Dissertations / Theses on the topic 'École des beaux-arts d'Abidjan'

L'histoire institutionnelle et sociale de l'enseignement des arts plastiques à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, de 1960 à 2000, est étroitement liée à l'art contemporain. Héritière d'un système académique sclérosé et vieillissant, l'enseignement en arts plastiques à l'Ecole des Beaux-Arts doit s'adapter à un contexte artistique marqué par l'innovation technologique, l'éclatement des références et la domination du marché de l'art. L'évolution de l'enseignement des arts plastiques aux Beaux-Arts s'articule autour de l'étude de trois points : les structures de l'établissement, son enseignement et la place de l'Ecole comme lieu de production et d'engagement artistiques. L'analyse des structures de l'établissement au travers de ses acteurs, de son système pédagogique et de son patrimoine, permet de comprendre son évolution administrative et sociale. L'étude de l'enseignement au niveau de son organisation, de la pratique et des activités autour de cette pratique, permet d'analyser l'évolution de la pédagogie et de la pratique artistique dans l'Ecole. Enfin, la place de l'Ecole comme lieu de production et d'engagement artistiques au travers de sa production artistique, de l'engagement politique et social et du professionnalisme de ses acteurs, replace notre étude dans le contexte de la création contemporaine.

En 1881, un atelier d'architecture est fondé à l'École nationale des beaux-arts d'Alger. Jusqu'en 1940, les programmes, les concours, ainsi que les jugements et les récompenses dépendent de patrons et de jurys locaux. À partir de 1940, l'atelier devient régional et intègre le giron de l'École des beaux-arts de Paris. C'est la seule structure appartenant à l'empire colonial français à s'être vu accorder ce statut. Alors que l'évolution des pensées architecturales et urbaines d'Alger durant la période française a fait l'objet de nombreuses recherches, l'histoire de la formation des architectes dans cette ville est quant à elle demeurée inexplorée. Cette thèse vient donc lever le voile existant autour du modèle pédagogique développé en Algérie. Elle examine en particulier la période entre 1909 et 1962. Ces limites chronologiques correspondent à la fois à une période mieux documentée et à deux moments importants pour l'institution architecturale. En effet, l'année 1909, marque la nomination du premier architecte français natif d'Algérie à la tête de l'atelier d'architecture. Cet avènement est le point de départ d'un enseignement de l'architecture plus structuré et mieux organisé. Quant à l'année 1962, elle signe la fin de la présence française en Algérie et la naissance de l'école algérienne. Cette recherche, qui fait confluer histoire de l'enseignement en France et histoire de la colonisation, s'est notamment construite sur les interrogations suivantes : quelle forme l'enseignement de l'architecture en Algérie a-t-il revêtu durant la période coloniale? Transplantation à l'identique du modèle pédagogique instauré par les Beaux-Arts de Paris, adaptation ou refondation? Quelle part a pris la dimension régionale dans l'éducation architecturale diffusée en Algérie ? L'intérêt de cette thèse est de situer l'enseignement prodigué à l'atelier d'architecture d'Alger par rapport au modèle pédagogique des Beaux-Arts de Paris, et de le replacer dans le contexte général de l'émergence d'une identité architecturale propre à la colonie. Au travers d'une analyse comparée entre la pédagogie diffusée à Paris et à Alger, cette recherche démontre qu'une structure formant à l'art de bâtir est indissociable du territoire qui l'abrite, de la population qui la fréquente, ainsi que de l'environnement politique et culturel qui l'entoure. Par ailleurs, cette thèse contribue à mettre à jour les transferts culturels et professionnels qui s'opèrent entre la métropole et sa « périphérie »
In 1881, an atelier (studio) was founded at the École des Beaux-Arts in Algiers. Up until 1940, programs, concours, as well as judgments and rewards have depended on masters and local juries. From 1940, the atelier has been regional and included the bosom of the École des Beaux-Arts in Paris. This is the only structure belonging to the French colonial empire to have been granted this status. While the evolution of architectural and urban ideas in colonial Algiers was the subject of much research, the history of architectural education in this city has meanwhile remained unexplored. This thesis comes therefore to lift the existing veil around the pedagogical model developed in Algeria. It examines in particular the period between 1909 and 1962. These chronological limits correspond to both a period that is better documented and to two important moments for the architectural institution. Indeed, the year 1909 marked the appointment of the first French architect born in Algeria as the head of the architectural studio. This advent is the starting point for a more structured and better organized teaching of architecture. As for the year 1962, it signaled the end of the French presence in Algeria and the birth of the Algerian school. The interest is to place the education provided at the studio of architecture in Algiers in relation to the pedagogical system of the Beaux-Arts in Paris, and to replace it in the broader context of the emergence of an architectural identity that is specific to the colony. This research, which converge the history of architectural education in France and the history of colonization, is notably built on the following questions: what form has the teaching of architecture in Algeria taken during the colonial period? Was the transplantation identical to the pedagogical model introduced by the Beaux-Arts in Paris, adaptation or rebuilding? What part has the regional dimension taken in the architectural education disseminated in Algeria? Through a comparative analysis between the pedagogy disseminated in Paris and in Algiers, this research shows that a structure forming in the art of building is inseparable from the territory that houses it, the population that attends it, and the political and cultural environment that surrounds it. Furthermore, this thesis contributes to updating the cultural and professionals exchanges that operate between France and its colony

La thèse examine l’expérience didactique de Louis-Hippolyte Lebas dans le cadre de l’École des Beaux-Arts de Paris, à une période marquée par la définition de méthodes et d’instruments nécessaires à une recherche visant une profonde réflexion sur l’architecture moderne. L’enseignement de Lebas s’intègre dans un projet qui vise la formulation d’une classification méthodique des différentes époques et des différents styles de l’histoire de l’architecture. Il définit et identifie avec précision le rôle du professeur d’histoire de l’architecture et la valeur de cette discipline. L’étude des entretiens compilés par Lebas a permis une interprétation de la tentative d’écrire et d’illustrer une histoire de l’architecture. De cette interprétation émergent également les aspects d’un enseignement multiple, étendu, fondé sur l’intégration des préceptes théoriques et des règles pratiques, déduits d’un modèle antique absolu et d’une expérience de projet: c’est l’expression de la recherche d’une nouvelle architecture
The dissertation takes into consideration Lebas’ teaching experience at the Ecole des Beaux-Arts in Paris in a period characterized by the definition of methods and instruments necessary for a research meant as a deep reflection on modern architecture. Lebas’ teaching fits in a project aiming at a systematic classification of different periods and styles in the history of architecture. Basing himself upon sources and references, he defines and precisely identifies the professor of history of architecture’s role and the value of this discipline. The study of Lebas’ « entretiens » made an interpretation possible of his effort to write and illustrate a history of architecture. This interpretation also revealed the aspects of a multiple and extended teaching based on the integration of theorectical precepts and practical rules deduced from an absolute ancient model and from project experience, which is the expression of the search for a « new architecture »

Les ecoles des beaux-arts sont des etablissements d'enseignement places sous tutelle du ministere de la culture ; elles jouent aujourd'hui un role essentiel dans la formation des artistes plasticiens, et se presentent a l'observateur comme fortement liees au champ artistique. L'analyse de l'insertion professionnelle des sortants de l'ecole regionale des beaux-arts de nantes montre cependant la faible probabilite d'acces au statut d'artiste, et la diversite des debouches possibles, vers un espace ouvert de professions au caractere artistique plus ou moins marque. Qui plus est, l'insertion professionnelle semble fortement determinee par la specialite suivie, le parcours scolaire anterieur et les caracteristiques sociales des eleves. Pour comprendre la maniere dont l'ecole d'art determine l'allocation des positions dans l'espace des professions artistiques, on s'est interesse aux processus de selection qu'elle opere au sein de la population des aspirants artistes. Ces processus agissent lors de l'entree dans l'ecole puis dans le deroulement de la scolarite pour favoriser les dispositions les mieux ajustees aux attentes de l'institution. Mais les modalites de cette selection ne prennent sens qu'en resituant l'ecole d'art au sein du systeme educatif : la position qu'elle y occupe aujourd'hui resulte des evolutions plus ou moins rapides du champ artistique, de l'offre de formation en arts plastiques, et des usages sociaux de l'enseignement dans sa globalite. Les fonctions sociales de l'ecole d'art, les parcours accomplis par les differentes categories d'eleves, deviennent comprehensibles lorsque l'on considere qu'une telle ecole est soumise a la fois aux regles du champ artistique et a celles du champ educatif, et qu'elle forme un "espace secant" dans lequel ces deux formes de legitimite peuvent agir de maniere concurrente
Fine arts schools in france, placed under the supervision of the department of culture, play a major role in the training of young artists and designers as well as in the definition of the art scene. Studying the occupational path of the fine arts school alumni in the city of nantes, we find evidence that most young people do not find a job specifically in the artistic professions, but have access to a much wider scope of occupations more or less closely related to this field. Moreover, the transition period appears as being largely defined by the individual's curricula, schooling history and social characteristics. In this study, the fine arts school is regarded as a filtering mechanism which shuffles the various students into various social strata; this screening process happens not only during the first year but also at a latter stage and enhances the students' dispositions which meet best the organization's expectations. In order to understand this process, the school has to be placed in the more general framework of the french higher education system. . The part played in this system can be seen as a result of the changes experienced in both the educational and the artistic field as well as in the social diffusion of higher education. Both the scool's social function and the individuals' occupational path can only be understood by taking into account simultaneously the influence played by the artistic field and the educational system

La premiere partie de ce travail etudie l'histoire generale de l'ecole des beaux-arts de marseille depuis la creation de l'ecole de l'academie en 1752 jusqu'en 1914 et celle de la classe d'architecture en particulier, fondee en 1812, a partir du fonds d'archives conserve aux archives municipales de marseille (archives administratives et dessins de concours) : conditions reglementaires et financieres, organisation et contenu des cours en fonction de l'action des professeurs successifs. L'evolution de la classe d'architecture trouve son aboutissement dans la creation de l'ecole regionale d'architecture en 1905. La deuxieme partie souligne l'evolution historique de la classe d'architecture par l'analyse sociologique et statistique de la population des eleves a travers plusieurs criteres (age, origine geographique, origine sociale, duree et reussite dans les etudes, orientation professionnelle). Cela permet de suivre la transformation du role de la classe d'architecture, destinee au depart a former des artisans au dessin de l'ornement puis recentree sur la formation des architectes. Nous avons complete cette analyse en suivant les eleves dans leurs etudes a l'ecole des beaux-arts de paris, selon les memes criteres. La troisieme partie interroge la carriere des eleves sur leur activite en architecture privee, a partir des sources ecrites disponibles (publications et biographies) et de l'inventaire des immeubles signes du centre-ville, la question du statut de l'architecte par rapport a celui de l'entrepreneur restant actuelle tout au long du siecle. La production architecturaledu xixe siecle a marseille est liee a l'action des operateurs prives et publics dans la transformation de la ville. Trois periodes sont ainsi determinees : 1800-1855 (intervention des speculateurs prives et architecture traditionnelle), 1855-1865 (intervention des pouvoirs publics et influence de l'haussmannisation) et 1865-1914 (urbanisme acheve et architecture nationale).

Le corps humain a depuis toujours fasciné. Science, philosophie, art. . . Les disciplines majeures ont fait du corps humain leur objet de recherche. Alors, qu'en est-il de la représentation du corps ? Peut-on dresser un historique, au sein d'une institution comme l'Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris ? Y-a-t-il une pédagogie liée à l'étude du corps ? Comment des siècles d'anatomie ont donné naissance à la morphologie ? C'est à une aventure d'une incroyable richesse que vous convie l'auteur de cette recherche

Fondée sur l'analyse d'archives inédites de deux compétitions scolaires, les concours d'esquisses de composition et les concours de figures modelées (créés respectivement en 1816 et 1842), notre étude tente d'apporter des éclaircissements sur le mode de fonctionnement global de l'enseignement de la sculpture à l'École des Beaux-Arts durant le XIXème siècle. S'inscrivant dans une reprise en main généralisée du domaine des "beaux-arts" décidée par le nouveau pouvoir politique issu de la restauration et confiée à Quatremère de Quincy, récent secrétaire perpétuel de l'académie royale des Beaux-Arts, la création de concours en composition sera favorablement accueillie par les sculpteurs, élèves comme professeurs, à l'inverse des peintres fort suspicieux qui n'adhèreront a ces nouvelles épreuves scolaires que contraints et forces par les règlements. Les recherches entreprises ont ainsi abouti à approfondir notre connaissance quant à l'organisation des nombreux ateliers privés de sculpture (et de peinture) qui existaient parallèlement à l'école des Beaux-Arts, la suprématie exercée parfois par certains d'entre eux en matière de résultats scolaires, l'emprise absolue de l'académie sur l'école, l'évaluation du nombre limite des élèves sculpteurs par rapport aux élèves peintres, la durée longue des cursus scolaires, l'iconographie résolument classique des sujets de concours, ou encore les modalités techniques et stylistiques de l'exécution et de la conservation de ces travaux d'école
Based on the analysis of unpublished archives of two school competitions: the sketches contests of composition and the modeling figures contests (respectively created in 1816 and 1842), this study aims to bring forward enlightments on the global functioning of sculpture tutoring at the School of Fine Arts during the nineteenth century. Because of the generalized high hand on the fine arts program adopted by the new political power after the "restauration" that out in charge Quatremère de Quincy, new elected life-secretary of the royal academy of fine arts, the creation of contests in composition was favorably accepted by the sculptors, students and teachers alike contrary to the very suspicious painters who will be forced to comply to these new school exams by severe regulations. This research helps our understanding of the organization of numerous private workshops of sculpture (and painting) that flourished next to the school of fine arts, the excellency of some of them in view of their school success, the absolute high level of the academy over the school of fine arts, the limited number of sculptors students compared to the painters students, the long period of schooling cursus, the maintenance of classical contests and even note the technical and stylistic organization of the workshops at the school of fine arts

Le travail s'interroge sur la transformation de l'histoire de l'architecture et des concepts historiographiques entre 1863- année ou est mise en place la réforme pédagogique de l'école des Beaux-Arts- et 1914, qui constitut inévitablement un moment de césure, tant dans l'enseignement que dans l'édition. Peu à peu, de Huyot à Magne, de Reynaud à Choisy, se profile la volonté de transformer l'histoire de l'architecture en une discipline autonome ayant un objet d'étude, des objectifs et des méthodes spécifiques, et dont le rôle ne serait plus celui d'une discipline auxiliaire aux autres branches historiques (politiques ou littéraires), comme la paléographie ou la numismatique. La volonté d'élaborer une méthodologie "scientifique" se heurte aux liens avec la pratique architecturale, comme à la désorientation d'une profession à la recherche d'un style caractéristique du siècle. Les objectifs des auteurs, leurs approches analytiques et leurs stratégies iconographiques s'avèrent les enjeux majeurs de cette transformation
The subject of this study is the transformation of history of architecture and of the historiographical conceptions between 1863, date of the pedagogical reform at the parisian ecole des beaux-arts, and 1914, date that signifies a break in teaching and publishing. From huyot to Magne, from Reynaud to Choisy, history of architecture aims more and more to become an independant matter. This research of autonomy means to define clearly the fields of inquiries, the objectives and particular methods. History of architecture refuses to provide only auxiliary knowledge to illustrate political or literary history, to be confined to the same existence as numismatical studies for example. Archeology, comparative anatomy and other sciences supply important models. But for the architects or engineers a major difficulty exists : they need to define the links between a scientific' history and the architectural pratice, searching desperately for the caracteristic style of their own century. The most important items of this transformation studied here are the aims and ideas of the authors, their analytical methods, their conception of classification and their manner of using images and illustrations

Le travail de thèse s'est plus particulièrement attaché aux composantes sociales de la production architecturale en partant du constat que l'objet architectural est le fruit, certes, de parti-pris individuels, mais aussi du fonctionnement d'un champ architectural. En s'attachant plus particulièrement aux architectes-intellectuels, il s'agissait d'identifier les modalités de constitution et d'évolution d'un espace de production (écrite, dessinée et construite) spécifique qui conditionne l'autonomie de la production architecturale. L'affirmation que le collectif et l'individu sont coproduits par l'action sociale et qu'ils sont donc historiquement variables ont fixé le cadre d'une démarche socio-historique. . .

Antonin Proust (1832-1905), homme politique, ami des artistes, historien, critique et salonnier, joua un rôle politique et culturel important. La vie de ce républicain libéral est un plaidoyer pour la défense des arts au service de la République. Il lie étroitement structure économique et institutions artistiques soutenant sans cesse les arts utiles. Son but est économique : former des artistes au service de l’industrie. Il crée des écoles d’art et favorise l’introduction du dessin dans les programmes scolaires. Rapporteur du budget, il soutient la protection et le développement des arts. La réunification des arts qu’il prône aboutit à la création du ministère des Arts. Protecteur des arts, il participe à la fondation des musées de sculpture comparée et des arts décoratifs et crée l’école du Louvre pour former des conservateurs. Achetant pour l’État les œuvres de Millet, Courbet et Manet, il promeut des artistes insoumis à l’Académie et s’affirme comme le promoteur d’œuvres polémiques. Organisant des expositions à la gloire de Courbet ou Manet, il prône l’audace, l’individualité, la liberté, le naturalisme. Véritable propagande artistique, industrielle et politique, l’Exposition universelle de 1889 qu’il organise concrétise ses ambitions, il y rassemble beaux-arts et arts industriels. L’art nouveau y prend racine et rayonnera en 1900. Ses succès n’ont pas permis à Proust d’entrer dans l’histoire, mais son action a porté ses fruits dans la pérennité des structures dont il a défendu la création ou dans l’explosion des arts décoratifs et du marché de l’art
Antonin Proust (1832-1905), political figure, friend of the artists, historian, critic and salonnier, played an important political and cultural part. The life of this liberal republican is a plea for the protection of arts in the service of the Republic. He connects economic structure with artistic institutions and constantly advocates the useful arts. His aim is economic: to train artists in the service of the industry. He creates art schools and encourages the introduction of design at school. As budget rapporteur, he supports the protection and the development of arts. The unification of the arts which he advocates results in the creation of the ministry of the Arts. Advocate of the heritage, he takes part in the foundations of the Musée de sculpture comparée, of the musée des Arts décoratifs, and founds the École du Louvre to train curators. Buying for the State the works of Millet, Courbet and Manet, he promotes rebellious artists, unruly to the Academy of fine arts, and emerges as a partisan of controversial works. Organizing exhibitions to the glory of Courbet or Manet, he advocates boldness, individuality, freedom and naturalisme. Real artistic, industrial and political propaganda, the World Fair of 1889 which he organizes concretizes his ambitions. He gathers fine arts and useful arts. The Art Nouveau takes root there to blow up in 1900. His successes did not allow Proust to enter the history, but his action bore fruits in the sustainability of the structures he defended the foundation of or in the boom of craft arts and of the art market

La direction artistique de l’Académie de France à Rome et de ses pensionnaires est placée sous le patronage de l’Académie des beaux-arts. Elle détermine et réglemente les conditions de séjour et le programme des travaux annuels, les envois de Rome. Ce privilège est interrompu le 13 novembre 1863 par un décret qui lui retire sa tutelle pour la confier à l’Etat. Cette rupture est révélatrice d’une crise majeure de l’enseignement des beaux-arts en France et bien que l’Académie récupère la totalité de ses prérogatives huit ans plus tard, elle devra désormais composer avec les exigences que l’époque lui imposera, entre tradition et modernité. C’est dans cette perspective que vienne s’inscrire les pensionnaires peintres et leurs envois de Rome. Tributaires d’un enseignement et d’un système académique des beaux-arts, les lauréats des grands prix de Rome de peinture sont le symbole de la tradition. Ils sont peintres d’histoire et achèvent leur formation artistique en Italie, à Rome, au contact des grands maîtres de la Renaissance et des chef-d’œuvres de l’antiquité. Mais ils sont aussi enfants de leur siècle et à ce titre partagent les problématiques artistiques contemporaines. La question est de savoir dans quelle mesure cette présence au monde se manifeste dans leurs envois et de quelle nature sont les formes qu’elle revêt
The artistic direction of the Académie de France à Rome and its artists in residence is placed under the patronage of the Academy of fine arts. The Academy determines and regulates the conditions of stay and the programme of annual work, the « envois de Rome ». This privilège is interrupted on the 13th November 1863 by a decree witch withdraws its guardianship to entrust it to the government. This rupture shows major crisis in fine arts education in France. even though the Academy recovers the totality of its prerogatives eight years later, from then on it has to take into account the demands that epoch imposes, oscillatin between tradition and modernity. It is in this perspective that the painters in residents and their « envois de Rome » position themselves. tributaries of the education and of the academic system of fine arts, laureates of the prix de Rome in painting are the symbol of the tradition. They are history painters and complete their artistic training in Italy, in Rome, in touch with the old masters of the Renaissance and the masterpiecies of antiquity. But they are also children of their century and for this reason they share the contemporary artistic issues . The point is to know to what extent this presence in world is manifested in their work and what is the nature of the forms it takes on

Une étude biographique du peintre et une analyse critique de son œuvre. La vie de l'artiste est divisée en quatre périodes: sa jeunesse et formation au Havre et à Paris{l879-1905) ; le fauvisme (1906-1907) ; l'épanouissement d'un style personnel (1908-1913); la période de maturité (1914-1949). L'analyse critique de l'œuvre porte sur ses peintures, céramiques, gravures sur bois et commissions publiques. En révolte contre l'enseignement académique, il peigne dans un style impressionniste aux côtés de Guillaumin dans la Creuse (1901-2) et de Pissarro à Paris (1902-3). Sa période fauve commence à Anvers au début de l'été 1906 et se termine au retour de son séjour estivale à La Ciotat, Cassis et l'Estaque fin octobre 1907. Entre 1908 et 1913, il fait preuve d'une grande originalité en développant un style personnel très expressif à une époque où le cubisme fait beaucoup d'émules. Enfin, entre les deux guerres, l'œuvre de Friesz devient plus traditionnel et perd beaucoup de son éclat.

La présence des artistes chinois en France durant la première moitié du XXe siècle s’est fixée de manière exceptionnelle et durable à l’École des beaux-arts de Paris, au point qu’on puisse, à partir du dépouillement des archives nationales (cote AJ52), parler d’un « phénomène chinois à l’École des beaux-arts de Paris ». Ce phénomène a engagé plus de 130 élèves chinois inscrits dans les galeries et dans les ateliers de peinture et de sculpture entre 1914 et 1955. Aussi, cette présence à l’École des beaux-arts constitua une caractéristique essentielle du mouvement des artistes chinois en France et plus largement en Occident. À ce titre, ce phénomène a joué un rôle important dans l’évolution du champ artistique chinois moderne, sur le plan social,technique et artistique à travers un processus de « transfert culturel ». Ce phénomène fut possible grâce à une relation privilégiée qui exista entre la France et la Chine au début du XXe siècle (le « dialogue entre deux républiques »). Mais l’École des beaux-arts fut aussi un espace de concurrence entre les différentes tendances artistiques modernes chinoises dont beaucoup des chefs de file passèrent par les ateliers de l’École. Parmi eux,Xu Beihong (1895-1953) occupa une place particulière car il développa une stratégie sociale et artistique cohérente qui posait comme fondamentales la formation artistique académique et l’expérience à l’École des beaux-arts de Paris. Cette expérience enrichie par la maîtrise du dessin académique, de l’anatomie artistique et de la peinture d’histoire, fut orientée vers une production inédite à bien des égards en Chine, à l’huile et à l’encre. Aussi, après une période consensuelle des années 1910 aux années 1920, il semble qu’à partir des années 1930, le phénomène chinois à l’École des beaux-arts de Paris alimenta essentiellement le pôle éducatif et artistique de Xu Beihong en France et en Chine. Ce phénomène chinois à l’École des beaux-arts de Paris,attaché à la formation académique et à l’art académique français, fut un élément dynamique dans l’élaboration de la modernité artistique en Chine au XXe siècle
The presence of Chinese artists in France during the first half of the Twentieth Century was an exceptional and enduring phenomenon at the National School of Fine Arts of Paris (École nationale des Beaux-Arts de Paris). Based on the analysis of the documents from the French National Archives, the number of Chinese students was so substantial that it deserves to be called as the 'Chinese phenomenon at the École des Beaux-Arts'. Between 1914 and 1955, more than 130 Chinese students enrolled at the 'Galeries' (preparatory training in drawing) and at the painting and sculpture studios called 'Ateliers'. This situation at the École des Beaux-Arts essentially reflected the movement of Chinese artists in France and more widely in the West. It played an important role in the changing field of the modern Chinese art, socially, technically and artistically ,through a process of "Cultural Transfer" and was made possible by the privileged relationship between France and China at the beginning of the Twentieth Century (the "Dialogue between two Republics"). Nevertheless, the École des Beaux-Arts also became an area of competition between the various modern Chinese artistic tendencies, as many leaders of different groups studied at the workshops of the École des Beaux-Arts. Amongthem, Xu Beihong (1895-1953), who developed a coherent social and artistic strategies, was especially significant. Xu received fundamental academic artistic training at the École des Beaux-Arts in Paris. Xu’s experience, enriched by his mastery of academic drawing, artistic anatomy and history painting, made his artistic production unprecedented in many respects of Chinese art, in oil and in ink. In addition, after a consensual period from the 1910s to the 1920s, it seems that from the 1930s, the Chinese phenomenon at the École des Beaux-Arts in Paris mainly fostered Xu’s central position in educational and artistic camps inFrance and China. This Chinese phenomenon at the École des Beaux-Arts in Paris, which is attached to academic training and to French academic art, was a dynamic element in the elaboration of artistic modernityin Twentieth Century China

Élève de l’École des beaux-arts de Paris, Luc-Olivier Merson obtient en 1869 le premier grand prix de Rome de peinture d’histoire, titre qui lui permet de parfaire sa formation pendant quatre années en Italie. Artiste reconnu de son vivant, Merson expose régulièrement au Salon parisien, avant d’ouvrir l’éventail de son talent à la décoration et à l’illustration. Au-delà de son goût pour la peinture monumentale, il affirme sa dilection pour l’art religieux dont il bouscule les conventions, grâce à des sources iconographiques recherchées et des sujets rares. Entre Académisme et Symbolisme, Merson confirme sa prédisposition pour le dessin, privilégiant la ligne, tout en entretenant un caractère coloriste subtil et recherché. En s’affranchissant de l’influence de son père Olivier Merson, critique d’art, et en dotant ses réalisations d’archaïsme et d’idéalisme, Luc-Olivier Merson est désormais considéré à juste titre comme l’un des précurseurs du Symbolisme. L’étude de la vie et de l’œuvre de Luc-Olivier Merson permet de comprendre les choix esthétiques et les audaces d’un artiste, trop souvent – et hâtivement – qualifié de Pompier par l’historiographie du vingtième siècle
In 1869, when a student at the École des Beaux-Arts de Paris, Luc-Olivier Merson received the Rome Prize in history painting. The award allowed him to complete his training with four years of study in Italy. A well-known artist in his own time, Merson showed regularly at the Paris Salon before broadening the scope of his creative activity to include decorative painting and illustration. Beyond his taste for monumental painting, he evinced a keen interest in religious art, whose conventions he overturned, making use of recondite iconographic sources and unusual subjects. Suspended between Academism and Symbolism, Merson displayed a penchant for drawing, always privileging line, even as he maintained a subtle and refined sense of color. Having emerged from the shadow of his father, the art critic Olivier Merson, and endowed his work with a self-conscious archaism and idealism, Luc-Olivier Merson might justly be classed among the precursors of Symbolism. By studying the life and work of Merson, we may come to understand the aesthetic choices and the audacity of an artist too often—and too hastily—termed “Pompier” in twentieth-century art historiography

Costas Dimitriadis (1879-1943) est l’artiste grec le plus célèbre sur le plan international de la première moitié du XXe siècle, entre Paris et Athènes. Par ses fonctions, il contribua à la création et à la modernisation des institutions artistiques publiques grecques, en assumant de 1930 à sa mort, la direction de l’École Supérieure des Beaux-Arts d’Athènes. Dans cette thèse, nous racontons la vie de Dimitriadis en Roumélie Orientale, où il est né, et puis à Athènes, dans le premier atelier libre où il fit son apprentissage et ses études à l’École des Beaux-Arts. Ensuite, nous suivons la trace de ses premiers pas en Europe ainsi que le rôle déterminant qu’ont joué dans sa survie artistique certains membres éminents des cercles parisiens tels que Jean Moréas et Jean Pischari, de même que son mécène, le marchand d’armes Basil Zaharoff. En passant par Paris et Londres, nous déterminons les processus qui l’ont conduit à des commandes en France, en Angleterre et en Grèce. Nous recherchons aussi de quelle façon Dimitriadis se rangea du côté des gouvernements grecs pro-venizelistes (1922-32) en vue de la modernisation de l’État grec par l’européanisation des institutions artistiques et quelle fut sa contribution à l’exercice de la diplomatie culturelle. Finalement, nous examinons l’évolution décroissante de son rôle protagoniste, interrompu par la politique d’intervention du dictateur Ioannis Metaxas ainsi que par l’Occupation jusqu’à sa mort, en octobre 1943. Sans exclure les analyses thématiques, nous avons choisi pour ce travail de suivre une structure chronologique accompagnée d’un catalogue raisonné de l’oeuvre du sculpteur
Costas Dimitriadis (1879-1943), who lived and worked in Athens and Paris, was the most famous Greek artist of the first half of the twentieth century. Through his directorship of the School of Fine Arts in Athens (1930-1943), he defined the role and viewpoint of public art institutions in Greece to this day. This dissertation traces Dimitriadis’ life and work. It begins with his youth in Eastern Roumelia followed by an examination of his studies in Athens both as an apprentice and in the School of Fine Arts. The dissertation continues with an exploration of his early career in Europe and the role Paris intellectual circles played in his artistic development, mainly the prominent members Jean Moréas and Jean Pischari, and his patron, the arms dealer Basil Zaharoff. In addition, this dissertation establishes the process by which Dimitriadis established ateliers in Paris and London, as well as a leading role in the art life of these cities as well as in Greece. His political viewpoints are also examined; for example, his support to the Venizelist Governments (1922-1932), which promoted modernization of the Greek state through the Europeanization of art institutions and his role in cultural diplomacy are documented and discussed. Circumstances that limited Dimitriadis’ leading role are also examined, including policies of the dictator Ioannis Metaxas and the Occupation of Greece during World War II. Although chronological in structure, the dissertation also explores thematic issues. It includes moreover a Catalogue Raisonné of the artist

Dans une perspective d’histoire sociale du politique, la thèse interroge une rencontre rare : celle entre de substantielles fractions de la jeunesse des milieux populaires, d’une part, et, de l’autre, des structures politiques, en l’espèce les organisations communistes juvéniles françaises, de la Libération jusqu’aux années 1970. En amont, elle explore les matrices et les voies de politisation de ces jeunes que l’âge, l’ancrage social et, pour les filles, le sexe, n’ont pas maintenu à l’écart de l’engagement politique organisé. En aval, elle met au jour deux modèles distincts avec leurs configurations propres et leur écho respectif, en précisant les conditions de mutation du premier – lié au mouvement de jeunesse, avec une forte présence ouvrière – vers le second – dominé par une jeunesse scolarisée, porteuse d’autres horizons et pratiques
As an essay of social history of politics, this work deals about a rare encounter: that one between significant fractions of working class youth, on the one hand, and, on the other, political structures, French juvenile communist organizations, from the Liberation to the 1970s. Upstream, it explores the matrices and ways of politicization of these young. Downstream, it uncovers two distinct models with their own configurations and their respective echoes. It specifies the conditions of mutation of the first one – linked to the youth movement, with a major working class presence – towards the second one – dominated by educated youth with its own horizons and practices

En 2011, suite à un mouvement de réformation accélérée menant à l'appropriation par les écoles d'art françaises du dispositif LMD, celles-ci rejoignent l'espace européen de l'enseignement supérieur et quittent le ''régime de singularité'' qui les distinguait du système universitaire. Cette adhésion signe l'aboutissement d'une série de mesures dont l'implémentation visait à agir sur deux dimensions constitutives (différentes mais complémentaires) de la réalité des écoles d'art : la dimension académique, dont la mise aux normes des cursus et la restructuration de l'organisation pédagogique permettaient à ces établissements de délivrer des diplômes reconnus au grade de master ; le volet administratif qui, à travers la transformation des écoles d'art en établissements publics de coopération culturelle (EPCC), amorce un processus d'autonomisation vis-à-vis des structures tutélaires locales. C'est par une double opération d'interrogation des déterminants qui sont au fondement de la ''remise à niveau'' de la condition des écoles d'art, et d'examen des outils de gouvernance rendant effectif le déploiement de l'autonomie décrétée, que cette recherche se propose de saisir les nouveaux enjeux dont les écoles d'art font l'objet
In 2011, following an accelerated reformation movement led by the network of French art schools, they joined the European area of higher education, getting out of the ''regime of singularity '', which distinguished them from the university system. This adherence note the accomplishment of a series of measures, whose implementation was intended to affect two distinct dimensions, constituting the reality of art schools: -the academic dimension, including the ''upgrading'' of curricula and restructuring the pedagogical organization, which allowed to accredit the awarded degree with a recognized diploma; -the administrative dimension, which through the transformation of municipal art schools into Public Cultural Cooperation Establishment (EPCC) aimed to start the empowerment process of local authorities. The aim of this research was to perceive the new issues regarding the art schools, one of them being the factors that stimulated the ''upgrading'' of the art schools condition. The other issue examined the governance tools that made possible and effective the deployment of autonomy decreed

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