Dissertations / Theses on the topic 'Dramatic genre in 16c'

Cette thèse a pour but d’examiner des marqueurs d’oralité dans les textes dramatiques français entre le XIIIe et le XVIIe siècle et de décrire, du point de vue diachronique, leurs parcours d’évolution en termes de « pragmaticalisation ». Comme objet d’étude, nous avons choisi, d’une part, au niveau lexical les interjections primaires et les marqueurs discursifs étant résultant de la pragmaticalisation, et d’autre part, au niveau syntaxique la répétition et la dislocation qui sont considérées comme des constructions « disfluentes », caractéristiques de l’oral. Quant aux marqueurs discursifs (l’un « par ma foi » formé sur le substantif foi, et l’autre décatégorisé à partir de deux adverbes « sus » et « çà »), nous nous concentrons sur leurs pragmaticalisations par des analyses syntaxiques et sémantiques, et pour ce qui est des interjections primaires, nous essayerons de révéler le mode de formation d’une nouvelle expression interjective que nous appellerons « productivité interjective ». En dernier lieu, les deux structures susdites nous permettront de rendre compte de leurs valeurs pragmatiques. Étant donné que les textes dramatiques font une large place à la représentation de l’oral à l’écrit, ce que nous appellons l’« oral représenté », nous tenterons de montrer comment ces marques de l’oral traduisent, à l’écrit, les émotions, les pensées, les attitudes, etc., du locuteur et comment elles acquièrent de nouvelles valeurs pragmatiques dans l’usage qui imite l’usage réel du moyen français<br>This thesis deals with the different markers of orality in the french dramatic texts and, particulary, with their process of evolution in the aspect of the “pragmaticalizations”. First, we focus on the use of the discourse marker which is derived from the propositional syntagme “par ma foi” but also from two adverbes “sus” and “çà”. It focuses on two main points: the process of the pragmaticalization of theses discourse markers and their relations with the orality through analysis of syntactic and semantic properties. Secondly, we examine also the medieval primary interjections and the production of its new combinations. Lastly, in the case of syntactic analysis, we treat two structures which mark the disfluency of sentences ie. dislocation and repetition. In this Thesis, we will reveal how these lexical units and syntactic constructions are used in the medieval play to transfer the locutor’s emotion and thought and how these oral markers receive new pragmatic values in their usages in Middle French

My thesis investigates the functions of dreams and sleep within Shakespeare’s wider design of comedy and tragedy. Methodologically, it combines its focus on genre with a strong historicist component in order to reconstruct the early modern understanding of dreams and sleep that influenced Shakespeare’s approach to this material. Comparing Shakespeare’s representations of dreams and sleep with those in classical culture, from which dramatic genre, dream theory, sleep theory, and the deployment of dreams within comic and tragic structures originally derive, I argue that Shakespeare uses devices of dreams and sleep to support his deviation from those classical conventions of comedy and tragedy that he found incompatible with his aspiration towards a fuller, darker, and more complex representation of human nature, behaviour, and character. To that effect, I discuss how dreams and sleep in Shakespeare’s comedies introduce tensions that are neither resolved nor absorbed by the respective endings; and I show how dreams and sleep in the tragedies and tragic histories help emphasise human agency and responsibility at the expense of the ideas of fortune and supernatural determinism found in classical tragedy.

L'expression poétique semble inhérente au théâtre classique. Pourtant, les pièces de la seconde moitié du XVIIe siècle, en particulier les tragédies, sont le fruit de principes « réguliers » qui ont cherché à dépoétiser le théâtre et ont largement réussi dans cette entreprise. Pour rendre compte de ce processus, il est nécessaire de retracer l'histoire de la poésie au théâtre depuis la naissance de la tragédie humaniste, au milieu du XVIe siècle, jusqu'à l'instauration de ce que la postérité appellera le classicisme. Il apparaît ainsi que l'élocution lyrique s'est progressivement déplacée au fil du temps du genre tragique vers le genre comique en suivant l'évolution de la poésie lyrique depuis le style sublime de la Pléiade jusqu'à l'expression burlesque de Scarron en passant par la simplicité malherbienne, l'ingéniosité mariniste ou l'enjouement galant. L'expression lyrique glisse ainsi progressivement des chœurs et des discours pathétiques de la tragédie humaniste vers les soupirs, les chansons et les pointes des amants de la tragi-comédie et de la pastorale avant d'être parodiée dans la parlure ridicule des personnages de la comédie burlesque. Parallèlement à ce mouvement, les penseurs réguliers théorisent l'opposition fondamentale du langage poétique et du langage dramatique, rendant ainsi presque impossible le développement d'une tragédie régulière poétique<br>Poetical expression seems to be an inherent aspect of classical theatre. However, plays written in the second half of the seventeenth century, particularly the tragedies, were conceived to adhere to regular standards of form which tended towards the removal of poetic expression from theatre and which largely succeeded in doing so. To summarise this process, it is necessary to recount the history of poetic expression in plays from the advent of humanist tragedy in the mid-sixteenth century to the establishment of what would be later called « classicism ». It can then be demonstrated that lyrical elocution shifted over time from tragedy to comedy, following the same evolution as lyrical poetry which evolved from the noble style of the Pleiade all the way to Scarron’s burlesque expression, through the simplicity of Malherbe’s expression, the ingenuity of marinism, or the preciosity of the gallant style. Poetical expression thus progressively shifted from the choirs and pathetic discourses of the humanist tragedy, towards the sighs, songs, and conceits of the lovers of tragi-comedy and pastorales, before being parodied in the ridiculous manner of speech of the characters in burlesque comedy. Simultaneously, theorists of regularity theorised the fundamental opposition between poetic and dramatic language, thus making the development of a regular poetical tragedy nearly impossible

Cette thèse interroge la transgénéricité inédite du schème de la rivalité amoureuse père-fils sur la scène française du XVIIe siècle. La réflexion se fonde sur un corpus représentatif des trois grands genres dramatiques de l’époque – comédie, tragi-comédie et tragédie – et riche d’une quarantaine de pièces. L’objectif de ce travail est de montrer que cette structure dramatique est doublement subversive dans le contexte du Grand Siècle. Sur le plan esthétique, ce conflit envahit tout l’espace scénique alors même que les discours des doctes de l’époque visent à hiérarchiser et à séparer les genres entre eux. La thèse interroge ainsi les stratégies développées par les dramaturges pour adapter ce schème aux contraintes esthétiques propres à chacun des genres. Sur le plan idéologique, ce type de crise met en rivalité les deux représentants mâles de la lignée. Or, dans le cadre particulier de ce Grand Siècle que les historiens qualifient d’ « âge d’or des pères », cela conduit à questionner le fonctionnement sociopolitique et religieux de l’Ancien Régime. S’agit-il en faisant triompher le fils-rival de remettre en cause l’autorité du patriarche au sein de la famille et, partant, du roi au sein de l’État ? Ou bien, à l’inverse, est-il question en favorisant la victoire du père-rival, de réaffirmer le bien-fondé du système établi ? La rivalité père-fils, sous ses apparences galantes serait-elle porteuse d’un discours plus grave, et révélatrice d’une évolution de la société ? Comment la galanterie en transcendant la question générique, questionne-t-elle le politique ? C'est autour de ces deux grands axes de questionnement – esthétique et idéologique – que s'organise la réflexion<br>This thesis questions the scheme of the amorous rivalry between father and son which was used for the first time in all genres in seventeenth century French theatre. The research is based on a representative corpus of three dramatic genres of the period – comedy, tragi-comedy and tragedy – and includes about forty plays. The objective of this study is to demonstrate that this dramatic structure is doubly subversive in the period of the seventeenth century. On the aesthetic level, this conflict overcomes the stage even though the theoretic discourses of the period aimed to separate and classify dramatic genres according to a hierarchical system. The thesis studies the strategies developed by dramatists to adapt this dramatic scheme to aesthetic rules specific to each dramatic genre. On the ideological level, this type of conflict brings out the rivalry between the two representative males of the lineage. In the particular context of the seventeenth century, defined by historians as “l’âge d’or des pères”, this leads to reconsideration of the sociopolitical and religious functioning of the so-called “Ancien Regime”. Through the triumph of the rival son, is the authority of the patriarch challenged, and consequently, the one of the king in the state? Or, on the contrary, does the highlighting of the victory of the rival father reassert the legitimacy of the well-founded system? Would the rivalry between father and son, under its gallant appearances, bring a more serious speech and reveal an evolution in society? How does the gallantry, by transcending the limits of the dramatic genres, question politics? This study is based on these two aesthetic and ideological questions

In this study it is assumed from a central theoretical argument that the Bible based, scripturally true liturgical song, possesses an exceptional bonding structure. The set literary archetypes of the dramatic, epic and lyric - or the dramatical, epical and lyrical - are woven together to form the canvas for the hymnical praise of the worshipping community. The aim of the study is to dissect the relationship in which the archetypes stand to one another and to establish which trans–generical phenomena and movements can be detected in order to determine what their meaning is for liturgical songwriting. This is done on the basis of an analysis of the Book of Revelation, specifically pertaining to the hymnographical corpus in the book. To do this the most obvious meta–theory of this study is the literary theory, while the basis, principles and guidelines of the hymnographical basistheory are determined by theological biblical science. In the first main chapter (meta–theory) of the study the questions of what literature is and whether the Bible is literature, are explored and answered. The conclusion to this is that the Bible is true literature and that this religious script plays a central, unique and prominent role in the progression of the christian–western cultural world. In the process of determining the different approaches to the study of literature, note was taken of the various theoretical assumptions and theories and of the influence that each has and can have on theological biblical scientifical research. In the second main part (inter–disciplinary theoretical aspects) the investigation proceeds from the study of meta–theoretical literary terrain identification to the determining of the connection, link, sym–biosis and synergy between the literary meta–theory and the theological basistheory of this study. Shared and partly overlapping study terrains of the literary sciences and the bibilical sciences are explored. This leads to the demarcation of both an inter–disciplinary and multisubdisciplinary field of study, for which an approach and a method to further explore had to be developed. In the third main part (basistheory) the perspectives gained in the first two parts are unlocked to the advantage of the biblical scientifical study of Revelation. The last book of the Bible is analysed macro–structurally by means of a narratological reading and accompanied by a cursory–exegetic explanation, after which the meaning of the corpus of hymnical microtexts in their context within the macro–structure are further unlocked by means of detailed exegesis. In this way basis–theoretical hymnographical priniciples in Revelation can be identified. These are integrated in the fourth and last main part and are then concretised, using a song as example, in guidelines for hymnography. In this final main part (the outcome of the study) the investigation reaches its set aims as well as the overall goal in that it could be verified that the canvas of the liturgical song should be integrated successfully not only wordperfect, but also Wordperfect in all its facets through literary quality and biblical–principled motivation. This should allow the flame (= liturgical song) of the sacrifice of thanksgiving (= worship) to burn brightly in a time of diverse positions on church song.<br>Thesis (Ph.D. (Liturgics))--North-West University, Potchefstroom Campus, 2012.

Henry de Montherlant a développé tout au long de sa vie une œuvre théâtrale importante et variée. La problématique de l'action fournit une piste pour pénétrer dans son univers dramaturgique. Selon les critiques contemporains, les pièces de Montherlant manquent d'action. Le dramaturge a renoncé aux coups de théâtre et rebondissements extérieurs pour créer une action dont la seule machinerie consiste à décrire les mouvements intérieurs de l'âme humaine. Cet idéal est inspiré d'une conception classique du théâtre où la simplicité de l'action conduit à l'analyse psychologique. Le but de ce travail est d'identifier l'action et d'analyser son fonctionnement. La première partie, s'appuyant sur la théorisation antique de la dramaturgie, aborde l'action comme intrigue. La partie suivante montre comment l'action extérieure, superposée au mouvement, est supplantée par la parole : l'action est alors considérée comme acte. Cette partie complète l'étude de l'action avec trois approches : l'approche pragmatique et l'approche communicationnelle d'une part, qui permettent d'analyser le phénomène de la parole comme acte, et l'analyse actantielle d'autre part qui appréhende la psychologie du personnage que la dramaturgie classique et néo-classique appelle le caractère, et montre comment l'auteur construit l'intrigue. La dernière partie est consacrée au temps et à l 'espace comme éléments constitutifs de l'action dramatique<br>According to Montherlant, the dramatic turn of events and the external twists are a disturbance to the simplicity of the action which lone guiding force may aim at the exploration of the movements of the human soul. The main critics which are made to these plays are that they lack substance and dramatic intensity. This work which objective is to identify and analyse the action in Montherlant's dramatic art, originates from the antic theory of the dramatic art, in order to tackle the action as the plot. The next part shows how the external action stacked to the movement, is supplanted by the speech. This part completes the study of the action by three approacheas: the pragmatic approach and the communicative approach in the one hand, and the actancial analysis in the other hand. The last part deals with time and space as constituent of the dramatic action

O presente trabalho explora a questão da interdisciplinaridade e da transposição de obras literárias para o cinema. Focalizando a adaptação de textos dramáticos ao cinema, o estudo propõe em um primeiro momento uma investigação teórica sobre gênero ficcional mimético; drama, a partir da perspectiva do jogo dramático como elemento construtor do metadrama implícito e explícito; transtextualidade e cinema. Num segundo momento, a investigação analisa dois textos dramáticos, Who’s afraid of Virginia Woolf? , de Edward Albee, e Closer , de Patrick Marber, e suas respectivas transposições para o cinema pelo diretor Mike Nichols, examinando os elementos e recursos que os autores utilizam para construir o jogo dramático. Posteriormente, realizase uma análise comparativa entre os textos dramáticos e entre suas adaptações cinematográficas, buscando pontos de contato e de afastamento entre as obras, priorizando elementos denotadores do jogo dramático, além de características transtextuais que possibilitam a manutenção ou a alteração de significados entre os textos dramáticos e seus respectivos filmes.<br>This paper explores interdisciplinary aspects related to the transposition of dramatic texts into films. First, a theoretical investigation is conducted on mimetic genre, transtextuality; on drama, from the point of view of the game as a dramatic element to build implicit and explicit metadrama, and film adaptation. Secondly, this dissertation analyzes two plays, Who's afraid of Virginia Woolf? , by Edward Albee, and Closer , by Patrick Marber, as well as their film adaptations by director Mike Nichols, and examines the elements and features that the authors use to create the dramatic games. Later, the plays and their film adaptations are contrasted in order to investigate elements of dramatic games, and transtextual characteristics that allow the maintenance or the alteration of meaning between the plays and their correspondent films.

À partir de La Dernière Bande, la scène beckettienne est envahie d’êtres solitaires qui tentent de se raconter et de se prendre comme objets de leurs discours, afin de meubler le vide angoissant dans lequel ils se trouvent. S’orientant vers la représentation de l’intériorité, le second théâtre est ainsi marqué par le développement de la narration au cœur du spectacle dramatique. Parfois surnommées « dramaticules » par Beckett lui-même, les courtes pièces qui le constituent reposent sur des scénographies saisissantes, faites d’ombres, de corps démembrés ou de voix désincarnées. Écrites aussi bien pour la scène, la radio ou la télévision, ces œuvres mêlent les modes narratif et dramatique et brouillent les frontières entre les genres. Elles témoignent de l’influence de l’écriture romanesque de Beckett sur son œuvre dramatique. À travers elles, Beckett met en scène la narration et contribue à renouveler le langage dramatique. Il porte au théâtre la quête qu’il mène en parallèle dans son œuvre romanesque, dans une tentative pour forger un véritable théâtre de l’innommable<br>From Krapp’s Last Tape, Beckett’s stage is invaded by solitary beings who try to narrate themselves and to be the object of their speeches when faced with the frightening emptiness of their condition. Turning toward the representation of interiority, the late theatre is thus marked by the development of the narrative at the heart of the dramatic spectacle. Sometimes named “dramaticules” by Beckett himself, the short plays that make it up rest on striking scenographies, composed of shadows, dismembered bodies or disembodied voices. Written as much for the stage as for the radio or television, these works mix narrative and drama and blur the boundaries between genres. They show the impact of Beckett’s narrative writing on his dramatic work. Though them, Beckett stages narration and contributes to renewing the dramatic language. He stages the quest that he simultaneously conducts in parallel in his novels, in an attempt to create a true theatre of the Unnamable

Le handicap est aujourd’hui de plus en plus présent dans le monde de l’art. Ce phénomène est le plus souvent analysé dans la perspective de l’Art thérapie, dans laquelle le théâtre est envisagé comme un outil thérapeutique au service du patient.Cette thèse s’ancre dans une perspective très différente : elle étudie la question de la visibilité du handicap mental via une approche esthétique et politique, inspirée du courant anglo-saxon des disabilty studies, dans lequel le handicap est notamment analysé comme un phénomène social et culturel. La première partie est consacrée à un historique de la mise en visibilité de l’anormalité en général, ˆ travers les phénomènes de foire et les cas pathologiques entre le XVIe et le XXe siècle, en Europe et aux États-Unis. Elle souligne que la visibilité de ce qui est aujourd’hui appelé handicap a toujours joué sur l’ambiguïté entre la présentation et la représentation. La deuxième partie se concentre sur le théâtre contemporain et analyse les conditions de mise en audibilité du handicap mental dans trois spectacles des années 2010 : Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit mis en scène par P. Adrien, L’Empereur c’est moi mis en scène par V. Poirier et Rendez-vous gare de l’Est mis en scène par G. Vincent. Interprétées par des comédien.ne.s considéré.e.s comme valides, ces trois propositions artistiques prennent le handicap pour thème et le présentent sous la forme d’un partage d’expérience. Il y apparaît comme un écart à une norme sociale, qu’il contribue alors à mettre en question. La troisième partie est consacrée à des spectacles exclusivement interprétés par des comédien.ne.s en situation de handicap mental, dans lesquels celui-ci devient une ressource esthétique, tant au niveau de la dramaturgie, que du jeu d’acteur ou de la mise en scène. Des créations de la Compagnie de l’Oiseau-Mouche, de l’Atelier Catalyse et du Theater HORA, ainsi que les discours portés sur elles, sont ainsi analysées et comparées<br>Disability is nowadays increasingly present in the art world. This phenomenon is usually analyzed in the context of art therapy, in which theater is used as a way to improve the patient’s health. This dissertation adopts a very different perspective: inspired by disability studies, in which disability is considered a social and cultural phenomenon, it focuses on the visibility of mental disability through an aesthetic and political lens. The first part is an historical contextualization of abnormality in general. It studies how the freaks and the pathological cases gained visibility between the 16th and the 20th century, in Europe and in the United States. It stresses that what is nowadays called Ôdisability’ was always represented rather than merely exhibited. The second part focuses on contemporary theater and examines how mental disability can be heard, through the analysis of three performances created in the 2010’s : The Curious Incident of the Dog in the Night-Time directed by par P. Adrien, I am the Emperor directed by V. Poirier et Meet me at East Train Station directed by par G. Vincent. Played by able actors and actresses, these performances take disability as a theme and show it as a sharing of experience. Disability is portrayed as a deviation from social norms, which it enables to question. The third part is devoted to performances entirely played by actors and actresses with mental disabilities, in which disability becomes an aesthetic resource regarding dramaturgy, playing and staging. Creations by La Compagnie de l’Oiseau-Mouche, Atelier Catalyse and the Theater HORA, as well as the discourse about these companies, are analyzed and compared to each other

Cette étude vise à analyser la question de l’identité culturelle dans un corpus dramatique de seize textes écrits en français et en anglais par des Kenyans à l’occasion du Kenya National Drama Festival (KNDF). Tenant compte de l’histoire coloniale et du contexte post-colonial du Kenya, il s’est agi de relever dans ce corpus les marqueurs de la post-colonialité, à y identifier les thèmes majeurs et les traits constructifs de l’identité culturelle kenyane et à y déterminer les particularités culturelles. Dans une optique comparatiste, l’étude s’appuie sur les théories aussi bien post-coloniales que du théâtre. Les concepts post-coloniaux touchant la question de l’identité à travers la langue, la culture et la représentation sont identifiés et analysés dans le contexte kenyan. Pour cette raison, l’on s’est appuyé sur les travaux d’Edward Saïd, d’Homi K. Bhabha, de Chinua Achebe et de Ngugi wa Thiong’o. L’étude révèle que la population kenyane se trouve face à une multiplicité de choix culturels résultant de l’expérience coloniale, de nouvelles pratiques liées à la globalisation ainsi que des complexités et des défis de la vie quotidienne du monde moderne. Le KNDF s’avère un dispositif de sensibilisation du public aux nouveautés, de dénonciation des maux sociétaux et de promotion de normes culturelles africaines. Il apparaît ici que le recours aux langues européennes n’empêche pas de représenter des réalités culturelles locales. Le Kenya fait ainsi preuve d’une mobilité culturelle qui se manifeste dans la progression du système traditionnel vers une disposition mondialisée<br>This study analyszes the representation of cultural identity in sixteen drama texts written by Kenyans in English and in French for the Kenya National Drama Festival (KNDF). Considering the colonial history and the postcolonial context of Kenya, the task involved identifying the postcolonial markers within the texts, identifying major themes and traits constituting a Kenyan cultural identity and determining specific cultural identity. Using a comparative approach, the study draws from both postcolonial and theatre theories. The postcolonial concepts touching on identity through language, culture and representation are identified and analyzed in respect to the Kenyan context. For this reason, the study narrows down to the theoretical works of Edward Saïd, Homi K. Bhabha, Chinua Achebe and Ngũgĩ wa Thiong’o. The study reveals that the Kenyan population is faced with a multiplicity of cultural choices brought about by the colonization experience, the new practices associated with globalization, as well as the complexities and challenges of daily life. The KNDF proves to be an avenue for sensitizing the public on new phenomena, for denouncing societal ills and for promoting African traditional norms. It is apparent that the use of European languages does not hinder the representation of cultural reality of the local society. Kenya therefore attests to cultural mobility seen in the progression from the traditional system towards a more globalized disposition

La Phèdre de Sénèque. Approche philosophique et dramaturgique. Le sujet ainsi défini s'articule autour de trois centres d'intérêts majeurs. Il importe d’abord, d’analyser la genèse proche et lointaine du mythe de Phèdre. Il convient ensuite de mettre en évidence l’art dramaturgique de Sénèque ; enfin, c'est à travers la confrontation de deux visions antithétiques du monde (la parole épicurienne telle qu’elle est exprimée par la Nourrice et la vision stoïcienne de l'univers incarné par le personnage d’Hippolyte), ainsi que par l’insistance sur la dialectique des passions qui animent tour à tour chacun des protagonistes, qu’on dégagera les fondements mêmes de la lecture philosophique que propose Sénèque de sa Phaedra<br>Phaedra of Seneca : dramaturgical and philosophical approach. This defined subject is divided into three important parties : First, we will analyze the near and the distant genesis of the myth of Phaedra. Then, it will be suitable to put in light the dramaturgical art of Seneca ; finally, it’s through the confrontation of two antithetical visions of the world (the epicurean speech is expressed by the nurse and the stoic vision of the universe incarnated in the Hippolytus persona) and also by the insistence of the dialectic of passions that animate every one of the protagonists that we can even draw the foundations of the philosophical ideas that has been proposed to us by Seneca in Phaedra

Il est très délicat de parler " d'identité " cubaine sans la problématiser, la nuancer ou la circonstancier. Cuba est pourtant une île fouettée par des courants venus de tous les horizons, un creuset où se sont mêlées les cultures qui semblent définir son caractère propre. Le cas du théâtre est un exemple incontestable. Le théâtre cubain est un art plus ou moins sinistré à l'intérieur même de ses frontières. Mais après la révolution il commence à renaître. Le théâtre cubain a accompagné l'histoire de la révolution cubaine au milieu d'un siècle de grandes guerres et de mouvement de libération nationale. L'éclosion des années 1960 paraît ainsi être l'apogée de l'écriture dramatique cubaine, et la représentation dans le pays, de ce fait, le théâtre cubain rencontre une spécificité propre à l'intérieur et en dehors de l'île. Les dramaturges cubains représentent dans leurs œuvres la thématique cubaine dans et en dehors de l'île, intimement lié à la circonstance politique révolutionnaire et à ses conséquences dans la famille cubaine et l'individu. Tout ceci participe du " cubain ", autant d'exemples qui montrent la difficulté de parler d'un théâtre cubain. Il n'y pas qu'une seule façon de faire du cubain, car chaque auteur, chaque histoire est différente et implique différentes manières de percevoir " la cubania ", que ce soit dans l'aspect comique, tragique, réaliste, " absurdiste " ou politique, la spécificité de l'île est bien là.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida da Silva Santos.pdf: 412401 bytes, checksum: df5b9eb60c00bdef11eafb9a44038e45 (MD5) Previous issue date: 2010-05-18<br>Secretaria da Educação do Estado de São Paulo<br>This dissertation is centered at the structural reading of the Mário de Andrade s anthology, CONTOS NOVOS and its discursive, discontinuous and innovated process of the literary tales genre. The chosen corpus is composed by the following stories: Vestida de Preto, O Peru de Natal and O Poço. These stories present specifics aims: To illustrate the geniality of the author about the enlargement of the limits of his esthetic scheme of the literary tales genre; the modern man and his alterity which comes from his identity; the questions about o fazer literário ; the transgression of literary language; the linguistics experiments; the Brazilian language assimilation and stylization; the textual performance of the storyteller, the character, and the reader, who is merged in hypertextual connections suggested by the main subject of the literary tales. Our hypothesis is very well demonstrated and supported by the subsequent authors and their theories: Mikhail Bakhtin, Julio Cortázar, Ricardo Piglia, Manual Bandeira, Edgar Allan Poe, Alfredo Bosi, Afrânio Coutinho, Massaud Moisés, André Jolles, Paul Zumthor, Pierre Lévy, and Wayne Booth, among other ones. It is also supported by Mário de Andrade s interview, as well as by his private letters and articles. This academic study exposes the subthemes as follows: The first chapter exibites an idea about the course, the structural features and the metamorphosis of the literary tales genre, including the oral tradition and even the modern literary writing. This chapter also lists the Brazilian tales writers, mainly Mário de Andrade, in the context of the modernism; his latest guidelines and connections, according to the non-linear logic, antecipating the structure of the modern novel. The second chapter describes the multifaceted narrative process, the storyteller and his many-sided expressions in CONTOS NOVOS: interconnections between first- person tales, which is showed by the storyteller-character relationship: from the oral to the written word. The third chapter demonstrates our focal hypothesis that says about the hypertext structure which is inside the multi-linear system of the CONTOS NOVOS; This chapter shows the importance of the memory and of the imaginary word in the construction of the narrative process and also shows all the experimental procedures of the storyteller-character, relating memory experience: interaction, alterity and identity are in the base of the new hypertextual content in a dramatic unit<br>O objetivo desta dissertação está centrado na leitura estrutural da antologia de Mário de Andrade, CONTOS NOVOS e seu processo discursivo descontínuo inovador do gênero conto. O corpus escolhido, os contos: Vestida de Preto, O Peru de Natal e O Poço apresenta objetivos específicos: evidenciar a genialidade do autor em relação à proposta estética de ampliação das fronteiras do gênero conto; a temática do homem moderno, e sua identidade a partir da alteridade; a preocupação com o fazer literário ; a transgressão da linguagem literária; os experimentos lingüísticos; a incorporação e a estilização da língua brasileira ; as performances do jogo textual do narrador, da personagem e do leitor imersivo em conexões hipertextuais sugeridas pelas matrizes dos contos. Esta é a nossa hipótese demonstrada e sustentada pela leitura de alguns teóricos e suas teorias: Mikhail Bakhtin, Julio Cortázar, Ricardo Piglia, Mário de Andrade, Manuel Bandeira, Edgar Allan Poe, Alfredo Bosi, Afrânio Coutinho, Massaud Moisés, André Jolles, Paul Zumthor, Pierre Lévy, Paul Ricoeur, Lúcia Santaella, Fernando Segolin, João Luiz Lafetá, Luis Costa Lima, Telê Ancona Lopez, Nádia Gotlib, Massaud Moisés, Anatol Rosenfeld, Wayne Booth, bem como os testemunhos do próprio Mário de Andrade, a partir de entrevistas, correspondências e artigos particulares do autor. O desenvolvimento dissertativo considerou as seguintes subtemáticas: Capítulo I apresenta o percurso, os traços estruturais e as metamorfoses do gênero do conto, desde a tradição oral até a escritura literária moderna, apontando os contistas brasileiros, em especial Mário de Andrade, no alvorecer do Modernismo brasileiro; suas novas diretrizes e conexões do conto sob o tratamento da lógica alinear, profetizando a estrutura do romance moderno. O capítulo II descreve o complexo processo narrativo, o narrador e suas máscaras presente em CONTOS NOVOS: interconexões entre os contos de primeira pessoa evidenciados no movimento do narrador-personagem em saltos discursivos: da oralidade à escrita. O capítulo III evidencia nossa hipótese central referente à presença da estrutura do hipertexto no sistema multilinear dos CONTOS NOVOS; a importância da memória e do imaginário no processo narrativo e os procedimentos experimentais do narradorpersonagem em trabalho de relato de experiência memorialística: interação, alteridade, identidade sob novas matrizes hipertextuais em uma única célula dramática

En 1954, lorsque Kateb Yacine publie Le Cadavre encerclé dans la revue Esprit, le metteur en scène Jean-Marie Serreau s’enthousiasme pour ce texte. Jean-Marie Serreau est alors un acteur très important de l’avant-garde théâtrale, qui mène une recherche esthétique et politique. Il est alors en train d’œuvrer à ce que la critique appellera plus tard le théâtre de la décolonisation. Le texte, publié dans une revue militante, mis en scène par un homme de théâtre engagé, représenté à Bruxelles lors d’une soirée très ouvertement politique, est d’emblée interprété comme un texte de militant. Pourtant, une étude de ce texte par le biais d’une approche sociocritique, en le confrontant à la production littéraire face à laquelle Kateb Yacine va se positionner ainsi qu’au discours ambiant, permet de porter un autre regard sur ce texte. À la lumière des archives de l’auteur, de sa production littéraire de jeunesse, systématiquement occultée par la critique, il apparaît que le texte relève plutôt d’un geste créateur typiquement romantique, dans la lignée des poètes romantiques qui furent les modèles de Kateb Yacine. Le texte est investi d’un matériau autobiographique très important, qui va être totalement occulté au moment de la réception du texte : en 1954, en plein commencement de la guerre d’Algérie, ce n’est pas un poète lyrique que les milieux littéraires réclament, mais un auteur militant. Les travaux de Jérôme Meizoz sur la notion de posture permettent de cerner les stratégies que Kateb a peu à peu élaborées pour négocier son apparition sur la scène littéraire. Le matériau autobiographique de l’œuvre, quant à lui, tentera de ressurgir au cours de la collaboration entre Kateb Yacine et Jean-Marie Serreau, pour finalement réapparaître dans la dernière œuvre de Kateb. Cette pièce sur la vie de Robespierre, Le Bourgeois sans-culotte, devient alors une pièce testamentaire, une cérémonie d’adieux de Kateb Yacine<br>When Kateb Yacine publishes Le Cadavre encerclé in the review Esprit, in 1954, Jean-Marie Serreau praises this text immediately. At this time, Jean-Marie Serreau was a famous stage director and a very important pioneer of the dramatic avant-garde. His researches were both aesthetic and political at the same time. When he discovered Kateb Yacine, he was working on a very special kind of theatre, with the critics called the decolonisation theatre. Kateb’s text was published in a militant review, put on stage by someone who was an activist and performed in Brussels as part of a militant event : the text is immediately interpreted as militant itself. But a different analysis method – the sociocritical one – enables us to promote a different point of view. Studying how the text faces the contemporary litterary production makes appear how the writer tries to invent his position. The writer’s archives, his youth poems and letters, help us to understand that he does not write as a militant writer but as a romantic one – his models are XIXth century writers. The text shelters an important autobiographical material, which is condamned to be denied by the critics : in 1954 the war starts in Algeria, and the litterary circles do not want a lyrical poet but a commited writer to claim for decolonisation. Jérôme Meizoz’ works on the position concept enables us to stydu how Kateb Yacine constantly negociated the image he was assimilated to in this circles, his identity and position as a writer. Concerning the autobiographical material, Kateb Yacine will try to make it reappear all through his collaboration with Jean-Marie Serreau. It will finaly reappear in Kateb’s last play, Le Bourgeois sans-culotte. Originaly dedicated to Robespierre’s life, the play becomes Kateb’s testimony

Cette thèse a pour objectif de montrer le lien de cause à effet, entre l’arrivée de la forme du théâtre dans le théâtre des pièces pré-classiques de 1630 à 1650 et la construction de l’identité du comédien à partir des pièces de Rotrou, le Véritable Saint Genest, Desmarets,Les Visionnaires, Gougenot La Comédie des comédiens, Scudéry La comédie des comédiens,et Corneille, l’Illusion Comique, dont certaines empruntent le personnage-comédien ouvertement, ou le sous-entendent. Afin d’expliquer l’arrivée dans l’Histoire du comédien professionnel, l’étude s’organise selon un panorama historique de l’identité du comédien depuis l’Antiquité jusqu’au Moyen-âge, au moment de la disparition du mystère et de la fermeture de la Confrérie de la Passion et de la Résurrection de Notre Seigneur Jésus-Christ,prouvant ainsi l’avancée du comédien. Puis, la redéfinition des genres dans lesquels s’inscrira la forme du théâtre dans le théâtre permettra de constater le passage de l’identité religieuse à l’identité professionnelle du comédien avec la réhabilitation du genre de la comédie longtemps éclipsé dans l’Histoire. Le relevé des figures de comédiens de milieux sociaux différents, artisans, marchands, nobles, comédiens de foire, comédiens italiens, permettra de déterminer le profil du comédien français, son identité professionnelle et sociale. Le jeu dramatique du comédien par la liberté de création et l’imaginaire des auteurs dramatiques connaît une évolution. Se pose alors la question de l’identité psychologique du comédien,dans son rapport à la mimésis, à l’identification ou non de son personnage dans le jeu, en référence à l’éthique qui se redéfinit<br>This thesis has for objective to show the link of cause with effect, between the arrival of theform the play within the play of the pre-classic period from 1630 till 1650 with theconstruction of the identity of comedian from the piece of Rotrou Le Véritable Saint Genest,Desmarets The Visionaries, Gougenot The comedy of the comedians, Scudéy The comedy ofthe comedians, and Corneille The comic illusion, the character-comedian of which someborrow openly, or imply him. To explain the arrival in the History of the professionalcomedian, the study gets organized according to a historic panorama of the identity of thecomedian since Antiquity to the Middle Ages, at the time of the disappearance of the mysteryand the closure of the Brotherhood of the Passion and the Resurrection of our Lord Jésus-Christ, proving the advance of the comedian. Then, the redefining of the genre in which willjoin the form of the play within the play will allow to notice the passage of the religiousidentity in the professional identity of the comedian with the rehabilitation of the genre of thecomedy for a long time ecclipsé in the History. The statement of comedians’figures ofdifferent social backgrounds, craftsmen, traders, noble persons, comedians of fair, Italiancomedians, will allow to determine the profile of the french comedian, its professional andsocial identity. The dramatic play of the comedian by the freedom of creation and theimagination of the playwrights knows an evolution. The question of the psychological identityof the comedian, its relationship in the mimesis, the identification or not of his character in theplay, in reference to the ethics redefines

L'étude du geste dramatique dans le théâtre d'Euripide s'attache principalement à la dimension verbale du geste théâtral. Elle n'envisage pas seulement les mots qui disent le geste comme un moyen de reconstituer le geste de l'acteur mais cherche à éclairer grâce à eux l'art dramaturgique du poète. Une première partie est consacrée à l'étude stylistique des énoncés regroupés en « motifs gestuels » et montre l'importance des gestes pathétiques de la filiav dans les tragédies d'Euripide. Dans une seconde partie, une analyse comparée de gestes dans des séquences parallèles chez les trois grands Tragiques permet de mesurer les variations du rapport entre parole poétique et spectacle dramatique d'un poète à l'autre, afin de mettre en lumière la spécificité de l'expression euripidéenne du geste et le renouvellement du pathétiquedans son théâtre. Y sont interrogées les conséquences qu'ont pu avoir sur l'écriture du geste les modifications de la pratique théâtrale au cours du ve siècle avant J.-C., l'évolution des tendances artistiques et le poids de la sensibilité personnelle et de la vision tragique de chaque poète. Dans la troisième partie sont examinées les expérimentations théâtrales auxquelles s'est livré Euripide autour de l'expression du geste, notamment dans ses dernières pièces, et quiremettent en question la nature du tragique<br>This study focuses on gestures as indicated by the words in Euripides' tragedies. Words are not only here a means to reconstruct the actor's gesture on stage, but are analysed in order to enlighten the specificity of the poet's dramatic art. The first chapter presents a stylistic study of the gesture formulas, grouped according to « gestural patterns », and reveals theimportance of the pathetic gestures of filiav in Euripides' theatre. In the second chapter, the comparison of gestures in parallel scenes by the three Tragic dramatists sheds light on the differences between them in the relationship between dramatic text and stage action and on the novelty of Euripidean gestural expression and pathos. This comparison is linked to the evolution of tragic performance in the fifth century, to the evolution of artistic tendencies and to the poet's own sensibility. The third chapter is an analysis of Euripides' theatrical experiments involving dramatic gestures, especially in his late plays, and leads to a new definition of the tragic nature of Euripidean theater

L’objet de cette étude est d’interroger la place de l’improvisation dans la création théâtrale tunisienne, depuis ses origines – où elle apparaît dans des formes parathéâtrales, (el-Fdawi le conteur solo, Jha le blaguer sage, le théâtre d’ombre, etc.), jusqu’à nos jours. L’accent est mis sur les rapports organiques entre improvisation et dramaturgie, dans la formation et la création théâtrales en Tunisie, durant les dernières décennies. La notion d’"improturgie", qui traverse toute la thèse, rend compte d’une poïétique propre à de nombreux créateurs – tels Ezzeddine GANNOUN et Fadhel JAÏBI – qui consiste à construire une œuvre à partir du travail de plateau, à la recherche d’une écriture dramatique qui témoigne du contexte historique, culturel, social, idéologique et politique dans lequel elle s’inscrit. En l’absence d’un répertoire dramatique, l’"improturgie" apparaît ainsi non seulement comme un moteur d’activation dramaturgique sur la voie d’un théâtre militant – luttant contre l’impérialisme d’État et contre toute forme d’intégrisme – mais aussi comme un laboratoire de recherche pour des formes théâtrales encore inédites dans le monde arabo-musulman<br>The subject of this study is to investigate the place of improvisation in the Tunisian theatrical creation since its inception, as it appears in many paratheatrical forms (such as el-fedawi, the solo storyteller, Jha, the wise joker, underground theatre, etc.), until nowadays. The focus is laid on the organic relationship between improvisation and dramatic art in Tunisian theatrical formation and creation throughout the last decades. The concept of "improturgie", which spans the whole dissertation, accounts for a poietic which is specific to particular playwrights such as Ezzeddine GANNOUN and Fadhel JAÏBI, and consists of making a play by drawing on the work on stage in the search for a playwrighting which reflects the historical, cultural, social, ideological and political context of the play. In the absence of a dramatic directory, "improturgie" appears not only as a catalyst towards a militant drama – fighting against state imperialism and all forms of fundamentalism – but also as a research laboratory for more novel theatrical forms in the Arab and Muslim worlds

L’histoire de la revue Les Cahiers de Prospero est intimement liée à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon et à la double naissance en 1991 du Centre National des Écritures du Spectacle et de la revue Prospero, son aînée. La recherche décrit et analyse les conditions et les enjeux politiques, patrimoniaux, culturels et éditoriaux qui ont construit leur avènement et dont les deux étapes principales sont la réhabilitation du monument en un centre culturel de rencontre à visée européenne et le Compte rendu d’Avignon, vaste enquête dirigée par Michel Vinaver au sein du Centre National des Lettres. L’étude se concentre sur le passage d’une revue institutionnelle et spécialisée (1991-1992) à une revue conçue uniquement par des auteurs de théâtre (1994-1996) qui se transforme en une « carte blanche » confiée à un seul auteur - concepteur par cahier (1999-2002). La recherche se resserre sur les périodes qui anticipent la création de Prospero et des Cahiers de Prospero, l’étude de leur contenu, et la période charnière qui modifie la ligne éditoriale et ouvre un espace de confrontations auctoriales, recentré autour de l’écriture théâtrale. Michel Azama, rédacteur en chef de la revue, en accord avec les dirigeants de la Chartreuse, rassemble un comité d’auteurs : Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme et Noëlle Renaude pour réaliser Les Cahiers de Prospero. Plus qu’un objet littéraire, la revue Les Cahiers de Prospero donne à lire le portrait de l’auteur de théâtre à l’aube du XXIème siècle et contribue, par la richesse de son contenu et l’invitation d’un peintre auteur par cahier, à inventer un objet unique<br>The history of the periodical Les Cahiers de Prospero is closely related to La Chartreuse of Villeneuve lez Avignon and to the birth, in 1991, of both the Centre National des Écritures du Spectacle (The National Playwriting Centre) and a former periodical named Prospero.This research describes and analyzes the conditions and the various contexts and issues (political, patrimonial, cultural and editorial) underlying the birth of Les Cahiers de Prospero, the two main steps being the rehabilitation of the monument into a cultural center with a European aim and the Compte rendu d’Avignon (Avignon’s Report), a wide study directed by Michel Vinaver within the Centre National des Lettres. The research will focus on the transformation of a specialised and institutionalised periodical (1991-1992), into a periodical conceived only by theater writers (1994-1996) then into a « carte blanche » given to a single author-designer for each publication (1999-2002).A modification of the editorial line allows the authors to find a space of communication and confrontation, centered around theater-writing issues. Michel Azama, editor-in-chief of the magazine, in agreement with the direction of the Chartreuse, gathers a commitee of authors: Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme and Noëlle Renaude to realize Les Cahiers de Propero. More than a literary object, Les Cahiers de Propero offer a portrait of the theater writer at the dawn of the XXIst century. The richness of its contents and the collaboration of a guest painter author per issue turns it into a unique object

Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatique<br>If the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing

Ce travail de recherche s’interroge sur l’usage des langues dialectales dans le théâtre italien contemporain. De fait, celles-ci restent une source d’inspiration importante dans les créations les plus innovantes des trente dernières années, malgré l’affirmation de l’italien sur tout le territoire national depuis l’Unité. Cette étude s’interroge sur les valeurs et les enjeux de ces langues dialectales dans un théâtre actuel qui est, pour une part importante, le fait d’acteurs-auteurs : ainsi, la relation qui s’établit entre l’artiste, à la fois créateur et interprète, et la langue théâtrale, s’appuie sur une approche de l’élément langagier qui est aussi fondamentalement pré-cognitive, voire corporelle.Après avoir élucidé dans un premier temps les dynamiques linguistiques à l’œuvre dans le théâtre italien depuis l’Unité, cette étude se resserre autour de la pratique de cinq acteurs-auteurs contemporains : Marco Paolini, Ascanio Celestini, Spiro Scimone (Compagnia Scimone Sframeli), Emma Dante (Compagnia Sud Costa Occidentale) et Enzo Moscato. L’analyse du parcours de chacun de ces artistes, ainsi que d’une œuvre en particulier, se propose d’établir une cartographie du théâtre italien contemporain puisant dans les dialectes la matière de sa langue théâtrale. Il s’agit de mettre en évidence les lignes de fuite de créations qui interrogent trois notions clés au cœur de l’analyse : le temps, le territoire et l’identité, notions qu’une réflexion constante sur le concept de limite et de frontière affine et redéfinit progressivement<br>This doctoral dissertation deals with the use of dialectal languages in the contemporary Italian theater. Indeed, these languages remain an important source of inspiration in the most innovating creations of the last thirty years, in spite of the paramount place the Italian language has come to have in the whole national territory since the Italian Unification. This study deals with the values and with what is at stake in these dialectal languages in today's theater which is, most of the time, created by actors-authors: therefore, the relationship between the artist, who is both creator and performer, and dramatic language, relies on a way of tackling the linguistic element that is fundamentally precognitive and corporal as well.After having cleared up the linguistic dynamics in the Italian theater since the Unification ; the study focuses on the work of five contemporary actors-authors: Marco Paolini, Ascanio Celestini, Spiro Scimone (Compagnia Scimone Sframeli), Emma Dante (Compagnia Sud Costa Occidentale) and Enzo Moscato. Studying the work of these artists, as well as a specific play, intends to draw up a cartography of the contemporary Italian theater that is inspired by dialect languages to create its own dramatic language. The study aims to lay emphasis on the convergence lines of creations which deals with three key notions, at the core of the study: time, territory and identity. These three notions will be progressively redefined and precised by working on the idea of limit and boundary<br>Questo lavoro di ricerca si interroga sull’uso delle lingue dialettali nel teatro italiano contemporaneo. Infatti, esse restano un’importante fonte d’ispirazione nelle creazioni più innovative degli ultimi trent’anni, nonostante l’affermarsi dell’italiano sull’intero territorio nazionale a partire dall’Unità. Questo studio si interroga sui valori e sul peso di queste lingue dialettali nel teatro odierno che, in larga parte, viene realizzato da attori-autori: perciò, la relazione che si stabilisce tra l’artista, insieme creatore ed interprete, e la lingua teatrale è fondata su un approccio fondamentalmente pre-cognitivo, e perfino corporeo, dell’elemento linguistico.Dopo aver chiarito, in un primo momento, le dinamiche linguistiche in atto nel teatro italiano sin dall’Unità, questo studio si accentra intorno alla pratica di cinque attori-autori contemporanei: Marco Paolini, Ascanio Celestini, Spiro Scimone (Compagnia Scimone Sframeli), Emma Dante (Compagnia Sud Costa Occidentale) e Enzo Moscato. L’analisi del percorso di ognuno di questi artisti, nonché di una loro opera in particolare, mira a stabilire una cartografia del teatro italiano contemporaneo che attinge dai dialetti la materia della propria lingua teatrale. Si tratta di evidenziare le linee di fuga di creazioni che interrogano tre nozioni-chiave al cuore dell’analisi: il tempo, il territorio e l’identità, nozioni affinate e progressivamente ridefinite da una costante riflessione sul concetto di limite e di confine

Gender, Genre, and the Victorian Dramatic Monologue describes how female and male poets used the dramatic monologue to create a dialogue about gender and subjectivity. I first chart the evolution of the dramatic monologue by explaining changing Victorian literary critical values as evident in the use of the terms subjective and objective. As opposed to earlier literary interest in objectivity, later Victorian poets use the monologue to experiment with new subject positions, valuing individual perspectives most. I trace this pattern in the way Victorian poets across the period use the developing monologue to create often simultaneous and overlapping conversations about subjectivity. In the first conversation, poets such as Levy, Mew, and “Michael Field” (Bradley and Cooper) use the Magdalen figure to create a powerful subject position through the fusion of the sexualized and objectified female body and the embodiment of divine female power. In the second conversation, poets feature the prostitute as the ultimate example of an other consumed in an intimate, yet impersonal, relationship in order to explore whether individuals can achieve critical distance, the ability to observe and judge objectively, or whether observation requires a violent mastering of the other, turning the other into an object. Such poems include Dante Gabriel Rossetti's Jenny, Webster's A Castaway, and Browning's Fifine at the Fair. In the third conversation, Christina Rossetti and Mary Coleridge, among others like Hopkins, Swinburne, and “Field,” all experiment with the poetic genre to probe the very paradox at the core of this project—the abject position made subjectively powerful. In the fourth conversation, turn-of-the-century poets like Levy and Kendall create individual speakers with multiple subjectivities, and poets like Webster embrace similar multiplicity through allusive techniques that provide positions of power.

An exposition of South African English radio drama tracing the historical, cultural and political issues which led to the demise of the art form in 1999, and its resurrection at ICASA’s insistence in 2006. The research demonstrates the ideological influences of both British Imperialism and Afrikaner Nationalism on the development of South African radio drama, drawing parallels between the development of Afrikaans radio drama, Zulu radio drama and English radio drama. The study also deconstructs the role played by English language radio drama in underpinning the ideologies of whiteness, and illustrates attempts made towards transformation from 1985. The recent development of an essentially South African form of radio drama is described, and the effects of new ideological constraints imposed by the SABC are discussed. The study also provides a critical lens through which the SABC’s failure to observe its public service mandate is made evident.<br>Afrikaans & Literature<br>M. A. (Afrikaans & Theory of Literature)

This dissertation analyses the influence theatre space and the dramatic genre have on the design process, by examining three designs of Greg King: Aladdin (2007), a pantomime presented at the Playhouse Drama Theatre, Oleanna (2008) a drama at the Seabrooke's Theatre, and The Wizard of Oz (2008), a musical presented at the Elizabeth Sneddon Theatre. Through a semiotic analysis of the productions, the scenographic choices of King are interrogated to ascertain the ways theatre space and dramatic genre affected his design choices. The theories around sign systems in the theatre of Keir Elam (1980), Martin Esslin (1987), and Elaine Aston and George Savona (1991) are examined and used to decode King's designs. This dissertation theorises that the theatre space has influenced and continues to influence the decisions and choices of the scenographer, and it is this linkage that informs the discussion around the historical development of the proscenium arch theatre and the scenographer. The case studies offered in this dissertation highlight the challenges involved with the physical limitations of the theatre space, as each venue selected differs in size, shape, and the technical equipment available for the designer. The dramatic text provides the primary basis for both the director and the designer to develop a production concept. However, dramatic texts can be divided into many different genres and the following three genres, namely drama, musical and pantomime, provide the focus for this study. As these three genres have evolved from earlier forms, the historical development of the three genres is examined to ascertain how the genre affects the scenographic process. Atheatre production is the result of a collaboration between many specialists and therefore, the relationship between the designer and other member of the production team is examined. A set design is a visual image of an imagined environment and many designers use symbols, consciously or subconsciously, to communicate their ideas. A theatre production is the result of a collaboration between many specialists and therefore, the relationship between the designer and other member of the production team is examined. A set design is a visual image of an imagined environment and many designers use symbols, consciously or subconsciously, to communicate their ideas. The work of three international designers, Josef Svoboda, Ming Cho Lee and Ralph Koltai is examined further to understand the influence theatre space and the dramatic genre have on the design process.<br>Thesis (M.A.)-University of KwaZulu-Natal, Durban, 2012.