Academic literature on the topic 'Dansk teater'
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Journal articles on the topic "Dansk teater"
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Rendix, Mia. "Dansk teater 3.0." Peripeti 9, no. 17 (January 1, 2012): 112–14. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v9i17.109024.
Full textAbstract:
Forfatteren argumenterer, ud fra hhv. en æstetisk, demokratisk og kulturhistorisk funderet præmis, for at dansk teater har behov for at adoptere digitaliseringen som en naturlig del af teaterkunstens artistiske og publikumsmæssige satsning.
2
Gade, Solveig. "Dogmebølger og bæredygtigt teater." Peripeti 19, no. 37 (December 19, 2022): 210–15. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v19i37.135206.
Full textAbstract:
Foreningen Bæredygtig Scenekunst NU arrangerede under overskriften Rethink Scenekunst Nu og i samarbejde med Dansk Teater i foråret 2022 en række klimasaloner rundt omkring i Danmark. Salonerne bød på en række oplæg og ikke mindst dialogformater, hvor aktører fra scenekunstbranchen fik mulighed for at blive inspireret, dele viden og drøfte, hvordan vi sammen kan engagere os i arbejdet med at skabe en mere bæredygtig scenekunstbranche. Peripeti deltog i klimasalonen i København og mødtes efterfølgende med den ene af forpersonerne i Bæredygtig Scenekunst NU, Christian Gade Bjerrum, til en samtale om grøn omstilling i scenekunsten.
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Leergaard, Joan. "Kronik." Magasin fra Det Kongelige Bibliotek 16, no. 4 (December 1, 2003): 61–71. http://dx.doi.org/10.7146/mag.v16i4.66533.
Full textAbstract:
Indhold: Bøger og Bibliotek; Jyske Lov "vender " tilbage til Danmark fra Sverige; Fuzzys KATALOG - 'Musik i skåret' i Diamanten på Det Kongelige Bibliotek - nu på cd; Latinske klassikerhåndskrifter på nettet; Inkakrøniken på cd; Ny adgang til samling af elektroniske tidsskrifter; Udvikling af kulturatlas.dk; Udenlandske Ældre Samling på nettet; Nye e-noder og ny oversigt; Komponistarkiverne på nettet; Dansk Musikbiblioteks Forenings arkiv er registreret; Det Kongelige Teaters orkestermateriale på nettet; Operabase i Center for Musik og Teater; Kulturnatten; Eksperimenterende skulptur på Søren Kierkegaards Plads; BogForum 2003; Udstillinger; Erhvervelser;
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Leergaard, Joan. "Kronik." Magasin fra Det Kongelige Bibliotek 17, no. 1 (March 1, 2004): 65–82. http://dx.doi.org/10.7146/mag.v17i1.66542.
Full textAbstract:
Indhold: Tyverierne fra Det Kongelige Bibliotek før 1978 under opklaring; Musikafdelingen 12 5 år; Klippoteket og Arkiv for Dansk Jazzhistorie - oversigter nu online; Ny jazzdiskografi på cd The jazz Discography afTom Lord er nu tilgængelig som cd på Center for Musik og Teater; Danske nodeskriftprøver på nettet; Rischel og Birket-Smiths samling af trykte noder nu online; Middelalder korbog på nettet; Poul Reumerts samling kan søges online; Præsentation af Albansk Samling i Contessa Entelina på Sicilien; Orfeus online; Tegninger fra Georgia på nettet; Tilvækst i registrering af Udenlandske Ældre Samling på nettet; Brugerundersøgelse af Det Kongelige Bibliotek som universitetsbibliotek; Ny udlånsaftale i Øresundsregionen forbedrer de studerendes adgang til litteratur; Bogudgivelser og nye tidsskrifter; Carl Nielsen Studies; Diamanten - nyt kulturblad; Føreren har ordet! – boglancering; Nyt nummer af Fund og forskning; Et leksikon bliver til; Ny bog om nybyggeri og udviklingslinier for biblioteker i Østersøområdet; Foredrag; Brunch på Biblioteket; Udstillinger; Musikarrangementer; Erhvervelser
5
Kuhlmann, Annelis. "Det iscenesatte Grønland – Grønland på scenen*." Peripeti 16, S7 (July 28, 2019): 80–99. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v16is7.115119.
Full textAbstract:
Artiklen belyser temaet om at iscenesætte og performe Grønland. Dette ses som en dobbelt bevægelse, der dels pointerer det nationale teaterudtryk, dels fremhæver det regionale som særegent i et rigsfællesskab. Med udgangspunkt i forestillinger, der med temaer som den grønlandske mand, klima- og miljøproblemer og grønlændere i Danmark trækker artiklen spor til Tuukkaq Teatrets rolle i dansk teater. I forhold til gruppeteatret bliver perspektivet foldet ud til kunstpraksisformer og postkoloniale teaterstudier.This article throws light on staging and performing Greenland. This topic is seen in a double movement, which points out the national theatre expression and emphasizes the regional aspect as particular for the Unity of the Realm. Amongst performances, which with themes like the Greenlandic man, environmental climate problems and Greenlandic peoples in Denmark, this article unfolds its perspective to forms of art practices and postcolonial theatre studies, drawing on the Tuukkaq Theatre as a reference.
6
Andersen, Elin, and Janicke Branth. "Katrine Wiedemann." Peripeti 6, no. 11 (December 2, 2021): 113–12. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v6i11.107692.
Full textAbstract:
Katrine Wiedemann er vist den eneste danske instruktør, der har fået et forestillingsbillede på forsiden af Theater Heute, 8/9, 2005. Det var i 2005 og det var for den prisbelønnede forestilling Havfruen efter H.C. Andersens eventyr. På billedet balancerer to personer i en omfavnelse på line, som en gensidig spejling og et sublimt billede af kærlighedens balanceakt.I bunden af billedet ligger en mand, som om han svæver i luften uden line. Billedet kunne være en illustration af den ophævelse af tyngdekraften, som synes at være et fundamentalt træk i Katrine Wiedemanns omgang med teatret. Katrine Wiedemann er et særpræget talent i dansk teater med sit mod på nyfortolkninger, sin udtryksform og sine præferencer. Man kunne fristes til at læse hendes iscenesættelser som et »faderopgør« med den klassiske avantgarde. For hun er tydeligvis slet ikke interesseret i at gentage den avantgardeæstetik, som har præget så mange tidligere fornyere: Anti-naturalisme, anti-psykologi, anti-koherens og anti-tekst. Som vi vil forsøge at vise, trækker hun forholdsvis ubekymret på klassiske og nyere æstetiske greb og bekymrer sig lidet om den »fornyelse«, der ligger i at opløse orden. Hun villangt hellere aflevere en godt fortalt forestilling. Til gengæld er hendes inspirationer fra andre medier og teaterformer med til at give hende en så central placering i teatret i dag.
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Schantz Lauridsen, Palle. "Kampen om Sherlock Holmes – forfatterret, moral og teater." Peripeti 17, no. 32 (August 21, 2020): 35–49. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v17i32.123728.
Full textAbstract:
I årene omkring 1900 blev forfatteres rettigheder til deres værker fastslået i den internationale Bernerkonvention ”til værn for litterære og kunstneriske værker”. Nationale lovgivninger fulgte op på konventionen, men flere aktører gjorde, hvad de kunne for at finde sprækkerne i loven. Artiklen undersøger de ophavsretmæssige tvistigheder omkring en række Sherlock Holmes-stykker på tyske og danske teatre i perioden 1902-1907.
In the years around 1900, authors’ rights to their works were determined in the International Berne Convention “for the Protection of Literary and Artistic Works”. National legislation followed up on the Convention, but several agents did what they could to find the gaps in the law. The article examines the copyright disputes surrounding a number of Sherlock Holmes plays in German and Danish theaters in the period 1902-1907.
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Andersen, Elin. "Naturen som mantra." Peripeti 13, no. 24 (January 1, 2016): 92–97. http://dx.doi.org/10.7146/peri.v13i24.109533.
Full textAbstract:
Essay af Elin Andersen, hvor hun kaster et blik på den første danske teaterkritiker Peder Rosenstand-Goiske, der inspireret af Riccoboni og Lessings ønske om naturlighed på scenen fremprovokerede voldsomme reaktioner med sine kritiske teater i sin Dramatikse Journal.
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Marom, Lilach, and Claudia W. Ruitenberg. "Professionalism Discourses and Neoliberalism in Teacher Education." Alberta Journal of Educational Research 64, no. 4 (March 7, 2019): 364–77. http://dx.doi.org/10.55016/ojs/ajer.v64i4.56413.
Full textAbstract:
This article argues that discourses of “professionalism” can be used in K-12 teaching and teacher education, both in the service of neoliberal pressures and to push back against such pressures. By itself, the term “professionalism” is not evidence of either the spread of or resistance against neoliberalism, but considered in the context of a broader discourse, it may be used for both. The argument draws from Derrida’s discussion of the pharmakon, and Bourdieu’s discussion of symbolic capital. We argue that the concept of professionalism functions as a pharmakon in that it can be both toxic and medicinal, depending on how it is used, by whom, and to what ends. We take up Schinkel and Noordegraaf’s (2011) suggestion of enhancing Bourdieu’s framework of symbolic capital with that of professional capital. Considering professionalism as a kind of symbolic capital provides a critical lens on discourses of professionalism as both a help and a hindrance in K-12 teaching and teacher education. Both theoretical perspectives enable a critical questioning of discourses of professionalism, including for their constraining effect on greater diversity in professions. Cet article affirme que les discours sur le « professionnalisme » peuvent servir dans l’enseignement K-12 et dans la formation des enseignants, tant au service des pressions néolibérales que pour résister à ces pressions. En soi, le terme « professionnalisme » n’indique ni l’expansion du néolibéralisme ni l’opposition à ce phénomène; considéré dans un contexte élargi, le terme peut être employé dans les deux cas. Cet argument repose sur la discussion de Derrida sur le pharmakon et celle de Bourdieu sur le capital symbolique. Nous affirmons que le concept du professionnalisme fonctionne comme pharmakon dans le sens qu’il peut être ou bien un poison ou un médicament selon l’emploi qu’on en fait, la personne qui s’en sert et les raisons pour lesquelles on l’utilise. Nous faisons suite à la suggestion de Schinkel et Noordegraaf (2011) d’appuyer la notion du capital symbolique de Bourdieu avec celle du capital professionnel. Le fait de concevoir le professionnalisme comme une sorte de capital symbolique offre un angle critique pour étudier les discours proposant que le professionnalisme peut constituer un appui ou un obstacle dans l’enseignement K-12 et dans la formation des enseignants. Les deux perspectives théoriques permettent une remise en question des discours sur le professionnalisme, y compris de leur effet restrictif sur une plus grande diversité au sein des professions. Mots clés: néolibéralisme, formation des enseignants, professionalisme
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Leergaard, Joan. "Kronik." Magasin fra Det Kongelige Bibliotek 16, no. 3 (September 1, 2003): 65–79. http://dx.doi.org/10.7146/mag.v16i3.66524.
Full textAbstract:
Indhold: Foredrag; I Hitler-Tysklands skygge. De danske jøder 1933-1945; Foredragsrække om breve og brevsamlinger; Brunch på biblioteket; H.O. Lange-Prisen; Det Kongelige Biblioteks årsberetning 2002; Adgang til over 10.000 elektroniske bøger Det Kongelige Bibliotek tilbydes nu via Elektra; Nørrebros Teater i 50 år; REX; Digitaliserede kort fra Kortsamlingen; Fotografisk Atelier på Det Kongelige Bibliotek modtog i maj Foreningen for Boghaandværks diplom; Musikarrangementer; Udstillinger; Erhvervelser;
Dissertations / Theses on the topic "Dansk teater"
1
Gorski, Marcin, and Sebastian Hansen. "Vad kan teater och dans erbjuda i förskolan?" Thesis, Malmö högskola, Fakulteten för lärande och samhälle (LS), 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:mau:diva-35237.
Full textAbstract:
Syftet med denna studie är att synliggöra hur de estetiska uttrycksformerna teater och dans kan bidra till barns kompetens-, kunskaps- och meningsskapande i förskolan ur ett Reggio Emilia-inspirerat synsätt. Studien har utgått från frågeställningarna: Vad anser pedagoger att teater och dans kan bidra till förskolans verksamhet? Vilka kompetenser och vilket lärande medför teater och dans till förskolan? För att kunna svara på frågeställningar så valde vi en kvalitativ metod för att komma närmre människorna och miljön. Datainsamlingen bestod av intervjuer av fyra pedagoger på två förskolor som har teater och dans som inriktning i det pedagogiska arbetet, samt är inspirerade av Reggio Emilia. Studien visade att med hjälp av teater och dans kan barn lära sig allt från språk, kommunikation, motorik, balans, matematik, naturvetenskap, teknik och mer därtill. Det har också kommit fram att teater och dans är en kommunikativ upplevelse där barn genom teater och dans, tillsammans med andra, kan utveckla medkänsla, medmänsklighet, empati, solidaritet och bli demokratiska människor.
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Falcone, Maria Giovanna. "Verso una nuova (?) definizione di teatro politico: Strategie di scrittura scenica nelle creazioni multidiscilplinari di Motus." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/328412.
Full textAbstract:
In questo studio ci proponiamo di esplorare la definizione di “politico”
nel teatro, applicandola all'intero percorso della compagnia italiana di teatro
sperimentale Motus. L'ipotesi è rinvenire nell'opera del gruppo la “politicità”
insita in vari livelli della sua produzione: in primis quello organizzativo,
esplorato sin dal debutto nella scena contemporanea, in cui la definiamo
insieme ad altri gruppi delle sua generazione come “isole nella rete”, fino alla
recente occupazione di spazi come il teatro Valle a Roma e Macao a Milano.
Nel primo segmento d'analisi esploreremo le opere degli esordi (1995-2002),
caratterizzati da una forte ricerca sul linguaggio e dal rifiuto della dimensione
mimetica: questa messa in discussione della poetica aristotelica rappresenta
la cifra politica della prima fase indagata.
La seconda è caratterizzata da istanze dove il discorso politico si fa più
esplicito: dal progetto Pasolini alla rilettura del mito di Antigone, l'elemento
ideologico ed il tema della Rivolta emergono con preponderanza,
contribuendo a definire la compagnia dentro gli schemi di quello che
definiremo come “terrorismo poetico”.In this investigation we propose to explore the definition about the notion of “politic” in theatre, by his application on the entire accomplished of Motus, an italian experimental theatre group. The assumption is to recover in the work of this collective the “politcal level” inherent in the differents fields of his productions: in primis the organizational one, explored since the debut in the theatral contemporary scene ( phase that we define as “islands in the net”) till the late occupation of spaces as the Valle theatre in Rome and Macao in Milano. In the first segment of our analisys we explore the beginning works (1995-2002), with an essential characteristic: the strong research about languages and the disaffirmation of the mimetic dimension, that describes the politic magnitude of this first segment. The second one is emblematized by instances where the politic speech is becoming more explicit: from project Pasolini to the scenic construction about the mythe of Antigone (2004-2010), the ideologic item and the theme of rebellion appear preponderancly, determining the group in the patterns that we define as “poetic terrorism”.
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Toruño, Sequeira Maritza. "Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica como Formadora de Identidad Teatral en Costa Rica." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/51486.
Full textAbstract:
El presente trabajo de investigación plantea la recuperación de documentos históricos que sobre el teatro costarricense han quedado diseminados en los distintas entidades académicas de la Universidad de Costa Rica. Tiene como objetivo plantear un proceso histórico-analítico que permita descubrir cuáles son las bases del teatro profesional costarricense a través de las dos instituciones teatrales más antiguas del país: el Teatro Universitario y la Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica. Siendo ambas instituciones parte de las políticas culturales de la más antigua universidad costarricense influyen directamente en la apertura del espacio cultural costarricense a través de los estudios superiores en la carrera de Artes Dramáticas. Es por ello que se ha generado en el espacio cultural de nuestro país una identidad teatral fundamentalmente profesional en los últimos 40 años de existencia, siendo esto evidente en los procesos de construcción de la enseñanza del teatro a través de diversos planes de estudio que establecen un marco metodológico concreto por el que muchas generaciones estudiantiles han sido formadas y marcando la primera característica del teatro profesional en Costa Rica, definiéndose como un teatro eminentemente universitario.
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Topolska, Ewelina Maria. "El vínculo entre sexualidad y violencia en el teatro de Angélica Liddell." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/133344.
Full textAbstract:
Angélica Liddell’s surge to (relative) fame in recent years (a process which began in 2000, peaking around 2008/09) resulted in an increasing number of articles being published about her theatre, not to mention a significant number of interviews she gave for the Spanish and international press. There is also a doctoral thesis by Ana Vidal Egea concerning Atra Bilis’ (the name of Liddell’s group) work. However, no existing study engaged in detailed analysis of the artist’s theatrical production with the special focus on what is the most important and recurring topic in her work, that is sexuality and its immediate connection with violence.
In order to explore this link from various angles, but at the same time with due precision, I have chosen seven plays from Liddell’s much richer literary output. The plays enclosed in the series Triptych of Affliction (Tríptico de la Aflicción), that is The Palavrakis Marriage (El matrimonio Palavrakis), Once upon a Time in West Asphixia and Hysterica Passio, explore the perversities and abuses that take place within families, with incest and sexual murder as leitmotifs. These plays were clearly inspired by psychoanalysis, which is why I dedicate extensive passages to demonstrating links between the two. Later I pass on to the study of war-related sexual abuse as exemplified in As She did not Rot…Snowhite (Y como no se pudrió… Blancanieves) and Belgrade. Let the Tongue Sing the Mystery of The Glorious Body (Belgrado. Canta lengua el misterio del cuerpo glorioso), in order to finish the dissertation with a chapter on the openly autobiographical I’m not Pretty (Yo no soy bonita) and The House of Force (La casa de la fuerza).
Given that all Liddell’s plays include, whether narrated directly or transformed into fiction, elements of her personal life, in the opening chapter I have offered the reader a more systematized outline of the artist’s biography. Also, I dedicate some paragraphs to the premises that lead her in her work and to the post-dramatic features with which Liddell’s shows are replete.
In addition to falling into the category of post-dramatism, Liddell’s shows may be classified as 'in-yer-face' theatre, as well as art therapy. I have proposed the latter label because Liddell apparently finds relief in reprocessing her personal experiences on stage, but also offers a kind of collective therapy – she insists on recognizing and revealing the, very often silent and for that reason easily dismissed, suffering of victims of sexual violence and psychological abuse.
Liddell talks about very important questions of male-female-child power imbalance and the ensuing abuse, but she does not offer any realistic solutions to the problem. However, this lack of hope for change is consistent with the particular brand of biological determinism the artist professes, which, I dare say, is more fundamentalist than that favoured by many scientists. She perceives human beings as animals whose behaviour does not vary much from those of our cousins, the chimpanzees, thereby rendering culture merely a comfortable cloak under which to hide our basest impulses, desires and actions. Just as in modern evolutionary science, in Liddell’s art everything is driven by the urge to have sexual contacts (and, in some cases, necessarily reproduce), as according to Liddell our civilisation did not significantly alter this animalistic core of human nature (which remains animalistic just as does the nature of every animal species).
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Tosticarelli, Martina Inés. "Cuerpos retóricos: Una aproximación a la perversa figurabilidad del cuerpo en la escena contemporánea." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/382814.
Full textAbstract:
Los cuerpos que ejemplifican esta tesis, reunidos bajo el denominador común de “cuerpos retóricos”, se exponen con una presencia visual que asombra a la vez que desconcierta al espectador. Estos cuerpos configuran unas categorías conformadas a partir de una serie de estrategias retóricas específicas que, aplicadas de manera más o menos consciente por los creadores, se dedican a pervertirlos con excesos, desviaciones y borramientos que complejizan su comprensión. Como resultado, el cuerpo deja de percibirse como una unidad estable y mimética para establecerse como limen, frontera entre lo orgánico y lo inorgánico, lo visible y lo invisible, lo abyecto y lo sublime, lo fútil y lo trascendental.
A partir de la introducción de la retórica, los cuerpos se convierten en figuras abiertas y relacionales, ontológicamente desplazadas, que esbozan una sucesión de estados siempre provisionales, sintomáticos de una vulnerabilidad intrínseca que contrasta con una voluntad de resistencia a los modelos establecidos. La retórica, a través de la perversión que instaura la figura, crea una paradoja fundamental que se manifiesta como extrañeza, agente de corrupción del cuerpo cotidiano y elemento de fascinación.The bodies that exemplify this thesis, grouped under the common denominator of "rhetorical bodies", are presented with astounding visual presence while baffles the viewer. These bodies make up some categories formed from a number of specific rhetorical strategies that, applied more or less consciously by the creators, are dedicated to pervert them with excesses and deviations that complicate their comprehension. As consequence, the body is no longer perceived as a stable and mimetic drive to establish itself as a border between organic and in- organic, visible and invisible, abject and sublime, trivial and transcendental. From the introduction of rhetoric, bodies become open and relational, ontologically displaced figures outlining a series of interim statements always symptomatic of an inherent vulnerability in contrast to the will of resistance to established models. Rhetoric, through the perversion that establishes the figures, creates a fundamental paradox that manifests as strangeness, agent of corruption of current body and, also, element of fascination.
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Ciurans, Peralta Enric. "Universitat, cultura i teatre a la dècada dels cinquanta: L'Agrupació de Teatre Experimental i el Teatre Viu." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2002. http://hdl.handle.net/10803/21786.
Full textAbstract:
Amb aquesta recerca hem volgut recuperar la memòria de dues agrupacions escèniques sorgides a Barcelona a la dècada dels anys cinquanta, que per diversos motius simbolitzen des del nostre punt de vista l’inici del procés de recuperació del teatre català posterior a la Guerra Civil, en un context freqüentment hostil com el de la dictadura franquista.
Concretament, la nostra tesi s’ocupa, per una banda, de l’ “Agrupació de Teatre Experimental” i, per l’altra de la companyia “Teatre Viu”. Eren dues petites agrupacions el valor de les quals no rau només en el seu caracter experimental, sinò pel significat que assoleix la seva feina si considerem el context polític, social i cultural en què van surgir.
L’Agrupació de Teatre Experimental fou una entitat creada a la fi de 1953 per un grup d’estudiants a les aules de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat de Barcelona. Aquest petit col.lectiu estudiantil esdevingué un dels primers grups de tratre que va rivalitzar amb el “Teatro Español Universitario” (TEU), depenent del “Sindicato Español Universitario”, i que va reunir un grup de joves estudiants que més endavant serien els protagonistas dels diversos ámbits de la cultura catalana. Aquest grup, amb el suport d’institucions alienes a la Universitat com ara la “Peña Cultural Barcelonesa” o la Biblioteca Alemana, va passar per diverses etapes i denominacions, i fins i tot va arribar a actuar com a “TEU de Filosofía y Letras” i “TEU de Derecho”. L’ATE va oferir un repertorio format per peces de teatre contemporani en català i en castellà, seguint el model dels anomenats “teatres de cambra i d’assaig”.
L’altre grup estudiat en aquesta tesi és el “Teatre Viu”, l’importància del qual fou més gran que l’anterior en el context de l’història recent del teatre català. Va surgir el 1956 a partir de les idees de Miquel Porter i Moix sobre la necessitat de renovar els mètodes d’actuació tant en el cinema com en el teatre.
RESUMEN DE LA TESIS:
Con nuestra investigación hemos tratados de recuperar la memoria de dos pequeñas agrupaciones escénicas surgidas en Barcelona en la década de los años cincuenta, que por diversos motivos simbolizan a nuestro entender el inicio del proceso de recuperación del teatro catalán de postguerra en un contexto fuertemente hostil como fue la dictadura franquista.
Nuestra tesis se ocupa, por una parte, de la Agrupació de Teatre Experimental y, por otra, del Teatre Viu. Fueron dos pequeñas agrupaciones cuyo valor se revela no sólo por su carácter de experimentación, sino por el significado que adquieren si consideramos el contexto político, social y cultural en el que surgieron.
La Agrupació de Teatre Experimental fue una entidad creada a finales de 1953 por un grupo de estudiantes en las aulas de la facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Barcelona. Este pequeño colectivo estudiantil se convirtió en uno de los primeros grupos de teatro que rivalizó con el Teatro Español Universitario (TEU), dependiente del Sindicato Español Universitario, y que reunió a un grupo de jóvenes estudiantes que en las siguientes décadas serían protagonistas de la cultura catalana en diversas esferas del saber. Este grupo, con el apoyo de instituciones ajenas a la Universidad como la Peña Cultural Barcelonesa o la Biblioteca Alemana, pasó por diversas etapas y denominaciones e incluso llegó a actuar como TEU de Filosofía y Letras y TEU de Derecho. La ATE ofreció un repertorio de piezas contemporáneas en lengua catalana y española, siguiendo el modelo de los denominados "teatros de cámara y ensayo".
El otro grupo estudiado en la tesis, el Teatre Viu, cuya importancia dentro de la historia del teatro catalán fue muy superior al anterior, surgió en 1956 a partir de una ideas de Miquel Porter Moix encaminada a renovar los métodos de actuación tanto en el cine como en el teatro de los años cincuenta (…).
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Carnevali, Davide. "Forma dramática y representación del mundo. Apuntes sobre la noción de fabula en el contexto teatral europeo contemporáneo." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/287992.
Full textAbstract:
El trabajo se centra en el análisis de la evolución de la forma dramática y el papel desempeñado por la textualidad en el teatro de los últimos veinticinco años en el ámbito europeo, con el fin de entender de qué manera el texto puede servir ahora a un teatro que ha dirigido la búsqueda de nuevas formas lejos del drama. La hipótesis es que este cambio en la concepción del hecho teatral está vinculado a la necesidad de buscar nuevas formas de representación del mundo y nuevos lenguajes para interpretarlo; y que esta exigencia, a su vez, depende los cambios que se han producido en el mundo occidental en las últimas décadas. Europa es un ejemplo: desde la caída del muro de Berlín hasta la crisis financiera aún en curso, la conformación del espacio geográfico, político, social, identitario, ha ido mutando rápida y radicalmente.
La forma dramática clásica, expresando la fe en una realidad coherente y orgánica, expresa una visión lógica del mundo que parece inadecuada para hablar de ciertas características del modus vivendi occidental actual. Como se explica en el primer capítulo, el drama clásico hereda del mythos aristotélico aquellos principios que garantizan la coherencia de la fabula, y que llegan hasta el drama moderno y el drama brechtiano. Estos principios son, básicamente: la unidad orgánica de la fabula como totalidad autónoma, separada de la realidad; la organización de los elementos de la fabula en una estructura dispositiva; la fabula como sistema de relaciones que funciona según principios de necesidad y versemblanza formal (causalidad, finalidad, cronología lineal).
El drama, si quiere expresar la crisis de la coherencia lógica que se produce en la contemporaneidad, debe hacerlo renunciando a la coherencia que la fabula le garantizaba. Sin embargo, negando la coherencia de la fabula, el drama se desestructura a sí mismo, perdiendo gradualmente la prerrogativa de la dramaticidad. Así, paradójicamente, el drama que mejor expresa esta nueva visión del mundo será algo así como un drama “ya no dramático”.
Las obras analizadas en los capítulos 3 y 4 (El chico de la última fila, de Juan Mayorga; Supermarket e Historias de familia, de Biljana Srbljanović; los Dramas fecales, de Werner Schwab; Attempts on Her Life, de Martin Crimp; Far Away, de Caryl Churchill; la producción entera de Sarah Kane) presentan una fabula cuya naturaleza ya no es totalmente lógica. Demuestran así una homología estructural entre una determinada manera de entender el mundo y su forma de representación; ese mundo ha perdido la fe en la lógica y esta pérdida se expresa en una fabula que pierde su característica de conjunto de leyes estables, su prerrogativa de estructura dispositiva y su posibilidad de garantizar la autonomía de la obra.
Estos dramas “ya no totalmente dramáticos” nos dicen, por lo tanto, que la idea de una realidad comprensible es una ficción generada por una visión del mundo positivista, que nuestro sistema social, político y económico ha impuesto como hegemónica. Dichos dramas estimulan modalidades de recepción diferentes de la interpretación lógica, afirmando así la necesidad de una nueva modalidad, por parte del individuo, de experimentar la realidad en la que vive.The work focuses on the analysis of the evolution of the dramatic form and the role of the text in the theater of the last twenty-five years in Europe, in order to understand how the text can now serve a theater who looks for new forms away from drama. The hypothesis is that this change in the conception of theater is linked to the need to find new ways of representing the world and new languages to interpret it; and that this necessity depends on the changes that have occurred in the Western world in the recent decades. Europe is an example: since the fall of the Berlin Wall until the financial crisis still ongoing, the shape of the political, social, identity and geographic space has been changing rapidly and radically. The classical dramatic form, expressing faith in a coherent and organic reality, expresses a logical worldview, which seems inappropriate to speak about certain characteristics of current Western way of life. As explained in the first chapter, the classical drama inherited from the Aristotelian notion of mythos the principles that guarantee the coherence of the fable and transmits them until modern and brechtian drama. These principles are basically: the organic unity of the fable as an autonomous product, separate from reality; the organization of the elements of the fable in an ordering and ordered structure; the fable as system of relations operating according to principles of necessity and formal verisimilitude (causality, finality, chronology). If the drama wants to express the crisis of logical coherence that occurs in our times must renounce to the coherence that the fable ensured him. However, denying the coherence of the fable, the drama deconstructs itself, gradually losing the prerogative of the dramatic. Thus, paradoxically, the drama that best expresses this new worldview is something like a “no more dramatic” drama. The plays analyzed in chapters 3 and 4 (El chico de la última fila, by Juan Mayorga; Supermarket and Family Stories, by Biljana Srbljanović; the Fäkaliendramen, by Werner Schwab; Attempts on Her Life, by Martin Crimp; Far Away, by Caryl Churchill; the production of Sarah Kane) present a fable whose nature is no more entirely logical. So, they show a structural homology between a certain way of understanding the world and its form of representation : the world has lost faith in logic and this loss is expressed in a fable that loses its characteristic of ensemble of stable laws, its prerogative of organizing and organized structure and its ability to ensure the autonomy of the play. These “no longer dramatic” dramas tell us, therefore, that the idea of an understandable reality is a fiction created by a positivist worldview that our social, political and economic system has promoted as hegemonic. Thus these plays stimulate a mode of reception alternative to the logical interpretation, asserting the need, for the individual, of a new experience of the reality in which he lives.
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Urraco, Crespo Juan Manuel. "Dramaturgias de lo real en la escena contemporánea Argentina. Una escritura con sede en el cuerpo." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/117542.
Full textAbstract:
Dentro de los marcos de la sociedad en la que vivimos, intervenida de forma incipiente por las nuevas tecnologías y en pleno auge de un proceso de virtualización de la realidad, se hace cada vez más complicado y engorroso el querer referenciar y relacionar categorías como ‹‹lo real››, ‹‹la ficción›› o ‹‹la realidad››, más aún dentro del ámbito teatral. Dicha tarea suele convertirse en una experiencia empantanada, en tanto se advierte cierta imposibilidad de encontrar un punto de conciliación entre las diversas connotaciones dadas a dichas categorías en la actualidad. Se pueden apreciar diversos significados otorgados a lo largo de la historia del pensamiento, lo que muestra a primera vista que, hoy en día, tales categorías carecen cada vez más de un significado universalmente aceptado. Conscientes de lo anterior, nuestra investigación, lejos de querer ofrecer respuestas acabadas sobre dicha categoría, pretende problematizar sobre lo real en el campo de las artes escénicas contemporáneas, ofreciendo una “conversación en curso” que desea contribuir a la ampliación de las líneas teóricas vigentes en los estudios teatrales a través de la incorporación de criterios (teóricos, metodológicos y críticos derivados principalmente de la indagación empírica) vinculados a las actualizaciones epistémicas más relevantes para el abordaje de la práctica teatral y de lo real en sus múltiples dimensiones. Generando, de este modo, un corpus teórico multidisciplinar sobre prácticas teatrales que atienden el surgimiento y consolidación de las nuevas tendencias emergentes dentro del teatro contemporáneo.
El viaje que propongo en esta tesis de investigación pretende abordar lo real dentro del teatro, acercar dos categorías aparentemente opuestas: lo real y la ficción. Marcos que aunque a primera instancia antagónicos, ahora se ponen a dialogar para dar cuenta de algunas aristas de un experimento con riesgo, que propone entender el hecho teatral en los complejos bordes del siglo XXI principalmente como experiencia de intimidad, en tanto espacio de subjetivación y lugar de resistencia. Así, lo real en el teatro puede abordarse ya no desde su condición metafísica, sino desde su materialidad, desde lo concreto: el cuerpo y el encuentro. La intimidad de la experiencia teatral. A lo largo de esta investigación veremos cómo experiencia, intimidad y cuerpo encarnan horizontes de la identidad que encuentran su bisagra en el carácter social e histórico vivido por los sujetos, y se actualizan en esas estructuras de sentir, emergentes en el arte a través de nuevas estrategias, como las Dramaturgias de lo real.Within the framework of the society we live in, incipiently interfered by new technologies and at the zenith of a process of the virtualization of reality, it is becoming increasingly complicated and cumbersome to try and reference categories such as ‹‹the real››, ‹‹fiction›› and ‹‹reality›› or to relate them to each other - even more so in the field of theatre. Such a task usually becomes an experience mired in difficulty, as we realise that it is to some extent impossible to reconcile the diverse connotations attributed to those categories at present. Many diverse meanings have been given to these categories throughout the history of thought, which, at first glance, shows that nowadays, they are increasingly lacking a universally accepted meaning. With that in mind, our investigation, far from wanting to offer polished answers about such category, aims to broach the problem about ‘the real’ in the contemporary performing arts field by opening an “ongoing conversation”. Its intention is to contribute to a broadening of the theoretical lines of thought currently in force in the study of theatre by incorporating criteria – theoretical, methodological and critical criteria, mainly derived from empirical research – linked to the most significant epistemic developments of recent times, in order to create an approach to both theatrical practice and the real in their multiple dimensions. In doing this, a multidisciplinary theoretical corpus will be generated, one that deals with theatrical practices that focus on the birth and consolidation of new, emerging trends in contemporary theatre. The journey I propose in this research thesis aims to deal with the real within the arena of theatre, and to bring together two apparently opposed categories: the real and fiction. These are frameworks which, even though they may seem antagonistic in the first instance, are now engaged in a dialogue to try and explain things at the edge a risky experiment whose aim is to understand the theatrical event within the complexity of the start of the 21st century mainly as an intimate experience, as a space of subjectification and as a place of resistance. Thus, the real in theatre can be approached not only from its metaphysical condition, but from its materiality, from the concrete: the body and the encounter. The intimacy of the theatrical experience. Throughout this research we will see how experience, intimacy and the body personify horizons of identity that hinge on the social and historical nature lived by the subjects, and these structures of feeling are continually developing, emerging in art through new strategies, such as the Dramaturgies of the Real.
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Cannervik, Kikki. "De estetiska ämnena i teori och praktik : – Att använda de estetiska ämnena som verktyg i svenskundervisningen." Thesis, Karlstads universitet, Institutionen för språk, litteratur och interkultur, 2016. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-42938.
Full textAbstract:
This work is about the four artistic subjects theater, music, dance and art, and how teachers can use them as tools in the Swedish education. The aim is to identify the role that the artistic subjects may have in school, their pros and cons, as well as the teachers' attitude towards them. The work is divided into two parts, the theoretical part focuses on research, andpracticepart is based on a quantitative survey with 274 questionnaires, as well as a qualitative survey with three interviews, where all the informants are active teacher at the minimum ages. What emerged from the study is that it doesn’t differ much between research and reality, or in other words the theory and practice, when it comes to the artistic subjects as tools in regular education. The artistic subjects can be time consuming, but if a teacher takes the time they can help both teachers and students in their development. It has also been shown that many of the active teachers do not fully understand what the artistic subjects contains, but when they get concrete example is the vast majority of them in favor of using the artistic subjects as tools in their teaching.
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Nilsson, Birgitta. "L’apprentissage par l’expérience esthétique : Utilisez-vous l’audio-visuel, la musique et le théâtre dans l’enseignement du français ?" Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för didaktik och lärares praktik (DLP), 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-84902.
Full textAbstract:
With the implementation of the 2011 guidance documents (Lgr11), the aesthetic perspective was strengthened in the Swedish secondary school, according to Marie-Louise Hansson Stenhammar (2015: 60). The purpose of this thesis is to examine whether there are differences in the extent to which some teachers use learning through aesthetic experience, and to identify possible advantages and obstacles in this respect. After a brief overview of four major theoretical perspectives of learning, we present a minor quantitative study that we relate to previous research. Anne Bamford (2009 : 11) and Hélène Trocmé-Fabre (Jedrzejak 2012 : 24) show in their research how tools relating to aesthetic activities can improve learning. The main finding in our survey, covering a few teachers over the country, is that the use of these tools varies greatly, and that the degree of interest and motivation for this area of activity differs from teacher to teacher. Advantages for the pupils, mentioned by participants in our study, are motivation, variation, use of several senses, consolidation of knowledge, activation of the photographic memory and easier learning of the language. While research, by Hansson Stenhammar (2015), points out teacher’s interpretation of regulatory frames as an obstacle to the use of aesthetic activities, in our study the perceived obstacles are the teacher’s lack of motivation, time and teaching material. Our participants are randomly sampled, from across the country, and findings from our small study cannot be extended to a wider population. Our recommendation for further research would be a study on how the pupils’ attitudes and motivation is affected by aesthetic experiences.
Books on the topic "Dansk teater"
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Wiingaard, Jytte. Dansk teater efter Artaud: En essaysamling om dansk teater 1975-1995. [Grasten]: DRAMA, 1995.
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3
Dam, Birgitte. 90'ernes teater: Tendenser i dansk teater og dramatik. [Copenhagen]: Dansklærerforeningen, 1993.
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4
Strømberg, Ulla. Ibsen på dansk. Edited by Teatermuseet (Christiansborg slot). København: Teatermuseet i Hofteatret, 2006.
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7
Jacobsen, Kirsten. Johannes Poulsen som iscenesætter: En europæer i tidligt dansk 1900-tals teater. [Copenhagen]: Rhodos, 1990.
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8
Nørdam, Bruno. Karen Jønsson: Hvorfor er lykken så lunefuld? [S.l.]: Eget forlag, 2009.
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9
Borberg, Lars. Jomfrurejse: 40 år med Jomfru Ane Teatret i Aalborg. Aalborg: Jomfru Ane Teatret, 2007.
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10
Wamberg, Niels Birger. Teatret på farten: Det Danske teater 1963-88. [Copenhagen]: Danske teater, 1988.
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Christoffersen, Erik Exe. "Et dansk verdensteater." In Odin Teatret 2000, 11–18. Aarhus University Press, 2012. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv35r48qs.3.
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2
Riaza, Luis. "Sobre teatro-teatro, teatro-no-teatro y silencio." In L’ailleurs dans les dramaturgies hispaniques, 223–36. Presses universitaires de Provence, 2012. http://dx.doi.org/10.4000/books.pup.21442.
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3
DUBATTI, Jorge. "El mito de Filoctetes en los orígenes del teatro independiente argentino." In Théâtre Mythologique, 79–88. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5597.
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Cette contribution analyse la récurrence du mythe de Faust dans le théâtre argentin. Il s'agit de voir dans quelles formes s'incarne le motif de la tentation diabolique dans des pièces ultra-contemporaines argentines.
4
DUBATTI, Jorge. "El mito de Fausto en el teatro argentino." In Théâtre Mythologique, 69–78. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5596.
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Cette contribution analyse ainsi d'abord la pièce Filoctetes o el orador de Marcos Victoria (1934) qui remet en scène, dans le pays sud-américain des années trente, le destin du personnage sophocléen de Philoctète pour personnifier un nouveau visage de la politique argentine désormais contrainte à la compromission.
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DUBATTI, Jorge. "Poesía performativa y teatro de la poesía en la Argentina." In Performance dans les Amériques, 109–16. Editions des archives contemporaines, 2024. http://dx.doi.org/10.17184/eac.8281.
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En los últimos treinta años de postdictadura argentina, de la mano de la Filosofía del Teatro, se ha producido un cambio epistemológico respecto de los conceptos de texto(s) dramático(s), dramaturgia(s) y escritura/reescritura(s) dramáticas. Se observa una doble ampliación: de las literaturas dramáticas y de las no-dramáticas pero vinculadas al acontecimiento teatral. En este marco se proponen los conceptos de “poesía performativa” y “teatro de la poesía”, así como una tipología de las “literaturas del acontecimiento teatral” por su relación con la escena y la reescritura. Se ejemplifica con textos poéticos del actor-performer Alejandro Urdapilleta, especialmente de su libro Vagones transportan humo (2000).
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DE PAULA, Luciane, and José antonio RODRIGUES LUCIANO. "L’hétéroglossie dans l’enseignement de langues." In Langues chantées / Cultures mises en musique, 23–32. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5301.
Full textAbstract:
Cette présentation propose une réflexion sur la diversité discursive dans l’enseignement de langues, basée sur des études bakhtiniennes. L'exemple de travail se concentre sur la chanson « Zaluzejo », d’O Teatro Mágico (OTM), liée, par sa structure énonciative, à la constitution de l'identité-altérité du sujet (de langage et socioculturel). Par une méthodologie qualitative interprétative, cette recherche vérifie que les marques linguistiques qui caractérisent le sujet sur le plan socioculturel, par la dimension verbale, sont confirmées par l'intonation, marquée dans la dimension vocale-sonore. Les résultats du travail d'enseignement de la langue brésilienne avec cette chanson montrent que l'unité de la chanson révèle plus que la structure linguistique, car elle reflète et réfracte une voix sociale (une vision du monde) qui compose le sujet, dans un espace-temps situé. Incorporez la chanson dans l'enseignement signifie considérer les hétérogénéités qui composent une langue, une société et un homme et c'est la pertinence de cette étude.
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"La marionnette dans le corps polymorphe du théâtre." In Acercamientos al teatro actual (1970-1995), 213–22. Vervuert Verlagsgesellschaft, 1997. http://dx.doi.org/10.31819/9783964563811-016.
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Rotegård, Ann Kristin, and Mariann Fossum. "KAPITTEL 9 Fra oppslagsverk til beslutningsstøtte – VAR Healthcare som case." In Digitalisering i sykepleietjenestenen – en arbeidshverdag i endring, 177–200. Cappelen Damm Akademisk/NOASP, 2019. http://dx.doi.org/10.23865/noasp.71.ch9.
Full textAbstract:
Denne studien presenterer erfaringer med og evaluering av et digitalt prosedyrebasert beslutningsstøttesystem, VAR Healthcare, et system som brukes i norsk og dansk helsevesen. Studien hadde et kvalitativt, beskrivende design ved bruk av casestudie som metode. Vi utførte kvalitativ innholdsanalyse på data fra publikasjoner om Praktiske Prosedyrer i Sykepleietjenesten (PPS) – som seinere har fått navnet VAR Healthcare (VAR), ved e-postkommunikasjon mellom brukere og VAR teamet og via spørreskjemaundersøkelse. Funnene beskriver at prosedyrene i VAR er i god bruk, men det er et potensial til bedre utnyttelse av kunnskapsstoffet. Kunnskapsstoffet er grunnlaget for prosedyrene. Bruken av ICNP back-end i VAR har et potensial til å bidra til bedre integrasjoner med EPJ-systemer og til bedre beslutningsstøtte.
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Reck, Isabelle. "IV. L’agônia du « père fondateur » dans les pièces du « cycle du pouvoir »." In Nuevo teatro español (1965-1978), 61–84. Presses universitaires de Strasbourg, 2010. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.6479.
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Reck, Isabelle. "IX. Rire et violence dans La trilogía contra la opresión d’Antonio Martínez Ballesteros." In Nuevo teatro español (1965-1978), 169–78. Presses universitaires de Strasbourg, 2010. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.6494.
Full textConference papers on the topic "Dansk teater"
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François, Marion. "Le début et la fin dans le roman policier : variations sur un strip-tease." In Le début et la fin. Roman, théâtre, B.D., cinéma. Fabula, 2007. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.680.
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Cimpoi, Mihai. "Caragiale și teatrul absurdului." In Ion Luca Caragiale și personajele sale emblematice (170 de ani de la naștere). “Bogdan Petriceicu-Hasdeu” Institute of Romanian Philology, Republic of Moldova, 2022. http://dx.doi.org/10.52505/ilc.170.2022.01.
Full textAbstract:
În prezentul studiu se analizează modul în care Eugen Ionescu urmează modelul Caragiale în special după ce începe să scrie teatru și e obsedat de căutarea unui mecanism complicat al discursului artistic, bazat pe nonsensuri. Dramaturgul francez de origine română făcea în acest sens următoarea automărturisire: „La logique se révèle dans l’illogisme de l’absurd dont [l’humour] a pris conscience”. Teatrul lui Ionescu a urmărit ceea ce dramaturgul însuși denumește „spargerea limbajului”, „producerea haosului limbajului”. Se ajunge, astfel, după cum spune în Jurnal, la „ruinele realului aparent, la frontiera indicibilului, la abis”. Autorul studiului demonstrează că a crea nonsensuri înseamnă a te juca cu realitatea, a o sfida, că Eugen Ionescu, influențat de Caragiale, pune un semn de identitate între Adevăr și Iluzie, că folosește expresii proverbiale, ziceri tipice, alunecări în obscuritate și confuzie. Personajele ionesciene reprezintă „o lume stranie”, „o lume pe dos”.