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Dissertations / Theses on the topic 'Epic Theatre'
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Rice, Andrea. "Rebooting Brecht: Reimagining Epic Theatre for the 21st Century." Bowling Green State University / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=bgsu1555688903742283.
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2
Desmond, Brian. "From the Theatre de l'Oeuvre to Fast Eddies : understanding contemporary Irish story theatre by re-reading epic theatre." Thesis, University of Liverpool, 2011. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.539911.
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3
Xing, Jia. "Ting Ling." Miami University / OhioLINK, 2004. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=miami1084912718.
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4
Ghosh, Yashowanto Narayan. "Bertolt Brecht's Leben des Galilei: a Mythic Dimension in Epic Theatre." Thesis, Portland State University, 2018. http://pqdtopen.proquest.com/#viewpdf?dispub=10843558.
Full textAbstract:
The history of Bertolt Brecht’s play Leben des Galilei extends through the writing of its three versions during 1938 to 1955—a period of two decades that also encompassed the entirety of the Second World War. The period also covers the atom bomb from its development to America’s use of the bomb in Hiroshima and Nagasaki, as well as the beginning of the Cold War, which included the sustained threat that nuclear weapons might be used any day. This thesis traces, and offers interpretations of, changes in Brecht’s Leben des Galilei from its inception in 1938–1939—when the protagonist, a scientist, is portrayed in a positive light—through the play’s American version in 1947, where it bitterly accuses science and scientists of having betrayed society and humanity, and finally to its last version in 1955, where the protagonist struggles to prevent the normalization—the familiarization—of the threat of nuclear warfare.
Next to the writing of the Leben des Galilei, the thesis also focuses on the main critical readings of the play. A large fraction of the critical readings, but not all of them, interpret the play either as a judgment of science or as an invitation to pass judgment on science.
The thesis compares Leben des Galilei with three different groups of other texts. The first comparison is with two other plays that also address the problem of science in the age of nuclear weapons, and the second comparison is with other work of Brecht himself. The first comparison leads to the observation that the muted note of optimism in the final version of Leben des Galilei is exceptional, and the second comparison to the apparently unrelated observation that it was uncharacteristic of Brecht to make explicit a certain literary allusion in Leben des Galilei. The two observations converge to a possible common explanation from a comparison with a still third group of texts, a cycle of Native American myths which appear in the oral traditions of various Native American tribes spread throughout the New World.
Finally, the thesis addresses the question of why a modern-day literary text, addressing the essentially modern problem of nuclear warfare, and addressing that problem using the essentially modern techniques of Brechtian theatre, might have structures parallel to the structures of primitive mythology.
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Santos, Michael Aaron. "Fed to the Teeth: The Creation of the Title Role in Brecht's Baal." ScholarWorks@UNO, 2005. http://louisdl.louislibraries.org/u?/NOD,205.
Full textAbstract:
Thesis (M.F.A.)--University of New Orleans, 2005.Title from electronic submission form. "A thesis ... in partial fulfillment of the requirements for the degree of Master of Fine Arts in Drama and Communication"--Thesis t.p. Vita. Includes bibliographical references.
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Rawlings, Cara E. "The Civil War: A Collaboration in Direction and Choreography." VCU Scholars Compass, 2005. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/751.
Full textAbstract:
This text is a partial record of the development of the Virginia Commonwealth University production of The Civil War: A Musical that opened on April 7, 2005 for a three-week run ending April 28, 2005. The greater part of the text is devoted to the evaluation of the underlying principles of direction and choreography applied in the creation of an artistically aid financially successful production of this size. Included in the evaluation of The Civil War: A Musical are analyses of the directors' --Patti D'Beck and David Leong --individual creative processes, aesthetics, and working styles. The result of this evaluation and analysis is a compilation of the fundamental principles of direction and choreography applied The Civil War: A Musical as a methodology for the creation of theatre. Further reflections on collaboration and artistry serve as the culmination of lessons inherent in both the creation of the Theatre VCU production of The Civil War: A Musical and in the author's three years of study in the VCU Master of Fine Arts program in Theatre Pedagogy with an emphasis in Movement Direction and Choreography.
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Betzien, Angela Jane. "Hoods : creating political theatre for young audiences." Thesis, Queensland University of Technology, 2007. https://eprints.qut.edu.au/19238/1/Angela_Betzien_Exegesis.pdf.
Full textAbstract:
My first exposure to Brecht and his theories was as a high school drama student. One of our year twelve assessment tasks was to write and perform our own Brechtian drama using three or more alienation techniques. I wrote a piece about Religion and Fundamentalism, an issue that I felt strongly about at the time. By carefully following my teacher’s instructions and adhering to the assessment criteria I received a VHA. I concluded from this experience that political theatre could be made by following a simple recipe and combining key ingredients. As my knowledge of theatre and my own creative practice developed I came to understand the great complexity of Brechtian theory and the extreme difficulty of creating effective political theatre, that is, theatre that changes the world. Brecht’s theories have been so thoroughly absorbed into contemporary theatre practice that we no longer identify the techniques of Epic Theatre as necessarily political, nor do we acknowledge its radical origins. I have not yet seen a professional production of a Brechtian play but I’ve absorbed on countless occasions the brilliant reinterpretations of Brecht’s theories within the work of contemporary dramatists. My approach to creating political drama is eclectic and irreverent and I’m prepared to beg borrow and steal from the cannon of political theatre and popular media to create a drama that works, a drama that is both entertaining and provocative. Hoods is an adaptation for young audiences of my original play Kingswood Kids (2001). The process of re-purposing Kingwood Kids to Hoods has been a long and complex one. The process has triggered an analysis of my own creative practice and theory, and demanded an in-depth engagement with the theories and practice of key political theatre makers, most notably Brecht and Boal and more contemporary theatre makers such as Churchill, Kane, and Zeal Theatre. The focus of my exegesis is an inquiry into how the dramatist can create a theatre of currency that challenges the dominant culture and provokes critical thinking and political engagement in young audiences. It will particularly examine Brecht’s theory of alienation and argue its continued relevance, exploring how Brechtian techniques can be applied and re-interpreted through an in-depth analysis of my two works for young people, Hoods and Children of the Black Skirt. For the purposes of this short exegesis I have narrowed the inquiry by focusing on four key areas: Transformation, Structure, Pretext, Metatext.
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Betzien, Angela Jane. "Hoods : creating political theatre for young audiences." Queensland University of Technology, 2007. http://eprints.qut.edu.au/19238/.
Full textAbstract:
My first exposure to Brecht and his theories was as a high school drama student. One of our year twelve assessment tasks was to write and perform our own Brechtian drama using three or more alienation techniques. I wrote a piece about Religion and Fundamentalism, an issue that I felt strongly about at the time. By carefully following my teacher’s instructions and adhering to the assessment criteria I received a VHA. I concluded from this experience that political theatre could be made by following a simple recipe and combining key ingredients. As my knowledge of theatre and my own creative practice developed I came to understand the great complexity of Brechtian theory and the extreme difficulty of creating effective political theatre, that is, theatre that changes the world. Brecht’s theories have been so thoroughly absorbed into contemporary theatre practice that we no longer identify the techniques of Epic Theatre as necessarily political, nor do we acknowledge its radical origins. I have not yet seen a professional production of a Brechtian play but I’ve absorbed on countless occasions the brilliant reinterpretations of Brecht’s theories within the work of contemporary dramatists. My approach to creating political drama is eclectic and irreverent and I’m prepared to beg borrow and steal from the cannon of political theatre and popular media to create a drama that works, a drama that is both entertaining and provocative. Hoods is an adaptation for young audiences of my original play Kingswood Kids (2001). The process of re-purposing Kingwood Kids to Hoods has been a long and complex one. The process has triggered an analysis of my own creative practice and theory, and demanded an in-depth engagement with the theories and practice of key political theatre makers, most notably Brecht and Boal and more contemporary theatre makers such as Churchill, Kane, and Zeal Theatre. The focus of my exegesis is an inquiry into how the dramatist can create a theatre of currency that challenges the dominant culture and provokes critical thinking and political engagement in young audiences. It will particularly examine Brecht’s theory of alienation and argue its continued relevance, exploring how Brechtian techniques can be applied and re-interpreted through an in-depth analysis of my two works for young people, Hoods and Children of the Black Skirt. For the purposes of this short exegesis I have narrowed the inquiry by focusing on four key areas: Transformation, Structure, Pretext, Metatext.
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Capuani, Maria Lucia Damato. "A trilogia de folheto de cordel de Chico de Assis." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-01122010-095450/.
Full textAbstract:
Este estudo pretende levantar as influências contidas na trilogia de Folheto de Cordel de Chico de Assis. Para tanto combinou a pesquisa sobre o folheto de cordel de modo geral com o estudo da formação do Teatro de Arena, do Seminário de Dramaturgia (SEMDA) conduzido pelo então diretor do grupo Augusto Boal, ambos em São Paulo e, a fundação do CPC da UNE no Rio de Janeiro. O autor, além de ter passado por todas essas atividades como integrante ativo, escreveu os três textos durante esses período (1954-1964). Foi também levantado o aproveitamento das propostas contidas no teatro épico de Brecht, utilizadas nos dois primeiros textos da trilogia; O Teatamento do Cangaceiro e As Aventuras de Ripió Lacraia e, por fim o levantamento das características do terceiro texto, a comédia de costumes Farsa com Cangaceiro, truco e Padre (Xandú Quaresma), todos esses elementos criaram um referencial possível para a análise da trilogia, que vai dos nomes dos episódios à função da música no trabalho de entrelaçamento das peças.This survey wishes to raise the influences gained in these sustained cheap literature (Cordel) trilogy. In order to produce, it combined a survey on Brazilian cheap (Cordel) literature in general, with the formation of Teatro de Arena and the Drama seminary (SEMDA) conducted by the director of the group Augusto Boal, in São Paulo. And, studying of the settlement of the CPC- da UNE foundation (Popular Cultural Center of National Students Union) in Rio de Janeiro. The author besides passing through all these actions as an active member, created the three plays during this period (1954-!964). At last, the utilization of the purposes enclosed in Brecht epic theatre, in the first two plays; O Testamento do Cangaceiro and As Aventuras de Ripió Lacraia. Also raised the main characteristics of the third play Farsa com Cangaceiro, truco and Padre, (Xandú Quaresma). All these elements created a possible condition to analyze the trilogy, which goes from the name of the episodes to the music function interlacing the work of the plays.
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Deus, Marcio Aparecido da Silva de. "Análise dos recursos épicos em Angels in America, de Tony Kushner (Part I, \'Millennium Approaches\', e Part II, \'Perestroika\')." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8147/tde-06112014-105506/.
Full textAbstract:
Esta dissertação tem como objetivo exclusivo a análise do uso de recursos formais épicos na estrutura dramatúrgica da peça Angels in America (Part I, Millennium Approaches, e Part II, Perestroika), do dramaturgo norte-americano Tony Kushner [1956- ]. Trata-se, portanto, de uma análise voltada ao texto dramatúrgico das duas partes da peça, e não às suas encenações e à adaptação televisiva. Nesse texto, são tratadas algumas questões históricas, políticas e sociais dos Estados Unidos da América nos anos de 1980, momento esse em que o ex-ator norte-americano Ronald Reagan estava cumprindo seu segundo mandato como presidente estadunidense e uma doença sem precedentes a AIDS abatia principalmente a comunidade gay. Levando em consideração que esse conteúdo, dada a sua natureza histórica, não pode ser representado pela estrutura do drama convencional, e que por sua vez se insere na esfera formal do épico, procuramos evidenciar e problematizar criticamente os recursos épicos usados no arcabouço formal da peça e, por meio dessa análise, definir qual é o tratamento dado ao épico neste trabalho, que é um marco da dramaturgia kushnerianaThis thesis aims at analyzing the use of epic resources in the dramaturgical structure of the play Angels in America (Part I, \"Millennium Approaches\" and Part II, \"Perestroika\"), written by the American playwright Tony Kushner [1956 -]. It is an essentially dramaturgical analysis focused on the text of the two parts of the play, and not on their stage productions or television adaptation. Kushners play deals with historical, political and social issues in the context of the United States in the decade of the 1980s, when Ronald Reagan, formerly an actor, was serving his second term as U.S. president and AIDS, a disease of unprecedented severity, spread and decimated the gay community mainly. Since the historical nature of this type of subject cannot be represented within the structure of conventional drama, and since it is characteristic of the epic sphere, we propose to examine the epic resources used in the formal structure of the play and, in the analysis, discuss Kushners approach to the epic in this play, which is a landmark of his dramaturgy
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Oliveira, Valdeci Batista de Melo. "A catábase épica (?) n\'O Inferno de Bernardo Santareno." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8150/tde-01112007-150250/.
Full textAbstract:
O presente estudo volta-se para a construção estética do drama documental O Inferno (1967) de Bernardo Santareno. Esta peça tem por argumento outra peça, de fato encenada empiricamente nas barras de um tribunal do júri que, em 1966, acusa, julga e condena os réus Ian Brady e Myra Hindley, etiquetados pelas mídias por \"amantes diabólicos\". Ambos foram protagonistas de malfadados sucessos ocorridos na Grã-Bretanha, daquela época. Com zelo cruel, eles assassinaram o adolescente homossexual Edward Evans, de 17 anos, e duas crianças: uma judia Lesley Ann Downey de 10 anos e, outra negra John Kilbride de 12 anos. Que forças teriam, pois, motivado esse fatídico casal inglês a cometer tais atrocidades? Essa pergunta animou a enunciação das mídias inglesas, que exploraram à farta esses episódios no fito de noticiar espetacularmente os fatos empíricos. Assim, na medida em que as histórias sobre as perversidades macabras dos \"nascidos para matar\", Ian Brady e Myra Hindley, eram divulgadas, acendia-se a comoção e o clamor da opinião pública, que recobriu essas figuras com a película da monstruosidade. Esse processo de patemização ajudou a tingir os fatos empíricos com a coloração ideológica, que deles abstraiu o caráter histórico-social e circunstancial do fenômeno. Será, portanto, navegando a contrapelo da patemização midiática e, ao mesmo tempo, incorporando-o de forma paródica que Santareno reconstruirá, em O Inferno, o julgamento dos ilustres amantes Moors Murderers. Dessa maneira, um dos interesses deste estudo é compreender as relações estabelecidas entre o fato empírico e o processo de modelização semiótica por ele sofrido ao ser apropriado pelas mídias. Outro elemento a permitir a interpretação dessa apropriação - forte influenciadora da transformação do casal de amantes em mito na sociedade unidimensional - é a (re)contextualização crítica do mito de Orfeu e Eurídice, de modo que se buscará analisar essa (re)contextualização a partir da leitura dos MoorsMurderers em chave mítica, bem como a persistência desse topos literário na tradição artística ocidental. Por último, pretende-se estudar a construção estética da peça e suas raízes em determinadas convenções estéticas e coordenadas históricas, somadas ao seu cariz metateatral, considerando que os trabalhos do tribunal do júri são reconfigurados, em O Inferno, como uma encenação forense de um drama positivista/naturalista, que enreda e contém outras formas dramáticas, literárias e sociais. As chaves teóricas mestras para a realização deste trabalho são as teorias da linguagem (lingüístico-literária) do Círculo de Mikhail Bakhtin, especialmente no que concerne às concepções dialógica e social da linguagem, associadas aos conceitos de dialogismo, modelização semiótica, polifonia e carnavalização. Acrescenta-se, também, a esse escopo teórico alguns dos postulados teóricos de Theodor Adorno e Horkheimer, de Guy Debord e de outros que discutem a onipresença e o papel das mídias na sociedade unidimensional, assim como os postulados teóricos de Peter Szondi a respeito do drama como forma teatral.This research has set out to investigate the aesthetic construction of the documental drama O Inferno (1967), by Bernardo Santareno. The plot of this play is based on another play that has in fact been empirically staged in the bars of a jury court, which, in 1966, accuses, judges and condemns the defendants Ian Brady and Myra Hindley, labeled by the media as the \"diabolic lovers\". Both of them were the protagonists of unlucky happenings occurred in the Great Britain of that time. With cruel care, they murdered Edward Evans, a 17-year-old homosexual adolescent, and two children: one black, Lesley Ann Downey, 10 years old, and the other Jewish, John Kilbride, 12 years old. What forces would have, then, motivated this fatidic English couple to commit such atrocities? This question enlivened the English media headlines that intensely explored these episodes; with the purpose of spectacularly inform the empirical facts. Thus, as the stories about the macabre perversity of the \"born to kill\", Ian Brady and Myra Hindley were spread, people were filled with commotion and the clamour of the public\'s opinion re-covered these characters with a pellicle of monstrosity. This pathos-driven process helped to dye the empirical facts with the ideological colours that abstracted the historical-social and circumstantial characters of the phenomenon. It will be, therefore, by sailing against the pathos-driven media, and, at the same time by incorporating it in a parodic manner that Santareno shall reconstruct, in O Inferno, the judgment of the illustrious lovers Moors Murderers. In this way, one of the interests of this study is to understand the established relationships between the empirical fact and the semiotic modelization process suffered by such fact when appropriated by the media. Another element to permit the interpretation of such appropriation -strong influencer of the lovers transformation into a myth in the one-dimensional society - is the critical (re)contextualization of the myth of Orpheus and Euridice. Thus, it will be attempted to analyse such (re)contextualization from the mythical key reading of Moors Murderers, as well as the persistence of such literary topos within the artistic western tradition. Finally, it is intended to investigate the aesthetic construction of the play and its roots in specific aesthetic conventions and historical co-ordinations, added to its metatheatre complexion, considering that the work of the Jury Court is reconfigured in O Inferno as a forensic acting of a positivist/naturalist drama that elaborates and contains other dramatic, literary and social forms. The theoretical master keys for the accomplishment of this work are the language theories (linguistic-literary) from the Mikhail Bakhtin?s Circle, specially in respect to the dialogic and social concepts of language, associated to the concepts of dialogism, semiotic modelization, polyphony and carnivalization. It is added to this theoretical skopos some of the theoretical postulations of Theodor Adorno and Horkheimer, Guy Debord and of others who discuss the omnipresence and the role of media in the one-dimensional society, as well as the theoretical postulations of Peter Szondi in respect to drama as a theatrical genre.
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Barreto, Luciana Moura. "Brecht e o cinema: uma análise metodológica em contexto fílmico." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2017. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/20222.
Full textAbstract:
Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-07-11T12:46:41Z
No. of bitstreams: 1
Luciana Moura Barreto.pdf: 2966425 bytes, checksum: 0b98d971d7f505cb9ce14840bb743e73 (MD5)Made available in DSpace on 2017-07-11T12:46:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Moura Barreto.pdf: 2966425 bytes, checksum: 0b98d971d7f505cb9ce14840bb743e73 (MD5) Previous issue date: 2017-06-26
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The main purpose of this study is to analyse the different method executions from Brecht in the cinema. This concerns more particularly on finding the strangeness effect, as proposed in Brechtian epic theatre, in the context of the following group of cinematographic achievements scripted by the playwright himself: Zeitprobleme:wie der Arbeiter wohnt (1930; How the berliner worker lives), by Slatan Dudow, Kuhle Wampe oder: Wem gehort die Welt? (1932; Kuhle Wampe or Who owns the worls?) by Slatan Dudow and Hagmen also die! (1943) by Fritz Lang. The theoretical references are from Brechtian doctrinaire along his main enshrined studies, for instance, those studies proposed by playwrights like Fredreric Ewen, Walter Benjamin, Frederic Jameson and, in Brazil, Gerd Bornheim and Fernando Peixoto. In addition to this first theoretical position about theory of cinema and works of filmic analysis, such as Eisenstein, Robert Stam, Jacques Aumont, Laurente Jullier, Michel Marie, Michèle Lagny and, in Brazil, Ismail Xavier. It will be considered theatrical elements which are part of the studied filmography as well as text, music, players acting, scenario, clothing, camera angle and installation, trying to highlight the existence of Brechtian methodology in these film productions
Esta pesquisa tem como principal objetivo analisar as diferentes execuções do método de Brecht no cinema. Trata-se mais especificamente de reencontrar o efeito do estranhamento, tal como foi proposto no teatro épico brechtiano, no âmbito do seguinte conjunto de realizações cinematográficas roteirizadas pelo próprio dramaturgo: Zeitprobleme:wie der Arbeiter wohnt (1930; Como vive o trabalhador berlinense), de Slatan Dudow, Kuhle Wampe oder: Wem gehort die Welt? (1932; Kuhle Wampe ou A quem pertence o mundo?) de Slatan Dudow e Hagmen also die! (1943; Os carrascos também morrem!) de Fritz Lang. Os referenciais teóricos contemplados vão dos textos doutrinários brechtianos aos principais estudos que lhes foram consagrados, a exemplo daqueles propostos por autores como Fredreric Ewen, Walter Benjamin, Frederic Jameson e, no Brasil, Gerd Bornheim e Fernando Peixoto. Acrescentam-se a esta primeira frente teórica trabalhos sobre teoria do cinema e obras de análise fílmica, a exemplo daqueles propostos por Eisenstein, Robert Stam, Jacques Aumont, Laurente Jullier, Michel Marie, Michèle Lagny e, no Brasil, Ismail Xavier. Serão analisados elementos cênicos que compõem a filmografia pesquisada, a saber: texto, música, atuação dos atores, cenário, indumentária, ângulo de câmera e montagem, que tentem evidenciar a existência do método brechtiano nessas produções cinematográficas
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Diaz, Sylvain. "Poétiques de la crise dans les dramaturgies européennes des XXe et XXIe siècles." Thesis, Lyon 2, 2009. http://www.theses.fr/2009LYO20070.
Full textAbstract:
Notion dramaturgique majeure au vu de la récurrence de son emploi dans les traités d’esthétique, la crise souffre toutefois d’un déficit théorique : ignorée par Aristote dans La Poétique, par Corneille dans ses Discours sur la tragédie ou encore par Hegel dans son Cours d’esthétique, la crise est une notion encore à construire. C’est à partir du XIXe siècle qu’est développée une interprétation de la tragédie classique comme crise : il s’agit alors de penser en quoi la représentation de dérèglements tant intimes que politiques participe d’une remise en cause de la conception classique du monde fondée sur un principe d’ordre et d’harmonie. Résolument, la crise se donne à penser, à partir de la tragédie classique, comme mise en crise. Une telle conception se trouve toutefois contestée dans le drame bourgeois qui conçoit la crise comme état de crise : dans le prolongement de l’esthétique du tableau que développe Diderot, il s’agit en effet de dépeindre sur scène des situations critiques qui ne menacent en aucun cas la conception bourgeoise du monde.C’est dans une hésitation face à ces deux définitions concurrentes de la crise que trouvent à s’inventer, aux XXe et XXIe siècles, des poétiques de la mise en crise et des poétiques de l’état de crise qui prétendent expliquer le monde ou simplement l’explorer, l’élucider ou simplement l’étudier. Pour Bertolt Brecht, Peter Weiss ou encore Edward Bond qui ont une approche processuelle de la crise, il s’agit en effet de susciter chez le spectateur un ébranlement qui lui permettra d’envisager à nouveaux frais la réalité et de déterminer comment agir pour pouvoir la transformer. À l’inverse, pour Ödön von Horváth, Michel Vinaver ou encore Martin Crimp qui ont une approche contextuelle de la crise, il s’agit d’inventer une situation à partir de laquelle il devient possible d’explorer de manière inédite la relation de l’homme à lui-même, aux autres et au monde, d’explorer la « condition de l’homme moderne », pour reprendre la formule d’Hannah Arendt. Dès lors, l’étude de ces poétiques de la mise en crise et de l’état de crise se révèle déterminante en ceci qu’elles sont fondatrices de deux traditions dramatiques qui structurent intégralement l’histoire du théâtre occidental : celles du théâtre critique et du théâtre cliniqueThe dramaturgic notion of crisis recurrently appears in aesthetic treatises, which attests its importance in the frame of theatre theory. Nevertheless, a definition of this notion is still missing : crisis is not even mentionned in Aristotle's Poetics, in the Discourses on tragedy by Corneille, or in Hegel's Lectures on Aesthetics. Theatrical crisis therefore needs to be thoroughly examined and defined. From the 19th century, French neoclassical tragedy has been read as a theatre of crisis : attention was then drawn to the way the disorders depicted on stage – on intimate as well as political level – put into question a classical conception of a world based on order and harmony. From this startpoint, theoricians resolutely use the notion of crisis to think this undermining questioning of the world. However, this definition of crisis is not relevant to the 18th century drame bourgeois, in which crisis is only used as a dramatic plot device : in line with the tableau in his Aesthetics, Diderot calls for a theatre of critical situations, which do not however threaten a bourgeois conception of the world. The gap between these two definitions of theatrical crisis has left a space for invention in the 20th and 21th centuries : dramatists have used crisis in various ways to explain the world, or simply explore it, to decifer it, or simply reflect upon it. Bertold Brecht, Peter Weiss and Edward Bond have shaped crisis as a process of involvement of the audience : they aim to shake spectators to make them consider real life with new eyes, and to ask themselves how they can transform it. On the opposite, Ödön von Horvath, Michel Vinaver and Martin Crimp have used crisis as a contextual device : they invent a situation which allows them to explore in a totally new way how man behaves towards himself, towards the others, and towards the world, that is, to explore the modern « Human Condition » according to the words of Hannah Arendt. The study of these two different poetics of crisis is therefore decisive, inasmuch as they have given birth to two different dramatic traditions which structure the whole history of Western theatre : on the one hand, the critical theatre, on the other, the clinical theatre
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Almlöf, Linnea, and Matilda Jalonen. "En episk kombo av teater och spel : Underhållning och immersion i spel utformade efter episka teaterprinciper." Thesis, Högskolan i Skövde, Institutionen för informationsteknologi, 2019. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:his:diva-17083.
Full textAbstract:
Vissa forskare påstår att det finns ett samband mellan underhållning och immersion. Den episka teatern ville att publiken skulle uppleva reflektion och underhållning men samtidigt vara distanserade från pjäsen. Studien ämnar utifrån detta undersöka hur underhållande och immersivt ett spel utformat efter episka teaterprinciper upplevs. Respondenterna fick efter att de spelat ett sådant spel antingen besvara en enkät eller delta i en intervju gällande sin upplevelse. De upplevde i genomsnitt hög eller medelhög immersion och underhållning. Stora variationer mellan individerna fanns dock. Intresset för temat eller liknande spel verkar ha påverkat respondenternas upplevelse. Immersion och underhållning delar flertalet komponenter vilket verkar göra dem svåra att avgränsa i praktiken. I framtiden finns ett värde att forska vidare inom området för att förstå immersion, underhållning och reflektion och hur dessa påverkar varandra bättre eftersom det kan bidra både till mer samhällskritiskt tänkande samt kunskap bland befolkningen.Some scientists claim that there's a connection between entertainment and immersion. The epic theatre wanted to distance the audience but at the same time encourage them to reflect and be entertained. The study intended to examine how entertaining and immersive the participants experienced a game designed after epic theatre principles. After playing such a game, the participants either answered a questionnaire or took part in an interview. In general, they experienced high or mid-high immersion and entertainment. However, there were large differences between different individuals. The experience might have been affected by an interest in the theme or similar games. Immersion and entertainment share some components that seem to make the concepts difficult to separate in practice. There's a value in further research to understand immersion, entertainment and reflection better, and also how these affect each other. This might lead to more critical thinking and knowledge amongst the population.
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Rinaldi, Camila Ladeira Scudeler. "Um olhar sobre a criação atoral e a relação com o espectador - os filhos da Dita." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27155/tde-26052014-143431/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa debruça-se no meu processo de criação atoral no espetáculo Os filhos da Dita, do Núcleo Arlequins da Cooperativa Paulista de Teatro, tendo como base teórico/prática principal o treinamento psicofísico proposto pelo encenador-pedagogo Vsévolod Meyerhold, buscando sublinhar as demandas e possibilidades de uma postura política consequente em cena. A partir das relações estabelecidas desde a escolha do tema, o desenvolvimento da dramaturgia e posterior criação cênica propriamente dita, busco descrever os estímulos e motivações que me conduziram na criação cênica em diálogo com a estética desenvolvida pela companhia há 25 anos, e o posterior contato estabelecido com o espectador.This research lies on my acting creative process in the play called Os filhos da Dita, of Arlequins (Theatre group that belongs to the Cooperativa Paulista de Teatro), having as main theoretical/practical basis the psycho physical training proposed by pedagogue-director Vsévolod Meyerhold, aiming at underling the demands and possibilities of a consequent political posture on stage. Based on the relationships established with various artists involved in a creative process from choosing the play theme, dramaturgy development and following scenic creation, I describe the stimulus and motives that led me in the scenic creation. The procedures are developed in open dialogue with the esthetics held by the group in the last 25 years, and subsequent contact established with the audience.
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Gutierrez, Maria Alzuguir. "O dragão e o leão: elementos da estética brechtiana na obra de Glauber Rocha." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-14102009-173413/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa teve por objetivo verificar, nos filmes e na obra escrita de Glauber Rocha, a presença de elementos da estética de Bertolt Brecht. Foram selecionadas seqüências de O dragão da maldade contra o santo guerreiro e de Der leone have sept cabezas para análises mais detidas, passando-se em seguida a uma observação mais geral dos procedimentos e conceitos brechtianos na obra de Glauber Rocha. A análise dos filmes levou ao encontro da história do Brasil, da América Latina em sua relação com a África, da guerrilha, do pensamento político e da figura mítica de Che Guevara. A observação de recursos do teatro épico em uma obra cinematográfica gerou a apreciação das especificidades do cinema na busca por uma participação reflexiva e crítica do espectador, e o aprofundamento na compreensão da relação entre cinema e teatro.This research is an attempt at finding, in the films and written work of Glauber Rocha, elements of Bertolt Brecht`s aesthetics. Scenes from O dragão da maldade contra o santo guerreiro and Der leone have sept cabezas were selected for deeper analysis, then moving on to a broader observation of brechtian concepts and procedures in Glauber Rocha`s work. The film analyses have led to the study of Brazillian history, Latin American history and their ties with Africa, with gerrilla warfare tactics and the mythical character of Che Guevara, whose political thoughts are also looked into in this study. By observing epic theatre techniques at work in a film, we could better appreciate cinema`s specific traits employed in its search for the reflexive and critical participation of its viewer, leading to a deeper understanding of the relationship between cinema and theatre.
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Frin, Luiz Eduardo [UNESP]. "Épica, em perspectiva, miscigenada e malandra: mergulhos em processos criativos da Cia. Livre e da Cia. Teatro Balagan trazem à tona forma de produção do sujeito teatro de grupo paulistano." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2017. http://hdl.handle.net/11449/150995.
Full textAbstract:
Submitted by LUIZ EDUARDO FRIN null (edufrin@uol.com.br) on 2017-06-27T15:27:25Z
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Tese de Doutorado Final Entregue para Depósito 26-06-2016 versão digital.pdf: 5809065 bytes, checksum: 4ae7dc71f7677f12c7e2960c62328664 (MD5)Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-06-28T19:51:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 frin_le_dr_ia.pdf: 5809065 bytes, checksum: 4ae7dc71f7677f12c7e2960c62328664 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-06-28T19:51:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 frin_le_dr_ia.pdf: 5809065 bytes, checksum: 4ae7dc71f7677f12c7e2960c62328664 (MD5) Previous issue date: 2017-05-02
Este trabalho consolida-se na observação, em procedimento que se aproxima da pesquisa participativa, dos processos de criação dos espetáculos Maria que virou Jonas ou a força da imaginação (2015), da Cia. Livre, e Cabras – Cabeças que voam, cabeças que rolam (2016), da Cia. Teatro Balagan. Apesar de as Companhias paulistanas em epígrafe apresentarem práxis com características próprias, verificou-se um conjunto de proposições e procedimentos comuns na criação de espetáculos e, também, em uma série de atividades correlatas, como a publicação de material reflexivo, a realização de debates, palestras e cursos. A partir de tal verificação, propõe-se a existência, na cidade de São Paulo, nesta segunda década do século XXI, de forma de produção determinada historicamente. Isto é, a mobilização e a criação de um conjunto de parâmetros práxicos que está na base de realização teatral de caráter eminentemente épico, premida por pressupostos colaborativos de criação. Forma que, também, prevê a hierarquização horizontal nas relações em companhias e grupos teatrais. Tal conjunto de parâmetros constitui-se em orientação metodológica para uma significativa parcela da produção teatral na cidade, atinente ao sujeito histórico teatro de grupo. Coligindo determinada bibliografia e observação práxica, indica-se ponto de inflexão originário de tal forma de produção: os meados de 1970, em contexto da luta contra a ditadura civil-militar então vigente no Brasil. Coletivos teatrais surgidos à época, em comunhão com outros já em existência, ao priorizarem pressupostos colaborativos de criação e hierarquização horizontal, inseriram-se em amplo escopo de transformações na sociedade brasileira no período e, assim, redimensionaram a perspectiva social da produção teatral. Para se analisar os meandros de tal forma de produção, são utilizados preceitos de Fayga Ostrower (2013), principalmente no que diz respeito à associação direta entre criação e formalização. As teses de Ostrower são apresentadas em cotejamento, principalmente, às de Mikhail Bakhtin (1987, 2010) acerca de certa onipresença de elementos histórico-sociais em qualquer processo criativo. No sentido de observar e refletir dialeticamente sobre práticas teatrais (objetos e sujeitos desta pesquisa), apropria-se então de determinadas proposições. Teses, prioritariamente, de Eduardo Viveiros de Castro (2002), Darcy Ribeiro (2015), Antonio Candido (1970) e Roberto DaMatta (1997), que são consideradas para associar certas idiossincrasias, da referida forma, com alguns preceitos de sociedades ameríndias e, outros, fundantes do nomeado povo brasileiro. Destacando-se: o perspectivismo, a valorização da alteridade, a miscigenação e a malandragem.
This piece of work is consolidated through the observation, in a procedure close to participatory research, of the procedures adopted by the theatre groups Cia. Livre and Cia. Teatro Balagan, to create the plays Maria que viu Jonas, ou a força da imaginação (2015) and Cabras - Cabeças que voam, cabeças que rolam (2016). Despite of having their own praxis and owning specific characteristics, both São Paulo theatre groups mentioned above presented an ensemble of same propositions and procedures not only to create a performance, but also to organize other activities related to the plays, such as publicising reflective material, the organization of debates, lectures and courses. Once verified the characteristics previously mentioned, it is proposed the existence of the historically determined form of production in the city of São Paulo during the second decade of the XXI century. This means the mobilization and the creation of an ensemble of praxis parameters which are the basis to create epical theatrical performances urged by assumed collaborative creation. This approach to a theatrical production also previews the horizontal hierarchy in theatre groups relationships. These parameters determine a methodological guidance to a significant part of the theatrical production in town, concerning the historical entity: theatre group. Collecting specific bibliography and observation under adopted praxis, we determine the point of inflection originated from this form of production: the early 1970’s, under the scenario of civil-military dictatorship in force in Brazil. Theatrical collectives that emerged at the time, in communion with others that already existed, prioritizing collaborative creation presuppositions and horizontal hierarchization, became part of a broad scope of transformations in Brazilian society in the period and, thus, re-dimensioned the social perspective of theatrical production. In order to analyse the intricacies of this production method, Fayga Ostrower (2013) precepts are applied, mainly in what concerns the direct association between creation and formalization. Ostrower’s theses are presented in comparison to Mikhail Bakhtin’s (1987, 2010) about the omnipresence of basic historical-social elements in any creative process. In order to dialectically observe and portray the theatrical procedures (objects and subjects of this research), we take over some propositions. Theses, mainly by Eduardo Viveiros de Castro (2002), Darcy Ribeiro (2015), Antonio Candido (1970), and Roberto DaMatta (1997) are considered to associate some idiosyncrasies, according to the referred format, with some precepts of Amerindian societies, and others, roots of Brazilian people. Enphasizing: the perspectivism, the appreciation of contrast, the miscegenation and the malice.
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Johan, Virginie. "Du je au jeu de l’acteur : ethnoscénologie du Kutiyattam, théâtre épique indien." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030049.
Full textAbstract:
Le Kutiyattam du Kerala est un théâtre épique qui entremêle drame et récit et dont le jeu d’acteur, central, se caractérise par une constante distanciation. Cette hypothèse d’ordre esthétique – l’« épique » renvoie à Brecht – est démontrée dans une approche pluridisciplinaire, ethnoscénologique. Tout commence par une « première scène » et un enfant jouant un rôle d’Acteur, puis devenant acteur-conteur. Fil conducteur de la thèse, cette cérémonie contient « tout », tous les fondements et les ingrédients de l’esthétique épique, ensuite explicités par l’exemple du Ramayana, l’épopée que le Kutiyattam porte en scène, entre autres œuvres anciennes en sanskrit. Le Livre I traite des « compétences », et tout d’abord du je des concepteurs et maîtres du Kutiyattam, les Cakyar (première partie). Après cette ethnographie, il s’attache aux apprentissages sous-tendant la formation du corps-acteur, véritable enjeu en soi par son extrême codification (deuxième partie). Le Livre II, dédié aux « performances », étudie les textes en jeu (troisième partie) dans les cinq cycles performatifs ramaïques représentés dans les temples : cinq actes dramatiques en sanskrit et les longs récits en malayalam qui s’y enchâssent, consignés dans les manuels scéniques des praticiens. Ces textes forment un répertoire unifié présentant des structures d’emboîtements multiples où se combinent des principes d’arrêt du temps, de changement de perspective et de retour en arrière générateurs de distanciation. Le jeu scénique (quatrième partie) exalte cette dramaturgie : performeur aux multiples fonctions – personnage, conteur, danseur et surtout régisseur –, l’acteur jongle en maître avec ces principes lorsqu’il entre dans la « substitution », jeu de rôles aux saisissants effets de simultanéité. Les annexes (vol. 3) contiennent des analyses complémentaires (annexes I) et les textes (annexes II) et supports audiovisuels (3 DVD-DL avec livrets) nécessaires à l’étude des performances. La forme de la thèse et le montage des films reflètent la dramaturgie étudiée en procédant à des arrêts et à des extensions du temps. Note : Les titres, résumés et mots clés figurant sur version originale de la thèse portent une accentuation qui, pour des raisons techniques, n’a pas pu être reproduite iciKutiyattam of Kerala is an epic theatre that interweaves drama and narrative, characterized by an acting technique wherein the performance of the central actor makes constant recourse to a distancing effect. This hypothesis – esthetic in nature while "epic" refers to Brecht – is demonstrated through a multidisciplinary, ethnoscenogical approach. Everything begins with a so-called "first performance" in which a child plays at being an Actor-character, and then becomes a storyteller. This ceremonial, which serves as a common thread throughout our study, contains "everything", i.e. all of the foundations and ingredients of the epic esthetic, which we go on to explain using the example of the Ramayana – one of the numerous ancient Sanskrit texts that Kutiyattam brings to the stage. Book I first proposes an ethnography of the Cakyar-masters of Kutiyattam (first part), emphasizing their unique skills. It then analyses the training that underpin the codification of the actor’s body, demonstrating the challenge of being an actor in itself, before even assuming a character/persona (second part). Book II is dedicated to the performances. It begins by examining the texts (third part) of the five Ramayana cycles that are performed in the temples: five acts in Sanskrit into which are interwoven narratives in Malayalam, written in performers’ acting manuals. Taken together, these texts form a unified repertoire characterised by iterative embedded structures that interlock the principles of stop-in-time, change in point of view and flash-back. The acting (fourth part) enhances this dramaturgy. The performer who has multiple functions – character, storyteller, dancer, and director – juggles these principles, especially when he enters into the "substitution" process, a role-play that engenders striking effects of simultaneity. The annexes (Book III) contain the additional analyses (annex I) and the texts (annex II) and audiovisual materials (3 DVD-DLs with booklets) related to the performances. The thesis itself, including the montage of the films, is structured in such a way that it reflects the dramaturgy of Kutiyattam, and notably its use of stop-in-time. Note : Titles, summaries and keywords appearing in the dissertation contain accents, which, because of technical reasons, could not be reproduced here
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Lelanuja, Orada. "Savitri - From Epic Poem to Stage Plays: Translation and Adaptation, Translation Issues, and the Passage From India." Connect to this document online, 2005. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc%5Fnum=miami1123094121.
Full textAbstract:
Thesis (M.A.)--Miami University, Dept. of Theatre, 2005.Title from first page of PDF document. Document formatted into pages; contains [1], ii, 129 p. : ill. Includes bibliographical references (p. 127-129).
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Regele, Hildegard C. "Kunstkrankheiten und Heilkünste : kathartische Dynamiken durch Samuel Hahnemanns Homöopathie und Bertolt Brechts episches Theater = [Art(ificial) illnesses and healing arts : cathartic dynamics through Samuel Hahnemann's homeopathy and Bertolt Brecth's epic theater] /." view abstract or download file of text, 2005. http://wwwlib.umi.com/cr/uoregon/fullcit?p3190541.
Full textAbstract:
Thesis (Ph. D.)--University of Oregon, 2005.Typescript. Includes vita and abstract. Includes bibliographical references (leaves 518-539). Also available for download via the World Wide Web; free to University of Oregon users.
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Menezes, Manoela Paiva [UNESP]. "A contradição entre drama burguês e teatro épico na obra de Oduvaldo Vianna Filho." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2017. http://hdl.handle.net/11449/151991.
Full textAbstract:
Submitted by Manoela Paiva Menezes (manoelamenezes@hotmail.com) on 2017-10-23T21:13:52Z
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A CONTRADIÇÃO ENTRE DRAMA BURGUÊS E TEATRO ÉPICO NA OBRA DE ODUVALDO VIANNA FILHO - MANOELA PAIVA MENEZES.pdf: 929402 bytes, checksum: 4f6e8af7623bd6ae33f5ea5530b9cab0 (MD5)Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-10-26T17:08:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 menezes_mp_me_mar.pdf: 929402 bytes, checksum: 4f6e8af7623bd6ae33f5ea5530b9cab0 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Nesta pesquisa analisaremos as seguintes peças do dramaturgo brasileiro Oduvaldo Vianna Filho: A Mais-Valia Vai Acabar, Seu Edgar (1960), O Auto dos 99% (1962), Brasil Versão Brasileira (1962) e Quatro Quadras de Terra (1963). Nossa hipótese é que encontraremos, por um lado, alternativas ao drama e, por outro, resquícios de aspectos formais do drama burguês. O objetivo desta pesquisa é explicitar, ao analisar os elementos formais das peças, como e por que se distanciam do gênero dramático e se aproximam do épico, para então, investigar seus motivos.
This research aims to analyze the following plays by brazilian dramatist, Oduvaldo Vianna Filho: A Mais-Valia Vai Acabar, Seu Edgar (1960), O Auto dos 99% (1962), Brasil Versão Brasileira (1962) and Quatro Quadras de Terra (1963). Our proposition is that, on the one hand, we will find alternatives to the dramatic form and, on the other, remaining formal aspects of the bourgeois drama. Our goal is to make explicit, by analyzing the formal elements of the plays, how and why these elements take distance from the dramatic literary genre and approach the epic one, so that their reasons can be investigated.
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Ceccato, Maria. "Teatro vocacional e a apropriação da atitude épica/dialética." Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27155/tde-20052009-134418/.
Full textAbstract:
Este trabalho registra criticamente a experiência de implantação e coordenação do Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo, entre os anos de 2001 e 2004. Para tanto, analisa alguns princípios de ação, abordando pressupostos teóricos e práticos. Orienta esta análise a avaliação dos fatores envolvidos na efetivação da proposta artístico-pedagógica do Projeto, principalmente no que concerne ao processo de apropriação pelos artistas vocacionados dos meios de produção estética - através da articulação do discurso cênico-, a partir de uma pedagogia emancipatória e visando a ocupação do espaço público. Nossa principal suposição é de que estes objetivos podem ser alcançados através do entendimento de uma atitude épica/dialética em relação à matéria cênica.This paper critically records the experiment of implanting and coordinating the Projeto Teatro Vocacional do Departamento de Teatro da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo from 2001 to 2004. For that, it analyses action principles approaching theoretical and practical assumptions. This analysis is guided by the assessment of factors involved in the effectiveness of the projects artistic and pedagogical proposal, mainly in that it regards the process to be held by the called artists in the aesthetic production field through the articulation of a scenic speech from an emancipating pedagogy and aiming the occupation of the public space. It is strongly believed that these goals can be achieved through the understanding of an epic and dialectic attitude concerning the scenic topic.
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Gonçalves, Natália Kneipp Ribeiro [UNESP]. "A “didática” nas peças didáticas de Bertolt Brecht: ensino em cena." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2016. http://hdl.handle.net/11449/138286.
Full textAbstract:
Submitted by NATALIA KNEIPP RIBEIRO GONÇALVES null (nataliakneipp@yahoo.com.br) on 2016-05-09T18:42:33Z
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TESE_NATALIA_final_rev_repositorio.pdf: 2362286 bytes, checksum: a857cd8026881e08ef411c76c41566ac (MD5)Approved for entry into archive by Felipe Augusto Arakaki (arakaki@reitoria.unesp.br) on 2016-05-10T17:10:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 concalves_nkr_dr_arafcl.pdf: 2362286 bytes, checksum: a857cd8026881e08ef411c76c41566ac (MD5)
Made available in DSpace on 2016-05-10T17:10:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 concalves_nkr_dr_arafcl.pdf: 2362286 bytes, checksum: a857cd8026881e08ef411c76c41566ac (MD5) Previous issue date: 2016-03-09
Pró-Reitoria de Pós-Graduação (PROPG UNESP)
O presente trabalho caracteriza-se como pesquisa bibliográfica e tem como objetivo a compreensão da didática a partir do estudo das peças didáticas de Bertolt Brecht (1898-1956), as quais são uma tipologia do teatro épico brechtiano e compreendem as seguintes obras: “O voo sobre o oceano” (escrita em 1928/1929); “A peça didática de Baden-Baden sobre o acordo” (escrita em 1929); “Aquele que diz sim”/“Aquele que diz não” (encenadas sempre em conjunto, escritas em 1929/1930); “A decisão” (escrita em 1929/1930); “A exceção e a regra” (escrita em 1929/1930) e “Os Horácios e os Curiácios” (escrita em 1934); além dos fragmentos “O malvado Baal, O Associal” e “Decadência do egoísta Johann Fatzer”. A didática é a categoria central deste trabalho, o universo são as peças didáticas de Bertolt Brecht e o método de análise é o materialismo histórico e dialético. Pretendemos contribuir com a discussão dos processos pedagógicos, sobretudo no que se refere à práxis pedagógica escolar e, para tanto, os caminhos trilhados em nossa pesquisa partiram da análise do conceito de didática presente na obra “Didática Magna”, de Comênio (1592-1670), que é um marco referencial da Pedagogia Moderna, e se dirigiram ao estudo da didática nas peças didáticas brechtianas. Compomos um panorama sobre as condições sócio-históricas do teatro europeu, em fins do século XIX e início do século XX; enfatizamos as aproximações e distanciamentos do expressionismo e do teatro político de Erwin Piscator (1893-1966) em relação ao desenvolvimento do teatro épico brechtiano; discutimos o elemento didático presente em peças anteriores às didáticas; e, por fim, analisamos as peças didáticas e seus fundamentos. Assim, consideramos que a didática compreendida a partir das peças didáticas propicia que o ensino seja posto em cena e aponta possibilidades ao diálogo entre o teatro e a educação escolar na perspectiva da práxis.
This work is characterized as bibliographic search and has aimed to understand the teaching from the study of learning plays of Bertolt Brecht (1898-1956) which are a type of Brechtian epic theater and consist the following works: “The Ocean Flight” (written in 1928/1929); “The learning play of The Baden-Baden Lesson on Consent” (written in 1929); “He Who Says Yes”/ “He Who Says No” (always together staged, written in 1929/1930); “The Decision” (written in 1929/1930); “The Exception and the rule” (written in 1929/1930) and “The Horations and the Curiatians” (written in 1934); beyond the fragments “Bad Baal, the Antisocial Man” e “ Demise of the Egotist Johann Fatzer”. The teaching is the central category of this work, the universe are the learning plays of Bertolt Brecht and the method of analysis is the historical and dialectical materialism. We intend to contribute to the discussion of pedagogical processes, particularly with regard to school pedagogical praxis and, therefore, the paths in our research set out the teaching this concept analysis in the work “Magna Didactics”, of Comênio (1592-1670), wich is a reference point of the Modern Education, and headed to the study of teaching in Brechtian learning plays. We compose an overview of the socio-historical conditions of european theater, in the late nineteenth century and early twentieth century; we emphasize the similarities and differences of expressionism and political theater of Erwin Piscator (1893-1966) for the development of Brechtian epic theater; we discuss this didactic element in previous parts to learning; and finally, we analyze the learning plays and its fundamentals. Like this, we consider that the didactic understood from the learning plays provides that education be put into play and points out possibilities for dialogue between theater and education from the perspective of praxis.
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Matos, Ivan Delmanto Franklin de. "O Labirinto Miopia: o espetáculo teatral como planetário em ruínas." Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-30032012-134914/.
Full textAbstract:
Esta dissertação, que tem como objeto o processo de criação do espetáculo teatral Miopia, investiga as tensas relações entre forma teatral, abordada em suas diversas e contraditórias dramaturgias, e o tecido histórico. Procuramos reler tal experiência estética questionando se é possível enxergar nas cicatrizes, limitações e contradições do espetáculo teatral e do seu processo de criação índices da realidade histórica, caracterizada pelo estágio tardio do sistema capitalista de produção. Para conceituar esta experiência artística, que representou algumas possibilidades de suspensão dialética (sacrifício, aniquilamento, conservação e superação) dos pressupostos do teatro épico sistematizados por Bertolt Brecht, criamos o conceito de labirinto. Utilizamos este conceito porque categorizações geralmente utilizadas na descrição do teatro contemporâneo, como a de teatro pós-dramático, também não se ajustavam ao objeto, já que este levantava questões ligadas à tentativa de configurar características próprias da formação social brasileira. Esta forma do labirinto é caracterizada em Miopia por uma utilização sistemática da alegoria de difícil decifração, entendida aqui em sua aproximação da ruína, do enigma e da incompletude. Apresentada em uma Usina de Compostagem de Lixo, a peça teve sua encenação construída por meio de detritos de formas e procedimentos teatrais tradicionais e a partir do lixo, expondo na própria cena o inacabamento de seu processo de criação. O fracasso das intenções iniciais presentes neste processo pôde ser revelado nesta dissertação como possibilidade de construção de sentido, em que a crise de compreensão em Miopia inseriu o público como criador e consumador do espetáculo teatral, dissolvendo o conceito de obra artística e substituindo-o pela ideia de um ensaio em perpétuo devir.In this dissertation our object of study is the creative process of the theater performance Miopia. It investigates the tense relations between the theatrical forms, approached by its diverse and contradictory dramatic structures, and the historical weaving. We aim to review this aesthetical experience by questioning the possibility of finding indexes of the historical reality, characterized by the late capitalist production system, as we look into the scars, limitations and contradictions of the theater performance and its creative process. In order to conceptualize this artistic experience, that has presented some possibilities of \"dialectical suspension\" (sacrifice, annihilation, conservation and overcoming) from the Bertolt Brecht\'s epic theater presuppositions, we have come up with the concept of \"labyrinth\". We stick to this concept because the categorizations that are currently used to describe contemporary theater, as the \"postdramatic\" one, cannot fit in our object of study, as it has brought up questions that are connected to the attempt of configuring specific characteristics of the Brazilian social development. The labyrinth set-up is characterized in Miopia by a systematic use of the allegory of the hard deciphering, here understood by approaching the ideas of ruin, enigma and incompleteness. The performance took place in a Garbage Composting Plant, and the staging was set up from the debris of traditional theatrical forms and procedures and from garbage, exposing on stage the undone characteristic of its own creative process. The failure of the initial intentions of the process could be analyzed in this dissertation as a possibility of constructing meaning, in which the crises of understanding Miopia has brought the audience to the role of creator and consummator of the theatrical performance, dissolving the concept of \"work of art\" and replacing it by the idea of a \"perpetual becoming rehearsal\".
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Machado, Rogerio Marcondes. "Flávio Império teatro e arquitetura 1960-1977: as relações interdisciplinares." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16136/tde-22062017-154110/.
Full textAbstract:
Tendo como hipótese a de que as teorias teatrais podem ser utilizadas para a análise e para o estímulo da produção de arquitetura e urbanismo configura-se, nesta tese, um campo interdisciplinar cujo foco é a produção do arquiteto e cenógrafo Flávio Império(1935-1985). Império é um importante elo entre o teatro e a arquitetura vanguardistas produzidas em São Paulo, especialmente durante o período em que foi professor da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU-USP); por esse motivo adota-se esse período como o recorte temporal desta pesquisa. Em São Paulo, o engajamento político dos arquitetos e dos artistas do teatro, ao longo da década de 1960, os levaram a desenvolver linguagens artísticas bastantes distintas, apesar de compartilharem objetivos políticos e sociais similares. A análise da produção arquitetônica e cenográfica de Império, complementada com a de outros artistas próximos ao seu contexto, permite descrever as convergências e divergências entre a linguagem arquitetônica brutalista, como defendida por Vilanova Artigas (1915-1985), arquiteto e professor da FAU-USP, e o teatro épico brechtiano valorizado pelos grupos Teatro de Arena e Teatro Oficina, junto aos quais Império trabalhou intensamente. O atrito entre estas duas linguagens (a arquitetônica e a teatral) manifesta-se na produção realizada por Império junto com os arquitetos Sérgio Ferro (1938) e Rodrigo Lefèvre (1938-1984), em que o pensamento utópico e desenvolvimentista, característico do brutalismo paulistano, confrontava-se com as propostas realistas e de exploração do cotidiano, defendidas por Bertolt Brecht (1898-1956). O retrocesso democrático produzido pelo Golpe Civil-militar de 1964 e pela consolidação da ditadura como Ato Institucional n.5 (AI-5) em 1968, colocam à prova estas distintas opções artísticas. A arquitetura reage reforçando a autonomia do seu campo disciplinar e artístico, enquanto que o teatro, em sentido oposto, coloca em cheque a pertinência das estratégias políticas e artísticas enrijecidas, e isso se pode observar na produção Tropicalista, intensa em muitos campos artísticos, mas não no ambiente cultural da FAU-USP. Enquanto o teatro, e as artes plásticas, exploraram os aspectos rituais, imagéticos e corporais da produção cultural, questionando o status do objeto artístico, os arquitetos mantiveram-se fiéis à espacialidade e à temporalidade abstrata e impessoal do modernismo. Estas questões são aqui desenvolvidas e analisadas tendo como referência as ideias teatrais influentes naquele período - partilhadas por Império - e foram utilizadas como ferramenta crítica desta produção arquitetônica e urbanística.Adopting the hypothesis that theatrical theories can be used to analyze and stimulate the production of architecture and urbanism, this thesis set up an interdisciplinary field focusing on the production of the architect and set designer Flávio Império (1935-1985). Império is an important link between the avant-garde theater and architecture produced in São Paulo, especially during the period when he was professor at the School of Architecture and Urbanism at USP - University of São Paulo (FAU-USP); for that reason this period is adopted as the temporal cut of this research. In São Paulo, the political engagement of the architects and the theater artists throughout the 1960s led them to develop some rather distinct artistic languages, in spite of sharing similar social and political goals. The analysis of the architectural and scenographic production of Império, complemented by the analysis of the other artists close to his context, allows us to describe the convergences and divergences between the brutalist architectural language, as adopted by Vilanova Artigas (1915-1985),architect and professor at FAU- USP, and the brechtian epic theater valued by the groups Teatro de Arena and Teatro Oficina, where Império worked intensively. The friction between these two languages (architectural and theatrical) is manifested in the production carried out by Império along with the architects Sérgio Ferro (1938) and Rodrigo Lefèvre (1938-1984), in which utopian and developmentalist thinking - characteristic of the brutalist architecture produced in São Paulo - were confronted with the realist and exploitative proposals of daily life defended by Bertolt Brecht (1898-1956). The democratic retrogression produced by the1964 civil-military coup and the consolidation of the dictatorship with the Ato Institucional n.5(AI-5) in 1968 put these different artistic options to the test. Architecture reacts by reinforcing the autonomy of its disciplinary and artistic field, while the theater, in an opposite sense, puts in check the pertinence of stiffened political and artistic strategies, which can be observed in the Tropicalist production - intense in several artistic fields, but not in the cultural environment of FAU-USP. Whereas theater and the visual arts explored the ritual, imagetic, and corporeal aspects of cultural production, questioning the status of the artistic object, architects remained faithful to the abstract and impersonal spatiality and temporality of modernism. These questions are developed and analyzed here, with reference to the theatrical ideas that were influential in that period - shared by Império - which were used as a critical tool of this architectural and urbanistic production.
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Rocha, Denise. "Arte sem fronteiras. Londres, Berlim, São Paulo e Rio de Janeiro : olhares estéticos e capitalistas sobre as células do poder lícito e ilícito (séculos XVIII e XX) /." Assis : [s.n.], 2004. http://hdl.handle.net/11449/103675.
Full textAbstract:
Orientador: Sílvia Maria AzevedoBanca: Maria Adélia Menegazo
Banca: Karin Volubuef
Banca: Tania Regina de Luca
Banca: Suely Fadul Villibor Flory
Resumo: O objetivo desse estudo é fazer um rastreio da história do gosto do leitor-comum, do leitor-autor e do leitor-adaptador através dos séculos, e apresentar a possibilidade de diálogo estético e histórico internacional por meio da análise da natureza da dramaturgia e suas relações com as outras artes -ópera, música e dança-, e com aspectos da encenação e da carpintaria teatral, reflexões baseadas na teoria da "estética da recepção", conforme Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. Para isso, será feito uma análise e pesquisa da viagem internacional através dos continentes de The Beggar's Opera, de John Gay (1728), uma moderna saga de anti-heróis, que ultrapassou a barreira da temporalidade e dos idiomas, e que reflete um processo de odisséia satírica, iniciado na Londres georgiana do início do século XVIII, com chegada triunfal até o século XX, com "recepções produtivas": Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], de Bertolt Brecht (1928), na Berlim weimariana da década de 20; A Ronda dos Malandros, de Carla Civelli e Maurício Barroso, na São Paulo e seu mecenato industrial na passagem dos anos 40 aos 50; e Ópera do Malandro, de Chico Buarque (1978), no Rio de Janeiro militar dos anos 70, obras com nuances de nacionalismo, cosmopolitismo e universalismo, apoiadas nas idéias da incompreensível exploração humana do ciclo predatório (homo homini lupus) e da desumanizada exploração capitalista.
Abstract: This dissertation was carried out to investigate the history of bookishness of the common reader, the author-reader, and the adapter-reader troughtout centuries, and to present a possibility of international esthetic and historical dialog by analyzing the nature of dramaturgy and its relationship to other arts - opera, music and dance - and to aspects of stanging and to aspects to stanging and theater carpentry, reflections based on the theory of "esthetic reception" according to Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. With that purpose in mind, one will carry out an analysis and research of the international travel around the continents of The Beggar's Opera, by John Gay (1728) a modren saga of antagonists, which outreached the limits of temporality and foreign languages, and which reflects a process of satiric odyssey, started in Georgian London at the beginning of the 18 th century, triumphally reaching the 20 th century, with "productive receptions": Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], by Bertold Brecht (1928), in Weimar Berlin in the 1920 s, A Ronda dos Malandros, by Carla Civelli and Maurício Barroso, in São Paulo and its industrial patronage along the 1940s and 1950s, and Ópera do Malandro, by Chico Buarque (1978), in Rio de Janeiro military uproar along the 1970s, works with hues of nationalism, cosmopolitanism and universalism, supported by ideas of the incomprehensible human exploitation of the predatory cycle (homo homini lupus) and the ruthless capitalistic exploitation.
Doutor
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Rocha, Denise [UNESP]. "Arte sem fronteiras. Londres, Berlim, São Paulo e Rio de Janeiro: olhares estéticos e capitalistas sobre as células do poder lícito e ilícito (séculos XVIII e XX)." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2004. http://hdl.handle.net/11449/103675.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2004Bitstream added on 2014-06-13T19:43:34Z : No. of bitstreams: 1
rocha_d_dr_assis.pdf: 1447558 bytes, checksum: 37d1e163667d0d2712f2a7df68e19abd (MD5)Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
O objetivo desse estudo é fazer um rastreio da história do gosto do leitor-comum, do leitor-autor e do leitor-adaptador através dos séculos, e apresentar a possibilidade de diálogo estético e histórico internacional por meio da análise da natureza da dramaturgia e suas relações com as outras artes -ópera, música e dança-, e com aspectos da encenação e da carpintaria teatral, reflexões baseadas na teoria da estética da recepção, conforme Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. Para isso, será feito uma análise e pesquisa da viagem internacional através dos continentes de The Beggar's Opera, de John Gay (1728), uma moderna saga de anti-heróis, que ultrapassou a barreira da temporalidade e dos idiomas, e que reflete um processo de odisséia satírica, iniciado na Londres georgiana do início do século XVIII, com chegada triunfal até o século XX, com recepções produtivas: Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], de Bertolt Brecht (1928), na Berlim weimariana da década de 20; A Ronda dos Malandros, de Carla Civelli e Maurício Barroso, na São Paulo e seu mecenato industrial na passagem dos anos 40 aos 50; e Ópera do Malandro, de Chico Buarque (1978), no Rio de Janeiro militar dos anos 70, obras com nuances de nacionalismo, cosmopolitismo e universalismo, apoiadas nas idéias da incompreensível exploração humana do ciclo predatório (homo homini lupus) e da desumanizada exploração capitalista.
This dissertation was carried out to investigate the history of bookishness of the common reader, the author-reader, and the adapter-reader troughtout centuries, and to present a possibility of international esthetic and historical dialog by analyzing the nature of dramaturgy and its relationship to other arts - opera, music and dance - and to aspects of stanging and to aspects to stanging and theater carpentry, reflections based on the theory of esthetic reception according to Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. With that purpose in mind, one will carry out an analysis and research of the international travel around the continents of The Beggar's Opera, by John Gay (1728) a modren saga of antagonists, which outreached the limits of temporality and foreign languages, and which reflects a process of satiric odyssey, started in Georgian London at the beginning of the 18 th century, triumphally reaching the 20 th century, with productive receptions: Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], by Bertold Brecht (1928), in Weimar Berlin in the 1920 s, A Ronda dos Malandros, by Carla Civelli and Maurício Barroso, in São Paulo and its industrial patronage along the 1940s and 1950s, and Ópera do Malandro, by Chico Buarque (1978), in Rio de Janeiro military uproar along the 1970s, works with hues of nationalism, cosmopolitanism and universalism, supported by ideas of the incomprehensible human exploitation of the predatory cycle (homo homini lupus) and the ruthless capitalistic exploitation.
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Rodrigues, Aurélio Costa. "Suspensórios: inscrições épicas em palhaços, de Timochenco Wehbi." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2016. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/19617.
Full textAbstract:
Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-10T11:33:08Z
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Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5)Made available in DSpace on 2017-01-10T11:33:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aurélio Costa Rodrigues.pdf: 1261237 bytes, checksum: 59cb18a428cfce5f6307d4d6e0d3648e (MD5) Previous issue date: 2016-12-16
The purpose of this work is to look at the theatrical text of a little known author: Timochenko Wehbi (1946-1986). Because of this, the first part of this paper offers an overview of the author and his production. In the second part, we present the main ideas about the piece Clowns, so that it is possible to glimpse the general construction of the plot and the constitution of the characters. In the third part, we point out the possible links of his writing with epic elements of Brechtian bases. Timochenko Wehbi wrote his texts in the 1970s-80s, within a historical period with demarcated characteristics, and the piece Clowns is from the beginning of 1970, ie, his beginning as a writer. From the very first, he wrote from a foundation that we could treat as sociologically oriented, first because of his academic background - he was a sociologist and teacher in the field - which seems to have determined his interest in certain characters and the way of Treat them. Second, his interest in theater sociology and by Brecht tends to reinforce certain inclinations and direct elements that are inscribed in his texts, making possible to connect his creation with postulates of the Brechtian epic. We must emphasize that there are no studies on the author's text, which obliges us to deal with his production without starting from previous formulations that can serve as a consistent critical basis, except for newspapers of the period, which are generally quite generic
Este trabalho tem por propósito lançar o olhar sobre o texto teatral de um autor pouco conhecido: Timochenco Wehbi (1946-1986). Por conta disso, a primeira parte deste escrito oferece uma panorâmica sobre o autor e sua produção. Na segunda parte, apresentamos as ideias principais a respeito da peça Palhaços, de modo que seja possível vislumbrar a construção geral do enredo e a constituição das personagens. Na terceira parte, apontamos as possíveis vinculações de sua escritura com elementos épicos de bases brechtianas. Timochenco Wehbi escreveu seus textos nas décadas de 1970-80, dentro de um período histórico com características demarcadas, e a peça Palhaços é do princípio de 1970, ou seja, de seu principiar como escritor. Desde o primeiro momento, ele escreveu a partir de uma base que poderíamos tratar como sociologicamente orientada, primeiro por conta de sua formação acadêmica – ele era sociólogo e professor na área –, o que parece ter determinado seu interesse por certas personagens e a maneira de tratá-las. Em segundo lugar, seu interesse por sociologia do teatro e por Brecht tende a reforçar determinadas inclinações e direcionar elementos que se inscrevem em seus textos, possibilitando ligar sua criação com postulados da épica brechtiana. Devemos destacar que não há estudos sobre o texto desse autor, o que nos obriga tratar de sua produção sem partir de formulações anteriores que possam nos servir de base crítica consistente, salvo as de jornais da época, que no geral são bastante genéricas
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Sepulvida, Paula Bellaguarda de Castro. "Corinthians, meu amor - segundo Brava Companhia: teatro e militância na periferia da cidade de São Paulo." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-12012018-111445/.
Full textAbstract:
Este trabalho realiza uma analise estética da encenação Corinthians Meu amor. Segundo Brava Companhia. Uma Homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo, que tem como intuito compreender as influências do grupo homenageado e das movimentações políticas ocorridas ao longo da ditadura militar no Brasil, sobretudo nos anos 1970, sobre o trabalho da Brava Companhia. A pesquisa, que tem por base a dramaturgia original de Cesar Vieira, escrita em 1966, compara a primeira ao texto cênico proposto pela Brava Companhia, em 2011. Nosso objetivo foi tecer considerações e hipóteses acerca das transformações na cena teatral militante produzida junto às \"classes populares\" e aos trabalhadores ao longo dos últimos anos. Tendo como base a análise comparativa dos dois documentos dramatúrgicos, esta pesquisa buscou interpretar tais modificações estilísticas à luz de uma prática de teatro épico, bastante presente na cena teatral paulistana.Corinthians, My love. According to Brava Company: Theater and militancy in the periphery of the city of São Paulo performs an aesthetic analysis of the play Corinthians, Meu Amor. Segundo Brava Companhia. Uma homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo (Corinthians, My love. According to Brava Company. A tribute to the group Teatro Popular União e Olho Vivo (TUOV)) which aims to understand the influences of the honored group and the political movements that took place during the military dictatorship in Brazil, especially in the 1970s, on the work of the Brava Company. The research, based on the o riginal dramaturgy written by Cesar Vieira, in 1966, compares the original text to the staging proposed by Brava in 2011. Our intention was to weave considerations and hypotheses about the transformations in the militant theatrical scene produced close to the \"popular classes\" and the worker class, over the last years. Based on the comparative analysis of the two dramaturgical documents, the research sought to interpret such stylistic changes in the practices of an epic theater based in Brecht\'s work, due to its great importance in the theatrical scene in São Paulo.
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Rodrigues, Márcia Regina. "Traços épico-brechtianos na dramaturgia portuguesa : O render dos heróis de Cardoso Pires e Felizmente há luar! de Sttau Monteiro /." Araraquara : [s.n.], 2010. http://hdl.handle.net/11449/99178.
Full textAbstract:
Orientador: Renata Soares JunqueiraBanca: José Pedro Antunes
Banca: Lílian Lopondo
Resumo: Em Portugal, durante o Estado Novo, apesar de a comissão de censura proibir a obra do dramaturgo alemão Bertolt Brecht (1889-1956), os dramaturgos, atores e diretores conseguiram, de alguma forma, adquirir conhecimento sobre os pressupostos do teatro épico brechtiano e praticá-los nas suas criações dramatúrgicas e encenações. Assim, algumas das peças produzidas pela dramaturgia portuguesa na segunda metade do século XX, além de explorarem freqüentemente temas históricos - a fim de tratar do passado com vistas a analisar o momento presente -, anunciavam a estética do teatro épico de Brecht como uma inovação das formas dramáticas praticadas até então. Frutos da perspectiva brechtiana de teatro épico, O render dos heróis (1960), de José Cardoso Pires (1925-1998) e Felizmente há luar! (1961), de Luís de Sttau Monteiro (1926-1993) constituem o corpus desta Dissertação de Mestrado. Essas peças apresentam no seu enredo fatos remanescentes ou antecedentes da Revolução Liberal de 1820, com o objetivo de - por meio da alegoria - levar o leitor / espectador a uma análise crítica da situação político-social de Portugal sob o regime ditatorial de António de Oliveira Salazar. Analisamos as formas de apropriação do efeito de distanciamento - elemento caracterizador do teatro épico brechtiano - nessas peças, bem como a relação delas com o período político marcado pela censura salazarista. Para isso, a nossa base teórica é constituída principalmente pelas teorias acerca do teatro épico de Brecht, considerando-as no contexto do teatro português da década de 1960.
Abstract: In Portugal, during the Estado Novo period, although the censorship committee prohibited the work by German dramatist Bertolt Brecht (1889-1959), dramatists, actors, and directors were able to, somehow, acquire knowledge concerning the assumptions of Brechtian epic theater and put them into practice in their dramaturgical creations and staging. This way, some of the plays produced by Portuguese dramaturgy in the second half of the 20th century, besides frequently approaching historical themes (in order to discuss the past aiming at analyzing the present), articulated the aesthetics of Brecht's epic theater as an innovation of drama performed up to that point. Results of Brechtian perspective on epic theater, O render dos heróis (1960), by José Cardoso Pires (1925-1998) and Felizmente há luar! (1961), by Luís de Sttau Monteiro (1926-1993) are the corpus of this Master Degree's dissertation. These plays have, in their plots, facts which are reminiscent or antecedent of the Liberal Revolution in 1820, with the objective of - through its allegory - leading the reader to a critical analysis of Portugal's social-political situation under António de Oliveira Salazar's dictatorship regime. Analyze appropriation forms and the elaboration of the distancing effect - characteristic elements in Brechtian theater - in these plays, as well as the relation between these plays and the political period marked by the Salazarian dictatorship. For that matter, our theoretical foundation is mainly made up by theories regarding Brecht's epic theater, considering them in the Portuguese theater context in the 1960s.
Mestre
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Matos, Ivan Delmanto Franklin de. "A dramaturgia negativa: dialética trágica e formação do teatro brasileiro." Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-14092016-114027/.
Full textAbstract:
Esta tese sobre a história da dramaturgia no Brasil tomou como pressuposto a ideia de formação, inspirada na obra de Antonio Candido, Formação da Literatura Brasileira, que é caracterizada por definir, no campo das letras nacionais, a ambivalência que marca nosso processo de constituição cultural, marcado pelo empréstimo de formas artísticas importadas em desajuste com a realidade histórica local. Procuramos traçar o percurso de formação de uma dramaturgia nacional identificando os limites e avanços deste processo de aclimatação das formas e gêneros de origem europeia, escolhendo objetos de análise específicos, a saber, obras e autores considerados como \"momentos decisivos\". Partimos da hipótese de que, no âmbito teatral, os \"momentos decisivos\" desta formação são aqueles influenciados pelos conceitos europeus (formulados pelo crítico Peter Szondi) de drama burguês, drama moderno e de teatro épico, que, no entanto, ao serem incorporados pelos autores teatrais brasileiros geraram formas híbridas, \"arruinadas\" e desajustadas em relação aos modelos originais. Consideramos que tal importação, assolada por um processo histórico também ele altamente contraditório e desigual, gerou entre nós diversas manifestações teatrais fraturadas, que poderiam ser contempladas por um conceito ampliado de tragédia. Procuraremos identificar, nestes momentos decisivos, diversas manifestações de uma certa dialética trágica que, não obstante sua diversidade, poderia caracterizar esse processo de formação como capaz de gerar obras tão dilaceradas quanto o tecido social que lhes corresponde.This thesis on the history of dramaturgy in Brazil explores the idea of formation, inspired by Antonio Candido\'s work Formação da Literatura Brasileira (Brazilian\'s Literature Formation), which is known in the national literary field for defining the ambivalence that exists in our cultural constitution process, and is characterized by the influence of imported artistic forms imbalanced with local historical realities. We seek to trace the development of a national dramaturgy, identifying the boundaries and advances in the acclimation process of European forms and genres, by selecting key analytical pieces, namely works and authors considered to be \"turning points\". We hypothesize that these decisive moments are the ones influenced by the European concepts of bourgeois drama, modern drama and epictheater formulated by the critic Peter Szondi; by incorporating such concepts, Brazilian playwrights have generated hybrid forms, \"ruined\" and misfits of the original models. This thesis considers how such importation - coupled with a highly contradictory and uneven historical background - has generated amongst us several fractured theatrical manifestations that could be categorized under a broader concept of tragedy. We will seek to identify, from these decisive moments, indications of a certain tragic dialectic and how it, not withstanding its own diversity, could characterize this formation process capable of generating new works as lacerated as the social fabric to which they correspond.
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Silva, Sandra Vanessa Versa Kleinhans da. "Estética Brechtiana: da Ópera dos Três Vinténs e do Romance dos Três Vinténs aos Coletivos de Teatro Contemporâneos." Universidade Estadual do Oeste do Paraná, 2018. http://tede.unioeste.br/handle/tede/4009.
Full textAbstract:
Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2018-11-08T13:48:45Z
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license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)Made available in DSpace on 2018-11-08T13:48:45Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-08-09
This dissertation contemplates a comparative study between the dramaturgical text The Threepenny Opera (1928) and The Threepenny Novel (1934), by Bertolt Brecht, in which focuses the comprehension of the esthetic elements developed by Brecht in the epic theater: distancing effect and social gestus. The research presents reflections on the development and self-appropriation of the conceptual formulations proposed by Brecht in different textual genres, but which maintains narrativity, since epic theater is essentially narrative. Understanding the formal differences among literary genres, temporalities and historical contexts, we tried to verify how Brecht transmigrates elements of his dialectical epic theater to the romanesque narrative and how these elements contribute to read the social relations and their historical and idiosyncratic temporalities. The research also presents a study on Brazilian theater groups and collectives that re-elaborate Brechtian aesthetics in their plays in contemporary times. So, the present dissertation is articulated from three parts, named as acts. Act One has a reflection on the theory of the Brechtian dialectic theater, especially on the distancing effect and the social gestus, and based on these reflections, it is analyzed how these elements of the Brechtian theater are presented in the play The Threepenny Opera. Act Two presents a comparative analysis between the play and the novel, showing how the epic theater elements are presented in The Threepenny Novel. In Act Three we reflected on the scope of the Brechtian aesthetics in the Brazilian Collectives of Theater Companhia do Latão, Companhia do Feijão and Coletivo de Teatro Alfenim, and how these groups reimport the Brecht’s aesthetic.
Esta dissertação contempla um estudo comparado entre o texto dramatúrgico A Ópera dos Três Vinténs (1928) e o Romance dos Três Vinténs (1934), de Bertolt Brecht, no qual se foca a compreensão dos elementos estéticos desenvolvidos por Brecht no teatro épico: efeito de distanciamento e gestus social. A pesquisa apresenta reflexões sobre o desenvolvimento e as autoapropriações das formulações conceituais propostas por Brecht em gêneros textuais diferentes, mas que mantêm entre si a narratividade, uma vez que o teatro épico é essencialmente narrativo. Compreendendo-se as diferenças formais entre gêneros literários, temporalidades e contextos históricos, procurou-se verificar de que modo Brecht faz transmigrar elementos do seu teatro épico dialético para a narrativa romanesca e como tais elementos contribuem para para que se leia deles as relações sociais e suas temporalidades históricas e idiossincrasias. A pesquisa apresenta também um estudo sobre grupos e Coletivos de Teatro Brasileiros que reelaboram a estética brechtiana em suas peças na contemporaneidade. Desse modo, a presente dissertação está articulada a partir de três partes, intituladas como atos. O Ato I volta-se para a reflexão sobre a teoria do teatro dialético brechtiano, em especial sobre o efeito de distanciamento e o gestus social. Com base nestas reflexões, analisa-se como esses elementos do teatro brechtiano se apresentam na peça teatral Ópera dos Três Vinténs. O Ato II apresenta uma análise comparativa entre a peça e o romance, mostrando como tais elementos do teatro épico se fazem presentes no Romance dos Três Vinténs. No Ato III, refletimos sobre o alcance da estética brechtiana nos Coletivos de teatro Companhia do Latão, Companhia do Feijão, Coletivo de Teatro Alfenim, e como esses grupos ressignificam a estética brechtiana.
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Rodrigues, Márcia Regina [UNESP]. "Traços épico-brechtianos na dramaturgia portuguesa: O render dos heróis de Cardoso Pires e Felizmente há luar! de Sttau Monteiro." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/99178.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2010-03-02Bitstream added on 2014-06-13T20:20:15Z : No. of bitstreams: 1
rodrigues_mr_me_arafcl.pdf: 518225 bytes, checksum: 8c92966968bbdf528a522e9deadd4293 (MD5)Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Em Portugal, durante o Estado Novo, apesar de a comissão de censura proibir a obra do dramaturgo alemão Bertolt Brecht (1889-1956), os dramaturgos, atores e diretores conseguiram, de alguma forma, adquirir conhecimento sobre os pressupostos do teatro épico brechtiano e praticá-los nas suas criações dramatúrgicas e encenações. Assim, algumas das peças produzidas pela dramaturgia portuguesa na segunda metade do século XX, além de explorarem freqüentemente temas históricos – a fim de tratar do passado com vistas a analisar o momento presente –, anunciavam a estética do teatro épico de Brecht como uma inovação das formas dramáticas praticadas até então. Frutos da perspectiva brechtiana de teatro épico, O render dos heróis (1960), de José Cardoso Pires (1925-1998) e Felizmente há luar! (1961), de Luís de Sttau Monteiro (1926-1993) constituem o corpus desta Dissertação de Mestrado. Essas peças apresentam no seu enredo fatos remanescentes ou antecedentes da Revolução Liberal de 1820, com o objetivo de – por meio da alegoria – levar o leitor / espectador a uma análise crítica da situação político-social de Portugal sob o regime ditatorial de António de Oliveira Salazar. Analisamos as formas de apropriação do efeito de distanciamento – elemento caracterizador do teatro épico brechtiano – nessas peças, bem como a relação delas com o período político marcado pela censura salazarista. Para isso, a nossa base teórica é constituída principalmente pelas teorias acerca do teatro épico de Brecht, considerando-as no contexto do teatro português da década de 1960.
In Portugal, during the Estado Novo period, although the censorship committee prohibited the work by German dramatist Bertolt Brecht (1889-1959), dramatists, actors, and directors were able to, somehow, acquire knowledge concerning the assumptions of Brechtian epic theater and put them into practice in their dramaturgical creations and staging. This way, some of the plays produced by Portuguese dramaturgy in the second half of the 20th century, besides frequently approaching historical themes (in order to discuss the past aiming at analyzing the present), articulated the aesthetics of Brecht’s epic theater as an innovation of drama performed up to that point. Results of Brechtian perspective on epic theater, O render dos heróis (1960), by José Cardoso Pires (1925-1998) and Felizmente há luar! (1961), by Luís de Sttau Monteiro (1926-1993) are the corpus of this Master Degree’s dissertation. These plays have, in their plots, facts which are reminiscent or antecedent of the Liberal Revolution in 1820, with the objective of – through its allegory – leading the reader to a critical analysis of Portugal’s social-political situation under António de Oliveira Salazar’s dictatorship regime. Analyze appropriation forms and the elaboration of the distancing effect – characteristic elements in Brechtian theater – in these plays, as well as the relation between these plays and the political period marked by the Salazarian dictatorship. For that matter, our theoretical foundation is mainly made up by theories regarding Brecht’s epic theater, considering them in the Portuguese theater context in the 1960s.
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Oliveira, Ewerton Silva de. "Análise formal de Death of Salesman, de Arthur Miler, e Rasga Coração, de Oduvaldo Vianna Filho: a utilização do épico." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8147/tde-29082012-092650/.
Full textAbstract:
O objetivo deste trabalho é analisar e comparar as peças Death of a Salesman [Morte dum caixeiro viajante] (1949), do dramaturgo americano Arthur Miller (1915-2005), e Rasga Coração (1974), do dramaturgo brasileiro Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha) (1936-1974), especialmente em relação aos elementos épicos presentes nelas. Ambas as obras possuem uma estrutura formal que apresenta passado e presente simultaneamente no palco. Uma vez que uma peça dramática pressupõe sempre o tempo presente exposto cenicamente, o fato de o passado ser parte estrutural de Death of a Salesman e Rasga Coração já o transforma num primeiro importante traço épico das duas obras. A partir daí, vários outros elementos épicos serão apontados e examinados durante o trabalho sendo que estes elementos são importantes na representação dos conflitos sócio-históricos presentes nos Estados Unidos dos anos 40 e no Brasil nas primeiras sete dé-cadas do século XX. Outro aspecto que as duas peças apresentam em comum é o fato de analisarem um conflito geracional entre pai e filho(s), que representa, ao mesmo tempo, o conflito entre forças sociais e históricas maiores. Estudar quais são estas forças sociais representadas é também objetivo da pesquisa. Isto fará com que semelhanças e diferen-ças entre as obras e seus contextos apareçam e sejam discutidas.The objective of this research is to analyze and compare the plays Death of a Salesman (1949), by the American playwright Arthur Miller (1915-2005), and Rasga Coração, by the Brazilian playwright Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha) (1936-1974), especially concerning their use of epic elements. Both plays have a formal structure that presents past and present simultaneously on stage. Since a dramatic work always presupposes the scenic exposure of the present as a central characteristic, the fact that the past is part of the structure of Death of a Salesman and Rasga Coração transforms it into the most important epic element in both plays. Other epic elements of importance for the repre-sentation of social and historical conflicts of the United States in the forties and of Bra-zil in the first seven decades of the XX century will be examined as well. Another char-acteristic shared by these two plays is the fact that they discuss the generation conflict between father and son(s) in a way that combines the representation of private family affairs to the one of bigger social and historical forces. To study the nature of these so-cial forces represented in the two plays is another objective of this research, which will discuss and point out similarities and differences between them and their respective so-cial contexts.
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Goetz, Thomas. "Poetik des Nachrufs : zur Kultur der Nekrologie und zur Nachrufszene auf dem Theater /." Wien [u.a.] : Böhlau, 2008. http://deposit.d-nb.de/cgi-bin/dokserv?id=3045130&prov=M&dok_var=1&dok_ext=htm.
Full text
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Laak, Lothar van. "Medien und Medialität des Epischen in Literatur und Film des 20. Jahrhunderts Bertolt Brecht - Uwe Johnson - Lars von Trier." Paderborn München Fink, 2007. http://d-nb.info/991577353/04.
Full text
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Malosso, Maíra Gonçalves. "Análise da forma épica na peça We, the people de Elmer Rice." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8147/tde-01082012-162933/.
Full textAbstract:
O presente trabalho tem por objetivo analisar a forma épica na peça We, the People, escrita pelo dramaturgo norte-americano Elmer Rice [1892-1967]. Essa peça, composta por vinte cenas e mais de quarenta personagens, foi escrita em 1932 e encenada em 1933, nos Estados Unidos, dentro de um dos períodos mais conturbados da história norte-americana: a Grande Depressão [1929 até o final dos anos 1930]. Pretende-se analisar a esfera formal de We, the People, dedicando particular atenção aos recursos empregados para a representação de questões sócio-históricas. Considerando-se que essas questões não são representáveis enquanto tais por meio da estrutura dramática convencional, e que pertencem ao âmbito formal do épico, o trabalho tratará de examinar e discutir o uso de recursos épicos de concepção dramatúrgica e seus efeitos dentro da peça.This work aims at analyzing the epic form in the play We, the People written by the American playwright Elmer Rice [1892-1967]. This play is composed of twenty scenes and more than forty characters; it was written in 1932 and presented in 1933 in the United States of America during one of the most troubled period of the American history: the Great Depression [1929 end of the 1930s]. We intend to analyze the formal aspects of We, the People focusing mostly on the expedients used to represent socio-historical issues. Considering that these issues cannot be represented by using the conventional dramatic structure and that they belong to the epic form, this work will examine and debate the use of epic theater expedients and its effects in the play.
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Gallo, Leila Bianca Mélega. "Machado de Assis e Luiz Eduardo Frin: literatura em cena." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2016. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/14777.
Full textAbstract:
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Leila Bianca Melega Gallo.pdf: 1837293 bytes, checksum: 66a406a6cff7e8c2c38cdcfea9d7861e (MD5)
Previous issue date: 2016-03-14This work investigates fissures between literature and theater, from the dramatization of the story "Missa do Galo", by Machado de Assis. The play, entitled "Missa do Galo", directed by Luiz Eduardo Frin, is part of the Machadianas Project, of Ágora Theatre. The research aims is to: reflect on the dramatization of this machadiano tale; seize, at the play, poetic procedures of modern and contemporary theater scene, as well as analyze the insertion of the epic element on stage. The need of the staging of the modern times in working with devices that do not connect representation to the verisimilitude, led this research to focus on the introduction of narrative expedient in contemporary theater scene, guiding through the following problematization: How far, the staging of play "A Missa do Galo," by Luiz Eduardo Frin, discusses the "theatricality", involving literature and theater? How does the epic and poetic staging live in the staging? The theoretical background concerning the conceptions of contemporary theater scene is mainly supported in the studies of Bertolt Brecht, Anatol Rosenfeld, Peter Szondi, Pierre Sarrazac and Hans-Thies Lehmann. The reasearch is also guided in authors such as Yves Stalloni, Emil Staiger, Roland Barthes and Silvia Fernandes to seize the intrinsic theatricality both in literature and in the staging. Among the final considerations, we emphasize: the play "A Missa do Galo" is not classified as a simple adaptation of Machado de Assis' tale, and it is up to the stage the responsibility to unveil Machado's tale through its dramatization
Este trabalho investiga fissuras entre literatura e teatro, a partir da teatralização do conto Missa do Galo , de Machado de Assis. A peça, intitulada A Missa do Galo , dirigida por Luiz Eduardo Frin, está inserida no Projeto Machadianas, do Ágora Teatro. A pesquisa tem como objetivos: refletir sobre a teatralização desse conto machadiano; apreender, na peça, procedimentos poéticos da cena teatral moderna e contemporânea, assim como analisar a inserção do elemento épico no palco. A necessidade da encenação dos tempos atuais em trabalhar com artifícios que não conectem a representação à verossimilhança, conduziu este trabalho a centrar-se na introdução de expedientes narrativos na cena teatral contemporânea, guiando-se pela seguinte problematização: Até que ponto, a encenação da peça A Missa do Galo , de Luiz Eduardo Frin, põe em discussão a teatralidade , envolvendo literatura e teatro? Como o épico e o poético convivem na encenação? A fundamentação teórica acerca das concepções da cena teatral contemporânea se apoia principalmente nos estudos Bertolt Brecht, Anatol Rosenfeld, Peter Szondi, Pierre Sarrazac e Hans-Thies Lehmann. Pauta-se, também, em autores como Yves Stalloni, Emil Staiger, Roland Barthes e Silvia Fernandes para apreender a teatralidade intrínseca tanto na literatura como na encenação. Entre as considerações finais, ressaltam-se: a peça A Missa do Galo não se classifica como uma simples adaptação do conto de Machado de Assis, e cabe ao palco a responsabilidade de desvendar o conto machadiano por meio de sua teatralização
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Miranda, Rita Alves. "O teatro experimental de Brecht." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2013. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/11641.
Full textAbstract:
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Rita Alves Miranda.pdf: 2197473 bytes, checksum: 27e1b604e4f02f387a522aa42435e2a0 (MD5)
Previous issue date: 2013-10-23Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico
This master s thesis aims to approach the passage of Bertolt Brecht through the theater history and the influence of his proposal for the contemporary art. Initially, we analyzed Brecht s criticism towards some traditional conceptions of theater and the path taken by the author to think the crisis of drama that had settled times before. Along the way were considered some references and possible objections from Brecht to Aristotle and the Aristotelian model of theater. In this controversial debate, we analyzed the references to the Greek philosopher, to clarify weather Brecht really wanted to reject Aristotle, or he proposed an appropriation of that formal model. It is known that the Aristotelian model of theater was removed from the Poetics of Aristotle and suffered different appropriations in different epochs, one of them being the bourgeois reading. This view is refuted by Brecht, when he analyzes the reality of bourgeois drama and realizes that it was necessary that it be revised immediately, because the theater is no longer affecting the people, in the sense that their willingness depended on a relationship of passivity on the part of viewers. Facing this crisis of drama, some artists tried to reformulate it without however succeeding. Brecht, when began his work, had knowledge of these attempts and facing their failures, the goal was to make theater inaugurate a new place in society. In search of the best place he has in mind a place of production of consciousness, radically opposed to the bourgeois-capitalist logic that sought the alienation of individuals. So, now located outside the debate of reckoning with the past, Brecht focuses on your present and faces the ideas of György Lukács which oppose Brecht by thinking art in a different manner and attributing to him the image of Formalist. We also deal whit defending Brecht from these charges. This dissertation, different from common aspect of texts on Bertolt Brecht is not intended to scrutinize the techniques developed by the playwright in the formulation of the Epic Theater, or talking about the formal aspects of his work, but it is based on a philosophical approach, passing briefly through a few moments of the author s thought until it reaches the stage considered as a mature conception of theater, which is also the last phase of his career, when he revised many of his previous positions. This phase is one in which he writes pieces like The Good Soul of Setsuan (1939-1942) and Life of Galileo (1938-1939). Being so, our focus was this mature conception of the author s work and the characteristics of his thinking at that time, thinking that we take as very Brechtian itself. We focus at this moment of his work, to show the compatibility of his thought and a contemporary conception of theater
Este trabalho tem por objetivo abordar a passagem de Bertolt Brecht pela história do teatro e a influência de sua proposta na fase contemporânea da arte. Inicialmente, analisamos a crítica de Brecht dirigida a algumas concepções tradicionais de teatro e o caminho percorrido pelo autor para pensar a crise do drama que se instalara tempos antes. Nesse percurso foram consideradas algumas referências e possíveis objeções de Brecht a Aristóteles e ao modelo aristotélico de teatro. Nesse debate polêmico, analisamos as referências ao filósofo grego, a fim de esclarecer se o que Brecht pretendia era rejeitar mesmo Aristóteles, ou mais uma apropriação daquele modelo formal. Sabe-se que o modelo aristotélico de teatro foi retirado da obra Poética de Aristóteles e que sofreu apropriações segundo as épocas, sendo uma delas a leitura burguesa. Essa leitura é rebatida por Brecht que revê a realidade do drama burguês e percebe que era preciso que ele fosse revisto imediatamente, pois o teatro já não atingia mais as pessoas, mas sua disposição dependia de uma relação de passividade por parte dos espectadores. Frente a dessa crise do drama, alguns artistas, tentaram reformulá-lo sem, no entanto, obter sucesso. Brecht, quando deu início a seu trabalho, já tinha conhecimento dessas tentativas e diante desses fracassos, o objetivo era fazer o teatro inaugurar um novo lugar dentro da sociedade. Em busca do melhor lugar, ele tem em mente um lugar de produção de consciências, opondo-se radicalmente à logica burguesa-capitalista que buscava a alienação dos indivíduos. Assim, localizado já fora do debate de acerto de contas com o passado, Brecht concentrase em seu presente e enfrenta György Lukács que se opõe a Brecht ao pensar a arte de uma forma diferente, atribuindo a este a imagem de Formalista. Nos ocupámos de defender Brecht também dessas acusações. Esta dissertação, diferente do aspecto comum de textos sobre Bertolt Brecht não se propõe a analisar minuciosamente as técnicas desenvolvidas pelo dramaturgo na formulação do Teatro Épico, ou a falar dos aspectos formais de sua obra, senão que se apoia numa abordagem filosófica, que passa rapidamente por alguns momentos do pensamento do autor até chegar à fase considerada como fase de uma concepção madura de teatro, que é também a última fase de sua carreira, quando ele reviu muitas de suas posições anteriores. Esta fase é aquela em que ele escreve peças como A Alma Boa de Setsuan (1939-1942) e Vida de Galileu (1938- 1939). Neste momento do trabalho nosso foco foi essa dada concepção madura da obra do autor e as características de seu pensamento nessa época, pensamento que tomamos como próprio brechtiano. Concentramos nossa atenção neste momento da obra, a fim de mostrar a compatibilidade desse pensamento e uma concepção de teatro contemporânea
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Lima, Gabriel Bordignon de. "Charlie Chaplin - laboratório subversivo e sabotagens industriais: um estudo de A casa de penhores (1916) e Tempos Modernos (1936)." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8147/tde-22032019-121314/.
Full textAbstract:
Lançado em 1916, A casa de penhores é uma síntese dos curtas-metragens de Chaplin e funciona como um laboratório cômico, no qual o artista e sua equipe desenvolvem experimentos subversivos, desafiando valores burgueses. O primeiro capítulo desta dissertação apresenta uma análise de A casa de penhores, seu contexto e suas afinidades eletivas com o surrealismo francês, a biomecânica desenvolvida por Meyerhold e o teatro épico de Brecht, mostrando o potencial revolucionário do cinema num tempo de crescentes conflitos entre capital e trabalho. Essa análise detalhada fornece outra perspectiva para Tempos Modernos (que discutimos no capítulo dois), diferente de uma teleológica. Lançado vinte anos depois, em 1936, Tempos Modernos é o último filme silencioso de Chaplin. Nessa obra, Chaplin reflete sobre o fordismo, a mecanização do homem, os problemas sociais da Grande Depressão e as contradições do capitalismo. E, através da autorreferencialidade, o filme tenta sabotar o sistema, refuncionalizando-o num sentido progressista.Released in 1916, The Pawnshop is a synthesis of Chaplins short-films and functions as a comic laboratory, in which the artist and his crew develop subversive experiments, that defy bourgeois values. The first chapter of this dissertation presents an analysis of The Pawnshop, its context and its elective affinities to French surrealism, as well as the biomechanics developed by Meyerhold and Brechts epic theater in order to show the revolutionary potential of cinema in a time of increasing clashes between capital and labor. This detailed analysis provides another perspective to Modern Times (which we discuss in the chapter two), different than a teleological one. Released twenty years later, in 1936, Modern Times is Chaplins last silent film. In this work, Chaplin reflects on fordism, the mechanization of man, the social problems of the Great Depression and the contradictions of capitalism. And through self referentiality, the film tries to sabotage the system, refunctioning it in a progressive way.
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Oliveira, Éwerton Silva de. "The American Clock, de Arthur Miller: forma épica e grande depressão." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8147/tde-13042017-094624/.
Full textAbstract:
Considerando o conceito de épico tal como o analisado por teóricos do teatro como Szondi (2001) e Rosenfeld (2006), este trabalho objetiva empreender a análise de elementos épicos presentes na estrutura de The American Clock (O Relógio Americano, 1980), do dramaturgo norte-americano Arthur Miller (1915-2005). O estudo será de como a forma teatral desta peça (com seus traços épicos) representa cenicamente a Grande Depressão econômica que assolou os Estados Unidos após a quebra da bolsa de valores em 1929 e durante toda a década de 1930. The American Clock conta com mais de 40 personagens (muitos deles também narrado-res) que comentam e ao mesmo tempo vivenciam os problemas gerados pela recessão econô-mica dos anos 1930, em que milhões de pessoas chegaram ao nível da miséria. Embora não seja uma das obras teatrais mais estudadas de Arthur Miller (tanto no contexto americano co-mo no brasileiro), a análise de The American Clock é fundamental para um maior entendimen-to da poética deste autor, tão debatida por críticos e dramaturgos brasileiros: diferentemente do que acontece em outros trabalhos teatrais de sua autoria, Miller assume abertamente, em seus ensaios, a importância do elemento épico para a construção de The American Clock, e o resultado deste uso explícito e consciente do épico por parte do dramaturgo é uma utiliza-ção mais abrangente e aprofundada de recursos épicos nesta peça, tanto dos que já eram co-muns em outras obras de Miller (personagens-narradores, por exemplo), quanto novos recur-sos como a dança e a música. Outra consequência desta consciência do épico é a apropria-ção que o autor faz de conceitos como o de mural, vaudeville e narrativa oral para a constru-ção formal da peça. Esta preocupação de Arthur Miller em considerar o épico na criação de The American Clock existe, dentre outras coisas, devido à necessidade de representar cenica-mente a Depressão econômica, uma temática de cunho social, econômico e histórico, cujas transformações sociais, políticas e culturais que ela provocou são cruciais por reverberarem em outras décadas da história dos EUA (e, consequentemente, no processo histórico de outros países como o Brasil).Considering the concept of epic in theater theories such as Szondis (2001) and Rosenfelds (2006), this research aims at analyzing the epic elements present in the structure of The Amer-ican Clock (1980), a play by the American playwright Arthur Miller (1915-2005). The objec-tive is to study how this plays theatrical form (with its epic traces) puts on stage the Great Depression, which was responsible for devastating The United States economy after the 1929 stock market crash and during the 1930s. The American Clock contains more than 40 charac-ters (many of them are also narrators) who simultaneously discuss and experience the eco-nomic problems generated by this 1930s recession, which led millions of people to face mis-ery in this period. Although The American Clock is not one of Millers most studied theatrical works (both in Brazilian and American context), the analysis of this play is essential to a bet-ter understanding of the authors poetics, largely discussed by Brazilian critics and play-wrights: Miller overtly declares, in his essays, the importance of the epic element in The American Clocks creation, which is something singular in this playwrights career. The result of this explicit and conscious use of the epic by Miller is a deepened and broadened inser-tion of epic resources in this play, both the ones already present in other Millers works (char-acters-narrators, for example), and new ones such as dance and music. Another consequence of this epic consciousness is the authors use of concepts such as mural, vaudeville and oral narrative in order to create the form of the play. Arthur Millers concern in considering the epic in the creation of The American Clock exists, among other things, due to the necessity of putting on stage the Great Depression, a social, economic and historical subject, which brought crucial changes responsible for affecting socially, politically and culturally other dec-ades of American history (and, consequently, this 1930s economic crisis also affected the his-torical process of other countries such as Brazil).
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Calló, Beatriz Georgopoulos [UNESP]. "O arsenal político-estético-pedagógico do teatro épico-dialético na práxis da Brava Companhia." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2018. http://hdl.handle.net/11449/154751.
Full textAbstract:
Submitted by Beatriz Georgopoulos Calló (beatriz.callo@outlook.com) on 2018-07-29T02:34:34Z
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O teatro de grupo de São Paulo é responsável pela maior parte da produção teatral da cidade. Decorrente de processos de luta da categoria, esse sujeito histórico foi o grande ator social no que tange a descentralização e a democratização dos espetáculos de teatro. A partir dessa reunião de artistas e pensadores de teatro, é formulada e promulgada a Lei de Fomento ao Teatro Para a Cidade de São Paulo, que prevê a destinação de recursos públicos para a manutenção dos coletivos. Circunscrita nessa esfera está a Brava Companhia, grupo da periferia da Zona Sul da cidade de São Paulo, que realiza seu trabalho militante, transitando com os expedientes brechtianos, que estão presentes em grande parte da pesquisa estética dos grupos paulistanos. O trabalho analisa essa influência de Bertolt Brecht no trabalho da Companhia, tendo a peça Este lado para cima – isto não é um espetáculo como objeto dessa análise.
The group theater of Sao Paulo is responsible for most of the city's theatrical production. Due to the struggle processes of the category, this historical subject was the great social actor in what concerns the decentralization and democratization of theater plays. From this organization of artists and theater thinkers, the Law for the Promotion of Theater for the City of São Paulo, which implicates the destination of public resources for the maintenance of the collectives, is formulated and promulgated. Circumscribed in this sphere is the Brava Companhia, a group on the outskirts of the South Zone of the city of São Paulo, which carries out its militant work, transiting with the Brechtian expedients, which are present in most of the aesthetic research of the groups from Sao Paulo. The work analyzes this influence of Bertolt Brecht on the work of the Company, having the piece Este lado para cima – isto não é um espetáculo [This side up - this is not a spectacle] as object of this analysis.
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Pastorelli, Vinícius Marques. "Da irresistível peleja entre piratas e tubarões - um estudo sobre a parceria Brecht/Weill." Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8151/tde-12052015-100649/.
Full textAbstract:
Sob a perspectiva de um reexame do momento de formação do teatro épico contemporâneo, esta dissertação consiste num estudo sobre o trabalho colaborativo de Bertolt Brecht e Kurt Weill nos anos de 1926 a 1933, com ênfase para o assim chamado teatro de atualidades elaborado pelos artistas. Tomando como linha condutora os três momentos centrais da República de Weimar (a crise de 1919-1923, a estabilização econômica e o craque de 1929) tentamos apreender como lírica, teatro e música confluíram criticamente na criação de um teatro político à altura das questões suscitadas pelo processo histórico de realinhamento capitalista sob o governo de coalizão de esquerda SPD/USPD, bem como de suas complexas implicações na cultura. Para tanto, em diálogo com a crítica literária brasileira e alemã, realizamos uma leitura da obra do jovem Brecht pautada pela questão do reaproveitamento que o dramaturgo fizera da música em seu livro de estreia como lírico, Hauspostille (1927), onde certo veio da cultura urbana anticapitalista dos cabarés da belle époque foi mobilizado, através da influência da lírica e do teatro de Frank Wedekind. Noutro nível, sob a linha condutora do projeto brechtiano de uma ópera culinária, procuramos traçar um apanhado das questões que marcaram a formação da linguagem musical de Kurt Weill, problematizando o desenvolvimento de seu trabalho coletivo com o Novembergruppe, sua abordagem da ópera moderna e da música utilitária e finalmentee seu pensamento sobre as potencialidades estético-políticas do rádio. O trabalho se conclui, enfim, pela análise de três obras da parceria Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) e A ópera dos três vinténs (1928).Through the perspective of a re-examination of contemporary Epic Theater, this dissertation consists of a study about the collaborative work of Bertolt Brecht and Kurt Weill from 1926 to 1933, centered upon the so called Zeittheater invented by both artists. By following the thread between the three main periods of Weimar Republic (the 1919-1923 political crisis, the stabilization period and the economical crash of 1929) our intention was to understand how Brechts previous lyric poetry, music and theatre enabled the autor to critically incorporate into his political theater matters brought up by the context of capitalistic re-alignment made by the left coalision government of SPD/USPD, as well as the impact of this complex political setting on culture. In order to do so and to maintain a dialoge with both brazillian and german literary criticism, we have sketched a reading of young Brechts work, focused on the appreciation of the influence of Frank Wedekinds lyric poetry and theater where a certain tendence of belle époque anti-capitalistic cabaret culture is registered on Brechts music, mainly through an interpretation of his first poetry book Hauspostille (1927). On another level, we have sketched the central issues that oriented the making of a new musical language by Kurt Weill, especifically the meaning of his collective work with Novembergruppe, his approach on Gebrauchsmusik and modern opera, his essays about aesthetical and political potencialities of radio and how they combined with Brechts project of culinary operas. Lastly this study is concluded by the analysis and interpretation of three different works by Brecht/Weill: Berliner Requiem (1929), Mahagonny Songspiel (1927) and The Threepenny Opera (1928).
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Oliaei, Shadi. "L'art du conteur en Iran : la récitation des histoires du "Sâh-nâme" dans les cafés traditionnels iraniens." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30025.
Full textAbstract:
L’art du naqqâli en Iran est basé sur une longue tradition de récits épiques portant sur des héros de la légende nationale iranienne. La principale source de ces épopées, Le Livre des rois de Ferdowsi, est un œuvre fondamentale de la culture nationale. Les conteurs professionnels «naqqâl» récitent, en les adaptant, les passages du Livre des rois pendant des heures à l’assistance dans certaines maisons de thé, plus connues sous l'appellation de cafés traditionnels. La représentation du naqqâli qui dure approximativement une heure et demi comporte trois parties d’environ une demi-heure chacune. Une session habituelle commence par une introduction poétique suivie d’une entrée en matière pour introduire l’histoire et s’achève par l’histoire proprement dite. Le début et la fin de chaque partie sont marqués par une combinaison de salavât (prière récitée en chœur) et de récitations de poèmes classiques qui ne sont pas nécessairement liés à l’histoire elle-même, mais servent en général à retenir l’attention du public pendant la représentation. Les qualités de la récitation du naqqâl reposent sur un ensemble de méthodes complémentaires permettant de donner plus de relief au spectacle : les méthodes oratoires, gestuelles et l’approche musicale. Les naqqâl utilisent les rouleaux de parchemin appelés tumâr pour préparer la représentation et s’aider pendant la récitation tout en prenant des libertés par rapport au texte dans le but de retenir l’attention de leur auditoire. Les caractéristiques formelles spécifiques de ce genre de représentation qui se rapporte à ses contraintes minimales sont : la durée fixe d’une représentation et son découpage sérialisé, l’influence plus ou moins directe de la structure du tumâr et en particulier sa division en trois niveaux d’unités structurelles : le chapitre, la partie et l’épisodeThe art of naqqâli in Iran is based on a long tradition of epics involving heroes of the Iranian National legend. The main source of these epics, Ferdowsi’s Book of the Kings, is a cornerstone of the national culture. Over long hours, professional naqqâl recite passages from the Book of the Kings to the audience in tea-houses, known as traditional cafes. The naqqâli performance lasts about one and half hours and up to three parts for about half an hour each. A session usually begins with an introduction followed by a poetic prelude to outline the story and ends with the story itself. The beginning and end of each part are salavât (prayer recited in unison) and recitations of classic poems which are not necessarily related to the history itself, but in general serve the purpose of gaining the public attention during the performance. The quality of the naqqâl’s recitation based on a set of methods to give a larger dimension to the show such as: oratory techniques, gesture and musical approach. Naqqâl use parchment scroll called tumâr prepared for the performance which help with the recitation while taking liberties with respect to the text in order to attract the attention of their audience. The formal features of this type of performance which refer to its minimal constraints are : the fixed duration of performance and its serial form, the more or less direct influence of the structure of the tumâr, particularly its division into 3 levels of structural units : chapter, instalment and episode
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Nosella, Berilo Luigi Deiró. ""Um buraco no céu de papel": o moderno na dramaturgia de Luigi Pirandello." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2007. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/14801.
Full textAbstract:
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Berilo Luigi Deiro Nosella.pdf: 517440 bytes, checksum: d451e316214cec8d93a007e898878fb4 (MD5)
Previous issue date: 2007-03-11Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This master degree main objective is the analysis and the study of the dramatical workmanship composition Six Personages in Search of an Author , witch is studied here as Seis Personagens em Busca de um Autor by Luigi Pirandello (1867-1936), staged for the first time in 1921, in Rome / Italy, reaching success in the entire world and deeply influencing the art of the teatral representation of the century XX. The objectives of the research send to analyze the modern elements gifts in the text Six Personages in Search of an Author and to the verification of the specific items on this modern pirandellian text in debate with modernity and contemporality. Basically, here, the analysis if guideline in the reflection on the existence of a tension between tradition and renewal, characteristic of the modernity in general way and specific way of the workmanship of Pirandello. It is treated, therefore, of formal examining the renewal as crisis of the tradition while factor of revelation and denudation as crisis of the modern world that is present like a mean form in the workmanship of Pirandello and in the Modern Drama . The literary analysis of the pirandellian text was based, initially, in the theoretical debate on the question of the literary sorts for the definition of the concept of Modern Drama . For this issue, this thought followed a line that begins with Hegel, goes to Georg Lukács and finishes with Peter Szondi. Advancing in this way, it was turned back to the proper theoretical texts of Pirandello, mainly O Humorismo , wrote in 1903, that involves the modernity of the drama and how it would be articulated, later, in an artistic form. A critical historical pillar helped to support the recital of this work that had as purpose understand and context this workmanship of Pirandello in its time and the present time. It was established, a parallel between two authors: the Italian, contemporary Pirandello, Antonio Gramsci and the german, Walter Benjamin. This debate in allowed in such a way to invest them in the analysis of the tension between form and content, renewing the art of drama of Pirandello culturally (as content) and the respective esthetic way (as form)
Trata, a presente dissertação, da análise e do estudo da obra dramática Seis Personagens em Busca de um Autor, de Luigi Pirandello (1867-1936), encenada pela primeira vez em 1921, em Roma, Itália, alcançando sucesso no mundo todo e influenciando profundamente a dramaturgia do século XX. Os objetivos da pesquisa remetem à analise dos elementos modernos presentes no texto Seis Personagens em Busca de um Autor e à verificação das especificidades desse moderno pirandelliano em debate com a modernidade e a contemporaneidade. Basicamente, aqui, a análise se pauta na reflexão sobre a existência de uma tensão entre tradição e renovação, característica da modernidade de modo geral e de modo específico da obra de Pirandello. Trata-se, portanto, de formalmente examinar a renovação como crise da tradição enquanto fator de revelação e desnudamento de uma crise do mundo moderno que se apresentaria como uma forma fundamental na obra de Pirandello e no Drama Moderno . A análise literária do texto pirandelliano alicerçou-se, inicialmente, no debate teórico sobre a questão dos gêneros literários para a definição do conceito de Drama Moderno . Para tanto, esse pensamento seguiu uma linha que parte de Hegel, passa por Gyorgy Lukács e se finaliza com Peter Szondi. Avançando neste caminho, voltou-se aos próprios textos teóricos de Pirandello, principalmente O Humorismo, escrito em 1903, que compreende a modernidade do drama e como se articularia, posteriormente, numa forma artística. Sustentou ainda a fundamentação deste trabalho um pilar crítico-histórico que teve como finalidade compreender e contextualizar a obra de Pirandello em seu tempo e na atualidade. Estabeleceu-se, assim, um paralelo entre dois autores: o italiano, contemporâneo a Pirandello, Antonio Gramsci e o alemão Walter Benjamin. Esse debate nos permitiu investir na análise da tensão entre forma e conteúdo, renovando a dramaturgia de Pirandello tanto culturalmente (como conteúdo) quanto esteticamente (como forma)
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Li, Chyi-Chang. "Brecht's epic theatre in drama education." Phd thesis, 2007. http://hdl.handle.net/1885/151376.
Full text
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Mahjoeddin, Indija Noesbar. "Randai as a contemporary dramaturgy: obstacles and insights from an intercultural transposition." Thesis, 2011. http://hdl.handle.net/1959.13/929853.
Full textAbstract:
Masters Research - Master of Creative Arts (MCA)Through a practical engagement with the Minangkabau theatre form of Randai, originating in West Sumatra, this research seeks to understand the limits and potentials of the Randai form to engage non-Minangkabau, urban and Western audiences as represented by theatre audiences in Australia. Th effect of conditions of performance and the enculturation of audience and creative collaborators are considered from several angles in an attempt to shine a light on the precepts of Randai and its constituent artforms (the martial art pencak silat, epic oral narration seni kaba, and the song tradition of dendang jo saluang. The theory of Randai which arises through these explorations suggests an artform whose symbolic resonances are more likely found beyond the formal millieu of Western art theatre where communitarian principles prevail over Western individualism.
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Celárková, Michaela. "Poetika vybraných her Ronalda Schimmelpfenniga uvedených na českých scénách v kontextu současného německojazyčného divadla." Master's thesis, 2013. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-324798.
Full textAbstract:
This thesis presents the work of a contemporary German playwright Roland Schimmelpfennig in a wider context. In the main chapter, the author focuses on the analysis of five Schimmelpfennig's plays that have been performed also on Czech theatre stages. The analysis emphasizes the elements of a dramatic structure that Schimmelpfennig uses in an innovative way: epization of texts, unrealistic treatment of dramatic time, elements of magic realism etc. The author also pays attention to a general characteristic of a contemporary German-speaking theatre with respect to the topics that it deals with. A significant part of the work is devoted to classifying Roland Schimmelpfennig's work in the historical and theoretical context of a contemporary German-speaking theatre. A book called Die Rückkehr der Helden by a German author Nikolaus Frei, which questions some opinion on the recent development of theatre presented in a book Postdramatisches Theater by Hans Thiese Lehmann, has become a crucial source for this thesis. Nikolaus Frei copes with the question of animateness/inanimateness of theatre and by using extracts from particular dramatic texts by contemporary authors proves a possible continuity of mimesis, realistic acting and conflicts on the stage until the 21st century. In conclusion, it is possible...
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Marešová, Petra. "Hlavní tendence ve vývoji německého politického dramatu s důrazem na současné drama." Doctoral thesis, 2018. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-389636.
Full textAbstract:
In my thesis, I analyse the current German political drama. However, the term political drama or theatre is difficult to define in general. In my work, I understand the concepts of political drama / theatre in the narrower sense, follow the engaged, appellative, left-wing (anti-capitalist) oriented the- atre of E. Piscator and Brecht, and at the same, in the broader sense, as socio-critical drama / theatre, i.e. relating to the problems of today's "polis" (city, state) and following mainly the tradition of new German and Austrian folk plays. In contemporary German political drama, the two trends outlined in the introduction can be traced. In their works, the first line (left-wing appellative) is followed mainly by playwrights and directors F. Richter and R. Pollesch, the other line (socio-critical) by D. Loher, O. Bukowski, T. Walser, or M. von Mayenburg.
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Hagenhoferová, Monika. "Žebrácká opera v Berlíně, v Praze a ve Vídni. Divadelní hra Bertolta Brechta a její tři inscenace." Master's thesis, 2013. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-328564.
Full textAbstract:
This diploma thesis deals with the theatre play The Threepenny Opera by the German playwright Bertolt Brecht. The first part contains a formal analysis and a content interpretation of this literary work. This analysis is used as a basis for the second part of the thesis, which contains the description and comparison of three stage productions of the play in the theatres in three different European capitals between 2007 and 2011. These theaters are: The Berliner Ensemble, The National Theatre in Prague and The Volkstheater in Vienna.