoral thesis in performing arts offers an approach to practice, discourse and representations around the notion of virtuosity in dancing. It looks into forms currently mutating on today’s choreographic and interdisciplinary stage, focusing on the way various performers incorporate virtuosic movement into their interpretation, at the juncture between the 20th and the 21st centuries. Observing the transfers taking place between disciplines, this research is built on a corpus of twelve performers: dancers, breakers and acrobats. The first stage of the approach was to make them describe the path they had followed, their working habits, their perception of a virtuosic move, and to make observations about the shows they take part in. This analysis is based on a corpus of productions (contemporary dance, contemporary circus, breakdance) and interviews presented in the appendix. Virtuosity is thus investigated from the point of view of the performer, considered inside a complex system and presented as a form of indiscipline. Based on a number of observations and methodologies specific to movement analysis and aesthetic analysis, this research proposes an exploration of the virtuosic movement with respect to certain transdisciplinary migrations and examines the questions of the presence and significance of new forms of virtuosity on the contemporary stage, in an attempt to redefine its terms and practices

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Iwahara, Cécile. "Le corps, laboratoire de soi et du monde. Anthropologie d’un réseau de danseurs de butô a Kyôto." Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100009.

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Abstract:

Danse d’avant-garde, le butô est né au Japon dans les années 1950 d’une hybridation d’avant-gardes artistiques européennes et de formes scéniques populaires japonaises. Naguère plus connu dans les pays occidentaux qu’au Japon, alternativement tenu pour une forme de danse contemporaine ou un art typiquement japonais, le butô fait depuis une dizaine d’années l’objet d’une revalorisation au Japon. À partir de l’ethnographie d’un réseau de danseurs de butô à Kyôto, la présente étude explore les manières dont, dans un contexte de globalisation communément associé, au Japon, à une crise morale, sociale et économique, ils font du corps tout à la fois la matière, l’outil et le foyer subjectif d’une transformation de soi et du monde. L’étude rend compte des imbrications et des interprétations mouvantes de notions constamment invoquées : la singularité, l’universalité et la japonéité. Ainsi, l’un des principes fondateurs du butô, le « corps en déclin », autrefois mis en scène dans un esprit de contestation d’une société « moderne et capitaliste », apparaît aujourd’hui comme une quasi-métaphore d’un pays lui-même déclinant. Un autre principe, une mobilisation du bassin induisant l’ancrage dans le sol, associé par les danseurs à des valeurs asiatiques, tend à le supplanter. L’étude s’attache ainsi à décrire, dans les gestes mêmes, comment l’incessante recréation des valeurs fondatrices du butô sous-tend à la fois des aspirations à transformer le politique et un questionnement éminemment intime : la frontière entre la vie et la mort
Butoh avant-garde dance, as an art form originally emerged in Japan at the end of the 1950s, is a result of the crossover between avant-garde European artistic movements and Japanese popular scenic traditions. Until recent years, more widespread in western countries than in Japan itself, alternatively viewed either as a contemporary dance form or again as typical of Japanese art, Butoh has within the ten last years been subject to strong local reappraisal. Through an ethnography of a Butoh dance network based in Kyôto, this study aims to explore how, through their practices and in a context of globalization in Japan commonly associated with moral, social and economic crisis, the dancers make of the human body simultaneously the material, the instrument and the subjective locus of a transformation of the self and world. This study analyzes the constantly mobile intrications and interpretations of certain continuously recurrent notions : singularity, universality and japaneseness. Thus, one of the essential principles of Butoh, the “declining body”, formerly claimed in a spirit of protest against “modern capitalist society” has today morphed into a quasi-metaphor for a country in decline. This principle is tending to be superseded by yet another, a mobilization of the pelvis, indicating a rootedness of the body in the soil, associated by the dancers with Asian values. The study thus engages with the description of how, through their very gestures, the unceasing recreation of fundamental Butoh values underpins both aspirations for the transformation of the political arena and a supremely intimate questioning of the self, at the frontier between life and death

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Gauthard, Nathalie. "Les moines danseurs du Tibet : du monastère à la scène internationale : le cas du monastère de Shechen." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA083274.

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Abstract:

Le marché de la “ World Culture ” a permis l’émergence d’un genre de spectacle spécifique, le ‘cham ou « Danses sacrées du Tibet », représentatif d’une culture soumise à des problèmes sociopolitiques graves et identitaires. Après avoir pénétré dans l’univers du monastère de Shechen, nous avons appréhendé les méthodes d’enseignement et de transmission des danses, et procédé à leur description. Les deux danses qui font l’objet d’une analyse chorégraphique dans une perspective comparatiste entre le rituel exécuté dans le monastère et sa représentation au Théâtre du Soleil ont été choisies en fonction du caractère spectaculaire et théâtral qu’elles offrent aux yeux d’un observateur européen. L’étude du phénomène nous a permis de mettre en évidence un processus dynamique d’interaction entre deux communautés rassemblées autour du ‘cham. En les regardant, les spectateurs entrent dans un processus d’élaboration cognitive où l’imaginaire se mêle au perceptif et au conceptuel : le Monde de l’Autre
The market of "World Culture" allowed the emergence of a specific kind of spectacle, the ‘cham or "Sacred Dances of Tibet", representative of a culture subjected to serious sociopolitic and identical problems. After having penetrated in the universe of the monastery of Shechen, we apprehended the methods of teaching and transmission of the dances, and make their description. The two dances which are the subject of a choreographic analysis from a comparative point of view between the ritual shown in the monastery and its representation in the Theatre du Soleil were selected according to their spectacular and theatrical aspect which they offer to the eyes of a European observer. The study of this phenomenon enabled us to highlight a dynamic process of interaction between two communities gathered around the ‘cham. While looking at them, the spectators enter a development process cognitive where the imaginary one mixes with perceptive and conceptual one: the World of the Other

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Fléty, Laura. "Les cortèges de la fortune : dynamiques sociales et corporelles chez les danseurs de morenada (La Paz, Bolivie)." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100068/document.

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Abstract:

Lors de la grande célébration de Jesús del Gran Poder qui mobilise chaque année en Bolivie toute la ville de La Paz, la morenada, danse centrale du rituel, met en scène des personnages aux visages noirs portant de lourds costumes, démesurés et opulents. Ces corps-objets ostentatoires sont mis en mouvement par les danseurs, créant une esthétique complexe de la richesse et de l’abondance. La morenada est exécutée par une population urbaine d’artisans et commerçants issus des flux de la migration indigène aymara, qui construisent laborieusement une réussite socio-économique leur permettant de s’imposer en ville. A travers une ethnographie des pratiques corporelles des danseurs de morenada pendant la préparation et la réalisation de la performance, ce travail montre comment la danse peut être un outil de compréhension des processus de reconfiguration des positions individuelles et des identités collectives. En effet, dans l’espace de la morenada, les représentations et pratiques économiques, corporelles et dévotionnelles interagissent pour se transformer mutuellement. Plus largement, ce travail interroge la manière dont dynamiques corporelles et sociales concourent à inventer un rapport singulier à la prospérité : la danse n’est pas seulement le registre expressif de la réussite urbaine, elle en est sa mesure et sa condition
In Bolivia, the great celebration of Jesús del Gran Poder, mobilizes every year the entire city of La Paz. The morenada, main dance of this ritual, stages characters with black faces, wearing heavy, opulent and disproportionate costumes. These ostentatious body-objects are moved by the dancers, creating an intricate aesthetic of wealth and abundance. The morenada is performed by an urban population of artisans and traders of rural Aymara background. They painstakingly build the socio-economic success that allows them to establish themselves in town. Based upon an ethnography of the morenada dancers’ bodily practices, during the preparation and realization of their performance, this work intends to show that dance can be a powerfull tool for understanding how individual positions and collective identities are constantly reshaping. Indeed, in the space of morenada, economic, bodily and devotional beliefs and practices, interact to transform each other. At a broader scale, this work questions the way bodily and social dynamics contribute to invent a specific relationship to prosperity: dance is not only the expression of urban success, but its measure and condition

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Asaro, Gabriella. "L'éphémère qui se veut éternel : la sténochorégraphie d'Arthur Saint-Léon et les autres systèmes de notation de la danse au XIXe siècle." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2011. http://www.theses.fr/2011VERS001S.

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Abstract:

Longtemps ignorés, les systèmes de notation chorégraphique du XIXe siècle attirent depuis trois décennies l’attention des historiens de la danse et des spécialistes de notation chorégraphique, mais, jusqu’à présent, ils n’ont jamais été étudiés dans le cadre de l’histoire culturelle. Le but de notre thèse est d’étudier les relations entre la théorisation de la notation chorégraphique comme instrument de rachat et de régénération du ballet français, et les conditions de vie, de travail et de considération sociale des danseurs – et surtout des danseuses – du XIXe siècle, afin d’expliquer les raisons de l’échec des systèmes de notation chorégraphique de l’époque, malgré leur valeur et utilité potentielles. Cela nous a menée aussi à une réflexion sur les enjeux de la notation de la danse et de la reconstitution du répertoire du XIXe siècle
After having been ignored for a long time, the 19th-century dance notation systems are drawing, since the last three decades, the attention of dance historians and dance notation specialists, but they have not been considered yet as a culture history phenomenon. Our PhD thesis intends to study the links between the theorisation of dance notation as a way of redeeming and regenerating French ballet, and the conditions of life, work, and social reputation of (mostly female) dancers in the 19th century, in order to explain why the dance notation systems of this period failed, in spite of their value and usefulness. Moreover, we consider the aims of dance notation and reconstruction of the 19th-century repertoire

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Abdou, El Aniou Naïsiwon-Patricia. "La conceptualisation de l'art chorégraphique : concepts et pratiques de la danse." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081388.

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Abstract:

Cette these propose une reflexion autour de la "pensee choregraphique", et du savoir specifique faconne et transmis au travers de la pratique de la danse. La pratique choregraphique est envisagee du point de vue des outils et des fonctions cognitives, qu'elle met en jeu a plusieurs niveaux. Ces outils sont etudies comme produits des processus de conceptualisation, inherents a la pratique de la danse. Ils permettent d'approcher les modes de comprehension, de representation et de mise en oeuvre de l'experience choregraphique. La pensee choregraphique est caracterisee comme "pensee pratique", productrice de "concepts artistiques". Sur la base d'exemples issus des situations de danse et/ou des theories elaborees par les danseurs ces concepts sont etudies dans leurs aspects fonctionnels, a l'egard de leurs finalites dans les situations de danse. Un portrait ponctuel du "concept choregraphique" est ainsi dresse. Le concept choregraphique est "operatoire", "mobile", "flou", 'incarne". Les approches contemporaines du savoir et de la cognition permettent de preciser cette specificite conceptuelle dans les termes d'un continuum experientiel entre plusieurs dimensions de l'experience choregraphique. Les aspects perceptifs, moteurs, cognitifs de l'activite du danseur sont conjointement impliques dans des reseaux matriciels de categorisation. Il est donc necessaire de tenir compte de ce continuum experientiel pour aborder la conceptualisation liee a la pratique choregraphique
This thesis is about the "choreographic thought" and the specific knowledge which are shaped and passed to eachother by dancers through their practice. Choreographic practice is regarded as involving cognitive tools and cognitive functions, at different levels. These tools are stemming from the process of conceptualization, inherent in practicing. They are showing how choreographic experience is understood, represented and acted. "choreographic thought" is described as a "practical thought" shaping "artistic concepts". The study of these concepts is based on examples, which are extracted from situations of dancing or theories of dancers. Their are especially observed on their functional side, according to their practical finality. So, a single portrait of "choreographic concept" is drawn, it is a "fuzzy", "moving", "pragmatic" and "incorporated" concept. The cognitivist theories of knowledge and mind are abble to clarify this conceptual specificity as occuring on the basis of an experiencial continuum. Perceptive, motor and cognitive dimensions of choreographic experience are together involved through basic networks of categorization. That is why, it is necessary to envisage this experiencial continuum in order to understand, or to study the conceptualization of dancing by

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Vitrac, Eric. "Bals populaires ruraux et dynamiques socio-spatiales : recherches sur les pratiques territoriales de danseurs gersois, haut-viennois et tarnais." Toulouse 2, 2002. http://www.theses.fr/2002TOU20008.

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Abstract:

En milieu rural, le bal populaire reste un haut lieu de la sociabilité. Face à la concurrence des nouveaux répertoires et des discomobiles, il a su s'adapter dans une période historique qui annoncera et entérinera le remaniement des rapports sociaux à la campagne. Or, dans un mouvement qui verra également l'élargissement des espaces de vie, l'essaimage de l'aire de sociabilité, la multi-territorialisation des références sociales et spatiales, les danseurs continuent à mobiliser historiquement les mêmes aires de pratique. C'est que l'intimité des relations qui s'y nouent et s'y reproduisent ne saurait s'épanouir dans des cadres anonymes : le choix des lieux de bal ne relève pas de l'arbitraire. A partir de ce paradoxe, cette recherche analyse les aires de pratique dans leur fonction médiatrice dans leur fonction médiatrice des rapports territoriaux. De cette dernière procède une méso-territorialité médiant des rapports à l'Altérité qui ne s'inscrivent pas dans les oppositions classiques (dedans/dehors ; ici/ailleurs ; intérieur/extérieur), mais dans la complémentarité d'une dialectique de l'intime et de l'extime. Quand l'intimité caractérise l'échelle des proximités sociales et spatiales et définit ainsi une métro-territorialité, celle de l'extimité résulte de l'extension historique des espaces de vie. Or, selon les terrains d'investigation, la méso-territorialité ne régule pas les mêmes entités. Lorsque les méso-territorialités des danseurs du Gers occidental et de la Haute-Vienne s'affirment dans leur capacité à renforcer l'armature métro-territoriale, celles des gersois orientaux et des tarnais valident davantage les termes d'une mise en cohérence et d'une homogénéisation de l'étendue de leurs rérérences socio-spatiales. En dernier ressort, cette méso-territorialité met ne lumière des éléments explicatifs d'un mouvement plus large de restructuration des territoires ruraux
In our countries, the dances still are a social must. In competition with different musical styles and discomobiles, they are evoluating like never before, announcing and ratifying the transformation of the relations to the country. Therefore this social and territorial movement is opening up to other social spaces and territorial referencies and to their geographical dispersal, the dancers still continue to mobilize the same dancing-areas. It is because their private relationships couldn't exist, be reproduced and blossom out anywhere : the choice of a location for a danse gathering couldn't arbitrary. According to this paradox, this research analysis the dancing areas into their mediating territorial fonction. As an original relationship to space and alterity, this transitional territoriality isn't found on the classical opposition (inside/outside, here/there, interior/exterior) but raises again a complementary between the private and the ± secrecy α. When the privacy caracterise the social and spatial proximitu scales, defining a matrix territoriality, the ± secrecy α results of the historical extension of the life's spaces. Regarding to our study territories, the transitional territoriality doesn't generate the same entities. In the Western part of Gers and in Haute-Vienne, the dancers assert a capacity to reinforce a certain matrix territoriality. In the Eastern part of Gers and in the Tarn, the social and spatial dancers' references seems to be more homogeneous and coordinated. As a last resort, the transitional territoriality brings to light some explaination's elements about a largeous movement of recomposition of the rural territories

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Matoussi, Souad. "Traditions de danse et subjectivités collectives en Tunisie." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA083702.

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Abstract:

Dans cette étude, nous avons porté notre attention sur la danse traditionnelle et populaire en Tunisie, tant dans le milieu sacré que profane. La danse collective est étroitement liée au milieu dont elle émane. Elle représente un moyen d’expression privilégié qui véhicule plusieurs aspects de la vie d’un groupe et de son organisation sociale. C’est pourquoi il nous paru pertinent d’étudier la relation étroite entre danse et société en Tunisie. Cette étude de la danse porte sur sa nature, ses usages, sa fonction et la place qui lui est conférée dans la société tunisienne. Pour éclairer toutes ces questions, la présente investigation a été traitée trois parties. Dans la première partie, nous avons essayé de situer la danse tunisienne dans l'éclairage que peuvent lui apporter la religion avec ses normes et tabous et l'histoire avec sa dynamique d'échanges entre différentes cultures et civilisations. Dans la deuxième partie nous avons tenté de décrire et de classifier les danses tunisiennes selon leur fonction (rituelle ou cérémonielle), leurs acteurs (professionnels ou bénévoles) ainsi que leur genre (danse masculine ou féminine). Dans la dernière partie, nous avons essayé de réfléchir sur tous les éléments fournis dans la première et deuxième partie. Notre effort d’interprétation et de synthèse a visé d’abord à définir la place de la danse dans la culture tunisienne et ses fonctions sociales. Ensuite, nous avons considéré la danse comme une expression qui réfléchit les mentalités de chaque groupe ainsi que son identité. Enfin nous avons étudié l’état de la tradition tel que l’enquête de terrain nous a permis de saisir
In this study an attempt has been made to consider Tunisian traditional and popular dancing, both in its sacred and profane milieu. Collective dancing is deeply linked to the environment from witch it emerges. It’s also considered as a form of expression that conveys various aspects of collective life as well as social organisation. Thus, it’s interesting to study the close relationship between dancing and society in Tunisia. In this study, we tried to examine Tunisian popular dancing, its nature and its uses as well as its function and place it holds in Tunisian society. This work is composed of three main parts. Part one tries to situate Tunisian dancing in its relation with two important elements: religion with its norms and taboos; history with its dynamic of exchanges and interactions between different cultures and civilisations. In the second part, we tried to describe and classify Tunisian dances both according to its functions (ritual, ceremonial) and its actors (professional, devotee) also according to gender (masculine, feminine). In the third and last part, we tried to focus on all those elements presented in the first and second part. Our interpretation aimed at, first defining the place of dancing in Tunisian culture as well as its social functions. We then tried to consider dancing as an expression that conveys different groups’ mentalities and identities. Finally, we attempted to study the tradition using fieldwork

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Sorignet, Pierre-Emmanuel. "Le métier de danseur contemporain." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0070.

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Fernandes, Emmanuel. "Représentations du corps et spécialisation sportive précoce : analyse de 735 dessins de gymnastes, nageurs, judokas, handballeurs et danseurs de 6 à 8 ans." Amiens, 2010. http://www.theses.fr/2010AMIE0015.

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Messina, Virginie. "Une approche didactique de la danse et de la création chorégraphique : de l’action conjointe chorégraphe/danseurs, à l’action conjointe professeur/élèves à l’école élémentaire." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20061.

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Abstract:

La recherche se centre sur trois études de cas pour caractériser la manière dont les savoirs de la danse et de la création chorégraphique sont mobilisés dans différentes institutions : séances de travail entre un chorégraphe et des danseurs en contexte de création, interventions d’un artiste chorégraphique en milieu scolaire, pratique scolaire de la danse menée par une enseignante à l’école élémentaire. Notre approche relève d’une anthropologie didactique, en s’appuyant sur la théorie de l’action conjointe en didactique (TACD), qui amène à analyser les transactions des différents acteurs observés (chorégraphe, danseurs, enseignantes, élèves), pour saisir à travers la construction des oeuvres chorégraphiques, la vie des savoirs qui leurs donnent forme. Elle conduit à caractériser la création comme un processsus d’enquête, à partir duquel chorégraphes et danseurs s’engagent dans un milieu d’invention. La mise en perspective des différentes études de cas permet de reconsidérer les conditions et les enjeux d’un enseignement-apprentissage de la danse à l’école, par un rapprochement entre pratiques chorégraphiques professionnelles et pratiques scolaires. En particulier, la question de l’expérience des élèves dans les processus de création en contexte scolaire est ici interrogée à l’aune d’une analyse de l’activité effective des artistes en situation de création. La recherche amène à questionner la manière dont les pratiques artistiques peuvent être pratiquées au sein de l’institution scolaire. L’approche didactique retenue permet de reconsidérer la relation professeur/élèves, à la lumière des spécificités inhérentes à ces pratiques
The research focuses on three case studies to characterize how knowledge of dance and choreographic creation is mobilized in different institutions: work sessions between a choreographer and dancers in a context of creation, interventions by a choreographic artist in schools, and school dance practice conducted by an elementary schoolteacher. Our approach is based on a didactic anthropology, based on the Joint Action Theory in Didactics (JATD), which leads us to analyse the transactions of the different actors we observe (choreographers, dancers, teachers, students) in order to understand through the construction of choreographic works, the life of the knowledge that shapes them. It results in characterizing creation as a process of inquiry, from which implies that choreographers and dancers get involved into an inventive milieu. The different case studies we put into perspective lead us to reconsider the conditions and issues of dance teaching and learning in schools, and to argue for a closer relatioship between professional choreographic practices and school practices. In particular, the question of students' experience in creative processes in the school context is questioned here on the basis of an analysis of the actual activity of artists in creative situations. The research raises questions about how artistic practices can be practiced within the school institution. The didactic approach chosen allows us to reconsider the teacher-student relationship in the light of the specificities inherent in these practices

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Dantas, Monica Fagundes. "Ce dont sont faits les corps anthropophages : la participation des danseurs à la mise en ceuvre chorégraphique comme facteur de construction de corps dansants chez deux chorégraphes brésiliennes." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2008. http://hdl.handle.net/10183/15587.

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Abstract:

Cette recherche a pour but premier de mieux comprendre la participation des danseurs à la mise en oeuvre chorégraphique comme un facteur de construction des corps dansants. Pour rendre compte de cela, j’ai proposé une étude de l’oeuvre de deux chorégraphes contemporaines brésiliennes, Lia Rodrigues et Sheila Ribeiro. Cette recherche a également pour but d’identifier des manifestations de brésilités présentes dans les deux oeuvres chorégraphiques analysées, Aquilo de que somos feitos, de Lia Rodrigues et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers, de Sheila Ribeiro et ce, tout en se demandant si ces manifestations de brésilités imprègnent aussi les corps dansants. Cette étude s’inscrit dans un paradigme postpositiviste et adopte une approche ethnographique comme méthodologie de recherche utilisant l’observation et l’entrevue comme instruments de cueillette de données. Le travail sur le terrain a pris la forme de deux études indépendantes, afin de favoriser l’immersion dans le travail de chaque compagnie. L’analyse et l’interprétation des données ont été réalisées à travers l’identification d’unités d’analyse et leur rassemblement dans des catégories d’analyse, en gardant un contact permanent avec les données brutes et le cadre théorique développé lors de la revue de littérature. La participation active des danseurs aux processus de mise en oeuvre chorégraphique est l’un des principaux aspects de la construction de corps dansants dans le contexte de Aquilo de que somos feitos et de Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. Celle-ci demande aux danseurs de se détacher de leurs habitudes techniques, interprétatives et créatives pour pouvoir répondre aux sollicitations des chorégraphes, de même que pour proposer du matériau et des procédés pour la création et la recréation chorégraphique. Ainsi, la collaboration à la mise en oeuvre chorégraphique permet-elle aux danseurs de réinventer leurs corps en vue d’un projet chorégraphique, mais aussi en vue d’un projet de vie. Au-delà de certains éléments de la culture brésilienne qui peuvent être plus clairement discernés dans la mise en oeuvre de chaque pièce, je considère que ces deux chorégraphies présentent des aspects faisant référence à des représentations de brésilités liées à l’anthropophagie. L’anthropophagie, mouvement artistique développé au Brésil à partir des années 1920, se réactualise ponctuellement dans la démarche de certains artistes contemporains brésiliens. Ainsi, la métaphore anthropophagique condense-t-elle des manifestations de brésilités présentes dans Aquilo de que somos feitos et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. De même, le corps anthropophage devient une figure féconde pour comprendre la construction de corps dansants dans les démarches de Lia Rodrigues et de Sheila Ribeiro, tout en considérant que dans leurs créations se manifestent certains traits des brésilités.

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AVRIL, CATHERINE. "La danse : pathologie d'apres la litterature ; examen d'aptitude et suivi de jeunes danseurs appartenant au c.n.r. (conservatoire national de region) mise au point d'une fiche informatisee de surveillance." Nantes, 1990. http://www.theses.fr/1990NANT149M.

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Faure, Sylvia. "Les processus d'incorporation et d'appropriation du métier de danseur : sociologie des modes d'apprentissage de la danse "classique" et de la danse "contemporaine"." Lyon 2, 1998. http://www.theses.fr/1998LYO20039.

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Abstract:

L'objet de recherche porte sur les processus d'incorporation et d'appropriation de deux formes de danse issues de l'art chorégraphique. Leur évolution sociohistorique est analysée dans la première partie de l'étude. La thèse vise à montrer que les opérations par lesquelles s'incorpore et s'approprie le métier de danseur varient selon les formes de danse, engendrant des situations d'apprentissage particulières. Elles sont constitutives d'habiletés dissemblables, ainsi que de rapports différenciés à la pratique. Appréhendée à partir de l'analyse compréhensive et comparative des pratiques de danse "classique" et "contemporaine", l'"incorporation" (c'est-à-dire la saisie corporelle de gestes mus par des principes moteurs liés à des valeurs esthétiques et éthiques) est alors apparue comme un processus complexe et variable, ne se réduisant aucunement a des opérations préréflexives et infra-langagières. De fait, la partie centrale de la recherche est une analyse détaillée des modalités d'apprentissage mises en œuvre dans les cours de danse, en distinguant les niveaux de maitrise des élèves et les types de savoir-faire requis selon la forme de danse apprise. Les configurations d'apprentissage observées concernent la formation des danseurs avant leur professionnalisation
The research object deals with the embodiment and appropriation processes of two dance types. Their historic evolution is analyzed in the first part of memoir. The thesis aims at demonstrating that embodiment and appropriation operations of the dancer's profession vary according to the dance types and engender thereby specific apprenticeship situations. This leads to the development of various skills as well as of different relations to the practice. Through the comparative and comprehensive analysis of "classical" and "modern" dance practices, the embodiment (that is to say corporal comprehension of gestures produced by body principles related to ethical and aesthetic values) appears as a many-sided process that is not reduced to unconscious or silent operations. This, the main part of the research is a detailed analysis of learning types used during dance lessons. The various skill levels and dance types will be taken into account. Observations concern dancer's education before their professionalisation

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Jarrasse, Bénédicte. "Les deux corps de la danse : l'imaginaire de la danse théâtrale dans la littérature et l'iconographie européennes : 1830-1870." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC011.

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Abstract:

Aux alentours de 1830, le romantisme s'impose sur les scènes théâtrales. À une manière nouvelle d'envisager le ballet fait écho une manière nouvelle de le représenter. Celui-ci peine toutefois à se dire pour lui-même, et dans cette bataille du dire, c'est la danseuse, à défaut de la danse, qui devient l'objet principal des représentations. La ballerine cristallise le dualisme essentiel de l'imaginaire romantique et se retrouve au cœur d'une entreprise de mise en légende et de légitimation de l'art chorégraphique. Le dire de la danse passe désormais par une mythographie. L'enjeu ultime est dans la définition du corps romantique de la danse. Les procédures de mythification déterminent un corps proprement décent - le corps glorieux de la danse. Ce corps métaphorique n'est pourtant que l'avers d'un autre corps - le corps terrestre de la danse. Dans les envers du théâtre est ainsi dévoilé le corps de la danse au travail, corps faillible et souffrant, éternel prix à payer de la féerie
Around 1830, Romanticism prevails on theatre stages. The new perspective on performance as a whole leads to a new perception of ballet. However, ballet struggles to assert its specificity and in the battle of words that unfolds, the ballerina, rather than the ballet, becomes the main focus onstage. The ballerina cristallizes the duality that is key to the Romantic vision. She thus finds herself at the heart of a campaign to elevate her to the status of legend, which is also a way for ballet to gain recognition. The narrative of ballet, from this point onwards, has to rely on a mythography. What is ultimately at stake is the definition of the Romantic dancing body. The mythologizing process creates a chaste body : the glorious dancing body. However, this metaphorical body is but the antithesis of another one : the earthy dancing body. Finally, it is backstage in the theatre that the dancing body is unveiled at work, frail and in pain, forever the price to pay for enchantment

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Dariane, Cynthia. "Salomé danse-t-elle ? Enquête sur les représentations littéraires et chorégraphiques d'un mythe féminin aux XIXe et XXe siècles." Thesis, Pau, 2013. http://www.theses.fr/2013PAUU1008/document.

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Abstract:

Depuis toujours, Salomé hante les esprits et se profile dans les créations artistiques. Elle évolue selon les siècles, changeant selon l’humeur des artistes, assouvissant leur désir créateur. Cependant, ce sont les artistes symbolistes et décadents qui vont donner à la danseuse biblique son véritable essor et l’imposer comme une véritable figure archétypale, avec la danse au cœur de cette recréation. L’art de Terpsichore s’empare également de Salomé et les techniques scéniques et chorégraphiques permettent l’affirmation de nouvelles idées sociales, de courants de danse novateurs ainsi que le développement de nouveaux savoir-faire artistiques à travers la figure de la fille d’Hérodiade. Notre travail va porter non pas sur Salomé dans l’absolu, mais sur sa danse en tant que telle, et plus particulièrement sur la façon dont elle est retranscrite dans les textes et sur scène. Il s’agira donc de se demander, à travers la figure de la danseuse, quelles sont les connivences entre les deux langages, celui du corps, des gestes, et celui des mots. En quoi Salomé arrive-t-elle à conjuguer influence artistique et révolution socioculturelle ?
Salomé has always been haunting our minds and sneaking into artistic creations. She evolves through the centuries, changing with artists' state of mind and meeting their creative desire. However, symbolist and decadent artists are those who gave the biblical dancer her real take-off, imposed her as a true archetypal figure, with dance at the heart of the recreation. Terpsichore's art also takes hold of Salome and stage and chorography techniques enable the assertion of new social ideas, innovative dance trends and the development of new artistic know-hows through the myth of Herodias. This work tackles not Salome in absolute, but rather her dance, and more specifically the way it is expressed in writings and on stage. We shall see, through the figure of the dancer, what complicity bond the two languages, that of the body and the moves, and that of the words. How does Salome mix artistic influence and social and cultural revolution?

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Papin, Mélanie. "1968-1981 : construction et identités du champ chorégraphique contemporain en France : désirs, tensions et contradictions." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080086/document.

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Abstract:

Cette recherche tente de mettre en évidence les mécanismes d’émergence de la danse contemporaine en France entre 1968 et 1981. Animés par un désir émancipateur de vivre et de danser particulièrement intense dans l’après Mai-68, les danseurs mais aussi journalistes, administrateurs ont produit des micropolitiques au travers desquelles leurs actions collectives et militantes, leurs désirs de pratiques et de danse ont permis de sédimenter, sans pour autant défaire les tensions et la contradictions visibles dès les années 1950, le champ chorégraphique contemporain. Avant d’aborder Mai 68 dans notre première partie, nous dressons un état des lieux du champ chorégraphique dans les années 1950 et 1960 afin de comprendre les conditions d’apparition de cette communauté encore fragile, confrontée à une bataille autour de la notion de modernité entre les tenants d’un héritage « classique » et ceux d’un héritage « moderne ». Si Mai 68 est ensuite envisagé comme un moment politique pour la danse, ses effets « culturels » s’inscrivent tout au long des années 1970. D’abord, ils rendent possible l’accueil des modernités venues des Etats-Unis. Puis, ils favorisent l’installation de modes de production et d’organisation autogérés et collectifs ainsi que des modes de militance en faveur de l’amélioration des conditions de vie et de création. À bien des égards, cette organisation du champ chorégraphique, par les marges et les « forces discrètes », a contribué à ce que l’on a appelé « l’explosion de la Nouvelle danse française » des années 1980
This research tries to place in a prominent position the mechanisms of emergence of the contemporary dance in France between 1968 and 1981. Livened up by a desire emancipator to live and to dance particularly intense in the after 1968, the dancers but also journalists, administrators produced micropolitics through which their collective and militant actions, their desires of practices and dance allowed to sediment, without undoing the tension and visible contradictions from the 1950s, the contemporary choreograpic field. Before enter upon 1968 on our first part, we draw up an inventory of the choreographic field in the 1950s and 1960s to understand the condition of appearance of this still fragile community, confronted with a battle around the notion of modernity between the upholders of a « classic » legacy and those of a « modern » legacy. If 1968 is then envisaged as a political moment for the dance, its « cultural » effects join troughout 1970s. At first, they make possible the reception of the modernities come from the United States. Then, they favor the installation of self-managed and collective modes of production and organization as well as modes of militance in favour of the provement of the conditions of life and creation. In some respects, this organization of the choreographic field, by the margins et the « discreet strengths », contributed to what we called « the explosion of the New French dance » in the 1980s

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Couderc, Bruno. "L'improvisation en danse : une présence à l'instant." Phd thesis, Université Rennes 2, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00458233.

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L'improvisation a une place importante dans la danse contemporaine, soit pour permettre au chorégraphe d'inventer de la matière gestuelle et de composer, soit en tant qu'oeuvre qui se construit dans l'instant, l'improvisation spectacle. Cette thèse s'intéresse à comprendre comment le danseur improvisateur procède pour créer dans l'immédiat, et fait la supposition de la nécessité d'une conscience affinée de son propre corps et de son environnement scénique. Trois artistes improvisateurs (Michel Raji, Loïc Touzé et Pascal Quéneau) se sont produits sur scène dans le cadre de cette étude et ont répondu à différents entretiens afin d'expliquer et d'analyser leur travail. Le cadre théorique que propose la Gestalt-thérapie permet, grâce à des concepts comme la théorie du self, le cycle de contact-retrait, l'awareness, le vide fertile, d'analyser l'interaction d'un individu avec son environnement dans un contexte précis et sa manière de répondre à des besoins. En utilisant ce cadre, il a été mis en évidence cinq spécificités qui pourraient caractériser l'improvisation en danse. Lorsqu'il improvise, l'artiste raconte sur scène sa propre histoire à travers son style personnel. Il adapte son travail en fonction du contexte dans lequel il se produit. Il s'appuie sur une structure compositionnelle qu'il a pensée antérieurement. La relation au moment présent est essentielle aussi bien dans la dimension immédiate du geste que dans la dimension contemporaine, historique et esthétique. Enfin, l'invention de mouvements dans l'instant, la vigilance et l'engagement dont font preuve les improvisateurs, caractérisent leur facilité à être dans l'awareness

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Brunaux, Hélène. "Espace urbain et danses contemporaines : usages de l'espace et espaces des usages." Electronic Thesis or Diss., Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20015.

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La thèse s'intéresse aux interventions chorégraphiques performatives et événementielles impulsées par diverses structures, ou générées par des activités auto-organisées dans l'espace public. L'objectif est d'identifier en quoi les nouveaux usages qui se développent depuis les années quatre vingt en France, participent de la transformation progressive des espaces des usages. En effet, l'apparition de formes de sociabilités inhabituelles impulsées par une ouverture spatiale des dispositifs va progressivement enrichir leur dynamique intrinsèque, et participer à les qualifier d'" espaces intermédiaires ". Par là-même, l'étude montre comment l'imbrication de différents mondes sociaux pluralise les engagements des acteurs, et complexifie les processus de reconnaissance identitaire dans le monde de la danse. De nouveaux usages sociaux, économiques et corporels apparaissent alors à l'interface des espaces plus légitimes. Or, l'analyse des carrières envisagées à partir des différentes formes de socialisation conduit aussi à distinguer plusieurs types d'acteurs collectifs présentant des conceptions différenciées de la territorialité. C'est ainsi que les compétences développées par certains danseurs, chorégraphes et intermédiaires culturels œuvrant dans l'in situ, résultent plus que les autres d'une véritable capitalisation des expériences spatiales dynamisées par l'encastrement entre différents mondes sociaux. Ces acteurs vont alors participer à brouiller les frontières du marché du travail de la danse, puisque leurs compétences vont réfléchir sur leur socialisation professionnelle et sur leurs engagements sur les différents réseaux sociaux du monde de la danse
This dissertation focuses on event-driven and performance, choreographic interventions; such interventions could either be created by cultural institutions or rise from self-organized activities occurring in public space. The main purpose of this work is to identify new spatial practices which have developed since the 80s in France, and how they are part of a gradual change in the broad spectrum of practices. Indeed, as art arrangements grew to become more and more spatially opened, new and unusual sociability forms appeared. These new forms fuelled the intrinsic dynamic of these new arrangements, leading them to be labelled as " in-between spaces ". It is thus revealed how actors' engagements are pluralized through the overlapping of different social worlds. These crossings between worlds add a great complexity to identity recognition processes in the dance world. New social, economic and corporeal practices appear at the interface of more legitimate spaces. However, by analyzing the careers from the different forms of socialization also leads to distinguishing between several types of collective actors which develop differentiated conceptions of territoriality. In this way, the competencies developed by certain dancers, choreographers and cultural intermediaries working in situ, are more (than others) the result of a real capitalization of spatial experiences which are invigorated by the embedment of different social worlds. These actors will then blur the limits of the dance job market, because their competencies will reflect professional socialisation and their engagements in different social networks in the world of dance

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Brunaux, Hélène. "Espace urbain et danses contemporaines : usages de l'espace et espaces des usages." Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20015.

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La thèse s'intéresse aux interventions chorégraphiques performatives et événementielles impulsées par diverses structures, ou générées par des activités auto-organisées dans l'espace public. L'objectif est d'identifier en quoi les nouveaux usages qui se développent depuis les années quatre vingt en France, participent de la transformation progressive des espaces des usages. En effet, l'apparition de formes de sociabilités inhabituelles impulsées par une ouverture spatiale des dispositifs va progressivement enrichir leur dynamique intrinsèque, et participer à les qualifier d'" espaces intermédiaires ". Par là-même, l'étude montre comment l'imbrication de différents mondes sociaux pluralise les engagements des acteurs, et complexifie les processus de reconnaissance identitaire dans le monde de la danse. De nouveaux usages sociaux, économiques et corporels apparaissent alors à l'interface des espaces plus légitimes. Or, l'analyse des carrières envisagées à partir des différentes formes de socialisation conduit aussi à distinguer plusieurs types d'acteurs collectifs présentant des conceptions différenciées de la territorialité. C'est ainsi que les compétences développées par certains danseurs, chorégraphes et intermédiaires culturels œuvrant dans l'in situ, résultent plus que les autres d'une véritable capitalisation des expériences spatiales dynamisées par l'encastrement entre différents mondes sociaux. Ces acteurs vont alors participer à brouiller les frontières du marché du travail de la danse, puisque leurs compétences vont réfléchir sur leur socialisation professionnelle et sur leurs engagements sur les différents réseaux sociaux du monde de la danse
This dissertation focuses on event-driven and performance, choreographic interventions; such interventions could either be created by cultural institutions or rise from self-organized activities occurring in public space. The main purpose of this work is to identify new spatial practices which have developed since the 80s in France, and how they are part of a gradual change in the broad spectrum of practices. Indeed, as art arrangements grew to become more and more spatially opened, new and unusual sociability forms appeared. These new forms fuelled the intrinsic dynamic of these new arrangements, leading them to be labelled as " in-between spaces ". It is thus revealed how actors' engagements are pluralized through the overlapping of different social worlds. These crossings between worlds add a great complexity to identity recognition processes in the dance world. New social, economic and corporeal practices appear at the interface of more legitimate spaces. However, by analyzing the careers from the different forms of socialization also leads to distinguishing between several types of collective actors which develop differentiated conceptions of territoriality. In this way, the competencies developed by certain dancers, choreographers and cultural intermediaries working in situ, are more (than others) the result of a real capitalization of spatial experiences which are invigorated by the embedment of different social worlds. These actors will then blur the limits of the dance job market, because their competencies will reflect professional socialisation and their engagements in different social networks in the world of dance

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Thibaud, Virginie. ""Challenge" ou "Ballet". La formation de deux mondes professionnels de la danse hip hop." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030086.

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Cette thèse retrace la formation de deux mondes professionnels de la danse hip hop française, du soutien à sa reconnaissance artistique par des institutions et des politiques publiques au milieu des années 1980 à sa dualisation au sein de deux réseaux de production distincts observés au début des années 2000. Cette étude s’appuie sur l’analyse des carrières de plusieurs représentants des deux premières générations de danseurs hip hop français. Elle repose sur le recueil de documents d’archives, d’interviews de professionnels de la danse hip hop, sur l’analyse d’un corpus d’évènements diffusés en région parisienne de 2007 à 2012, sur des séances d’observations menées au cours de ces représentations et sur l’examen des chaînes de coopérations contribuant à leur réalisation. Ces données mettent en évidence les processus conduisant à la formation de deux modèles de professionnalisation et de reconnaissance du genre, défendant des conceptions différentes de la discipline : l’une fondée sur une danse hip hop de création bénéficiant d’une reconnaissance artistique institutionnelle, l’autre se référant à une danse hip hop de compétition se développant en marge des mondes de l’art et de toute reconnaissance officielle. Ces deux mondes se caractérisent dans leur capacité à incarner des voies d’insertion professionnelle pour les artistes et pour l’ensemble des individus dédiant leur activité à la production du genre
This thesis explores the development of two professional worlds of French hip hop dance, from its initial public support and artistic recognition in the 1980s to its split into two distinct production networks in the 2000s. This study focuses on the analysis of the careers of the first two generations French hip hop dancers in order to understand how these two dance types were established. It is also based on a collection of archives and interviews of various hip hop professionals. Finally, this thesis also analyzes the development of various hip hop events in the Parisian region between 2007 and 2012, the collaboration required to produce them and several observations during these performances. The information thus acquired shows the processes leading to the formation of two models of professional French hip hop dance genres, and their recognition by distinct networks. These two types of French hip hop dance differ mainly in the aspect of the genre that they primarily based on: the first is a creative type of hip hop dance, recognized by the artistic community; the second is a competitive type of hip hop dance, developing behind the scenes of the art world, without any official recognition. These two worlds of French hip hop dance can therefore coexist, and provide professional opportunities for various artists and others who are active in the dance community

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Bloch, Valérie. "Corps, pouvoir et douleur chronique : récits de vie de danseurs et de danseuses professionnels." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/9142.

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La porte d’entrée méthodologique de cette recherche repose sur l’observation participante d’une patiente atteinte de «douleur chronique» adressée pour accompagnement thérapeutique par le Qi Gong. L’énoncé fréquent de situations de conflit avec la famille, avec l’employeur ou avec les médecins, m’a amenée à y considérer la similitude entre les symptômes énoncés, les usages du corps et les attitudes mentales en lien avec une représentation mécaniste et duelle du corps. Marcel Mauss a été le premier à désigner ce rapport entre les usages du corps et les paradigmes sociétaux et culturels, à l’œuvre. Dans une ère fortement marquée par la robotisation des entreprises et des services, la dématérialisation des documents et la tyrannie des nouvelles technologies, la «douleur chronique» vient donc questionner les usages du corps contemporain dans un monde du travail axé sur la performance et la productivité. Cette recherche a pour but d’interroger en quoi la «douleur chronique» serait un symptôme des apories contemporaines, dépassant ainsi largement le champ de la médecine et en quoi elle serait comme l’arme du faible, the weapon of the weak, en contexte d’oppression (Scott, 1985). Ultimement, elle questionne l’affirmation de Michel Foucault selon laquelle «nous avons tous du pouvoir dans le corps» (1987: 27). Le recueil de récits de vie auprès de professionnels de la danse, pressentis pour leur habileté à décrire leur ressenti, y déjoue une tendance à reléguer dans le domaine de la psyché ce qui ne fait pas la preuve de son évidence. La forte crédibilité de leur parole permet en outre de mieux documenter un phénomène complexe, entâché de beaucoup d’à priori et de révéler les dynamiques de pouvoir à l’œuvre au sein d’une profession confrontée aux limites corporelles, plus que tout autre, dans l’exercice de son art. Une approche généalogique de ces histoires de douleur et leur mise côte à côte permet d’identifier les «plis» que sont l’endurance et le rejet de toute médication face à la douleur et comment ils infléchissent son évolution. Une analyse plus approfondie des six d’entre elles qui s’en sont sorties y démontre que si le pouvoir s’exerce sur un corps perçu comme docile, il peut aussi s’inverser pour contribuer à la guérison, au prix d’une insurrection de savoirs enfouis, universels, mais «assujettis», et d’un changement de paradigme. Ainsi, une meilleure compréhension de la «douleur chronique» laisse entrevoir une possible réversibilité du phénomène et une réinsertion sociale, avec ou sans réorientation de carrière, à condition de repenser nos modes de représentation, de production, de relation au travail et aux usages du corps, le rapport à l’Autre et à soi.
The methodological starting point of this research was participant observation of a patient with «chronic pain» who was being seen for therapy through qigong. The patient’s frequent statements regarding situations of conflict with the family, the employer or doctors led me to consider the similarity between the symptoms described, the uses of the body and mental attitudes related to a mechanistic, dualistic representation of the body. Marcel Mauss was the first to address this relationship between the uses of the body and societal and cultural paradigms. At a time deeply marked by the automation of businesses and services, the dematerialization of documents and the tyranny of new technologies, «chronic pain» calls into question the uses of the contemporary body in a working world based on performance and productivity. The aim of this research is to examine how «chronic pain» may be a symptom of contemporary aporias that go far beyond the sphere of medicine and how it may be «the weapon of the weak» in a context of oppression (Scott, 1985). Ultimately, this research examines Michel Foucault’s statement that «we all have power in our bodies» (1987: 27). The collected life narratives of professional dancers, who were approached because of their ability to describe their feelings, avoid the tendency to relegate to the realm of the psyche whatever cannot be demonstrably proven. The strong credibility of the acccounts makes it possible to better document a complex phenomenon marred by a great many a priori and reveal the dynamics of power at work in a profession that, more than any other, confronts the limits of the body in the exercise of its art. A genealogical approach to these stories of pain and their examination side-by-side allowed me to identify the habits of endurance and rejection of medication and how they influenced the evolution of the pain. A more detailed analysis of the six healed one’s narratives shows that while power is exercised on a body perceived as docile, it may also be reversed to support a recovery at the cost of an insurrection of buried knowledge that is universal but «subjugated» and a change of paradigm. Thus, a better understanding of «chronic pain» makes it possible to envisage its reversibility and a social reintegration, with or without a career change, on the condition that we rethink our modes of representation, production and relation to work and to the uses of the body, and our relationship to the Other and the self.

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Lacasse, Shirley. "Le travail des danseuses nues : au-delà du stigmate, une relation de service marchand." Thèse, 2003. http://hdl.handle.net/1866/14847.

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Chang, Ching-Han, and 張景涵. "A Study of Debussy's Preludes "Danseuses de Delphes", "La danse de Puck", and "Des pas sur la neige"." Thesis, 2016. http://ndltd.ncl.edu.tw/handle/19567821073166752806.

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Maatouk, Diana. "Comparaison du profil psychosociosexuel de prostituées de rue, d'escortes, de danseuses érotiques et de femmes n'offrant pas de services sexuels." Thèse, 2008. http://hdl.handle.net/1866/7449.

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Dissertations / Theses on the topic 'Danseuses'

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