To see the other types of publications on this topic, follow the link: Documenta (Exhibition).
Dissertations / Theses on the topic 'Documenta (Exhibition)'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Documenta (Exhibition).'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Aroni, Maria. "The aesthetics of curating : exhibition-making after the conceptual turn." Thesis, Kingston University, 2017. http://eprints.kingston.ac.uk/39276/.
Full textAbstract:
The thesis examines the evolving realtions of the aesthetic and conceptual aspects in exhibition-making after the 'conceptual turn' that took place in the late-1960s and instigated key transformations in the aesthetic condition of art and contemporary curatorial practice. Drawing on a broadly construed and variously manifested conceptualism pervading the growing field of curating since 1990s, the thesis focuses on investigating the relation between the aestheti and conceptual dimensions of three exhibitions that have had a significant impact on the postconceptual development of curating. In doing so, it aims to construct an alternative genealogy that reaffirms the significance of the aesthetic element, and so to reconstruct curatorial practice from the perspective of an Aesthetics of Curating. This trajectory unfolds a non-unitary Curatorial Aesthetics that emerges and develops together with the conceptual shift offering a revisionist perspective to dominant practices and discourses today that tend to devalue or repress aesthetic modes of production. The driving force of the thesis is neither to affirm aestheticism nor simply reversing the received positions. Instead, the investigation of aesthetics - as the poetics of an exhibition and a philosophical understanding of the experience offered - provides a reading that contests the emphasis placed upon conceptualism in order to revise those relations and established assumptions, and enable us to understand contemporary aspects of curating that have been downgraded. The thesis focuses on three case-studies, which mark important shifts in the conceptual development of curating from 1969 to 2007: When Attitudes Become Form: Works-Processes-Concepts-Situations-Information (Live in Your Head), curated by Harald Szeemann. Kunsthalle Bern (1969); Les Immateriaux, co-curated by Jean-Francois Lotard and Thierry Chaput, Centre George Pompidou, Paris (1985); Documenta 12, under the artistic directorship of Roger Buergel and chief curatorship of Ruth Noack, Kassel (2007). By exploring the different ways in which these exhibitions accommodate, engage with, and define aesthetic experience in relation to their conceptual modes, the study provides an alternative account of Curatorial Aesthetics that attains its transformative potential and political efficacy in the present through the invention of new sensations that incite new modes of thinking and acting.
2
Voorhies, James Timothy Jr. "Falling from the Grip of Grace: The Exhibition as a Critical Form since 1968." The Ohio State University, 2012. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1340212498.
Full text
3
Zefran, Gani Vered. "Sculpture since 1945 in the Documenta Exhibitions 1955-1992." Thesis, University of Essex, 1997. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.388573.
Full text
4
Weisz, Talia M. "Voices from Israel/Palestine: A Documentary Video Exhibition." The Ohio State University, 2010. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu1274903253.
Full text
5
Porobic, Damir Verona. "MFA thesis exhibition." Morgantown, W. Va. : [West Virginia University Libraries], 2005. https://eidr.wvu.edu/etd/documentdata.eTD?documentid=4189.
Full textAbstract:
Thesis (M.F.A.)--West Virginia University, 2005.Title from document title page. Document formatted into pages; contains vi, 30 p. : ill. (some col.). Includes a video file in the QuickTime format. Includes abstract. Includes bibliographical references (p. 30).
6
Selser, Jayne Marie. "Mystery in a Common Place: A Supporting Paper for a Graduate Exhibition." [Johnson City, Tenn. : East Tennessee State University], 2001. http://etd-submit.etsu.edu/etd/theses/available/etd-0419101-125304/unrestricted/selser0427.pdf.
Full text
7
Pereira, Puigvert Sílvia. "La exhibición de documentos probatorios y soportes informáticos." Doctoral thesis, Universitat de Girona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/104485.
Full textAbstract:
The objective of the PhD thesis is the analysis of the institute of the exhibition of documents (of an evidentiary nature and technical support) in the Spanish civil procedure. It deals with addressing a momentous problem of the practice of documentary evidence: the access to the document on behalf of whom intends to introduce it in the procedure, when this is found in the power of the opposite litigant or of a third party beyond the procedure. The issue until now, hasn't been worthy of a monographic approach in Spanish Law, in open contrast to what occurs with more advanced legal systems of our environment. In this work, what has been examined is the existing scientific bibliography, which deals with the different general aspects of the exhibition of documents, as well as abundant jurisprudence; it has dealt with providing the institution from a solid doctrinal base, as well as the resolution of numerous practical and theoretical problems that arise, analyzing the different mechanisms that the legal system offers in order to allow the litigant access to the documents that are required so as to advance the claims which I have attached in the procedure. Particularly, the subject of the exhibition of technical support has been tackled, a matter entailing new, special problems, which until this point, have hardly been studied.El objetivo de la tesis doctoral es el análisis del instituto de la exhibición de documentos (de índole probatoria y soportes informáticos) en el proceso civil español. Se trata de afrontar un problema trascendental de la práctica de la prueba documental: el acceso al documento por parte de quien pretende introducirlo en el proceso, cuando éste se halle en poder del litigante contrario o de un tercero ajeno al proceso. La cuestión no ha merecido hasta la actualidad un tratamiento monográfico en Derecho español, en abierto contraste con lo que sucede con los ordenamientos jurídicos más avanzados de nuestro entorno. En la obra se ha examinado la bibliografía científica existente que trata sobre los diferentes aspectos generales de la exhibición documental, así como abundante jurisprudencia y se ha tratado de dotar a la institución de una base doctrinal sólida, así como de resolver numerosos problemas prácticos y teóricos que se plantean, analizando los diferentes mecanismos que ofrece el ordenamiento jurídico para permitir el acceso a los documentos al litigante que los precisa para hacer prosperar las pretensiones que adujo en el proceso. En especial, se ha abordado el tema de la exhibición de soportes informáticos, materia que entraña muy especiales y novedosos problemas, hasta el momento escasamente estudiado.
L’objectiu de la tesi doctoral és l’anàlisi de l’institut de l’exhibició de documents (de naturalesa probatòria i suports informàtics) en el procés civil espanyol. Es tracta d’afrontar un problema transcendental de la pràctica de la prova documental: l’accés al document per part de qui pretén introduir-lo en el procés, quan aquest es trobi en poder del litigant contrari o d’un tercer aliè al procés. La qüestió no ha merescut fins a l’actualitat un tractament monogràfic en el Dret espanyol, en obert contrast amb el que succeeix en els ordenaments jurídics més avançats del nostre entorn. A l’obra s’examina la bibliografia científica existent que tracta sobre els diferents aspectes generals de l’exhibició documental, així com abundant jurisprudència; s’ha volgut dotar a la institució d’una sòlida base doctrinal, així com resoldre nombrosos problemes pràctics i teòrics que es plantegen, analitzant els diferents mecanismes que ofereix l’ordenament jurídic per permetre l’accés als documents al litigant que els precisa per fer prosperar les pretensions que va adduir en el procés. En especial, s’ha abordat el tema de l’exhibició de suports informàtics, aspecte que comporta actuals i rellevants problemes, fins al moment escassament estudiat.
8
Clausen, Barbara. "Staging the documentary." Saechsische Landesbibliothek- Staats- und Universitaetsbibliothek Dresden, 2015. http://nbn-resolving.de/urn:nbn:de:bsz:14-qucosa-172646.
Full textAbstract:
Barbara Clausen thinks about the relationship between experience and knowledge in curating performance art. She will in particular explain her curatorial work on Babette Mangolte's first international solo exhibition which took place at the VOX center for contemporary art in Montreal in 2013. This exhibition and film retrospective showcased Mangolte's various practices and modes of production, as one of the key chroniclers of 1970s performance in dance, visual arts and theater, ranging from early archival works to new site specific multi-media installations. Clausen will consider the complexity of Mangolte's practices in light of the current processes of change that are taking hold in the visual politics of performance arts’ past and present.
9
Allerston, Patricia. "The Ring Net : ring net herring fishing on the west coast of Scotland : a documentary exhibition by Will Maclean." Thesis, University of St Andrews, 1991. http://hdl.handle.net/10023/7071.
Full textAbstract:
This dissertation focuses on The Ring Net, a documentary exhibition by the artist Will Maclean. The Ring Net is a collection of drawings, photographs and printed plans numbering more than three hundred and forty items, which was originally shown at the 'Third Eye Centre, Glasgow in 1978. It subsequently toured to various venues, mostly in Scotland, and was later bought by The Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh where it is presently held. The project is based on a particular method of sea fishing which used to be practised on the West Coast of Scotland. The subject of fishing is a consistent feature in the work of Maclean, although this particular undertaking is somewhat unusual as the artist has chosen a documentary approach. The initial period of research for the project was enabled by an Edinburgh-based charitable organisation, the Scottish International Education Trust. The artist continued to work on the project for some time afterwards, and the eventual exhibition was not shown until four and a half years later. The aim of this dissertation is to look at The Ring Net in its context. The period of its making is explored in some depth, as is the showing of the project at the Third Eye Centre and the various venues included in its tour. Though the methods and media used in The Ring Net are discussed, they do not constitute the main objective of the work. More space has been devoted to the documentary aspect of the project and the effect this had on the finished result. Unpublished sources such as a series of letters from the artist to a collaborator in Kintyre have been used to some extent.
10
Clausen, Barbara. "Staging the documentary: Babette Mangolte and the curatorial ‘dispositif’ of performance’s histories." map - media archive performance ; 2014/5 (E-Journal, URL: http://www.perfomap.de, ISSN 2191-0901), 2014. https://slub.qucosa.de/id/qucosa%3A7328.
Full textAbstract:
Barbara Clausen thinks about the relationship between experience and knowledge in curating performance art. She will in particular explain her curatorial work on Babette Mangolte''s first international solo exhibition which took place at the VOX center for contemporary art in Montreal in 2013. This exhibition and film retrospective showcased Mangolte''s various practices and modes of production, as one of the key chroniclers of 1970s performance in dance, visual arts and theater, ranging from early archival works to new site specific multi-media installations. Clausen will consider the complexity of Mangolte''s practices in light of the current processes of change that are taking hold in the visual politics of performance arts’ past and present.
11
Thomaz, Vera Lucia Didonet. "Objetos de pesquisa em artes plásticas: documentos poéticos e relatórios imaginais." Universidade Tecnológica Federal do Paraná, 2015. http://repositorio.utfpr.edu.br/jspui/handle/1/1268.
Full textAbstract:
Se o que existiu e foi fotografado na paisagem urbana possibilitou a incorporação do que se tornou visível nos artefatos nominados Documentos poéticos, no acervo artístico e no projeto curatorial de exposições do Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli (2011-2014), como O Cânone pobre: uma arqueologia da precariedade na arte; em contraste, propiciou a organização dos Relatórios imaginais correspondentes à Coleção Objetos de pesquisa em artes plásticas, os quais existem, foram fotografados durante o experimento e, pelo viés histórico, incorporados ao acervo do Museu Paranaense e socializados no Pergamum (2012- 2014). Esse princípio metodológico para estruturar a investigação sobre o gesto fotográfico como ato criativo em espaços transitórios, das ações museológicas praticadas por seres humanos em relação com os objetos circundantes, assegurou inteligentes graus de interação além da época de nossa cidade Curitiba, ao sul do Brasil. Neste duradouro work in progress, fragmentário, porque é aberto e comunicável como deve ser seu destino, o objetivo acentuado é o de dizer e mostrar algo que se veja da entropia e da ruína na forma de arte em processo observado desde o início. As noções de ‘transitoriedade’, encontrada na Origem do drama barroco alemão; do ‘progresso’ e da ‘atualização’, no Livro de los pasajes, em que estão dispostos, respectivamente, os papéis dos “rollos” D [El tedio, eterno retorno] e N [Teoría del conocimiento, teoría del progreso], obras de Walter Benjamin (1892-1940), são colocadas em movimento dialético com a ‘fenomenologia’ e a ‘comunicação’, de Vilém Flusser (1920- 1991), em Los gestos, de fotografar entre distintos de ‘buscar’ a relação concreta entre o ‘sujeito conhecedor’, o ‘objeto cognoscível’ e a adaptação entre ambos, dando sentido ao que ‘move o observador’. Para novos modos de concretizar, ver, refletir sobre a arte, a ciência, a partir da dúvida que enfrenta o informe, no presente, a noção de ‘espaço’ como resultado da ligação ação-objeto-sujeito com a totalidade, vem da obra A natureza do espaço: técnica e tempo, razão e emoção, de Milton Santos (1926-2001). Na direção do recorte com resultados, foram incluídas as visões de mundo de artistas qual Albrecht Dürer (1471-1528) e Paul Klee (1879-1940), Kurt Schwitters (1887-1948) e Hannah Höch (1889-1978), da vanguarda alemã e dos contemporâneos norte-americanos Robert Smithson (1938-1973) e Gordon Matta-Clark (1943-1978), aptos a recordar o que pensavam fazer.If what existed and was photographed in the urban landscape has allowed the incorporation of what has become visible in the artifacts named Poetic documents, in the art collection and in the curatorial of exhibitions of Art Museum Ado Malagoli at Rio Grande do Sul (2011-2014), as The poor canon: the precariousness of archeology in fine arts; in contrast, this has led to the organization of Imaginal reports corresponding to the Collection Objects for research in Fine Arts, which exist, were photographed during the experiment, and for their historical bias, were incorporated in the collection of the Paranaense Museum as well as socialized in the Pergamum (2012-2014). This methodological principle of structuring research on the photographic gesture as a creative act in transitional spaces, of the museum actions taken by human beings in relation to surrounding objects, has assured intelligent degrees of interaction beyond the era of our city Curitiba, in the south of Brazil. In this long lasting work in progress, fragmentary, because it is open and communicable as its destination should be, the sharp goal is to show and tell something where entropy and ruin may be seen in the form of art in the observed process from the start. The notions of ‘transience’, found in the book Origin of the german baroque drama; of ‘progress’ and ‘updating’, in the Book of passages, in which are displayed, respectively, the roles of “rolls” D [Boredom, the eternal return] e N [Theory of knowledge, theory of progress], both writings by Walter Benjamin (1892-1940), are placed in dialectical movement with the ‘phenomenology’ and ‘communication’, by Vilém Flusser (1920-1991), in The Gestures, of photographing between differences of ‘searching for’ the concrete relationship between the ‘knowledgeable subject’, the ‘knowable object’ and adaptation between them, giving meaning to what ‘moves the observer’. For new ways of realizing, seeing, reflecting on the art, science, staring from doubt that emerges from the report, at present, the notion of ‘space’ as a result of the binding relationship action-object- subject with totality, comes from the work The nature of space: technique and time, reason and emotion, by Milton Santos (1926- 001). In the direction of the clipping with results, were included worldviews of artists such as Albrecht Dürer (1471-1528) and Paul Klee (1879- 1940), Kurt Schwitters (1887-1948) and Hannah Höch (1889-1978), of the German avant- garde and of the contemporary Americans Robert Smithson (1938-1973) and Gordon Matta- Clark (1943-1978), all able to remember what they thought to do.
12
Cassola, Virginia. "L’Arabie saoudite : musées, territoires, identités : collectes et expositions de l’objet archéologique." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0286/document.
Full textAbstract:
Qu’apportent la collecte et l’exposition des objets préislamiques et islamiques dans la définition d’un rapport spécifique entre l’Arabie saoudite et ses objets archéologiques ? Il s’agit de rendre compte de l’activité de conservation saoudienne « consciente et systématique » pour comprendre la manière dont des objets archéologiques sont parvenus à incarner un pan du « patrimoine » du berceau de l’Islam. L’étude de la collecte et de l’exposition d’objets archéologiques dans une approche centrée sur l’objet doit permettre de décrire les évolutions de sens donnés aux objets préislamiques et islamiques en Arabie saoudite. Le propos est organisé en deux parties. La première a pour objectif de présenter, et le processus de collecte de l’objet archéologique en Arabie ottomane puis saoudite (1761-1981), et ses conséquences sur la reconnaissance des objets archéologiques transformées en antiquités nationales. Un suivi chronologique a été privilégié, depuis les missions ethnographiques, épigraphiques et archéologiques menées entre 1761 et 1953 par des étrangers jusqu’à la nationalisation saoudienne de l’archéologie avec la création d’un Département des Antiquités et Musées en 1963 et d’un Département d’Archéologie à la King Saud University en 1966, et le lancement d’un premier plan quinquennal de fouilles archéologiques entre 1976 et 1981. La seconde partie présente le processus d’exposition publique de ces nouvelles antiquités nationales. Le déroulé chronologique est poursuivi pour rendre compte de trois contextes d’exposition de ces antiquités entre 1978 et 2015 : en musées régionaux, en musée national, et dans le cadre d’expositions temporaires à l’étranger. Le récit de ces expositions amène à percevoir les transformations sémiotiques des objets archéologiques et à véritablement présenter la reconnaissance du passé préislamique de l’Arabie saouditeWhat do the processes of collection and exhibition of pre-Islamic and Islamic objects bring to the definition of a specific relationship between Saudi Arabia and its archaeological objects? The objective is to describe the “conscious and systematic” Saudi conservation activities to understand how archaeological objects have come to embody pieces of the cradle of Islam’s “heritage”. To study the collection and exhibition of archaeological objects from a centred-object approach should allow the understanding of the recognition given to pre-Islamic and Islamic objects in Saudi Arabia. The thesis is organized in two parts. The first aims to introduce the collection process of archaeological objects in Ottoman and Saudi Arabia (1761-1981) as well as its impact on the recognition of archaeological objects transformed into national antiquities. A chronological track is privileged, from ethnographic scientific missions to epigraphic and archaeological ones conducted between 1761 and 1953 by foreigners, to the Saudi nationalization of archaeology along with the creation of a Department of Antiquities and Museums in 1963 and of a Department of Archaeology at the King Saud University in 1967, and the launch of a first five-year plan of archaeological excavations between 1976 and 1981. The second part presents the public exhibition process of these national antiquities. The chronological path followed in the first part is pursued to account for three exhibition contexts of these antiquities between 1978 and 2015: in regional museums, in the National Museum, and within temporary exhibitions abroad. The presentation of these exhibitions leads to the understanding of both the semiotic transformation of collected archaeological objects and the inner recognition of the pre-Islamic past of Saudi Arabia
13
Nogueira, Marta Maria Gonçalves Bilreiro Fialho. "A difusão cultural no Arquivo Nacional e Arquivos distritais portugueses: exposições documentais (1990-2009)." Master's thesis, Universidade de Évora, 2012. http://hdl.handle.net/10400.26/4140.
Full textAbstract:
Dissertação de mestrado, Escola de Ciências Sociais, Universidade de Évora, 2013A presente dissertação, intitulada A difusão cultural no Arquivo Nacional e Arquivos distritais portugueses: as exposições documentais (1990-2009), visa constituir um contributo para a reflexão teórica sobre uma das funções dos Arquivos, a difusão, especificamente a difusão cultural. Pretende-se aprofundar o seu actual enquadramento teórico e contribuir para o conhecimento da prática desta função no Arquivo Nacional e nos Arquivos distritais e equiparados, com incidência nas exposições documentais. Numa abordagem que parte da ideia de consolidação dos Arquivos enquanto entidades reconhecidas e valorizadas por um público geral, objectivamos um aprofundamento da exposição enquanto meio de difusão do património arquivístico com a identificação de um conjunto de boas práticas para a produção de exposições documentais. O estudo pretende contribuir para o alargamento da reflexão teórica da difusão cultural na Arquivística portuguesa e contribuir para um maior conhecimento da prática dessa função.
This study, entitled Public outreach in the National Archives and Portuguese district archives: exhibitions of documents (1990-2009), is a contribution to a theoretical framework on one of the Archives missions: the public outreach. Our purpose is to deepen their current theoretical framework and contribute to the knowledge of the practice of this mission at the National Archives, district archives and equivalent archives, focusing on exhibitions mainly with documents. Starting from the idea of consolidation of Archives as socially valued entities by the general public, the concept of exhibition as means of outreach of the documental heritage is deepened with the identification of a set of best practices for exhibitions of documents. The study aims to contribute to the enlargement of the theoretical framework of public outreach in Portuguese Archives and contribute to a better understanding of the practice of this mission.
14
Adjedj, Marie. "Déhiérarchiser l'art : usages et fonctions du document au tournant des années 1970." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0039.
Full textAbstract:
À la fin des années 1960, dans un contexte de crise de légitimité des institutions, de nombreux artistes s’opposent au contrôle du système marchand-critique et muséal. Certains marchands, critiques et commissaires d’exposition s’associent à cette parole, et tâchent de déhiérarchiser le monde de l’art. Parmi eux : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi et Seth Siegelaub, ainsi que Kynaston McShine et Harald Szeemann. Les enjeux de leurs démarches ne se situent ni dans la négation des appareils de l’art, ni dans la redéfinition de leurs fonctions, mais dans la construction d’une position de sujet non surplombante. Pour ce faire, ils investissent le document au titre de ses économies qui relèvent du marché de l’art, de l’édition, de méthodes, toutes corrélées, dans le contexte de l’art conceptuel et post-minimal, à des œuvres et écrits d’artistes. Chacun des acteurs étudiés déploie sa pratique à l’aune d’un régime de l’information, qui suppose une collaboration étroite avec les artistes afin de leur restituer le contrôle sur la circulation de leurs œuvres et les discours qui sont produits à leurs sujets. Toutefois, dans son occurrence critique, le régime de l’information ne suppose aucunement le silence des critiques d’art. Dans les démarches de Germano Celant et Lucy Lippard, les discours critiques sont préservés, mais selon des modalités qui entendent déléguer au public l’une de ses opérations, qui est l’interprétation. Conjointement, le régime de l’information est confronté à la difficile conciliation entre la défense d’une autoréférentialité de l’art et des ambitions politiques élargies à la société. Cette situation donne lieu à des devenirs variables des démarchesAt the end of the 1960’s, in a context of serious crisis of institutional legitimacy, number of artists defy the power and control of art market, criticism and museum. Some dealers, critics and curators join in and intend to de-hierarchize the art world. Among them : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi and Seth Siegelaub, along with Kynaston McShine and Harald Szeemann. What is at stake in their practices does not have to do with denying the art system, neither defining new functions for the middle-men, but is about occupying a position which would no longer be authoritarian. To do so, they relate their research to the document, considered as an operating mode involving trading, editing and methods. This operating mode is interrelated to art works and artists’ texts in a context of conceptual and post-minimal art. The ones who are part of this study develop their practices as an informational system, which suppose a close cooperation with the artists in order to restore their control on the circulation of their own works, along with their authority on the discourses about them. Nevertheless, the art criticism declination of this informational system does not suppose the absence of discourses from the art critics. In the cases of Germano Celant and Lucy Lippard, criticism is stable, even though they intend to delegate interpretation to the audience. Concomitantly, the informational system has to face the difficulty of articulating the defense of a self-referential art with political ambitions enlarged to society. This difficulty is solved by various ways, between drop out and strengthened practices of document
15
Koumousi, Evangelia S. "Synthesis and characterization of dinuclear {Fe(μ-CN)Co} complexes exhibiting metal-to-metal electron transfer properties." Thesis, Bordeaux, 2015. http://www.theses.fr/2015BORD0306/document.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur la synthèse de nouveaux complexes binucléaires à ponts cyanures de type {Fe(μ-CN)Co}, qui reproduisent au sein d'une seule molécule les propriétés originales du réseau de coordination d'analogue de bleu de Prusse AxCo[Fe(CN)6]y•nH2O (A=ions alcalins), i.e. un transfert d'électron intramoléculaire thermo- et photo-induit à l'état solide. Au sein de ce travail, nous nous sommes intéressés à l'étude des propriétés physiques des paires moléculaires Fe/Co, avec l’objectif de comprendre les mécanismes du phénomène de transfert d'électrons. Le chapitre I contient les exemples les plus représentatifs des réseaux de coordination d'analogues de bleu de Prusse et de leurs analogues moléculaires Fe/Co, en se concentrant sur les techniques utilisées pour comprendre leurs propriétés photomagnétiques et les stratégies synthétiques employées pour contrôller leur dimensionnalité et obtenir ces analogues moléculaires. Les bases théoriques du transfert d'électron ainsi que la motivation de ce travail sont décrites à la fin du chapitre. Après une introduction sur l’utilisation des briques moléculaires employées au cours de ce travail à travers l’étude de leurs potentiels redox, le chapitre II est consacré à la synthèse et la caractérisation de nouveaux composés dinucléaires à ponts cyanures Fe/Co. Des études structurales, spectroscopiques, magnétiques, photomagnétiques, diélectriques et d’absorption des rayons-X révèlent qu'un transfert d’électron métal-métal peut être déclenché à l'état solide en faisant varier la température et par application de la lumière. Dans le chapitre III est présenté l'influence de l'environnement des complexes binucléaires Fe/Co, à savoir les contre-ions, sur le transfert d’électron thermo- et / ou photo-induit à l'état solide. Enfin le chapitre IV porte sur la possibilité de transférer le phénomène de transfert d'électron des paires Fe/Co étudiées de l'état solide à la solutionThis thesis is dedicated to the synthesis of new dinuclear cyanido-bridged Co/Fe complexes, which mimics on a single molecule the original properties of the coordination network of Prussian Blue Analogues AxCo[Fe(CN)6]y•nH2O (A= alkaline ions), i.e. intramolecular thermal and photo-induced electron transfer in the solid state. We focus on the study of the physical properties of the simplest Fe/Co PBA, a dinuclear complex, with the hope to understand the fundamental concepts of this fascinating phenomenon. Chapter I contains the most representative examples of Fe/Co PBAs, focusing on the synthetic strategies employed in order to obtain Fe/Co PBAs of different dimensionalities and the techniques used to understand their photomagnetic properties. The theoretical background of the electron transfer phenomenon and the motivation of our work are described in the end of the chapter. After introducing the choice of the building blocks used in this work through the study of their redox potential properties, chapter II is devoted to the synthesis and the characterization of a novel dinuclear Fe/Co cyanido-bridged complex, which exhibits metal-to-metal electron transfer properties in solid state triggered by temperature and light. The ET phenomenon has been also studied by X-ray absorption spectroscopy and dielectric measurements. In Chapter III is illustrated the influence of the environment content of the dinuclear Fe/Co complexes, such as the counter ions, on the occurrence of the thermally and/or photo-induced electron transfer in solid state, thus highlighting the versatility of these molecular materials. Finally in chapter IV, the possibility of transferring the electron transfer phenomenon of the studied Fe/Co pairs from solid state to solution is investigated
16
Campaneli, Juliana Okuda. "A fotografia documental no museu de arte: dissonâncias e consonâncias." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-04042013-092536/.
Full textAbstract:
Essa dissertação tem como objetivo principal identificar os mecanismos envolvidos na inserção da fotografia documental em museus de arte, durante a década de 1970, na cidade de São Paulo. São apresentados três estudos de caso sobre exposições fotográficas, de caráter temático, realizadas nesse período: A família Brasileira, realizada no Museu de Arte de São Paulo, em 1971; Xingu/Terra, parte integrante da 13ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1975; e Bom retiro e luz: um roteiro, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, em 1976. A análise dos formatos das mostras e dos processos envolvidos em sua realização revelam dissonâncias e consonâncias entre os objetivos e interesses de seus proponentes e/ou realizadores. As exposições também são investigadas do ponto de vista das relações políticas da época, pois há a intenção de identificar as funções sociais adquiridas pela fotografia em seu processo de institucionalização.This dissertation aims to identify the main mechanisms involved in the inclusion of documentary photography in art museums during the 1970s, in São Paulo. It presents three case studies about thematic and essay format photo exhibitions, accomplished at this period: A família brasileira, held at the Museu de Arte de Sao Paulo, in 1971; Xingu/Terra, part of the 13th Bienal International São Paulo, in 1975, and Bom retiro e luz: um roteiro in the Pinacoteca do Estado de Sao Paulo, in 1976. The analysis about the exhibitions formats and processes involved in their realization reveals dissonances and consonances between the purposes and interests of their proponents and/or directors. The exhibitions are also investigated from the standpoint of political relations of the time, because the intention is to identify the social functions of photography acquired in the process of its institutionalization.
17
Plaquet, Aurélie. "Design of molecular switches exhibiting second-order nonlinear optical responses : ab initio investigations and hyper Rayleigh scattering characterizations." Thesis, Bordeaux 1, 2011. http://www.theses.fr/2011BOR14268/document.
Full textAbstract:
Les interrupteurs moléculaires sont des composés capables de commuterréversiblement entre deux ou plusieurs états stables en réponse à un stimulusextérieur. Lʼobjectif de la thèse est la conception dʼinterrupteurs moléculairesprésentant des contrastes optiques non-linéaires (ONL) et la mise évidence desparamètres structuraux et électroniques menant à dʼimportants contrastes depremière hyperpolarisabilité (β) via une approche multidisciplinaire qui combine lasynthèse de nouveaux composés, la caractérisation de leurs réponses optiqueslinéaires et non-linéaires par spectroscopie dʼabsorption UV-visible et par diffusionhyper-Rayleigh et lʼutilisation des méthodes de la chimie théorique afin de prédire etdʼinterpréter les propriétés moléculaires. Ces phénomènes de commutationsréversibles et les changements de propriétés qui les accompagnent présentent denombreux intérêts, tant technologiques comme lʼélaboration dʼordinateursmoléculaires quʼau niveau des organismes vivants où de nombreuses fonctionsbiologiques sont basées sur un phénomène de commutation. Les principaux résultatsde nos travaux se situent au niveau de lʼinterprétation des réponses ONL et de leurscontrastes en fonction de la nature, de la position et du caractère donneur/accepteurdes substituants présents sur le squelette des interrupteurs moléculairesMolecular switches are compounds presenting the ability to commutereversibly between two or more states in response to external stimuli. The goal of thework is the design of molecular switches exhibiting contrasts of their second-ordernonlinear optical (NLO) properties and the highlight of the structural and electronicparameters leading to large contrasts of first hyperpolarizability (β) via amultidisciplinary approach combining the synthesis of new compounds, thecharacterization of their linear (by UV-Visible absorption spectroscopy) and nonlinearoptical properties (by hyper Rayleigh scattering), and the theoretical simulations inorder to predict and interpret molecular properties. These reversible switchingprocesses and the resulting variations of molecular properties have many interests intechnological area such as the development of molecular computers or in lifesciences since many biological functions are based on commutation mechanisms.The major results of our investigations are the interpretation of the NLO responsesand contrasts as a function of the nature, the positioning, and the donor/acceptorcharacter of the substituents
18
Nur, Goni Marian. "Réparer (avec) l'archive ? Histoires de photographies somalies et de leurs circulations (1890-2016)." Thesis, Paris, EHESS, 2017. http://www.theses.fr/2017EHES0092/document.
Full textAbstract:
Cette thèse suit les trajectoires de quelques images choisies, d'abord réalisées sur et puis par des hommes et des femmes somalis de la Corne de l'Afrique depuis la fin du 19ème siècle à nos jours.Supports et vecteurs de la production et diffusion de savoirs anthropologiques auXIXème siècle, notamment dans le cadre d'exhibitions ethnographiques somalies en Europe - dont l'étude propose une reconstruction chronologique à partir de 1890 - ou au cours de missions d'explorations à caractère politico-commercial, ce travail entreprend d’étudier modalités et contextes de production, appréciation et filiation des « images somalies » produites en France dans les milieux savants et populaires.L’étude des circulations et réappropriations de quelques-unes de ces images historiques sur Internet, pour servir des enjeux contemporains, a conduit ensuite à analyser comment, à l’ère numérique, une jeune génération issue de la diaspora somalienne prend aujourd'hui la parole (et questionne ainsi qui peut parler et comment) à travers des projets de blogs/sites et tente ainsi de constituer (réparer ?) une « autre » archive photographique somalie. Ce faisant, elle interroge à la fois l’image du pays dans le médias internationaux (image associée, en grande partie, à la famine, au terrorisme islamique, à la piraterie et/ou à l’« État en faillite ») et les modalités de transmission d’autres mémoires, enfouies, de ce pays, dans un contexte de « destruction de l’histoire ».Enfin, la troisième et dernière partie de l’étude s'intéresse brièvement aux pratiques photographiques observées à Djibouti de 2010 à 2012, ici aussi avec une attention particulière à la manière dont les images produites ont été (ou sont aujourd’hui) conservées.Ce travail fait le pari d’une écriture de l’histoire (en cours) qui assume les manques et les vides – point que partagent ici chercheuse et sujets de la recherche - et s’élabore à partir de fragments (matériels tout autant que numériques) en mouvement, en s’efforçant de mettre en relief comment leurs circulations affectent à chaque fois leur compréhension et significationsThis thesis traces the trajectories of some selected images, first taken of and then by Somali men and women from the Horn of Africa since the late 19th century to the present.Taken during ethnographic exhibitions of Somalis in Europe (of which this workproposes a detailed timeline since 1890) or commercial and political exploration missions to East Africa, these photographs have been both the medium and vector through which a certain knowledge has been produced and circulated concerning these people. This study undertakes, therefore, to examine the modes and contexts ofproduction, consumption and filiation of these "Somali images" in learned societies and popular newspapers in France.The study of the circulation and reappropriation of these historical images today on the Internet to serve contemporary purposes then leads to an analysis of how, in the digital era, a young, Internet-savvy generation from the Somali diaspora is now reclaiming its voice (raising questions about who can speak and how) through new website and blog projects, which attempt to establish (or mend?) an alternative Somali photographic archive. Thus, these projects both question the image of Somalia in the international media (an image associated, to a great extent, with famine, Islamic terrorism, piracy and "failed states") and offer new ways of preserving and transmitting other, often buried, memories of this country and its past before the civil war in the context of a certain "destruction of history".Finally, the third and last part of this study briefly revolves around photographicpractices observed in Djibouti during fieldwork from 2010 to 2012, here again with aparticular attention to the ways in which images are produced and conserved.This thesis raises the challenge of writing an on-going history that embraces itslacunae and voids – a feature that the researcher and the "subjects" of the research share – based on evolving material and digital fragments, in an attempt to highlight how their circulations profoundly affect their meanings and they ways in which we understand and make sense of them
19
Chorney, Daniel B. "Social status and behavioral observations of children exhibiting comorbid anxiety & ADHD symptoms." Morgantown, W. Va. : [West Virginia University Libraries], 2006. https://eidr.wvu.edu/etd/documentdata.eTD?documentid=4463.
Full text
20
Migayrou, Agathe. "Des femmes sur le devant de la scène : modalités, contextes et enjeux de l’exhibition des femmes dans les spectacles à Rome et dans l’Occident romain, de César aux Sévères." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H030/document.
Full textAbstract:
Analyser les spectacles romains du théâtre, de l'amphithéâtre et du cirque dans une démarche d'histoire sociale permet de les appréhender comme un élément structurant de la culture et de la société romaine et comme un espace-temps de la vie publique à travers lequel il est possible d'observer de manière privilégiée cette société, les différents groupes qui la composent et les relations qui se nouent entre eux. Ces performances spectaculaires avaient lieu dans le cadre de grandes célébrations publiques (les ludi et les munera) et occupaient une place ambiguë dans la société romaine. Malgré leur succès croissant et leur rôle majeur dans la vie publique, elles étaient moralement dénigrées. Strictement séparées de la sphère civique, elles étaient par conséquent accessibles aux femmes. Celles-ci pouvaient non seulement y assister mais également s'y produire, ce qui leur conférait une visibilité exceptionnelle dans l'espace public. Les pratiques d'exhibition dans les spectacles, attestées aussi bien par les sources littéraires qu'épigraphiques, sont révélatrices des contradictions de la société romaine : malgré leur discrédit, elles fournissaient aux individus, en fonction de leur statut, une source de revenus non négligeable et un outil médiatique majeur. L'exhibition des femmes dans les spectacles romains donne ainsi un aperçu de leur place dans cette société. Dans la continuité des études sur les femmes et le genre, il ne s'agit pas de déconnecter l'histoire des femmes de celle des hommes et du reste de la société, mais d'étudier des pratiques sociales mixtes en précisant la place qu'y occupaient les femmes et la signification de leur intégration à ces pratiquesAnalyzing the Roman performances of theatre, amphitheatre and circus in a social history approach makes it possible to understand them as a structuring element of Roman culture and society and as a time-space of public life through which it is possible to observe in a privileged way this society, the different groups that compose it and the relations that are formed between them. These spectacular performances took place within the framework of large public celebrations (the ludi and munera) and occupied an ambiguous place in Roman society. Despite their growing success and major role in public life, they were morally denigrated. They were therefore accessible to women because strictly separated from the civic sphere. Women could not only attend but also perform, giving them exceptional visibility in the public space. The practices of exhibition in perfonnances, attested by both literary and epigraphic sources, reveal the contradictions of Roman society: despite their discredit, they provided individuals, according to their status, with a significant source of income and a major media tool. The exhibition of women in Roman shows gives a glimpse of their place in this society. In the continuity of studies on women and gender, it is not a question of disconnecting women's history from that of men and the rest of society, but of studying mixed social practices by specifying the place that women occupied in them and the significance of their integration into these practices
21
Gonzalez-Ayala, Sofia Natalia. "Black, Afro-Colombian, Raizal and Palenquero communities at the National Museum of Colombia : a reflexive ethnography of (in)visibility, documentation and participatory collaboration." Thesis, University of Manchester, 2016. https://www.research.manchester.ac.uk/portal/en/theses/black-afrocolombian-raizal-and-palenquero-communities-at-the-national-museum-of-colombia-a-reflexive-ethnography-of-invisibility-documentation-and-participatory-collaboration(e40c8594-35c7-49b9-af1c-ccca82cb335f).html.
Full textAbstract:
The subject of this thesis is the temporary and travelling exhibition Velorios y santos vivos: comunidades negras, afrocolombianas, raizales y palenqueras [Wakes and living saints: Black, Afro-Colombian, Raizal and Palenquero communities]. ‘Velorios,’ as many people involved in the project referred to it, portrayed Afro-Colombian funerals and devotions to Catholic saints, and was on display in the temporary exhibitions hall in the National Museum of Colombia, in Bogotá, from 21 August to 3 November 2008. Before it closed, a travelling version was designed that began to go around the country in 2009. When I wrote this thesis, ‘the Itinerante,’ as the travelling version was referred to at the Museum, was still available as one of the displays that its Travelling Exhibitions Programme (TEP) offered to the public. I use Velorios and the Itinerante as the main ‘characters’ in an ethnography of the National Museum of Colombia, where I explore the different instances in which this major exhibition produced visibilities and invisibilities regarding the place of Afro-Colombian people in the nation. As a museum, this institution is responsible for managing, researching and displaying its four collections (of art, history, ethnography and archaeology) but also, as one of the Ministry of Culture’s ‘special administrative units,’ it is in charge of designing and implementing policies that regulate all the other museums in Colombia. This is in keeping with national and international official legislation regarding cultural heritage, like the National Culture Plan and UNESCO’s resolutions, and in support of the development and strengthening of museums, museology and museum design in the whole country. Here I show what these responsibilities and duties translate into on the ground. The themes that the thesis explores are i) (in)visibility, ii) participatory collaboration and, also as the means to approach these themes, iii) documents and documentation. They are all components of the kind of curatorship that this museum exhibition conveyed.
22
Burgi, Gary. "L'art urbain des graffitis : expérimentation des frontières esthétiques." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080131/document.
Full textAbstract:
Un graffiti est exposé à la vue de tous dans la rue : lieu du passage, de l’échange, de l’intenseproximité. Un regard doit-il/peut-il se constituer, se conformer à un lieu d’approximation, dedistance, de rencontre, de conflit ?Or, exposer ce type d’oeuvre ailleurs, semble, a priori, une hérésie ; sa décontextualisation, unpléonasme. En quoi l’acte d’exposer contredit-il cette pratique urbaine, si, littéralement, un graffitiest directement accessible à nos sens, exposé ? Le mur est-il une frontière qui fait écran, entre lemonde du réel et de l’irréel ?Une représentation persiste inconsciemment : l’art urbain peut aussi faireconsensus. Comment autrui intervient-il dans ce type de représentation ?Avec des hypothèses élaborées à partir d’oeuvres urbaines, un corpus d’image constituera uneméthode de recherche pour engager un dialogue avec le corps du passant, suivant les modalités deproduction ou de création de cette vision de graffiti.Une expérimentation des frontières esthétiques, peut-elle rendre compte, a posteriori, dudevenir de l’anonymat d’une oeuvre d’art réalisée sur les surfaces anonymes et phénoménales de laville ?La comparaison du corps d’un être humain à celui d’une ville, est-elle fortuite ? Cetteréduction de l’homme au mur, dit métaphoriquement, est-elle constitutive de rapportshumains ? Réels, fictifs ? Relatifs ?Comment l’art peut-il former dans l’urgence un regard historique, voire collectif, sans ladistance ?A graffiti is exposed for every body in the street : place of passage, exchange, of the intenseproximity. Should or could a glance be able to constitute itself or to observe itself, a place ofapproximation, of distance, of meeting, of conflict ?But, to expose this type of work elsewhere, seems, a priori, a heresy ; its decontextualization,a pleonasm. How does the act of exposing contradict this urban practice, if, literally, a graffiti isdirectly accessible to our senses, exposed ? Is the wall a boundary between the real and the unreal ?A representation persists unconsciously : urban art can also make a consensus. How doesanother person intervene in this type of representation ?With hypotheses developed from urban works, a corpus of images will constitute a researchmethod for engaging a dialogue with the body of the passer-by, according to the modalities ofproduction or creation of this vision of graffiti.Can an experiment on aesthetic borders explain, a posteriori, the future of the anonymity of apiece of art produced on the anonymous and phenomenal surfaces of the city ?Is the comparison between the body of a human being and the corpse of a city, fortuitous ? Isthis reduction of the man to the wall, metaphorically speaking, constitutive of human relationships ?Real, fictional ? Relative ?How can art form in the emergency a historical view and collective, without distance ?
23
Fichaux, Etienne. "Le design comme dispositif communicationnel entre l’art et l’industrie." Thesis, Rennes 2, 2012. http://www.theses.fr/2012REN20001/document.
Full textAbstract:
Le but de ce travail de recherche est de construire théoriquement le design comme dispositif communicationnel, d’abord entre deux entités abstraites ou deux “sociétés anonymes” que sont l’art et l’industrie. Ainsi, la première partie a pour objet la définition et l’évolution du sens des mots “art”, “industrie”, “design”. Une deuxième partie vise à définir un concept de design qui se distingue de l’actualisation constituée par le phénomène “design industriel” au cours du dix-neuvième et duvingtième siècle. La troisième partie cherche à mettre en lien ce phénomène avec l’émergence de la scène médiatique et de l’exposition universelle afin de produire la modernité comme religion de l’ère industrielle. Cet ouvrage théorique se propose aussi de mesurer en quoi l’art est altéré par le système industriel, et inversement comment les artistes parviennent à faire progresser une exigence esthétique dans ce système socio-économiqueThe aim of this research was to build in theory a concept of design as a communication device, first between two groups or moral persons : art and industry. The first part seeks for a definition of “art”, “industry”, “design” ; the emergence and evolution of these notions. A second part is aimed at building a concept of design that would distinguish itself from the usual definition of design understood only in its industrial extent, which is a phenomenon limited to the nineteenth and twentieth centuries. The third part is an attempt to link this phenomenon with that of the emergence of a mediatic worldwide scene and universal exibition in order to produce modernism as a religion for the industrial era. This theoretical work also offers to measure how art is being modified by and through this industrial system, and on the other hand how some artists make the dream of a greater aesthetical attention progress in this system
24
Froger, Lilian. "Photographier pour publier : les livres de photographies de Homma Takashi, Kawauchi Rinko, Sanai Masafumi et Yamamoto Masao." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20034/document.
Full textAbstract:
Depuis le début de leur reconnaissance artistique dans les années 1990, les photographes japonais Homma Takashi (né en 1962), Kawauchi Rinko (née en 1972), Sanai Masafumi (né en 1968) et Yamamoto Masao (né en 1957) ont publié de très nombreux ouvrages. En privilégiant le livre à l’exposition pour la présentation de leurs oeuvres, ils en ont fait un espace de confrontation entre des réflexions occidentales et des modèles nationaux traditionnels déjà existants, notamment esthétiques et littéraires. On observe aussi, chez ces photographes puisant leur inspiration dans leur environnement immédiat, des similitudes dans les thèmes photographiés, les démarches de production, tout comme dans les choix de mise en page des clichés.Au sein d’une étude élargie de l’histoire du livre de photographies au Japon, la démarche exemplaire de ces quatre artistes permettra de développer et d’analyser comment les pratiques de publication de la photographie ont pu nourrir, et nourrissent encore, le renouvellement de la photographie japonaise contemporaine. L’emploi du livre, objet aisément transportable, manipulable et reproductible, impose également de s’interroger sur la diffusion et sur la réception du travail de ces artistes, au Japon comme à l’étranger. En effet, le livre est aussi à envisager comme un médium qui matérialise les échanges entre l’Extrême-Orient et l’OccidentSince the beginning of their artistic recognition in the 1990s, Japanese photographers Homma Takashi (born in 1962), Kawauchi Rinko (1972-), Sanai Masafumi (1968-) and Yamamoto Masao (1957-) have published numerous photobooks. By favouring the book over the exhibition to display their works, they turned it into a space where Western reflections and traditional Japanese models intersect, especially aesthetic and literary ones. The four photographers all take their inspiration from their own environment, but similarities can also be observed in the photographic subjects, production processes and page settings.In an expanded study of the history of photobooks in Japan, the exemplary approaches of these four artists will enable to develop and to analyse how photography publishing practices have fed – and are still feeding – the renewal of Japanese contemporary photography. Using the book (an object that can be easily carried, handled and mechanically reproduced) makes it necessary to wonder about the circulation and the critical reception of the artists’ work, both in Japan and abroad. Indeed, the book has to be considered as an artistic medium that materialises the relationships between the Far East and the West
25
Pascal, Brice. "Les Expositions Muséales du Débarquement de Normandie : essai de Muséohistoire." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30070/document.
Full textAbstract:
Cette recherche doctorale porte sur la construction du récit muséal d’un évènement historique majeur du XXe siècle : le Débarquement en Normandie du 6 juin 1944. La Basse-Normandie est un territoire, aujourd’hui marqué par la présence de près d’une trentaine de structures muséales et de lieux de mémoire. Quel discours sur le Jour-J est-il délivré ? Que contient-il ? Sur quels aspects historiques insiste-il ? Au contraire, quels éléments sont passés sous silence ? La narration délivrée dans la région est mise en rapport à l’historiographie la plus récente mais est également comparée aux expositions de musées blockbusters que sont l’Imperial War Museum de Londres, le Musée de l’Armée de Paris et le Musée Royal de l’Armée de Bruxelles. Cette démarche, en plus de nous conduire à déterminer l’existence -ou non- d’un récit typiquement normand, doit nous permettre d’analyser les messages portés par ces structures et de comprendre à qui ils s’adressent en prioritéHis PhD thesis focuses on the museal story construction of one the XXth century main historic event: the landing of June 6, 1944. Nowadays, Lower Normandy is a territory scattered with almost thirty museums and memorials. What is the speech about D-Day? What is it made of? On which aspects does it insist? And which ones are ignored? The storytelling of this region is compared to the newest historiography and also to exhibitions of blockbusters’ museums such as the London’s Imperial War Museum, Paris’s Army Museum and the Royal Museum of the Armed Forces and Military History of Brussels. In this approach, we'll try to determine whether a specific speech from Normandy exists or not, and we will also analyse the museums' discourses as well as to whom they are addressed
26
Castel, Mathilde. "La muséologie olfactive, une actualisation résonante de la muséalité de Stránský par l'odorat." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA053/document.
Full textAbstract:
A l’instar d’autres médiums, la muséologie permet de rendre compte d’une manière dont l’homme s’approprie spécifiquement la réalité. Cette dernière consiste à y sélectionner des objets, à les prélever, puis à les agencer dans le cadre d’expérience que constitue le musée afin de créer ce que l’on appelle une réalité muséalisée : addition de savoirs contenus dans les objets, manifestés par l’exposition, puis proposés à l’acquisition par l’intermédiaire de sa visite. Cette relation spécifique de l’homme à la réalité est appelée muséalité et telle que ci-dessus relatée, renvoie aux travaux du muséologue Zbynĕk Zbyslav Stránský pour qui la collection d’objets revêt une place centrale au sein du système muséal. Mais à l’heure du numérique connecté et de la possibilité que nous avons de voir les éléments de la réalité sans se trouver physiquement en leur présence, l’importance accordée à la collection d’objets par Stránský semble rendre sa conception de la muséalité obsolète à penser la muséologie. Prenant par conséquent appui sur les travaux du sociologue et philosophe Hartmut Rosa, et notamment sur leur désignation du rôle joué par la perception olfactive dans la qualité de notre relation au monde, la présente recherche s’attache à démontrer que si inadéquation il y a entre les théories de Stránský et l’actualité de l’appropriation de la réalité par l’homme, elle n’incombe pas tant à la dimension physique des objets de musées, qu’à la mono-sensorialité des moyens dont il nous est permis de les entretenir. Alliant la théorie à la pratique, ce travail argumente le fait qu’actualisé au prisme du concept de résonance proposé par Rosa, les travaux de Stránský jouissent encore d’une légitimité à penser les muséologies d’aujourd’hui et de demainLike other mediums, museology shows a way in which man specifically appropriates reality. It consists in selecting objects from it, taking them out and arranging them in the museum's experimental setting in order to create what is called a musealized reality: addition of knowledge contained in objects, manifested by the exhibition, and offered for acquisition through the visit. This specific relation of man to reality is called museality and as mentioned above, refers to the work of the museologist Zbynĕk Zbyslav Stránský for whom the collection of objects is central to the museum system.But in the age of digital and the possibility that we have to see the elements of reality without being physically with them, the importance given to the collection of objects by Stránský seems to make his conception of museality obsolete to think museology.Taking as a result the work of the sociologist and philosopher Hartmut Rosa, and in particular his designation of the role played by olfactory perception in the quality of our relationship with the world, the present research endeavors to demonstrate that if there is a mismatch between Stránský's theories and the actuality of the appropriation of reality by man, it is not so much because of the physical dimension of museum objects than the mono-sensoriality of the means of which we are allowed to maintain them. Combining theory with practice, this work argues that, updated by the concept of resonance proposed by Rosa, Stránský's works still have a legitimacy to think about museologies of today and tomorrow
27
Humbert, Candice. "L'élaboration d'une culture artistique régionale : Grenoble et ses artistes de 1796 à 1853 : (volume 1 - texte)." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016GREAH020/document.
Full textAbstract:
Notre étude sur L’Élaboration d’une culture artistique régionale […] se propose d’explorer le fait artistique en Dauphiné au cours de la première moitié du XIXe siècle. Portée par la dynamique du questionnement sur l’identité culturelle régionale, notre recherche a pour but de combler un manque mais également de répondre à une attente de connaissance sur cette période pourtant délaissée à l’échelle locale mais qui fut généreuse en échanges et en expérimentations. Il s’agit d’expliciter la corrélation entre les composantes artistiques, institutionnelles et sociales du milieu culturel dauphinois afin d’apprécier leurs rôles et leur importance. Pour ce faire, notre champ d’étude a été circonscrit à la peinture, la sculpture et au dessin, en raison de leur présence majoritaire dans les Salons. Par ailleurs, il faut préciser que le territoire du Dauphiné, depuis 1790, regroupe les départements de l’Isère, de la Drôme et des Hautes-Alpes. Toutefois, le principal département analysé dans notre enquête demeure l’Isère et plus particulièrement la ville de Grenoble qui concentre l’activité artistique régionale. Aussi, comment la vie artistique locale s'est-elle structurée à partir d'institutions? Quelle a été l'importance des actions individuelles engagées pour son développement ? L’étude de la genèse et des fondements des institutions grenobloises où se révèlent l’existence d’une classe de dessin, d’un musée, d’un Salon et d’une Société des Amis des Arts, montre d’une part les différents investissements collectifs et individuels. L’exploration du patrimoine local, de même que l’intérêt des Grenoblois pour l’art et les activités culturelles vérifient le fait que Grenoble et ses habitants se souciaient du développement des beaux-arts. D’autre part, l’examen du parcours des artistes régionaux, comme la venue de peintres et dessinateurs étrangers en Dauphiné ou encore la destination des œuvres, croisent naturellement les questions de la formation, des déplacements, de la circulation des hommes et des œuvres ainsi que des relations artistiques entre les différents territoires. En outre, ces sujets conduisent progressivement à déplacer l’interrogation sur d’autres échelles nationale et transnationale. Au niveau national, Paris concentre toutes les attentions en raison de la formation qu’elle offre aux artistes provinciaux mais également pour l’émulation culturelle qui la caractérise. Au niveau transnational, l’Italie, par sa proximité géographique avec le Dauphiné et par sa forte présence dans l’imaginaire artistique, attire la venue de nombreux artistes dauphinois. Il est indéniable que les interactions entre les artistes et la confrontation de cultures différentes ont contribué à l’essor artistique dauphinois. Mais tandis que les artistes régionaux explorent d’autres lieux, un mouvement inverse se repère, le Dauphiné ne cesse de recevoir la visite d’« étrangers ». Leurs apports est une question fondamentale que nous avons renseignée puisqu’ils ont été parfois à l’origine de changements esthétiques dans la production dauphinoise. De même, l’étude de la géographie des lieux de conservation des œuvres dauphinoises permet d’apprécier l’étendue de leur réception hors du Dauphiné et également d’identifier les thèmes alors particulièrement recherchés. Enfin, notre recherche met en évidence l’essor et la diversité de la production artistique dauphinoise afin de resituer les artistes locaux dans une sphère plus large de connaissances et de sensibilité contemporaines. Du « grand » genre aux « petits » genres, elle apprécie la création régionale, explique en quoi elle se caractérise et comment elle suit les fluctuations de la production nationale. Il fallait donc indéniablement interroger le premier XIXe siècle pour comprendre l’élaboration d’une culture artistique régionale en Dauphiné et ainsi mieux appréhender l’origine du succès des peintres locaux après 1850 et plus généralement l’essor des beaux-arts en Dauphiné au XIXe siècleOur study into The emergence of a regional artistic culture […] proposes exploring artistic output in Dauphiné in the first half of the 19th century. Inspired by the increasing trend seen over recent years towards examining regional cultural identity, the purpose of our research is to fill a void but also to meet a wider demand for knowledge about this period, one overlooked at a local level but which was nevertheless very rich in dialogue and experimentation. We seek to explain the correlation between the artistic, institutional and social components of the cultural environment in Dauphiné, to assess their roles and importance. To do so, our field of study has been limited to painting, sculpture and drawing due to their prominent position in the exhibitions. Moreover, we should specify that since 1790 the Dauphiné area has included the departments of Isère, Drôme and Hautes-Alpes. However, the main department analysed in our investigation is Isère and more particularly the town of Grenoble, where much of the region's artistic activity is concentrated.Thus, how was regional artistic life structured through the institutions and what has been the importance of the individual actions with regard to its development? A study of the founding and role of the institutions in Grenoble, where we find the existence of a drawing class, a museum, an exhibition and a ‘Friends of the Arts’ society, firstly shows the different collective and individual efforts being made. An exploration of the local heritage in addition to the interest shown by Grenoble’s inhabitants in art and cultural activities confirm that Grenoble and its residents took an interest in the development and dissemination of the fine arts.Secondly, an examination of the careers of regional artists and the arrival in Dauphiné of painters and illustrators from outside the area or the eventual destination of the works, naturally generate questions concerning training, travel, the circulation of people, of works, and the artistic relationships existing between the various regions. Additionally, these subjects gradually lead us to consider such matters at national and transnational level. At a national level, Paris takes centre stage due to the training it provides for artists from the French regions but also for the cultural emulation effect characterising it. At a transnational level, Italy has attracted many artists from Dauphiné, thanks to its geographical proximity to Dauphiné and its high "top of mind" status in the artistic imagination. It cannot be denied that the interactions between artists and the clash of different cultures contributed to the rise of the artistic scene in Dauphiné. But just as the region's artists were exploring other areas, movement was also occurring in the other direction, with Dauphiné constantly being visited by "outsiders". Their contribution is a fundamental issue which we have examined as they have sometimes been the source of aesthetic changes in Dauphiné's artistic output. Similarly, an examination of the geography of the sites at which Dauphiné's artistic works are stored enables us to appreciate the extent of their "reach" outside Dauphiné and also to identify which themes were particularly sought-after.Finally, our research highlights the growth and diversity of Dauphiné's artistic production to position local artists in a wider sphere of contemporary sensitivity and ability. From the "major" genre to the "minor" genres, it assesses regional creative output, explaining what characterises it and how it follows national fluctuations in output.It was therefore necessary without a doubt to examine the first half of the 19th century to understand how a regional artistic culture emerged in Dauphiné and to better understand the sources of the success of local painters after 1850 and more generally the growth of the fine arts in Dauphiné in the 19th century
28
Durand, Nadine. "Le carnet de voyage : oeuvre en soi ?" Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30061/document.
Full textAbstract:
L’ambition de cette thèse est d’éclairer le processus qui conduit le voyageur à produire un carnet de voyage rassemblant notes graphiques et écrites, photographies et documents. Si cette production plastique est improvisée sur le motif, le voyageur programme en amont le support et se prépare techniquement et mentalement, définissant ainsi sa capacité à capter le réel. Les images créées en voyage par les artistes – de Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, William Turner, Eugène Delacroix, Félix Ziem, Paul Gauguin, Zao Wou Ki à, plus récemment, Titouan Lamazou, Georges Wolinski, Michel Montigné, Bertrand De Miollis, Elsie Herberstein, Nicolas Jolivot, et Stéphanie Ledoux – sur feuillet libre ou dans un album, informent sur les stratégies spécifiques de connaissance du pays et de rencontre des habitants. L’étude de leurs moyens et dispositifs de travail sur le terrain, éclaire la quête artistique et spirituelle qui les a mobilisés. Au retour dans l’atelier, l’artiste transforme les informations du voyage à l’aide d’autres savoir-faire techniques et artistiques. Le carnet de voyage est devenu populaire parce que le petit format favorise la liberté d’expression individuelle dans le dispositif du livre, à la fois extime et intime. Pour certains artistes professionnels, ce format conservé dans l’intimité de l’atelier, se révèle être un condensé d’audaces techniques, de premiers jets virtuoses et un compagnon de vie privilégié, qui est aussi à l’origine des œuvres destinées au public. Le carnet de papier adapté au nomadisme, qui stimule la recherche des artistes reconnus, tout comme la pratique spontanée du dessin et de l’écriture, devient à la fois surface et volume, outil et récit, temps et déplacement, travail et résultat. Ma thèse cherche à montrer que le carnet remplissant ces fonctions, devient avatar holographique du voyage et œuvre en soiThe ambition of this thesis is to elucidate the process that leads the traveller to produce a compilation of graphic and written notes, photographs and documents. If this production is to be carried out during the journey itself, the traveller must think about the materials that will be necessary to the execution of the work, to catch reality. But a certain form of mental preparation is also necessary. The images achieved by travelling artists such as Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer, William Turner, Eugène Delacroix, Félix Ziem, Paul Gauguin, Zao Wou Ki and, more recently, Titouan Lamazou, Georges Wolinski, Michel Montigné, Bertrand de Miollis, Elsie Herberstein, Stéphanie Ledoux and Nicolas Jolivot, are loose-leaf or in albums, which set out specific strategies aimed at acquiring knowledge about an environment and its inhabitants. The study of the ways and the meanings of producing a travel sketchbook throws light on the spirit of artistic and spiritual inspiration which was the driving force of the work. Back in his or her workshop, the artist retrospectively organises his sketches in the light of his or her experience, thanks to technical and artistic means. The travel sketchbook has become popular because its small format encourages an individual freedom to express within the framework of a book, whether private or intended for disclosure. For some professional artists, this size, which is used and kept secretly at home, proves out to be a summary of sketches and discoveries that will provide material for works, which may be offered to the public. The travel sketchbook is also an accretion of rough drafts, technical demonstrations and insights into its author’s psychological depths. Paper, as a medium adapted to travel, stimulates artistic and literacy research. It is at once plane and volume, instrument and narrative, time and movement, work and achievement. The aim of this thesis is to demonstrate how the travel sketchbook by performing these functions, can give a holographic account of a journey, and can thus constitute a work of art in itself
29
Laurent, Nicolas. "La sculpture russe, du naturalisme à l'art nouveau : une approche géopolitique des pratiques artistiques." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100104/document.
Full textAbstract:
Le présent travail intègre une dimension internationale dans son sujet : La sculpture russe du naturalisme à l’Art Nouveau : géopolitique des pratiques artistiques. Il a pour fondement l’étude de ceux des sculpteurs russes qui, d’une manière ou d’une autre, ont voyagé ou séjourné à l’étranger entre 1870 et 1914. En faisant converger les approches de la nouvelle « macro-histoire de l’art », soutenue par les méthodes statistiques de l’histoire de l’art quantitative, avec l’émergence d’une problématique non pas « bilatérale » mais « multilatérale », à même de rendre compte de manière complète de l’évolution internationale d’un art et de ses acteurs, l’étude se concentre sur les rapports entretenu par des artistes d’un pays avec les autres pays en général. Il cherche ainsi à redéfinir une géographie européenne de l’art, avec une mise en relation des différents centres artistiques entre eux vus par un prisme étranger. Ainsi, par une approche multinationale, distingue-t-il les centres artistiques européens majeurs de la période : Paris supplantant progressivement Rome au cours du siècle en tant que centre artistique de niveau mondial, Munich et Berlin se disputant la place de centre majeur de l’Europe médiane. Paris assoit alors sa domination écrasante dans la concentration des sculpteurs par rapport à ses concurrentes allemandes et italiennes. Les circulations internationales influencent dès lors l’évolution artistique en Russie, notamment lorsque les sculpteurs y reviennent après un séjour à l’étranger : les apports de la sculpture occidentale interviennent dans les multiples évolutions qui affectent la plastique russe depuis les années 1870 jusqu’à l’Âge d’ArgentThe following work is to be considered from a global point of view, as shown in this topic: Russian sculpture from naturalism to Art nouveau: a geopolitical analysis of artistic practices. The basis of this study is that of the Russian sculptors who have somehow traveled or stayed abroad between 1870 and 1914. By putting together the new ‘macro art history’ approaches supported by the statistics of a quantitative method of art history with the emergence of a rather multi-lateral question than a bi-lateral one which has the power to fully acknowledge the global evolution of an art and its participants, this study focuses on the relations maintained by the artists from one country with other countries in general. From a foreign perspective, this study aims at redefining the European geography of art while connecting various artistic centers together. A distinction is therefore made from a global approach between the most important art-related European centers of the time; namely Paris, which progressively replaced Rome over the century as a nationally-scaled point of interest, as well as Munich and Berlin, which challenged their number one standing in central Europe. Unlike its German and Italian competitors, Paris managed to establish its authority by gathering sculptors. Global migration consequently influenced the evolution of art in Russia, especially when sculptors went back after staying abroad. Thereby, contributions from Western sculptures played an essential role in the various artistic evolutions that affected Russia from the 1870’s to the Silver Age
30
Dion, Michaël. "Scénographies communicationnelles des installations : regard esthétique et immersion sociale." Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30010/document.
Full textAbstract:
Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation »This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”
31
Vincent, Frédéric. "L'artiste-curateur. Entre création, diffusion, dispositif et lieux." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H313/document.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie les différents types d'artistes-curateurs qui se manifestent depuis plus de deux siècles au moment où les artistes organisateurs d'expositions sont de plus en plus présents sur la scène artistique contemporaine. Par-delà le phénomène de mode, une vue d'ensemble des artistes-curateurs est dressée, une typologie de ceux-ci proposée. L'ensemble des réflexions et des recherches porte sur les liens entre art et réception de l'art à travers l'étude de la french theory (Gilles Deleuze, Félix Guattari, Jean-François Lyotard, Jacques Rancière, Jacques Derrida), du réalisme spéculatif (Quentin Meillassoux, Graham Harman) et de l'heccéité (Jean Duns Scot). En s'appuyant sur une étude épistémologique, les différents caractères existants de la position d'artiste-curateur sont analysés. À travers des expériences artistiques et curatoriales subjectives, la visibilité des fondements véritables de cette double pratique, assumée comme telle, est pensée. L'objectif est de rendre compte de la définition possible de l'artiste-curateur comme avant tout un créateur de lieu, de dispositifs, et d'espace d'exposition au service des autres. Les rapports qu'entretiennent les artistes avec les commissaires d'expositions sont rendus visibles, tant dans leurs relations harmonieuses que conflictuelles. Des pistes pour l'avenir se conçoivent dans le prolongement de la poétique de la relation développée par Édouard GlissantThis thesis shows that, under various guises, the artist-curator model has been operating for more two centuries when the artists who curate exhibitions are ever more visible on the artistic scene. Across the fashion phenomenon, an overview of the more prominent artist-curators is erected, a typology of these practitioners is proposed. He particularly focuses his reflections and researches on the links between art and theory, the study of the reception of French Theory (Gilles Deleuze, Félix Guattari, Jean-François Lyotard, Jacques Rancière, Jacques Derrida), speculative realism (Quentin Meillassoux, Graham Harman) and haecceity (Jean Duns Scot). Using epistemological methodology and analyzing the state of variables, he details the various characteristics which coexist in the artist-curator position. The author uses his own artistic and curatorial experience : he founded and curates the artist-run space Immanence. He aims to bring to life the real foundations of this double practice. The thesis posits the possible definition of the artistcurator both as the author of a creative act in place visibility and display, and simultaneously as a creator at the service of the others. At the heart, are the relationships between curated artists and artist-curator : the cooperation, consensus and correspondence, as well as the dissent and conflicts. Finally, the author looks to the possible futures drawing from the poetics of relation developed by Édouard Glissant
32
Lesaffre, Gaëlle. "Objets de patrimoine, objets de curiosité : Le statut des objets extra-occidentaux dans l’exposition permanente du musée du quai Branly." Thesis, Avignon, 2011. http://www.theses.fr/2011AVIG1115/document.
Full textAbstract:
La question du statut des objets issus des sociétés extra-occidentales conservés dans les musées occidentaux restait posée, jusqu’à récemment, dans les termes du paradigme construit au cours du vingtième siècle opposant le statut ethnographique au statut esthétique, et à partir d’une conception intrinsèque du statut des objets. La controverse suscitée par l’annonce du projet du musée du quai Branly au sein des communautés anthropologique et muséale en témoigne. Cette recherche propose de renouveler l’approche du statut des objets extra-occidentaux en adoptant une conception extrinsèque du statut des objets. Elle repose sur deux analyses sémiotiques successives de l’exposition permanente du musée du quai Branly. La première vise à analyser séparément et exhaustivement les registres médiatiques de l’espace, scriptovisuel et audiovisuel qui composent, avec le registre des objets, l’exposition ; la seconde à analyser, au sein d’un corpus restreint d’unités d’exposition, l’interaction des registres, dans le but final d’identifier les processus interprétatifs producteurs du sens des objets. L’objectif de cette double analyse consiste à vérifier que l’exposition permanente du musée du quai Branly assigne le statut d’objet de patrimoine aux objets issus des sociétés extra-occidentales qu’il conserve.La première partie de la thèse est consacrée à restituer la construction de la question de recherche, qui porte surle caractère patrimonial du statut des objets de musée extra-occidentaux, et à rendre compte des moyens méthodologiques mis en oeuvre pour y répondre. La deuxième partie, consacrée aux résultats de l’analyse séparée des registres, confirme que les marqueurs nécessaires à l’assignation du statut patrimonial des objets extra-occidentaux, les mondes d’origines ailleurs et muséaux, sont bien certifiés dans l’exposition. Elle montre également la mobilisation particulière du registre de l’espace. L’ensemble incite à formuler l’hypothèse que l’espace ne constitue pas un interprétant des objets, que les mondes d’origine ailleurs et muséaux occupent une place secondaire dans l’assignation du statut des objets et, finalement, que les objets sont les principaux interprétants des objets. Enfin, la troisième partie permet de vérifier que la certification de l’appartenance des objets à leur double monde d’origine est bien réalisée par le traitement muséal, l’exposition assigne donc bien le statut de patrimoine aux objets exposés, mais elle montre aussi que les éléments de la certification apparaissent comme secondaires, tandis que la production du sens des objets par la relation entre les objets favorise l’assignation d’un autre statut de l’objet : le statut de curiosité. En s’appuyant sur la production de la signification des objets par le dispositif d’exposition pour le visiteur, cette recherche permet de penser, plus largement, la capacité de l’exposition à proposer un discours neutre qui modifie son opérativité, et qui permet à l’institution muséale de se placer dans une posture de délégation du sens produit par l’expositionUntil today, the question of the status of objects from non-Western societies preserved in Western museums wasraised, in terms of twentieth century paradigms which associated ethnographic and aesthetic status, and whichpresupposed objects to have an intrinsic status of their own. The controversy amongst anthropological andmuseum communities caused by the announcement of the Quai Branly museum project testifies to thesepresuppositions. This thesis aims to re-elaborate the approach to non-Western objects through an extrinsicapproach to their status. It rests on two subsequent semiotic analyses of the permanent exhibition of the QuaiBranly Museum. The first one analyzes separately and exhaustively the space, texts, pictures and audiovisualmaterial as media categories of the exhibition. The second one analyzes, in a restricted corpus of exhibitionunits, the interactions between different media categories with the goal of identifying the interpretative processeswhich produce the sense of the objects. The purpose of this double analysis is to verify whether the permanentexhibition of the Quai Branly Museum a heritage status to the objects from non-Western societies which itpreserves.The first part of the thesis presents the construction of the research question, focused on the heritage status ofnon-Western objects in museums, and explains the methods implemented to answer such a question. The secondpart, devoted to the results of the separate media categories’ analysis, confirms that the labels necessary to theassignment of heritage status to non-Western objects, the elsewhere world origin and museum world origin, areindeed present in the exhibition. It also shows the particular mobilization of space in the exhibition. Together,these two sections encourage us to theorize that space is not a mode of interpretation for objects, in that the“elsewhere” world origin and the museum world origin have but a secondary place in the assignment of objectstatus, while objects are themselves the main means for object interpretation. Finally, the third part verifies thatthe attestation of the objects’ double world of origin is effectively authenticated in the exhibition ; this sectionshows that, while the exhibition does assign a heritage status to the exhibits, the elements of authentification arenot necessary for the interpretation of the objects’ meaning, whereas the meaning produced by the relationshipbetween objects promotes the assignment of yet another object status : the status of curiosity. This thesis,focused on the production of object meaning for the visitor by means of the exhibition display, more broadlysuggests the exhibition’s ability to provide a neutral view which modifies its operativity, an ability which allowsthe museum to delegate the production of the object’s meaning to visitors
33
Buffoni, Caroline. "De la distance entre les visiteurs et les œuvres au sein de l'exposition muséale d'art : une approche communicationnelle des marges péri-opérales." Thesis, Avignon, 2017. http://www.theses.fr/2017AVIG1173/document.
Full textAbstract:
La recherche porte sur les distances qui s’établissent entre les visiteurs et les œuvres exposées au sein de l’exposition muséale d’art, précisément celles qui, tout à la fois, sont périphériques aux artefacts, sont imposées par les règlements et consignes de visite, sont délimitées par des barrières, des cordons, des socles, des rubans adhésifs au sol, entre autres choses, sont souvent maintenues par les visiteurs, sont généralement reconnues comme étant vouées à la protection des biens patrimoniaux présentés et qualifiées de « bonnes distances », de « distances respectueuses », de « limites à ne pas franchir », de « zones de sécurité », par exemple. Considérant qu’elles s’inscrivent au sein d’un dispositif médiatique, il s’agit de comprendre de quelle manière elles contribuent à ce dernier. L’étude théorique des tracés régulateurs et des marges des médias du texte soutient la construction du concept de « marges péri-opérales » permettant de qualifier les distances entre les œuvres et les visiteurs et d’émettre l’hypothèse qu’elles participent à l’exposition en remplissant plusieurs fonctions et rôles d’ordre sémiotique. L’étude théorique de l’exposition muséale d’art conduit à une approche communicationnelle des marges péri-opérales consistant à les appréhender depuis les trois processus énonciatifs au cours desquels elles sont produites et dotées de sens – soit la réglementation de la visite de l’exposition muséale, la mise en espace de l’exposition muséale, la saisie visuelle des œuvres exposées lors de la visite de l’exposition muséale. L’étude des marges péri-opérales est alors pensée en trois enquêtes dédiées respectivement à chacun des processus identifiés et reposant sur l’analyse d’ « objets » qui sont inhérents à ces processus et qui préfigurent, configurent et actualisent les marges péri-opérales – soit les règlements de visite et les interdits comportementaux, les outils de mise à distance et les marges expographiques, les comportements et les alignements des visiteurs. La première enquête permet d’établir que, telles qu’elles apparaissent dans la réglementation de la visite de l’exposition muséale, les marges péri-opérales remplissent les fonctions de mesures de protection des biens et des personnes et d’accès aux œuvres dans certaines limites physiques et le rôle de règles constitutives de la visite de l’exposition muséale d’art. La deuxième enquête permet d’avancer que, telles qu’elles se concrétisent lors de la mise en espace de l’exposition muséale, les marges péri-opérales assurent les mêmes fonctions que les signes-vecteurs d’attention et d’interprétation et les rôles de repères signalétiques et de traces matérielles d’énonciation. La troisième enquête permet de déterminer que, telles qu’elles se manifestent lors de la saisie visuelle des œuvres exposées, les marges péri-opérales endossent les fonctions des signes d’engagement dans la situation d’interaction et des propriétés situationnelles et les rôles d’indices posturaux de co-énonciation et de figures rituelles. En somme, l’étude des marges péri-opérales révèle que ces dernières participent, du fait de leurs multiples fonctions et rôles sémiotiques, au fonctionnement communicationnel et à l’opérativité socio-symbolique de l’exposition muséale d’artThe research focuses on the distances between visitors and the works exhibited in the art exhibition, specifically those that are both peripheral to the artifacts, imposed by visitor rules and regulations, bounded by barriers, cords, pedestals, floor tapes, among other things, are often maintained by visitors, are generally recognized as being destined toConsidering that they are part of a media device, it is important to understand how they contribute to the latter. The theoretical study of the regulating lines and margins of the text's media supports the construction of the concept of "peri-operative margins", making it possible to qualify the distances between works and visitors and to make the hypothesis that they participate in the exhibition by fulfilling several semiotic functions and roles. The theoretical study of the museum art exhibition leads to a communicative approach to the peri-operative margins, which consists of understanding them from the three enunciating processes in which they are produced and endowed with meaning - that is, the regulation of the visit to the museum exhibition, the setting up of the museum exhibition, and the visual capture of the works exhibited during the visit to the museum exhibition. The study of peri-operative margins is then thought out in three surveys dedicated respectively to each of the processes identified and based on the analysis of "objects" that are inherent in these processes and that prefigure, configure and update the peri-operative margins - i. e. visit regulations and behavioural prohibitions, distance tools and expographic margins, visitor behaviours and alignments.The first survey makes it possible to establish that, as they appear in the regulations governing the visit to the museum exhibition, the peri-operative margins fulfil the functions of measures for the protection of property and persons and access to works within certain physical limits and the role of rules governing the visit to the art museum exhibition. The second survey suggests that, as they materialize when the museum exhibition is set up, the peri-operal margins perform the same functions as the vector signs of attention and interpretation and the roles of signposts and physical traces of enunciation. The third survey makes it possible to determine that, as manifested in the visual capture of the exhibited works, the peri-operative margins assume the functions of signs of engagement in the interaction situation and situational properties and the roles of postural clues of co-enonciation and ritual figures.In sum, the study of the peri-operative margins reveals that, because of their multiple semiotic functions and roles, they participate in the communicational functioning and socio-symbolic operability of the art museum exhibition
34
Imbert, Clémence. "Oeuvres ou documents ? : un siècle d’exposition du graphisme dans les musées d’art moderne de Paris, New York et Amsterdam (1895-1995)." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080084/document.
Full textAbstract:
La thèse s’intéresse aux expositions de design graphique, à la fois en tant qu’événements constitutifs de l’histoire de la discipline et en tant qu’espaces (scénographiques et discursifs) où se manifestent ses liens plus ou moins assumés avec la création artistique. Elle s’appuie sur un corpus de quatre cents expositions, organisées entre 1895 et 1995, au sein de trois institutions muséales : le Stedelijk Museum d’Amsterdam, fondé en 1895, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, créé en 1929 et le Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), né en 1993 de la fusion de deux départements du Centre Pompidou. L’étude des archives de ces manifestations met au jour ce que furent les choix de programmation des musées (quels objets, quelles époques, quels graphistes mettent-elles en avant ?) ; mais aussi les différents statuts qui sont conférés aux objets imprimés, par la scénographie ou par les discours qui les environnent. La thèse révèle, notamment, la préférence des musées d’art moderne pour l’affiche, pour le graphisme « d’utilité publique » et pour le travail des « graphistes-auteurs ». À ce graphisme « de musée » sont appliqués des cadres interprétatifs qui le rapproche de la création artistique : assimilation du graphiste à un artiste, omission des circonstances de la commande, description des styles, recherche des influences… Les expositions de « communications visuelles » organisées par le CCI offrent un singulier contrepoint à ce modèle, dans la mesure où elles consacrent moins les « œuvres » du graphisme qu’elles ne s’interrogent sur leur contexte social de production et d’utilisationThis dissertation looks at graphic design exhibitions both as events that are part of the history of the discipline and as scenographic and academic forums for expressing, more or less consciously, its links with artistic creativity. It is based on the analysis of four hundred exhibitions, held between 1895 and 1995 at three modern art museums : the Stedelijk Museum in Amsterdam, founded in 1895, the MoMA in New York, inaugurated in 1929 and the Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), created in 1993 after the fusion of two separate departments of the Centre Pompidou. The archives of these exhibitions highlights both the choices of programming (what objects, eras and graphic designers do they ?), and the various status confered to printed objects by scenography and surrounding texts and discourses. The dissertation reveals the preference of modern art museums for posters, for graphic design for the public domain, and for the work of ‘graphic designers-cum-authors’. This specific graphic design elected by museums is envisionned according to interpretative frames that likens it to artistic creation through the rapprochement between graphic designers and artists, the omission of circumstances pertaining to commissions, descriptions of styles, search for influences, etc. The ‘visual communication’ exhibitions organised by the CCI provide a striking contrast to this model in so far as they concentrated less on the actual ‘works’ of graphic design than on the social context of their production and use
35
Nogueira, Marta Maria Gonçalves Bilreiro Fialho. "A difusão cultural no arquivo nacional e arquivos distritais portugueses: exposições documentais (1990-2009)." Master's thesis, Universidade de Évora, 2012. http://hdl.handle.net/10174/11882.
Full textAbstract:
Dissertação de mestrado, Escola de Ciências Sociais, Universidade de Évora, 2013A presente dissertação, intitulada A difusão cultural no Arquivo Nacional e Arquivos distritais portugueses: as exposições documentais (1990-2009), visa constituir um contributo para a reflexão teórica sobre uma das funções dos Arquivos, a difusão, especificamente a difusão cultural. Pretende-se aprofundar o seu actual enquadramento teórico e contribuir para o conhecimento da prática desta função no Arquivo Nacional e nos Arquivos distritais e equiparados, com incidência nas exposições documentais. Numa abordagem que parte da ideia de consolidação dos Arquivos enquanto entidades reconhecidas e valorizadas por um público geral, objectivamos um aprofundamento da exposição enquanto meio de difusão do património arquivístico com a identificação de um conjunto de boas práticas para a produção de exposições documentais. O estudo pretende contribuir para o alargamento da reflexão teórica da difusão cultural na Arquivística portuguesa e contribuir para um maior conhecimento da prática dessa função.
This study, entitled Public outreach in the National Archives and Portuguese district archives: exhibitions of documents (1990-2009), is a contribution to a theoretical framework on one of the Archives missions: the public outreach. Our purpose is to deepen their current theoretical framework and contribute to the knowledge of the practice of this mission at the National Archives, district archives and equivalent archives, focusing on exhibitions mainly with documents. Starting from the idea of consolidation of Archives as socially valued entities by the general public, the concept of exhibition as means of outreach of the documental heritage is deepened with the identification of a set of best practices for exhibitions of documents. The study aims to contribute to the enlargement of the theoretical framework of public outreach in Portuguese Archives and contribute to a better understanding of the practice of this mission.
36
Rocchi, Steffi. "Relations entre profils microbiologiques de l'environnement intérieur et maladies respiratoires infectieuses et allergiques." Thesis, Besançon, 2014. http://www.theses.fr/2014BESA3008/document.
Full textAbstract:
L'objectif de la thèse était d'étudier la composition microbiologique d'environnements intérieurs afind'évaluer les microorganismes, ou profils de microorganismes, liés aux développements de pathologiesrespiratoires, par catégorie de patients (immunodéprimés ou allergiques)Pour cela, des études locales, FIQCS et TIARE, ont respectivement été réalisées aux domiciles de patientsimmunodéprimés (à risque d'infection fongique invasive) et de patients atteints de mucoviscidose (à risqued'aspergillose broncho-pulmonaire allergique). D'autre part, dans le cadre de l'étude ELFE (EtudeLongitudinale Française depuis l'Enfance), des prélèvements provenant de logements de 3200 enfants ontété analysés.Les travaux de ces différentes études ont montré la diversité des logements quant à leur caractéristiquemicrobiologique (diversité des espèces et niveau des concentrations) et ont démontré ainsi l'importance desmesures environnementales aux domiciles pour prévenir les risques infectieux et allergiquesThe aim of this work was to study the microbiological composition of indoor environments to assessmicroorganisms, or profiles of microorganisms, related to the development of respiratory diseases, bycategory of patients (immunocompromised or allergie)Local studies, local study, FIQCS and TIARE, were conducted in immunocompromised patients dwellings (atrisk for invasive fungal infection) and in cystic fibrosis patients dwellings (at risk for bronchopulmonaryaspergillosis allergie). A national study (ELFE : Etude Longitudinale Française depuis l'Enfance ) wasconducted too and analyzed 3,200 children' dwellings.The différent studies showed différent contamination levels in dwellings and demonstrated the importanceof environmental measures in the homes to prevent infectious and allergie risks
37
Piette, Jacques-Erick. "Le neuvième art, légitimations et dominations." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA081/document.
Full textAbstract:
En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolutionIn France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development
38
Derolez, Séverine. "La patrimonialisation des objets scientifiques contemporains et leurs contextes de valorisation : cas de l’accélérateur de particules Cockcroft-Walton." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE1274/document.
Full textAbstract:
Notre recherche en didactique des sciences, explore la potentialité des objets scientifiques contemporains à devenir des objets de patrimoine à travers un cas d'étude : l'accélérateur de particules Cockcroft-Walton (CW). Nous faisons l'hypothèse que la valorisation des objets scientifiques contemporains, étape importante du processus de patrimonialisation, est spécifique et nécessite une expertise particulière. Notre travail a été réalisé grâce au dispositif CIFRE, nous permettant de travailler aux côtés du musée des Confluences à Lyon, qui expose un accélérateur de particules CW dans Sociétés : le théâtre des hommes. L'Institut de Physique Nucléaire de Lyon (IPNL) possède également un appareil de ce type, qui est aujourd'hui au cœur d'un projet de valorisation. Notre analyse s'appuie sur une étude du contexte, historique, épistémologique et social, de « naissance » du premier accélérateur CW et d'une étude scientifique de l'objet. Nous avons également mené deux enquêtes, la première visant à retracer la trajectoire de l'accélérateur CW à Lyon, la seconde à retrouver l'ensemble des accélérateurs CW dans le monde. En nous appuyant sur différents travaux qui ont souligné les étapes du processus de patrimonialisation, nous avons caractérisé les spécificités du patrimoine scientifique contemporain, et recherché les traces laissées par ces caractéristiques dans la mise en exposition de l'objet. Nos résultats mettent en évidence le manque d'informations permettant l'interprétation et l'appropriation de l'accélérateur CW par un public, et nous invitent à interroger le contenu représentationnel de l'objet, véhiculé à travers d'autres contextes d'utilisation, formel ou fictionnelOur thesis in science education explore the potentiality of contemporary scientific objects to become objects of heritage through a study case: the Cockcroft-Walton particle accelerator (CW). We call it “patrimonialisation” (the making of heritage) according to Information and Communication Sciences. We assume that the value of contemporary scientific objects, an important stage of the patrimonialisation, is specific and requires a particular expertise. Our work was realized thanks to a french financing facility, allowing us to work with Le musée des Confluences in Lyon (France), which exposes a particle accelerator CW in Societies: the human theater. The Institute of Lyon Nuclear physics (IPNL) also possesses a device of this type, who is the focus of a recognition project. sing a multidisciplinary approach, our analysis begin with a study of historical, epistemological, social and scientific context, of the first one CW. We also led two inquiries, the first one to redraw the accelerator CW trajectory in Lyon, the second to find all the accelerators CW in the world. Several studies have indeed highlighted the stages of the patrimonialisation. Relying on these studies we characterized the specificities of the contemporary scientific heritage, and looked for tracks left by these characteristics in the exhibition text (museography). Our results demonstrate the lack of information allowing the interpretation (lecture) and the appropriation of the accelerator CW by a public, and invite us to question the representational contents of the object, conveyed through other contexts of use, formal or fictional
39
Soulier, Virginie. "Donner la parole aux autochtones : Quel est le potentiel de reconnaissance de l'exposition à plusieurs points de vue dans les musées ?" Thesis, Avignon, 2013. http://www.theses.fr/2013AVIG1129/document.
Full textAbstract:
Depuis la fin des années 1980, les collaborations avec les communautés autochtones semblent s’accroître dans les musées canadiens. Un déplacement apparaît de la prise de parole en contexte de revendication au don de parole en contexte muséal. Après la remise en cause des musées ethnologiques, la prise en charge de la parole autochtone annonce le temps de la reconnaissance. Seulement, le mot reconnaissance est employé dans des contextes variés en muséologie. Ses occurrences indiquent plusieurs sens, dérivés de la volonté de redonner dignité et respect aux peuples autochtones et de produire des expositions qui présentent leur patrimoine d’origine à la lumière de leurs points de vue. Selon une approche communicationnelle, notre travail a porté sur les pratiques des musées qui consistent à donner la parole aux peuples autochtones et à l’exposer. Le travail a été centré sur la combinaison des points de vue autochtones avec ceux des concepteurs-muséographes. L’entreprise de la recherche a visé à cerner les opérations induites et générées par cette situation d’entrecroisements de points de vue, plus ou moins discordants, qui doivent, d’une manière ou d’une autre, s’unir dans un même espace communicationnel. Le système polyphonique de l’exposition est conceptualisé en trois moments de médiation : la prise en compte, la monstration et l’interprétation des points de vue autochtones. Ils correspondent aux intentions des concepteurs-muséographes et des expositions, puis à la manière dont elles sont interprétées par les visiteurs. Nous avons réalisé quatre enquêtes de terrain dans onze musées à travers le Canada : observation participante ; entretiens individuels auprès de professionnels des musées ; analyse de discours ; entretiens de groupes auprès de visiteurs autochtones et allochtones. Nous avons examiné les pratiques collaboratives et croisé ces quatre formes de discours des musées afin de mettre à l’épreuve le potentiel de reconnaissance des expositions qui tiennent compte des points de vue des représentants autochtones. Il résulte que la patrimonialisation est conçue en tant que processus de reconnaissance. De plus, l’intensification de la patrimonialisation des objets autochtones est synchronique de l’expansion coloniale. Néanmoins, l’analyse de la prise de distance du concepteur-muséographe vis-à-vis de son point de vue et de celui des autochtones rend compte des relations complexes entre le don de parole, l’autorité de discours et l’auctorialité. Malgré les divergences entre les intentions explicitées par les professionnels et leurs intentions implicites dans les expositions, les discours des visiteurs autochtones et allochtones traduisent un contrat de reconnaissance entre le musée et les visiteurs. Ainsi, le principe polyphonique et ses formes de reconnaissance sont mis en évidence dans les espaces de production et de réception des expositions produites en collaboration. Notre recherche révèle plusieurs modalités de reconnaissance manifestes dans la combinaison et l’entrecroisement des voix autochtones avec celles des praticiens. Cet essai d’interprétation met au jour des conflits d’ordre patrimonial et socio-historique qui engendrent des mécanismes de régulation par assimilation/accommodation. Il décrit deux logiques fondamentales relatives à l’identité et à la mémoire. De ces adaptations mises en œuvre par les musées ressort un phénomène permanent de reconnaissance amorcé depuis la colonisation des territoires autochtones. La recherche suggère finalement d’envisager le musée comme lieu de reconnaissance non seulement du patrimoine, mais aussi des publics et des peuples donateurs et donataires du patrimoineCollaborations with aboriginal communities appear to be increasing in Canadian museums, with the communities shifting from speaking in a context of claiming theirrights to being given a voice in the museum context. In keeping with the questioning about ethnological museums, taking into account the voice of the aboriginal peoplesprefigures since the eighties the time for recognition. But the word recognition is used indiverse museum contexts.Based on a communicational approach, our research considers the links between thepolyphonic and recognition modalities of the exhibition media. We have attempted toidentify and understand the processes induced and generated by exhibitions’ interactionaland intertextual systems. The polyphonic system is conceptualized in three mediation moments in the production and reception spaces of the exhibition: acknowledgment, monstration, and interpretation of aboriginal points of view. They correspond to there cognition intentions of the exhibitions and designers-museographers, then visitors’recognition. We have conducted four field studies in eleven different Canadian museums : participant observation; one-on-one interviews with museum professionals; discourse analysis ; group interviews with native and non-native visitors. We have studied the collaborative practicesand these four types of museum discourses to demonstrate the recognition potential ofexhibitions dedicated to the aboriginals’ perspectives.Our research reveals several recognition modes manifest in the combination andinterlinking of aboriginals’ and practitioners’ voices; it identifies logic in the polysemy ofthe word recognition. This interpretation essay reveals patrimonial and socio-historical conflicts that generate regulation mechanisms through assimilation/accommodation. A permanent recognition phenomenon emerges from the adaptations implemented by themuseums since the beginning of aboriginal patrimonialization during the colonizationperiod. Our research proposes to apprehend the museum as a recognition place of heritage, but also of the general public and the peoples, whether donors or donees of that heritage
40
Germain, Floriane. "Les visites nocturnes, l’impact de la nuit sur l’expérience de visite : le cas de la cour Marly au musée du Louvre." Thesis, Avignon, 2014. http://www.theses.fr/2014AVIG1138/document.
Full textAbstract:
Cette thèse examine l’influence de la nuit sur la réception d’une visite de musée. Elle propose d’envisager le paramètre horaire comme participant de la construction de l’expérience et plus largement du sens donné à sa visite. Or, ce rapport de la nuit à l’expérience de visite est encore peu interrogé malgré les nombreuses occasions qui permettent de visiter de nuit des institutions culturelles telles que les musées ou les monuments historiques. L’analyse phénoménologique et sémiotique de cette situation de réception permet de comprendre ce que les visiteurs vivent et ressentent au cours d’une visite nocturne. Elle révèle une variation du sens qui se construit autour de l’émergence de la nuit à la fois comme donnée physique, naturelle, dans l’exposition et comme donnée mentale dans l’état d’esprit des visiteurs. À travers l’étude comparative de la réception de la cour Marly au musée du Louvre, de jour et de nuit, c’est l’univers du discours des visiteurs qui est mis en question. Les interactions entre la nuit, les visiteurs et l’exposition marquent, par rapport à la journée, un processus de transformation du sens donné par le message de l’exposition et du sens reçu par les visiteurs. Autrement dit, le changement lumineux intervenant entre jour et nuit influence la recomposition du discours de l’exposition par les visiteurs de nocturnes. La dimension émotionnelle ainsi que la fantasmatique de la nuit interviennent dans l’interprétation du discours de l’exposition et le transformentThe aim of this work is to analyse the impact of the night on the visitors’experience. Here, the time of the day is considered as a parameter of the processof meaning building within the visitor’s experience.The link between visitors’ experience and night has not yet been thouroughlyresearched although a lot of cultural events take place at night time and provideand occasion for visiting museums.The phenomenological and semiotic analysis of the night impact, and perception,lead to the understanding of the emotional experience of the visitors during anight time visit. It reveals a variation of the meaning created by the apparition ofthe actual night in the museum and of the idea of night in the visitors’ mind.A night and day comparison of the reception of the cour Marly, in the musée duLouvre, questions the visitors’ speeches. It shows a network of interactionsbetween the night, the visitors and the exhibition which initiates a transformationof the meaning given by the exhibition and received by the visitors.In other words, the lighting modification between night and day affects thereconstruction of the exhibition’s message operated by the visitors at night. Theemotional aspect as well as the night phantasmagoria partake in the interpretationof the exhibition’s message and change it.Key words: night - reception - visitors’ experience - interpretation - - - - - phantasmagoria - night visit
41
Giorio, Maria-Beatrice. "Gli scultori italiani e la Francia : influenze e modelli francesi nella prima metà del novecento." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100053/document.
Full textAbstract:
Cette étude a analysé la présence des sculpteurs italiens à Paris du début du XX siècle à la fin des années Trente, afin de reconstituer un chapitre important de l'histoire des échanges artistiques en France. Nous nous sommes servis d'une méthode historique et philologique, qui a bien été appliquée aux écrits critiques et à la presse de l'époque. Pour ce qui concerne le début du siècle, nous avons remarqué une participation considérable de la part des italiens aux principaux événements expositifs de la capitale comme les Salons officiels; le succès de public et commercial leur avait permis d'obtenir une place parmi les artistes à la mode les plus connus. Pendant les années Vingt, nous avons constaté un nombre moins significatif de sculpteurs; nous avons lu ce fait en nous rapportant à la situation historique italienne, qui en ce temps subissait des importants changements dus à l'ascension du régime fasciste. Les italiens qui étaient encore présents en France après la Guerre ne s'inséraient guère dans le cadre des nouvelles recherches artistiques italiennes, ils poursuivaient, au contraire, des orientations esthétiques plutôt dépassées. La dernière partie de notre étude s'est intéressée à l'essor du nouveau langage artistique de la péninsule italienne qui pendant les années Trente se répandit enfin même à l'étranger. Les sculpteurs italiens pouvaient donc participer activement à la vie expositive parisienne, tout en montrant le visage d'une plastique qui avait enfin pris conscience de ses potentialités. La France de sa part accueillait volontiers ces expérimentations, dans le but d'instituer une relation d'amitié durable avec le pays voisinThis study has analyzed the presence of Italian sculptors in Paris from the beginning of the 20th Century to the end of the third decade, with the aim of reconstructing an important chapter of the history of artistic exchanges between Italy and France. We have favored an historical-philological method, based on critical publications and old French and Italian press.Concerning the beginning of the century, we have remarked a considerable participation of Italians in the main expositions in the French capital, such as official Salons; critical and market success allowed them to get a main role in the crew of the most popular artists.During the twenties, we have noted a less considerable participation of Italian sculptors; we have interpreted it in relation to historical context of fascist Italy, where the government was trying to develop a national cultural program. The Italian artists in France, after the First World War, didn't share the new Italian artistic orientation; they went on with outdated aesthetic choices.The last part of our research was interested in the development of the new Italian artistic language, finally known out of Italy. The Italian sculptors consequently could take part in arts activity in Paris, showing the face of a new sculpture, finally aware of its potentialities. France gave these experimentations a good welcome in the aim of constituting a longtime friendship with the Italian country
42
Corp, Mathieu. "Des expériences du temps dans la photographie latino-americaine contemporaine." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA093/document.
Full textAbstract:
Les images exposées sous l’appellation de photographie latino-américaine varient selon les expositions où commissaires et critiques déterminent les critères qui légitiment la sélection et l’organisation des images. Seuls des partis pris curatoriaux semblent ainsi gouverner des choix dont les enjeux éthiques et esthétiques diffèrent et découper les expositions par des catégories thématiques et des textes exégétiques des œuvres où, depuis les années 1990, l’usage récurrent des termes « histoire », « mémoire » et « identité » contribue à attribuer des significations moins géographiques qu’historiques à l’adjectif latino-américain. Nous nous proposons de montrer comment des expériences du temps sont configurées par les artistes dans leurs images par bien des modalités plastiques, comment les images sont capables d’établir, depuis et en fonction du présent, des rapports avec le passé. Selon une approche sémantico-pragmatique, nous analysons les références employées dans les images et dans les textes pour mesurer les implications contextuelles des rapports temporels, tandis que les modalités plastiques qui les traduisent nous permettent d’en interpréter le sensDuring an exhibition, images displayed under the rubric of Latin-American photography vary according to the criteria retained by both curators and critics who legitimate their selection as well as their organisation. Curatorial biases can on their own determine choices with changing ethical and aesthetic implications and thus influence the shape taken on by exhibitions according to the thematic categories retained and the textual commentaries proposed for works whose Latin-American meanings, ever since the 1990s, are less affected by geographical considerations than by historical ones. In this thesis, it is our intention to show, first, how artists, using a plethora of plastic means, impart shape and form to experiences of time and, second, how images, through and according to the present moment, can establish various relationships with the past. Enlisting a semantic-pragmatic approach, we analyse the references established by images and texts in order to measure the contextual implications borne by their temporal relations; at the same time, the plastic modalities given to these temporalities allow us to interpret their meaning
43
Lhuissier, Marie. "Le problème mathématique des trois corps, abordé simultanément sous l'angle de la recherche théorique et celui de la diffusion auprès de publics variés." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSEN077/document.
Full textAbstract:
Cette thèse contient deux parties distinctes, reliées par le thème de l’étude géométrique du problème à trois corps. La première partie présente un point de vue sur les enjeux et les perspectives liés à la diffusion des mathématiques, et illustre ce point de vue à l’aide de deux projets de diffusion « grand public » : une exposition virtuelle autour de la mécanique céleste et du problème à trois corps, et un duo de contes mathématiques pour enfants, l’un sur la forme de la lune, et l’autre sur l’enlacement de courbes fermées. La présentation de ces projets est suivie d’une analyse a priori et d’une étude des observations recueillies lors de différentes expérimentations auprès de publics variés. La deuxième partie est consacrée à l’étude – théorique et numérique – de l’enlacement des trajectoires de quelques systèmes dynamiques sur la 3-sphère, et en particulier de certaines instances du problème à trois corps. On y présente d’abord le problème à trois corps restreint, plan, circulaire, en s’intéressant tout particulièrement au cas où une des deux primaires disparait. On se ramène ainsi à un flot sur la 3-shpère dont on connaît explicitement des sections de Birkhoff en disque ou en anneau, et on met en lumière des éléments qui tendent à montrer le caractère lévogyre de ce flot. On explore ensuite, à l’aide de simulations numériques, la possibilité que le système reste lévogyre sur un domaine assez éloigné de ce cas dégénéré. Enfin, on s’intéresse aux flots sur la 3-sphère qui admettent une section de Birkhoff en disque et on traduit la notion d’enlacement de mesures invariantes pour le flot en termes d’enroulement de mesures invariantes pour le difféomorphisme de premier retourThis thesis contains two distinct parts, connected by the subject of the geometric study of the three body problem.The first part presents a point of view about the stakes and prospects of the popularization of mathematics, and it illustrates this point of view with two projects of popularization for a general public : a virtual exhibition about celestial mechanics and the three body problem, and a pair of mathematical tales for children, one about the shape of the moon, and the other about the linking number of two closed curves. The presentation of these projects is followed by an initial analysis and by a study of the observations collected during different experimentations towards various publics. The second part is devoted to the theoretical and computational study of the linking number of trajectories from a few dynamical systems on the 3-sphere, and in particular from some cases of the restricted three body problem. We first present the planar, circular, restricted three body problem, with a particular attention to the case where one of the two heavy bodies vanishes. We thus restrict ourselves to a flow on the 3-shpere for which disk-like or annular-like Birkhoff sections are explicitely known, and we bring to light evidences of the right-handedness of this flow. Then we investigate, with the help of computer simulations, the possibility for the system to stay right-handed over a domain rather distant from this degenerate case. Finally, we consider the flows on the 3-sphere which admit a disk-like Birkhoff section, and we translate the notion of linking for measures that are invariant by a flow into the notion of winding for measures that are invariant by the first return map on the disk
44
Naegele, Alexandre. "Impact des acariens et des micro-organismes de l'habitat dans le développement de l'asthme et de la broncho-pneumopathie chronique obstructive (BPCO)." Thesis, Besançon, 2015. http://www.theses.fr/2015BESA3019/document.
Full textAbstract:
Notre volonté d'économiser l'énergie nous pousse à vivre dans un environnement confiné favorisant les acariens et les micro-organismes. L'objectif de la thèse est de caractériser la contamination en acariens et en micro-organismes des logements de patients présentant des pathologies respiratoires, d'évaluer l'influence des interactions acariens/moisissures sur l'exposition aux allergènes et de comprendre les facteurs favorisant la pollution biologique de l'air intérieur. Afin de disposer d'un outil commun aux acariens et aux micro-organismes, un modèle innovant de quantification des acariens pas qPCR a été mis au point. Les acariens de stockage sont sous-estimés et les mesures d'éviction doivent être appliquées à l'ensemble de l'habitat. L'observation des interactions acariens/moisissures a montré une vraie relation symbiotique: dispersion des moisissures et apports des nutriments essentiels aux acariens. La contamination des logements de producteurs laitiers atteint de BPCO a été comparée à celle de producteurs laitiers sains, de patients BPCO non-agriculteurs et de sujets sains non-agriculteurs. L'exposition agricole est abondante et spécifique à certains microorganismes caractéristiques de la ferme et la sensibilité IgG à Wallemia sebi est spécifique des producteurs laitiers BPCO Le suivi de l'impact du compostage sur la qualité biologique de l'air intérieur a démontré une augmentation des concentrations en acariens de stockage et certaines moisissures circonscrite au bio-seau. De nouveaux indicateurs communs aux acariens, aux moisissures et aux bactéries devraient nous permettre de progresser dans la détermination de la relation dose/effetOur will to save energy leads us to live in a confined environment providing the ideal conditions to mites and microorganisms development. The aim of the thesis is to characterize mites and microorganisms contamination of dwellings from patients suffering respiratory diseases, to estimate the influence of the interactions between various organic communities on the allergens exposure and to understand the factors increasing the biological pollution ofindoor air. To evaluate our exposition, we needed to quantify mites and microorganisms with a common tool and an innovative quantification mode! of domestic mites by qPCR was developed. The presence of storage mites is overemphasized in dwellings of allergie patients and the eviction measures of mites should be applied into any rooms of dwellings. The contamination of dairy fanners' dwellings suffering from COPD was compared with that ofhealthy dairy fanners, COPC patients non-farmers and healthy non-fanners. In dwellings, the dairy fanners' exposure was important and specific ofth1 fanning environment. The lgG sensitivity to Wallemia sebi was significantly specific of dairy fanners suffering from COPD. The impact of the composting on the biological air quality was evaluated and the concentrations in storage mites and some molds increased significantly only in a confined area around the waste bin. New common indicators of domestic mites, molds and bacteria should allow us to progress in the determination of the dose-response relationship for the different allergens and their possible synergie effects
45
Raduget, Nicolas. "Les acteurs et les voies de la mise en valeur du patrimoine alimentaire de la Touraine des années 1880 à 1990." Thesis, Tours, 2015. http://www.theses.fr/2015TOUR2016/document.
Full textAbstract:
Cette étude entend observer l'intérêt pour les spécialités alimentaires de Touraine et leur mise en valeur par une multitude d'acteurs. Elle part de la fin du XIXe siècle, qui a vu se développer un régionalisme incluant la gastronomie, et s’arrête à la fin du suivant, au moment où la notion de patrimoine se généralise et prend sa forme actuelle. La réflexion sur l’émergence de ce patrimoine alimentaire est au coeur d'une vision large croisant la thématique agricole, la dynamique régionaliste – tant sur le plan de l'action politique que sur celui de registres culturels multiformes –, et l'identité touristique du « jardin de la France ». Les acteurs impliqués construisent une identité régionale par la promotion des centres d'intérêt touristique et oeuvrent pour soutenir l'attractivité locale. Les comportements évoluent dans le temps, allant de la démarche qualitative à la dynamique commerciale à outrance, d’un intérêt marqué pour le « terroir » à un certain détachementThis study aims at observing the interest in Touraine food specialities and how they were promoted by various players. Starting from the 1880s, with the appearance of regionalism (an integral part of which is gastronomy), our study ends in the late 20th century, when the notion of heritage becomes widespread and gets its current form. Thanks to the meeting of the agricultural theme, regionalist dynamics (politically and culturally speaking), and the tourist identity of the “Garden of France,” the emergence of food heritage is reflected on. All involved players build up a regional identity through the promotion of centres of tourist interest and set their sights on sustaining local attractiveness. The behavioural evolution throughout the period is observed, ranging from qualitative approach to excessive commercial drive; from strong interest in “terroir” to a certain detachment from it
46
Vautrin, Bruno. "Antonin Proust (1832-1905), député, ministre et défenseur des arts." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCH013/document.
Full textAbstract:
Antonin Proust (1832-1905), homme politique, ami des artistes, historien, critique et salonnier, joua un rôle politique et culturel important. La vie de ce républicain libéral est un plaidoyer pour la défense des arts au service de la République. Il lie étroitement structure économique et institutions artistiques soutenant sans cesse les arts utiles. Son but est économique : former des artistes au service de l’industrie. Il crée des écoles d’art et favorise l’introduction du dessin dans les programmes scolaires. Rapporteur du budget, il soutient la protection et le développement des arts. La réunification des arts qu’il prône aboutit à la création du ministère des Arts. Protecteur des arts, il participe à la fondation des musées de sculpture comparée et des arts décoratifs et crée l’école du Louvre pour former des conservateurs. Achetant pour l’État les œuvres de Millet, Courbet et Manet, il promeut des artistes insoumis à l’Académie et s’affirme comme le promoteur d’œuvres polémiques. Organisant des expositions à la gloire de Courbet ou Manet, il prône l’audace, l’individualité, la liberté, le naturalisme. Véritable propagande artistique, industrielle et politique, l’Exposition universelle de 1889 qu’il organise concrétise ses ambitions, il y rassemble beaux-arts et arts industriels. L’art nouveau y prend racine et rayonnera en 1900. Ses succès n’ont pas permis à Proust d’entrer dans l’histoire, mais son action a porté ses fruits dans la pérennité des structures dont il a défendu la création ou dans l’explosion des arts décoratifs et du marché de l’artAntonin Proust (1832-1905), political figure, friend of the artists, historian, critic and salonnier, played an important political and cultural part. The life of this liberal republican is a plea for the protection of arts in the service of the Republic. He connects economic structure with artistic institutions and constantly advocates the useful arts. His aim is economic: to train artists in the service of the industry. He creates art schools and encourages the introduction of design at school. As budget rapporteur, he supports the protection and the development of arts. The unification of the arts which he advocates results in the creation of the ministry of the Arts. Advocate of the heritage, he takes part in the foundations of the Musée de sculpture comparée, of the musée des Arts décoratifs, and founds the École du Louvre to train curators. Buying for the State the works of Millet, Courbet and Manet, he promotes rebellious artists, unruly to the Academy of fine arts, and emerges as a partisan of controversial works. Organizing exhibitions to the glory of Courbet or Manet, he advocates boldness, individuality, freedom and naturalisme. Real artistic, industrial and political propaganda, the World Fair of 1889 which he organizes concretizes his ambitions. He gathers fine arts and useful arts. The Art Nouveau takes root there to blow up in 1900. His successes did not allow Proust to enter the history, but his action bore fruits in the sustainability of the structures he defended the foundation of or in the boom of craft arts and of the art market
47
Pane, Caroline. "Francia Italia in mostra : les expositions comme observatoires des relations franco-italiennes dans la construction d’une diplomatie culturelle européenne après la Seconde Guerre mondiale." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3092/document.
Full textAbstract:
S’inscrivant dans le courant historiographique de l’histoire culturelle des relations internationales, cette thèse interroge le rôle des échanges artistiques dans les relations diplomatiques franco-italiennes, du lendemain de la Seconde Guerre mondiale à la construction européenne. L’analyse des expositions réalisées par les services culturels des Affaires étrangères français et italien, respectivement en Italie et en France, met en évidence les rapports de force et les clés du rapprochement franco-italien après 1945. La reconstruction des identités nationales, leurs représentations et leurs circulations de part et d’autre des Alpes, sont ici interrogées au regard de l’élaboration d’une nouvelle forme de diplomatie culturelle dans l’Europe de la Guerre froide. Nous nous attachons, d’abord, à reconstruire l’héritage des politiques culturelles de l’entre-deux-guerres ainsi que la transformation des institutions, et des discours, de l’avant à l’après-guerre. Puis nous détaillons les expositions « militantes », objets de tensions et de forts enjeux géopolitiques sur la scène internationale de 1944 à 1948. Enfin, nous analysons pendant les années 1950 l’émergence de modèles récurrents et des typologies d’expositions qui répondent au besoin d’équilibre diplomatique poursuivi par les gouvernements français et italien dans la formation de l’Europe culturelle après 1945As part of the current historiography of the cultural studies of international relationships, this thesis questions the role of artistic exchanges in Franco-Italian diplomatic relations, from the aftermath of World War II to the beginnings of European construction. The analysis of exhibitions held by the Cultural Services of the French and Italian Ministries of Foreign Affairs, respectively in Italy and France, highlights the balance of power and the keys to the Franco-Italian reconciliation after 1945. The reconstruction of national identities, their representations and their circulations in both sides of the Alps are questioned in the particular context of the Cold War leading to the rise of a new form of European cultural diplomacy. We focus, firstly, on the modalities of institutional and ideological transition before and after World War II, introducing elements of interruptions and continuities. We then analyze the "militant" exhibitions, main focus of tensions and strong geopolitical issues in the international stage. Finally, we show the emergence of recurring patterns and exhibition typologies which address the need for diplomatic balance pursued by the French and Italian governments in the formation of cultural Europe after 1945
Questa tesi si inserisce nel quadro storiografico della Storia culturale delle relazioni internazionali e interroga piùspecificatamente il ruolo degli scambi artistici nelle relazioni diplomatiche italo-francesi, dalla fine della Seconda Guerramondiale agli esordi della costruzione europea. L’analisi delle mostre realizzate dai servizi culturali dei ministeri degli AffariEsteri francese e italiano, rispettivamente in Italia e in Francia, mette in evidenza i giochi di potere e le chiavi dellariconciliazione italo-francese dopo il 1945. La ricostruzione delle identità nazionali, le loro rappresentazioni e le circolazionida una parte all’altra delle Alpi sono qui interrogate in funzione dell’elaborazione di una nuova forma di diplomazia culturalenell’Europa della Guerra fredda. Ci siamo prima impegnati a ricostruire la transizione istituzionale e ideologica dal periodofra le due guerre all’indomani del 1945, mostrandone i punti di rottura e di continuità. Poi, abbiamo esaminato le mostre“militanti”, oggetti di tensioni dai forti accenti geopolitici nello scenario internazionale dal 1944 al 1948. Infine, abbiamoanalizzato il sorgere di modelli ripetitivi e delle tipologie di mostre che rispondono al bisogno di equilibrio diplomaticoperseguito dai governi francese e italiano nell’ambito della formazione di un’Europa culturale dopo il 1945
48
Giguère, Amélie. "Art contemporain et documentation : la muséalisation d'un corpus de pièces éphémères de type performance." Thèse, Université d'Avignon, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/4942/1/D2362.pdf.
Full textAbstract:
Quarante années après la parution de l'article de Lucy R. Lippard et de John Chandler, publié dans Art International, la notion de « dématérialisation » apparaît toujours dans les discours sur l'art contemporain. Elle désigne une tendance à l'œuvre dans la création artistique qui dévalorise la matérialité de l'objet, ses qualités plastiques associées à un savoir-faire technique, de même que son caractère unique et permanent. En outre, la dématérialisation de l'art peut être interprétée comme une critique de l'institution muséale et, les propositions artistiques qui répondent à ses préceptes, comme des pièces qui « résistent » à la muséalisation. Affirmant que la muséalisation est l'ensemble des activités de sélection, de documentation et de présentation publique qui octroient, à une proposition artistique, un statut muséal ou qui transforment cette proposition en un objet qui témoigne d'une réalité donnée, comment dès lors des propositions qui n'ont pas de matérialité persistante intègrent-elles les collections muséales? Comment les informations colligées, organisées et enregistrées autour de ces pièces assurent-elles une connaissance juste de celles-ci? En somme, par quelles stratégies, artistes ou professionnels, opèrent-ils la muséalisation de ces pièces contemporaines et, en particulier, des pièces éphémères de type performance? En interrogeant d'un côté la production d'un art contemporain qui remet en question l'objet traditionnel comme finalité du projet artistique et, en questionnant de l'autre les activités muséales traditionnelles et contemporaines, le « document » s'impose comme notion clé pour éclairer la question de la muséalisation de cet art contemporain. Une hypothèse de travail est formulée : certaines propositions contemporaines ne se présentent pas sous la forme d'un objet déterminé qui en constitue le terme, mais plutôt sous la forme d'un ensemble de documents. Cet ensemble de documents constitue ce que nous appelons la « face documentaire » de la proposition artistique. En transposant la notion de paratexte de Gérard Genette aux objets de cette analyse, il est dit que la « face documentaire » a pour fonction principale de présenter, ou de rendre présentes, les propositions artistiques, de réconcilier leurs différents modes d'existence et d'assurer leur muséalisation le plus conformément possible aux intentions des créateurs. C'est à la lumière des sciences de l'information et de la communication, en particulier des travaux de Jean Meyriat et de ceux des chercheurs réunis sous le pseudonyme Roger T. Pédauque, qu'est définie la notion de « document », opératoire dans le concept de « face documentaire ». Une étude de cas est menée. Le corpus est composé de sept pièces éphémères de type performance et de leurs objets associés qui appartiennent à des collections muséales ou à des Fonds régionaux d'art contemporain, en France ou au Canada. L'entretien auprès des professionnels des musées, des artistes et de leurs représentants, de même que la consultation et l'analyse de sources primaires et secondaires, comme les fiches descriptives, les dossiers d'œuvres et les revues spécialisées et les catalogues, constituent les principales méthodes d'enquête. L'analyse procède par l'identification et la mise en évidence, par le récit, des différents destinateurs, formes, fonctions et statuts des documents qui composent la « face documentaire » des propositions choisies. Sont ainsi interrogées, pour chacune des pièces, la création ou la sélection de documents et leur entrée dans une collection muséale. Sont ensuite questionnées la documentation muséale de ces pièces et enfin, leur présentation publique. L'étude des cas permet de dégager deux stratégies principales de muséalisation : la muséalisation articulée autour d'un prolongement matériel qui tend à faire œuvre et la muséalisation articulée autour d'un projet de réitération. Dans les premiers cas, la muséalisation s'accomplit par la sélection et la désignation d'une pièce ou d'un ensemble de pièces et de documents de différents statuts, prédéterminés et identifiés ou non par l'artiste comme celui ou ceux qui tient ou tiennent lieu de la performance. Dans les seconds cas, la muséalisation s'opère par l'obtention d'un droit de réitération, par la sélection et la désignation d'un ensemble de pièces ou de documents de différents statuts, ainsi que par la production ou la reconnaissance d'un « script » de la performance qui vise essentiellement à guider la reprise correcte de la proposition éphémère. L'étude de cas permet en outre de mettre en évidence trois stratégies de présentation publique des « performances muséalisées », soit l'exposition d'un objet ou de plusieurs objets en situation de rencontre, l'exposition documentaire et enfin, la réitération de la performance. Enfin, la recherche montre que la muséalisation de pièces éphémères de type performance redéfinit les activités muséales de la sélection, de la documentation et de la présentation. Elle interroge l'objet de musée comme élément pivot de ces activités. Elle montre aussi qu'une attention plus grande est portée aux productions paratextuelles de ces travaux artistiques, c'est-à-dire à la « face documentaire » de ces derniers ou à la documentation comprise dans une acception élargie.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art contemporain, document, documentation, exposition, muséalisation, performance, réitération, Guy de Cointet, Esther Ferrer, Claudie Gagnon, Yves Klein, Gina Pane, Tino Sehgal, Françoise Sullivan.
49
Martinetti, Sara. "« I never Write, I Just Do » : pratiques de l’écrit et enjeux théoriques du travail de Seth Siegelaub dans l’art conceptuel, le militantisme et l’érudition." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0051.
Full textAbstract:
Seth Siegelaub (1941, New York-2013, Bâle) est une figure majeure, connue des historiens de l’art pour avoir de manière séminale renouvelé les modalités d’exposition, de présentation et de distribution des œuvres conceptuelles. La carrière de celui qui a été considéré comme l’impresario zélé de quatre artistes (Robert Barry, Joseph Kosuth, Douglas Huebler [1924-1997], Lawrence Weiner) ne s’arrête pas en 1972, date qui marque son départ de l’art et qui aurait confirmé l’« échec » des luttes politiques d’une génération. Le dropout de Siegelaub – se revendiquant comme « not an artist » mais opérant au cœur du dispositif – serait-il une reconversion des savoir-agir conceptuels ?L’approche anthropologique de l’écrit dans lequel Siegelaub est puissamment investi permet de suivre un parcours de vie séquencé en trois « sphères d’activité » : l’art, le militantisme et l’érudition. Des entretiens avec notre personnage principal ainsi qu’avec ses collaborateurs, la consultation de l’ensemble de son fonds et des projets de valorisation nous ont permis d’en analyser les enjeux respectifs. La première sphère nous amène à découvrir l’art conceptuel comme une littératie qui étend de manière inédite les usages quotidiens de l’écrit. La deuxième fait émerger le centre de documentation militant comme forme politique de résistance au capitalisme et de transformation sociale. La troisième, par un intérêt parallèle pour le textile, révèle une appropriation personnelle de la bibliographie. Siegelaub ne change pas du tout au tout d’activité mais se déplace entre différents mondes sociaux polarisés en mettant en résonance des pratiques et en construisant des réseaux grâce à l’écrit. En 1969, Siegelaub affirme : « Je ne suis pas un écrivain – je n’écris jamais, j’agis ». Son rapport à l’écrit est complexe, alors même qu’il n’a presque rien « écrit », au sens littéraire, théorique ou journalistique où on l’entend généralement. Qu’a fait Siegelaub avec l’écrit ? Dans quelle mesure les écrits ont-ils permis à cet editor, publisher, documentaliste, bibliographe et collectionneur d’agir ? Il a multiplié les écrits typiques comme le catalogue-exposition, le contrat ainsi que la bibliographie et, dans certains cas, en a renversé les usages à 180 degrés. Le parcours de Siegelaub touche à des enjeux théoriques puisque chaque domaine où il a été actif a produit un point de vue « local ». Les artistes conceptuels se sont intéressés au langage et ont utilisé le document pour tenir des positions critiques par rapport aux œuvres ; Armand Mattelart, chercheur critique ayant collaboré avec Siegelaub, a montré que les médias jouent un rôle essentiel dans la lutte des classes ; le savant graphomane François-Xavier Michel (1809-1897) a été précurseur d’une approche sociale de l’histoire des textiles. Le parcours de Siegelaub permet de considérer ensemble des idées sur l’écrit qui s’élaborent dans différentes disciplines et qui n’ont jamais été pensées dans leurs articulationsSeth Siegelaub (1941, New York–2013, Basel) is a major figure in the history of art known to scholars for his seminal role in the exhibition, presentation and distribution of Conceptual Art. Often described as the shrewd impresario of four artists (Robert Barry, Joseph Kosuth, Douglas Huebler and Lawrence Weiner), his career seems to stop in 1972 when he turns his back on the art world, thereby seemingly confirming the failure of the political struggle of a whole generation. But what if this dropout—by a man who claimed he was “not an artist,” yet operated at the heart of the system—coincided with a translation of the conceptual methodology into other fields?An anthropological approach of Siegelaub’s expansive and varied writing activities allows us to retrace his career according to three “spheres of activity”: art, activism, and erudition. By conducting numerous interviews with the main protagonist and his collaborators, and consulting his extensive archives, we have been able to explore the key issues respective to each of these spheres. Siegelaub’s first sphere of activity encourages us to consider Conceptual Art as a literacy that expanded the everyday uses of writing in a hitherto unprecedented way. The second sphere shows the documentation center as a means of political resistance to capitalism and social transformation, and the third, via its parallel interest in textiles, reveals Siegelaub’s personal appropriation of the bibliography. Siegelaub does not so much change activities as move between polarized social worlds, whose practices and networks he interconnects via his writing.In 1969, he stated: “I am not a writer—I never write, I just do.” His relationship to writing is complex, all the more so as he has hardly “written” in the literal, theoretical, or journalistic sense. What did Siegelaub do with writing? To what extent did it enable the editor, publisher, documentalist, bibliographer and collector to act? Siegelaub experimented with various kinds of writings such as the exhibition-as-catalogue, the contract, or the bibliography, in some cases even reversing their purpose or function. His career touched on numerous theoretical problems, each domain in which he was active producing a “local” point of view: the Conceptual artists were interested in language and used documents to critique the work of art; Armand Mattelart, a leading sociologist who collaborated with Siegelaub, clarified the role of mass media in class struggles; and the nineteenth-century erudite scholar François-Xavier Michel pioneered a social approach to the history of textiles. Siegelaub’s career makes it possible to bring together various conceptions of writing developed across different disciplines, which had never been considered in terms of their reciprocal influences
50
Bennett, Melissa Helen. "Raimundo: reading David Goldbatt's on the mines." Thesis, 2017. https://hdl.handle.net/10539/24481.
Full textAbstract:
Submitted in fulfilment of the Degree of Master of Arts (Fine Arts) Johannesburg, March 2017This dissertation uses David Goldblatt’s seminal photobook, On the Mines (1973, revised 2012) to mediate a biographical conversation with Raymond Zavala, a migrant mineworker who left Mozambique in 1962 to live and work in Johannesburg. On the Mines was used as a vehicle to examine intimate details of one man’s life in the mines, focusing particularly on a mine in Roodepoort known as Durban Deep, where Raymond worked for 38 years. During my visits with Raymond, On the Mines was kept in hand as he and I walked through what once was a prosperous mining town. We would discuss his day-to-day life as a migrant, mineworker, husband and father, and began layering and inserting our own stories and photographs over and into On the Mines in an attempt to portray a more personal account of one person’s life on the mines. Goldblatt’s photographic archive is crucial to this process in that it enabled me to initiate conversations with Raymond about his personal history, memory and identity. This research, encompassed in the visual biography presented here, was created in collaboration with Raymond. He guided me through this process by directing the narrative of his own story, recommending specific landscapes and people for me to meet and photograph. I have chosen to present this practice in the form of a photobook, so that its concept and content can be shared as a critical resolution of my visual and narrative engagement.
XL2018