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Dissertations / Theses on the topic 'Dansk teater'
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Gorski, Marcin, and Sebastian Hansen. "Vad kan teater och dans erbjuda i förskolan?" Thesis, Malmö högskola, Fakulteten för lärande och samhälle (LS), 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:mau:diva-35237.
Full textAbstract:
Syftet med denna studie är att synliggöra hur de estetiska uttrycksformerna teater och dans kan bidra till barns kompetens-, kunskaps- och meningsskapande i förskolan ur ett Reggio Emilia-inspirerat synsätt. Studien har utgått från frågeställningarna: Vad anser pedagoger att teater och dans kan bidra till förskolans verksamhet? Vilka kompetenser och vilket lärande medför teater och dans till förskolan? För att kunna svara på frågeställningar så valde vi en kvalitativ metod för att komma närmre människorna och miljön. Datainsamlingen bestod av intervjuer av fyra pedagoger på två förskolor som har teater och dans som inriktning i det pedagogiska arbetet, samt är inspirerade av Reggio Emilia. Studien visade att med hjälp av teater och dans kan barn lära sig allt från språk, kommunikation, motorik, balans, matematik, naturvetenskap, teknik och mer därtill. Det har också kommit fram att teater och dans är en kommunikativ upplevelse där barn genom teater och dans, tillsammans med andra, kan utveckla medkänsla, medmänsklighet, empati, solidaritet och bli demokratiska människor.
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Falcone, Maria Giovanna. "Verso una nuova (?) definizione di teatro politico: Strategie di scrittura scenica nelle creazioni multidiscilplinari di Motus." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/328412.
Full textAbstract:
In questo studio ci proponiamo di esplorare la definizione di “politico”
nel teatro, applicandola all'intero percorso della compagnia italiana di teatro
sperimentale Motus. L'ipotesi è rinvenire nell'opera del gruppo la “politicità”
insita in vari livelli della sua produzione: in primis quello organizzativo,
esplorato sin dal debutto nella scena contemporanea, in cui la definiamo
insieme ad altri gruppi delle sua generazione come “isole nella rete”, fino alla
recente occupazione di spazi come il teatro Valle a Roma e Macao a Milano.
Nel primo segmento d'analisi esploreremo le opere degli esordi (1995-2002),
caratterizzati da una forte ricerca sul linguaggio e dal rifiuto della dimensione
mimetica: questa messa in discussione della poetica aristotelica rappresenta
la cifra politica della prima fase indagata.
La seconda è caratterizzata da istanze dove il discorso politico si fa più
esplicito: dal progetto Pasolini alla rilettura del mito di Antigone, l'elemento
ideologico ed il tema della Rivolta emergono con preponderanza,
contribuendo a definire la compagnia dentro gli schemi di quello che
definiremo come “terrorismo poetico”.In this investigation we propose to explore the definition about the notion of “politic” in theatre, by his application on the entire accomplished of Motus, an italian experimental theatre group. The assumption is to recover in the work of this collective the “politcal level” inherent in the differents fields of his productions: in primis the organizational one, explored since the debut in the theatral contemporary scene ( phase that we define as “islands in the net”) till the late occupation of spaces as the Valle theatre in Rome and Macao in Milano. In the first segment of our analisys we explore the beginning works (1995-2002), with an essential characteristic: the strong research about languages and the disaffirmation of the mimetic dimension, that describes the politic magnitude of this first segment. The second one is emblematized by instances where the politic speech is becoming more explicit: from project Pasolini to the scenic construction about the mythe of Antigone (2004-2010), the ideologic item and the theme of rebellion appear preponderancly, determining the group in the patterns that we define as “poetic terrorism”.
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Toruño, Sequeira Maritza. "Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica como Formadora de Identidad Teatral en Costa Rica." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/51486.
Full textAbstract:
El presente trabajo de investigación plantea la recuperación de documentos históricos que sobre el teatro costarricense han quedado diseminados en los distintas entidades académicas de la Universidad de Costa Rica. Tiene como objetivo plantear un proceso histórico-analítico que permita descubrir cuáles son las bases del teatro profesional costarricense a través de las dos instituciones teatrales más antiguas del país: el Teatro Universitario y la Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica. Siendo ambas instituciones parte de las políticas culturales de la más antigua universidad costarricense influyen directamente en la apertura del espacio cultural costarricense a través de los estudios superiores en la carrera de Artes Dramáticas. Es por ello que se ha generado en el espacio cultural de nuestro país una identidad teatral fundamentalmente profesional en los últimos 40 años de existencia, siendo esto evidente en los procesos de construcción de la enseñanza del teatro a través de diversos planes de estudio que establecen un marco metodológico concreto por el que muchas generaciones estudiantiles han sido formadas y marcando la primera característica del teatro profesional en Costa Rica, definiéndose como un teatro eminentemente universitario.
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Topolska, Ewelina Maria. "El vínculo entre sexualidad y violencia en el teatro de Angélica Liddell." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/133344.
Full textAbstract:
Angélica Liddell’s surge to (relative) fame in recent years (a process which began in 2000, peaking around 2008/09) resulted in an increasing number of articles being published about her theatre, not to mention a significant number of interviews she gave for the Spanish and international press. There is also a doctoral thesis by Ana Vidal Egea concerning Atra Bilis’ (the name of Liddell’s group) work. However, no existing study engaged in detailed analysis of the artist’s theatrical production with the special focus on what is the most important and recurring topic in her work, that is sexuality and its immediate connection with violence.
In order to explore this link from various angles, but at the same time with due precision, I have chosen seven plays from Liddell’s much richer literary output. The plays enclosed in the series Triptych of Affliction (Tríptico de la Aflicción), that is The Palavrakis Marriage (El matrimonio Palavrakis), Once upon a Time in West Asphixia and Hysterica Passio, explore the perversities and abuses that take place within families, with incest and sexual murder as leitmotifs. These plays were clearly inspired by psychoanalysis, which is why I dedicate extensive passages to demonstrating links between the two. Later I pass on to the study of war-related sexual abuse as exemplified in As She did not Rot…Snowhite (Y como no se pudrió… Blancanieves) and Belgrade. Let the Tongue Sing the Mystery of The Glorious Body (Belgrado. Canta lengua el misterio del cuerpo glorioso), in order to finish the dissertation with a chapter on the openly autobiographical I’m not Pretty (Yo no soy bonita) and The House of Force (La casa de la fuerza).
Given that all Liddell’s plays include, whether narrated directly or transformed into fiction, elements of her personal life, in the opening chapter I have offered the reader a more systematized outline of the artist’s biography. Also, I dedicate some paragraphs to the premises that lead her in her work and to the post-dramatic features with which Liddell’s shows are replete.
In addition to falling into the category of post-dramatism, Liddell’s shows may be classified as 'in-yer-face' theatre, as well as art therapy. I have proposed the latter label because Liddell apparently finds relief in reprocessing her personal experiences on stage, but also offers a kind of collective therapy – she insists on recognizing and revealing the, very often silent and for that reason easily dismissed, suffering of victims of sexual violence and psychological abuse.
Liddell talks about very important questions of male-female-child power imbalance and the ensuing abuse, but she does not offer any realistic solutions to the problem. However, this lack of hope for change is consistent with the particular brand of biological determinism the artist professes, which, I dare say, is more fundamentalist than that favoured by many scientists. She perceives human beings as animals whose behaviour does not vary much from those of our cousins, the chimpanzees, thereby rendering culture merely a comfortable cloak under which to hide our basest impulses, desires and actions. Just as in modern evolutionary science, in Liddell’s art everything is driven by the urge to have sexual contacts (and, in some cases, necessarily reproduce), as according to Liddell our civilisation did not significantly alter this animalistic core of human nature (which remains animalistic just as does the nature of every animal species).
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Tosticarelli, Martina Inés. "Cuerpos retóricos: Una aproximación a la perversa figurabilidad del cuerpo en la escena contemporánea." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/382814.
Full textAbstract:
Los cuerpos que ejemplifican esta tesis, reunidos bajo el denominador común de “cuerpos retóricos”, se exponen con una presencia visual que asombra a la vez que desconcierta al espectador. Estos cuerpos configuran unas categorías conformadas a partir de una serie de estrategias retóricas específicas que, aplicadas de manera más o menos consciente por los creadores, se dedican a pervertirlos con excesos, desviaciones y borramientos que complejizan su comprensión. Como resultado, el cuerpo deja de percibirse como una unidad estable y mimética para establecerse como limen, frontera entre lo orgánico y lo inorgánico, lo visible y lo invisible, lo abyecto y lo sublime, lo fútil y lo trascendental.
A partir de la introducción de la retórica, los cuerpos se convierten en figuras abiertas y relacionales, ontológicamente desplazadas, que esbozan una sucesión de estados siempre provisionales, sintomáticos de una vulnerabilidad intrínseca que contrasta con una voluntad de resistencia a los modelos establecidos. La retórica, a través de la perversión que instaura la figura, crea una paradoja fundamental que se manifiesta como extrañeza, agente de corrupción del cuerpo cotidiano y elemento de fascinación.The bodies that exemplify this thesis, grouped under the common denominator of "rhetorical bodies", are presented with astounding visual presence while baffles the viewer. These bodies make up some categories formed from a number of specific rhetorical strategies that, applied more or less consciously by the creators, are dedicated to pervert them with excesses and deviations that complicate their comprehension. As consequence, the body is no longer perceived as a stable and mimetic drive to establish itself as a border between organic and in- organic, visible and invisible, abject and sublime, trivial and transcendental. From the introduction of rhetoric, bodies become open and relational, ontologically displaced figures outlining a series of interim statements always symptomatic of an inherent vulnerability in contrast to the will of resistance to established models. Rhetoric, through the perversion that establishes the figures, creates a fundamental paradox that manifests as strangeness, agent of corruption of current body and, also, element of fascination.
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Ciurans, Peralta Enric. "Universitat, cultura i teatre a la dècada dels cinquanta: L'Agrupació de Teatre Experimental i el Teatre Viu." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2002. http://hdl.handle.net/10803/21786.
Full textAbstract:
Amb aquesta recerca hem volgut recuperar la memòria de dues agrupacions escèniques sorgides a Barcelona a la dècada dels anys cinquanta, que per diversos motius simbolitzen des del nostre punt de vista l’inici del procés de recuperació del teatre català posterior a la Guerra Civil, en un context freqüentment hostil com el de la dictadura franquista.
Concretament, la nostra tesi s’ocupa, per una banda, de l’ “Agrupació de Teatre Experimental” i, per l’altra de la companyia “Teatre Viu”. Eren dues petites agrupacions el valor de les quals no rau només en el seu caracter experimental, sinò pel significat que assoleix la seva feina si considerem el context polític, social i cultural en què van surgir.
L’Agrupació de Teatre Experimental fou una entitat creada a la fi de 1953 per un grup d’estudiants a les aules de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat de Barcelona. Aquest petit col.lectiu estudiantil esdevingué un dels primers grups de tratre que va rivalitzar amb el “Teatro Español Universitario” (TEU), depenent del “Sindicato Español Universitario”, i que va reunir un grup de joves estudiants que més endavant serien els protagonistas dels diversos ámbits de la cultura catalana. Aquest grup, amb el suport d’institucions alienes a la Universitat com ara la “Peña Cultural Barcelonesa” o la Biblioteca Alemana, va passar per diverses etapes i denominacions, i fins i tot va arribar a actuar com a “TEU de Filosofía y Letras” i “TEU de Derecho”. L’ATE va oferir un repertorio format per peces de teatre contemporani en català i en castellà, seguint el model dels anomenats “teatres de cambra i d’assaig”.
L’altre grup estudiat en aquesta tesi és el “Teatre Viu”, l’importància del qual fou més gran que l’anterior en el context de l’història recent del teatre català. Va surgir el 1956 a partir de les idees de Miquel Porter i Moix sobre la necessitat de renovar els mètodes d’actuació tant en el cinema com en el teatre.
RESUMEN DE LA TESIS:
Con nuestra investigación hemos tratados de recuperar la memoria de dos pequeñas agrupaciones escénicas surgidas en Barcelona en la década de los años cincuenta, que por diversos motivos simbolizan a nuestro entender el inicio del proceso de recuperación del teatro catalán de postguerra en un contexto fuertemente hostil como fue la dictadura franquista.
Nuestra tesis se ocupa, por una parte, de la Agrupació de Teatre Experimental y, por otra, del Teatre Viu. Fueron dos pequeñas agrupaciones cuyo valor se revela no sólo por su carácter de experimentación, sino por el significado que adquieren si consideramos el contexto político, social y cultural en el que surgieron.
La Agrupació de Teatre Experimental fue una entidad creada a finales de 1953 por un grupo de estudiantes en las aulas de la facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Barcelona. Este pequeño colectivo estudiantil se convirtió en uno de los primeros grupos de teatro que rivalizó con el Teatro Español Universitario (TEU), dependiente del Sindicato Español Universitario, y que reunió a un grupo de jóvenes estudiantes que en las siguientes décadas serían protagonistas de la cultura catalana en diversas esferas del saber. Este grupo, con el apoyo de instituciones ajenas a la Universidad como la Peña Cultural Barcelonesa o la Biblioteca Alemana, pasó por diversas etapas y denominaciones e incluso llegó a actuar como TEU de Filosofía y Letras y TEU de Derecho. La ATE ofreció un repertorio de piezas contemporáneas en lengua catalana y española, siguiendo el modelo de los denominados "teatros de cámara y ensayo".
El otro grupo estudiado en la tesis, el Teatre Viu, cuya importancia dentro de la historia del teatro catalán fue muy superior al anterior, surgió en 1956 a partir de una ideas de Miquel Porter Moix encaminada a renovar los métodos de actuación tanto en el cine como en el teatro de los años cincuenta (…).
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Carnevali, Davide. "Forma dramática y representación del mundo. Apuntes sobre la noción de fabula en el contexto teatral europeo contemporáneo." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/287992.
Full textAbstract:
El trabajo se centra en el análisis de la evolución de la forma dramática y el papel desempeñado por la textualidad en el teatro de los últimos veinticinco años en el ámbito europeo, con el fin de entender de qué manera el texto puede servir ahora a un teatro que ha dirigido la búsqueda de nuevas formas lejos del drama. La hipótesis es que este cambio en la concepción del hecho teatral está vinculado a la necesidad de buscar nuevas formas de representación del mundo y nuevos lenguajes para interpretarlo; y que esta exigencia, a su vez, depende los cambios que se han producido en el mundo occidental en las últimas décadas. Europa es un ejemplo: desde la caída del muro de Berlín hasta la crisis financiera aún en curso, la conformación del espacio geográfico, político, social, identitario, ha ido mutando rápida y radicalmente.
La forma dramática clásica, expresando la fe en una realidad coherente y orgánica, expresa una visión lógica del mundo que parece inadecuada para hablar de ciertas características del modus vivendi occidental actual. Como se explica en el primer capítulo, el drama clásico hereda del mythos aristotélico aquellos principios que garantizan la coherencia de la fabula, y que llegan hasta el drama moderno y el drama brechtiano. Estos principios son, básicamente: la unidad orgánica de la fabula como totalidad autónoma, separada de la realidad; la organización de los elementos de la fabula en una estructura dispositiva; la fabula como sistema de relaciones que funciona según principios de necesidad y versemblanza formal (causalidad, finalidad, cronología lineal).
El drama, si quiere expresar la crisis de la coherencia lógica que se produce en la contemporaneidad, debe hacerlo renunciando a la coherencia que la fabula le garantizaba. Sin embargo, negando la coherencia de la fabula, el drama se desestructura a sí mismo, perdiendo gradualmente la prerrogativa de la dramaticidad. Así, paradójicamente, el drama que mejor expresa esta nueva visión del mundo será algo así como un drama “ya no dramático”.
Las obras analizadas en los capítulos 3 y 4 (El chico de la última fila, de Juan Mayorga; Supermarket e Historias de familia, de Biljana Srbljanović; los Dramas fecales, de Werner Schwab; Attempts on Her Life, de Martin Crimp; Far Away, de Caryl Churchill; la producción entera de Sarah Kane) presentan una fabula cuya naturaleza ya no es totalmente lógica. Demuestran así una homología estructural entre una determinada manera de entender el mundo y su forma de representación; ese mundo ha perdido la fe en la lógica y esta pérdida se expresa en una fabula que pierde su característica de conjunto de leyes estables, su prerrogativa de estructura dispositiva y su posibilidad de garantizar la autonomía de la obra.
Estos dramas “ya no totalmente dramáticos” nos dicen, por lo tanto, que la idea de una realidad comprensible es una ficción generada por una visión del mundo positivista, que nuestro sistema social, político y económico ha impuesto como hegemónica. Dichos dramas estimulan modalidades de recepción diferentes de la interpretación lógica, afirmando así la necesidad de una nueva modalidad, por parte del individuo, de experimentar la realidad en la que vive.The work focuses on the analysis of the evolution of the dramatic form and the role of the text in the theater of the last twenty-five years in Europe, in order to understand how the text can now serve a theater who looks for new forms away from drama. The hypothesis is that this change in the conception of theater is linked to the need to find new ways of representing the world and new languages to interpret it; and that this necessity depends on the changes that have occurred in the Western world in the recent decades. Europe is an example: since the fall of the Berlin Wall until the financial crisis still ongoing, the shape of the political, social, identity and geographic space has been changing rapidly and radically. The classical dramatic form, expressing faith in a coherent and organic reality, expresses a logical worldview, which seems inappropriate to speak about certain characteristics of current Western way of life. As explained in the first chapter, the classical drama inherited from the Aristotelian notion of mythos the principles that guarantee the coherence of the fable and transmits them until modern and brechtian drama. These principles are basically: the organic unity of the fable as an autonomous product, separate from reality; the organization of the elements of the fable in an ordering and ordered structure; the fable as system of relations operating according to principles of necessity and formal verisimilitude (causality, finality, chronology). If the drama wants to express the crisis of logical coherence that occurs in our times must renounce to the coherence that the fable ensured him. However, denying the coherence of the fable, the drama deconstructs itself, gradually losing the prerogative of the dramatic. Thus, paradoxically, the drama that best expresses this new worldview is something like a “no more dramatic” drama. The plays analyzed in chapters 3 and 4 (El chico de la última fila, by Juan Mayorga; Supermarket and Family Stories, by Biljana Srbljanović; the Fäkaliendramen, by Werner Schwab; Attempts on Her Life, by Martin Crimp; Far Away, by Caryl Churchill; the production of Sarah Kane) present a fable whose nature is no more entirely logical. So, they show a structural homology between a certain way of understanding the world and its form of representation : the world has lost faith in logic and this loss is expressed in a fable that loses its characteristic of ensemble of stable laws, its prerogative of organizing and organized structure and its ability to ensure the autonomy of the play. These “no longer dramatic” dramas tell us, therefore, that the idea of an understandable reality is a fiction created by a positivist worldview that our social, political and economic system has promoted as hegemonic. Thus these plays stimulate a mode of reception alternative to the logical interpretation, asserting the need, for the individual, of a new experience of the reality in which he lives.
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Urraco, Crespo Juan Manuel. "Dramaturgias de lo real en la escena contemporánea Argentina. Una escritura con sede en el cuerpo." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/117542.
Full textAbstract:
Dentro de los marcos de la sociedad en la que vivimos, intervenida de forma incipiente por las nuevas tecnologías y en pleno auge de un proceso de virtualización de la realidad, se hace cada vez más complicado y engorroso el querer referenciar y relacionar categorías como ‹‹lo real››, ‹‹la ficción›› o ‹‹la realidad››, más aún dentro del ámbito teatral. Dicha tarea suele convertirse en una experiencia empantanada, en tanto se advierte cierta imposibilidad de encontrar un punto de conciliación entre las diversas connotaciones dadas a dichas categorías en la actualidad. Se pueden apreciar diversos significados otorgados a lo largo de la historia del pensamiento, lo que muestra a primera vista que, hoy en día, tales categorías carecen cada vez más de un significado universalmente aceptado. Conscientes de lo anterior, nuestra investigación, lejos de querer ofrecer respuestas acabadas sobre dicha categoría, pretende problematizar sobre lo real en el campo de las artes escénicas contemporáneas, ofreciendo una “conversación en curso” que desea contribuir a la ampliación de las líneas teóricas vigentes en los estudios teatrales a través de la incorporación de criterios (teóricos, metodológicos y críticos derivados principalmente de la indagación empírica) vinculados a las actualizaciones epistémicas más relevantes para el abordaje de la práctica teatral y de lo real en sus múltiples dimensiones. Generando, de este modo, un corpus teórico multidisciplinar sobre prácticas teatrales que atienden el surgimiento y consolidación de las nuevas tendencias emergentes dentro del teatro contemporáneo.
El viaje que propongo en esta tesis de investigación pretende abordar lo real dentro del teatro, acercar dos categorías aparentemente opuestas: lo real y la ficción. Marcos que aunque a primera instancia antagónicos, ahora se ponen a dialogar para dar cuenta de algunas aristas de un experimento con riesgo, que propone entender el hecho teatral en los complejos bordes del siglo XXI principalmente como experiencia de intimidad, en tanto espacio de subjetivación y lugar de resistencia. Así, lo real en el teatro puede abordarse ya no desde su condición metafísica, sino desde su materialidad, desde lo concreto: el cuerpo y el encuentro. La intimidad de la experiencia teatral. A lo largo de esta investigación veremos cómo experiencia, intimidad y cuerpo encarnan horizontes de la identidad que encuentran su bisagra en el carácter social e histórico vivido por los sujetos, y se actualizan en esas estructuras de sentir, emergentes en el arte a través de nuevas estrategias, como las Dramaturgias de lo real.Within the framework of the society we live in, incipiently interfered by new technologies and at the zenith of a process of the virtualization of reality, it is becoming increasingly complicated and cumbersome to try and reference categories such as ‹‹the real››, ‹‹fiction›› and ‹‹reality›› or to relate them to each other - even more so in the field of theatre. Such a task usually becomes an experience mired in difficulty, as we realise that it is to some extent impossible to reconcile the diverse connotations attributed to those categories at present. Many diverse meanings have been given to these categories throughout the history of thought, which, at first glance, shows that nowadays, they are increasingly lacking a universally accepted meaning. With that in mind, our investigation, far from wanting to offer polished answers about such category, aims to broach the problem about ‘the real’ in the contemporary performing arts field by opening an “ongoing conversation”. Its intention is to contribute to a broadening of the theoretical lines of thought currently in force in the study of theatre by incorporating criteria – theoretical, methodological and critical criteria, mainly derived from empirical research – linked to the most significant epistemic developments of recent times, in order to create an approach to both theatrical practice and the real in their multiple dimensions. In doing this, a multidisciplinary theoretical corpus will be generated, one that deals with theatrical practices that focus on the birth and consolidation of new, emerging trends in contemporary theatre. The journey I propose in this research thesis aims to deal with the real within the arena of theatre, and to bring together two apparently opposed categories: the real and fiction. These are frameworks which, even though they may seem antagonistic in the first instance, are now engaged in a dialogue to try and explain things at the edge a risky experiment whose aim is to understand the theatrical event within the complexity of the start of the 21st century mainly as an intimate experience, as a space of subjectification and as a place of resistance. Thus, the real in theatre can be approached not only from its metaphysical condition, but from its materiality, from the concrete: the body and the encounter. The intimacy of the theatrical experience. Throughout this research we will see how experience, intimacy and the body personify horizons of identity that hinge on the social and historical nature lived by the subjects, and these structures of feeling are continually developing, emerging in art through new strategies, such as the Dramaturgies of the Real.
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Cannervik, Kikki. "De estetiska ämnena i teori och praktik : – Att använda de estetiska ämnena som verktyg i svenskundervisningen." Thesis, Karlstads universitet, Institutionen för språk, litteratur och interkultur, 2016. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-42938.
Full textAbstract:
This work is about the four artistic subjects theater, music, dance and art, and how teachers can use them as tools in the Swedish education. The aim is to identify the role that the artistic subjects may have in school, their pros and cons, as well as the teachers' attitude towards them. The work is divided into two parts, the theoretical part focuses on research, andpracticepart is based on a quantitative survey with 274 questionnaires, as well as a qualitative survey with three interviews, where all the informants are active teacher at the minimum ages. What emerged from the study is that it doesn’t differ much between research and reality, or in other words the theory and practice, when it comes to the artistic subjects as tools in regular education. The artistic subjects can be time consuming, but if a teacher takes the time they can help both teachers and students in their development. It has also been shown that many of the active teachers do not fully understand what the artistic subjects contains, but when they get concrete example is the vast majority of them in favor of using the artistic subjects as tools in their teaching.
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Nilsson, Birgitta. "L’apprentissage par l’expérience esthétique : Utilisez-vous l’audio-visuel, la musique et le théâtre dans l’enseignement du français ?" Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för didaktik och lärares praktik (DLP), 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-84902.
Full textAbstract:
With the implementation of the 2011 guidance documents (Lgr11), the aesthetic perspective was strengthened in the Swedish secondary school, according to Marie-Louise Hansson Stenhammar (2015: 60). The purpose of this thesis is to examine whether there are differences in the extent to which some teachers use learning through aesthetic experience, and to identify possible advantages and obstacles in this respect. After a brief overview of four major theoretical perspectives of learning, we present a minor quantitative study that we relate to previous research. Anne Bamford (2009 : 11) and Hélène Trocmé-Fabre (Jedrzejak 2012 : 24) show in their research how tools relating to aesthetic activities can improve learning. The main finding in our survey, covering a few teachers over the country, is that the use of these tools varies greatly, and that the degree of interest and motivation for this area of activity differs from teacher to teacher. Advantages for the pupils, mentioned by participants in our study, are motivation, variation, use of several senses, consolidation of knowledge, activation of the photographic memory and easier learning of the language. While research, by Hansson Stenhammar (2015), points out teacher’s interpretation of regulatory frames as an obstacle to the use of aesthetic activities, in our study the perceived obstacles are the teacher’s lack of motivation, time and teaching material. Our participants are randomly sampled, from across the country, and findings from our small study cannot be extended to a wider population. Our recommendation for further research would be a study on how the pupils’ attitudes and motivation is affected by aesthetic experiences.
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Palmeri, Daniela. "Indagaciones sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. las orestíadas de la socìetas Raffaello Sanzio, mapa teatro, Rodrigo García y Yael Farber." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/129369.
Full textAbstract:
La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia esquilea en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática, donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa.
En la primera parte de esta tesis, se propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia,1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003). El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico.
La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros.This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus’ trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of “intertextuality” and “rewriting” from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the “rewriting” of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the “re-writing” is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.
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Cuesta, Dueñas Juanjo. "Juego y teatro. una propuesta de (re)gamificación escénica. Investigación teórico-práctica sobre los indicadores de ludismo en los procesos de creación dramática." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/385016.
Full textAbstract:
Esta Tesis investiga la interrelación entre juego y teatro, pues pese a ser esta una relación secular, ha estado poco investigada hasta el momento. Partiendo de un análisis histórico para comprender el porqué de esta falta de interés investigador, se pasa directamente a dar respuesta a las dos preguntas principales de la Tesis: ¿En qué zonas se interseccionan el juego y el teatro? Y ¿Qué indicadores nos manifiestan el capital lúdico en el espectáculo teatral, tanto en los procesos como en los resultados?
Más concretamente, en el marco teórico se propone un estudio profundo de todos los conceptos y de la teoría crítica existente tanto sobre el juego, en general, como sobre el juego en el contexto teatral en particular, para observar el aumento de lo lúdico en las últimas décadas tanto en ambos ámbitos. Tras ello se llega al corazón de la investigación que revisa cinco creadores contemporáneos, en cinco contextos concretos, como ejemplos de esta reactivación del juego en la escena: Jacques Lecoq y Philippe Gaulier relacionados con sus respectivas escuelas de formación actoral, y posteriormente, Simon Mc Burney, director de Complicite; Oriol Broggi, director de La Perla 29, y Andrés Lima, director de Animalario; cada uno de los cuales son analizados en sus espectáculos: Las tres vidas de Lucie Cabrol, Luces de Bohemia y Urtain, respectivamente.
Posteriormente, se realiza un laboratorio práctico en el que se desarrolla un protocolo de ensayos para obtener información directa de los miembros participantes, para enriquecer los datos obtenidos. Esta parte práctica o experimental se realiza a través de una adaptación libre, de algunos fragmentos de Hamlet de W. Shakespeare.
Mediando la información anterior debidamente analizada, así como el enriquecimiento de los estudios teóricos, propuestos en la primera parte, se llega a unas conclusiones que aportan una descripción del concepto de juego en el contexto teatral. En segundo lugar, se obtiene un sistema de dimensiones e indicadores que perfilarán el capital lúdico que puede extraerse de una creación dramática, y en tercer lugar, se desvela un método de trabajo actoral deducido durante el proceso.
La Tesis aporta además información sobre la propia metodología: se usará un concepto de investigación teórico-práctico basado en la propia investigación de los procesos artísticos, llamado "Práctica como Investigación" (PcI), referido en inglés como Practice as Research (PaR). Esta es una metodología participativa, extendida profusamente en el ámbito de la investigación doctoral, en países como Finlandia, Reino Unido, Canadá, Australia, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Estados Unidos, Chile o Suecia, que, aunque es muy joven y poco frecuente en nuestro país, está experimentando un gran crecimiento en todo el mundo. Esta Tesis ha realizado un estudio añadido sobre su historia, sus orígenes y evolución, así como su implantación académica en los currículums oficiales de estudios de posgrado, máster y doctorado en diversas Escuelas de Arte Dramático y Universidades. Dentro de estos centros formativos, se ha observado con especial atención y descripción la Theatre Academy de la University of the Arts en Helsinki, la School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies en la University of Warwick, y de la Royal Central School of Speech and Drama perteneciente a la University of London, las dos últimas del Reino Unido. En definitiva, esta investigación, además de las respuestas de contenido sobre el juego, muestra una información detallada sobre esta metodología novedosa, en lo que respecta a su estado de la cuestión, implantación y revisión bibliográfica.
Sintetizando, esta Tesis aporta una propuesta de (RE)apropiación del juego por la escena, desde una razonada comprensión de la profundidad de dicho juego. De ahí su título: La (RE)gamificación del teatro.This Thesis investigates the relationship between play and theater, because, despite this being a secular relationship, it has not been profusely investigated. Starting with an historical analysis to understand the reason for this lack of research interest, I will proceed to answer two main questions of the Thesis: In which areas the play and the theater intersect? And which indicators show us the playful theatrical capital in both the processes and the results? A thorough study is proposed from the conceptual framework of all concepts managed in this research, and the existing critical theory, both on the overall play concept and especially about the play in the theatrical context. All that in order to observe the increase of playfulness in both areas in recent decades. Thereby the heart of the research is reached: in it we look over five contemporary artists, in five specific contexts, as examples of this revival of the game in the scene: Jacques Lecoq and Philippe Gaulier, related to their respective schools of acting training, and, subsequently, Simon McBurney, Complicite's director, Oriol Broggi (also director of La Perla 29) and Andres Lima, director of Animalario company. Each of them analyzed on one of their shows: The Three Lives of Lucie Cabrol, Bohemian Lights, and Urtain, respectively Later, a practical laboratory to test a protocol is developed to get information directly from its participating members. This comes to enrich the data obtained in the previous observation about the studied artists. For that, it is proposed to investigate the staging from the free adaptation of Hamlet by W. Shakespeare. Mediating the information collected from all practical experience described, as well as the enrichment of theoretical studies proposed in the first part, we reach conclusions that provide a description of the concept of play in the theatrical context. Besides that, secondly, a system of dimensions and indicators that shape the ludic capital that can be drawn from a theatrical setting. And finally, a method of acting work that enhances this process of creation based on the play. The Thesis also provides information on the methodology itself: a concept of theoretical and practical research, based on the artistic creation as a research process, commonly referred as Practice as Research (PaR), is used. This is a participatory methodology, widely spread in the field of doctoral research in countries like Finland, United Kingdom, Canada, Australia, South Africa, New Zealand, United States, Chile or Sweden. Although it is very young methodology, it is experiencing strong growth worldwide. Therefore this Thesis has made an additional study on its history, origins and evolution, as well as academic presence in the official curricula of postgraduate studies, M. A. and PhD in several Drama Schools and Universities. Within these training centers, Theatre Academy of the University of the Arts in Helsinki, the School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies at the University of Warwick, Royal and Central School of Speech Drama at University of London, the last two in the UK, has been observed with special attention and description. So this Thesis, apart from play contents, also provides answers and detailed information about this new methodology, both in terms of implementation and specialized literature. Even provides a proposal for (RE)appropriation of playfulness around the scene, as well as a scholarly discourse based on the depth of the play concept, hence the title: The (RE)gamification of theater.
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Barrera, Jofré María Consuelo. "La mujer como personaje teatral: reflejo y evolución de la figura femenina en las dramaturgas catalanas (1975-2011)." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/147256.
Full textAbstract:
Con esta investigación hemos querido dar un reconocimiento a la autoría femenina en el teatro catalán mediante los personajes femeninos creados por trece autoras dentro del periodo de 1975 a 2011, y que tuvo como principal objetivo confirmar la existencia de un Personaje Femenino Redondo, es decir, un personaje excepcional que no es solo reflejo del mundo que se ha representado, sino que más bien, una creación que se aleja del colectivo de una época siendo un personaje más humano, permitiendo así la ausencia de conatos.
El grupo seleccionado correspondió a las autoras más significativas en Cataluña —dentro del periodo— que con sus aportes a la escritura teatral han logrado el reconocimiento tanto del público como de la crítica especializada; tomando como base, a las dramaturgas catalanas con una producción importante, cuyas obras han sido premiadas, publicadas y/o estrenadas en cualquier circuito teatral catalán. Los textos seleccionados tuvieron la particularidad de ser obras en las cuales aparecen personajes femeninos tanto protagonistas como secundarios. Aquellas que presentaron personajes masculinos como protagonistas no fueron incluidas.
Las autoras seleccionadas fueron agrupadas en tres periodos: 1) autoras anteriores a la democracia (Maria Aurèlia Capmany, Mercè Rodoreda y Rosa Victoria Gras); 2) autoras de finales del siglo XX (Lluïsa Cunillé, Àngels Aymar, Beth Escudé y Mercè Sarrias); 3) autoras del siglo XXI (Eva Hibernia, Carol López, Gemma Rodríguez, Victoria Szpunberg, Marta Buchaca y Cristina Clemente). De cada una de ellas, investigamos y analizamos el personaje femenino desde el punto de vista del texto dramático (género literario) y la autoría femenina (gender). Nos interesó el personaje femenino como signo semiótico, por eso analizamos las relaciones entre los personajes y los diferentes elementos que conforman la obra ya que la incursión de la mujer en la dramaturgia significó una nueva forma de entender el fenómeno teatral. Desde este nuevo punto de vista la creación dramática otorga nuevos parámetros que configuran el personaje femenino produciendo un quiebre en los modelos establecidos donde la mujer siempre ha sido un objeto y no un sujeto. En nuestra investigación el personaje femenino adquirió diferentes características que finalmente se unieron en un objetivo común: retratar a la mujer en la sociedad catalana tal como la perciben las mujeres, provocando un punto de inflexión en la representación de la realidad que ha sido construida por una visión masculina.The research presents the results of an analysis of eighty-one plays written by thirteen catalan authors between 1975-2011 period in which we confirmed the existence of a “fully defined and complete female character”, namely, an exceptional character which is not only a reflection of the world that is represented, but rather a creation that moves away from the collective of an age, being a human character allowing the absence of attempts. Selected authors were grouped into three periods: 1) authors previous to the establishment of democracy, 2) authors of the late twentieth century, and 3) authors of the century twenty-one. From each one of them we investigate and analyze the female character from the point of view of dramatic text (literary genre) and the female authorship (gender). We were interested in the female character as a semiotic sign, therefore we analyze the relationships between the characters and the different elements of the play since the incursion of women in the playwriting meant a new way of understand the theatrical phenomenon. From this new point of view the dramatic creation gives new parameters that configure the female character producing a break in the established models where women always it has been an object and not a subject. In our research the female character acquired different characteristics that finally joined in a common objective: to portray women in the catalan society such as the women perceive it, causing an inflection point in the representation of reality that has been constructed by a male view.
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Faúndez, Carreño Tania. "La guerra en la dramaturgia chilena." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/283534.
Full textAbstract:
La guerra se ha constituido un tema constante en la dramaturgia chilena, la cual a su vez se ha vinculado estrechamente con la identidad nacional. La pulsión de la guerra, con sus mecanismos discursivos institucionales (histórico, político, cultural, militar, nacional), sus ondulaciones y su dificultad misma de la representación sobre la escena han resonado en la dramaturgia patria desde la consolidación de la República en el siglo XIX (1817) hasta la apoteósica celebración del Bicentenario nacional (2010). Nuestro objeto de estudio pretende estructurar de forma general de qué modo las pulsiones bélicas (durante la preguerra, guerra y postguerra) y sus derivaciones de violencia (guerra de clases y guerra sucia) se han incrustado en la dramaturgia chilena, en un arco de tiempo que abarca casi tres siglos. Este gráfico desvelará la continuidad, ruptura, retorno e innovación de la representación de la guerra en la dramaturgia nacional, ofreciendo una selección de escrituras bélicas que van desde una formación clásica (épica-nacionalista), pasando por la guerra política (lucha de clases) y el terrorismo de Estado (dictadura militar) hasta llegar a la deconstrucción y resignificación de la memoria histórica. Sobre este soporte analizamos de qué manera aparece el pretexto bélico (acción, contexto histórico, tela de fondo o dimensión políticaWar has been a recurring subject in Chilean drama, which in turn has been closely connected with national identity. The drive of war along with its institutional discursive mechanisms (historical, political, cultural, military, national), its consequences and the difficulty in representing it on stage have echoed around the country’s playwriting from the establishment of the Republic in 1817 to the tremendous celebration of the national Bicentenary in 2010. This study aims to organize how pre-war, war and post-war eras and their by-products of violence (class war and dirty war) have become embedded in Chilean drama within a three-century span of time. This framework will reveal the continuity, the breaking, the revival and innovation of staging of war in the national drama while offering a selection of war literature that goes from classical formation (epic-national), through political war (class struggle) and State terrorism (dictatorship) to the deconstruction and reinterpreting of the historical memory. This work examines how the war pretext appears (action, historical background, backdrop or social, economic and political dimension) in plays with some representative importance in the theatre scene.
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Pujol, Nicolau Gaspar. "Traditional Cosmological Symbolism in Ancient Board Games." Doctoral thesis, Universitat Internacional de Catalunya, 2009. http://hdl.handle.net/10803/387431.
Full textAbstract:
Aquest treball d'investigació analitza una selecció dels jocs de tauler més antics coneguts, trobant-hi els elements simbòlics clau del simbolisme cosmològic tradicional. Els jocs són part del patró estructural universal (com la dança o l'art) i apareixen a totes les cultures al llarg del temps. En ells hi podem veure reflexades les creences, valors i cosmovisió dels pobles que hi jugaven. Per això els jocs de tauler antics tenen un valor simbòlic i gnoseològic (que complementa el seu ús més lúdic i pragmàtic). Aquest valor, com hem vist al llarg de la recerca, es basa en la cosmologia tradicional, què en termes generals, és compartida per les antigues tradicions sagrades d'orient i occident.This research analizes a selection of the oldest ancient board games, finding in them common symbolic elements from traditional cosmological symbolism. Games are a universal structural pattern (as dance or art) appearing in every culture through time. In them we can see reflected the beliefs, values and cosmovision af the ancient people who played them. Therefore, ancient board games have a symbolic and gnoseologic value (complementary to their ludic and pragmatic use). This value, as seen in this research, is based on traditional cosmology, which in general terms, is shared by the ancient Western and Eastern sacred traditions.
En este trabajo de investigación se analizan una selección de los juegos de tablero más antiguos que se conocen, encontrando en ellos los elementos simbólicos clave del simbolismo cosmológico tradicional. Los juegos son parte del patron estructural universal (como la danza o el arte) y aparecen en todas las culturas. En ellos podemos ver las creencias, valores y cosmovisión de los pueblos en los que eran jugados. Por esa razón, los juegos de tablero de la antigüedad tienen un valor simbólico y gnoseológico (que complementa su uso más lúdico y pragmático). Este valor, como hemos visto a lo largo de la investigación, se basa en la cosmología tradicional, que en términos generales comparten las antiguas tradiciones sagradas de oriente y occidente
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Dias, Marina Simone. "La dramaturgia del espacio : una lectura de los Shakespeares del Teatre Lliure (1977-2007)." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2014. http://hdl.handle.net/10803/283112.
Full textAbstract:
The thesis makes a tour on the shakespearian theatrical creations made at the Teatre Lliure in the last thirty years (1977-2007), offering a vision of their stage poetic, and studying the interrelationships between the space, the art and the culture, and specifically, between the dramatic shakespearian text and the theatrical/stage space in the plays' local and contemporary context. The thesis worked on an interdisciplinary theoretical framework, with concepts from semiotics, linguistics and literary theory, as well as sociology, anthropology, psychology, among other fields of knowledge, as aesthetics of reception and cultural studies. The research hypothesis is the presence of the space dramaturgy in the Teatre Lliure's
theatrical praxis, to verify the connection between the previous approaches and goals, culminating in the plays' analysis. The Teatre Lliure was analyzed and contrasted with both currents of thought, Catalan contemporary independent theater movements, and the Shakespeare's Theatre. lt's theatrical spaces -Sala Lliure de Gracia and Sala Fabià Puigserver- as well as the plays analyzed -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r and Otel·lo- reveal the interrelationship and dialectics between dramaturgy, space and public, specifically studied. The analysis also goals to the conditions, outcomes and meanings derived from the inclusion of a classical work of the world drama in contemporary Catalan culture, from the perspective of an architect and -considering some level of subjectivity-a spectator.La tesis hace un recorrido por las creaciones teatrales shakespearianas propias del Teatre Lliure de los últimos treinta años (1977-2007), ofreciendo un estudio de su poética escénica. Se examinan las interrelaciones entre el espacio, el arte y la cultura, y específicamente, entre el texto dramático/espectacular shakespeariano y el espacio teatral/escénico de los montajes en su contexto contemporáneo y local. La investigación nos ha permitido abordar una gran cantidad de temas relevantes, profundizando conocimientos como modo de entender la evolución de la noción de espacio y de analizar su interrelación con la Arquitectura y el Teatro contemporáneos. Se ha trabajado con un marco teórico de referencia interdisciplinar, con conceptos provenientes de la Semiótica, Lingüistica y Teoría literaria, así como de la Sociología, Antropología, Psicología, de la Estética de la Recepción y de los Estudios Culturales, entre otros campos del conocimiento. La hipótesis de investigación es la presencia de la "dramaturgia del espacio" en la praxis teatral del Teatre Lliure, es decir, el espacio como elemento dramatúrgico en sus puestas en escena. Se ha analizado y se ha contrastado el Teatre Lliure tanto con las corrientes de pensamiento y movimiento del teatro independiente catalán y contemporáneo, como con el teatro de Shakespeare. Sus espacios teatrales -sala Lliure de Gràcia y sala Fabià Puigserver-así como los espacios escénicos de los montajes analizados -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r, Otel·lo- revelan la interrelación y la dialéctica entre dramaturgia, espacio y público. En los análisis se ha buscado comprender también las condiciones, los resultados y significados de la inserción de una obra clásica de la dramaturgia mundial en la cultura catalana contemporánea, desde la perspectiva de arquitecta y con la mirada con cierto grado de subjetividad de espectadora
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Martínez, Grimalt Joan Tomàs. "El conflicte social en el teatre català del tombant de segle (1890-1909): identitat de classe, moral social i debat polític." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/314172.
Full textAbstract:
La tesi El conflicte social en el teatre català del tombant de segle (1890-1909): identitat de classe, moral social i debat polític és una aportació inèdita i original al coneixement de la literatura dramàtica catalana del tombant de segle i les dinàmiques politicosocials que reflectia de manera directa o indirecta. A partir d’una metodologia eclèctica i transversal, innovadora en els estudis teatrals, aplica els conceptes d’“identitat de classe”, “moral social” i “cultura política” a l’anàlisi d’una mostra significativa de textos teatrals d’autors i procedències ideològiques diverses durant els anys 1890-1909.
El treball consta de quatre capítols ben delimitats: en el primer, se situen les coordenades històriques, polítiques, socials i culturals que emmarquen la nova modernitat, especialment en l’àmbit del teatre català; en el segon, s’examinen els debats al voltant del conflicte social i estètic del tombant de segle i s’adscriuen els dramaturgs estudiats en grans categories ideològiques; en el tercer, el més rellevant de tots, s’interpreta en profunditat la mostra d’obres triada a la llum dels conceptes d’“identitat de classe”, “moral social” i “debat polític”, entesos com a elements bàsics d’un teatre de contingut social; en el quart, finalment, s’indaga en la dramatúrgia catòlica i les seves plataformes de difusió com a “contramirall” del tipus de teatre de conflicte ideològic analitzat en el cos de la tesi.
Aquesta tesi obre un nou enfocament en l’estudi de la literatura dramàtica catalana i el teatre català en general del segle XX, ja que hi aporta una mirada transversal en què conflueixen disciplines diverses de les ciències humanes i socials (des de la història a la ciència política, tot passant per la filologia, la sociologia o l’antropologia). Fonamentada en una base documental tant hemerogràfica com bibliogràfica, també posa de manifest la centralitat del conflicte social i de les seves derivacions en el teatre català del tombant de segle.The thesis El conflicte social en el teatre català del tombant de segle (1890-1909): identitat de classe, moral social I debat politic is an original and unprecedented contribution to the Catalan dramatic literature of the turn of the century and the political and social dynamics it somehow reflected in a direct or indirect method. From a transversal and eclectic methodology, rather experimental in the dramatic studies, it applies the concepts of ‘social identity’, ‘social morality’ and ‘political culture’ to the analysis of a remarkable sample of author’s playwright texts and various ideological origins from 1890 to 1909. The essay consists of four well-delimited chapters: firstly, chapter one presents the historical, political, social and cultural background which frames the new modernity, particularly in the Catalan theatre field; in the second chapter, the debates about the social and the aesthetic conflicts of the turn of the century are examined and the studied playwrights are categorized into different ideological categories; in the third chapter, the most significant one, the sample of works chosen by the concepts of ‘social identity’, ‘social morality’ and ‘political debate’ are thoroughly interpreted, being them understood as basic elements of a theatre of social content; finally, in chapter four, the Catholic playwriting and its disseminating means as a opposed to the kind of ideological conflict theatre analyzed in the body of the thesis. This thesis unfolds a new direction for the study of the Catalan dramatic literature and the twentieth century Catalan theatre in general, since this essay analyses it in a transversal way so that diverse disciplines from human and social sciences merge (from history to political science, passing through philology, sociology or anthropology). Being the thesis supported by documentary sources both bibliographic and from periodicals, it also states the centrality of the social conflict and its consequence in the Catalan theatre of the turn of the century.
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Fuoco, Ester. ""Né qui, né ora". Peripezie del teatro contemporaneo." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCC102.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche consiste en une réflexion sur le statut de ce corps performatif contemporain, sur le procédé esthétique de remédiation et sur la « démocratisation » qu’il subit dans les performances live actuelles. Pour comprendre les raisons et les effets de ce phénomène, il a fallu analyser l’événement théâtral tout d’abord de façon systémique et relationnelle, puis analytique, en essayant de reconstruire avant tout un réseau de détails interdépendants et connectés au sujet et au contexte, plutôt que de partir d’une diégèse de chaque spectacle. Quatre exemples artistiques internationaux contemporains – sélectionnés pour leur importance et leur hétérogénéité – représentatifs d’une interaction particulière entre le performeur et les nouvelles technologies, ont été analysés. La réflexion a portée sur la manière dont cette interaction créait chez les acteurs et les spectateurs – lorsque cette distinction subsiste – une perception de l’espace et du temps complètement nouvelle selon trois modalités relationnelles et expressives que nous pourrions définir comme : « présent ici et maintenant » (proximité immédiate), « présent à distance » et « absent/virtuel ». Dans les expériences prises ici en considération, le corps contemporain, bien loin de ce qu’il représentait à l’origine, n’est plus élément représentatif de l’identité, d’une seule identité : il est privé de sa subjectivité et ramené à une sorte de « degré zéro » de sa nature ; il devient liquide, ouvert, fragmenté. Dans ces performances, et plus particulièrement dans celles qui ont pour point de départ la danse, c’est le corps comme objet, ses caractéristiques matérielles qui sont mises au premier plan, si bien que la manipulation de la corporéité ou la dislocation de l’agent en-dehors du corps semblent annuler la notion de « présence ». Il serait plus correct – et c’est le défi de notre réflexion – d’analyser la reconfiguration de cette présence à la lumière d’une vérité médiatisée, un effet de réalité qui pousse à considérer comme réel ce qui nous est montré à travers un support, filmé, reproduit de façon digitale, reconstruit à travers la lumière et le sonIn the present analysis four contemporary international artistic examples will be analysed, chosen for their significance and at the same time their heterogeneity, representative of a peculiar interaction of the performer with the technological medium. It has been shown that this interaction produces in actors and spectators – where this distinction still subsists – a perception of space and time that is quite new ; in keeping with three relational and expressive modes that we could anticipate here as : “present in the here and now” (immediate proximity), “present at a distance” and “absent/virtual”. Again in the experiences considered here, the contemporary body, far from what it represented at the origins, is no longer representative of identity, of a single identity : it is deprived of its subjectivity and reduced to a kind of “degree zero” of its nature. It becomes liquid, open, fragmented. In these performances, and in particular those that start from dance, the object and material characteristics of the bodies are brought into the foreground ; so that the manipulation of the body or the displacement of the agent outside the body would seem to efface the notion of “presence”. Rather it would be more correct – and this is the challenge of this investigation – to evaluate the reconfiguration of this presence in the light of a mediated truth, an effect of reality that leads us to regard as real what is shown to us on a support, filmed, reproduced digitally, reconstructed through light or sound. The present research therefore consists in an investigation of the status of this contemporary performative body, of the aesthetic process of remediation and of the “democratisation” that it undergoes in current live performances. To understand the reasons for and effects of this phenomenon, it was necessary to conduct an analysis of the theatrical event in a systemic and relational rather than an analytical way, seeking to reconstruct a network of details connected to and interdependent of the subject and the context, before presenting a diegesis of individual spectacles
Si sono qui prese in esame quattro esperienze performative internazionali contemporanee - scelte per la loro rilevanza e nello stesso tempo per la loro eterogeneità - rappresentative di una peculiare interazione del performer con il mezzo tecnologico. Si è evidenziato così come quest’interazione produca in attori e spettatori – ove sussista ancora questa distinzione – una percezione dello spazio e del tempo affatto nuova ; secondo tre modalità relazionali ed espressive che potremmo qui anticipare come : “presente nel qui e ora” (prossimità immediata), “presente a distanza” e “assente/virtuale”. Sempre nelle esperienze qui considerate, il corpo contemporaneo, lontano da ciò che poteva rappresentare in partenza, non è più elemento significativo dell’identità, di una sola identità : viene privato della propria soggettività e condotto a una specie di “grado zero” della propria natura ; appare così frammentato, aperto, liquido. In queste performance, e in particolare in quelle che partono dalla danza, sono le caratteristiche oggettuali e materiali dei corpi a essere messe in primo piano ; cosicché la manipolazione della corporeità o la dislocazione dell’agente al di fuori del corpo sembrerebbero annullare la consueta nozione di “presenza”. Più corretto invece – e questa è la sfida di questa indagine – ci è sembrato valutare la riconfigurazione di questa presenza alla luce di una verità mediata, quell’effetto di realtà che induce a ritenere reale ciò che ci viene mostrato su un supporto, filmato, riprodotto digitalmente, ricostruito attraverso la luce o il suono. La presente ricerca consiste quindi nell’esplorazione dello status di questo corpo performativo contemporaneo, del processo estetico di rimediazione e di “democratizzazione” che esso subisce nelle performance live attuali : per comprendere le ragioni e gli effetti del quale si è reso necessario lo svolgimento di un’analisi dell’evento teatrale sistemica e relazionale, prima che analitica ; cercando di ricostruire una rete di particolari connessi e interdipendenti al soggetto e al contesto, anziché limitarci a una semplice diegesi dei singoli spettacoli
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Esquivel, Catalina. "Teatro la candelaria: memoria y presente del teatro colombiano. (Perfil de su poética con énfasis en las obras de la primera década del siglo XXI)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/283533.
Full textAbstract:
El teatro La Candelaria de Bogotá está estrechamente ligado a los inicios de la historia del teatro moderno en Colombia. La teoría y la práctica que el grupo ha desarrollado en torno a la creación colectiva son ampliamente reconocidas en el ámbito teatral latinoamericano. Su trayectoria, sin embargo, es mayormente relacionada con las practicas teatrales que surgieron en Latinoamérica durante los años sesentas y setentas y que marcarían un hito histórico en la evolución teatral del continente, particularmente en Colombia. Esta investigación quiere atender la producción más reciente del grupo, sin que ello signifique ignorar su recorrido anterior. Se trata de una aproximación a las obras realizadas por el colectivo en el periodo 2000-2010. Nuestro propósito es observar cómo La Candelaria inserta un proyecto teatral de corte popular y experimental (edificado en los años sesenta) en el complejo contexto de la posmodernidad. Durante esta primera década del s. XXI La Candelaria se vincula a las prácticas del teatro posmoderno y especialmente a las que tienen que ver con un teatro de lo real. La investigación también considera que el pasado histórico del grupo se traduce en una memoria que interviene necesariamente en su apropiación de un teatro autorreferencial y posdramático, produciendo una poética particular cuya característica esencial es una tensión entre pasado y presente. Esta tensión estética se percibe tanto en el fondo y la forma de sus espectáculos, en sus cuerpos, así como en los temas y motivos que guían sus recientes creaciones, afirmando la vigencia de un proyecto teatral que es memoria y presente del teatro colombiano contemporáneo.Theatre La Candelaria Bogota is closely linked to the early history of modern theater in Colombia. The theory and practice the group has developed around the collective creation are widely recognized in the Latin American theatrical field. Its career, however, is mostly related to the theatrical practices that emerged in Latin America during the Sixties and the Seventies and that marked a milestone in the theatrical evolution of the continent, particularly in Colombia. This research aims to focus on the latest production of the group, however without overlooking its previous tour. It is an approach to the works carried out by the group during the years 2000-2010. Our goal is to observe how La Candelaria project inserted a popular and at the same time experimental theatrical cut (built in the Sixties) in the complex context of postmodernism. During the first decade of the 21st century, La Candelaria has been linked to the practices of postmodern theater, especially those related to the so called a theater of the real. The research also considers how the historical past of the group is conveyed to a memory that necessarily intervenes in its adoption of a self-referential and postdramátic theater. A particular poetics whose essential feature is a tension between past and present. This aesthetic tension is perceived both in substance and form of its performances, in the bodies, as well as in themes and subjects that guide its recent creations. They claim the life of a theater project that is memory and at the same time present contemporary Colombian theater.
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Sais, Pere. "Hacia una poética del arte como vehículo de Jerry Grotowski." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/382639.
Full textAbstract:
La trayectoria del director teatral e investigador en el ámbito de las artes performativas Jerzy Grotowski se divide en cinco períodos: Teatro de las producciones, parateatro, Teatro de las fuentes, Drama Objetivo y arte como vehículo. La Tesis Doctoral traza un itinerario por la última etapa del trabajo de Grotowski, llamada arte como vehículo y desarrollada desde mediados de los años 80 en el Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards de Pontedera, Italia. En la presente Tesis, el autor, a partir de su experiencia de primera mano como doer (actuante), describe y analiza de manera sistemática cada uno de los elementos de trabajo que configuran el corpus de la práctica del arte como vehículo, así como los principios que subyacen en ellos. A través de una aproximación desde una doble vertiente teórico-práctica, y a partir de las “voces” del propio Grotowski, de los herederos de su legado, Thomas Richards y Mario Biagini, así como de profesores, practicantes y especialistas reconocidos, se propone una posible poética del arte como vehículo.The trajectory of the director and researcher in the field of performing arts Jerzy Grotowski is divided in five periods: Theatre of Productions, Paratheatre, Theatre of Sources, Objective Drama and Art as Vehicle. The Doctoral Thesis traces an itinerary through the last stage of Grotowski´s work, called Art as Vehicle and developed since the mid-eighties at the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards in Pontedera, Italy. In the present Thesis, starting from its author´s first hand experience as a doer, each one of the elements of work that configure the corpus of the practice of Art as Vehicle is described and systematically analyzed, as well as the principles that underlie them. Through an approach from a double, theoretical-practical, perspective and starting from Grotowski´s own “voice” as well as the ones of the heirs of his legacy, Thomas Richards and Mario Biagini, and of reknown professors, practitioners and specialists, a possible Poetics of Art as Vehicle is proposed.
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Abellan, Mula Joan. "La dramatúrgia escrita de la companyia Els Joglars: anàlisi dels textos produïts per als espectacles creats en el període 1970-2000 (d'El joc a Daaalí)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2007. http://hdl.handle.net/10803/4839.
Full textAbstract:
La dramatúrgia escrita de la companyia Els Joglars: anàlisi dels textos produïts per als espectacles creats en el període 1970-2000 (d'El joc a Daaalí) explora, a partir de tot allò que Els Joglars han escrit en el període esmentat i amb l'ajut de tot el que s'ha publicat sobre ells, la metodologia de creació i el repertori complet de continguts i procediments dramatúrgics esmerçats per aquesta històrica formació teatral catalana. La part de la tesi dedicada a la metodologia de creació, explica els factors sobre els quals es recolza el sistema d'improvisació propi de la companyia, com són l'equip, el mètode, el temps i el lloc; es categoritzen i exemplifiquen els marcs referencials pels processos d'improvisació que la companyia elabora prèviament; s'estudia l'estructura de rols i la mecànica que utilitza la companyia en la improvisació actoral com a mètode de creació dramatúrgica i es descriuen i exemplifiquen també els processos d'aportació, selecció i fixació textual de les improvisacions. Es tracta de la cerca empírica d'una pràctica amb força components originals on la pròpia necessitat de sistematització en l'exposició de les experiències analitzades estableix un cert esbós de vademècum generalitzable de la qüestió.
El gruix de la tesi el constitueix la recerca per a l'establiment de les característiques formals observables en la partitura textual de les obres creades on, amb el títol genèric Construccions dramàtiques, es descriuen i categoritzen a partir dels patrons teòrics de la dramatúrgia les modulacions particulars de les distintes obres i les peculiaritats estètiques de l'autoria. Aquesta part de la recerca recull i explica l'adaptació pròpia que fa aquesta companyia dels conceptes bàsics de la representació dramàtica establint la gènesi dels arguments, analitzant les tendències estructurals i els elements de segmentació més destacats de la seva pràctica com són l'escena, les digressions o la seva particular i freqüent aplicació teatral de l'efecte de mise en abîme. La tesi aprofundeix en l'estudi dels personatges i dels tractaments teatrals que s'hi detecten en la seva plasmació textual i examina les tendències més notables que apareixen en el conjunt de les obres pel que fa a les variants funcionals que els personatges exerceixen en les distintes construccions, a les diferents estratègies adoptades a l'hora d'establir els nivells de realitat que atorguen els índex de la seva referencialitat en convertir-los en peça de la ficció i als estils interpretatius amb què el text indica a actors i actrius la seva representació. Així mateix, s'aborden les tendències pel que fa als recursos lingüístics amb què els personatges fan arribar el discurs destriables en la seva fixació textual, com són l'ús de llenguatges singulars, un dels trets més característics d'aquesta dramatúrgia, i les diferents estratègies d'inclusió de la paraula detectades en els diàlegs, les estratègies verbals d'implicació del públic, les formulacions textuals pròpies de narradors i presentadors, els estils verbals, les pràctiques intertextuals i les estratègies idiomàtiques. Aquest capítol de la tesi també aborda els indicatius textuals que estableixen la dimensió espaciotemporal de les obres, agrupant-les per les distintes tendències observades, així com la manera amb què els textos recullen tota la incidència espectacular i dramàtica de vehicle extra humà com la música, la llum i els efectes tan presents en la dramatúrgia d'Els Joglars.
Aquest nucli principal de la recerca es complementa amb un capítol on, a partir de tot el que s'ha escrit i opinat sobre la companyia, es fa un repàs de la importància que públic i crítica han donat als aspectes estudiats per la tesi.
The Written Dramaturgy of the Theatre Company "Els Joglars": Analysis of the Texts Elaborated for the Productions Created from 1970 to 2000 (from "El Joc" to "Daaalí") examines, within all the plays written by Els Joglars in that period as well as the published material concerning the company, the methodology of creation and the complete repertoire of contents and procedures employed by this historical phenomenon of Catalan theatre.
The section of the thesis devoted to the methodology of creation describes the elements upon which the specific improvisational system of the company relies, such as the artistic and technical team, their method, their timing and settings. The frames of reference for the process of improvisation that the company selects beforehand are categorized and illustrated. The structure of roles and procedures used by the company regarding the players improvisations as a method of creation is examined, and the process of collaboration, selection and text editing of the improvisations is described and illustrated. This constitutes the empirical search of a method with many unique components.
The main body of the thesis gathers and describes the unique adaptation that this company creates, departing from the basic concepts of dramatic representation. It establishes the origin of the plots and analyzes structural trends and the most outstanding sequence elements, such as progression of scenes, use of digressions and the distinctive and frequent theatrical application of the mise en abîme.
The thesis delves into the study of the characters and theatrical treatments which can be found in the transcription of the text. Also, it examines the most salient patterns that appear in the totality of the plays in regards to the functional variants represented by the characters in each structure, the different strategies chosen at the moment of establishing the levels of reality given as references within a piece of fiction, and the interpretive styles the actors are to follow in their performance. At the same time, other patterns are examined in regards to the linguistic resources which the characters use to convey their message. These patterns can be observed in the written text as the use of idiosyncratic language which is one of the most distinctive traits of their work, and the various strategies of word inclusion found in the dialogues, the verbal strategies which involve the audience, the unique formulas concerning narrators, verbal styles, intratext devices and idiomatic variations. This chapter of the thesis also encompasses the text landmarks which establish the dimensions of dramatic time and space in the plays, classifying them according to the various patterns observed, as well as the way in which the text accommodates the theatrical impact of all the non-human elements such as music, lighting and other effects which are the usual fare of the theater technique used by Els Joglars.
This main focus of the research is complemented by a chapter in which, departing from all that has been written and said about the company, an overview is offered of the significance that both audience and critics have contributed in their general response to specific aspects covered in this thesis.
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Guyomarch, Le Roux Sandrine. "Théâtre et histoire : le "teatro del 68" au Mexique et le travail de mémoire." Perpignan, 2007. http://www.theses.fr/2007PERP0783.
Full textAbstract:
Le Mexique a été, en 1968, la scène d’un conflit étudiant d’une violence insolite, qui s’est terminé dans un bain de sang, appelé « massacre de Tlatelolco. » Face à la censure officielle, des intellectuels et artistes mexicains ont assuré la transmission de la mémoire de ces événements. A l’heure où cette histoire alternative demande à être officiellement reconnue, la contribution des dramaturges mexicains à ce travail de mémoire continue, quant à elle, à être ignorée. Le recensement effectué, dans le cadre de ce travail, entre 1968 et 2003, permet pourtant d’établir que la production dramaturgique sur le mouvement étudiant mexicain de 1968 est très vaste. Montées principalement, dans les milieux étudiant et indépendant, ces pièces sont, en outre, une manifestation vivante du travail de mémoire sur 68. L’analyse de l’articulation entre histoire et théâtre met en évidence l’existence de cinq catégories distinctes, au sein de pièces que le dramaturge Felipe Galván a rassemblées sous l’étiquette Teatro del 68. La nature protéiforme de ce phénomène appelle d’autres commentaires, concernant sa cohérence, sa définition générique, et la légitimité de la dénomination « Teatro del 68 ». Une analyse plus précise de trois pièces montre, enfin, que les ressources propres au théâtre pour s’emparer d’un référent historique problématique, lui permet de jouer un rôle essentiel dans la problématique mémorielle actuelle sur 68. Ce travail espère, ainsi, contribuer à faire connaître un phénomène qui demeure absent du panorama du théâtre mexicain contemporainMexico was, in 1968, the scene of a surprisingly violent student conflict, which finished in a repression called “Tlatelolco massacre. ” Some intelectuals and artists tried to transmit the memory of these events, silent by official story. Today, even if this “other” story pretends to get a place in official one, the mexican players’ tribute to this memory remains unknow. Whereas the proportions of the dramatic production on the 1968’s mexican student strike, between 1968 and 2003, is worth to being considered, and its manifestations obviously demonstrate its own way of enriching the work of memory on the events of 68, this production remains completely absent in mexican theatre’s today’s story. The analisis shows that five different articulations between story and theatre are posible in this production called Teatro del 68, by the player Felipe Galván. These different ways of focusing the facts make the question of its definition problematic. A focus on three of the plays enhances the proper hability of theatre to catch a problematic referent, and to enable the memory process to be activated. The purpose of this work is, thus, to make it known and permit its evaluation
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Ballespí, i. Villagrasa Mercè. "De la bellesa a la convulsió escènica: Marta Carrasco, Sol Picó i Angélica Liddell. Vint anys creant." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/283356.
Full textAbstract:
L' objectiu principal de la tesi és, d'una banda, donar visibilitat a tres creadores escèniques que pertanyen a una mateixa generació, totes elles nascudes en els Països Catalans: Marta Carrasco (Barcelona, 1963), Sol Picó (Alcoi, 1967) i Angélica Liddell (Figueres, 1966) que fa vint anys que treballen en els límits del teatre, la dansa i la performance amb una notable projecció nacional i internacional. I d'altra banda, proporcionar un anàlisi crític i comparatiu dels processos de creació i espectacles amb perspectiva de gènere per extreure trets identificatius sobre la dona representada a l' escena contemporània.
En primer lloc partim del context post olímpic de Barcelona 1992 i amb la manca de referents de creació femenina del nostre entorn en comparació a la visió internacional del teatre postdramàtic. Seguidament ens centrem en l' estudi dels espectacles de dansa i teatre de les tres intèrprets-directores-dramaturgues al llarg de la seva trajectòria artística. També ens nodrim de la visió multidisciplinar amb altres artistes com són Esther Ferrer, Fina Miralles, Olga Mesa, La Ribot, Olga Diego, Sarah Kane, Cindy Sherman i Marina Abramovic, Des de la perspectiva d'un estudi de gènere s'han trobat complicitats, similituds i divergències de les tres creadores que determinen quines tipologies de personatges resulten en els muntatges escènics i com es realitzen gràcies al que anomenem taló-punta-sang.
Així, observem que la metàfora de taló-punta-sang esdevé una l'estitització del dolor a escena perquè totes tres parteixen d'una cultura fal·locèntrica comuna que superen amb eines creatives plurals (allò grotesc, l' estereotip, la deformitat, la monstruositat, la violència, la versemblança, la intimitat, l' autolesió física). L'anàlisi de la simbologia i iconografia de les creadores al llarg de la seva evolució professional ens demostra una mateixa convulsió escènica quan es trenquen els cànons patriarcals heretats.
Establim la feminitat entesa com una màscara que es construeix per mitjà de la mirada i es mostra en l'autoretrat escènic, discursiu i fotogràfic. La recerca de la bellesa artística mostra feminitats diverses que aglutinen una realitat en procés de transformació constant.
Finalment una mirada de contrast amb els discurs feminista, amb una visió multidisciplinar de les arts, amb analogies amb altres creadores catalanes i internacionals ens fa asseverar que - tot i compartir-hi trets distintius- Carrasco, Picó i Liddell creen una identificació no feminista.The aim of this thesis is twofold. First, to provide visibility to three artistic directors born in the Catalan Countries; Marta Carrasco (Barcelona, 1963), Sol Picó (Alcoi, 1967) and Angélica Liddell (Figueres, 1966) whose contribution to the theatre, dance and performance arts for the last twenty years has been substantial, and has been recognized both on the national and international level. Second, to carry out a critical and comparative analysis between their creation process and performances with the gender approach in order to find specific traits related to the women portrayed on the contemporary stage. On the one hand, the first chapter presents Barcelona in the post-1992 Olympics context, with its absence of female creator figures, which contrasts strongly with the situation found in the international post-dramatic theatre at that time. On the other hand, the objective of this research is to study the theatre and dance performances of the three aforementioned female performers-directors-playwrights throughout their artistic career. The analysis in enriched with multidisciplinary references to other artists, such as Esther Ferrer, Fina Miralles, Olga Mesa, La Ribot, Olga Diego, Sarah Kane, Cindy Sherman and Marina Abramovic. The gender viewpoint adopted in this study allows us to discover complicities, similarities and divergences between Carrasco's, Picó's and Liddell's work. An important conclusion at which one arrives is that the type of characters and staging observed in those artists’ performances may be described by the metaphor “heel-en pointe-blood”. This expression refers to a way of processing pain on stage. The three artists we are concerned with come from a phallocentric culture they try to overcome by the means of different creative tools (grotesque, stereotype, deformity, monstrosity, violence, authenticity, privacy, self-harm). A thorough study of symbolism and iconography found in Carrasco's, Picó's and Liddell's work lets us notice moments of onstage convulsion when they abolish inherited patriarchal dogmas. This research regards femininity as a mask constructed through sight, manifesting itself in the onstage self-portrait, both discursive and visual. A continuous search for artistic beauty reveals diverse femininities that bring together the ever-changing reality. The closing chapters comprise the results of a contrastive analysis between those artists’ multidisciplinary work and the feminist discourse, along with comparisons to other female national and international artists. The conclusion is that, in spite of sharing certain attitudes and opinions with feminists, Carrasco, Picó and Liddell create a non-feminist identity.
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Susmanscky, Bacal Silvia. "Tadeusz Kantor: La construcción del espacio escénico." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/285731.
Full textAbstract:
Si bien nuestra primera intención fue dedicar el presente estudio a los maniquíes de Tadeusz Kantor, durante la etapa de investigación el foco centrado en ese particular objeto -que el artista consideraba marginal- se fue ampliando en la medida en que, al inscribirlo en una perspectiva teórica como al resto de los elementos escénicos, los cuerpos artificiales aparecieron como otro signo, si bien peculiar, de un lenguaje escénico que vertebraba a todos los demás.
¿Por qué el artista había elaborado una propuesta espectacular centrada en la visualidad, en los objetos, en el cuerpo del actor -no en el actor- o sus repeticiones artificiales? El marco de la revolución teatral de principios del siglo XX y las décadas siguientes lo explican en parte. Sin embargo, el recurso constante de Kantor a la reflexión teórica durante la creación de sus espectáculos y su práctica paralela de la pintura -que plantea sus propios cuestionamientos- nos permitieron acceder a un terreno más vasto e inexplorado que el de las concomitancias con las vanguardias artísticas pasadas y actuales. En dichos escritos Kantor libra una batalla permanente contra la representación en el campo del arte, prolongando batallas anteriores, pero planteando sus estrategias ocupando, paradójicamente, el terreno de lo supuestamente representable: la realidad y el objeto real.
A esta pregunta siguió otra, inherente a ella: ¿cómo se hizo realidad en la escena una realidad vital que se negaba a representar? Ambas apuntan a dos de las direcciones en que se mira el teatro de Kantor: en primer lugar, al teatro mismo y luego, a los demás discursos que lo atraviesan -plásticos, literarios, estéticos, históricos, éticos y religiosos- sumados a la memoria personal, presente en sus últimas puestas en escena, y el paulatino giro autobiográfico que estas van adoptando. De aquí que hayamos acudido a dichas disciplinas en la elaboración de algunas respuestas.
En consecuencia, se ha dedicado un espacio considerablemente mayor a la segunda pregunta, el “cómo”, en tanto la pregunta sobre el “por qué” inicial alude a los fundamentos de su opción artística, pero del “cómo” deriva la hipótesis de partida: establecer un marco de comprensión en el cual la construcción del espacio escénico, colonizado por la realidad vital a través de los objetos, sea capaz de dar cuenta de la complejidad y la interdisciplinariedad de la creación de Tadeusz Kantor y los dispositivos de que se sirvió para desterrar la representación de la escena y sostener la autonomía de la obra de arte.
Acorde con las dos preguntas acerca de la escena de Kantor, el estudio fue dividido en dos partes. En la primera se intenta responder a la pregunta de “por qué”, incidiendo en el marco conceptual de las rupturas de la escena kantoriana respecto de lo que se entendía por “teatro”, para lo cual se han abordando las nociones de representación versus repetición y de la ilusión teatral. Estas cuestiones hacían necesario especificar a qué clase de realidad pertenecían sus creaciones teatrales, que cumpliera la premisa de no ser representable, que nos ha remitido a los textos de Bruno Schulz, en los cuales se apoya su propia concepción. Está dividida en tres capítulos. El primero gira en torno al eje dicotómico realidad/ representación el cual, según la nomenclatura de Michel Foucault, enfrenta el “orden del espejo” al “orden de la repetición”. Dichos conceptos apuntalan la comprensión de la escena de Kantor en la segunda parte. El artista opondrá la repetición a la mimesis como estrategia para tergiversar las categorías representativas, en especial los aspectos temporales, al enfrentar el tiempo circular de la primera al tiempo cronológico de la segunda. El espectáculo paradigmático de esta estrategia será Wielopole, Wielopole (1985), que desde el título constituye la puesta en escena de la repetición, que sustraía a la creación de la categoría de lo ilusorio y la integraba en una realidad otra, la del campo artístico, en el cual se inscribe la obra total de Kantor.The present dissertation is about the scenic construction of the polish artist Tadeusz Kantor, one of the revolutionaries in the theater of the second half of XXth. Century. His theater is very visual and he developes it in paralel with painting, so we begin on the research from a multidiscilinary point of view. Besides, Kantor’s interests includes other areas of the creation and knowledge, too. Our framework of departure were the semiothics in the theatre in order to read the kantorian scene as a construction bringing the simultaneous destruction of the tradicional drama as the main objective. The theoretical writings by Kantor and others philosophical, criticism, literary, poetic ideas held our writing in order to stablish in which way Kantor had built a non mimethic reality on the stage. Alter this we went on with the analysis of each one of the theatrical signs and we followed them through the metamorphosis of one spectacle to another. At the same time we compared them with the artist’s writings and their influencies in the field of the Polish and European culture. In that comparative course we tried to underline all the time which had been the conceptuals ways and performance strategies always hetherodox in order to dammage the reputation of each one of the mimethic theater supposits and to built his own scene.
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Borseman, Petronella. "Estetisk orientering : En fenomenologisk-hermeneutisk studie om gymnasieelevers upplevelser av en kurs innehållande dans, bild, musik och teater." Thesis, Stockholms universitet, Institutionen för pedagogik och didaktik, 2013. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-115350.
Full textAbstract:
Detta är en kvalitativ uppsats som baseras på intervjuer med elever som går årskurs två på estetiska programmet och läser den obligatoriska kursen Estetisk orientering. I inledningsavsnittet ges en bild av de estetiska ämnenas funktion och plats i skolan, hur det ses på praktiskt kontra teoretiskt kunnande, att lära med olika sinnen samt de estetiska ämnenas minskade utrymme i skolan. Studiens övergripande syfte är att beskriva gymnasieelevers upplevelse av en integrerad undervisning i estetiska ämnen i skolan. Forskningsfrågorna ringar in hur eleverna resonerar kring sin individuella självbild utifrån undervisning där dans, teater, bild och musik ingår. Elevintervjuerna belyser även gruppens betydelse för formandet av den enskilda elevens självbild samt hur eleven talar om kroppen i relation till rörelsemomenten i estetämnesundervisningen. Studien utgår ifrån ett fenomenologiskt - hermeneutiskt perspektiv och intervjuerna har analyserats med hjälp av Amedeo Giorgis fenomenologiska analysmetod. Analysen av intervjuerna visar hur eleverna upplever sina nyvunna erfarenheter av de olika estetämnena och hur dessa ökat deras förståelse för sig själva och andra. Eleverna beskriver upplevelser av den integrerade estetämnesundervisningen genom att resonera kring EOS kursens påverkan på dem som individer. Eleverna talar om kreativitet, att utforska, spränga gränser, styrkor och svagheter, tillit, mod, begränsningar och oro samt kroppen som uttrycksmedel och kunskapsinhämtare. Lustaspekten lyfts fram och viljan hos eleverna att lära nytt. Eleverna har hittat varierade metoder för att uttrycka sina tankar, känslor och idéer genom EOS kursen. Studien visar på de estetiska ämnenas viktiga funktion i skolan. Detta påvisas genom att lyfta fram både aktuell forskning som stöder estetiska ämnens funktion i skolan samt elevernas positiva upplevelser kring den ämnesintegrerade estetundervisningen.This is a qualitative essay which is based upon interviews with second-year, upper-secondary students taking an Esthetic Program and studying the core subject Esthetic Orientation (EOS). In the introduction, the purpose and role of the esthetic subjects in the school are illustrated, e.g. practical knowledge versus theoretical knowledge, sensory learning as well as a decreased focus on the esthetic subjects’ within schools are discussed. The purpose of the study is to describe upper-secondary students’ experiences of integrated teaching of esthetic subjects in school. The research questions focus on how students reason about their self-image following lessons that incorporate dance, drama, art and music. The student interviews highlight the importance of the group in the formation of an individual student’s self-image as well as depict how students describe their bodies in relation to the physical elements in the teaching of an esthetic subject. The study uses a phenomenological hermeneutic approach and the interviews are analyzed using Amedeo Giorgi’s phenomenological analysis method. The analysis of the interviews shows how the students experience their newly discovered knowledge of the different esthetic subjects and how this has increased their understanding of themselves and others. The students describe their experience of integrated esthetic teaching by discussing the possible influence the EOS course has had on them as individuals. The students speak about creativity, discovery, breaking new ground, strengths, weaknesses, trust, courage, limitations and fears as well as the body as a form of expression and a gleaner of knowledge. The students’ desire to learn as well as will to learn is also highlighted. The students found varying methods to express their thoughts, feelings and ideas through the EOS course. The study demonstrates the important role esthetic subjects have in schools, which is proven by both examining current research that supports the esthetic subjects’ role in schools as well as by describing students’ positive experiences of subject-integrated esthetic teaching.
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Romero, Rey Sandro. "Género y destino. La tragedia griega en Colombia." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/285678.
Full textAbstract:
En Colombia, un país entre dos océanos en el norte de la América del Sur, ha habido diversas manifestaciones del arte y la cultura en las que la presencia de la tragedia griega sigue siendo un recurso pertinente para hablar de las heridas de su realidad. Género y destino: la tragedia griega en Colombia es una reflexión enmarcada en sesenta años (entre 1954 y 2014) en los que las obras de Esquilo, Sófocles y Eurípides han estado presentes en sus escenarios, en sus letras o en sus nuevas tendencias audiovisuales. Por un lado, se estudian aquí los tres ejes a partir de los cuales el concepto de lo trágico hace presencia en sus distintas disciplinas artísticas. A saber: la tragedia, desde la perspectiva de la soledad del ser humano. Por otro lado, la tragedia de una sociedad inmersa en una espiral de violencia que no cesa. Y, en tercer lugar, la tragedia como género teatral. Estas tres líneas indican, a su vez, tres modelos de representación en los distintos escenarios colombianos: las puestas en escena ilustrativas (donde se prioriza el texto), las puestas en escena complementarias (donde se pretende crear una ilusión de realidad, conservando el texto pero interrogándolo a través del montaje) y las puestas en escena que prescinden de los versos antiguos, utilizando la tragedia griega como un detonante para enfrentarse a nuevas formas y a nuevas preguntas. Siguiendo las rutas señaladas, el presente estudio emprende un viaje que se remonta a los primeros montajes radiales inspirados en la tragedia griega, hasta llegar a los desafíos posdramáticos de la segunda década del nuevo milenio. Al mismo tiempo, a través de casi cien experiencias artísticas, se vuelve inevitable encontrar el reflejo de un país cercenado por el conflicto armado, donde la realidad y la ficción parecen establecer un tejido en el que se borran los límites entre una y otra. La tragedia griega se convierte en una manera de metaforizar el horror y de dignificar, de alguna manera, el sinsentido de una sociedad que se resiste a salir de su progresivo desconcierto.
“Género”, “Destino”, “Tragedia griega” y “Colombia” son los cuatro ejes que guían la reflexión específica sobre el dolor y su traducción en términos artísticos. En un momento en el que las fronteras del arte tienden a confundirse, el presente estudio persigue las distintas maneras de cómo los versos de la antigüedad sirven para fustigar a una sociedad, en apariencia, lejana a sus modelos de representación. El espacio de la tragedia griega sigue expandiéndose y no sólo se circunscribe al mundo de “las tablas”. Por esta razón, el cine, la narrativa, la poesía o las artes visuales se han apropiado de ciertos mitos específicos de la antigüedad para encontrar puentes de comparación con el mundo contemporáneo. Sendos ejemplos del arte colombiano de finales del siglo XX y comienzos del XXI servirán para mostrar ese diálogo entre el mundo antiguo y el presente.
Pero es al teatro donde, en última instancia, se regresa en las líneas que siguen. Género y destino: la tragedia griega en Colombia navega por las aguas de la historia de las artes escénicas de un país, a través de los grupos de mayor tradición (TEC, La Candelaria, Teatro Libre de Bogotá), pasando por sus mejores vanguardias (Mapa Teatro), reconociendo los puentes internacionales que se cuelan en sus distintas puestas en escena (Polonia, Italia, Grecia, España, Suiza, Guatemala), hasta llegar a las formas más recientes de representación y, de manera inevitable, a los centros de educación artística en donde se han gestado entusiastas proyectos de reconstrucción del espíritu trágico. De otro lado, será en tres grandes ciudades (Bogotá, Medellín, Cali) donde se refleje, de manera más clara, la necesidad de poner en escena distintos modelos teatrales en los que los acertijos de la Grecia antigua se convierten en talismanes reveladores para darle una nueva universalidad a las manifestaciones artísticas del país. Aunque se ha seguido la pista de la tragedia griega por distintos caminos entre selvas, ríos, playas o montañas, es en esta tríada de centros urbanos donde la presencia de los espectros de Esquilo, Sófocles o Eurípides ha sido más clara y, de alguna manera, más renovadora.
En el análisis del recorrido de la tragedia griega en Colombia se verán los modos en que las distintas propuestas teatrales y artísticas han encarado el conflicto de un país mediante las fábulas atroces narradas por los poetas de la antigüedad. En el presente estudio no sólo se viaja hacia atrás en los siglos, sino que se establecen dos necesidades: por un lado, el análisis de un género desde la perspectiva de sus distintas puestas en escena. Y, por el otro, la manera como se manifiestan los distintos signos de la violencia en una sociedad inmersa en un conflicto que pareciera no llegar nunca a un puerto de reconciliación. El teatro en América Latina, al interior de sus mejores vanguardias, ha estado comprometido de manera estrecha con las grandes luchas sociales de sus respectivos países.
Colombia, en particular, ha vivido múltiples violencias y, desde los años cincuenta, ha atravesado el conflicto entre liberales y conservadores, ha pasado a las luchas de las guerrillas de izquierda con el orden establecido, ha narcotizado sus batallas por culpa de la ilegalidad de un negocio que triunfa gracias a su prohibición y, hoy por hoy, todas las sangres parecieran juntarse hasta hacer desaparecer los principios y los fines. En medio de esta borrasca, la tragedia griega se ha reescrito sobre los espacios de representación colombianos, como una de las múltiples maneras de desenredar el hilo de una fortuna que parece estar confundida con el desastre.
Género y destino: la tragedia griega en Colombia es un viaje a través de distintos escenarios de representación y es, al mismo tiempo, una reflexión acerca de una sociedad que pareciera acostumbrarse a convivir con la fatalidad.Genre and Destiny: Greek Tragedy in Colombia is a reflection framed by a period of sixty years (1954-2014) during which time the works of Aeschylus, Sophocles and Euripides have been present on the country's stages, in its literature, and in its emerging audiovisual trends. We'll study the three axes around which the concept of tragedy in its various artistic disciplines makes its presence felt. First, tragedy from the perspective of human loneliness; second, the tragedy of a society caught in a spiral of endless violence; and, third, tragedy as a theatrical genre. These three lines point, in turn, to three models of representation in various Colombian scenarios: illustrative stagings (where text is prioritized), complementary stagings (aimed at creating the illusion of reality, preserving the text, but questioning it through the staging) and stagings which ignore the ancient verses and use Greek tragedy to trigger new forms and new questions. Based on the above, this study travels back in time to the first radio broadcasts inspired by Greek tragedy and on to the post-dramatic challenges of the new millennium’s second decade. At the same time, by taking a close look at nearly one hundred artistic experiences, we analyze a country at war, where reality and fiction seem so closely interwoven that the boundaries between them are indistinguishable. Greek tragedy becomes a metaphor for the horror and a means of somehow dignifying the absurdity of a society that refuses to rise above a progressive state of confusion. "Genre", "Destiny”, "Greek Tragedy" and "Colombia" are the four axes guiding this very specific reflection on pain and the way it is translated through artistic expression. In a time when the boundaries of art seem to have blurred, this study investigates the different ways in which the ancient verses are used to criticize a society that seems to have distanced itself from its models of representation. The space occupied by Greek tragedy continues to grow and is not limited to the stage. Because of this, film, narratives, poetry, and the visual arts have appropriated certain specific ancient myths that make it possible to bridge the gap with the contemporary world. There are many examples of late twentieth-century and early twenty-first century Colombian art that testify to this dialogue between the old and present-day worlds. But this study, ultimately, returns to the theater. Genre and Destiny: Greek Tragedy in Colombia explores the history of the nation's performing arts through some of its most traditional groups (the TEC, La Candelaria, Bogota's Teatro Libre) and best vanguard ensembles (Mapa Teatro), and by recognizing the international influences present in its different stagings (Poland, Italy, Greece, Spain, Switzerland, Guatemala), arriving finally at its most recent forms of representation and, inevitably, the arts education centers where enthusiastic projects are underway to redefine, once again, the tragic spirit. Genre and Destiny: Greek Tragedy in Colombia is both a journey through the country's different stages of representation and a reflection on a society that seems accustomed to living with fatality. It is a study of violence in a society centered on an analysis of its art forms, using the Greek tragedy as an aesthetic trigger.
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Eriksson, Kalle. "Faller du så tar vi emot dig : trygghet, tillit och kommunikation i gruppundervisning med fokus på kroppen som verktyg." Thesis, Kungl. Musikhögskolan, Institutionen för musik, pedagogik och samhälle, 2012. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kmh:diva-1314.
Full text
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Lhâa, Alexandre. "Un exotisme à l’italienne. Représentations, usages politiques et réceptions de l’altérité non-européenne sur la scène de la Scala (1778-1946)." Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3008.
Full textAbstract:
Cette thèse s'attache à analyser les ballets et les opéras exotiques représentés sur la scène du Teatro alla Scala, de la création du théâtre, en 1778, à sa réouverture, en 1946, période au cours de laquelle plus de trois cents œuvres mettant en scène l'ailleurs non européen et ses habitants furent données à voir au public du plus prestigieux théâtre lyrique milanais. L'approche des représentations de l'autre non européen, retenue ici, accorde une très large place aux livrets, en même temps qu'elle s'articule à la réception des œuvres dans la presse, afin de pouvoir saisir un sens public de ces représentations. Après avoir, dans un premier temps, dressé un panorama des lieux et des thèmes exotiques mis en scène, où dominent un Orient tout à la fois polymorphe et placé sous le signe de la répétition, ainsi que les mises en scène de la découverte et de la conquête du continent américain, cette recherche aborde la question de la création, librettistique et scénique, d'une altérité non européenne, qui apparaît désirée autant qu'elle est moquée et critiquée. Enfin, dans un troisième temps, cette étude tente de mettre au jour les usages politiques des œuvres exotiques, que celles-ci soient utilisées pour contester le pouvoir en place ou qu'au contraire ce dernier fasse d'elles des véhicules idéologiquesThis thesis analyses the exotic operas and ballets staged at the Teatro alla Scala from its inauguration in 1778 to its reopening in 1946 – a period during which the audiences of Milan's most prestigious opera house were offered more than three hundred productions representing non-European countries and their inhabitants. My approach integrates close readings of the librettos with a focus on the reception of these works in the press, in order to understand how these representations made sense to the public. The first part presents an overview of the exotic places and themes that were staged. A polymorphous but repetitive Orient and the discovery and conquest of the New World predominate. The second part focuses on the librettos and staging in order to address the construction of a non-European alterity that is desired as much as it is denigrated. Finally, the third part brings to light the political usages of these exotic works, asking whether they served to avoid censorship and contest the authorities or, on the contrary, functioned as vehicles for the ideology of the regimes of their time
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Salvador, Gracia Jordi. "Diccionari d'escenografia i escenotècnia." Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2014. http://hdl.handle.net/10803/290994.
Full textAbstract:
El Diccionari d’Escenografia i Escenotècnia, és el primer estudi en llengua catalana que recull
la terminologia referent al món del teatre en aquests àmbits. Els termes estan directament
relacionats amb tots dos àmbits: escenografia i escenotècnia, i amb l’ús que els seus
professionals i afeccionats fan del lèxic teatral més general.
El treball és una obra terminològica multilingüe amb 2.573 entrades amb les seves
equivalències en castellà, francès, italià, anglès i alemany. En 385 d’elles hi ha notes
tècniques que amplien la informació útil de l’entrada. Un total de 16.377 termes en els sis
idiomes. Incorpora 1.037 il·lustracions i imatges que complementen els termes.
Incorpora un annex de 20 termes en català que fa referència a escenografia i maquinària
escènica que han estat usats, i sovint encara són usats, als tallers d’escenografia i escenaris.
La majoria d’ells han estat recollits per l’autor a través de la tradició oral i molts d’ells mai no
havien aparegut en cap glossari o llibre imprès.
Aquesta tesi té com a destinatari principal el jurat que l’ha de valorar. Però també aquelles
persones, professionals i aficionats del món de l’espectacle, en contacte directe amb
l’escenari, escenografia, maquinària, luminotècnia, attrezzo, àudio, caracterització,
sastreria, perruqueria, regidoria, producció, direcció tècnica, direcció escènica i artistes en
general de les arts de l’espectacle. La utilitat d’un treball d’aquesta mena es farà evident
durant les gires d’espectacles per l’estranger, o com a eina bibliogràfica.Dictionary of Scenography and Stagecraft is the first study that collects in Catalan terminology referring to the theatre in these areas. The terms are directly related to two areas: scenography and Stagecraft and use of the most common lexicon of their professionals and amateurs. The thesis is a multilingual terminological work with 2,573 entries with their Spanish, French, Italian, English and German equivalents. In 385 of them there are technical notes that extend the useful information from the input. A total of 16,377 words in six languages. Includes 1,037 illustrations and pictures that complement terms. Includes an appendix of 20 Catalan terms related to scenography and stage machinery which have been used, and still currently used, in scenery workshops and stage. Most of them have been collected by the author through the oral tradition and many of them have never appeared in any printed book or glossary. This thesis has as main target the jury that will evaluate it. Also to those people, professionals and amateurs from the world of show biz, come into contact whit the stage, scenography, machinery, lighting, props, sound, characterization, costume, stage management, production, technical direction, stage direction and performing arts artists in general. The usefulness of this kind of essay will become evident during the tours performances abroad, or as a bibliographic tool.
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Stranger, Inés. "La réinvention de la forme scénique dans le théâtre chilien durant la « transition politique »." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA068/document.
Full textAbstract:
Les réflexions proposées dans cette thèse proviennent d’un dialogue entre les études théâtrales, l’histoire culturelle et des études relatives à l’imaginaire. La question principale qui se trouve abordée est la relation entre le théâtre et la période de la transition politique chilienne. Durant le premier gouvernement de la post-dictature (1990-1994), le théâtre chilien a connu un renouveau créatif sans précédent. Bon nombre de pièces de théâtre étaient représentées partout, et non pas seulement dans les salles de spectacles. Le théâtre avait une grande importance sociale et bénéficiait d’un large public ainsi que d’une importante couverture de presse. Il était un élément clé dans l’articulation de la société chilienne. Toutefois, les thèmes abordés étaient bien éloignés de la transition politique que connaissait alors le Chili. Il y avait un grand décalage entre ce dont parlait le théâtre et l’importance du processus politico-social vécu à l’époque, processus qui semblait être pourtant articulé dramatiquement. Le président Alywin et Pinochet étaient les protagonistes d’un drame qui engageait la société chilienne tout entière. Chaque action menée par le Président Alywin entraînait des actions de la part de Pinochet qui menaçaient le processus de transition. Si, par nature, un conflit dramatique cherche à se résoudre, dans le Chili des années 90 tous les personnages secondaires - les ministres, les députés, les assesseurs - devaient cependant éviter que le conflit dramatique n’explose. Sans résolution, le récit de la transition n’arrivait pas à se formuler. L’analyse approfondie de quatre spectacles emblématiques réalisés durant cette période - la recherche des sources dramaturgiques, la reconstruction du processus de création et une description détaillée du spectacle, analogue à ce que Geertz appelle une « description dense », permet de comprendre comment le théâtre chilien s’est installé dans le présent, dans un processus de construction de présence scénique, qui était aussi l’affirmation du droit d’être. Le théâtre chilien de la transition a inventé des formes collaboratives de création, il a construit des récits spectaculaires et, de manière inespérée, a réinventé la mise en scène. Le renouveau du théâtre chilien des années 90 s’explique ainsi dans sa relation avec la transition politiqueThe ideas proposed in this thesis emerge from a dialogue threading theater studies, cultural history and research on the imagination. The main question addressed is the relationship between theater and the period of the political transition from dictatorship to democracy in Chile.During the first elected government post-dictatorship (1990-1994) Chilean theater experienced an unprecedented creative renewal. Numerous plays were presented in all kinds of locations, not just in theaters. It gained great social importance and enjoyed broad public support as well as mass press coverage, becoming a key element in the articulation of Chilean society.However, the themes explored had nothing to do with the political transition. There was a wide gap between what the theater was talking about and the importance of the political and social processes in development at the time. In fact it was the political process itself that seemed articulated dramatically. President Alywin and Pinochet were the protagonists of a drama that put Chilean society as a whole in danger. Every action taken by President Alywin entailed a reaction by Pinochet that threatened the process of transition.By nature a dramatic conflict needs to be resolved, however, during the '90s in Chile all the secondary characters - Ministers, Members of Parliament and Advisors – centered their mission on ensuring that the it did not explode. Due to the lack of a resolution, the narrative of the transition could not be formulated.An in-depth analysis of four iconic performances during this period through dramaturgical research sources, the reconstruction of the creative process and a detailed description of the shows similar to what Geertz called "thick description, elucidates how Chilean theater embedded itself in the present during the process of constructing a scenic presence, which also served as an affirmation of its right to be.The Chilean theater of the transition period invented collaborative forms of creation, built spectacular stories and, unexpectedly, reinvented the art of staging. The revival of Chilean theater in the 90s is thus explained by its relationship with the political transition
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Peña, Javier (Peña López). "Analysis of the services as a performance factor in high-level volleyball and beach volleyball." Doctoral thesis, Universitat de Vic, 2013. http://hdl.handle.net/10803/128269.
Full textAbstract:
L’objectiu final d’aquesta Tesi és identificar aspectes crítics de la utilització del servei en el voleibol i voleibol de platja d’alt nivell. Per aconseguir-ho quatre estudis, emmarcats dintre de l’anàlisi del rendiment esportiu, es van dur a terme. Els resultats de les nostres investigacions mostren que el servei és una habilitat tècnica important en les disciplines del voleibol però no pot explicar per si mateixa el resultat d’un partit. No obstant això, sembla un element clau en la prevenció d’atacs contraris eficaços i el seu resultat està clarament influenciat per les habilitats executades en salt. Una execució reeixida del servei és una qüestió complexa, i té una component física, tècnica, estratègica i tàctica. Una correcta utilització d’aquesta habilitat tècnica és fonamental per desequilibrar el resultat d’un partit. Ara bé, altres aspectes han estat identificats també com a rellevants per tenir èxit en un partit de voleibol o voleibol de platjaThe ultimate goal of this Dissertation was to identify critical aspects of the use of service in high-level volleyball and beach volleyball. To address this purpose four studies on different aspects of service performance, framed into the field of performance analysis, were conducted. The results of our investigation show that service is a very important skill in volleyball disciplines but it cannot explain by itself the result of a match. Nevertheless, it seems a key element in preventing an effective attack. Service behavior and its ability to impair the opponent’s game is clearly influenced by jump abilities. The successful execution of the service is a complex issue, and has a physical, technical, strategic and tactical component. Proper use of this technical skill is capital in making the result of a match uneven. However, some other aspects have been identified as relevant to success in a volleyball or beach volleyball match.
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González, García María. "El cine y la literatura en el desarrollo y logro de las competencias básicas. Análisis e interpretación de una investigación intertextual en Educación Primaria y Secundaria." Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2013. http://hdl.handle.net/10803/128570.
Full textAbstract:
Esta Tesis Doctoral presenta la investigación innovadora en las etapas de Educación Primaria y Secundaria desde el área de Didáctica de la Lengua y la Literatura con el propósito de experimentar, analizar e interpretar el desarrollo y logro curricular de las competencias básicas con el acoplamiento lógico de una metodología intertextual que, a través de la interacción de cine y literatura, es procuradora de un aprendizaje integrado de diversos saberes y lenguajes. Con el fin de generar transferencia de conocimiento adecuado al contexto vital de los aprendices, en el objetivo general de esta investigación consta que el desarrollo de las competencias básicas concierne a segundo ciclo de Educación Primaria y a primer ciclo Educación Secundaria Obligatoria y que el refuerzo y profundización de las mismas se atribuye a los estudios post-obligatorios de Bachillerato. Los objetivos específicos abordados habilitan su consecución: primero, aprovechar las cualidades humanísticas e imaginativas del cine y la literatura para motivar al alumnado hacia la resolución responsable de tareas y proyectos en contextos de resolución de problemas y de difusión social de obras propias a partir de la acción primordial de la competencia en comunicación lingüística; segundo, avanzar hacia la innovación interdisciplinar e intertextual en el área de Lengua castellana y Literatura con la integración curricular de las competencias básicas y sus correspondientes capacidades interpersonales, instrumentales y sistémicas-holísticas, lo cual contribuye a superar los problemas derivados de los separatismos disciplinares de la enseñanza academicista tradicional; tercero, elaborar instrumentos para el análisis interpretativo de la conexión curricular, de las competencias implicadas en las tareas, del nivel de desarrollo de las referidas competencias en función de las tareas y de la autoevaluación del alumnado al respecto a fin de promover un tipo de diagnóstico interno y no censal en el desarrollo y logro de estas incardinado a la valoración del tipo de tareas y de proyectos; cuarto, revitalizar la sabiduría arquetípica de los cuentos de tradición oral poniéndola en conexión con los argumentos e ideas presentes en el cine actual dirigido al espectador infantil y juvenil para estimular en los aprendices la competencia narrativa (capacidad de fabulación) con expectativas significativas e interculturales. Desde una metodología cualitativa-interpretativa ligada al proceso cíclico de la investigación-acción, se ha desplegado la investigación en las diversas etapas educativas implicadas partiendo de una situación social problemática para la práctica, a la que han sido aplicadas estrategias de acción con hipótesis resolutorias a través de procedimientos didácticos en el aula organizados en torno a tareas complejas y a proyectos interdisciplinares donde han interactuado cine y literatura en la promoción educativa de las competencias básicas con aprendizajes autónomos y contextualizados, cuyo proceso y resultados han sido evaluados hasta formular un nuevo diagnóstico de la situación problemática desde la reflexión analítica e interpretativa de los mismos. Los resultados de la investigación muestran que, gracias a las buenas prácticas que ha reportado tal modelo didáctico intertextual entre cine y literatura en la dinamización interdependiente de todas las competencias básicas y desde todos los niveles cognitivos recomendados –en especial, los de índole creativa, crítica y estratégica-, en segundo ciclo de Educación Primaria se ha iniciado el desarrollo de las competencias básicas, en primer ciclo de Educación Secundaria Obligatoria se ha madurado su desarrollo y en primer curso de Bachillerato se ha reforzado su logro. Ello también ha sido posible por la coherencia epistémica existente entre la metodología de la intertextualidad y la de las competencias básicas y por la importancia transversal de la competencia en comunicación lingüística en la dinamización óptima del conjunto de las competencias básicas al procurar transferencia social a los aprendizajes significativos para la vida.This doctoral thesis presents innovative research for Primary and Secondary Education in the area of Didactics of Language and Literature with the purpose of experimenting, analyzing and interpreting the curricular development and attainment of key competences with a logical inclusion of an intertextual methodology that, through the interaction of films and literature, provides an integrated learning of various branches of knowledge and languages. In order to generate adequate knowledge transfer to learners vital context, the general objective of this research stems from the idea that the development of key competences concerns the second cycle of Primary Education and first of Secondary Education and that the reinforcement and deepening of them is attributed to Post-compulsory Education. The specific objectives addressed in this thesis enable their achievement: firstly, to exploit human and imaginative qualities of cinema and literature to motivate students toward responsible solution of tasks and projects in the context of problem solving and social diffusion of own works from the primary action of linguistic communication competence; secondly, to advance in interdisciplinary and intertextual innovation in the area of Spanish Language and Literature with the curricular integration of key competences and their corresponding interpersonal, instrumental and systemic-holistic skills, which contributes to overcome the problems of subjects division in more traditional academic education circles; thirdly, to develop tools for the interpretive analysis of curricular connection, skills involved in the task, the level of development of the competences involved in the tasks and self-assessment of students in order to promote a type of internal diagnosis and not a census one in the development and achievement of these competences incardinated to the value of the type of tasks and projects; fourth, to revitalize the archetypal wisdom of oral tradition tales connecting it with the plots and ideas in contemporary films for children and young people in order to stimulate in the learner the narrative competence (storytelling ability) with meaningful and cultural expectations. From a qualitative-interpretative methodology based on the cyclical process of action research, the study was carried out in the involved educational stages starting from a problematic social situation in order to practice, where action hypotheses have been implemented through classroom teaching methods organized around interdisciplinary projects and complex tasks where films and literature have interacted in the educative promotion of key competences with autonomous and contextualized learning, the process and results were evaluated to develop a new diagnosis of the problematic situation from an analytical and interpretive reflection thereof. The research results show that, thanks to the good practices reported by that intertextual teaching model between cinema and literature in the interdependent revitalization of all key competences and from all recommended cognitive levels -especially those of a creative, critical and strategic nature-, second cycle of Primary Education has initiated the development of key competences, in the first cycle of Secondary Education has matured their development and first year of Non-compulsory Secondary Education has strengthened their achievement. This has also been possible thanks to the epistemic consistency between intertextuality methodology and key competences and the importance of the cross-competence in linguistic communication to revitalize the set of key competencies to ensure meaningful social learning transfer for life.
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Gurrola, Pérez Pedro. "La influencia de Ludwig Wittgenstein en el teatro contemporáneo." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2003. http://hdl.handle.net/10803/131994.
Full textAbstract:
Este trabajo de investigación se propone examinar la influencia que ejerció el pensamiento de Ludwig Wittgenstein y, en particular, su analísis del lenguaje, en la reflexión sobre el lenguaje y las estructuras teatrales que ha sido una característica del teatro de la modernidad. Se investiga cómo las ideas de Wittgenstein fueron asimiladas o reinterpretadas al incorporarse a la obra de autores teatrales de la segunda mitad del siglo XX.
La obra de Wittgenstein, con su radical revisión de los métodos y objetivos de la filosofía misma y su riguroso análisis del funcionamiento del lenguaje, ha dejado una importante huella en la filosofía del siglo XX. Fuera del ámbito filosófico, la obra de Wittgenstein también ha tenido una importante repercusión en determinados movimientos artísticos de la segunda mitad del siglo XX. De la literatura a las artes visuales, se han efectuado diferentes y variadas lecturas de la obra del filósofo austríaco. Dichas lecturas pueden calificarse de excéntricas, en tanto que adoptan una perspectiva ajena al debate filosófico que dió origen a dicha obra y porque con frecuencia la extraen de su contexto original para incorporarla al discurso artístico.
Para comprender el contexto en que se sitúan estas re-lecturas de la obra de Wittgenstein, en la primera parte de este trabajo se analiza la difusión de dicha obra, especialmente fuera de los ámbitos académicos. Encontramos que este proceso de difusión fue tardío y muy desigual. Aunque la primera edición del Tractatus data de 1922, este texto tuvo por muchos años una difusión limitada y no fue sino hasta los años cincuenta, tras la muerte del filósofo, cuando tanto el Tractatus como el resto de la obra de Wittgenstein comenzaron a divulgarse más allá de los ámbitos académicos. Fue en Austria donde Wittgenstein tuvo mayor impacto y de manera más temprana. Inicialmente, a través de Ingeborg Bachmann, quizá la primera en hacer una lectura poetica del Tractatus. A partir de ahí, el pensamiento de Wittgenstein estuvo continuamente presente en la literatura austríaca, primero en las propuestas experimentales del Grupo de Viena y posteriormente en el movimiento cultural que surgió en los años sesenta en la ciudad de Graz.
Contrastando con lo anterior, en Francia la recepción del pensamiento de Wittgenstein fue muy tardía. Esto se debió en parte al rechazo que despertó el logicismo de Frege y Russell y el positivismo lógico, así como a la hegemonía que ejerció el pensamiento estructuralista en el panorama intelectual francés durante las décadas de los sesenta y setenta.
En el ámbito puramente teatral, encontramos que fue en Austria e Inglaterra donde las ideas de Wittgenstein repercutieron de manera significativa. En particular, la obra de Wittgenstein ha dejado una huella importante en la obra de tres autores: Thomas Bernhard, Peter Handke y Tom Stoppard. Realizamos un análisis crítico de la producción teatral de estos autores, examinando los diferentes elementos del pensamiento de Wittgenstein que cada uno de ellos incorpora a su producción dramática, y efectuamos un estudio comparativo de las diferentes interpretaciones que cada uno de estos autores llevo a cabo.The goal of the Doctoral Thesis is to examine the influence of Ludwig Wittgenstein on the revision of dramatic and language structures which is a characteristic of modern theatre. The work of Wittgenstein, with its radical revision of the methods and aims of philosophy, and its analysis of language and of its limits, has been very influential in the 20th century philosophy. Outside the philosophical domain, his work has also had a significant impact on artistic movements of the second half of the past century. From literature to the visual arts, multiple reflections have emerged around Wittgenstein’s work and we frequently find his ideas incorporated into the artistic discourse. These revisions are eccentric, to the extent that they are held from a perspective which is different from the strictly philosophical one and they extract the work out from its original context. To understand the general setting, we analyze the diffusion process of Wittgenstein ideas, especially their spill-over into the non-academic world. We find that this process was slow and uneven. In fact, it was not until the 50s, after the death of the philosopher, when his work began to spread outside the academic circles, mainly in Austria and England. In other countries, like France or Spain, it took much longer for Wittgenstein to enter into mainstream philosophy, let alone the artistic domain. In particular, when we look at theatrical activity, we assess how Wittgenstein left an important imprint, mainly in the work of three European writers: Thomas Bernhard, Peter Handke and Tom Stoppard. We perform a critical study of their work, examining the elements from Wittgenstein’s work that each one of these authors incorporate into their own dramatic proposals and we make a comparative study around the ways in which those elements were assimilated.
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Riambau, Möller Esteve. "La producció cinematogràfica a Catalunya (1962-1969)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 1995. http://hdl.handle.net/10803/4133.
Full textAbstract:
El període abasta 172 llargmetratges (17% dels espanyols) produïts per 33 empreses. Les tendències industrials (45.9% de coproduccions internacionals) i genèriques (westerns, thrillers i comèdies) es deriven de les noves directrius legislatives del cinema espanyol. Estèticament, apareix un cinema d'autor amb molt esporàdiques simbiosis amb la resta de la cultura catalana i destaquen els signes de modernitat de l'Escola de Barcelona.172 feature films (17% of all Spain) were produced by 33 companies. Industrial tendencies (45.9% of international coproductions) and hegemonic genres (westerns, thrillers and comedies) came from new laws dictated on Spanish cinema. Esthetically appeared some author's films with sporadic links with the catalan culture and the signs of modernity were remarkable on the films around Barcelona School.
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Quintana, Àngel 1960. "El projecte didàctic de Roberto Rossellini." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 1996. http://hdl.handle.net/10803/4153.
Full text
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González, Calderón Diana Elisa. "El campo ausente de la representación de las mujeres en el cine mexicano presencias en la vida y obra de Matilde Landeta." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/310403.
Full text
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Cock, Peláez Alejandro. "Retóricas del cine de no ficción en la era de la post verdad." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/96533.
Full textAbstract:
En esta investigación doctoral analizo los principales cambios en las retóricas del cine de no ficción en la era de la post verdad, como una forma de intentar cartografiar las borrosas fronteras discursivas de esta forma cinematográfica, la cual al responder a nuevas maneras de entender la verdad y la realidad en la contemporaneidad, está explorando territorios retóricos que van más allá de los paradigmas clásicos y modernos, tan insertados en la centralidad de la institución documental.
Así mismo, mediante la hermenéutica y un análisis retórico específicamente audiovisual busco comprender los contextos situacionales, las intertextualidades y la concepción de la realidad que subyace en los discursos del cine de no ficción de la post verdad. Exploro entonces cómo tales discursos son conscientes de su propia historia, de su subjetividad intrínseca y de la complejidad que implica representar lo real en esta era donde el concepto de la verdad se ha transformado y relativizado, respondiendo así a las sensibilidades y aire del tiempo actual.
Es esta la razón por la cual el cine de no ficción interactúa -inspirándose e inspirando- con estrategias discursivas actuales (como las desarrolladas también en la ciencia, los movimientos sociales, las artes o los mass media), dando lugar a novedosas retóricas propias que se pueden detectar en la enunciación audiovisual (actio), el estilo y las figuras retóricas auditivas y visuales (elocutio), las estructuras documentales (dispositio), los argumentos y modalidades (inventio), el mundo proyectado y el contexto (intellectio). Como tal este modo de representación se ha expandido hacia formas más complejas que entre otras características sospechan, deconstruyen, ironizan, reflexionan, reciclan, performatizan, ficcionalizan dicha realidad, constituyéndose en una de las principales fuentes de creatividad, innovación y auto-reflexión de la cinematografía actual y en un importante discurso sobre la contemporaneidad.In this doctoral research I analyze the main changes in cinema rhetorics of non-fiction in the era of the post-truth, as an attempt to chart the blurry discursive boundaries of this cinematographic form, which to respond to new ways to understand truth and reality in contemporaneity, is exploring rhetoric territories that go way beyond the classic and modern paradigms, so embedded in the centrality of the documentary institution. Likewise, with the use of hermeneutics, and an audiovisual specifically rhetorical analysis I seek to understand the situational contexts, the intertextualities and the conception of reality behind the speeches of post-truth non-fiction cinema. Then I explore how these speeches are aware of their own history, of their intrinsic subjectivity and the complexity that implies to represent the real on this era where the concept of truth has transformed and relativized, answering to sensibilities and air of the current time. This is the reason why non-fiction cinema interacts (inspiring and inspiring itself) with actual discursive strategies (like the ones developed in science, the social movements, arts or mass media), giving place to own novel rhetoric that can be detected in audiovisual statement (actio), in style and in rhetoric auditive and visual figures (elocutio), the documentary structures (dispositio), the arguments and modalities (inventio), the projected world and context (intellectio). As such, this representation method has been expanded to even more complex forms that among its characteristics, they suspect, deconstruct, satirize, reflect, recycle, perfomatize, fictionalize such reality, constituting itself in one of the main sources of creativity, innovation and auto reflection of current cinematography, and an important speech about contemporaneity.
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Clerc, Isabelle. "Teatro abierto 1981-1983 : censure et écriture théâtrale dans l'Argentine du Processus de réorganisation nationale." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20047.
Full textAbstract:
Teatro Abierto est né en 1981 à Buenos Aires, durant le "Processus de réorganisation nationale" (1976-1983), une des plus tragiques dictatures qu'ait connues l'Argentine. Ce cycle théâtral devait être, pour les artistes, une façon de réaffirmer l'existence du théâtre argentin victime de la censure. Mais il est devenu au fil des représentations, grâce à l'appui du public, un mouvement politique d'opposition au régime. Le succès de cette aventure encouragera les artistes à renouveler l'expérience ; quatre éditions auront lieu et plus de quatre-vingt-dix pièces seront offertes aux spectateurs porteños. Par quels procédés les œuvres parviennent-elles à dénoncer certains aspects de la réalité ? L'analyse du mouvement et des œuvres représentées entre 1981 et 1983 montre que Teatro Abierto, souvent considéré par la critique, et par les artistes eux-mêmes, comme un phénomène politique avant tout, a également vu naître des œuvres importantes dans le panorama théâtral argentinTeatro Abierto first appeared in 1981 in Buenos Aires during the "Process of national reorganization" (1976-1983), one of the most tragic dictatorship Argentina ever endured. It was a theatrical phenomenon meant to reaffirm the existence of Argentine theatre though being the victim of censorship. However, as the performances went on, and thanks to public support, it eventually became a political movement opposed to the regime. The success of this venture would incite the artist to repeat the experience. More than ninety plays, performed during four seasons, were indeed proposed to the porteños spectators. What means did the plays use to denounce some of the reality of the time ? The analysis of the movement and of the plays performed between 1981 an 1983 shows that while Teatro Abierto was first and foremost considered as a political phenomenon, not only by the critics but also by the artists themselves, it was also at the root of important actworks in the argentine theatrical scene
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Palencia, Villa Rosa María. "La influencia del doblaje audiovisual en la percepción de los personajes." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2002. http://hdl.handle.net/10803/4105.
Full textAbstract:
La investigación tiene como objetivo principal identificar la influencia del doblaje de la ficción audiovisual en la percepción de los personajes. Esta percepción está referida a la coherencia entre la verosimilitud de los personajes doblados al español y la de esos mismos personajes en la obra original inglesa. También consigue identificar el grado de coherencia entre el carácter de los personajes doblados y esos mismos personajes en la obra original.Entendiendo la audiovisión como un fenómeno perceptivo complejo resultante del compromiso entre la voz y la imagen, distinto a la suma del ver más oír, la hipótesis principal es que tanto los personajes doblados como sus respectivas voces dobladoras resultarían tan verosímiles y tan coherentes en sus atributos caracteriales como los respectivos personajes y voces originales.
Seleccionamos cuatro escenas semejantes en temática, iluminación y duración de una película inglesa y las mismas escenas dobladas satisfactoriamente al castellano en España. En cada escena una actriz y un actor discutían con diálogos acústicamente nítidos. Con estas cuatro escenas creamos cinco distintos textos portadores que nos permitieron aislar las distintas sustancias expresivas (voz e imagen).
Mediante una metodología experimental, cada uno de cinco grupos experimentales (de 20 sujetos cada uno) percibieron los respectivos textos portadores. El primero audiovisionó el texto en versión original; el segundo audiovisionó la versión doblada; el tercero escuchó la banda sonora original del texto; el cuarto, la banda sonora doblada y el quinto, la banda de imágenes sin sonido.
Mediante un cuestionario (Diferencial Semántico de Osgood), los grupos evaluaron el carácter de los personajes en ocho variables (equilibrio, seguridad, fortaleza, humildad, tranquilidad, extroversión, sinceridad e inteligencia) del 1 al 7 en adjetivos bipolares y la variable verosimilitud.
Mediante una regresión múltiple, buscamos diferencias estadísticamente significativas entre las valoraciones a la secuencia original y la secuencia doblada y entre las valoraciones a las voces originales y a las voces dobladoras; tanto globalmente como personaje a personaje. El diseño experimental permitió también identificar la sustancia expresiva (voz o imagen) por la que más consistentemente fue juzgada la verosimilitud.
Por otra parte, medimos las frecuencias fundamentales tanto de las voces originales como de las respectivas voces dobladoras, con el fin de identificar la influencia de esta variable en la coherente percepción de los personajes.
Conclusiones:
a) El doblaje preserva la verosimilitud de los personajes. Tanto globalmente, como personaje a personaje, los personajes doblados resultan tan verosímiles como en la secuencia original.
b) Las voces dobladoras son global y mayoritariamente tan creíbles como las voces originales. En la muestra analizada solamente una voz dobladora (12,5%) resultó significativamente más creíble que la respectiva voz original.
c) La diferente frecuencia fundamental de las voces dobladoras respecto de las voces originales no influye en la atribución distinta de verosimilitud ni de distintos atributos caracteriales a los personajes doblados respecto de los originales, independientemente de que las voces dobladoras sean más agudas o más graves que las originales.
d) La verosimilitud de los personajes de una película narrativa sonora descansa fuertemente en la interpretación sonora de sus textos, es decir, en sus voces y el contenido semántico de las mismas. El doblaje no modifica esta tendencia.
e) En términos globales el doblaje preserva los valores de extroversión, seguridad, fortaleza, sinceridad, inteligencia, equilibrio y humildad del conjunto de los personajes.
f) En términos globales, el doblaje es susceptible de modificar la percepción de tranquilidad del conjunto de los personajes, provocando que sean enjuiciados como significativamente menos tranquilos, más nerviosos, que el conjunto de personajes originales.
g) En términos globales las voces de doblaje son juzgadas con valores estadísticamente idénticos en todas y cada una de las variables que las voces originales.
h) El doblaje es un fenómeno comunicativo eficaz que no sólo puede explicarse por la audiovisión, sino que basa en ella su eficacia.
The main goal of this research is to identify the influence of fictional audiovisual dubbing on the perception of the characters. This perception is relative to the coherence between the credibility of the Spanish dubbed characters and the credibility of the same characters in the original English film. The research also identifies the quantity of coherence between the character of dubbed characters and those of the original ones.
Believing audio vision to be a complex perceptive phenomenon that is produced due to the commitment between the voice and the image rather than the addition of the voice to the image, the main hypothesis was that dubbed characters and their voices would be as credible as the original ones. Their characters also would be perceived similar to the ones of the original characters.
Four scenes were chosen from an English film with similar illumination, edition and length to the same four scenes of the same film dubbed correctly into Spanish in Spain. An actress and an actor appeared arguing with very clear dialogues in each scene. These eight scenes let us create five different texts by which the isolation of each one of the different expressive substances, voice and image, was guaranteed.
Using experimental methodology, each one of the five different texts was exhibited to each one of five different experimental groups of percipients (20 teenagers each). The first group was shown the original version scenes in an audiovisual way; the second was shown the dubbed version in an audiovisual way, too; the third listened to the original sound track (the original voices); the fourth listened to the dubbed sound track (the dubbed voices); and the fifth just watched the images' track without sound.
Through a questionnaire (Osgood Semantic Differential), the experimental groups judged the characters on eight different variables (balance, security, fortitude, humility, tranquillity, extroversion, sincerity and intelligence) using a scale of 1 to 7 with bipolar adjectives and, in the same way, they judged the variable credibility.
Using statistical multiple regression we looked for significant statistical differences, as a whole and case by case, between the scoring of the original characters to the dubbed characters, and between the scoring of the original voices to the dubbed voices. The experimental design let us identify the expressive substance for which the credibility was valued more strongly.
Additionally, we measured the fundamental frequencies (pitches) of the voices and compared the dubbed to the original ones so we could identify the influence of this variable on the coherent perception of the characters.
Conclusions:
a) Dubbing preserves the credibility of the characters. As a whole and case by case, the dubbed characters were perceived as credible as the original characters.
b) As a whole, the majority of the dubbing voices were perceived as credible as the original ones. In the analysed sample only one dubbed voice (12.5%) was perceived more credible than the respective original voice.
c) The difference of fundamental frequency (pitch) between a dubbing voice and the original one does not influence the perception of credibility or character of the dubbed characters from the perception of the original ones; nevertheless, the dubbed voices are higher or lower pitched than the original ones.
d) The credibility of the characters of a narrative sound film is strongly related to the sonorous interpretation of the text. Credibility depends on the film's voices and their semantics content. Dubbing does not modify this tendency.
e) As a whole, dubbing preserves the values of balance, security, fortitude, humility, extroversion, sincerity and intelligence of the characters.
f) As a whole, dubbing is susceptible to modifying the values of tranquillity of the characters. They are judged less tranquil, more nervous, than the whole of original characters.
g) As a whole, dubbed voices receive identical scoring on each character's variables when compared to original voices.
h) Dubbing is an efficacious communicative phenomenon that not only can be explained by audio vision, but its efficacy depends on the audio vision.
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Escudé, i. Gallès Beth. "L’adaptació dels clàssics teatrals. Shakespeare i Richard the third. Estudi de cas d’una escena." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2014. http://hdl.handle.net/10803/284876.
Full textAbstract:
El subjecte d’aquesta tesi és l'adaptació dels clàssics teatrals, amb l’obra shakespeariana com a exemple principal, particularment la peça Richard The Third, per acabar focalitzant en l’estudi de cas de l'escena segona de l'acte primer.
Aquesta escena és una de les més controvertides i, per tant, una de les més conegudes entre les shakespearianes, motiu pel qual se la coneix entre els experts amb un títol concret: The wooing scene (Escena de seducció). L'adaptador -director i/o dramaturg- ha de prendre decisions que derivaran en un sentit o en un altre. L'objectiu és analitzar vàries produccions on intervé aquesta escena segons les diferents categories d'intervencions que s’han sistematitzat en la tesi per a l’estudi de l'adaptació teatral. Aquesta taxonomia va del mínim al màxim, des de la proximitat que es procura en la mera traducció a l’allunyament que reivindica la versió lliure, que utilitzarà la peça de partida com a simple pretext. En el recorregut queden operacions com ara la recontextualització, amb una pormenorització de quins són els contextos en els quals es fa incidència (ubicadors, socials, polítics, culturals, etc.); el canvi de gènere; el canvi de codi; l’acomodament a un públic diferent pel qual fou pensat en origen; però també les intervencions de fusió entre varis textos del mateix autor, o de l’autor clàssic amb textos ex-novo. L’homenatge a l’autor i/o l’obra també té cabuda en la sistematització, tot analitzant si aquesta “apropiació” del clàssic o part del clàssic té la categoria només de cita, de ressonància o d’osmosi. L’emancipació d’un personatge (spin-off) o la derivació (sequel) com a operació adaptadora, també s’exemplifiquen i no únicament com a intervencions recents.
El treball arrenca amb la reflexió sobre el concepte d’adaptació i el concepte de clàssic. Un breu recorregut sobre la història de l’adaptació shakespeariana ens dona notícies sobre quines han estat les principals intervencions adaptadores en el curs de segles i en diferents latituds i ens conviden a concretar quines són les tendències actuals en matèria dramatúrgica i d’escenificació quan s’aborda un clàssic.
Adaptar és reconvencionalitzar i és per això que es dedica un capítol extens a l’estudi de convencions i un altre a la posada en escena com a adaptació. Aquest últim s’emparenta directament amb l’estudi de cas que conclou la tesi i que analitza com, des de l’elecció d’una traducció a l’elecció d’una peça d’atrezzo, posem per cas, compromet el sentit últim que arribarà a la platea.
En conclusió, aquesta tesi té, d’una banda, una vocació cartogràfica per tal d’analitzar les manipulacions a les que es sotmet l’obra teatral clàssica; de l’altra, explorar quines són les conseqüències de la tria de l’operació, què implica en la seva significació final. Aquests dos objectius no només estan adreçats a l’estudi de les creacions d’altri, sinó a l’estimulació creativa de qui vulgui, en les distàncies que es vulgui bellugar, enfrontar-se a una producció basada en un clàssic teatral.The subject of this thesis is the adaptation of theater classics, illustrated mainly through Shakespeare’s plays, particularly Richard III. In the end it focuses on a case study of Act 2 Scene 2 of this play. This is one of Shakespeare’s most controversial and, therefore, one of his best known scenes. Experts refer to it as “the wooing scene”. The adapter, whether director or playwright, must make decisions one way or another. The purpose is to analyze several productions of this scene according to a system of action categories proposed in this thesis to study the scene’s stage adaptation. From minimum to maximum, this classification system ranges from the proximity sought by mere translation to the remoteness asserted by a free version, where the source theatre piece is just a pretext. Dealt with along the way are operations such as recontextualisation -with a detailed account of the contexts that are being stressed (locators, social, political, cultural, etc.)-, change of genre, change of code, adjustment to an audience other than the one the play was originally intended for, as well as actions where several texts by the same author are merged or where the classic author’s text is combined with brand new texts. Tribute to the author and/or play is also included in the classification system, where an analysis is made of whether the “appropriation” of the classic or a part of it fits the category of quotation, resonance or osmosis. Examples are also given of character spin-offs or sequels as adaptation operations, both past and present. The thesis begins with a reflection on the concept of adaptation and the concept of classic. A brief run down of the history of Shakespearian adaptations provides information on the main adaptation procedures that have been performed over the years in different places, as a means to determine the current trends in dramaturgy and staging when a classic is addressed. To adapt is to reconventionalize. That is why one extensive chapter is devoted to the study of conventions and another to staging as a means of adaptation. The latter is directly related to the case study at the end of the thesis. This chapter analyzes how the choice of a translation or a prop, for example, can affect the final meaning that reaches the audience. In conclusion, the aim of this thesis is, on the one hand, to provide guidance in the analysis of the manipulations to which classical plays are subject, and on the other hand, to explore the consequences of the procedure chosen and its final significance. These two objectives are not only focused on studying the creation of others, but on stimulating the creativity of whoever wants to face a production based on a theater classic, whatever the distance they are willing to go.
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Brugué, Lydia. "La traducció de cançons per al doblatge i l'adaptació musical en pel·lícules d'animació: anàlisi de les versions catalana i espanyola de tres pel·lícules nord-americanes contemporànies per a tots els públics." Doctoral thesis, Universitat de Vic, 2013. http://hdl.handle.net/10803/127396.
Full textAbstract:
En aquesta tesi doctoral interdisciplinària s’uneixen tres camps d’estudi: el cinema d’animació, la música cinematogràfica i la traducció de cançons per al doblatge i l’adaptació musical. La tesi està dividida en dues parts: en la primera, es presenta l’estat de la qüestió dels tres camps d’estudi citats anteriorment; en la segona part, es presenten les fitxes artístiques i tècniques, així com l’anàlisi traductològica del corpus: tres pel•lícules d’animació per a tots els públics (Spirit: Stallion of the Cimarron, de Dreamworks, Brother Bear, de Walt Disney, i Happy Feet, de Warner Bros. Pictures). La tesi inclou, a més, entrevistes a especialistes de la traducció de cançons i de l’adaptació musical. D’aquesta manera, l’objectiu principal de la tesi és estudiar el procés de traducció de cançons per al doblatge i d’adaptació musical en pel•lícules d’animació per a tots els públics, tant des d’una perspectiva acadèmica com d’una perspectiva professional.En esta tesis doctoral interdisciplinaria se unen tres campos de estudio: el cine de animación, la música cinematográfica y la traducción de canciones para el doblaje y la adaptación musical. La tesis está dividida en dos partes: en la primera, se presenta el estado de la cuestión de los tres campos de estudio citados anteriormente; en la segunda parte, se presentan las fichas artísticas y técnicas, así como el análisis traductológico del corpus: tres películas de animación para todos los públicos (Spirit: Stallion of the Cimarron, de Dreamworks, Brother Bear, de Walt Disney, y Happy Feet, de Warner Bros. Pictures). La tesis incluye, además, entrevistas a especialistas de la traducción de canciones y de la adaptación musical. De este modo, el objetivo principal de la tesis es estudiar el proceso de traducción de canciones para el doblaje y de adaptación musical en películas de animación para todos los públicos, tanto desde una perspectiva académica como desde una perspectiva profesional.
The present interdisciplinary dissertation binds three fields of study: animation, film music, and song-translation for dubbing and musical adaptation. It is divided into two parts: on the one hand, an overview of the above-mentioned three fields of study is presented in the first part; on the other hand, the second part presents the artistic and technical specifications, as well as the translation analysis of the corpus ─three animated films for all audiences (Spirit: Stallion of the Cimarron, by DreamWorks; Brother Bear, by Walt Disney; and Happy Feet, by Warner Bros. Pictures). The thesis also includes interviews with specialists of song translation and musical adaptation. Thus, the main objective of the thesis is to study the process of song translation for dubbing and musical adaptation in animated films for all audiences, both from an academic and professional perspective.
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Zorita, Aguirre Itziar. "La experiencia perceptiva en la performance intermedial." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/385840.
Full textAbstract:
La pregunta que impulsa esta investigación, surge desde la posibilidad atribuida a la práctica performativa intermedial para crear nuevos universos perceptivos en relación al espectador. La interrelación entre teatro y medios digitales, desde la perspectiva intermedial, se presenta como un lugar en medio. Se trata de un fenómeno de hibridación capaz de desestabilizar los elementos básicos atribuidos a las artes en vivo: el espacio, el tiempo y el cuerpo. Se trata de una mutación que se origina a través de la convergencia entre lo teatral y lo digital, que abre la posibilidad para que sucedan nuevas situaciones que afecten directamente al modo en que el espectador las percibe.
Esta investigación pretende entender el evento intermedial en relación el universo perceptivo del sujeto. Sin embargo, el objetivo de esta investigación, no es únicamente desvelar esos posibles modelos receptivos, sino descubrir que discursos y metodologías nos pueden ayudar a hacerlo.
El marco que determina la base teórica de este estudio, toma como referencias principales los discursos contemporáneos generados desde ámbitos diversos: Estudios de comunicación y nuevos medios, Estudios sobre performance y teatro y Estudios sobre estética y filosofía. Marshall McLuhan, Jay David Bolter y Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière o Philip Auslander son algunas de la variedad de voces a las que apela esta investigación. Asimismo, se citan creadores, tanto vinculados con la creación new media como a las artes en vivo, internacionales como locales, con el objetivo de entender los diversos paradigmas teóricos que se presentan. Algunos de los cuales son los siguientes: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antúnez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, María Jerez, Roger Bernat, etc.
La Tesis se divide en seis capítulos. El Capítulo I opera como una especie de introducción y presenta aquellos conceptos que son más relevantes a la hora de abordar el estudio de la performance intermedial. Los Capítulos II-IV, se presentan como núcleos argumentales que pretenden desmontar el debate en torno a las diferencias ontológicas que tradicionalmente parecen establecerse entre el medio teatral y el medio tecnológico. El Capítulo V presenta, a través del fenómeno de mutación, algunos casos prácticos situados dentro de la práctica intermedial más contemporánea. Estructurado en cuatro subcapítulos, expone las cuatro mutaciones principales que el arte teatral muestra desde la perspectiva intermedial: la mutación espacial, corporal, estructural y temporal. El último y sexto capítulo, se centra en el análisis de la experiencia perceptiva y la figura del espectador dentro de la práctica performativa intermedial.The question that drives this research arises from the possibility attributed to the intermedial performance practice to create new perceptual universes in relation to the spectator. The interrelation between theatre and digital media, from the intermedial perspective, is presented as a place in between. It is a phenomenon of hybridization capable of destabilizing the basic elements attributed to live arts: space, time and body. This is a mutation created through the convergence between live arts and digital medium, that opens up the possibility for new situations affecting directly the way the spectator perceives them. This research aims to understand the intermedial event related to the perceptual universe of the subject. However, the objective of this research is not only to reveal these potential receptive models, but also discover the discourses and the methodologies that can help us do so. The theoretical framework of this research takes as principal references the contemporary discourses generated from several fields: communication and new media studies, theatre and performance studies and studies on aesthetics and philosophy. Marshall McLuhan, Jay David Bolter and Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière or Philip Auslander, are some of the different voices introduced in this research. In order to understand the theoretical paradigms presented in this study, both artists linked to new media art and live performance, international and local, are also mentioned. Some of which are: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antunez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, Maria Jerez, Roger Bernat, etc. The thesis is divided into six chapters. Chapter I operates as a kind of introduction and presents concepts that seem more relevant to addressing the study of intermedia performance. Chapters II-IV are presented as core argument seeking to remove the debate on the ontological differences traditionally established between the performance and technology. In Chapter V, through the phenomenon of mutation, some case studies located within the most contemporary intermedial practice are presented. Structured in four chapters, it outlines the four principal mutations that the live arts show from the intermedial perspective: spatial, bodily, structural and temporal mutation. The last and sixth chapter focuses on the analysis of perceptual experience and the figure of the spectator within the intermedial performance practice.
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Comas, Puente Ángel. "IFI, Sociedad Anónima, empresa cinematrográfica y escuela de cineastas y su artífice, Ignacio F. Iquino." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2002. http://hdl.handle.net/10803/4103.
Full textAbstract:
Ignacio F. Iquino (Valls 1910 - Barcelona 1994). Uno de los directores y productores más prolíficos del cine español, creador de un cine eminentemente popular moviéndose siempre con presupuestos exiguos y buscando beneficiarse al máximo de las normas legales oficiales de cada momento. Hizo sus primeras películas antes de la guerra civil ("Al margen de la ley" (1935), "Diego Corrientes" (1936) y "Paquete, el fotógrafo público número 1" (1937). Entre 1941 y 1943 dirigió nueve películas para Campa/CIFESA. Ayudado financieramente por su cuñado Francisco Ariza, reflotó en 1943 la productora Emisora Films, que Iquino había fundado en 1934, convirtiéndola en una empresa cinematográfica con sello propio inspirada en el studio-system. Por discrepancias con su socio, Iquino la abandonó en 1948 después de haber dirigido 16 largometrajes y 4 cortos, y participado en todos los aspectos de la producción. Esta fue artísticamente la mejor etapa de su vida de director con films como "Una sombra en la ventana" (1944), "Noche sin cielo" (1947) y "El tambor del Bruch" (1948). Iquino inició entonces una larga carrera como cineasta independiente con su propia empresa, I.F.I. (siglas de su nombre) con la que trató de importar a España una vez más los planteamientos empresariales del studio-system. Lo consiguió parcialmente creando sus propios estudios (1950-1970) en el Paralelo de Barcelona, acompañados al poco tiempo por la empresa de servicios Parlo Films y Ediciones Musicales y Discos IFI y la compañía distribuidora IFISA. I.F.I funcionó en la práctica de 1950 a 1982 y produjo 102 largometrajes (48 dirigidos por Iquino) y 33 cortos (3 dirigidos por Iquino). Sus títulos artísticamente más relevantes fueron "El Judas" (1952), "Fuego en la sangre" (1953), "El ojo de cristal" (1956), "Buen viaje, Pablo" (1959), "Trigo limpio" (1962), contribuyendo a la creación del género criminal barcelonés con "Brigada criminal" (1954) y 23 largometrajes más. Abocado desde 1962 a un cine sin ayudas ni subvenciones oficiales se apuntó a todos los géneros y tendencias que funcionaban comercialmente (co-producciones, dobles versiones, westerns, etc.) creando su "cine-denuncia" (a partir de "Aborto criminal" (1972) y su especial "sexy comedy" (iniciada con "La caliente niña Julieta" (1980). En sus estudios del Paralelo se rodaron además más de una sesenta de largometrajes de otros productores e IFISA distribuyó más ochenta largometrajes. Después de IFI, Iquino produjo y dirigió tres largometrajes en Conexion Films, empresa creada por motivos fiscales. Es indiscutible la importancia de IFI en la industria del cine español. Durante su existencia, desde 1949 hasta 1982, produjo el 3.14% de los largometrajes que se produjeron en España y el 13.70% de los rodados en Cataluña. Por otra parte, y además de co-autor, director y empresario teatral, Ignacio F. Iquino fue un cineasta completo. Aunque no figurase oficialmente en los títulos de crédito está probada su participación en la inmensa mayoría de los guiones, la fotografía, los decorados y el montaje de sus films. Después de etapas ambiciosas y prometedoras , a partir de 1962, buscó casi únicamente el beneficio y finalmente, se impuso el productor malogrando al director.Ignacio F. Iquino (Valls 1910 - Barcelona 1994). One of the most prolific Spanish filmmakers and producers. He created a personal kind of popular cinema, always with short budgets and taking advantage of legal and official laws. He directed his first films before the civil war (among them, "Al margen de la ley" (1935), "Diego Corrientes" (1936) and "Paquete, el fotógrafo público número 1"(1937)). Among 1941 y 1943 he directed nine feature films for Campa(CIFESA. With the financial support by Francisco Ariza, his brother in law, he re-founded en 1943 Emisora Films (created by Iquino himself in 1934) turning it into a movie company influenced by the studio-system. Due to disagreements with his partner, Iquino left Emisora after having directed 16 feature films and 4 short films and having shared all production aspects. Artistically it was the best period of his career as a director with films as "Una sombra en la ventana" (1944), "Noche sin cielo" (1947) and "El tambor del Bruch" (1948).
Iquino began then a long career as independents with his own company, I.F.I. (his name sigla) trying to import again the company pattern from the Hollywood studio system. He only succeeded partially: he created his own studio lot in Paralelo (Barcelona) and services facilities, Ediciones Musicales y Discos IFI (a music company) and IFISA (a release company)
I.F.I. worked from 1950 to 1982 producing 102 feature films (48 directed by Iquino) y 34 shorts (3 directed by Iquino). From an artistical point of view its main films are: "El Judas" (1952), "Fuego en la sangre" (1953), "El ojo de cristal" (1956) "Buen viaje, Pablo" (1959) and "Trigo limpio" (1962), contributing to create the Barcelona crime cinema style with "Brigada criminal" (1954) y 24 feature more. Since 1962 it was obliged to accommodate to a new situation without any legal helps nor subventions making cheap and popular double-biller films following trends and genres that worked in the box-office, creating nevertheless what Iquino named "denuntation-cinema" (starting with "Aborto criminal -1972) and its special sexy-comedy (beginning with "La caliente niña Julieta" (1980).
In Paralelo lot more than 60 features were made by other film companies and IFISA distributed more than 80 features. After IFI, Iquino produced and directed three feature films in Conexion Films, a company created by legal reasons.
It is unquestionable the importance of IFI in Spanish movie industry. Along its life (from 1949 to 1982) it produced 3.14% out of 3.245 features films made in Spain and 13.70 of those made in Catalunya.. By the other hand, an besides of theatre autor, director and manager, Iquino was a complete filmmaker. Although his name was not always in the film credits, it is confirmed his participation to the majority of scripts, photography, set design and cutting.
After his quick apprenticeship in Campa/CIFESA, where he was praised by his work capacity and his quick shootings, Iquino lived his best creative period in Emisora Films. In IFI he showed his ambitions in the first years but, after 1962, he looked almost always for profits. Finally, the producer killed the director.
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Vila Fernández, Anna Maria. "El teatre català a Tarragona en la segona meitat del segle XIX (1864-1880)." Tesi doctoral, Universitat Rovira i Virgili, 2016. http://hdl.handle.net/10803/380035.
Full textAbstract:
La tesi que presentem és una descripció rigorosa de la vida escènica de la ciutat de Tarragona durant el període comprès entre els anys 1864 i 1880. De manera més concreta, posa especial atenció a les manifestacions del teatre català partint d’una aproximació polièdrica al fenomen de l’espectacle. En aquest sentit, s’allunya d’una visió centrada exclusivament en dramaturg/text i el seu context històric i literari i analitza, a més, els espais que empararen els espectacles, així com els intèrprets que van donar-los vida.
La metodologia seguida ha estat, més enllà de la recerca en fons històrics, biblioteques i altres centres de documentació, el buidatge sistemàtic dels fons hemerogràfics locals, material bàsic en el capítol dedicat a l’anàlisi de la cartellera.
L’objectiu principal que perseguim és ubicar la realitat teatral tarragonina vuitcentista dins de la realitat teatral del conjunt de l’àrea catalanòfona, i entendre com es van rebre i assimilar diversos canvis en la dinàmica espectacular del Dinou.
A diferència de la resta d’àmbits estudiats, el període temporal de l’anàlisi de la cartellera és volgudament restringit. Aprofundeix en un dels estadis més significatius del procés pel qual els escriptors i, en especial, els dramaturgs van assumir que el català no només era llengua de tribu, sinó que també era llengua de polis, prenent els mots de Joaquim Mallafrè. Així, a partir de la dècada dels 60 i amb el detonant de l’èxit de Frederic Soler als teatres d’estiu del passeig de Gràcia (1864), es depassa l’estadi del sainet cap a formes dramàtiques de més volada (BACARDIT I GIBERT 2003: 108) i es consolida una cultura popular en català.La tesis es una descripción rigurosa de la vida escénica de la ciudad de Tarragona durante el periodo comprendido entre los años 1864 y 1880. De manera más concreta, pone especial atención a las manifestaciones del teatro catalán partiendo de una aproximación poliédrica al fenómeno del espectáculo. En este sentido, se aleja de una visión centrada exclusivamente en el dramaturgo/texto y su contexto histórico y literario y analiza, además, los espacios que ampararon los espectáculos, así como los intérpretes que les dieron vida. La metodología seguida ha sido, más allá de la investigación en fondos históricos, bibliotecas y otros centros de documentación, el vaciado sistemático de los fondos hemerográficos locales, material básico en el capítulo dedicado al análisis de la cartelera. El objetivo principal que perseguimos es ubicar la realidad teatral decimonónica de Tarragona dentro de la realidad teatral del conjunto del área catalanohablante, i entender cómo se recibieron y asimilaron diferentes cambios en la dinámica espectacular del siglo XIX. A diferencia del resto de ámbitos estudiados, el periodo temporal del análisis de la cartelera está restringido a propósito. Profundiza en uno de los estadios más significativos del proceso por el cual los escritores y, en especial, los dramaturgos, asumieron que el catalán no solo era lengua de tribu, sino que también era lengua de polis. Así, a partir de la década de los 60 y con el detonante del éxito de Frederic Soler en los teatros de verano del Barcelona (1864), se superó el estadio del sainete hacia formas dramáticas de más envergadura y se consolidó una cultura popular en catalán. En definitiva, esta tesis es una contribución al estudio de la escena decimonónica catalana que parte de este estadio concreto y de una perspectiva local, y que se amplía a lo largo del siglo y el territorio.
This thesis is an accurate description of the theatrical life in Tarragona between 1964 and 1880. More specifically, it focuses on the Catalan dramatic performances starting from a polyhedric approach to the artistic event. Accordingly, our vision is not centred exclusively on the playwright/play and its historical and literary context, but also analyses the spaces in which they were performed and the performers who brought them to life. The methodology followed for the study, beyond the research on historical collections, libraries and other documentation centres, has been the systematic extraction of the local newspaper archives, fundamental data in the chapter regarding the billboard analysis. The major objective of this study is to place the Tarragona’s nineteenth-century theatrical life within the context of the theatrical life in the whole Catalan-speaking area and understand how different changes on the performing arts during this period were received and assimilated. In contrast with the rest of the studied subjects, the billboard analysis covers a deliberately limited period of time. This part goes more deeply into the phase of the process in which the writers, and particularly the playwrights, assumed the fact that the Catalan language was not just language of the tribe but also city language, in the words of Joaquim Mallafrè. Thus, since the 1860s and alongside the tipping point of Frederic Soler’s success in the Passeig de Gràcia summer theatres (1864), the sainet stage is left behind for higher dramatic forms (BACARDIT I GIBERT 2003: 108) and a folk culture in Catalan language is consolidated.
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Piccione, Caterina. "Être un autre : l'idée de personnage dans l’oeuvre de Luigi Pirandello, de Carmelo Bene et du Teatro delle Albe." Thesis, Tours, 2019. http://www.theses.fr/2019TOUR2001.
Full textAbstract:
La philosophie du personnage conçoit l’identité à travers le miroir de l’identité. Au vu de l’histoire des idées de vision, de présence, de représentation et de mimêsis, nous pouvons élaborer une théâtralité de l’expérience au croisement de l’Un dionysiaque (la totalité de la fusion extatique) et du Deux apollinien (la perception de la scission représentée). « Être un autre » est l’expression qui résume le rôle central du théâtre en ce qui concerne l’origine de la subjectivité. En tant qu’unité paradoxale de βίος et de Ζωή, le personnage consiste en un fond où plusieurs formes de vie deviennent possibles ; cela le rend une figure apte à déclencher les procès de subjectivation. Le personnage renferme une idée de vie se développant dans le corps, l’espace et le temps, éléments qui sont singuliers et infinis à la foisThe philosophy of character looks at the identity through the mirror of the alterity. Considering the history of the ideas of vision, presence, representation and mimesis, it is possible to describe the expenence as a theatre. The world’s theatre concerns, at the same time, the Dionysian “one”, complete ecstatic fusion, and the Apollonian “two”, consciousness of the representation.“Being someone else” is an expression that aims to resume the central role of characters in the subjectivity’s formation. Since it is a paradoxical mix of βίος and Ζωή’, the character contains several possible lives. Therefore, it is an important element in processes of subjectivation: it shows an idea of life which develops in a body, in a certain space and time, but which also expands in infinity.The ontological characterisation of character, in Pirandello’s theatre, is related to the reflexion on the character that everybody has to wear in the world’s theatre. Because life doesn’t coincide onty wil.h onc form of individuation, there’s always a rupture between the Self-perception and Others perception. The rupture can be solved, in pirandellian conception, when the subject abandons his own identity, in order to fuse with the nature. This perspective is radicalized in Carmelo Bene’s theatre: his processes of de-subjectivation are essentially an oblivion of the individuation. The Teatro delle Albe gets across the desert of subject and object opened by CB, inheriting bis work on the chasm of the voice. Nevertheless, in the company poetics, there is the possibility to think the subjectivity according to new borders and new desires
La filosofia del personaggio pensa l’identità attraverso lo specchio dell’alterità. Alla luce della storia delle idee di visione, presenza, rappresentazione e mimesi, si delinea una teatralità dell’esperienza al limite fra l’uno dionisiaco, totalità della fusione estatica, e il due apollineo, percezione della scissione rappresentata. “Essere un altro” è un’espressione che intende riassumere il ruolo centrale del teatro nella genesi della soggettività. Intreccio paradossale di βίος e ζωή, il personaggio è un ricettacolo di vite possibili e si rivela, perciò, una figura decisiva nei processi di soggettivazione. Esso racchiude un’idea di vita che si sviluppa in un corpo, in uno spazio e in un tempo, che sono, al contempo, puntuali ed infiniti
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Molina, Ordóñez Emilio. "La transformación digital y su impacto en la industria cinematográfica: el caso de las producciones estereoscópicas." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/120175.
Full textAbstract:
La transformación digital es un fenómeno de radical importancia en el que se ve implicada gran parte de la sociedad actual, a través de los cambios individuales de prácticas tanto sociales como profesionales, que tiene lugar mediante el proceso singular de la digitalización, donde se procede a la sustitución y adopción de nuevas herramientas y de los datos, y a través del cual se actualizan las técnicas derivadas del dominio analógico en su transición hacia el dominio digital.
Éste es un fenómeno perturbador que causa un gran impacto sobre las tecnologías sostenidas del pasado, las cuales modifica sustancialmente, con el fin de adoptar otras tantas que se generan mediante la digitalización.
En el caso de los medios cinematográficos, esta transformación se produce en forma de desarrollo de nuevas tecnologías aplicadas a la producción, distribución y exhibición digital. Además, es un proceso irreversible de una sola dirección, que sustituye la tecnología precedente e incentiva las expectativas de nuevo futuro.The digital transformation is a phenomenon of radical importance to which vast majority of the today’s society is involved, through the individual changes of both social and professionals practices, due to the unique process of the digitalization, in terms of new tools and the data replacement and adoption, and through the updated procedure techniques based on the analog domain facing its transition toward the digital domain. This is a disruptive phenomenon that causes a great impact on the sustained technologies of the past, which replaces substantially, in order to adopt others generated by means of the digitalization. In the case of media, this transformation is produced by the development of new technologies applied to the production, distribution and digital exhibition. Furthermore, this is an irreversible process addressed in a single direction that replaces the existing technologies and stimulates the expectations of new future.
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Cabeza, Gutés Elisabet. "Indis, cowboys i mestresses de casa. Construcció i deconstrucció d'arquetips del somni americà al western i melodrama de Hollywood dels anys 50." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/377755.
Full textAbstract:
Indis, cowboys i mestresses de casa. Construcció i deconstrucció d'arquetips del somni americà al western i melodrama de Hollywood dels anys 50 és una tesi doctoral que torna sobre els clàssics del cinema que han definit el cànon dels dos gèneres esmentats. S'observa com operen sobre el somni americà, un concepte que malgrat tenir una arrel geogràfica i temporalment precisa té un abast universal. L'objectiu és argumentar que, si bé el cinema nord-americà ha ajudat a gestar aquests arquetips, són les mateixes produccions dels grans estudis de Hollywood les que inviten a qüestionar-los en un context, com el dels anys 1950, en el qual la complaent imatge d’un Estat fort imposant-se com a potència mundial i opulent portes endins té en la seva indústria cinematogràfica un recordatori poderós de la seva fragilitat, marcada per una economia de consum que accentua la diferència de classes i el desencís que segueix a la victòria aliada a la Segona Guerra Mundial arran de la Guerra Freda.
La tesi analitza com el cinema de Hollywood dels anys 50, i el western i el melodrama en particular, ajuda a construir i alhora a qüestionar subtilment l'agredolça utopia nacional. De cada un dels gèneres s'ha escollit un film i un cineasta clau per acotar l'àmbit de recerca: The Searchers (Centauros del desierto, 1956), de John Ford, i All That Heaven Allows (Sólo el cielo lo sabe, 1955), de Douglas Sirk. A partir d'aquí, la recerca se centra en els arquetips vinculats a la gestació del somni americà i l'escenari resultant: els indis, cowboys i mestresses de casa als que al·ludeix el títol.
Nascuts als Estats Units en el context del Hollywood clàssic i del western en particular, indis i cowboys han arrelat amb èxit a l’imaginari occidental. La tesi aprofundeix en com els westerns dels anys 1950 juguen amb els codis i trets distintius d'aquests arquetips i obren la veda a una mirada més obertament crítica. D'altra banda, al costat d'indis i cowboys, el que també es consolida als anys 1950 és un altre arquetip clau del somni americà: la mestressa de casa sobre la que pivota el melodrama, un gènere cinematogràfic que també viu, en aquest període, anys d'esplendor. Un personatge que regna al paradís domèstic que culmina i dóna sentit a la penúria pionera relatada pel western.
A l'hora d'explorar la simbologia interna pel què fa a la construcció i deconstrucció d'aquests arquetips s'aplica el concepte clàssic de paròdia, un terme referit a la lectura entre línies de la narració que ajuda a qüestionar-la subtilment, tal com apunta l’arrel etimològica del terme. En grec, parōidía és una “cançó cantada al costat d’una altra”. El concepte s’aplica al western i melodrama del Hollywood clàssic, argumentant el seu clau en la multiplicació de lectures que generen.The doctoral thesis Indians, Cowboys and Housewives. Construction and Deconstruction of Archetypes of the American Dream in the Hollywood Western and Melodrama of the Fifties takes the cinema classics that have established the canon for the two genres quoted in the title to study how they operate in relation to a concept that, despite its geographical and historical specificity has achieved universal status. The research focuses on how American cinema has created these archetypes while questioning them in a context such as the 1950 in which the image of the United States as a powerful and self-satisfied country has its counterpoint in the film industry. The films mirror the economic boom and the tensions in class differences that this triggers as well as the end to the optimism generated by the victory in the Second World War that the start of the Cold War brings. The thesis analyzises how the Hollywood western and melodrama of the 50s, build and subtlety question the epic of national construction. Of each genre, the research focuses on a film and filmaker: The Searchers (1956), by John Ford, and All That Heaven Allows (1955), by Douglas Sirk. And from them its studies the archetypes of indians, cowboys and housewives quoted in the title.
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Ginesta, Portet Xavier. "Les Tecnologies de la Informació i la Comunicació i l'esport: una anàlisi de la Primera Divisió espanyola de futbol (2006-2008)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2009. http://hdl.handle.net/10803/4214.
Full textAbstract:
La tesi doctoral "Les TIC i l'esport: una anàlisi de la Primera Divisió de futbol a Espanya (2006-2008)" és una investigació de caràcter descriptiu amb l'objectiu d'explorar els canvis que s'han produït al món de l'esport, centrant l'anàlisi en el futbol de Primera Divisió a Espanya, amb la incorporació de les TIC en les relacions entre els actors que hi participen: organitzacions esportives (clubs, societats anònimes esportives o organismes oficials), organitzacions comercials esportives, mitjans de comunicació, fans, esportistes i l'Administració. Al costat de l'objectiu principal, també s'analitza si aquestes organitzacions han usat les potencialitats de les noves tecnologies per expandir internacionalment les seves marques, sobretot, gràcies a la creació de mitjans de comunicació propis (web, radio, televisió...) que han aconseguit l'integració multimèdia. L'investigació també incideix en analitzar si, tot i que els nous serveis i productes TIC permeten noves fonts d'ingressos als clubs, aquests han estat capaços de superar la "teledependència". La mostra de la recerca ha estat de tipus tipològica, agafant les principals organitzacions gestores espanyoles (RFEF i LNFP), així com també la de l'àmbit de referència on es llegeix la tesi (FCF); en quant als clubs i SAE, s'ha partit dels que van jugar la UEFA Champions League entre el 2004 i el 2008 (Real Madrid, FC Barcelona, València CF, Sevilla FC, Real Betis, RC Deportivo de la Coruña, Vila-real CF i CA Osasuna), així com també s'hi ha afegit l'Athlètic Club de Bilbao al seu un club amb un component nacional molt arrelat i el RCD Espanyol, com a segon club de futbol de Catalunya; finalment, per l'estudi de les agrupacions de seguidors es parteix de l'anàlisi d'un cas concret, el del FC Barcelona i els seus grups d'animació: Almogàvers, Sang Culé, PBB Meritxell i Dracs 1991.The PhD thesis "Information and Communication Technologies and Sport: An analysis of the Spanish football First Division (2006-2008)" is a descriptive research which its objective is to explore the changes that sport has, above all in the Spanish football first division, with the incorporation of ICT in the relations among the stakeholders which participate on it: sport organizations (clubs, PLC or official organizations), commercial sport organizations, media, fans, sportsmen and sportswomen and, finally, the Administration. Besides, this research analyses whether these organizations use the potentialities of ICT to expand internationally their brands, above all, using the own media these organizations have been able to create (web, radio, television) and where they achieve a multimedia integration. This research also insists in analyse whether although ICT generate new ways of income for sport organizations, these organizations have not been able to avoid television dependency. The sample for this research has been typological and it contains the most important Spanish football official organizations (Spanish Football Royal Federation and the Professional National Football League), the Catalan one (Catalan Football Federation), the clubs and PLC from the Spanish First Division that took part in the UEFA Champions League between 2004 and 2008 (Real Madrid, FC Barcelona, València CF, Sevilla FC, Real Betis, RC Deportivo de la Coruña, Vila-real CF and CA Osasuna), the Athletic Club de Bilbao and RCD Espanyol -the fist one, because its national component, and the second one because it is the second football club of Catalonia- and, finally, to study fan organizations the research presents a case study of FC Barcelona fan clubs: Almogàvers, Sang Culé, PBB Meritxell and Dracs 1991.
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Longhi, Ludovico. "Radici culturali della comicità di Alberto Sordi: ipotesi d’approccio biografico 1920-1954." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/287906.
Full text
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Stange, Hanna. "Dans - ”Så mycket mer än bara nåt fjantigt” : Dans utifrån ett lärarperspektiv i ämnet Idrott och hälsa." Thesis, Karlstads universitet, Fakulteten för humaniora och samhällsvetenskap (from 2013), 2021. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-85962.
Full textAbstract:
Tidigare studier har visat att dansen har en positiv inverkan på individens hälsa. Trots detta ges dansen ett begränsat utrymme i skolämnet idrott och hälsa. Syftet med denna studie är att undersöka ämnet idrott och hälsa i årskurs 7–9 utifrån ett lärarperspektiv med fokus på lärmomentet dans. Studien utgår från en kvalitativ ansats och består av digitala semistrukturerade intervjuer. Urvalet bestod av 6 idrottslärare med giltig legitimation som arbetar på högstadiet med årskurs 7–9. Urvalet bestod av 50/50 könsfördelning. Under intervjuerna fick respondenterna reflektera och diskutera kring dansmomentet i ämnet idrott och hälsa. Respondenterna delade med sig av egna erfarenheter och egna tankar som var relevanta till studien. Resultaten visade att dansmomentet fungerar bra enligt respondenterna även om det i vissa fall förekommer en mer negativ attityd till dansen. Två större utmaningar som uppmärksammades av majoriteten av respondenterna innefattar attityden/inställningen till dans och Coronapandemins påverkan på dansundervisningen. I dagsläget står dansmomentet som ett kunskapskrav i undervisningen och kan ha stor inverkan på elevernas betyg både positivt och negativt. Dansen ses som en rolig aktivitet som är ”så mycket mer än bara nåt fjantigt” vilket även går att använda sig av utanför skolan. Genusreflektionerna kring dansen påvisar att respondenterna upplever att flickor oftare höjer sig i betyg samtidigt som pojkarnas betyg kan sänkas en hel del. Detta kan delvis bero på att pojkarna har en mer negativ attityd till dansen. Resultatets olika teman går att koppla ihop med varandra vilket visar på att många olika delar kan påverka dansmomentet i idrott och hälsa.Previous studies have shown that dance has a positive impact on the individual's health. Despite this, dance is given a limited space in the school subject sports and health. The purpose of this study is to investigate the subject sports and health in grades 7–9 from a teacher perspective with a focus on the lesson element dance. The study is based on a qualitative approach and consists of digital semi-structured interviews. The sample consisted of 6 sports teachers with valid identification who work in high school with grades 7-9. The sample consisted of a 50/50 gender distribution. During the interviews, the participants got to reflect and discuss the dance part in the subject of sports and health. They shared their own experiences and thoughts that were relevant to the study. The result was able to state that the dance part works well according to the participants, even though in some cases there is a more negative attitude to the dance. Two major challenges that were highlighted by most participants include the attitude / attitude towards dance and the impact of the Corona pandemic on dance instruction. At present, the dance element is a knowledge requirement in teaching and can have a great impact on students' grades both positively and negatively. In 2022, this will change, which has aroused the thoughts of some participants. The dance is seen as a fun activity that is "so much more than just something silly" which can also be used outside of school. The gender reflections on dance show that the participants experience girls more often rise in grades while the boys' grades can be lowered a lot. This may be partly because the boys have a more negative attitude to the dance. The different themes of the result can be linked to each other, which shows that many different parts can affect the dance part in sports and health.