To see the other types of publications on this topic, follow the link: Dramaturges québécois.
Dissertations / Theses on the topic 'Dramaturges québécois'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 32 dissertations / theses for your research on the topic 'Dramaturges québécois.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Vaillancourt-Léonard, Sophie. "Le rôle de l’auteur dramatique au sein de collectifs de création : deux études de cas : BUREAUtopsie du Théâtre Niveau parking et Mémoire vive du théâtre les Deux mondes." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28598/28598.pdf.
Full text
2
Boucher, Gabrielle. "Les figures du fou dans la dramaturgie québécoise : portraits esthétiques." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2016. http://hdl.handle.net/10393/35527.
Full textAbstract:
La folie dans la dramaturgie québécoise est davantage une métaphore méta-théâtrale qu’une qualité liée à la maladie mentale. Certes, avec la naissance des sciences humaines, les dramaturges occidentaux ont progressivement fait disparaître les personnages iconographiques au profit de patients (Smadja, 2009). Il n’en demeure pas moins que les manifestations contemporaines de ce « type » de personnage ne cessent de se multiplier, particulièrement dans le corpus dramaturgique québécois. En explorant le traitement réservé aux « fous » de ce même corpus, on découvre une série de chantiers exploratoires voués autant à la remise en question de la structure linéaire ou réaliste qu’à la réflexion ontologique. Ces questionnements quant à l’identité du personnage permettent de les cerner en tant que « figures », la conséquence d’une reconceptualisation du personnage théâtral, tributaire, quant à elle, d’un nouvel ordre dramaturgique (Ryngaert, 2008). Qui plus est, ces figures rappellent explicitement – et parfois ironiquement –, par leur lucidité et leur regard philosophique porté sur l’existence humaine, le traitement dramaturgique que Shakespeare réserve à Macbeth, Hamlet et Lear.
Cette thèse propose d’étudier trois personnages de la dramaturgie québécoise – soit Mycroft Mixeudeim (La charge de l’orignal épormyable de Claude Gauvreau), Charles Charles (Provincetown Playhouse, juillet 1919, j’avais 19 ans de Normand Chaurette) et Miriam (Ce que nous avons fait de Pascal Brullemans) –, dans le but de dresser un portrait, aussi sommaire soit-il, des multiples déclinaisons de la figure du fou dans le théâtre québécois depuis les années 60. Cette analyse permettra de nuancer le point de vue de Foucault selon lequel la notion de folie s’est normalisée jusqu’à perdre son caractère a priori imagé ou iconographique (Foucault, 1964). Pour ce faire, elle s’articulera autour de grilles esthétiques empruntées à des courants des arts visuels, soit respectivement le romantisme, l’expressionnisme et le déconstructivisme. En repérant les ressemblances et les dissemblances dans le traitement esthétique des trois figures, nous serons en mesure de prouver que la figure du fou dans le théâtre québécois se veut plutôt un creuset pour se questionner sur l’Art, le langage et le théâtre comme moyens de mieux cerner la réalité.
3
Jaubert, Claire. "De l'emprunt à l'empreinte : les dramaturgies ducharmiennes." Phd thesis, Université Michel de Montaigne - Bordeaux III, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00994475.
Full textAbstract:
Cette thèse se penche sur un pan marginal de l'œuvre de Réjean Ducharme, ses textes de théâtre, en s'appuyant sur les archives que l'écrivain a déposées à Bibliothèque et Archives Canada, à Ottawa, en 1986. Le corpus étudié comprend quatre pièces, deux publiées (Ines Pérée et Inat Tendu, publiée en 1976, et HA ha !..., publiée en 1982) et deux inédites - mais jouées - (Le Cid maghané, écrit en 1967, et Le marquis qui perdit, écrit en 1969) et leurs diverses versions.Le théâtre de Réjean Ducharme peut être divisé en deux " phases " scripturaires qui correspondent à des inflexions d'ordre thématique, pragmatique, poétique, générique et génétique, qui permettent de distinguer deux moments. Le premier, celui de la parodie et de la satire, marque l'entrée au théâtre de l'écrivain, d'ailleurs déjà célébré pour ses romans. La manière par laquelle le dramaturge aborde le théâtre québécois dans ses deux premiers textes, dont le sujet reste emprunté à d'autres (la littérature française pour le Cid maghané et l'histoire du Canada pour Le marquis qui perdit), ne fait pas l'unanimité puisque l'on reproche à l'écrivain d'être trop littéraire et trop prévisiblement parodique par ses références à des modèles du genre. Les deux derniers textes témoignent en revanche d'une interrogation et d'une mise à l'épreuve de la théâtralité, relevées par la critique, qui iront jusqu'au rejet du théâtre comme genre.Cette étude du théâtre de Réjean Ducharme éclaire l'usage que celui-ci fait du genre dramatique à la fois en s'astreignant à respecter certains codes et en se jouant de diverses contraintes; en témoigne, par exemple, l'investissement très singulier du paratexte didascalique de ses pièces. En somme, cette thèse de doctorat vise à faire connaître un corpus moins fréquenté de l'œuvre d'un écrivain reconnu par ailleurs et considéré comme un classique de la littérature québécoise contemporaine, alors même qu'il s'emploie, dans chacune de ses créations, à refuser toute norme, règle ou compromis.
4
Graham, Catherine (Catherine Elizabeth). "Dramaturgy and community-building in Canadian popular theatre : English Canadian, Québécois, and native approaches." Thesis, McGill University, 1996. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=42044.
Full textAbstract:
The Canadian popular theatre movement's refusal to accept one of the key binary oppositions that organizes Euroamerican theatre practice, the split between community-based and professional theatre, makes it a particularly interesting subject of inquiry for theatre scholars. This dissertation develops a methodology for analyzing this movement by approaching theatre, not as a unified institution or a series of texts, but as a mode of cognition that can overcome another of the basic binary oppositions of modern Euroamerican thought, the opposition between mind and body. Following an introductory chapter that situates the Canadian popular theatre movement in the context of recent Canadian theatre history and of other popular theatre movements around the world, a theoretical chapter lays the foundation for this methodology by exploring such key terms as "community," "professional," and "theatrical." It suggests that theatre is a particularly appropriate cognitive tool for building participatory community in heterogeneous social milieus. Chapters 3, 4, and 5 analyze three stages in the popular theatre process in these terms. Chapter 3 looks at how methods of organizing community workshops put in place particular forms of community. Chapter 4 explores the ways in which the dramaturgic structures of plays created by Headlines Theatre, the Theatre Parminou, and Red Roots Community Theatre are formed both by their creation processes and by their analyses of the problems in the dominant public spheres of the larger society. Chapter 5 looks at the specific contribution professional theatre workers make in focusing audience attention on key elements in community participants' stories. The dissertation concludes by suggesting that popular theatre events can be most fairly evaluated by looking at their contribution to the creation of new categories of thought through which we might publicly discuss and enact truly participatory communities.
5
Graham, Catherine. "Dramaturgy and community-building in Canadian popular theatre, English Canadian, Québécois, and Native approaches." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/NQ29949.pdf.
Full text
6
Hemmerlé, Marie-Aude. "Représentations et figurations des dramaturgies québécoises contemporaines de Normand Chaurette à Daniel Danis." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030144.
Full textAbstract:
Examiner la dramaturgie québécoise contemporaine, c’est travailler la singularité et emprunter d’autres voies de la mise en crise du drame. Cette thèse montre comment des auteurs opèrent un double mouvement de représentation et de figuration qui renouvelle le drame. Malgré une décomposition de celui-ci, cette dramaturgie maintient une prégnance de la fable et du personnage grâce à la permanence de la fiction. Les auteurs continuent d’être des raconteurs d’histoires, mais les stratégies narratives ne vont plus de soi et engendrent un questionnement sur le personnage qui se transforme en agent essentiel des combinatoires explorées. Si les possibilités fictionnelles s’accroissent à partir des structures traditionnelles, elles se nourrissent aussi des données du personnage et inversement – une entité équivoque émerge et interroge d’autres modalités de présence dans le texte et sur le plateau. Par une exacerbation des sensations dans le discours, le personnage se change en espace esthésiogène. Cette approche n’est pas liée à une radicalisation de la forme et du contenu ; l’évolution s’inscrit dans une continuité historique et s’apparente à un nouveau développement de la dramaturgie québécoise. Une dramaturgie de l’entre-deux émerge, celle d’un territoire trouble, propice à la métamorphose et à l’expérience. Fable et personnage apparaissent comme des médias touchant tous les composants du drame. Le personnage devient le corps du récit et la fable donne corps au personnage, l’action se concentre autour de l’histoire à raconter. La persistance et la mutation de ces données provoquent aussi des répercutions dans les régimes de parole ou les cadres spatio-temporels. Une instabilité s’installe donnant à voir des univers poreux, mêlant réel et légendaire, laissant entrevoir de nouvelles possibilités dramaturgiques, notamment pour le spectateurTo consider Québec contemporary drama means to work on singularity and implies taking other routes than the one leading to the crisis of the dramatic form. This thesis demonstrates how some playwrights operate a double movement of representation and figuration that renews the dramatic form. Despite its state of decomposition, those writings manage to sustain the imprint of the story and of the character thanks to the omnipresence of the fiction. The playwrights keep on being storytellers but the narrative strategies used are no longer an evidence and therefore generate a questioning of the character that further transforms itself into an essential agent of combinations previously explored. If the possibilities of the fiction are growing from traditional structures, they feed themselves from facts coming from the character and, conversely – an equivocal entity emerges and interrogates other modality of presence within the text and on stage. By an exacerbation of the sensations within the speech, the character transforms itself into an espace esthésiogène. This approach is not related to a radicalisation of the form or of the content; its evolution is part of an historical continuity and is connected to a new development in Québec drama. A dramaturgy of the “in between” emerges, a dramaturgy of the disturbed land, favourable to metamorphosis and experience. Story and character appear as medias touching all aspects of the drama. The character becomes the substance of the narrative and the fable gives shape to the character, the action focuses on the story to be told. The persistence and the mutation of this data have repercussions within levels of speech or other spatial-temporal frames. A certain instability settles in and allows us to see porous worlds, combining reality and legend, suggesting new dramaturgical possibilities, especially for the spectator
7
Fortin, Mélanie. "Les lieux fictifs de la dramaturgie québécoise contemporaine : du huis clos au non-lieu." Thesis, University of Ottawa (Canada), 2001. http://hdl.handle.net/10393/9280.
Full textAbstract:
Au théâtre, l'espace est un objet d'étude privilégié puisque, comme médiateur entre un texte et sa représentation, il joue un rôle essentiel dans l'organisation comme dans la lecture de la diégèse. Le traitement des lieux fictifs, qu'ils soient décrits dans les didascalies ou évoqués dans les dialogues, a subi des transformations symptomatiques de l'évolution du texte dramatique. Un survol de la dramaturgie contemporaine permet aussi de constater que le lieu clos fortement référentiel de la dramaturgie spéculaire caractéristique des années soixante-dix est devenu fragmentaire et abstrait dans les oeuvres datant des années quatre-vingt. Il s'agit donc, dans cette étude, d'analyser les modalités de cette transformation à l'aide d'un corpus représentatif de la dramaturgie québécoise. Cette analyse prendra en compte la pratique scénique contemporaine afin de déterminer si l'évolution du lieu fictif est tributaire de la montée de la scénographie et de la mise en scène dans la pratique spectaculaire.
8
Aubin, Maxime. "Créer et se créer : La figure de l'homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26193/26193.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire tente de brosser un portrait de la figure de l’homosexuel créateur dans la dramaturgie québécoise depuis 1980. À travers l’examen de neuf pièces représentatives de ce corpus, il s’agit ainsi de démontrer en quoi l’expression de l’identité sexuelle des personnages est liée à la création (théâtre, écriture). En analysant comment les personnages homosexuels de ces pièces sont soumis au regard de la société, notamment en ce qui a trait à l’importance accordée aux rôles généralement dévolus aux genres (masculin/féminin), notre travail cherche à dégager l’influence de la condamnation de l’homosexualité dans le processus d’affirmation de l’identité sexuelle de ces personnages. Il s’agit ainsi d’étudier le mouvement qui mène de l’assignation d’un rôle déterminé à la réinvention de soi. Par ailleurs, le regard diachronique que propose ce mémoire permet d’observer la transformation de la représentation de la figure de l’homosexuel qui s’est opérée dans la dramaturgie québécoise depuis 1980.
9
Pereira, André Cesar. "Jacques Ferron : o dramaturgo de um país incerto (o Quebec)." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2012. http://hdl.handle.net/10183/61218.
Full textAbstract:
Le Quebec, province francophone du Canada, acquiert aujourd’hui une grande importance en ce qui concerne les aspects économiques, sociaux et culturels. Au Brésil on développe plusieurs études à propos de l’histoire et de la culture québécoises en vue de compreendre les transformations de cette région francophone en Amérique. Ce mémoire vise à agrandir ces études à partir de l’analyse de textes produits pendant les années 50, la période qui précède un important moment de développement social et culturel de la société québécoise : la Révolution tranquille. Pour compreendre ces transformations on doit souligner les sentiments qui la précèdent et on utilise, à cet effet, une littérature en voie de transformation e d´affirmation comme littérature québécoise. Dans le but de réaliser cette analyse on utilise deux pièces de l’écrivain Jacques Ferron, présentées avant la Révolution tranquille. On choisit cet auteur par son importante production littéraire qui cherche la compréhension du Quebec; en outre, les pièces sélectionnées sont importantes car elles présentent des personnages en quête de rupture avec le passé et de valorisation des spécificités du Québec. L´objectif de la présente étude est d’analyser les pièces de théâtre de Jacques Ferron, ici présentées comme représentatives des sentiments sociaux observés au cours de la Révolution tranquille et des transformations culturelles qui étaient en train d’arriver. On met en évidence, encore, l’importance de ces pièces pour la formation d’une littérature propre au Québec, car elles développent par l’intermédiaire de ses personnages, le processus d’affirmation d’une identité proprement québécoise.O Quebec ganha cada vez mais importância em âmbito mundial, em termos econômicos, sociais e culturais. No Brasil desenvolvem-se vários trabalhos voltados à história e à cultura quebequenses no intuito de compreender as transformações dessa região francófona na América. Nosso trabalho vem ampliar esses estudos com a análise de textos produzidos nos anos 50, período que antecede um importante momento de desenvolvimento social e cultural dessa sociedade: a Revolução Tranquila. Para compreendermos as mudanças ocorridas com essa revolução, observamos os sentimentos que a antecederam, nos baseando, para isso, em uma literatura ainda não denominada quebequense. Com o intuito de realizar essa análise, utilizamos como material de pesquisa duas peças teatrais do escritor Jacques Ferron, produzidas antes da Revolução Tranquila – momento que marca o ponto de partida para a valorização das especificidades do Canadá de língua francesa. Justificamos a escolha desse autor por seu importante trabalho voltado à compreensão do Quebec; além disso, as peças selecionadas são igualmente importantes por apresentarem personagens em busca de ruptura com o passado e de valorização de algo particular. Nosso objetivo com essa dissertação é analisar as peças de Jacques Ferron, aqui trabalhadas como antecipadoras dos sentimentos sociais eclodidos na Revolução Tranquila e como anunciadoras das transformações culturais que estavam por ocorrer. Evidenciamos, ainda, a importância desse autor para a formação de uma literatura própria do Quebec, uma vez que desenvolve, por meio de suas personagens, um processo de identificação de uma identidade dita quebequense.
10
Rozon, Brigitte. "Se mettre à mort, se mettre au monde, le meurtre dans trois pièces de la dramaturgie gaie québécoise." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp04/mq22391.pdf.
Full text
11
Bouchet, Pauline. ""La fabrique des voix" : l'auteur et le personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030057.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateurThe purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice
12
Leroux, Patrick. "Le Québec en autoreprésentation : le passage d’une dramaturgie de l’identitaire à celle de l’individu." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030033/document.
Full textAbstract:
Cette thèse trace et interroge le passage qui s’est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d’une écriture de l’identitaire à celle de l’individu. La lecture privilégiée sera de l’ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d’identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d’une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l’intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l’autobiographie, de l’autofiction et de l’autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d’un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd’hui s’intéresse d’abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu’ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l’ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d’un sentiment d’unicité? La thèse examine l’émergence d’une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d’une société d’individus préoccupés par leur propre devenirThis thesis traces and investigates the transition in Quebec drama over the last forty years from writing driven by collective identity to writing driven by the individual. The reading of the dramatic texts draws on a socio-critical approach, identifying discursive strategies and the poetics of self-representation in a theatrical tradition seen to be borrowing its devices from intimate literature. Consequently, biographically inflected plays and epic plays reinterpreting history are studied alongside the more explicitly autobiographical, autofictional, and self-reflective works that have come to typify recent Quebec theatre production. After having been resolutely political and language-based, Quebec drama—long considered reflective of the national aspirations of a people in a state of ongoing redefinition—is now interested primarily in itself as a literary trope. Theatre practitioners have become preoccupied with the narrowing space they occupy in Quebec society. Has the social process of becoming [“le devenir” in the Deleuzian sense] been replaced by an overwhelming preoccupation with the individual sense of becoming, not as a stated exemplum, but rather as the manifestation of a sense of uniqueness? The thesis examines the emergence of a self-reflective dramaturgy celebrating the autobiographical practices its artists are engaged in. Thus theatrical discourse is again in step with social discourse in Quebec, except that the dramatic mirror is reflecting a society of individuals preoccupied with their own personal sense of accomplishment
13
Leroux, Patrick. "Le Québec en autoreprésentation : le passage d'une dramaturgie de l'identitaire à celle de l'individu." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00714413.
Full textAbstract:
Cette thèse trace et interroge le passage qui s'est opéré au cours des quarante dernières années dans la dramaturgie québécoise, soit le passage d'une écriture de l'identitaire à celle de l'individu. La lecture privilégiée sera de l'ordre de la sociocritique du texte dramatique et elle permettra d'identifier les stratégies discursives et poétiques autoréflexives d'une pratique théâtrale qui puise ses tropes aux littératures de l'intime. Ainsi, les pièces à caractère biographiques et les relectures historiques sont étudiées au même titre que celles qui se revendiquent de l'autobiographie, de l'autofiction et de l'autoreprésentation. Ces dernières caractérisent la production théâtrale québécoise récente. Après avoir été résolument politique et axée sur la langue, la dramaturgie québécoise, longtemps considérée écriture-miroir d'un peuple dont la nation est en perpétuel devenir, aujourd'hui s'intéresse d'abord à elle-même, à sa littérarisation, voire à ses praticiens préoccupés par la place qu'ils occupent dans un milieu plus exiguë, plus marginalisé dans l'ensemble de la société québécoise. Le devenir sociétal a-t-il été substitué par la préoccupation du devenir individuel, non pas comme exemplum, mais comme manifestation d'un sentiment d'unicité? La thèse examine l'émergence d'une dramaturgie tributaire des pratiques autographiques de ses praticiens. Le discours théâtral est à nouveau en accord avec le discours social, sauf que cette fois, le reflet que renvoie le miroir est celui d'une société d'individus préoccupés par leur propre devenir.
14
Morgan-Alföldi, Aliz [Verfasser], Beatrice [Akademischer Betreuer] Bagola, and Beatrice [Gutachter] Bagola. "Les espaces transculturels de la dramaturgie québécoise : une analyse géocriticienne de la diversité entre 1975 et 1996 / Aliz Morgan-Alföldi ; Gutachter: Beatrice Bagola ; Betreuer: Beatrice Bagola." Trier : Universität Trier, 2020. http://d-nb.info/1218298294/34.
Full text
15
Racine, Noële. "Les poètes au théâtre." Thèse, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2012. http://hdl.handle.net/10393/20671.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau.
Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies.
Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque.
Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier.
Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps.
La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.
16
Boucher, Marie-Élaine. "L'hyper-théâtralité du personnage dans la dramaturgie de Réjean Ducharme." Thèse, 2006. http://hdl.handle.net/1866/7273.
Full text
17
Martin, Roxanne. "Chaurette devant Shakespeare : la traduction comme processus de création." Thèse, 2007. http://hdl.handle.net/1866/7283.
Full text
18
Gamache, Rachel. "Adopter Tchekhov : étude sociolinguistique de trois traductions québécoises d'Oncle Vania (1983-2001)." Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/3705.
Full textAbstract:
Depuis le début des années 1980, le milieu théâtral québécois manifeste un intérêt croissant pour Tchekhov. Pourtant, les pièces traduites ne répondent pas à la tendance qui, dans le Québec des années 1970-1980, consistait à adapter les classiques du théâtre étranger de façon ethnocentrique, notamment en les traduisant en québécois. Pour Tchekhov, les traducteurs et les praticiens semblent davantage préoccupés par la dimension dramaturgique de la langue que par l'adaptation au contexte sociolinguistique d'accueil. Intriguée par ce phénomène, nous avons cherché à le vérifier et à le comprendre dans le présent mémoire en analysant trois traductions québécoises d’Oncle Vania, représentées entre 1983 et 2001.
Notre travail se trouve au carrefour de deux disciplines : la traductologie et l’analyse dramaturgique. Il cherche à démontrer l’ancrage proprement dramaturgique des différentes stratégies de traduction d’Oncle Vania en étudiant la série de leurs concrétisations, du texte source jusqu’à la mise en jeu cible. Le corpus se compose de deux traductions à visée mimétique et d’une réécriture. Dans l'Oncle Vania de Michel Tremblay (1983), l'idiolecte du personnage de Marina a été traduit en joual de façon à recréer l'effet dramaturgique source. Dans Uncle Vanya (1993), une production anglaise du Théâtre du Centaur, les répliques de Sérébriakov ont été traduites en français par Jean-Louis Roux, l'interprète du personnage, et mettent en valeur plusieurs traits distinctifs de celui-ci. La troisième pièce à l'étude est une réécriture de la pièce par Howard Barker, (Uncle) Vanya, traduite au Québec par Paul Lefebvre (2001). La vulgarité de la langue de cette pièce a été traduite de façon sémantique pour recréer la relation déstabilisante spectacle/spectateur propre au Théâtre de la Catastrophe de Barker.
Très différentes les unes des autres, ces versions d'Oncle Vania démontrent que la traduction peut s'inscrire, en tant que processus d'analyse dramaturgique, au sein de la critique et de la réflexion sur l'œuvre de Tchekhov. En effet, ces traductions semblent participer davantage de l'histoire globale de l'interprétation du théâtre de Tchekhov en français que d’un projet sociopolitique. Ce mémoire contribue ainsi aux études de traductologie, en y intégrant des modalités d’analyse dramaturgique et apporte un nouvel éclairage à l’histoire de la traduction théâtrale au Québec.Since the beginning of the 1980’s, Quebec's theatrical milieu interest for Chekhov plays is growing. However, the translated plays do not reflect the tendency which, in the 1970’s and the 1980’s, consisted in adapting the foreign classics of theater in an ethnocentric way, especially by translating them into québécois French. For Chekhov, the translators and the practitioners seemed more worried about the dramaturgic aspects of the language than by the sociolinguistic adaptation of the plays to the context of reception. Intrigued by this phenomenon, we tried to verify and understand it by analyzing three Uncle Vania plays translated and produced in Quebec between 1983 and 2001. Our work is at the crossroads of two disciplines : traductology and dramaturgical analysis. It tries to demonstrate the strictly dramaturgic roots of the various translations strategies for Uncle Vania by studying the series of their concretizations, from the source text to the target mise en jeu. The corpus consists of two mimetic translations and a rewriting. The first play is Oncle Vania, translated by Michel Tremblay (1983), where the idiolect of Marina, one of the characters, was translated in joual in order to recreate the dramaturgic effect of the source text. In the second translation, Uncle Vanya, played in English at the Centaur Theater (1993), the lines of professor Serebryakov were translated into French by Jean-Louis Roux, the character's interpreter, and emphasize several of his characteristics. The third play of the corpus is a rewriting of Chekhov's, (Uncle) Vanya by Howard Barker, translated in Quebec by Paul Lefebvre (2001). The vulgarity of the language of this last play was translated in a semantic way, in order to recreate the show/spectator relation particular to the Barker’s Theatre of Catastrophe. These Uncle Vania’s versions are very different from one another and demonstrate that translation, as a process of dramaturgic analysis, can contribute to the criticism and the reflection on the work of Chekhov. In fact, these translations seem to participate more in the global history of the interpretation of Chekhov’s theater in French, than in a sociopolitical reading of theatrical translation in Quebec. In contributing top translation studies by the mean of dramaturgical analysis, this work also sheds new light on the history of theatrical translation in Quebec.
Réalisé en codirection avec Hélène Buzelin
19
Bacquet, Hélène. "Le chant des muets : mémoire, parole et mélodie dans Le Petit Köchel de Normand Chaurette, le Chant du dire-dire de Daniel Danis et Les mains bleues de Larry Tremblay ; suivi du texte dramatique Chanson de toile." Mémoire, 2007. http://www.archipel.uqam.ca/3115/1/M9684.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire-création est né du désir d'interroger la spécificité de la parole théâtrale dans trois pièces québécoises contemporaines, en vue de la rédaction d'un texte dramatique. Les textes étudiés (Le chant du Dire-Dire de Daniel Danis, Le petit Köchel de Normand Chaurette et Les mains bleues de Larry Tremblay) ont été regroupés en vertu de ressemblances esthétiques, qui tiennent notamment au choix de ne « rien » représenter sur scène, et de faire entendre le récit d'un personnage rendant compte d'une action entièrement achevée. Il nous est apparu que ces pièces partageaient d'autres points communs thématiques, peu soulevés par la critique contemporaine. Ces trois textes, rangés le plus souvent dans la catégorie des textes
« intimistes », voués à la remémoration d'un souvenir douloureux, adoptent une structure rituelle qui emprunte sa forme à un modèle musical Au renouvellement du genre dramatique s'ajoute dès lors une dimension collective, en apparence délaissée par le théâtre québécois depuis la fin des années 70. Afin de mettre en évidence la conjonction de trois imaginaires artistiques pourtant très distincts, nous avons adopté une approche comparée, fondée sur la confrontation des trois textes autour de grands axes communs. Nous avons eu recours à l'approche méthodologique développée par Hermann Parret pour mettre au jour la présence du lien collectif dans trois textes travaillés par les thèmes du mutisme et de la mutilation. Dans la partie théorique de ce mémoire, nous postulons que ces pièces tentent de conjurer la souffrance et la douleur physique infligées par la langue maternelle, lors de performances théâtrales traversées par un même fantasme: celui de la sublimation du mutisme dans le chant. Dans le second volet de notre mémoire, nous présentons le texte Chanson de toile, une pièce dont la forme emprunte à celle des trois textes étudiés, mais qui rejoint le Corpus en ce qu'elle est également parcourue par le thème du dépassement du mutisme -cette fois dans une perspective féminine. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dramaturgie québécoise des années 90, Mémoire, Parole, Mélodie, Chant, Mutisme.
20
Beaudry, Marie-Hélène. "Étude sur l'esthétique du plagiat dans trois oeuvres de Normand Chaurette ; suivie d'une récriture d'un texte dramatique à l'aide de cinq pièces de la dramaturgie québécoise : Le caractère unique du flocon." Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/3926/1/M11959.pdf.
Full textAbstract:
Condamnable sous son aspect juridique, le plagiat, lorsqu'il est abordé d'un point de vue littéraire et artistique, peut être considéré comme une esthétique. Le plagiat est un des procédés qu'embrasse la notion d'intertextualité ; il est commun, en cela, à la citation, la parodie, le pastiche, etc. L'intertextualité est la voie par laquelle sont analysés ces procédés par lesquels un texte entre en relation avec un ou plusieurs autres textes et les modalités à partir desquelles ceux-ci dialoguent entre eux. Le concept a contribué largement à remettre en question le mythe de l'auteur et du génie créateur, hérité du romantisme. Il a surtout servi à remettre le texte au cœur de l'analyse textuelle (littéraire, dramatique) en considérant celui-ci comme phénomène de production. L'intertextualité remet donc en cause l'idée que l'auteur soit un sujet unique dont le discours serait homogène. Dans l'esprit de l'intertextualité, il n'existe qu'un seul grand livre dont tout le monde s'inspire et que chacun pille allègrement. La mort de l'auteur, décrétée par Roland Barthes en 1968, renvoie à bien des égards à cette figure de l'écrivain plagiaire. L'essentiel consiste alors à voir le travail du texte dans ses nombreux commerces avec la littérature et, plus largement, avec le langage, ce qui exclut de fait tout positionnement moral face au plagiat. Ce mémoire entend examiner ces questions de deux manières. Dans un premier temps, en faisant l'étude de l'esthétique du plagiat dans l'œuvre de l'écrivain québécois Normand Chaurette. Trois œuvres dramatiques de cet auteur seront soumises à examen : Le Passage de l'Indiana (1996), Fragments d'une lettre d'adieu lus par des géologues (2000) et Provincetown Playhouse, juillet 1919, j'avais 19 ans (1981). Cette partie interroge, outre les procédés plagiaires proprement dits, la figure du créateur qui se trouve au centre de l'univers chaurettien. Dans un deuxième temps, en proposant à notre tour un texte fabriqué sur le modèle du centon, soit un collage de répliques empruntées à divers textes appartenant à la dramaturgie québécoise récente : Aphrodite en 04 (2006) d'Evelyne de la Chenelière, Lentement la beauté (2004) de Michel Nadeau et le Théâtre Niveau Parking, Les enfants d'Irène (2000) de Claude Poissant, Téléroman (1999) de Larry Tremblay et Pitié pour les vieilles chiennes sales (1999) de Marie-Ève Gagnon. Notre texte s'intitule Le caractère unique du flocon. À la fois œuvre originale et exercice de style inspiré des travaux de l'Oulipo, cette pièce se lit comme la décantation d'une expérience de lecture et ainsi comporte une dimension réflexive, qui n'emprunte pas la voie classique du commentaire, à propos d'un certain théâtre québécois contemporain.
______________________________________________________________________________
21
St-Amand, Karolann. "Vingt-trois chambres, suivi de Aux frontières de l'identité : la remédiation du selfie dans la trilogie "Les colonies de l'image" de Guillaume Corbeil." Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23746.
Full textAbstract:
Ce mémoire de recherche-création composé de deux parties s’intéresse à la remédiation de l’autoportrait photographique (l’égoportrait) dans la dramaturgie québécoise contemporaine, plus particulièrement aux relations que celui-ci entretient avec les notions d’identité et d’image. Le monologue hybride Vingt-trois chambres est divisé en dix-neuf tableaux où le personnage retrace en ordre chronologique les dix-neuf lieux dans lesquels il a habité. Le monologue se construit autour d'un dialogue permanent entre deux temporalités (passé et présent), alors que le quotidien de la déambulation (le personnage qui retourne devant ses anciens domiciles et reconstruit le parcours de ses déménagements) et la mémoire des lieux se répondent. La forme hybride repose sur l'établissement d'un dispositif texte/image, dans la façon dont la photographie et la littérature interagissent ensemble. La deuxième partie est un essai intitulé Aux frontières de l’identité : la remédiation du selfie dans la trilogie « Les colonies de l’image » de Guillaume Corbeil. Les pièces Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014), et Unité modèle (2016) s'intéressent à la question du « je », à cette figure qui se performe et se (dé)construit, à ce moi qui éclate. Dans les trois œuvres, les personnages se mettent en scène et performent leur vie pour échapper à l'anonymat. Les réseaux sociaux ont transformé nos vies en une succession de mises en scène de soi, de mises en fiction de soi. Dans un premier temps, j'analyse la façon dont ces textes et photographies créent un dialogue entre deux temporalités et deux médias. L'analyse porte ensuite sur cette identité en construction, confrontée à une pluralité de regards (soi, autre, monde).This two-part research/creation thesis focuses on the remediation of the selfie in contemporary Quebec dramaturgy, with a particular focus on its relationship to notions of identity and image. The hybrid monologue Vingt-trois chambres is divided into nineteen chapters in which the character traces in chronological order the nineteen places in which he lived. The monologue is built around a permanent dialogue between two temporalities (past and present), while the daily life of the stroll (the character who returns to his former homes and rebuilds the path of his moves) and the memory of the places respond to each other. The hybrid form is based on the establishment of a text/image device, in the way that photography and literature interact together. The second part is an essay entitled Aux frontières de l'identité: la remédiation du selfie dans la trilogie "Les colonies de l'image" de Guillaume Corbeil. The plays Nous voir nous (2013), Tu iras la chercher (2014) and Unité modèle (2016) focus on the question of the "I", on this figure that is performing and (de)constructing itself, on this self that explodes. In all three plays, the characters stage themselves or their life to escape anonymity. Social networks have transformed our lives into a succession of self-images, of self-fiction. First, I analyze how these texts and photographs create a dialogue between two temporalities and two media. The analysis then focuses on this identity under construction, confronted with a plurality of perspectives (self, other, world).
22
Gagné, Julie. "Imaginaire et usages du froid dans les pratiques scéniques et dramaturgiques du théâtre québécois contemporain : étude d'Agaguk et de Roche, papier, couteau." Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5933/1/M13219.pdf.
Full textAbstract:
Dans ce mémoire, je propose que le froid, au théâtre, se manifeste par ses effets sur le(s) corps, l'espace, la matière et le langage. Après avoir établi les éléments qui incarnent le froid dans la représentation et dans le texte dramatique, je vise à déterminer son usage dans les pratiques scéniques et dramaturgiques en m'intéressant à deux œuvres où il participe à la création de formes inédites, soit l'adaptation d'Agaguk d'Isabelle Hubert, présentée par le Théâtre Sous Zéro (TSZ), et la pièce Roche, papier, couteau... de Marilyn Perreault, créée par le Théâtre I.N.K. Mon premier chapitre définit le froid et ses effets afin de cerner les composantes qui en forment l'imaginaire. Sensation intensifiée par l'humidité, le vent et la noirceur, le froid transparaît par le truchement d'effets corporels d'ordre physique (Lapras, Larrouy, Ambid et Richard) et comportemental (Parsons et Hensel). Il force l'organisme à l'isolement (Suhonen), l'oblige à prendre refuge (Durand) et s'inscrit dans un territoire marqué par la nordicité (Hamelin). Absence de chaleur, il modifie l'état de la matière sans l'altérer (Ruiu). Marque de subjectivité, il témoigne de la sensibilité du locuteur (Kerbrat-Orecchioni). Phénomène complexe, le froid se rêve grâce aux matériaux nordiques (Désy), tandis que le feu, la chaleur, l'évoque par contiguïté (Désy et Michelis-Maslosh). Ambigu, il véhicule l'angoisse de la mort et l'espoir du dégel, la violence et la quiétude, le silence et le trop-plein de mots (Désy et Michelis-Maslosh). Il commande un souffle bref et une langue morcelée (Girard). Mon deuxième chapitre se consacre à l'Agaguk du TSZ, dont la dialectique « chaud-froid » permet au spectateur de contempler l'hiver dans le confort de l'intérieur. Il traite de la théâtralité (Féral) qu'appelle le froid et qui se déploie par le biais du quatrième mur vitré et d'un espace composé de trois lieux distincts (salle de spectacle, castelet et extérieur). L'analyse des mots « froid » et « froidement », présents dans l'adaptation d'Hubert, révèle la fonction du froid dans le texte dramatique : il exprime l'impassibilité, dissimule les pensées ou les réactions, contraint les personnages au refuge, à l'immobilité, à l'isolement, à la proximité et au silence, en plus d'accentuer la tension dramatique. Mon troisième chapitre, qui porte sur l'analyse génétique et dramaturgique de Roche, papier, couteau..., retrace la manière dont Perreault représente le froid. Le Nord inuit, découvert par l'auteure lors de séjours au Nunavik, influe sur l'inventivité du langage, le rapport des personnages à la parole et au silence, le suspense et l'univers froid. La genèse du texte montre la construction de l'espace et mène à une réflexion sur la spatialité du froid (l'intérieur, l'extérieur et le cadre). Le froid énoncé, quant à lui, rappelle l'état de survie des personnages, figure leur mal-être, les pousse à se réchauffer de différentes façons, leur insuffle une poésie et laisse poindre l'espoir.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Froid, Hivernité, Nordicité, Théâtre québécois, Imaginaire, Représentation, Dramaturgie, Génétique théâtrale, Marilyn Perreault, Isabelle Hubert, Théâtre I.N.K., Théâtre Sous Zéro, Contiguïté, Subjectivité, Refuge, Cadre, Fenêtre.
23
Gascon-Detuncq, Camille. "Le Centre des auteurs dramatiques (CEAD) : action structurante et trajectoire (1965-1980)." Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/23732.
Full textAbstract:
L’influence du Centre des auteurs dramatiques (CEAD) sur l’émergence et le devenir de la dramaturgie québécoise et franco-canadienne est indéniable. Pourtant, sa trajectoire de même que son action sur la dramaturgie n’ont jusqu’ici fait l’objet d’aucune étude approfondie. Ce mémoire propose donc, à partir d’une analyse détaillée des archives mêmes du CEAD, une première étude historique de ses quinze premières années d’existence, de 1965, année de sa fondation, à 1980. Nous tâchons de cerner, dans un premier temps, la conjoncture particulière à partir de laquelle a été créé l’organisme afin de mettre au jour sa singularité et de comprendre la façon dont les fondateurs, qui sont des auteurs dramatiques, ont réfléchi leur inscription dans le milieu théâtral. Nous proposons, dans un deuxième temps, une analyse de la trajectoire du CEAD durant la période courte, mais mouvementée, de 1968 à 1980, alors que l’organisme, aux visées plus corporatistes que politiques, devra conjuguer avec l’émergence fulgurante du théâtre engagé et du mouvement de la création collective qui rejette notamment la figure de l’auteur dramatique. Ce mémoire se veut une contribution aux recherches historiques sur le théâtre au Québec.The influence of the Centre des auteurs dramatiques (CEAD) on the emergence and future of Quebec and French-Canadian theatre is undeniable. However, its trajectory, as well as its action, have not yet been the subject of an in-depth study. This thesis therefore proposes, based on a detailed analysis of the CEAD archives themselves, a first historical study of its first fifteen years of existence, from 1965, the year it was founded, to 1980. We first try to identify the particular context from which the organization was created in order to reveal its uniqueness and to understand how the founders, who are all playwrights, reflected on their place in the theatre community. We then propose an analysis of the trajectory of the CEAD during the short but turbulent period from 1968 to 1980, when the organization, with more corporatist than political aims, had to deal with the dazzling emergence of the committed theatre and the movement of collective creation, rejecting in particular the figure of the dramatic author. This thesis is intended as a contribution to historical research on theatre in Quebec.
24
Hains, Lyne. "Voix de mères et voix de filles dans le théâtre des femmes au Québec depuis 1960." Thèse, 2010. http://www.archipel.uqam.ca/3434/1/D1950.pdf.
Full textAbstract:
Dans les études portant sur le théâtre québécois, très peu d'espace est consacré aux femmes dramaturges. Après avoir lu l'ensemble des textes dramatiques du répertoire féminin, nous avons repéré une problématique récurrente, soit celle de l'ombrageuse relation mère-fille. Cette relation revêt une importance majeure dans l'identité féminine, dans les liens que les filles et les femmes entretiennent les unes avec les autres. Il a un impact décisif sur la vie et sur le cheminement des femmes, autant dans leur intimité que dans leur vie sociale. Un double cadre théorique a servi à la rédaction de notre thèse. Le cadre théorique principal de notre thèse se composera des textes de théoriciennes qui ont étudié l'union mère-fille (Rich, Irigaray, Couchard...). Notre démarche sera donc de nature psychanalytique puisque cette théorie répond, de façon adéquate et opportune, aux questions portant sur l'évolution de l'être humain. Il va sans dire que le langage utilisé devra être emprunté à la dramaturgie. De la structure textuelle au personnage en passant par le langage, plusieurs écrits critiques soutiendront l'étude des éléments composant les textes du corpus. Ce deuxième cadre théorique, composé de dispositifs de l'analyse théâtrale, servira à faire ressortir des éléments clés des textes, à découvrir certains principes organisateurs, certains types de paroles (Ryngaert, Ubersfeld, Sarrazac, Pavis, etc.). Les années 1960-1973 verront apparaître, dans le théâtre féminin québécois, la voix de la mère, qui se joindra à la voix de la fille pour exprimer les difficiles relations qui les opposent. Les mères prendront la parole, contrairement à ce qui se passe dans le roman québécois, où la mère ne deviendra narratrice que beaucoup plus tard. Deux pièces retenues, Le temps sauvage (1967) d'Anne Hébert et Encore cinq minutes (1967) de Françoise Loranger, témoignent de ce moment historique. Lors de l'essor du féminisme des années 1970 (1974-1979), les filles chercheront à sortir de leur emprisonnement en sommant la mère de comparaître devant elles et en la condamnant sans possibilité d'appel, allant jusqu'à tuer symboliquement cette gardienne des valeurs de la société patriarcale. Le matricide traduit donc une volonté de libération. Empruntant des formes éclatées, des monologues et une structure semblable à celle d'un procès, ces auteures écartent le réalisme, qu'elles associent au patriarcat. Les pièces plus représentatives de cette période sont sans aucun doute À ma mère, à ma mère, à ma mère, à ma voisine, de Gagnon, Laprade, Lecavalier et Pelletier et « Les vaches de nuit» de Jovette Marchessault. La troisième période (1980-1999) verra naître plusieurs voies théâtrales différentes. L'une des voies marquera un retour à un théâtre plus réaliste, à une structure dialogique, puisque les filles réagiront avec vigueur, voulant anéantir l'héritage que leur mère leur a légué, même si cette lutte doit les mener vers un destin tragique. La deuxième voie présente des dramaturges qui, par des procédés allant du témoignage à l'utilisation d'un espace du récit, institueront l'espoir qui pourra enfin permettre aux mères et aux filles de partager leurs attentes et leur vie intérieure. Quant à la troisième voie, née plus tard, à la fin des années 1990, elle est mise de l'avant par des jeunes femmes qui utiliseront l'onirisme et les monologues fragmentés pour dénoncer la mère féministe et permettre à la fille d'inventer sa propre voie, au prix, une fois de plus, d'un matricide. Jocelyne Trudelle trouvée morte dans ses larmes (1983) de Marie Laberge, La déposition (1988) d'Hélène Pedneault, Baby Blues (1989) de Carole Fréchette, Les divines (1996) de Denise Boucher et Dévoilement devant notaire (2002) de Dominick Parenteau-Lebeuf feront donc l'objet d'une analyse en profondeur.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : théâtre québécois, théâtre des femmes, rapport mère-fille, relation mère-fille, Anne Hébert, Françoise Loranger, Pol Pelletier, Jovette Marchessault, Marie Laberge, Carole Fréchette, Denise Boucher, Hélène Pedneault, Dominick Parenteau-Lebeuf, Louise Dupré.
25
Cyr, Catherine. "Imaginaires du féminin chez Dominick Parenteau-Lebeuf et résonances interdiscursives dans l'élaboration du texte dramatique Les dormantes." Thèse, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/5276/1/D2388.pdf.
Full textAbstract:
Dominick Parenteau-Lebeuf, auteure dramatique québécoise, a signé plus d'une vingtaine de pièces. Plusieurs de celles-ci ont été mises en scène au Québec comme à l'étranger, et certaines ont été traduites en allemand, en anglais, en bulgare et en italien. Figure importante de la dramaturgie actuelle, l'auteure explore, dans ses textes, quelques motifs récurrents parmi lesquels font saillie les imaginaires du féminin, lesquels semblent aujourd'hui faire retour dans la sphère artistique, tant en littérature et en théâtre qu'en arts visuels. Le but de la présente recherche est d'observer et de comprendre quelques-unes des articulations de ceux-ci dans l'œuvre de l'auteure. Trois axes ont été ici privilégiés : les poétiques de l'énonciation, en particulier la parole monologuée et le jeu de rêve; les imaginaires du corps; le rapport à la mère et au discours féministe. L'analyse dramatique développée pour chacun de ces axes réflexifs s'est nourrie de plusieurs champs théoriques qui forment le cadre conceptuel composite de la recherche, élaborée au carrefour de plusieurs discours. Ainsi, ont été convoqués les outils de l'analyse littéraire et dramatique et de l'esthétique théâtrale, de même que divers discours s'attachant à circonscrire le féminin. Hétérogènes, parfois antagonistes, ces constructions discursives, provenant du champ de la psychanalyse et des approches féministes et postféministes, ont permis, dans leur rencontre ou leur friction, de jeter un éclairage plurivoque sur l'œuvre de Parenteau-Lebeuf. Au terme de la recherche, l'ambivalence discursive, repérée dans les thèmes, les images et les structures de l'énonciation des textes de l'auteure, s'est révélée comme ciment de l'écriture, noyau structurant autour duquel a pu se tramer une trajectoire de lecture et de compréhension des pièces. Oscillation organisatrice, refusant toute fixation, cette ambivalence, manifeste à divers degrés de lisibilité, inscrit résolument l'écriture de Parenteau-Lebeuf dans le territoire mouvant de la pensée postféministe, un espace discursif impermanent, inassignable, tissé de contradictions et d'irrésolution. Un second objectif de la recherche consistait à observer la mise en place de résonances interdiscursives entre les imaginaires du féminin observés chez l'auteure et ceux se déployant, lentement, dans le parcours d'écriture .de mon texte dramatique Les Dormantes. Consciente que la création s'érige toujours en « territoire occupé », j'ai cherché à mettre au jour les mouvances de ce phénomène de co-présence textuelle, une forme élargie de l'intertextualité, dans une trajectoire poïétique particulière. Espérant que ce parcours singulier trouve quelque réverbération chez d'autres, je rends compte de celui-ci dans la toute dernière partie de la thèse, plus modeste que les précédentes. Empruntant la voie méthodologique des pratiques analytiques créatives, lesquelles font de l'acte d'écrire un trajet vers la connaissance, je propose trois assemblages textuels dont la forme, libre, témoigne de mon parcours poïétique de façon à la fois analytique et sensible. Se dégage de ce trajet mosaïqué une réflexion sur l'ambivalence expérimentée à l'égard des sources vives de l'écriture, celle-ci se dépliant entre greffe et retrait, entre réverbération interdiscursive et autonomisation différenciatrice, dans le mouvement fuyant, et infiniment recommencé, du texte qui éclot.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Dominick Parenteau-Lebeuf, imaginaire, féminin, postféminisme, théâtre, dramaturgie, poïétique, interdiscursivité.
26
Charafeddine, Nadine. "La théâtralisation de l'exil dans la dramaturgie migrante au Québec (1980-2010)." Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/21717.
Full text
27
Véricel, Ludivine. "Des masques et des marques, après la catastrophe : étude comparée des oeuvres de Normand Chaurette et de Daniel Danis." Mémoire, 2012. http://www.archipel.uqam.ca/5009/1/M12572.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire est né du désir de comprendre le rôle du motif de la catastrophe inaugurale dans les rhapsodies de la mémoire du théâtre québécois des années 1980 à nos jours. Pour cela, nous avons choisi un corpus d'envergure, c'est-à-dire les œuvres complètes de deux auteurs qui marquent fortement le paysage théâtral contemporain : Daniel Danis et Normand Chaurette. Notre travail de recherche fait apparaître le caractère structurant du motif non seulement au sein des pièces considérées séparément, mais aussi dans l'ensemble des œuvres. En effet, celles-ci s'articulent autour d'une même problématique. Elles inscrivent leur cheminement dans sa remise en jeu, et le redéploiement autour de celle-ci d'un nombre limité de motifs. Notre démarche comparatiste nous permet de mettre en valeur les choix et les partis esthétiques des deux auteurs en montrant la complémentarité de démarches rarement rapprochées. Au sein des deux œuvres, la catastrophe inaugurale provoque les mouvements qui animent le texte. Le premier que nous identifions est « horizontal » : la catastrophe déclenche le mouvement des corps dans un espace donné. Nous l'abordons à l'aune du concept de « déterritorialisation » élaboré par Gilles Deuleuze et Félix Guattari dans L'Anti-Œdipe et Mille Plateaux. Ce mouvement est situé au sein d'un espace territorial caractérisé par une certaine organisation sociale, dont il va venir éprouver les rapports de pouvoir. Au sein du texte, ce mouvement est lui-même emporté par un autre : celui du retour. Les œuvres de notre corpus présentent en effet une dimension métapoétique, et réfléchissent sur leur propre genèse. Au centre de cette réflexion se trouve à nouveau l'événement catastrophique, qui, par son intensité, vient confronter le langage au silence de l'expérience sensible. C'est à l'aune du concept de « répétition », élaboré par G. Deleuze dans Différence et répétition, que nous interrogeons la dimension métapoétique de la forme rhapsodique, cherchant à comprendre comment le langage met en scène l'opération de sélection par laquelle il est parvenu à sa propre forme stylisée. Loin de résoudre les paradoxes qu'elle met en scène, la rhapsodie épouse les conflits qu'elle représente pour remettre sans cesse en jeu les interrogations qui la travaillent : comment transmet-on la mémoire catastrophique? Quels rôles l'écriture dramaturgique peut-elle tenir dans cette transmission?
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : dramaturgie québécoise des années 80 à nos jours, mémoire, catastrophe, rhapsodie, conflit des codes, mouvement.
28
Lemay, Dominique. "L'oeuvre dramaturgique d'Yvette Ollivier Mercier-Gouin : un parcours aux frontières de l'institution littéraire québécoise." Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/1907/1/M10749.pdf.
Full textAbstract:
La fragile autonomie de l'institution littéraire dans les années trente au Québec entraîne parfois la présence de critères autres qu'esthétiques dans le processus de légitimation des oeuvres. Par conséquent, un texte singulier pouvait ne pas connaître la consécration, et ce, même s'il semblait d'abord annoncer un point tournant dans l'histoire. Le présent mémoire vise à faire découvrir Yvette Ollivier Mercier-Gouin, une auteure prolifique aujourd'hui méconnue malgré le succès public et critique qu'elle a d'abord obtenu. Il sera question de son émergence puis de son parcours dans le champ littéraire, et de la particularité thématique de ses deux oeuvres majeures: les pièces Cocktail (1935) et Le jeune dieu (1937). Cette étude permet en plus d'éclairer le fonctionnement de l'institution littéraire, et de montrer la place occupée par les femmes et l'accueil réservé au genre théâtral dans le milieu littéraire. Les théories de la sociocritique seront utilisées afin d'attirer l'attention sur les liens entre la littérature, le politique et le social, et de comprendre le phénomène de canonisation ou d'oubli de certaines oeuvres dans l'histoire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Yvette Mercier-Gouin, Québec, 1930, Littérature québécoise, Texte dramatique, Femmes et littérature, Réception, Historiographie, Sociologie de la littérature.
29
Nepveu-Villeneuve, Maude. ""Émerger pour le temps des partages" : la scène comme lieu de restauration de l'unité communautaire dans Celle-là, Cendres de cailloux et Le chant du Dire-Dire de Daniel Danis." Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5740/1/M13013.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire analyse les trois premières pièces du dramaturge québécois Daniel Danis : Celle-là (1993), Cendres de cailloux (1993) et Le chant du Dire-Dire (1998). Ces trois pièces ont en commun la mise en scène de communautés imaginaires en crise et l'adoption d'une forme narrative proche de l'anamnèse, où le récit de l'action est fait après coup. L'objectif de ce mémoire est d'étudier la façon dont, dans ces trois pièces, la tentative de résoudre la crise communautaire est liée à la mise en récit des événements dans le contexte de la représentation théâtrale. Dans un premier temps, l'analyse situe l'œuvre de Daniel Danis dans le champ théâtral québécois par rapport aux enjeux et aux pratiques qui lui sont propres dans le contexte d'une société minoritaire et d'une littérature périphérique, et s'intéresse aux questions de l'identité et de l'altérité ainsi qu'à la relation entre le corpus québécois et le contexte sociohistorique et linguistique. Les différentes réponses esthétiques à la crise du drame aristotélicien, crise théorisée par Peter Szondi et par Jean-Pierre Sarrazac, sont aussi explorées, ainsi que leur influence sur la dramaturgie québécoise contemporaine. Les trois textes sont ensuite étudiés en parallèle de façon plus approfondie. À la lumière des théories de la communauté, de l'altérité et du drame contemporain, mais surtout des textes eux-mêmes et de leurs réseaux isotopiques, l'analyse se penche sur l'identité des communautés imaginaires et sur leurs principes de fonctionnement ainsi que sur leur rapport à l'altérité et à la parole. Cet examen amène à s'interroger sur la crise que traversent les communautés imaginaires et sur les modalités de résolution possibles dans le contexte de la représentation théâtrale. Enfin, des études sur la mythologie (Claude Lévi-Strauss, Anthropologie structurale), sur le récit (Paul Ricœur, Temps et récit) et sur les métaphores de la mémoire guident l'analyse formelle du modèle de la pièce-anamnèse. Le mémoire s'intéresse principalement à la ritualisation du matériau narratif dans Celle-là, Cendres de cailloux et Le chant du Dire-Dire, qui confère une fonction réparatrice au récit mythique mis en scène et permet ainsi la résolution de la crise communautaire. Ces trois pièces suggèrent qu'en s'ouvrant sur l'Autre-spectateur par l'entremise du rituel de la représentation, il est possible de continuer à exister, ne serait-ce que dans le récit, après la tragédie de l'éclatement communautaire.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : récit, dramaturgie, Québec, Daniel Danis, communauté, mythe, identité, altérité, parole, mémoire, théâtre
30
Marquis-Gravel, Marianne. "L’excès et la saturation dans la dramaturgie québécoise contemporaine : Faire des enfants d’Éric Noël, Ainsi parlait d’Étienne Lepage et Nous voir nous de Guillaume Corbeil." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/18714.
Full textAbstract:
Le présent mémoire part du constat qu’une thématisation redondante des motifs de l’excès et de la saturation constitue l’un des traits caractéristiques de la dramaturgie québécoise contemporaine. Si ces motifs figurent dans de nombreux textes, ils se déploient de manière singulière et originale dans plusieurs d’entre eux. Notre étude le démontre en prenant pour corpus trois pièces phares issues du théâtre québécois des cinq dernières années, Faire des enfants d’Éric Noël, Ainsi parlait d’Étienne Lepage et Nous voir nous de Guillaume Corbeil. Notre analyse sociocritique permet de mettre en exergue le fait que ces œuvres mobilisent, intègrent et transforment des sociolectes, des fragments discursifs, des programmes idéologiques, des manières de parler ou de penser qui essaiment dans le discours social contemporain. Par le travail qu’elles exercent sur ce déjà-là, chacune d’elles propose un regard critique inédit sur le vivre-ensemble et sur la manière d’être au monde à l’ère actuelle. Quelque différentes qu’elles soient dans leur procès esthétique, une lecture comparative conduit néanmoins à dégager qu’elles élaborent toutes trois une représentation oxymorique de l’individu, qui balance sans cesse entre le trop plein et le manque.This present master’s dissertation is based on the fact that excess and saturation are some of the recurring themes of Quebec’s contemporary drama. If these themes are present in a lot of plays, they extend uncannily in a unique way in some of them. This particularity is revealed by the analysis of three important and recent Quebec plays, which are Faire des enfants by Éric Noël, Ainsi parlait by Étienne Lepage and Nous voir nous by Guillaume Corbeil. Our sociocritic study of these plays allows to point out the fact that they mobilize, take over and transform different sociolects, discursive fragments, ideological programs, languages and ways of talking or thinking that are swarming in the contemporary social discourse. By the work they do on the “already there”, each of the plays offers a critical and original glance on the present living together. As different as their critical process may be, a comparative study of these texts however leads to show that they converge in an oxymoronic representation of the modern individual, always ambivalent between overfill and lack.
31
Grondines, Véronique. "Les nouvelles représentations dramaturgiques de la femme au Québec (2000-2010) : Fanny Britt, Evelyne de la Chenelière et Jennifer Tremblay, un féminisme diversifié." Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10697.
Full textAbstract:
Peut-on qualifier la dramaturgie féminine contemporaine québécoise de féministe ? Ce mémoire répond par l’affirmative. Il montre que la dramaturgie féminine québécoise actuelle participe d’une nouvelle prise de parole féministe, plus complexe et plus diversifiée que celle des années 1970-1980, et qui tend notamment à conjuguer discours social et poétique de l’intime. Chaque jour de Fanny Britt (2011), L’Imposture d’Evelyne de la Chenelière (2009) et La Liste de Jennifer Tremblay (2008) proposent en effet des éléments novateurs quant à la représentation dramaturgique de la femme, tournant autour de trois imaginaires significatifs : l’imaginaire médiatique, l’imaginaire maternel et l’imaginaire du rapport hommes-femmes. En comparant les pièces entre elles ainsi qu’à quelques pièces charnières des décennies antérieures, il sera démontré que Chaque jour, L’Imposture et La Liste proposent de nouvelles représentations de la femme dans le paysage théâtral et social québécois. Enfin, ce mémoire vise à déterminer si la prise de parole féministe de ces pièces correspond au féminisme de la troisième vague.Can contemporary Quebec feminine drama be considered feminist? This master’s dissertation answers in the affirmative. It demonstrates that the new women’s theatre is still feminist, but more complex and more diversified than in the 1970s and 80s, as it tends to blend the intimate and the social. The plays of Fanny Britt (Chaque jour, 2011), Evelyne de la Chenelière (L’Imposture, 2009), and Jennifer Tremblay (La Liste, 2008), offer innovative elements in their dramatic portrayal of women, as they focus on three themes: the media, motherhood and men-women relations. By comparing the plays with one another, as well as with important plays from past decades, it will be shown that Chaque jour, L’Imposture and La Liste renew the representation of women in Quebec theatre and society. Finally, this dissertation will address the links between this contemporary feminist theatre and the third wave feminist discourse.
32
Coulombe, Émilie. "Une mémoire oublieuse : théorie et pratique de l'énonciation de l'acteur chez Larry Tremblay, Daniel Danis et Christian Lapointe." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/16112.
Full textAbstract:
Prenant appui sur l’occultation de la mémoire verbale par la théorie théâtrale actuelle, le présent mémoire questionne l’exercice mémoriel des acteurs contemporains à partir de la dialectique mémoire/oubli dans les théories et pratiques de l’énonciation de Larry Tremblay, de Daniel Danis et de Christian Lapointe. Le premier chapitre s’intéresse aux fondements de l’énonciation privilégiés par les praticiens dans leurs discours théoriques – Le crâne des théâtres (Tremblay), « La mémoire intime au théâtre » (Danis), « Petit guide de l’apparition à l’usage de ceux qu’on ne voit pas » (Lapointe) –, plus précisément à la valeur accordée à la mémorisation verbale. Le deuxième s’attache à montrer que les textes dramatiques des auteurs-metteurs en scène – The Dragonfly of Chicoutimi (Tremblay), Mille anonymes (Danis), Sepsis (Lapointe) – engagent aussi un rapport oblique à l’apprentissage par cœur. Enfin, le troisième cherche à définir la notion de mémoire oublieuse à la lumière de laquelle les théories et les pratiques de Tremblay, de Danis et de Lapointe peuvent être analysées ainsi qu’à en identifier certaines conséquences dans leurs mises en scène.Based on the concealment of verbal memory by theatrical theory, this master’s dissertation questions the memorial exercise of contemporary actors from the memory/oblivion dialectic in the enunciation theories and practices of Larry Tremblay, Daniel Danis and Christian Lapointe. The first chapter focuses on the main foundations of enunciation defended in the theoretical discourses of the practioners – Le crâne des théâtres (Tremblay), « La mémoire intime au théâtre » (Danis), « Petit guide de l’apparition à l’usage de ceux qu’on ne voit pas » (Lapointe) –, more specifically in the value they place on verbal memory. The second chapter shows that their dramatic texts – The Dragonfly of Chicoutimi (Tremblay), Mille anonymes (Danis), Sepsis (Lapointe) – also undertake a slant to learning by heart. Finally, the third chapter seeks to define the concept of forgetful memory in the light of which the theories and practices of Tremblay, Danis and Lapointe can be analyzed and to identify some implications in their staging.