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Dissertations / Theses on the topic 'Dramaturgiya'
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Simke, Ann-Christine. "Berlinische Dramaturgien : dramaturgical practices in the German metropolis." Thesis, University of Glasgow, 2017. http://theses.gla.ac.uk/8194/.
Full textAbstract:
This thesis consists of three substantial case studies exploring the work of dramaturgy departments at three different theatres in Berlin during the twentieth and twenty-first centuries: at the Deutsches Theater Berlin under the directorship of Max Reinhardt at the beginning of the twentieth century, at the Schaubühne am Halleschen Ufer under the directorship of Peter Stein during the 1960s and 1970s, and at the Maxim Gorki Theater in the first season of Shermin Langhoff and Jens Hillje’s directorship in 2013/14. The study locates dramaturgical practices within a wider cultural and political field – from metropolitan culture in Wilhelmine Berlin to the anti-authoritarian theatre movement in West Germany and finally to contemporary debates on postmigrant theatre and cosmopolitanism in the reunified Germany of the twenty-first century. It applies a mixed-methods approach that focuses equally on performance analyses as well as analyses of historical documents such as theatre journals and theatre programmes. In its holistic approach to the practice of dramaturgy, it seeks to make a contribution to scholarship on dramaturgy in historical as well as contemporary perspectives.
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Maciel, Jairo Cesar. "A novadora dramaturgia Barriga-Verde." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-08092011-185638/.
Full textAbstract:
Depois de três décadas convivendo com o teatro de Santa Catarina, podemos dizer que o meu hedonismo em discutir o que se escreve para o teatro em terras barriga-verdes, encontra-se cada vez mais incitado; motivado por uma célere gama de emergentes escritores dramáticos que surgiram ao longo desse período e que merecem aqui as nossas mais altas considerações e uma análise mais acurada desses textos como gênero e traços estilísticos. Para que pudéssemos analisar A Novadora Dramaturgia Barriga-Verde, partimos para o estudo de 136 peças teatrais em que foram consultados 34 dramaturgos e num processo de afunilamento estético e estilístico, chegamos a seleção de 05 textos teatrais, sendo que estes serão os objetos de estudo e pesquisa em nossa Tese de Doutorado. Queremos com a análise destes 05 textos teatrais selecionados, discutir a relevância desta dramaturgia, se a mesma é importante para o teatro catarinense e brasileiro, e saber se ela existe de fato, e que, se comprovarmos, ela possa ser objeto de estudo e comparações com outros escritos através de teorias literárias que possam justificar a importância dessa literatura dramática. Queremos com a nossa Tese de Doutorado difundir a dramaturgia barriga-verde para que essa literatura dramática possa ser reconhecida inicialmente em solo catarinense e num patamar maior; um reconhecimento nacional. Simultaneamente, visamos traçar caminhos de intercâmbio entre os fazedores da literatura dramática e futuras encenações; visto que a maioria desses textos teatrais acabam adormecidos nas gavetas de nossos escritores.<br>After three decades close to Santa Catarina´s theater, we could say that our hedonism about discussing what we write to theater in those lands, is motivated by a swift range of new dramatic writers that came up during this period and deserve our best consideration and a good analysis of these texts on the point of view of the genus and the style. To analyze the The New Santa Catarina´s Dramaturgy, we began studyng 136 theater plays and consulting 34 play writers in a process of choice in which, considering the aesthetics and the style, we chose 05 theater plays that wil be object of study and research of our doctorate thesis. We wish, with the analysis of those 05 selected texts, to discuss, no only the importance of our dramaturgy to the state of Santa Catarina and to all The Brazilian theater, but also, we want to discuss if this dramaturgy indeed exists, and if we conffirm it exists, if it is in fact important to our theater, we want to find out if it can be studied and compared to others dramaturgies, Considering literary, that could prove the importance of our texts. At last, we wish, whit this doctorate thesis, to spread Santa Catarina´s Dramaturgy, in order to make it known, not only on it native land, but also in whole Brazil. At the same time, we want to make an interchange between playwriters and future productions, once most of the time, those texts remain asleep in writer´s drawers.
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Pinchbeck, Michael. "Acts of dramaturgy : the dramaturgical turn in contemporary performance." Thesis, Loughborough University, 2016. https://dspace.lboro.ac.uk/2134/24175.
Full textAbstract:
This doctoral study examines the evolving role of the dramaturg in the British contemporary performance scene from 2000-2015. In 1999, the role was seen in the UK as a luxury, not an essential; now the same companies are working with dramaturgs, often within an academic context, as the funding culture has shifted from Arts Council England to the Academy. This study proceeds through a combination of practice as research and a contextual survey of the role s recent history taken from readings, interviews and a narrative of personal experience. As John Freeman writes, Research is also always re-search: a drawing on one s previous experience and developing this into knowledge . I arrive at new knowledge about the dramaturg s current position in a shifting landscape by inhabiting both the role and the landscape. John Berger suggests that to understand a landscape we have to situate ourselves in it. The doctoral study seeks to do this through practice, research and practice as research. I devised three performances - The Trilogy (2014). Their non-linearity is relevant to the line of investigation I took into the role of the dramaturg today, both inviting and playing the role. The practice as research applies different theoretical models of how a dramaturg operates to a body of theatre work that interrogates the role from different perspectives. The practice asks how dramaturgy might function with or without a dramaturg as an agent for critical feedback or meaning-making by exploring other models such as embedded criticism, work-in-progresses and post-show discussions. The performance work attempts to put the dramaturg onstage and in so doing explores what he / she does as part of the theatre event to make it happen. The project is concerned with making visible the textual trace of dramaturgy within the work. As such, I have written a thesis on the dramaturgy of my practice that questions notions of proximity and distance, objectivity and subjectivity, self and other. The thesis documents how the role has evolved over the last 15 years and argues that it has had a significant, tangible impact on the British contemporary performance scene. Through an understanding of the role, the dramaturg, outside of a traditional writer-director paradigm, becomes an application with which to deconstruct and decode the tropes and contradictions of contemporary performance. I posit that dramaturgs and outside eyes operate in fluid and often undefined spatial territory between writer, deviser, director and dramatist as well as any hyphenated combination thereof - and the doctoral study reflects this fluidity in its style.
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Moreira, Laura Alves. "Dramaturgias contemporâneas : as transformações do conceito de dramaturgia e suas implicações." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2012. http://repositorio.unb.br/handle/10482/11500.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2012.<br>Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2012-10-25T14:05:36Z
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2012_LauraAlvesMoreira.pdf: 16089632 bytes, checksum: 879d1312273034d8b2d9a57a064af41d (MD5)<br>Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2012-10-26T12:51:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1
2012_LauraAlvesMoreira.pdf: 16089632 bytes, checksum: 879d1312273034d8b2d9a57a064af41d (MD5)<br>Made available in DSpace on 2012-10-26T12:51:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1
2012_LauraAlvesMoreira.pdf: 16089632 bytes, checksum: 879d1312273034d8b2d9a57a064af41d (MD5)<br>A dramaturgia contemporânea não se refere mais a um conceito singular, a arte de escrever dramas, mas antes, abarca todas as artes da cena e suas articulações. Percebe-se que nas últimas décadas o conceito de dramaturgia tem-se expandido, e essa expansão assinala novos paradigmas na criação artística, baseada no questionamento das noções de autoria, na desierarquização das artes e em novos protocolos de criação. A democratização dos processos criativos e o fim da supremacia do texto possibilitam a criação de conceitos de dramaturgia que se baseiam ora em outro conceito de palavra, ora no movimento, na imagem, na sonoplastia. Não encontrando espaço nas definições dramatúrgicas convencionais, novos grupos, atores, bailarinos e pensadores de teatro vêm cunhando outros conceitos como dramaturgia da cena, dramaturgia do som, dramaturgia da luz, dramaturgia do ator, dramaturgia do corpo, dramaturgia do movimento, dramaturgia coletiva, a dramaturgia colaborativa, a dramaturgia da imagem, entre outros. Nesta dissertação, escolhemos como foco as dramaturgias da cena, do ator e do corpo, por seu papel emblemático nessa expansão no que diz respeito às suas contribuições para a cena contemporânea. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT<br>Contemporary dramaturgy no longer refers to a single concept, the art of writing drama, but rather encompasses all performance arts and their family ties. It is noticeable that in the last decades the concept of dramaturgy has expanded, which marks the ascension of new paradigms of artistic creation based on questioning notions of authorship, on the dehierarchization of the arts and new creation protocols. The democratization of creative processes and the end of the supremacy of the text make way for the creation of concepts of dramaturgy based either in novel concepts of text, or of movement, image, sound. Finding no space within conventional definitions of dramaturgy, new groups of actors, dancers and thinkers of theater have been carving different concepts such as dramaturgy of the scene, dramaturgy of the sound, dramaturgy of lighting, dramaturgy of the actor, dramaturgy of the body, dramaturgy of movement, collective dramaturgy, collaborative dramaturgy, dramaturgy of the image, among others. For this dissertation, we have chosen to focus on the dramaturgies of the scene, the actor and the body, as we view their role as emblematic within the aforementioned expansion, for their contribution to contemporary drama.
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Quadros, Magali Helena de. "Buscando compreender a função de dramaturgista." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2007. http://tede.udesc.br/handle/handle/1321.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2007-02-06<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior<br>Ce travail recueilla, par l´intermédiaire d´une recherche bibliographique et électronique, ainsi que par des interviews, certaines données concernant le dramaturg: le concept, les functions, les activités, le rapport avec le metteur en scène, les acteurs, l´auteur, le public. Ont été repertoriées et classées aussi des informations sur l´importance et l ´utilité du dramaturg, certains aspects considérés comme étant négatifs ou encore des difficultés présentées lors de l´exercice de cette profession. Le résultat en est un ensemble d´informations organisées. Outre, le travail compare les activités des Dramaturgs brésiliens avec celles des Européens et Nord-Américains<br>Este trabalho coletou, através de pesquisa bibliográfica, de meio eletrônico e de entrevistas, dados a respeito do dramaturgista: conceito, funções, atividades, relacionamento com o diretor, os atores, o autor, o público. Foram levantados também dados a respeito da importância e utilidade do dramaturgista e os aspectos considerados negativos ou dificuldades da atividade profissional. O resultado é um conjunto de informações organizadas. O trabalho também compara as atividades dos dramaturgistas brasileiros com aquelas dos europeus e norte-americanos
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Symaniec, Virginie. "Des dramaturgies bielorussiennes a la dramaturgie bielorusienne sovietique : une tragedie de pouvoir." Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030108.
Full textAbstract:
A travers 74 textes de 45 auteurs dramatiques bielorussiens, ma these, tragedie de pouvoir en cinq actes avec prologue et epilogue, etudie l'emergence de dramaturgies en langue bielorussienne entre la fin du xixeme siecle et la fin des annees 1920. Dans le cadre du processus de construction de l'etat sovietique, elle tente de cerner leur evolution et de comprendre en quoi les auteurs dramatiques nationalistes bielorussiens du debut du siecle ont participe a la construction culturelle sovietique. Il s'agit aussi de comprendre quelles sont les questions que les textes dramatiques posent a une histoire calibree a posteriori et communement ecrite comme un melodrame. Les personnages principaux de ma piece sont une certaine image qu'on se fait de la nation, de la revolution, de l'histoire, du peuple ou encore, de la parole bielorussienne vivante, la langue.
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Cayres, Victor de Morais. "Dramaturgia da expansão: análise da estrutura dramatúrgica de World of Warcfrat." Escola de Teatro, 2015. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27489.
Full textAbstract:
Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-21T18:09:20Z
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Tese versão para entrega 2.pdf: 3703165 bytes, checksum: 0ab52dcdd975f05d78659b1aa6b8bd90 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-25T12:47:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1
Tese versão para entrega 2.pdf: 3703165 bytes, checksum: 0ab52dcdd975f05d78659b1aa6b8bd90 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2018-09-25T12:47:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Tese versão para entrega 2.pdf: 3703165 bytes, checksum: 0ab52dcdd975f05d78659b1aa6b8bd90 (MD5)<br>A presente tese tem como objetivo analisar dramaturgicamente o Massively
Multiplayer Online Roleplaying Game (MMORPG) World of Wacraft (WoW),
identificando e sistematizando seus aspectos estruturais. Este trabalho sustenta a
hipótese de que a dramaturgia de WoW é estruturada de modo a dar suporte ao
processo contínuo de expansão do jogo ao longo dos últimos 10 anos (do jogo base
ao pacote de expansão Mists of Pandaria). A tese nomeia dramaturgia da expansão,
o tipo de construção dramatúrgica que, tal como a de World of Warcraft, é orientada
pela necessidade expandir o espaço e o tempo ficcionais, ampliar o número e a
extensão das suas ações dramáticas, além de incorporar novos personagens a fim
de criar novas experiências narrativas e de jogo (referindo-se ao universo dos jogos
digitais ou analógicos). Esse tipo de dramaturgia não surge com WoW, afinal o
referido MMORPG possui uma evidente filiação a jogos de interpretação de
personagens, os Role-Playing Games (RPG) de mesa e digitais, os quais já
apresentam estratégias de expansão do seu universo ficcional e experiências de
jogo com fins comerciais. Assim, o presente trabalho se configura como um estudo
de caso e, portanto, verifica particularidades da dramaturgia de WoW ao mesmo
tempo que aponta generalizações possíveis. A pesquisa adota uma metodologia
pautada na observação direta e participante (na medida em que é preciso jogar para
analisar o objeto). O próprio jogo constitui a principal fonte de dados da pesquisa.
Dados estes obtidos a partir de cerca de 700 horas de jogo com 19 personagens
jogáveis por parte do pesquisador e cruzados com um aparato teórico
multidisciplinar advindo dos media studies, games studies, teorias do imaginário,
teorias dos gêneros literários e estudos teatrais para serem enfim sistematizados na
presente tese. Como resultado foi possível confirmar a hipótese defendida,
verificando como cada um dos aspectos estruturais analisados (Ação, Composição
de personagens e organização espacial dos signos) colabora para o contínuo
processo de expansão do jogo.<br>This thesis aims to analyze dramaturgically the Massively Multiplayer Online
Roleplaying (MMORPG) World of Wacraft (WoW), identifying and systematizing its
structural aspects. This work sustains the hypothesis that the dramaturgy of WoW is
structured to support the ongoing process of expansion of the game over the last 10
years (from the base game to the expansion pack Mists of Pandaria). The thesis
names dramaturgy of the expansion, the type of dramaturgical construction which,
such as World of Warcraft, is guided by the need to expand the fictional space and
fictional time, increase the number and the extent of their dramatic actions, as well as
incorporate new characters to create new narratives and game experiences (referring
to the universe of digital or analog games). This type of drama does not come with
WoW, after all the said MMORPG has an obvious affiliation to the interpretation of
characters games, table and digital Role-Playing Games (RPG), which already have
expansion strategies of their fictional universe and experience game for commercial
purposes. Thus, this study is configured as a case study and therefore, verifies
dramaturgy of particularities of WoW while pointing possible generalizations. It
adopts a guided methodology in direct and participant observation (to the extent that
is necessary to play to analyze the object). The game itself is the main source of
research data. These data obtained from about 700 hours of playing with 19 playable
characters from the researcher and crossed with a multidisciplinary theoretical
apparatus arising from media studies, games studies, imaginary theories, theories of
literary genres and theater studies to be finally systematized in this thesis. As a result
it was possible to confirm the hypothesis defended by checking how each of the
structural aspects analyzed (Action, composition of characters and spatial
organization of the signs) contributes to the continued expansion of the game
process.
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Sobrinho, José Teotonio. "Entre a tradição e a ruptura na dramaturgia recente no Brasil: modos e modas." Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8149/tde-30042013-115556/.
Full textAbstract:
A presente tese procura operar uma análise interpretativa de seis peças teatrais brasileiras recentemente escritas (do ano de 2000 em diante), das setenta e uma peças lidas ao longo da pesquisa de doutorado, a título de exemplificação de três modos distintos de operar em sua arquitetura a tensão entre a tradição dramática e sua ruptura. Em linhas gerais, as rupturas parciais dos preceitos do drama dão-se por meio da organização do material em forma de fragmentos de dramas, na maioria das vezes justapostos e disjuntos, por meio do enfraquecimento da função dramática do diálogo, que tende à conversa destituída do poder de progressão causal, chegando mesmo ao esfumaçamento do referencial e supervalorização da linguagem enquanto instância poética e, finalmente, por meio do uso de recursos dramáticos e não dramáticos enquanto objetos de linguagem a funcionar como material da peça com os quais o autor se deleita, manipulando-os em chave de humor.<br>This thesis seeks to operate an inter pretive analysis of six recently written Brazilian\'s plays (from 2000 onwards), chosen among the seventy one pieces that have been read along the doctoral research, as an exemplification of three distinct modes of operate on its architecture the tension between the dramatic tradition and the rupture from it. In general, the partial ruptures of the precepts of drama take place through the organization of material in the shape of drama\'s fragments, most of the time juxtaposed and disjoint, through the dramatic weakening of the function of dialogue, which tends to the conversation devoid of power from causal progression, which may reach the blurring of referential and overvaluation of language as poetic instance, and finally through the use of dramatic and not dramatic resources as language objects to operate as material of play with which the author delights, manipulating them in a key mood.
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Brito, Nayara Macedo Barbosa de. "Formas de ser um, de ser só : modos de sentir da dramaturgia brasileira contemporânea." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2015. http://hdl.handle.net/10183/122538.
Full textAbstract:
Tomamos o trabalho de três dramaturgos brasileiros contemporâneos, a saber: Newton Moreno, Fernando Bonassi e Roberto Alvim e suas respectivas peças Dentro, Três cigarros e a última lasanha (em coautoria com Victor Navas) e Pinokio na tentativa de apreender/identificar, a partir de uma perspectiva de análise estética e histórica, o que seria a nossa contemporaneidade, entendida aqui nos termos do que o teórico britânico Raymond Williams, principal referência de nosso estudo, chamou de estrutura de sentimento: um conteúdo de experiência e de pensamento que, histórico em sua natureza, encontra formalização nas obras de arte. É a partir de uma análise que tencione as formas ou convenções dramatúrgicas criadas por cada um dos autores de nosso corpus, inclusive os desvios que operam em relação ao modelo aristotélico-hegeliano de drama, e o conteúdo histórico-social que se precipita nessas formas, orientado, segundo o entendimento de Fredric Jameson, pelas dinâmicas do capitalismo enquanto sistema econômico vigente, que buscamos identificar, ainda que em termos imprecisos, o que seria a nossa contemporânea estrutura de sentimento. Amparam a nossa análise, em sua perspectiva formal, os estudos mais recentes sobre a poética do drama moderno e contemporâneo, que têm em Jean-Pierre Sarrazac seu principal organizador. Assim, buscamos compreender estética e historicamente os dramaturgos propostos e suas dramaturgias, guiando-nos pelo pensamento dos teóricos citados; e, como objetivo último, nos lançamos na tentativa de discernir a estrutura de sentimento dominante de nossa época e suas relações com as estruturas dramatúrgicas criadas no nosso presente histórico.<br>We take the work of three contemporary Brazilian dramatists: Newton Moreno, Fernando Bonassi and Roberto Alvim and their respective plays Dentro, Três cigarros e a última lasanha (co-authored with Victor Navas) and Pinokio with the intend to see/identify, from an aesthetic‟s and historic‟s perspective of analysis, what is our contemporaneity, here understood by what the Britain theoretical Raymond Williams, our study‟s main reference, calls structure of feeling: a content of experience and thought which, historical in its own nature, it‟s embodied in art. From an analysis which puts in tension the dramaturgical forms or conventions created by each one of our corpus‟ authors, including the shifts they operate in Aristotelian-Hegelian drama standard, and the historical and social content that decants in these forms, guided, according to the Fredric Jameson‟s understanding, by the capitalist‟s dynamic as the present economic system, we intend to identify, even if in inaccurate terms, what is our contemporary structure of feeling. Support our analysis, in its formal perspective, the recent studies about modern and contemporary drama poetic, which have in Jean-Pierre Sarrazac its main organizer. Thus, we intend to understand aesthetically and historically the dramatists proposed and their dramaturgies, guiding ourselves by the above theoretical‟s thought; and, last but not at least, we throw ourselves in the attempt of distinguish the structure of feeling dominant in our time and its relations with the dramaturgical structures created in our historical present.
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Moreira, José Fausto Soares Rochaa, and José Fausto Soares Rochaa Moreira. "O encenador dramaturgista e as "duzentas mil" possibilidades dramáticas." Escola de Teatro, 2016. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/19204.
Full textAbstract:
Submitted by José Fausto Soares Rocha MOREIRA (faustosoares01@gmail.com) on 2016-05-11T18:01:39Z
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DISSERTAÇÃO FINAL.FaustoSoares.pdf: 2379742 bytes, checksum: 6e7389011d3cc5e6731618dfc4cc7196 (MD5)<br>Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2016-05-17T13:13:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1
DISSERTAÇÃO FINAL.FaustoSoares.pdf: 2379742 bytes, checksum: 6e7389011d3cc5e6731618dfc4cc7196 (MD5)<br>Made available in DSpace on 2016-05-17T13:13:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1
DISSERTAÇÃO FINAL.FaustoSoares.pdf: 2379742 bytes, checksum: 6e7389011d3cc5e6731618dfc4cc7196 (MD5)<br>FAPESB<br>Esta investigação problematiza as questões intrínsecas ao papel do encenador dramaturgista: conceito; funções; atividades; processo de criação; relação com texto, equipe e ator; e os prognósticos. Motivado pelas experiências do investigador na área, levantou-se um histórico da relação texto e cena até o Teatro Moderno e, em seguida, foi traçado um perfil do encenador e do dramaturgista a partir modificações teatrais no século XX, em especial, nos conceitos relacionados ao drama. Com esse material, foi possível compreender o trabalho de quatro profissionais da área (Carla Romero, Gil Vicente Tavares, João Falcão e Paulo Cunha) e apresentar um quadro com as funções, os procedimentos e os pensamentos dos entrevistados através do confronto com a bibliografia levantada.
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Pereira, Thiago Henrique Fernandes. "Dramaturgias em deslocamento: da errância temática e formal à questão política." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8149/tde-15032016-160648/.
Full textAbstract:
A presente dissertação reflete sobre a produção de dramaturgia contemporânea brasileira a partir do horizonte desvelado por duas obras em especial, Agreste, de Newton Moreno, e BR-3, de Bernardo Carvalho. O foco nos dois textos não anula o diálogo pertinente e necessário também com a esfera espetacular quando necessário. Através da ideia de deslocamento, analisamos, primeiramente, o devir errático associado às obras em duas instâncias; errar para além de sua própria esfera de gênero em busca do outro e do surgimento de novos de campos de subjetividade; errar como parte de uma demanda interna e estrutural através de personagens em constante movimento e da exploração de um Brasil longínquo e extenso. Em seguida, empenhados na investigação da atuação crítica de tais obras, tendo como hipótese sua relação não documental com o presente, analisaremos o tratamento da subjetividade na elaboração das personagens, e o tratamento da ideia de território. Para além da dualidade entre realidade e representação, descortina-se a possibilidade de narrativas imagéticas, ou seja, em que os espaços autorais e imaginários possuem grande importância. Tais considerações guiam, por último, o questionamento a respeito da dimensão política de tais obras, percorrendo, primeiramente, algumas divergências que marcam o chamado teatro político.<br>This work reflects on the production of Brazilian contemporary dramaturgy from the unveiled horizon by two works in particular: Agreste, by Newton Moreno, and BR-3, by Bernardo Carvalho. The focus on both texts does not annul the relevant and necessary dialogue with the spectacular realm when required. Through the idea of displacement we analyze first the erratic becoming associated with the works in two instances; err beyond their own sphere in search of others and the emergence of new fields of subjectivity; err as part of an internal and structural demand, characters in constant motion, exploring a distant and extensive Brazil. Then engaged in research the critical role of the works under the hypothesis of their non-documentary relationship with the present, we will examine the treatment of subjectivity in the development of the characters, and the treatment of the territory ideia. In addition to the duality between reality and representation, it becomes visible the possibility of imagery narratives, where the authorial and imaginary spaces are of great importance. Such considerations guide, lastly, the question about the political dimension of such works, browsing, first, some differences that mark the so-called political theater.
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Batista, Daniel Augusto do Nascimento. "Caminhos do Entretenimento: correspondências dramatúrgicas entre o Século de Ouro Espanhol e a Era de Ouro de Hollywood." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-21022019-150546/.
Full textAbstract:
Entre os séculos XVI e XVII, a Espanha, à época o mais poderoso império, teve uma de suas principais expressões artísticas no teatro, que se notabilizou por seu caráter fortemente popular, papel análogo ao assumido pelo cinema norte-americano de comunicação de massa na primeira metade do século XX, quando os Estados Unidos já haviam se consolidado como grande potência mundial. Assim sendo, o presente projeto objetiva investigar e relacionar os procedimentos dramatúrgicos do Século de Ouro Espanhol e da Era de Ouro de Hollywood, períodos artísticos de ambos os contextos, a partir de análise comparativa entre obras bibliográficas preceptivas - com o complemento de peças teatrais e filmes específicos - bem como da leitura de referencial teórico diversificado, de maneira que se faça possível o estabelecimento de bases abrangentes para o estudo de uma dramaturgia do entretenimento.<br>Between the 16th and 17th centuries, Spain, at the time the most powerful empire, had one of its main artistic expressions on theater, which was famed for being strongly popular, something similar to the role played by the American cinema during the first half of the 20th century, when the United States had already established themselves as a great world power. Thus, this project intends to investigate and connect the dramaturgical procedures from Spanish Golden Age and from Classical Hollywood, artistic periods from both contexts, based on a comparative analysis between preceptive works, with the complement of specific plays and films, in order to lay down some comprehensive basis for the study of a dramaturgy of entertainment.
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Sanches, João Alberto Lima. "Dramaturgias de desvio: recorrências em textos encenados no Brasil entre 1995 e 2015." Escola de Teatro da UFBA, 2016. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/19583.
Full textAbstract:
Submitted by João Sanches (sanchesjoao@ig.com.br) on 2016-06-28T20:43:46Z
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TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5)<br>Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2016-06-29T12:11:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1
TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5)<br>Made available in DSpace on 2016-06-29T12:11:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1
TESEJOÃOSANCHES.pdf: 1847782 bytes, checksum: d24bb8ebd4f84fea01031b7a6d6a79db (MD5)<br>CAPES<br>Esta tese apresenta uma reflexão sobre dramaturgias contemporâneas a partir da análise comparativa de 100 textos encenados no Brasil entre 1995 e 2015. A pesquisa reconhece a emersão de elementos épicos e líricos na maioria das dramaturgias analisadas e a predominância da noção de situação dramática sobre a ideia de uma ação dramática em progressão linear. A autorreflexividade é a principal qualidade evidenciada nessas emersões épicas e líricas, as quais constituem diferentes estratégias de relativização/abertura de sentido, conceituadas neste estudo como desvios. Por meio de uma abordagem dos procedimentos dramatúrgicos relativos à construção da intriga, este estudo propõe uma tipologia básica de desvios e, para isso, baseia-se, particularmente, na noção de desvio do dramaturgo e teórico francês Jean-Pierre Sarrazac, assim como no modelo de drama lírico da também dramaturga e teórica brasileira Cleise Mendes, entre outras referências artísticas e teóricas como Bertolt Brecht e a noção de distanciamento; Mikhail Bakhtin e a noção de dialogismo; e Umberto Eco e a noção de obra aberta. Sobretudo, esta tese defende a associação de determinados procedimentos dramatúrgicos com o modo lírico, no sentido de ampliar teoricamente a noção de desvio, relacionando-a tanto às emersões épicas quanto às emersões líricas do drama.
Palavras-chave: Dramaturgias contemporâneas; Desvio; Distanciamento; Dialogismo; Drama lírico.<br>ABSTRACT
This thesis presents a reflection on contemporary dramaturgy from the comparative analysis of 100 texts staged in Brazil between 1995 and 2015. The research recognizes the emergence of epic and lyrical elements in the analyzed dramaturgy and the predominance of the notion of dramatic situation over the idea of a dramatic action in linear progression. The self-reflexivity is the main quality evidenced in these epic and lyrical emergences, which are different strategies of relativity and open meaning, conceptualized in this study as deviations. Through an approach of dramaturgical procedures relating to the construction of intrigue, this study proposes a basic typology of deviations and, therefore, is based mainly on the notion of deviation formulated by the playwright and french theorist Jean-Pierre Sarrazac, as well as in the model of lyrical drama, formulated by the brazilian playwright and theoretical Cleise Mendes, among other artistic and theoretical references as Bertolt Brecht and his notion of estrangement; Mikhail Bakhtin and his notion of dialogism; and Umberto Eco and the notion of open work. Above all, this thesis defends the alignment of certain dramaturgical procedures with the lyrical genre, to theoretically extend the concept of deviation, relating it to the epic emergences and also to the lyrical emergences of drama.
Keywords: Contemporary playwriting; Deviation; Estrangement; Dialogism; Lyrical drama.
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Silva, Charles Roberto. "Formação, ruptura e criação: a recepção crítica de Sábato Magaldi aos novos dramaturgos 1966 - 1969." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-30082012-153136/.
Full textAbstract:
A proposta principal desta dissertação é analisar a recepção que o crítico teatral Sábato Magaldi ofereceu no Jornal da Tarde às primeiras montagens das peças de Antonio Bivar, Leilah Assunção, José Vicente de Paula, Consuelo de Castro e Isabel Câmara e quais as questões em evidencia na cena teatral paulista e carioca, durante a segunda metade da década de 60, que levaram Sábato Magaldi a considerá-los representantes da Nova Dramaturgia Brasileira. O trabalho possui três capítulos. No primeiro, procuramos apontar aspectos históricos da constituição da imprensa como esfera pública e da crítica teatral nos jornais diários do Rio de Janeiro e São Paulo entre os séculos XIX e XX. O segundo, por sua vez, aborda o legado de Sábato Magaldi para a crítica nacional, além de recuperar os principais debates teóricos envolvendo os críticos e a classe teatral paulista durante a década de 60. Por fim, o último capítulo, construído a partir de uma acervo documental amplo, trata da recepção que o crítico do Jornal da Tarde deu às montagens dos chamados novos dramaturgos<br>The main goal of this essay is to analyze the reception given by the theater critic Sábato Magaldi at the Jornal da Tarde newspaper to the first stagings of the plays by Antonio Bivar, Leilah Assunção, José Vicente de Paula, Consuelo de Castro e Isabel Câmara. Also, which are the relevant issues on both Rio de Janeiro and São Paulo theater scenes, during the second half of the 1960\'s, that lead Sábato Magaldi to single the above mentioned authors as representants of Brazilian new dramaturgy. The essay has three chapters. The first tries to identify historic aspects of the constitution of the press as public sphere and of the theater critic on Rio de Janeiro and Sao Paulo daily newspapers between the centuries 19 and 20. The second approaches Sábato Magaldy\'s legacy to the national critics, and recovers the main theoretical debates involving critics and theater workers during the 1960\'s. At last, the third chapter, built upon a wide collection of documents, addresses the reception provided by the critic of the Jornal da Tarde to the stagings of the so-called new dramaturgists
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Pimentel, Geaneliza de Fátima Rodrigues Rangel. "A memória presente: estudo da dramaturgia de Antonio Callado (A Cidade Assassinada) e Jorge Andrade (Pedreira das almas)." Universidade Federal de Uberlândia, 2012. https://repositorio.ufu.br/handle/123456789/11838.
Full textAbstract:
This study aimed at analyzing the dramaturgy of the authors Antonio Callado (1917 -
1994) and Jorge Andrade (1922-1284). From the first, we considered the part entitled A
Cidade Assassinada (1954), and from the second, Pedreira das Almas (1957). In this work
we pay special attention with regard to the context in which the plays were written, in the
1950s. We emphasize that the A Cidade Assassinada went public in honor of the four
hundred years São Paulo city, and Pedreira das Almas, commemorating the tenth
anniversary of the TBC Teatro Brasileiro de Comédia (Brazilian Comedy
Theater). Antonio Callado records in his work, the close relationship it maintains with the
highlights of the historical process in Brazil. In A Cidade Assassinada the playwright
contextualizes the year 1560, Brazil colonization period. The play has as the protagonist
character João Ramalho, who has the support of her daughter Rosa Bernarda to protect his
main symbols of memory, the city of Santo André da Borda do Campo and the pillory,
which he created. The playwright Jorge Andrade, coming from a family originally from
west of São Paulo, suffered by the coffee crisis, as well as the consequences of the
measures taken by the government at the time. Through the process of rural memories that
belonged to his family, the playwright highlights the melancholy face of multiple losses
caused by historical changes. Jorge Andrade contextualizes in Pedreira das Almas the
revolt of the Liberals held in 1842 and the decline of the auriferous veins in the interior of
Minas Gerais. It presents as main character Urbana, who with her children Mariana and
Martiniano, shown against the ideas of Gabriel, who intends to lead the people from the
city of Pedreira das Almas to the plateau, where there is the promise of progress. The
matriarch Urbana faces Gabriel and state forces in defense of the permanent memory of
their ancestors in that city. We observed that both playwrights express a significant
involvement in relation with culture and memory of their ancestors and country. Theirs
dramaturgy, although contextualize different periods, converge in a celebration of memory,
which initially manifests as individual, in other words, in the family, but that during the
action, taking proportions of collective memory, the one that according to Halbwachs
(2006), is laced to memory of the group, integrating the memory of the wider society.<br>Este estudo teve como finalidade a análise das dramaturgias dos autores Antonio Callado
(1917 1994) e Jorge Andrade (1922 1284). Do primeiro, tomamos para apreciação a
peça intitulada A Cidade Assassinada (1954), e do segundo, Pedreira das Almas (1957).
Neste trabalho damos especial atenção no que diz respeito ao contexto no qual as peças
foram escritas, isto é, a década de 1950. Destacamos que A Cidade Assassinada veio a
público em homenagem aos quatrocentos anos da cidade de São Paulo, e Pedreira das
Almas, em comemoração ao décimo aniversário do TBC Teatro Brasileiro de Comédia.
Antonio Callado registra em sua obra, a intrínseca relação que mantém com momentos
marcantes do processo histórico do Brasil. Em A Cidade Assassinada o dramaturgo
contextualiza o ano de 1560, período de colonização do Brasil. A peça tem como
protagonista o personagem João Ramalho, que conta com o apoio da filha Rosa Bernarda
para proteger seus principais símbolos de memória, a cidade de Santo André da Borda do
Campo e o pelourinho, por ele criados. O dramaturgo Jorge Andrade, vindo de uma família
originária do oeste paulista, sofreu de perto a crise cafeeira assim como as consequências
das medidas tomadas pelo governo, na época. Via processo de lembranças do mundo rural
a que pertencera sua família, o dramaturgo destaca a melancolia frente às várias perdas
provocadas pelas mudanças históricas. Jorge Andrade contextualiza em Pedreira das
Almas a revolta dos liberais ocorrida em 1842 e a decadência dos veios auríferos no
interior de Minas Gerais. Apresenta como personagem principal Urbana, que ao lado dos
filhos Mariana e Martiniano, se mostra contrária às ideias de Gabriel, que pretende levar o
povo da cidade de Pedreira das Almas para o planalto, onde há a promessa de progresso. A
matriarca Urbana enfrenta Gabriel e as forças do Estado em defesa da memória de seus
antepassados permanentes nessa cidade. Observamos que ambos os dramaturgos exprimem
um envolvimento significativo em relação à cultura e à memória de seus antepassados e do
país. Suas dramaturgias, embora contextualizem períodos distintos, convergem para uma
celebração à memória que, inicialmente, se manifesta como individual, ou seja, no âmbito
familiar, mas que no decorrer das ações, toma proporções de memória coletiva, aquela que,
segundo Halbwachs (2006), está enlaçada à memória do grupo, integrando-se à uma
memória mais ampla da sociedade.<br>Mestre em Teoria Literária
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Graham, Shelley T. "Dramaturging education and educating dramaturgs : developing and establishing an undergraduate dramaturgy emphasis at Brigham Young University /." Diss., CLICK HERE for online access, 2004. http://contentdm.lib.byu.edu/ETD/image/etd511.pdf.
Full text
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Graham, Shelley. "Dramaturging Education and Educating Dramaturgs: Developing and Establishing an Undergraduate Dramaturgy Emphasis for Brigham Young University." BYU ScholarsArchive, 2004. https://scholarsarchive.byu.edu/etd/158.
Full textAbstract:
Though the field of dramaturgy is growing in size and scope in professional theatre, there are relatively few universities or colleges that offer undergraduate or graduate degrees in basic dramaturgical theory and practice. Brigham Young University (BYU) is an ideal setting for the development of such a program. There is a close community within and surrounding the university; the Theatre and Media Arts Department has high pedagogical expectations; and the Theatre program provides multiple opportunities for theatrical production. I saw these qualities as an invitation to develop a dramaturgy emphasis for undergraduate students that would allow them to network with the community and build intellectual skills that could be integrated into artistic performance. In order to create this emphasis, courses and protocol needed to be developed in order to establish a model dramaturgical procedure for undergraduate training. In this thesis, I address the following issues:
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Šimkutė, Dalia. "Monologo raida lietuvių dramaturgijoje." Master's thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2007. http://vddb.library.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2007~D_20070816_160018-29936.
Full textAbstract:
Magistro darbo tikslas – aptarti monologą XIX a. pab. – XXI a. pr. lietuvių dramaturgijoje. Monologų sklaida išryškina skirtingų lietuvių dramaturgijos laikotarpių bendrąsias tendencijas: vyraujančių charakterių pobūdį, prasmines slinktis, žanrines, stilistines ypatybes, specifinį estetinį psichologinį poveikį, ryšį su adresatu.
Vaižgantas, Keturakis, Žemaitė įtvirtino realistinį tikrovės vaizdavimo būdą. Romantinėse pjesėse formuojamas „aukštasis“, poetinis dramos stilius. Realistiniams kūriniams būdingas šnekamosios kalbos imitavimas. Monologams būdinga funkcija – atpasakoti pasibaigusius įvykius ir buvusius išgyvenimus.
Dramaturgai neoromantikai siekė dramaturgiją pakreipti romantinio atsinaujinimo linkme. Pasak J. Lankučio, pradėta tolti nuo įprastinio patriotinių jausmų deklaravimo, istorinės, socialinės iliustracijos. Skirtingai nei mėgėjiškosios dramaturgijos laikotarpiui, neoromantizmo dramaturgijai būdingas žanrinis sinkretizmas. Apie žanrinių ribų maišymąsi byloja paantraštės (pavyzdžiui, V. Krėvės „Šarūnas“ – „Senųjų dienų gyvenimo pasaka“). Monologų analizė išryškina V. Krėvės, V. Mykolai�����io-Putino dramų orientaciją į poezijos žanrą, į jos stilistiką. Neoromantinių kūrinių monologe ryškus lyrinis pradas: personažai pasakoja apie šios akimirkos būsenas ar įvykius. Atsiranda poetiškumas, lyrinis subtilumas, vaizduojami ryškūs, individualizuoti charakteriai. Išskiriamas savitas kalbėjimo būdas: stilizuojama lietuvių liaudies daina.
„XX a. 3 – 4 dešimtmečių... [toliau žr. visą tekstą]<br>V. Summary
‘‘Development of the monologue in Lithuanian dramaturgy“
In this study was analised the monologue in XIX century end – XXI century beginning dramaturgy. At the beginning of the work, conception of the monologue is given. In it different attitudes of dramatists to monologue is emphasized. Some dramatists think, that certain elements of monologue forms are negatyve, not acceptable (statics of thoughts and thinking, outburst of emotions) and the monologues in their dramas are not used often. The others think, that monologues have merit and use them in drama. A. Samulionis, P. Pavi give the classification of the monologues, though it is not detailed.
In monologues problematics, themes of “Amateurish dramaturgy“ the realistic reality representing way (the dramas of Žemaitė, Keturakis, Vaižgantas) and romantic-patriotic (A. Fromas-Gužutis) are often used. The main functions of the monologue: informational, dinamical, pushing the act of the drama further, characterising the personage who is taking, structural-compositional.
The orientation to poetry stilistics and genre of V.Krėvė, V. Mykolaitis-Putinas reveals in neoromantical drama: mithology, lyrism. In monologues distinct individualised characters are pictured in the historical dramaturgy.
Of the middle of the XX century (J. Grušas, J. Marcinkevičius) the monologues show universal, crossing the concrete historical times problematics. The language is characterised with didactical tones, passionativenes.
K. Saja... [to full text]
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Werner, Juliana de Abreu. "O passado é indestrutível : história e memória em Tango de Carlos Saura." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2012. http://hdl.handle.net/10183/62093.
Full textAbstract:
Buenos Aires. Metade do século dezenove. Uma política de fomento à imigração européia traz às terras portenhas mais de seis milhões de imigrantes. Ao contrário do que o governo argentino esperava, as que compunham esse cenário não eram pessoas requintadas, conhecedoras de arte e ciência, muito menos mão de obra qualificada. Os imigrantes de pouca instrução e de poucos meios que passaram a fazer parte da população residente nos arrabais portenhos, assolados pela saudade de suas terras, buscando no ambiente prostibulário por uma “natural” comunhão, dão origem ao tango nas últimas décadas do século dezenove. Por volta da mesma época, os irmãos Lumière produzem o invento que chamariam de cinematógrafo, palavra de raiz grega que significa “registro do movimento”. Portanto, percebo o tango e o cinema como expressões contemporâneas, no sentido de que ambas tem sua gênese ao final do mesmo século. Alguns/algumas historiadores/as apontam ainda que o cinema é um dos responsáveis pela valorização do tango e por seu reconhecimento mundial no decorrer do século passado. O que de certa forma sublinha a relação entre o cinema e a história. Sendo assim, esta dissertação de mestrado propõe analisar como os aspectos históricos do tango argentino são representados na película Tango de Carlos Saura. Usando o aporte teórico dos Estudos Culturais e entendendo as produções cinematográficas como artefatos pedagógicos, busco perceber quais são os sentidos produzidos sobre a história do tango argentino na narrativa construída por Saura. Inicio meu exercício analítico com um olhar atento sobre os elementos técnicos de cenário, iluminação e figurino empregados na construção da obra. Somado a isso, a linguagem cinematográfica utilizada por Saura, perceptível por meio dos planos, ângulos e movimentação de câmera, também são aspectos importantes que compreendem a análise. São quatro os momentos históricos do tango representados na película escolhidos para compor esse estudo. O período imigratório, quanto a sua relevância e envolvimento na gênese do tango, os duelos criollos e o tango dançado entre homens, o ambiente prostibulário e o tango entre mulheres e, por fim, o período da ditadura militar argentina em sua relação com o tango. Ao considerar esse último aspecto tento perceber ainda como outras películas abordam a memória do período, em especial quanto a temática do exílio. Por fim, proponho uma análise da dramaturgia da dança executada em cada uma das cenas a fim de perceber o que a linguagem coreográfica nos diz sobre o período que representa.<br>Buenos Aires. Half of the nineteenth century. A policy to promote european immigration to Buenos Aires brings more than six million immigrants. Contrary to the Argentine government hoped, composing this scenario were not intellectual people, knowledgeable of art and science, much less skilled labor. Immigrants with little education and few resources that have become part of the resident population in arrabais, covered by nostalgia for their land, in the brothel environment looking for a “natural” communion, give rise to tango in the last decades of the nineteenth century. Around the same time, the Lumière brothers produce the invention that would call cinematographer, Greek root word meaning "record of the movement." Therefore, realize the tango and cinema as contemporary expressions, in the sense that both have their genesis at the end of the same century. Some historians the still point that cinema is one responsible for the valuation of tango and its worldwide recognition during the last century. Which I think that somehow emphasizes the relationship between cinema and history. Thus, this dissertation aims to analyze how the historical aspects of Argentine tango are represented in Tango by Carlos Saura. Using the theoretical framework of Cultural Studies and understanding cinema as pedagogical artifacts, I seek to understand what are the meanings produced from the Argentine tango in the narrative constructed by Saura. First of all, my analytical exercise began with a look on technical elements of scenery, lighting and costumes. Added to this, the cinematographic language used by Saura, noticeable through the planes, angles and camera movements are also important aspects that comprise the analysis. There are four historical moments of the tango represented in saura’s movie, chosen to make this study. The period of immigration, as their relevance and involvement in the genesis of the tango, tango-dance executed by men, the brothel environment and tango between women and finally the period of Argentine military dictatorship in its relationship with the tango. In considering this latter aspect still try to understand how other films deal with the memory of the period, especially as the theme of exile. Finally, I propose an analysis of the dramaturgy of dance performed in each of the scenes in order to realize what a choreographic language tells us about the period it represents.
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Tscherne, Milca da Silva. "Luiz Francisco Rebello e a renovação da linguagem cênica no teatro português posterior a 1945 /." Araraquara : [s.n.], 2006. http://hdl.handle.net/11449/99826.
Full textAbstract:
Orientador: Renata Soares Junqueira<br>Banca: Flávia Maria Corradin<br>Banca: Maria Heloísa Martins Dias<br>Resumo: Esta dissertação buscou explorar a produção de Luiz Francisco Rebello (n.1924), dramaturgo português, que marcou o início da moderna dramaturgia em seu país, cuja principal contribuição foi a de renovar a linguagem cênica. Para mostrá-la, optou-se por três peças escritas e representadas em diferentes momentos e meios e, sobretudo, com linguagens bem distintas: a primeira, O mundo começou às 5 e 46 escrita em 1946 especialmente para integrar o segundo espetáculo do Teatro-Estúdio do Salitre (1946-1950) - um agrupamento experimental fundado neste mesmo ano por Luiz Francisco Rebello, Gino Saviotti e Vasco de Mendonça Alves - que veio a representar o marco da dramaturgia moderna em Portugal; a segunda peça, intitulada Condenados à Vida de 1963, tematicamente afinada com o Teatro Existencialista, e que nos recursos formais recupera inúmeras técnicas advindas das experiências européias do início do mesmo século; e, por último, o telegrama Todo o Amor é Amor de Perdição, escrito e apresentado em 1990 pela RTP (Televisão Portuguesa), que encerra, não a produção do autor que continua em atividade, mas o objetivo desta pesquisa que foi o de apontar, por meio da evolução dramática de Luiz Francisco Rebello, os aspectos inovadores do seu teatro...(Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)<br>Mestre
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Vasconcellos, Edvar. "A recriação da comédia paliata de Plauto na literatura dramática portuguesa: um estudo comparativo entre os Anfitriões, de Camões e de Antônio José da Silva." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2013. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=5397.
Full textAbstract:
A recriação da comédia paliata de Plauto na literatura dramática portuguesa: um estudo comparativo entre os Anfitriões, de Camões e de Antônio José da Silva, é um trabalho que tem como objetivo estabelecer um termo de comparação entre as estruturas dramatúrgicas da Comédia Paliata de Plauto em suas versões portuguesas, de Luís de Camões e de Antônio José da Silva, discutindo as alterações que sofreu a comicidade dessas peças teatrais em seu caminho histórico, da Antiguidade a Era Moderna, buscando avaliar o seu grau de permanência e de mudança ao longo do tempo. Plauto, em seu processo de criação da comicidade de palavra, de situação e de caráter, tem seu Amphytruo, como obra paradigmática da comédia latina ao criar situações e tipos que se perpetuaram na comédia e a tornaram uma referência para as comédias que vieram a seguir. A obra plautina sobrevive porque há uma, histórica e permanente, reelaboração que protege seus modelos de criação de humor<br>The re-creation of the comedy paliata of Plauto in Portuguese dramatically literature: a comparative study between the Hosts, of Camões and Antônio José da Silva, it is a work that has as objective to establish a comparison term it enters the dramaturgical structures of the Comoedia Palliata by Plauto and its translations into Portuguese versions, of Luis de Camões and Antônio José da Silva, discussing the alterations suffered by these plays comicality in their Historical path from Ancient Times to the Modern Age, seeking to evaluate the degree of its permanence and change along the time. Plauto, in its process of creation of the comicality of word, situation and character, has its Amphytruo, as paradigmatic workmanship of the Latin comedy when creating situations and types that if had perpetuated in the comedy and had become it a reference for the comedies that had come to follow. The plautina workmanship survives because it has one, historical and permanent, rework that protects its models of mood creation
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Jijón, de la Torre Carmen Elena. ""Dramaturgia basada en la transmedialidad": reflexión teórica, devenir escénico y propuesta práctica." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2020. http://hdl.handle.net/10251/157655.
Full textAbstract:
[ES] La concepción de "dramaturgia basada en la transmedialidad", surge de la reflexión teórica alrededor de los vínculos entre la dramaturgia y la transmedialidad, intensificados durante el último siglo, a partir del cual se plantea las nociones de "transmedialidad interna" , "transmedialidad externa" y "esperiencia sensible ampliada". En base a estas nociones, se interroga obras de teatro contemporáneo puntuales provenientes de varias capitales de habla hispana, en busca de recursos de significación cuyos lenguajes estén inmersos en la "transmedialidad interna", para que sean utilizados como elementos que generen una "experiencia sensible aplicada" en el marco de la "transmedialidad externa"; actividad que permite también perfilar un proyecto práctico.<br>[EN] The conception "transmedia based dramaturgy" arises from theoretical reflection on the links between transmediality and dramaturgy. These links have been intensified during the last century. From wich, the notions of "internal transmediality", "external transmediality", and "expanded sensitive experience" can be raise. Based in these notions, specific contemporary theater works from various Spanish-speaking capitals are questioned. In this way, meaning resources are established in relations with the languages that are immersed in the "internal transmediality". Then, they are use as elements that generate an "applied sensory experience" within the framework of "external transmediality". This activity allows the outline of a practical project.<br>[CA] La concepció de la dramaturgia basada en la "transmedialitat" sorgeix de la reflexió teórica al voltant dels vincles entre la dramaturgia i la transmedialitat, intensificats durant l'últim segle, a partir del qual es planteja les nocions de "transmedialidat interna" i "transmedialitat externa" i "experiencia sensible ampliada". Basant-se en aquestes nocions, s'interroguen obres de teatre contemporàni puntuals provinents de diverses capitals de llengua hispana, a la recerca de recursos de significació i que aquests llenguatges estiguen inmersos en la "transmedialitat interna", per a que siguen utilitzats como elements que generen una "experiència sensible aplicada", en el marc de la "transmedialitat externa"; activitat que permeteix també perfilar un projecte pràctic.<br>Jijón De La Torre, CE. (2020). "Dramaturgia basada en la transmedialidad": reflexión teórica, devenir escénico y propuesta práctica [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/157655<br>TESIS
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Trapp, Franziska. "Lectures de cirque contemporain : un modèle d'analyse des représentations circassiennes axé sur des textes et contextes." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30002.
Full textAbstract:
En 1996, après avoir assisté à la dernière représentation de la septième édition du Centre National des Arts du Cirque, le journal parisien Libération prédit une troisième ère du Cirque : « Après les cirques traditionnels, puis les nouveaux cirques, il faut désormais compter avec le cirque contemporain. » Le pronostic devient réalité : la pièce du metteur en scène Joseph Nadj est considérée, en France comme ailleurs, comme le point de départ d’un nouveau genre dont la définition reste des plus vagues jusqu’à aujourd’hui : « Le cirque contemporain, lui, n’a strictement aucune unité formelle, ou disons, sans craindre le paradoxe, que c’est la diversité de ses formes qui l’unifie. » D’une part, cela s’explique par le fait que, dans le cirque contemporain, l’originalité est un moteur central et, d’autre part, que le genre se situe encore dans une phase de développement. Cela est en outre dû à l’absence jusqu’à aujourd’hui, dans la recherche scientifique, d’une analyse détaillée des représentations du cirque contemporain et qu’en plus on ne dispose pas d’un modèle d’analyse cohérente des représentations du genre. Le discours actuel autour du genre s’intéresse moins de savoir comment les spectacles de cirque contemporain engendrent du sens et quels sont les procédés caractéristiques qui les définissent. Au lieu de cela, on s’interroge sur ce qui devrait caractériser les pièces. Notre thèse tient compte de ce desiderata en développant pour la première fois une méthode pour analyser les représentations de cirque contemporain. En outre, elle explique et interprète résolument le genre au moyen d’une méthode solide, c’est-à-dire d’une description contextualisée de l’objet – à savoir la représentation – dans son contexte historique et culturel et fournit ainsi, au sens lessingien du terme, une dramaturgie du cirque contemporain qui, malgré la diversité des représentations, révèle des caractéristiques généralisables, le procédé fondamental, la structure des pièces et l'effet qu'elles produisent. Le développement du modèle de lecture pour les spectacles de cirque contemporain ainsi que l’évolution consécutive et la spécification du modèle s’appuient sur l'analyse textuelle de la poétique de la culture que justifie l’historien de la littérature Moritz Baßler dans son œuvre La fonction d’une poétique de la culture et l’archive sur la base du New Historicism conçu par Stephen Greenblatt. En outre, le travail présent se situe dans le domaine des théories de lecture relevant de la science du théâtre (Fischer-Lichte) et de la danse (Foster et Brandstetter). Le noyau de l‘argumentation se fonde sur l’hypothèse selon laquelle les représentations de cirque sont lisibles en tant que textes culturels<br>In 1996, the Paris newspaper Libération predicted a third era of circus after visiting the seventh edition of the Centre National des Arts du Cirque: “After traditional and new circus, we now have to account for contemporary circus.” The prognosis became reality: nowadays, in France as elsewhere, the performance of Joseph Nadj is considered as the starting point of a new genre whose definition however remains vague: “The contemporary circus has no formal unity. It is paradoxically the diversity of its forms that unifies the genre.” On the one hand, this is explained by the fact that originality is a central motor in contemporary circus; on the other hand, the genre is still developing . A further reason for the lack of a clear definition lies in the absence of detailed analyses of contemporary circus performances in circus research, and in the desideratum regarding a coherent model for its interpretation. The current discourse dedicated to the genre is less interested in knowing how contemporary circus performances generate meaning and in outlining the characteristic techniques and processes. Instead, one wonders what should characterize the performances. The present thesis takes into account this desideratum by developing for the first time a method to analyse representations of contemporary circus. In addition, it resolutely explains and interprets the genre by means of a contextualized description of the object - namely representation - in its historical and cultural context. In the Lessingian sense of the term, the thesis therefore provides a dramaturgy of contemporary circus which, despite the diversity of representations, reveals generalizable characteristics of the genre, the fundamental techniques and structures of the performances. and the effects they produce. The development of a reading model for contemporary circus performances as well as the consequent evolution and the specification of the model are grounded in the textual analysis of poetics of culture that the literary scholar Moritz Baßler justifies in his work on the basis of the theory of New Historicism designed by Stephen Greenblatt. In addition, the present work situates itself in the field of reading theories pertaining to theatre (Fischer-Lichte ) and dance studies (Foster and Brandstetter ). The core of the argument is based on the assumption that circus performances are readable as cultural texts
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Tscherne, Milca da Silva [UNESP]. "Luiz Francisco Rebello e a renovação da linguagem cênica no teatro português posterior a 1945." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2006. http://hdl.handle.net/11449/99826.
Full textAbstract:
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tscherne_ms_me_arafcl.pdf: 972514 bytes, checksum: b1c8c28de2f2be5f4dc16aef024afe8c (MD5)<br>Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq)<br>Esta dissertação buscou explorar a produção de Luiz Francisco Rebello (n.1924), dramaturgo português, que marcou o início da moderna dramaturgia em seu país, cuja principal contribuição foi a de renovar a linguagem cênica. Para mostrá-la, optou-se por três peças escritas e representadas em diferentes momentos e meios e, sobretudo, com linguagens bem distintas: a primeira, O mundo começou às 5 e 46 escrita em 1946 especialmente para integrar o segundo espetáculo do Teatro-Estúdio do Salitre (1946-1950) - um agrupamento experimental fundado neste mesmo ano por Luiz Francisco Rebello, Gino Saviotti e Vasco de Mendonça Alves - que veio a representar o marco da dramaturgia moderna em Portugal; a segunda peça, intitulada Condenados à Vida de 1963, tematicamente afinada com o Teatro Existencialista, e que nos recursos formais recupera inúmeras técnicas advindas das experiências européias do início do mesmo século; e, por último, o telegrama Todo o Amor é Amor de Perdição, escrito e apresentado em 1990 pela RTP (Televisão Portuguesa), que encerra, não a produção do autor que continua em atividade, mas o objetivo desta pesquisa que foi o de apontar, por meio da evolução dramática de Luiz Francisco Rebello, os aspectos inovadores do seu teatro...
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Filho, Fermín Vañó Ivorra. "O teatro trans-ibérico: Raul Brandão e Valle-Inclán." Universidade de São Paulo, 2006. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8156/tde-21082007-151804/.
Full textAbstract:
O teatro trans-ibérico: Raul Brandão e Valle-Inclán tem como objetivo: pesquisar, analisar e comparar a literatura dramática desses dois artistas e escritores contemporâneos; ambos representantes de suas gerações literárias, na península ibérica, e desencadeadores de uma moderna dramaturgia no início do século XX. Antes de apresentar o estudo comparativo do teatro português e espanhol, do início do século XX, faremos observar alguns aspectos históricos e sociais da contínua decadência peninsular deste período, questões que aproximam ambos ainda mais, e que enfaticamente influenciaram na formação dos temas, das concepções artísticas e literárias dos dramas desses dois autores de povos vizinhos. Um painel amplo e detalhado da vida e obra de cada autor, em seu respectivo contexto histórico, fez-se aqui necessário para vislumbrar o percurso realizado por cada um deles e o desenvolvimento de suas respectivas produções literárias. Testemunhas comprometidas com esse período, Raul Brandão e Valle-Inclán, ao término da Primeira Guerra Mundial (1914-1918), na plenitude literária de suas vidas, decidiram criar uma dramaturgia de vanguarda. Jesus Cristo em Lisboa (Brandão, 1927) e Los cuernos de Don Friolera (Valle-Inclán, 1921) são frutos do inconformismo de uma época conturbada; peças características de um teatro, que apostava em mudanças e, sobretudo, buscavam alguma reação sinestésica de suas respectivas sociedades. Elegemos os dois dramas mencionados, por serem considerados os precursores do teatro moderno, e por se tratarem de peças polêmicas, produções cinematográficas e de difícil encenação. Tratando-se também de estudo comparativo, recolhemos um conjunto de recepções críticas sobre nossos autores e suas respectivas obras dramáticas, em vida tanto quanto postumamente. Por fim, após investigação, conclui-se a respeito das diferenças e semelhanças desta dramaturgia ibérica, presente nas peças de Raul Brandão e Valle- Inclán.<br>The objective of O teatro trans-ibérico: Raul Brandão e Valle-Inclán is to research, to analyze and to compare those two artists\' dramatic literature and contemporary writers; both representatives of their literary generations, in the Iberian Peninsula, and provocative of a modern theater in the early century XX. Before presenting the comparative study of the Portuguese and Spanish theater, of the beginning of the century XX, we will observe some historical and social aspects of the continuous peninsular decadence of this period, subjects that approximate both still plus, and that emphatically they influenced in the formation of the themes, of the artistic and literary conceptions of those two authors\' of neighboring people dramas. A wide and detailed panel of the life and each author\'s work, in his/her respective historical context, was here necessary to glimpse the course accomplished by each one of them and the development of their respective literary productions. Witness committed with that period, Raul Brandão and Valle-Inclán, in the end of the First World War (1914-1918), in the literary fullness of their lives, they decided to create a vanguard theater. Jesus Cristo em Lisboa (Brandão, 1927) and Los cuernos de Don Friolera (Valle-Inclán, 1921) are the result of the dissatisfaction of a disturbed time; pieces characteristics of a theater, that it bet in changes and, above all, it looked for some reaction synesthésique of their respective societies. We chose the two mentioned dramas, because they are considered the precursors of the modern theater, and because they were controversial pieces, cinematographic productions and of difficult staging. As a comparative study, we collected a group of critical receptions about our authors and their respective dramatic works, in life as much as posthumous. Finally, after investigation, it is concluded regarding the differences and similarities of this Iberian theater, present in Raul Brandão\'s pieces and Valle-Inclán.
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Filho, Fermin Vañó Ivorra. "Luiz Francisco Rebello e Alfonso Sastre: o teatro de resistência sob os regimes fascistas ibéricos." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8150/tde-30082012-105108/.
Full textAbstract:
Luiz Francisco Rebello e Alfonso Sastre: o teatro de resistência sob os regimes fascistas ibéricos tem como objetivo pesquisar e analisar a literatura dramática desses dois artistas e escritores contemporâneos, representantes de suas gerações literárias, que produziram peças originais, perturbadoras, mordazes, engajadas ideologicamente contra os regimes autoritários da península ibérica e, por esse fato, foram sistematicamente censurados. O trabalho tem como objeto a produção dramática de Francisco Rebello e Alfonso Sastre entre os anos de 1944 e 1974, anos marcados pela repressão e censura do fascismo ibérico, assim como, pelo fim da segunda grande guerra, pela iminência da Guerra Fria, pela ameaça nuclear e pelo drástico cerceamento à liberdade durante os governos totalitários de Portugal e Espanha. Faremos observar alguns aspectos históricos, sociais e políticos da contínua decadência peninsular deste período, questões que aproximam ambos escritores ainda mais, e que enfaticamente influenciaram na formação dos temas, nas concepções artísticas e nas literárias dos dramas desses dois autores de povos vizinhos. Um panorama da vida e obra de cada autor, em seu respectivo contexto histórico, fez-se aqui necessário para vislumbrar o percurso realizado por cada um deles e o desenvolvimento de suas respectivas produções literárias. Testemunhas comprometidas com esse período fascista ibérico, Francisco Rebello e Alfonso Sastre, ao término da II Guerra Mundial, no prelúdio literário de suas vidas, decidiram criar uma dramaturgia de vanguarda e resistência. Peças teatrais, frutos do inconformismo de uma época conturbada e repressora; obras características de um teatro que apostava em mudanças e, sobretudo, buscava alguma reação sinestésica de suas respectivas sociedades.<br>Luiz Francisco Rebello and Alfonso Sastre: the theater of opposition under Iberian fascist regimes aims to research and analyze the dramatic literature of these two contemporary artists and writers, representatives of their literary generations, which produced original pieces, disturbing, spicy, ideologically engaged against the authoritarian regimes of the Iberian Peninsula, and this fact, systematically censored. The work is focused on the dramatic production of Francisco Rebello and Alfonso Sastre between the years 1944 and 1974, years marked by the collective Iberian fascism, by the end of the Second World War, the imminence of the Cold War, the nuclear threat and the drastic curtailment of freedom during the totalitarian governments of Portugal and Spain. We will look at some historical, social and political decay of the continuous period of peninsular issues that bring both further and strongly influenced the formation of the themes of artistic and literary conceptions of the tragedies of these two authors of their neighbours. A wide panel of life and work of each author in their respective historical context, it was necessary to glimpse here the route taken by each of them and develop their literary productions. Witnesses committed to this Iberian fascist period, Francisco Rebello and Alfonso Sastre, at the end of World War II, in the prelude of their literary lives, decided to create a vanguard and opposition theater. Plays, result of the nonconformity of a tumultuous and repressive time; works features a drama, which believed on changes and, especially, tried some synaesthetic reaction of their respective companies.
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Sirimarco, Gisela Dória. "A teatralidade na dança do grupo Primeiro Ato." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-19112010-091232/.
Full textAbstract:
Este estudo realiza uma reflexão sobre a teatralidade existente na dança do Grupo Primeiro Ato. Tem início em uma breve retrospectiva histórica da dança moderna brasileira, atravessando o período que vai dos anos vinte aos anos setenta do século passado, quando experiências de dança contemporânea começaram a surgir no cenário artístico nacional, traçando assim, um percurso do macro para o micro, do Brasil para a cena mineira e depois para o Primeiro Ato. Um duplo olhar, então, é construído. Primeiramente aquele que parte da dança em direção ao teatro, analisando alguns de seus criadores mais significativos, e em seguida do teatro para a dança, para chegar assim ao amálgama entre essas formas artísticas. Na parte final deste estudo, o espetáculo Sem Lugar foi escolhido como referência através da qual a teatralidade pode ser reconhecida como produto de um diálogo profundo com a dança, processo esse que é gerador, por sua vez, de diferentes dramaturgias que se interrelacionam, caracterizando um tecido poético que torna específico o trabalho do Primeiro Ato.<br>This study represents a reflection on the theatricality developed by the Primeiro Ato Dance Group. It begins with a short historical retrospective of Brazilian Modern Dance, going through a period from the twenties to the seventies of the past century, a moment when aspects related to contemporary dance emerged in the Brazilian dance scene. In this way, a path was designed, from a macro to a micro point of view, from events occurred throughout Brazil to the State of Minas Gerais, and then to the work created by Primeiro Ato specifically. Then, a kind of Double approach was explored. Firstly from dance to theatre, analyzing some of its most important creators, and secondly from theatre to dance, in order to achieve what was called here the amalgam between these art forms. In the final part of this study, a production named Sem Lugar was chosen as a reference through which theatricality can be recognized as a result of a deep dialogue with dance, a process which generates, in turn, different dramaturgies that intertwine, characterizing a poetic layer which makes the work created by Primeiro Ato truly unique.
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Mendes, Jacqueline Silva. "Crônica do Teatro Ludovicense em meados do Século XIX (1852-1867): arte, negócio e entretenimento." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-20012015-115430/.
Full textAbstract:
O presente trabalho buscou ampliar a história do teatro ludovicense, na segunda metade do século XIX, no período que vai de 1852 a 1867, por meio dos anúncios de espetáculos, das crônicas teatrais e críticas que foram veiculadas nos periódicos oitocentistas. Identificamos empresários teatrais que movimentaram a província de São Luís por 15 anos, permitindo ao Teatro São Luís momentos de luxo, glórias e aplausos. A pesquisa permitiu levantarmos os nomes dos principais artistas que trabalharam nesse período, nos teatros ludovicense. Desvelamos um repertório teatral que muito se aproxima do que foi ou estava sendo visto na Corte. Essa reconstrução histórica permitiu destacar autores maranhenses que passaram pelas tipografias e pelos palcos de São Luís. A análise de três obras desses autores possibilitou verificar que essa dramaturgia era construída na prática, tendo como referência as leituras de peças teatrais, assim como as assistidas nos palcos ludovicenses.<br>The present study sought to extend the history of Ludovicense Theater in the second half of the nineteenth century, in the period of 1852-1867, through the advertisements of spectacles, theatrical essays, criticism that has been voiced in the nineteenth-century periodicals. We have identified theatrical entrepreneurs and artists who moved to the province of São Luíz for 15 years, providing moments of luxury, glory and applause to the \"Teatro São Luiz\". We have unveiled a theatrical repertoire that is very close to what was or was being seen in court back then. This historical reconstruction allowed us to highlight \"maranhenses\" authors who have passed through the typographies and stages of São Luíz. The analysis of three works from these authors enabled us to verify that this dramaturgy was built in practice with reference to the readings of plays, as well as the ones seen on ludovicense stages
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Branco, Lucio Allemand. "A santa absolvição do crime: violência, revolta e religiosidade nas dramaturgias de Jean Genet e Plínio Marcos." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2012. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=4150.
Full textAbstract:
A presente tese de doutorado analisa, em perspectiva comparada, as convergências e divergências entre as dramaturgias do francês Jean Genet e do brasileiro Plínio Marcos, sob o prisma de três tópicos inegavelmente presentes, nelas: a violência, a revolta e a religiosidade. As questões de margem, borda, periferia, ex-centricidade, dissenso etc são abordadas neste trabalho para situar a ideia de outro como o referencial ontológico que sustenta a obra teatral de ambos. As respectivas biografias dos autores em questão, direta ou indiretamente, tem relação com a aura de marginalidade artística atribuída (e até assumida por eles próprios) a sua produção em geral (seus romances, poemas, ensaios e contos). Pode-se dizer que muito da persona que ambos assumiram correspondia às expectativas que os círculos intelectuais engajados tinham em adotar uma figura que viesse a encarnar o papel de autêntico porta-voz do segmento marginalizado da sociedade na qual cada um deles se criou. Ambos gozam de certo status de vanguardistas no caso do metateatro de Genet, na sua atribuída vinculação ao Teatro do Absurdo, e, no caso do hipernaturalismo dramático de Plínio, na sua atribuída (e mesmo confessa) descendência da linhagem criativa de caracteres e motivos do teatro de Nelson Rodrigues. Outro aspecto comum à dramaturgia de Genet e Plínio que abordamos é a problematização de dois espaços alegóricos definidores por excelência do ethos dos tipos humanos que o habitam: a prisão e o prostíbulo. Para tanto, ganham destaque, aqui, Alta vigilância e O Balcão, de Genet, e Barrela e O abajur lilás, de Plínio. Nelas também se verifica a figuração de motivos de inspiração religiosa que, no autor francês, concorrem para uma espécie de sacralização ritual do crime (o que ecoa o ideário de Antonin Artaud) e, no brasileiro, funcionam como um exercício catártico de compaixão à sombra de uma cristandade de feição primitiva que se insinua no tratamento que dá à degradação dos párias sociais que compõem seu universo dramático. Por fim, analisamos comparativamente três peças brasileiras (Pedro Mico, de Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, de Gianfrancesco Guarnieri; e Oração para um pé de chinelo, de Plínio Marcos) tomando como ponto de partida uma situação dramática comum a elas para traçar, assim, as afinidades e distinções de cada qual quanto à abordagem da criminalidade. E, assim, também, poder apontar o tipo de projeto de teatro a que cada uma se vincula, trazendo à tona questões caras ao momento histórico-cultural no qual foram compostas, como a figuração do negro e do favelado na sociedade brasileira<br>The present doctoral thesis analyses, in comparative perspective, the convergences and divergences between the dramaturgies of french Jean Genet and brazilian Plínio Marcos, through the prism of three topics which are undeniably present in both: violence, revolt and religiousness. The issues of margin, border, periphery, eccentricity, dissent etc are approached in this work in order to situate the idea of other as the ontological framework that supports the theatrical work of both authors. The biographies of both authors, directly or indirectly, are related to the aura of artistic marginality attributed (and even assumed by them) to their production in general (their novels, poems, essays and short stories). One may say that much of the persona assumed by the authors corresponded to the expectations that the engaged intellectual circles had of adopting a character that could embody the role of authentic spokesman of the marginalized segment of society in which each one of them were created. Both authors enjoy a certain avant-garde status in the case of Genets metatheatre, in his assigned binding to the Theater of the Absurd, and, in the case of Plínios dramatic hipernaturalism, in his assigned (and even confessed) ancestry of the creative lineage of characters and motives from Nelson Rodrigues theater. Another common aspect of the drama of Genet and Plínio that has been approached is the problematization of two allegorical spaces that perfectly define the ethos of human types that inhabit them: the prison and the whorehouse. Therefore, the highlights here are Deathwatch and The Balcony, by Genet, and Barrela and O abajur lilás, by Plínio. In all of them there is also the figuration of religion-inspired motifs that, in the french authors case, contribute as a type of ritual consecration of crime (which echoes in Antoin Artauds ideas) and, in the case of the brazilian author, function as a cathartic exercise of compassion in the shade of a primitive Christianity which is insinuated in the treatment given to the degradation of the social outcasts that compose his dramatic universe. Finally, we comparatively analyzed three brazilian plays (Pedro Mico, by Antonio Callado; Gimba, o presidente dos valentes, by Gianfrancesco Guarnieri; and Oração para um pé de chinelo, by Plínio Marcos) using as a starting point a dramatic situation common to them in order to trace the affinities and distinctions of each one regarding the approach to criminality. And thus, also, be able to indicate the type of theater project to which the authors are linked, bringing up issues that are dear to the cultural-historical moment in which they were composed, like the figuration of the black men and the people who lived in slums in brazilian society
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Alvim, Valeska Ribeiro. "A dramaturgia na dança contemporânea brasileira : as experiências de colaboração entre coreógrafa e dramaturgista nos trabalhos de Lia Rodrigues e Silvia Soter." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284522.
Full textAbstract:
Orientadores: Claudia Mariza Braga, Sara Pereira Lopes<br>Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes<br>Made available in DSpace on 2018-08-22T16:43:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2012<br>Resumo: Desde o início dos anos 90, vem acontecendo uma expansão dos limites da dramaturgia para além das já conhecidas demarcações exclusivas da prática teatral. Atualmente, a dramaturgia é um dos mais importantes temas da arte contemporânea, pois se fala não apenas da dramaturgia do texto teatral, mas da dramaturgia do corpo, da dramaturgia da dança e da dramaturgia do espetáculo. Dentro desse universo, buscaremos compreender a construção da dramaturgia na dança contemporânea por meio das discussões que emergem da relação entre coreógrafo e dramaturgo, com a intenção de identificar, em cena, a concepção expressa por elas sobre o que vem a ser a dramaturgia e suas especificidades na concepção coreográfica. Para tanto, será utilizada uma abordagem teórico-analítica, implementada pela combinação da análise de espetáculo com levantamento documental e aplicação de entrevistas semiestruturadas que possam suscitar questões e respostas sobre o tema. A pesquisa proposta é, assim, relevante, se entendido que o conhecimento acerca do conceito de dramaturgia em dança é fundamental para melhor compreensão da necessidade de algumas danças, que se configuram como contemporâneas, e têm dramaturgos na realização de seus trabalhos<br>Abstract: Since the early nineties, the boundaries of dramaturgy have expanded beyond the already known exclusive theatrical practice demarcations. Nowadays, dramaturgy is one of the most important themes of contemporary art, inasmuch as it is not only about the dramaturgy of theatrical text, but also of the body, dance, and show. Within this universe, we seek to understand the construction of dramaturgy in contemporary dance, through the discussions that emerge from the relation between choreographer and playwright, with the intent of identifying, in the scene as well as in the speech, the concept expressed by them on what dramaturgy happens to be, and the insertion of the playwright into the specificities of the choreographic concept. Therefore, we'll make use of a theoretical-analytical approach, implemented through the combination of show analysis with collecting of documents and the use of semi-structured interviews that might bring questions and answers up on the theme. Certainly, there will be difficulties in accomplishing this research, insofar as this is an ongoing theme within contemporary art. Nevertheless, its accomplishment also hints at fascinating discoveries, which are essential to the work of stage artists, so that it's feasible to foresee a relevant contribution to the understanding of dramaturgy in dance and the performance of playwrights in some contemporary dance companies<br>Mestrado<br>Artes Cenicas<br>Mestra em Artes
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Vainiūtė, Kristina. "Teatro pamokų remiantis lietuvių dramaturgija reikšmė pilietiškumo ugdymui." Master's thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2010. http://vddb.laba.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2010~D_20100712_143054-58754.
Full textAbstract:
Problema: pilietiškumo sąvokos teorinė samprata mokyklose yra pakankamai gili, tačiau praktinis mokinių požiūris į pilietiškumą kelia nerimą. Ugdymo metodai naudojami tautinės savimonės žadinimui mokyklose - paskaitinio pobūdžio. Vaikams nėra įdomi Lietuvos istorija, literatūra, tautosaka, tad reikalinga ieškoti sąlyčio taškų, kokiais metodais naudojantis būtų galima žadinti vaikų tautinę savimonę. Šio darbo tikslas – atskleisti teatro pamokos, remiantis lietuvių dramaturgija reikšmę pilietiškumo ugdymui. Tyrimo objektas — pilietiškumo ugdymas remiantis lietuvių dramaturgija, teatro pamokų metu. Tyrimo tikslas — atskleisti teatro pamokų reikšmę pilietiškumo ugdymui remiantis lietuvių dramaturgija 10-12 klasėse. Tyrimo hipotezė: lietuvių dramaturgijos analizė ir inscenizavimas teatro pamokų ugdymo procese, keičia ir ugdo mokinių požiūrį į pilietiškumą. Uždaviniai - 1) Išanalizuoti pilietiškumo ugdymo reikšmę, bei teatro pamokų ypatumus jaunuolių ugdyme/si. 2) Atskleisti lietuvių dramaturgijos taikymo ir analizavimo ypatybes 10-12 klasėms, teatro bei lietuvių kalbos pamokose. 3) Ištirti 10-12 klasių pilietiškumo ugdymo, remiantis lietuvių dramaturgija, veiksnius, teatrinės raiškos procese. 4) Parengti, 10-12 klasių pilietiškumo ugdymo veiksnių, remiantis lietuvių dramaturgija, teatrinės raiškos procese, modelį. Tyrimo metodai: Teorinis — pedagoginės, socialinės, dramaturginės, metodinės ir kitokios literatūros nagrinėjama tema sisteminė analizė; Empiriniai - fokus grupės... [toliau žr. visą tekstą]<br>Issue: the citizenship concept in schools has roots, but practical attitude to citizenship is disturbing. Children have little interest in Lithuanian history, literature, folklore, therefore new methods are required to stimulate national consciousness.
Objective of this work: reveal theatre lesson's value for citizenship education supported by Lithuanian dramaturgy. Research subject: citizenship education supported by Lithuanian dramaturgy during theatre lessons. Research objective: unravel the value of a theatre lesson in citizenship education supported by Lithuanian dramaturgy to 10-12 grade classes. Hypothesis: Lithuanian dramaturgy cultivates pupil’s attitude toward citizenship using theatrical role-plays. Tasks: 1) Analyze the importance of citizenship education and how theatre lessons impact pupil’s development. 2) Reveal the details in applying lithuanian dramaturgy to 10-12 graders in drama and Lithuanian language classes. 3) Examine citizenship education factors for 10-12 graders in theatrical expression process using Lithuanian dramaturgy. 4) Develop a citizenship education change factor’s model for 10-12 graders in theatrical expression process using Lithuanian dramaturgy. Research methodology: Theoretical — systematical analysis of literature on chosen subject; Empirical — focus groups, teacher’s survey using questionnaire; Mathematical — percentage data analysis.
This work reveals: 10-12 graders citizenship education change factors in theatrical expression... [to full text]
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Serrat, i. Brustenga Xavier. "Mercè Rodoreda, patrimonialització i arts escèniques (1975-1999)." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2021. http://hdl.handle.net/10803/673253.
Full textAbstract:
En aquesta tesi doctoral s’estudia el procés de patrimonialització de l’escriptora catalana Mercè Rodoreda i Gurguí (1908-1983), a través de a) la recepció diversificada de la seva figura i la seva obra durant els anys 1975-1999 i, especialment, b) el repertori d’espectacles basats en textos no dramàtics (prosa i poesia) que es van estrenar en aquest període, tot i que també es té en compte la dramatúrgia original. Amb un mètode de caire analític i comparatiu, i seguint una periodització cronològica, es constata que les dramatúrgies i les posades en escena analitzades (bàsicament, teatre de text i dansa) aporten nous abordatges estètics i artístics a l’obra rodorediana, així com lectures ideològiques que depassen les temàtiques de fons dels originals, tot enriquint-los amb perspectives noves (la feminista, la social i la històrica, sobretot). D’altra banda, el sector teatral es revela com un dels agents que contribueix considerablement a la internacionalització de la figura i l’obra de Rodoreda. Al seu torn, la participació de les institucions públiques esdevé decisiva per a una patrimonialització completa de l’escriptora i la seva literatura, però cal tenir present, també, l’impuls de baix a dalt, és a dir, la via que obren els agents de creació vinculats a les arts escèniques, responsables d’aportar la dimensió estètica, artística i ideològica a aquest procés.<br>En esta tesis doctoral se estudia el proceso de patrimonialización de la escritora catalana Mercè Rodoreda (1908-1983), a través de a) la recepción diversificada de su figura y su obra durante los años 1975-1999 y, especialmente, b) el repertorio de espectáculos basados ​​en textos no dramáticos (prosa y poesía) que se estrenaron en este periodo, aunque también se tiene en cuenta la dramaturgia original. Con un método de tipo analítico y comparativo, y siguiendo una periodización cronológica, se constata que las dramaturgias y las puestas en escena analizadas (básicamente, teatro de texto y danza) aportan nuevos abordajes estéticos y artísticos en la obra de Rodoreda, así como lecturas ideológicas que rebasan las temáticas de fondo de los originales en enriquecerlas con perspectivas nuevas (la feminista, la social y la histórica, sobre todo). Por otra parte, el sector teatral se revela como uno de los agentes que contribuye considerablemente a la internacionalización de la figura y la obra de Rodoreda. A su vez, la participación de las instituciones públicas es decisiva para una patrimonialización completa de la escritora y su literatura, pero hay que tener en cuenta, también, el impulso de abajo a arriba, es decir, la vía que abren los agentes de creación vinculados a las artes escénicas, responsables de aportar la dimensión estética, artística e ideológica a este proceso.<br>This doctoral thesis studies the process of patrimonialization of the Catalan writer Mercè Rodoreda (1908-1983), through a) the diversified reception of her figure and her work between 1975 and 1999 and, especially, b) the repertoire of shows based on non-dramatic texts (prose and poetry) that premiered in this period, although the original dramaturgy is also taken into account. Using an analytical and comparative method, and following a chronological periodization, it is found that the dramaturgies and staging analyzed (basically, text theater and dance) provide new aesthetic and artistic approaches to Rodoreda's work, as well as readings ideological issues that go beyond the underlying themes of the originals in enriching them with new perspectives (feminist, social and historical, above all). On the other hand, the theater sector is revealed as one of the agents that contributes considerably to the internationalization of Rodoreda's figure and work. In turn, the participation of public institutions is decisive for a complete patrimonialization of the writer and her literature, but we must also take into account the impulse from the bottom up, that is, the path opened by the agents of creation linked to the performing arts, responsible for providing the aesthetic, artistic and ideological dimension to this process.<br>Universitat Autònoma de Barcelona. Programa de Doctorat en Llengua i Literatura Catalanes i Estudis Teatrals
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Schabbach, Virgínia Maria. "Virginia Woolf, apropriação e dramaturgia : um procedimento de escrita textual para o teatro." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2016. http://hdl.handle.net/10183/142644.
Full textAbstract:
Esta pesquisa investiga a construção do texto dramatúrgico Virginias, sobre a vida da escritora inglesa Virginia Woolf, que utilizou como metodologia de escrita o procedimento de apropriação, em que a obra e os diários pessoais da escritora foram fraturados pelo recorte e pela posterior colagem destes intertextos na nova criação. O trabalho articula os estudos sobre citação e apropriação de Antoine Compagnon, Affonso Romano de Sant’Anna, Kenneth Goldsmith e Marjorie Perloff, percebendo o procedimento como uma prática que tem a pós-modernidade como influência. A pesquisa utiliza como aportes teóricos sobre a condição pós-moderna, os autores Jean-François Lyotard e Linda Hutcheon e Cecília Salles sobre a gênese criativa.<br>This research investigates the construction of the play Virginias, about the life of English writer Virginia Woolf, which used as writing methodology the procedure of appropriation. This procedure consisted in fracturing the writer’s work and diaries by cutting them out and then pasting the pieces of intertext together in a new creation. The work articulates the studies about quotation and appropriation of Antoine Compagnon, Affonso Romano de Sant’Anna, Kenneth Goldsmith and Marjorie Perloff, and perceives the procedure as a practice that has postmodernity as influence. The research has as theoretical background about the postmodern condition the authors Jean-François Lyotard and Linda Hutcheon and Cecília Salles about creative genesis.
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NASCIMENTO, Igor Fernando de Jesus. "Nas coxias do texto: a confecção da dramaturgia de "As três fiandeiras"." Universidade Federal do Maranhão, 2017. http://tedebc.ufma.br:8080/jspui/handle/tede/1801.
Full textAbstract:
Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-08-10T14:42:55Z
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Previous issue date: 2017-01-16<br>Fundação de Amparo à Pesquisa e ao Desenvolvimento Científico e Tecnológico do Maranhão (FAPEMA)<br>Structuration of the creation process of the text of the play “The Three Thread Makers”. The theme is the artistic making of actresses-storytellers, the lace makers of bilro (a Brazilian kind of artisanal bobbin), the legends of the town of Raposa from the metropolitan area of São Luís-MA, and the three Moiras of Greek mythology: Atropos, Láquesis and Clotho. The process of creation took place through collaborative theater with the playwright present in the rehearsals, in the assembly process and in the presentations, with no hierarchies of functions between the professionals involved. This process lasted about three years, from 2012 to 2015, with its debut in March 2015. The study is divided into three chapters in which the process of costume making, weaving, cutting, sewing and adjusting are used as metaphors to signal each stage of the text making: the research, the construction of the fable, the treatment of the text and the changes in the text throughout rehearsals, assembly and presentation. Interdisciplinary research promotes a dialogue between cinema (script and editing) and theater, with a greater emphasis on dramaturgy, also covering acting, direction and set design. Then it is highlightened the figure of the playwright as a writer-rhapsode, who works with junctions and disjunctions of textual forms, and also - extending the concept coined by Sarrazac (1981) -, who writes on the basis of multiple informations, propositions and discoveries from the creation process.<br>A dissertação aqui apresentada tem como objetivo principal estruturar o processo de criação do texto do espetáculo As Três Fiandeiras. A obra tem como tema o fazer artístico de atrizes-contadoras de história, as rendeiras de Bilro, as lendas da cidade da Raposa pertencente à zona metropolitana de São Luís-MA e as três Moiras da mitologia grega: Átropos, Láquesis e Cloto. O processo de criação se deu por via do teatro colaborativo com o dramaturgo presente nos ensaios, no processo de montagem e nas apresentações, não havendo hierarquias das funções entre o profissionais envolvidos. Esse processo durou cerca de três anos, de 2012 até 2015, com estreia em março de 2015. O estudo se divide em três capítulos nos quais o processo de confecção da roupa, a tecelagem, o corte, a costura e o ajustes são utilizados como metáforas para sinalizar cada etapa da confecção do texto: a pesquisa, a construção da fábula, o tratamento do texto e as mudanças do texto ao longo dos ensaios, montagem e apresentação. A pesquisa interdisciplinar promove um diálogo entre o cinema (roteiro e montagem) e o teatro, com tônica maior na dramaturgia, abrangendo também a atuação, a direção e a cenografia. Destaca-se então a figura do dramaturgo como escritor-rapsodo, que trabalha com junções e disjunções de formas textuais e, também - estendendo o conceito cunhado por Sarrazac (1981) -, que escreve a partir de múltiplas informações, proposições e descobertas provindas do processo de criação.
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Klimová, Jana. "Dramaturgia nonverbálneho divadla." Master's thesis, Akademie múzických umění v Praze. Hudební fakulta AMU. Knihovna, 2010. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-79359.
Full textAbstract:
In this work we will focus on dramaturgy of contemporary nonverbal theatre.
We will be interested in:
a) history of dramaturgy
b) what is dramaturgy
c) the difference between the dramaturgy in verbal and nonverbal theatre
d) what is the dramaturges? work?
e) the way of dramaturgy in the work of the companies Teatr Novogo F ronta and Décalages and the way we used in our spectacle of graduation.
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Btoush, Ahmad Bahjat al. "L'aventure théâtrale de Louis-Benoît Picard (1769-1828)." Thesis, Toulouse 2, 2017. http://www.theses.fr/2017TOU20047/document.
Full textAbstract:
L’héritage littéraire de Picard s’élève à une centaine des pièces de théâtre et environ six romans. Il y traite les problèmes sociaux, politiques et religieux de son époque, à l’instar de Molière qui semble être la première source d’inspiration de notre dramaturge. Dans ses Mémoires, Alexandre Dumas décrit Louis-Benoît Picard comme « le petit Molière du XIXe siècle ou le moderne Molière ». Ce rapprochement paraît plus ou moins discutable dans la mesure où, de nos jours, les traces de ce « petit Molière » sont rares et il est désormais totalement oublié par l’histoire littéraire. Entre cette affirmation de Dumas et la place médiocre qu’occupe notre dramaturge dans l’histoire du théâtre, deux explications pourraient être envisagées. La première réside dans le fait que la période révolutionnaire où Louis-Benoît Picard a vécu a été trop chargée historiquement et les critiques qui s’intéressent à cette période accordent plus d’importance aux événements historiques qu’aux productions littéraires, de sorte que la plupart des écrivains de cette période sont tombés dans l’oubli. La deuxième explication revient aux productions littéraires de Picard elles-mêmes, considérées comme alourdies de répétitions, conventionnelles et dépourvues de toute originalité<br>The literary heritage of Picard can reach as many as a hundred plays and about six novels. He deals with the social, political and religious problems of his time, like Molière, who seems to be the first source of inspiration for our playwright. In his Mémoires, Alexandre Dumas describes Louis-Benoît Picard as "the little Moliere of the nineteenth century or the modern Moliere". This rapprochement seems more or less debatable insofar as the traces of this "little Moliere" are rare today and it is now completely forgotten in Literary History. Between this assertion of Dumas and the mediocre place occupied by our dramatist in the history of the theater, two explanations could be envisaged. The first is that the revolutionary period in which Louis-Benoît Picard lived has been overloaded historically and critics who are interested in this period place more importance on historical events than on literary productions, Most of the writers of this period have fallen into oblivion. The second explanation belongs to Picard's literary productions themselves, represented as repetitive, conventional, and far from original
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Amaral, Filho Lindolfo Alves do. "Na linha do cordão: do folheto à dramaturgia (1957 a 2007)." Escola de Teatro, 2013. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27379.
Full textAbstract:
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Tese - Lindolfo.pdf: 4917665 bytes, checksum: 16402991615e6b1c8b722dbe4f582c1a (MD5)<br>Esta tese é o resultado de uma pesquisa sobre a presença da literatura de cordel na dramaturgia brasileira, a partir do impacto causado pela apresentação do Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna, no Primeiro Festival de Amadores Nacionais, realizado na cidade do Rio de Janeiro, em 1957. Tal fato é considerado um marco à medida que o texto chamou à atenção da crítica especializada e de outros autores para a incursão do folheto popular em verso no texto dramático. Nesse mesmo ano, Francisco de Assis e Francisco Pereira da Silva apresentaram ao público os textos concebidos a partir do cordel, intitulados O Testamento do Cangaceiro e Graça e Desgraça na Casa de Engole-Cobra, respectivamente. A tese, dividida em quatro sessões, expõe o percurso da literatura de cordel, com os registros realizados por Sílvio Romero no final do século XIX, os acontecimentos históricos que marcaram a década de 1950, e um painel dos autores que utilizaram o cordel na construção da dramaturgia no período de 1957 a 2007, bem como as formas de apropriação do folheto, a partir dos conceitos de circularidade, de Carlo Ginzburg (2006), e de hibridação, proposto por Néstor Garcia Canclini (2008). A pesquisa de cunho descritivo analítico procura contribuir com a construção da história do teatro brasileiro, no que tange a sua dramaturgia.<br>This thesis is the result of a research on the presence of cordel literature in Brasilian drama, from the impact caused by the production of o Auto da Compadecida, by Ariano Suassuna, in the First National of Amateur, held in Rio de Janeiro, in 1957 This fact is a landmark in that the text called the attention of critics and other authors to foray brochure popular verse in the dramatic text. That same year, Francisco de Assis and Francisco Pereira da Silva presented to the public texts designed from the cordel, entitled O Testamento do Cangaceiro and Graça e Desgraça na casa de Engole-Cobra, respectively. The thesis, divided into four sessions, exposes the course of cordel literature, with records held by Sílvio Romero, in the late 19th century, the historical events that marked the 1950’s, and a panel of authors who used Cordel in construction of the theater, in the period 1957-2007, as well as the forms of appropriation of the leaflet, from the concepts of circularity, by Carlo Ginzburg (2006), and hybridization proposed by Néstor Garcia Canclini (2008). The research of a descriptive analytical seeks to contribute to the construction of the history of Brasilian theater, regarding its dramaturgy.<br>Cette thèse est le résultat d’une recherche sur la présence de la Litterature de Cordel dans la dramaturgie brésilienne, à partir de l’impact causé par le montage de “L’Auto da Compadecida”, de Ariano Suassuna, lors du Premier Festival d’Amateurs Nacionaux, qui s’est tenu dans la ville de Rio de Janeiro, em 1957. Cela a été considéré comme un point de repère dans la mesure où le texte a attiré l’attention de la critique spécialisée et de plusieurs auteurs vers l’introduction des Brochures Populaires en Vers dans le texte dramatique. Cette même année, Francisco de Assis et Francisco Pereira da Silva ont présenté au public les textes conçus à partir du Cordel, intitulés ”O Testamento do Cangaceiro” et “Graça e desgraça na casa de Engole-Cobra” respectivement. Partagé em quatre parties, ce travail expose le parcours de la Littérature de Cordel d’après les études de Sílvio de Romero faites à la fin du XIXème siècle, les évènements qui ont marqué les années cinquante et un panneau des auteurs qui ont utilisé le Cordel dans la construction de la dramaturgie dans la période allant de 1957 à 2007, ainsi que les formes d’appropriation des brochures, à partir des concepts de circularité, de Carlo Ginzburg (2006) et d’hybridation proposé par Nestor Garcia Canclini (2008). Cette recherche, de nature descriptive, a pour but de contribuer à la construction de l’histoire du théatre brésilien, en ce qui concerne sa dramaturgie.
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Monteiro, Vargas Escobar Luar Maria. "De la chorégraphie à la dramaturgie du geste : mutations des pratiques chorégraphiques du théâtre à Rio de Janeiro." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080078.
Full textAbstract:
Cette thèse présente une étude sur le processus de diversification des pratiques chorégraphiques dans le théâtre carioca. À partir de l’analyse du travail de professionnels spécifiques, situés tout d’abord dans les années 1960 et ensuite dans les années 1990, a été formulé l’hypothèse selon laquelle ces pratiques acquéraient progressivement des compétences considérées comme dramaturgiques. La recherche a choisi comme repère historique le travail des chorégraphes, chercheurs et professeurs Klauss (1928-1992) et Angel Vianna (1928). Au-delà de l’inflexion réalisée par les Vianna, l’émergence de deux autres pratiques plus récentes a été jugée représentative de ce processus. Il s’agit de la pratique de direction de mouvement, qui sera analysée à partir du travail de Duda Maia (1968), Marcia Rubin (1962) et Toni Rodrigues (1963), et du métier de dramaturge, étudié à travers les pratiques de Silvia Soter (1964) et Thereza Rocha (1968). La notion de geste apparaît comme principal point de convergence entre les savoirs mobilisés par les professionnels étudiés et une dramaturgie dont l’acception se détache d’une écriture strictement narrative et textuelle. Les multiples mises à jour du concept de dramaturgie et, en particulier, son appropriation par le champ de la danse, serviront de base à la présentation de la dimension dramaturgique identifiée dans certaines des composantes contemporaines de la chorégraphie théâtrale<br>This thesis presents a study on the process of diversification of choreographic practices in the Carioca theater. From the analysis of the work of specific professionals, located first in the 1960s and then in the 1990s, was formulated the assumption that these practices were gradually acquiring skills considered dramaturgical. The research chose as a historical landmark the work of choreographers, researchers and professors Klauss (1928-1992) and Angel Vianna (1928). Beyond the inflection made by the Vianna, the emergence of two other more recent practices was considered representative of this process. It is the practice of the movement director, which will be analyzed from the work of Duda Maia (1968), Marcia Rubin (1962) and Toni Rodrigues (1963), and the role of the dance dramaturge, studied through the practices of Silvia Soter (1964) and Thereza Rocha (1968). The notion of gesture appears as the main point of convergence between the knowledge mobilized by the professionals studied and a dramaturgy whose meaning is detached from a strictly narrative and textual writing. The many updates of the concept of dramaturgy and, in particular, its appropriation by the field of dance, will serve as a basis for the presentation of the dramaturgical dimension identified in some of the contemporary components of theatrical choreography<br>Esta tese apresenta um estudo sobre o processo de diversificação das práticas coreográficas noteatro carioca. Por meio da análise do trabalho de profissionais específicos, localizados primeirona década de 1960 e posteriormente na década de 1990, formulou-se a hipótese de que essaspráticas adquirem, progressivamente, competências consideradas de teor dramatúrgico. Apesquisa elegeu como marco histórico o trabalho dos coreógrafos, pesquisadores e professoresKlauss (1928-1992) e Angel Vianna (1928-). Além da inflexão efetuada pelos Vianna, aemergência de duas outras práticas mais recentes foi considerada como representativa desseprocesso. Trata-se da direção de movimento, que será analisada a partir do trabalho de DudaMaia (1968-), Marcia Rubin (1962-) e Toni Rodrigues (1963-) e do ofício de dramaturgista,estudado através das práticas de Silvia Soter (1964-) e Thereza Rocha (1968-). A noção degesto aparece como principal ponto de convergência entre os saberes mobilizados pelosprofissionais estudados e uma dramaturgia cuja acepção descola-se de uma escrituraestritamente narrativa e textual. As múltiplas atualizações do conceito de dramaturgia e,sobretudo, sua apropriação pelo campo da dança servirão de base para a apresentação dadimensão dramatúrgica identificada em algumas das vertentes contemporâneas da coreografiateatral
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Freitas, Maria Leidiane Tavares. "Narrativas de si em cena: a dramaturgia das interaÃÃes no twitter." Universidade Federal do CearÃ, 2015. http://www.teses.ufc.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=15167.
Full textAbstract:
CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior<br>A presente tese teve como objetivo o estudo da interaÃÃo dos sujeitos nas redes sociais da web â o Twitter, no caso especÃfico de nosso trabalho â a partir da anÃlise das narrativas de si que estes publicam em seus perfis. Para tanto, estabelecemos, como objetivos especÃficos, a descriÃÃo da estrutura das narrativas de si publicadas em segmentos de cento e quarenta caracteres â expediente formal do Twitter â, a anÃlise das estratÃgias dramatÃrgicas de que os sujeitos se valem para a construÃÃo de suas narrativas de si no Twitter e a anÃlise do movimento interativo que os sujeitos deflagram a partir de uma autoapresentaÃÃo narrativa moldada pelas injunÃÃes prÃprias do Twitter. O alicerce teÃrico no qual fundamentamos esses objetivos procede da conjuntura teÃrica que elaboramos ao cotejar as reflexÃes sobre histÃrias de vida e narrativas de si empreendidas por Bruner (2014, 2008), Lejeune (2014), Bertaux (2010), Josso (2012, 2010), Pineau (2006, 2002) e Pineau e LeGrand (2012) com a discussÃo da estrutura da narrativa de experiÃncia apresentada por Labov (1997) e a perspectiva dramatÃrgica das interaÃÃes sociais proposta por Erving Goffman (2013a, 2013b, 2011). A operacionalizaÃÃo dos objetivos da pesquisa se deu por meio de uma abordagem de feiÃÃes etnometodolÃgicas (COULON, 1993), atravÃs da qual chegamos a um corpus constituÃdo por cento e noventa e cinco capturas de tela, compostas por publicaÃÃes em forma narrativa que denominamos tweets-origem, coletadas a partir da observaÃÃo, entre os dias 7 e 17 de dezembro de 2014, da rotina de cem perfis cadastrados no Twitter. Ã luz dessa metodologia, procedemos ao exercÃcio de anÃlise dos dados que nos permitiu a chegar aos seguintes resultados: a emergÃncia de um paralelismo interacional, no qual observamos uma irradiaÃÃo metonÃmica das narrativas de si construÃdas pelos perfis; um investimento em narrativizaÃÃes de temÃticas do cotidiano (trabalho, famÃlia, relacionamentos amorosos, interesse por esportes) e de uma atualizaÃÃo de um passado que evoca essas temÃticas mesmas; uma reconfiguraÃÃo da estrutura da narrativa em prol da dramaturgias postas em movimento na rede, culminando inclusive em formas de burlar o expediente dos cento e quarenta caracteres. Esses resultados nos autorizam a conclusÃo de que, no fluxo interativo, as narrativas sÃo validadas, progredidas e retomadas, de modo que sugerem um investimento dinÃmico que os sujeitos fazem na construÃÃo e manutenÃÃo de seus projetos de autoapresentaÃÃo. Essa conclusÃo nos possibilita afirmar, por fim, que ao longo das mudanÃas de alinhamento ocorridas a propÃsito da narrativa e do reinvestimento na narrativa, os sujeitos constroem uma autoapresentaÃÃo baseada num si de nota entusiÃstica, irÃnica e autodepreciativa.<br>This thesis aimed to study the interaction of the subjects in the social web networks - Twitter, in the specific case of our work - from the analysis of the self-narratives that they post on their profiles. To this end, we established the following specific objectives: the description of the structure of the self-narratives published in hundred segments and forty characters - formal expedient Twitter -; the analysis of the dramaturgical strategies that subjects rely to build their self-narratives on Twitter; and analysis of interactive movement that subjects trigger from a narrative shaped by self-presentation own injunctions Twitter. The theoretical foundation on which we base these goals proceeds from the theoretical situation that we developed to collate the reflections on life stories and self-narratives undertaken by Bruner (2014, 2008), Lejeune (2014), Bertaux (2010), Josso (2012, 2010) Pineau (2006, 2002) and Pineau and LeGrand (2012) with a discussion of the experience of narrative structure presented by Labov (1997) and the dramaturgical perspective of social interactions proposed by Erving Goffman (2013a, 2013b, 2011). The operationalization of the research objectives was through an approach of ethnomethodological features (COULON, 1993), through which we come to a corpus consisting of one hundred ninety-five screenshots, composed of publications in narrative form what we call tweets-origin, collected from the observation of routine a hundred registered Twitter profiles between 7 and 17 December 2014. In light of this methodology, we proceed to the analysis of the performance data that allowed us to reach the following results: the emergence of an interactional parallelism, in which we observed a metonymic irradiation of the self-narratives built by profiles; an investment in narrativizaÃÃes of everyday topics (work, family, love relationships, interest in sports) and an update of a past that evokes these same themes; a reconfiguration of the structure of the narrative in favor of dramaturgies set in motion on the network, culminating including ways to circumvent the expedient of a hundred and forty characters. These results allow us to conclude that, in the interactive flow, the narratives are validated, progressed and taken so as to suggest a dynamic investment that individuals make in building and maintaining their self-presentation projects. This finding allows us to say, finally, that along the alignment changes regarding the narrative and reinvestment in the narrative, the subjects construct a self-presentation based on a self enthusiastic, ironic and self-deprecating note.
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Capuani, Maria Lucia Damato. "A trilogia de folheto de cordel de Chico de Assis." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-01122010-095450/.
Full textAbstract:
Este estudo pretende levantar as influências contidas na trilogia de Folheto de Cordel de Chico de Assis. Para tanto combinou a pesquisa sobre o folheto de cordel de modo geral com o estudo da formação do Teatro de Arena, do Seminário de Dramaturgia (SEMDA) conduzido pelo então diretor do grupo Augusto Boal, ambos em São Paulo e, a fundação do CPC da UNE no Rio de Janeiro. O autor, além de ter passado por todas essas atividades como integrante ativo, escreveu os três textos durante esses período (1954-1964). Foi também levantado o aproveitamento das propostas contidas no teatro épico de Brecht, utilizadas nos dois primeiros textos da trilogia; O Teatamento do Cangaceiro e As Aventuras de Ripió Lacraia e, por fim o levantamento das características do terceiro texto, a comédia de costumes Farsa com Cangaceiro, truco e Padre (Xandú Quaresma), todos esses elementos criaram um referencial possível para a análise da trilogia, que vai dos nomes dos episódios à função da música no trabalho de entrelaçamento das peças.<br>This survey wishes to raise the influences gained in these sustained cheap literature (Cordel) trilogy. In order to produce, it combined a survey on Brazilian cheap (Cordel) literature in general, with the formation of Teatro de Arena and the Drama seminary (SEMDA) conducted by the director of the group Augusto Boal, in São Paulo. And, studying of the settlement of the CPC- da UNE foundation (Popular Cultural Center of National Students Union) in Rio de Janeiro. The author besides passing through all these actions as an active member, created the three plays during this period (1954-!964). At last, the utilization of the purposes enclosed in Brecht epic theatre, in the first two plays; O Testamento do Cangaceiro and As Aventuras de Ripió Lacraia. Also raised the main characteristics of the third play Farsa com Cangaceiro, truco and Padre, (Xandú Quaresma). All these elements created a possible condition to analyze the trilogy, which goes from the name of the episodes to the music function interlacing the work of the plays.
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Junior, Manoel Moacir Rocha Farias. "Os silêncios na (des-) composição da cena: poéticas de criação de e a partir de Samuel Beckett." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-10112010-111712/.
Full textAbstract:
O objetivo principal deste estudo é investigar diferentes modos de configurar o silêncio na escrita de Samuel Beckett, reconhecendo-a como um work in progress (obra em processo), por meio da análise de algumas de suas peças teatrais e televisivas, um filme, ensaios e novelas. Para tanto, entendemos o silêncio beckettiano como poética (modo de compor), referindo-o a uma proposta de suspensão e manipulação dramatúrgica de linguagens por uma mimese anti-realista - cujas bases ecoam certos aspectos do pensamento sobre arte de Nietzsche - sendo relida posteriormente por autores como Adorno, Blanchot, Deleuze, Andrade e Lapoujade. Procuramos dar ênfase às imagens corporais como uma das maneiras de Beckett compor uma cena que desfigura os códigos tradicionais de representação para revelar as potencialidades de cada linguagem experimentada. Ao final, propomos uma aproximação de sua poética com criações contemporâneas diversas.<br>The main purpose of this study is to investigate different ways of configuring silence in Samuel Beckett´s writing, by recognizing it as a work in progress, and also by making analysis of some of his pieces for theatre, television, cinema, critical essays and novels. Thus, we understand beckettian silence as a poetics (mode of composing) reffering it to a proposal of creating language suspension and dramaturgical manipulation in an anti-realistic mimesis - whose basis echoes some aspects of Nietzsche´s ideas about art - which is reread by authors such as Adorno, Blanchot, Deleuze, Andrade and Lapoujade. This research emphasizes body images as one of Beckett´s ways of composing a scene that transfigures traditional codes of representation in order to reveal the potential in each language experienced. By the end, we propose an approach of his poetics to different contemporary works.
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Oliveira, Nathalia Catharina Alves. "Alma hiperbólica: dramaturgia de um corpo melancólico." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-28052018-104915/.
Full textAbstract:
Alma Hiperbólica: dramaturgia de um corpo melancólico é uma dissertação que une teoria e prática para refletir sobre o que chamamos de corporeidade e dramaturgia melancólicas. Investigamos a experiência social subjetiva hipermoderna, por meio de um estudo centrado na ideia de melancolia, aqui entendida como sintoma de um sistema econômico, social e político gerador de miséria subjetiva e, de outro lado, como potência de resistência e de criação de uma nova anatomia de nossa experiência física e social. A potência deste corpo melancólico ancora-se na sua capacidade de revelar nossa condição hipermoderna como um estado de exceção, interessando-nos pesquisar a linguagem artística que pode ser elaborada neste processo de tradução do \"vazio melancólico\" em corporeidade. Nossa pesquisa partiu de um processo de criação artística, o solo Anatomia da Melancolia - experiência I, em que o material teórico foi experimentado como corporeidade e dramaturgia. Nessa pesquisa, propomos uma perspectiva dialética, no limiar de uma reflexão filosófica, sociológica e histórica, tendo como referências bibliográficas principais os autores Walter Benjamin, Georges Didi- Huberman, Giorgio Agamben, Julia Kristeva e Theodor Adorno.<br>Hyperbaric Soul: dramaturgy of a melancholic body is a dissertation that unites theory and practice to reflect upon we call melancholic corporeity and dramaturgy. We investigate the hypermodern subjective social experience through a study centered on the idea of melancholy, which here understood as a symptom of an economic, social and political system generating subjective misery and, on the other hand, as a power of resistance and creation of a new anatomy of our physical and social experience. The power of this melancholy body is anchored in its ability to reveal our hypermodern condition as a state of exception, interested in researching the artistic language that can be elaborated in this process of translating the \"melancholic void\" into corporeity. Our research started from a process of artistic creation, the solo Anatomy of Melancholy - experiment I, in which the theoretical material was experienced as corporeity and dramaturgy. We use a dialectical perspective, at the threshold of a philosophical, sociological and historical reflection, with bibliographical references such as Walter Benjamin, Georges Didi- Huberman, Giorgio Agamben, Julia Kristeva and Theodor Adorno.
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Corá, Carina Zatti. "Do pensamento-ação à inundação da escrita : a dramaturgia a partir da experiência junto à comunidade haitiana no Rio Grande do Sul." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2018. http://hdl.handle.net/10183/184527.
Full textAbstract:
Essa é uma pesquisa sobre meu processo de criação dramatúrgica a partir de minha experiência junto à comunidade haitiana no Rio Grande do Sul. Através das ferramentas de relatos de experiência, inspirados no método etnográfico, e do caderno de rascunhos, realizei quatro escrituras dramatúrgicas: Parada Cristal, Coordenadas, manual para criar uma casa no LIMBO, e limbo. A experiência junto à comunidade haitiana através de entrevistas de história oral, aulas de português e aulas de teatro culminaram em uma dramaturgia preocupada com questões sobre local de fala e a desaprendizagem (SPIVAK, 2010), com uma noção mais ampla do entendimento de cultura (GEERTZ, 1989) na época de imigração constante em que vivemos, em um momento de diáspora cultural (HALL, 2003). Repenso a própria noção de dramaturgia através de autores como Joseph Danan, Jean-Pierre Sarrazac e Bernard Dort e de um mergulho em meu processo como dramaturga. E chego à conclusão de que dramaturgia é a organização daquilo que chamo de pensamento-ação. Emprego as formas de linguagem poetisante (NAUGRETTE, 2003), coralidade, oralidade, monólogo, desvio (SARRAZAC, 2012) em prol da criação de uma dramaturgia na qual pude observar uma pulsão rapsódica (SARRAZAC, 2013). Também trabalho novas formas de utilizar as didascálias ao longo das escrituras dramatúrgicas: didascálias poéticas, didascálias de intervenção e didascálias-narradoras. Ao longo desse processo de criação, descubro um estado de fluxo, de jorrar da escrita chamado de estado de inundação da escrita. Esse estado é crucial para a criação de uma escritura dramatúrgica, para transbordar o pensamento-ação no papel.<br>This is a research about my dramaturgical creative process from my experience with the Haitian community in Rio Grande do Sul. Through the tools of experience reports, inspired by the ethnographic method and the sketchbook, I performed four dramaturgic writings: Parada Crystal, Coordinates, manual to create a house in LIMBO, and limbo. The experience with the Haitian community through oral history interviews, Portuguese lessons and drama classes culminated in a dramaturgy concerned with questions about standpoint issues and unlearning (SPIVAK, 2010), with a broader notion of the understanding of culture GEERTZ, 1989) in the period of constant immigration in which we live, at a time of cultural diaspora (HALL, 2003). I rethink the very notion of dramaturgy through authors such as Joseph Danan, Jean-Pierre Sarrazac and Bernard Dort, and a dip in my process as a playwright. And I come to the conclusion that dramaturgy is the organization of what I call action-thought. I use the forms of poetising language (NAUGRETTE, 2003), choir, orality, monologue, deviation (SARRAZAC, 2012) for the creation of a dramaturgy in which I could observe a rhapsodic drive (SARRAZAC, 2013). I also work on new ways of using didaschalias throughout the dramaturgical writings: poetic didaschalias, didaschalias of intervention and didaschalias-narrators. Throughout this process of creation, I discover a state of flow, of flowing from the writing called the flood state of writing. This state is crucial to the creation of a dramaturgical writing, to overflow the action-thought on paper.
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Hasmann, Robson Batista dos Santos. "Do paraíso à solidão: modernidade em La Hija de Rappaccini, de Octavio Paz." Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8145/tde-03102013-120312/.
Full textAbstract:
Octavio Paz tem marcante presença na poesia e no ensaio modernos. Por outro lado, há um aspecto de seu trabalho artístico pouco explorado pela crítica especializada ou acadêmica. Trata-se de sua imersão no teatro, com a peça La hija de Rappaccini. O presente trabalho procura explorar esta faceta com o propósito de construir uma interpretação mais profunda de aspectos temáticos e estruturantes dispersos nos poucos estudos especializados até o presente. Para tal, a partir da divisão das etapas criativas de Octavio Paz propostas por Manuel Ulacia (1999), apresenta-se aqui uma visão panorâmica da obra do mexicano a fim de inserir La hija de Rappaccini em uma linha histórica do desenvolvimento poético-artístico do escritor mexicano. A seguir são lidos poemas, ensaios e entrevistas, além da inserir esses textos no contexto histórico-artístico que possibilitou o desenvolvimento do teatro no México durante as primeiras décadas do século XX, com especial atenção ao grupo Poesía en voz alta. Nesse percurso histórico, destaca-se a vinculação de Paz com os surrealistas franceses e a influência da poesia de língua inglesa sobre suas afinidades literárias. Interessam aqui particularmente alguns símbolos presentes na peça em questão como as concepções acerca do amor, da História, do tempo e da modernidade. A pesquisa procura traçar também as origens do drama desenvolvido em La hija de Rappaccini. Nesse sentido, evidencia-se a ligação de Paz com a cultura oriental, uma vez que a trama inicial remete à Índia do século IX e a construção cênica utiliza-se de alguns recursos do teatro Nô. No último capítulo, o trabalho defende que para Paz existe um embate entre o mundo científico-tecnológico e o primitivo, dentro da perspectiva que o poeta adota sobre a modernidade e que expõe principalmente em entrevistas e ensaios.<br>Octavio Paz has left his marks in modern poetry and essay. Nevertheless, some aspects of his artistic work are still unexplored by specialized academic criticism. It is so with his immersion in translation, in the theater, with the play La hija of Rappaccini. This study aims to explore this aspect in order to construct a deeper interpretation of structural and thematic themes that are spread in the few studies specifically produced about the subject. In order to do so, by using the division of \"creative steps\" by Octavio Paz, as defined by Ulacia Manuel (1999), this research presents an overview of Paz´s work to insert the play into a historical line of his poetic and artistic development. From this perspective, a constant confrontation among poems, essays and interviews is conducted, as well as the integration of all this into the art-historical context that led to the development of theater in Mexico during the early decades of the twentieth century, with special attention to the group Poesía en voz alta. Throughout this historical journey, in which the connection of Paz with the French Surrealists and the influence of English-language poetry over him are emphasized, a reading is carried out of some symbols at stake in the drama and of some conceptions of love, history, time and modernity. The research also aims at tracing the origins of the drama developed in La hija of Rappaccini. Thereby, it is evident that there is a connection of Octavio Paz with the eastern culture, since the initial plot refers to India in the nineteenth century and also because the scenic construction presents some features of Noh theater. In the last chapter, we argue that there is a clash between the scientific technological and the \"primitive\" worlds, a problem present in the perspective taken by the poet on modernity, which is mainly exposed on several of his interviews and essays.
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Silva, Jerônimo Vieira de Lima. "Édipo na TV: Guarnieri e as possibilidades de um teatro impossível." Universidade Federal da Paraíba, 2009. http://tede.biblioteca.ufpb.br:8080/handle/tede/6262.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2009-06-30<br>Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES<br>This study has as its main focus an analysis of the TV version of the sophoclean tragedy
Oedipus the King by Gianfrancesco Guarnieri, considering the dramatic composition of the
tragic work, as well as the structural transformations present in its adaptation for the
teledramaturgical language. Having in view that Guarnieri s text revisits Sophocles
celebrated tragedy, this research begins with a review on the concept of myth and its use in
our western literary tradition, examining the subject in the works of theoreticians and
philosophers, among them, Eliade, Cassirer, Brandão, Patai, Chauí, Rosenfeld, and
illustrating the adaptation of myths for different ideological purposes through critical readings
of some relevant plays from different periods of the dramatic tradition. Through a review of
the theoretical legacy on tragic drama, based on Aristotle, Ben Jonson, Hegel, Brunetière,
Leski, Vernant & Vidal Naquet, Sandra Luna, among others, it was possible to observe the
relations of continuity and rupture between modern drama and ancient classical plays. These
ruptures occur, more emphatically, after the 18th century, but it will be in the 20th century that
drama will experience an expressive formal freedom, making it possible for a myth to be read
in the light of challenging political propositions. Departing from the contextualization of
Guarnieri s life and works in the scene of Brazilian theatre, and considering the theoretical
and historical background for the study of modern drama, the significance of his adaptation
of the ancient mythos for TV emerges. The theoretical support for the analysis of the
teledramaturgical language comes from Aumont, Betton, Bernadet, Pallotini and others. From
this perspective, the analysis of Guarnieri s text shows that drama and teledrama, though
using distinct artistic languages, engender dialogues which perpetuate the long tradition of
authors who make use of ancient myths to express their own ideals.<br>Este estudo tem como foco principal uma análise da versão para a TV da tragédia sofocleana
Édipo Rei por Gianfrancesco Guarnieri, considerando-se a composição dramática da obra
trágica, assim como as transformações estruturais presentes em sua adaptação para a
linguagem teledramatúrgica. Tendo em vista que o texto de Guarnieri revisita a celebrada
tragédia de Sófocles, esta pesquisa inicia-se com uma revisão sobre o conceito de mito e seu
uso em nossa tradição dramática ocidental, examinando o assunto em obras de teóricos e
filósofos, dentre os quais, Eliade, Cassirer, Brandão, Patai, Chauí, Rosenfeld, e ilustrando a
adaptação de mitos a diferentes propósitos ideológicos através de leituras críticas de algumas
peças relevantes de diferentes períodos da tradição dramática. Através de uma revisão do
legado teórico sobre a dramaturgia trágica, baseado em Aristóteles, Ben Jonson, Hegel,
Brunetière, Leski, Vernant & Vidal Naquet, Sandra Luna, entre outros, foi possível observar
as relações de continuidade e ruptura entre o drama moderno e as antigas peças clássicas.
Essas rupturas ocorrem, mais enfaticamente, depois do século XVIII, mas será no século XX
que o drama experimentará uma expressiva liberdade formal, sendo possível ao mito ser lido à
luz de desafiadoras proposições políticas. Partindo da contextualização da vida e obra de
Guarnieri na cena do teatro brasileiro e considerando o suporte teórico e histórico para o
estudo do drama moderno, emerge a significância de sua adaptação do antigo mythos para a
TV. O suporte teórico para a análise da linguagem teledramatúrgica procede de Aumont,
Betton, Bernadet, Pallotini e outros. Nesta perspectiva, a análise do texto de Guarnieri mostra
que o drama e o teledrama, embora usando linguagens artísticas distintas, engendram diálogos
que perpetuam a longa tradição de autores que fazem uso de mitos antigos para expressar seus
próprios ideais.
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Silva, Waterloo Jose Gregorio da 1949. "Abordagem dramaturgica do cafundo." [s.n.], 1996. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285088.
Full textAbstract:
Orientador: Neyde de Castro Veneziano Monteiro<br>Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes<br>Made available in DSpace on 2018-07-21T21:52:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 1996<br>Resumo: Não informado<br>Abstract: Not informed.<br>Mestrado<br>Mestre em Artes
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Rocha, Abel Luis Bernardo da. "Estudo da dramaturgia musical em L'Orfeo, de Claudio Monteverdi, realizado a partir da linguagem tonal do compositor : uma proposta de orquestração moderna como recurso dramaturgico." [s.n.], 2008. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284714.
Full textAbstract:
Acompanha 1 anexo: L'Orfeo favola in musica, de Claudio Monteverdi<br>Orientador: Eduardo Augusto Ostergen<br>Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes<br>Made available in DSpace on 2018-08-12T16:57:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2008<br>Resumo: Este trabalho tem por objetivo apresentar a realização de uma PARTITURA CONTEMPORÂNEA DE EXECUÇÃO da ópera L'Orfeo - Favola in Musica, de Claudio Monteverdi, composta em 1607, apresentada aqui como uma transcrição historicamente informada, sugerindo a utilização de uma mescla de
recursos e instrumentos contemporâneos combinados àqueles específicos da prática musical do repertório setecentista. Tal realização embasou-se na teoria e prática musical do século XVII. Num primeiro momento, foi realizada a análise da linguagem harmônica de Claudio Monteverdi, especialmente empregada nesta ópera, tomada dentro da prática musical sua contemporânea, a partir de tratados teóricos da época, de escritos de Monteverdi e críticas à sua obra. Numa segunda parte, estudaram-se as necessidades técnicas e estéticas para realizar a transcrição da partitura original e a recuperação do significado simbólico dessa linguagem harmônica. E, finalmente, apresenta os passos de construção de uma dentre várias possíveis orquestrações contemporâneas, com sugestões de soluções orquestrais modernas que visam a recuperação dos significados dramáticos sugeridos pela escrita de Monteverdi, sugerindo um conjunto de recursos expressivos, que possam incutir no público de nosso século os afetos de "terror" e "piedade", como definidos na teoria clássica do teatro.<br>Abstract: The purpose of this study is to present a modern realization of the orchestral score of Claudio Monteverdi's L'Orfeo - Favola in Musica, originally written in 1607. It is presented here as a historically informed transcription, suggesting the use of a mix of contemporary instrumental resources and tools combined with those specific to practices of the seventeenth century. As an initial step, an analysis of the specific harmonic language employed by Claudio Monteverdi in L'Orfeo was done, approached from within his own contemporary musical practice and writings and based on theoretical treatises of the time as well as criticisms of his work. In a second part, technical and aesthetic needs to perform the transcription of the original orchestral score and the recovery of the symbolic significance of this harmonic language are studied as well. At last, it presents steps for the contemporary elaboration of one of the many possible orchestrations of this work proposing modern orchestral solutions that seek the recovery of specific meanings suggested by the dramatic writing of Monteverdi, a suggestive set of expressive resources that can instill in our contemporary public the affects of "terror" and "mercy" as defined in the classical theory of theater.<br>Doutorado<br>Doutor em Música
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Moreira, Leonardo Faria. "Escuro: uma dramaturgia cúmplice." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27155/tde-17022011-145632/.
Full textAbstract:
Este estudo pretende usar conceitos relacionados a mídias de comunicação interativa e coletiva como ferramentas de análise e de proposição em um processo de criação dramatúrgica: um diagrama de peças potenciais que resultou no espetáculo Escuro. Em outras palavras, acompanhase o processo de criação do espetáculo, analisandoo através do transporte metafórico de conceitos propostos por Janet H. Murray ao descrever narrativas em ambiente virtual (imersão, agência e autoria procedimental) e comparandoo a outros dramaturgos contemporâneos que serviram de modelo à criação. A primeira parte deste texto trata do ambiente digital a partir principalmente das teorias de Janet H. Murray. A idéia é apontar terminologias particulares e descrever as principais características do ambiente digital, conceitos esses que serão utilizados como instrumentos de análise e metáforas para se falar de criação dramatúrgica. Na segunda parte, concretizase o transporte metafórico entre teatro e meio digital através de breves análises de fragmentos de dramaturgias contemporâneas que serviram de modelo à criação de Escuro, particularmente as excursões à linguagem cotidiana e as paisagens do francês Michel Vinaver; o texto híbrido, que transita entre a realidade e o lirismo, do argentino Federico Léon; e um registro cênico do Theatre de Complicitè. Chegamos a um terceiro momento e centro do trabalho quando, ao invés de usar conceitos do ambiente digital como ferramentas de leitura e análise, passase a utilizálos como ferramentas de proposição, ou seja, de escrita. Unindo a teoria apresentada à experimentação prática, descrevese o processo criativo do espetáculo Escuro. A pesquisa abrange não só a análise do texto teatral, mas também a análise de sua construção. Não se trata, é claro, da documentação de um espetáculo em fase de preparação, mas de uma reflexão teórica sobre um processo de criação. Por fim, é apresentado o mapa dramatúrgico criado em processo com a colaboração de dez atores e um possível agenciamento, isto é, uma possível organização do hipertexto dramático.<br>This study attempts to use concepts related to collective and interactive communication media as tools for analysis and proposition in a process of dramatic creation: a diagram of potential playwritings that resulted in the play Escuro. In other words, we follow the process of creating that play, analyzing it through the metaphorical transport of some concepts proposed by Janet H.Murray to describe narratives in virtual environment (immersion, agency and procedural authorship) and comparing it to other contemporary playwrights who have served as a model for the creation. The first part of this text deals with the digital environment, mainly from the theories of Janet H.Murray. The idea is to point out particular terminologies and describe the main features of the digital environment, these concepts will be used as analytical tools and metaphors to talk about creating drama. In the second part, we finalize the metaphorical transport between theater and digital media through brief analysis of fragments of contemporary dramaturgy that has served as a model for the creation of \"Escuro\", particularly excursions to the daily language and the landscapes of the Michel Vinaver; the hybrid text, which moves between reality and lyricism, of Federico Leon, and a textual record of a Theatre de Complicitès play. Then, we have reached a third time and the center of this work when, instead of using concepts of the digital environment for reading and analysis, we use them as tools of proposition, namely writing. Uniting the presented theory to the practice, the creative process of Escuro\" is described. The research covers not only the analysis of the theatrical text, but also the analysis of its construction. It is not, of course, the documentation of a performance in preparation, but a theoretical reflection on the process of creation. Finally, we present the map created in a dramaturgical process with the collaboration of ten actors and a possible agency, a possible organization to the dramatic hypertext.
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Dória, Lílian Maria Fleury. "A criação da voz autoral no processo de transcriação da literatura para o cinema : O homem da cela 1846, roteiro cinematográfico livremente inspirado nas novelas A senhoria e memórias do subsolo de Fiódor Dostoiévski." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284569.
Full textAbstract:
Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos<br>Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes<br>Made available in DSpace on 2018-08-21T10:01:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2012<br>Resumo: Esta tese é o resultado de um processo de pesquisa e criação de um roteiro cinematográfico autoral a partir do diálogo com a literatura de Fiódor Mikháilovitch Dostoiévski (1821-1881) e na perspectiva da proposta de transcrição da literatura para o cinema. Reflexões estéticas e teóricas sobre o roteiro, as especificidades da dramaturgia audiovisual e a abordagem da literatura pelo roteirista no processo de transcrição são alguns dos temas pesquisados. O roteiro O Homem da Cela 1846 é livremente inspirado nas novelas A Senhoria (1846) e Memórias do Subsolo (1864) e transpõe os personagens dostoievskianos para o século XXI, numa grande metrópole. A narrativa ficcional foi construída numa estrutura de contrapontos, em que cenas realistas se misturam com sonhos, delírios e fragmentos caóticos de lembranças. O roteiro se estrutura num arco do tempo no qual vemos, simultaneamente, o escritor preso e o jovem sonhador em suas lembranças de juventude<br>Abstract: This thesis is the result of a research and creation process of a copyrighted screenplay from the dialogue with the works of Feodor Mikhailovich Dostoevsky (1821 - 1881) and within the proposed transcreation from literature to film. Aesthetic and theoretical reflections on the screenplay, the specificities of the drama and the visual approach of the literature by the screenwriter in the process of transcreation are some of the researched topics. The script The Man of 1846 Cell is freely inspired by the novels The Landlady (1846) and Notes from Underground Man (1864) and transposes the Dostoevskian characters for the twenty-first century, in a great metropolis. The fictional narrative was built on a counterpoint structure, where realistic scenes are mixed with dreams, delusions and chaotic fragments of memories. The screenplay is structured in an arc of time where we see both the stuck writer and the young dreamer in their memories of youth<br>Doutorado<br>Multimeios<br>Doutor em Multimeios
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Oliveira, Heitor Martins. "Música-como-teatro : uma prática composicional e sua autoanálise." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2018. http://hdl.handle.net/10183/184891.
Full textAbstract:
A expressão compor música-como-teatro sintetiza e agrupa minhas contribuições no campo das relações entre composição musical e teatralidade, organizadas em três eixos de prática e autoanálise: 1- a situação de performance musical como espaço cênico; 2- a seleção e organização de materiais como jogo cênico e 3- estrutura e forma como encenação. A noção de compor música-como-teatro é delimitada em diálogo com: afirmativas e obras de compositores como Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel e Georges Aperghis; as categorias teatro musical, teatro instrumental e Teatro Composto, abordadas na bibliografia sobre música de concerto pós-1960; as categorias teatralidade e dramaturgia, como discutidas em escritos de teóricos que abordam as artes cênicas. Em síntese, compositores se movem em direção ao teatro, eles compõem com materiais gestuais e visuais, gerando partituras/roteiros para performances cênico-musicais. A prática de compor música-como-teatro pressupõe a intenção expressiva de incorporar a dimensão estética de teatralidade da performance musical ao âmbito das escolhas composicionais. Avança ao adotar uma aproximação entre composição e dramaturgia: compor consiste em organizar um roteiro de ações com e sem implicação sonora concatenadas musicalmente ‒ ‒ e enquadradas em dispositivos de construção e deslizamento de sentidos narrativos. O portfólio apresenta partituras e registros audiovisuais de três peças: O Espelho (2015-2017), As Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I heard them together (2017)<br>The expression composing music-as-theater synthesizes and groups my contributions in the field of relations between musical composition and theatricality, organized into three axes of practice and self-analysis: 1- the situation of musical performance as scenic space; 2- the selection and organization of materials as scenic play; and 3- structure and form as staging. The notion of composing music-as-theater is delimited in dialogue with: stances and works of composers like Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel and Georges Aperghis; the categories musical theater, instrumental theater and Composite Theater, addressed in the bibliography on post-1960 concert music; the categories theatricality and dramaturgy, as discussed in the writings of theorists dealing with performing arts. In synthesis, composers move towards theater, they compose with gestual and visual materials, generating scores / scripts for scenic-musical performances. The practice of composing music-as-theater presupposes the expressive intention of incorporating the aesthetic dimension of theatricality of musical performance into the scope of compositional choices. It advances by adopting an approximation between composition and dramaturgy: composing consists in organizing a script of actions with and ‒ without sound implication ‒ musically concatenated and framed in devices of construction and sliding of narrative meanings. The portfolio features scores and audiovisual recordings of three pieces: O Espelho (2015-2017), As Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I heard them together (2017).