Academic literature on the topic 'Espace (art) – 20e siècle'

A partir de uma análise da narrativa curatorial da exposição Modernidade art brésilien du 20e siècle (Paris, 1987-1988) e da recepção crítica desta na França e no Brasil, pretendemos refletir sobre as possibilidades e os limites de um "modernismo brasileiro" no contexto inicial da globalização da arte, em meados da década de 1980. Esta reflexão pode nos conduzir a uma leitura da história da arte internacional de uma perspectiva brasileira e à compreensão do sistema internacional de arte como um campo simbólico multi-centralizado.

Depuis le début des années 1980, le patrimoine funéraire en Chine connaît un changement paradoxal : de grands tombeaux abritant les dépouilles de héros mythiques ou historiques sont érigés ou bien restaurés à grands frais par les autorités gouvernementales, attitude qui tranche radicalement avec les dernières décennies du 20e siècle, où ces édifices furent violemment détériorés.

Cet article propose de réfléchir sur la façon dont s’articulent les états de guerre et de paix par le biais de la figure de l’otage, envisagée comme un espace de tensions et de négociations qui tantôt a apaisé, tantôt envenimé les conflits. Nous nous intéresserons à son évolution historique à partir de deux textes du 20e siècle dont le rapprochement s’est d’abord fait par les titres : une pièce de théâtre de Jean Giraudoux, La guerre de Troie n’aura pas lieu (1935), et un essai de Jean Baudrillard, La guerre du Golfe n’a pas eu lieu (1991).

L’art exprime, mais aussi façonne les identités. Ce texte montrera comment cela se produit au Québec dans la seconde moitié du 20e siècle et ce qui se profile pour les années à venir. À partir des genres, disciplines ou procédés privilégiés à différents moments, sont dégagées les utopies sociales et artistiques portées par l’art et les inflexions du récit identitaire québécois qu’elles révèlent. Les années 1960 portent une utopie, sociale, de la parole et les années 1980 en portent une, artistique, du geste. Ces utopies contribuent à construire une identité collective, une citoyenneté, sur des bases différentes : sur l’histoire et la mémoire, donc sur une base temporelle dans le premier moment et sur la base d’un espace, dans un second moment. Dans les années 2000, c’est une utopie politique, de la diversité, qui se profile.

Au XVIII e siècle en France, le métadiscours sur les « ouvrages de l'esprit », et plus précisément sur le secteur poésie, connaît une prolifération qui indique une crise du mode d'écriture dit art poétique, à la suite de la Querelle des Anciens et des Modernes. L'art poétique, déchu de sa qualité de poème et gangrené par un discours à ambition philosophique qui l'évince d'autant mieux qu'il reste dans le même espace théorique de la recherche des règles, subsiste sous la forme réductrice d'un discours pédagogique, alors que se multiplient les inventions d'auteurs dans des secteurs particuliers et qu'apparaît incidemment, dans la Poétiquede Marmontel, une tentative de science de la littérature.

Résumé Cet article présente une partie des résultats d’une étude sur les transformations de l’atelier d’artiste. L’atelier demeure le lieu multifonctionnel de la pratique artistique jusqu’au milieu du xixe siècle. Son rôle change lorsque l’exacerbation de l’exposition lui retire sa fonction de diffusion, celle-ci s’effectuant désormais dans la galerie ou le musée. Devenu alors le lieu d’origine de l’oeuvre, l’atelier induit une pratique artistique particulière, la production d’objets entreposés dans cet espace de création fixe, qui seront ensuite choisis et manipulés par des acteurs autres que l’artiste, pour sortir du domaine privé. Au cours des années 1970, des artistes remettent en question les contraintes du lieu de création en pratiquant un art in situ, ce qui transforme l’atelier en un moment immatériel du processus de création et réintroduit l’artiste comme médiateur actif de la diffusion de son oeuvre.

AbstractUsing a largely 'non-metropole' perspective, this article seeks to shed further light on New Zealand's Protestant missionary movement in the decades of the late-nineteenth and early-twentieth centuries. It argues that New Zealand missionaries and their supporters, in the period of 'high imperialism', held a range of both positive and negative positions towards the Empire. The article outlines the general contours of New Zealand Protestant missionary thinking about the British Empire, contours that reflected wider 'British' opinion of the period. However, it also argues that patterns of geographical and organisational affiliation both supported and confounded this thinking, which was complicated by the intersection of localised and globalising influences. The article considers certain missionary 'sites' of operation and influence as well as denominational and other factors. It situates its argument both in the context of debate over historiographical paradigms for settler societies like New Zealand, and in recent attempts to locate discussion of mission and imperialism within more discretely defined temporal and geographical parameters. En partant d'une perspective largement «non-métropolitaine,» cet article vise à éclairer d'une lumière nouvelle le mouvement missionnaire protestant néo-zélandais durant les dernières décennies du 19e siècle et le début du 20e siècle. Il montre que les missionnaires néo-zélandais et leurs soutiens adoptèrent, durant la période de l'«impérialisme triomphant,» une série d'attitudes à la fois positives et négatives en relation à l'Empire. L'article dessine les contours de la pensée du mouvement missionnaire néo-zélandais par rapport à l'Empire, et montre en quoi elle était le reflet de l'opinion «britannique» de l'époque. Cependant, l'implantation géographique et les affiliations organisationnelles des missionnaires, si elles étaient parfois en adéquation avec cette pensée, la contredisaient également, à l'interface entre influence locales et globales. L'article considère enfin certains «sites» missionnaires d'activité et d'influence ainsi que des facteurs confessionnels et autres. Il se situe à la fois au sein de débats historiographiques a propos des sociétés de colons comme la Nouvelle Zélande, et dans les tentatives récentes de recentrer la discussion à propos de la mission et de l'impérialisme dans une temporalité et un espace définis par des paramètres plus fins.

Abstract: “Educational Turn”, an expression used for a decade by museology and various contemporary art environments, by artists as well as curators (Rogoff, 2008; O’Neill & Wilson (Eds.), 2010; Wilson & O’Neill, 2010; Wesseling (Ed.), 2011). Derived from artistic avant-garde tendencies of the second half of the 20th Century, including institutional critique and relational aesthetics, it immediately brings forward the issues of interactive modalities of the exhibited artwork, public participation, and knowledge dissemination. But this expression actually goes further since the concept of “educational turn” is not only rooted in the artwork as a mediation tool, but to cite Podesva (2007), in education as an artistic medium, fudging the disciplinary limits of art, museology, and museum education. What is new about this turn and how does it transform museum practices? This essay aims to define a new interaction mode embodied by these productions by analyzing the historiographical corpus theorizing the movement. KEYWORDS: Educational Turn; contemporary art; interactivity; museum; postmodernismRésumé: « Educational turn », un terme qui, depuis dix ans, a su se faire connaître dans différents milieux de l’art contemporain et de la muséologie, tant chez les artistes que chez les conservateurs (Rogoff, 2008; O’Neill & Wilson (Eds.), 2010; Wilson & O’Neill, 2010; Wesseling (Ed.), 2011). Issu des avant-gardes artistiques de la deuxième moitié du 20e siècle, notamment de la critique institutionnelle et de l’esthétique relationnelle, il pose d’emblée la question des modalités d’interactivité de l’objet d’exposition, de la participation des publics et de la transmission des savoirs. Mais l’expression va plus loin puisque l’idée d’un « educational turn » prend non seulement ancrage dans une conception de l’œuvre d’art comme dispositif de médiation, mais aussi, pour reprendre l’expression de Podesva (2007), de l’éducation comme un médium artistique, brouillant les frontières disciplinaires de l’art, de la muséologie et de l’éducation muséale. En quoi ce tournant est-il nouveau et quelles transformations apporte-il à la pratique muséale ? À travers une analyse du corpus historiographique théorisant le mouvement, cet essai vise définir un nouveau mode d’interactivité incarné dans ces productions.MOTS CLES: Eductional Turn; art contemporain; interactivité; musée; postmodernité

Le collage se déployant dans le discontinu, assumant l'hétérogénéité de ses éléments constitutifs, cette thèse met en évidence les conditions d'une nouvelle unité, resurgie à partir de ces éléments épars - ainsi que la construction d'un espace propre au collage. Notre étude procède de façon synchronique, en suivant trois axes. La première partie vise à constituer une base théorique et propose une histoire de la fortune critique du collage. La deuxième examine de plus près la problématique de la scission qui est à l' œuvre dans les " collages analytiques". La particularité de ceux-ci réside dans la découpe d'une œuvre préexistante, suivie d'une re-composition. Nous analysons les collages "sectiles" de Paul Klee, les collages aléatoires de Jean Arp ainsi que ceux d'Ellsworth Kelly créés en France. La troisième partie aborde les tentatives visant l'œuvre d'art totale dans le domaine du collage: le Merzbau de Kurt Schwitters et les œuvres d'ambition "globale" de Robert Rauschenberg.

La perspective a fortement imprégné notre façon de percevoir et représenter, nous en étudions l'apparition et le développement du point de vue de l'histoire, de la psychophysiologie et de la physique. Nous montrons, au delà des ruptures, les permanences de problématiques importantes : le mouvement, les processus cognitifs, la science, la technique. Les technologies numériques dont nous nous sommes dotés, les représentations que propose la science, celles que depuis l'aube du XXe siècle l'art nous fournit, ont destabilisé le confort intellectuel que nous procurait une certaine systématisation de la mise en perspective du monde par l'image. L'art aujourd'hui nous permet, avec les armes qui sont les siennes, d'expérimenter d'autres lieux, d'autres topologies. Il s'appuie pour ce faire sur les outils et les connaissances que notre époque fournit, notamment le modèle et l'ordinateur, le numérique. Nous montrons, à travers notre pratique personnelle de l'art et à l'aide de quelques repères pris dans l'histoire de cette discipline ainsi que dans un certain nombre de connaissances fournies par diverses disciplines scientifiques, que dans la ou les nouvelle approches de l'espace qui sont en train de se constituer, l'art apporte une contribution qui lui est propre. Nous développons ce travail selon 4 axes : 1) une approche de la formation d'un regard : les notions d'espace, de perception et de représentation de l'espace, d'espace figural ; 2) les apports des sciences : mathématiques, physique, sciences cognitives ; 3) le rôle des technosciences et des dispositifs techniques, tant en ce qui concerne les changements qu'ils induisent dans la pratique que dans les conditions matérielles qui entourent, voire suscitent, leur apparition ; 4) l'expérience artistique, l'expérimentation – la nôtre mais aussi celles d'artistes significatifs, ainsi que celles des artistes dont nous avons croisé la route dans le cadre de nos activités de création et / ou de réflexion théorique<br>Perspective has deeply influenced our way of perceiving and representing, we study the first appearance of it and its developments, from the historical, psychophysiological and physical points of view. We show, beyond breaks, the permanence of important problematics : movement, cognitive processes, sciences, techniques. Digital technologies we have equipped ourselves with, the representations science proposes, the ones that art provides since the beginning of the 20th century, have destabilized the intellectual comfort that a certain systematization of the perspective viewing of the world through image had brought to us. Today, art allow us, with its own weapons, to experiment other scenes, other topologies. In doing so, it leans on the tools and knowledges our time provides, notably models, computers and digital [technologies]. Through our personal practical experience of art, and with the help of some benchmarks taken from the history of the subject, as well as from a certain number of knowledges provided by different scientific subjects, from the new approach(es) that is (are) on its (their) way to be formed, we show that art provides its own contribution. We develop this work according to 4 axes: 1) an approach of the development of an eye: the notions of space, perception and representation of space, figural art ; 2) the contributions of sciences: mathematics, physics, cognitive sciences ; 3) the part played by techno-sciences and technical devices, so much as far as changing they imply within practice, as within the material circumstances that come along or even provoke their first appearance ; 4) the artistic experience, experimentation, ours but as well the one of significant artists and the one of artists we came across within the frame of our creation and / or theoretical reflexion activities

Cette recherche retrace les diverses stratégies déployées par les peintres et les graveurs espagnols opposés au régime franquiste, entre 1939 et 1975, pour exprimer leur contestation. Après une période où les arts sont astreints à un retour aux formes académiques ou vieillies, une génération de jeunes peintres se tourne, après 1948, vers les formes de la modernité qui ont précédé la guerre civile, le surréalisme et l'abstraction. Si l'abstraction géométrique se révèle impraticable pour les artistes de l'opposition à cette époque, les aléas de la situation internationale conduisent le pouvoir à encourager l'abstraction lyrique. Les succès des jeunes peintres informalistes engagés dans cette voie par réaction envers les contraintes officielles sont récupérés et exploités par le pouvoir à des fins diplomatiques. De nombreux artistes se tournent vers la figuration. Un mouvement de graveurs se crée dans toute la péninsule, à des fins de protestation politique et sociale et pratique un art réaliste. Parallèlement, une figuration inspirée du Pop'Art et liée à la " Jeune Peinture }} française et à la Figuration Narrative exprime une contestation directe durant les dix dernières années du régime. Il n'y a donc pas en Espagne durant la période étudiée d'art franquiste, mais les succès des peintres de la modernité suscitent une véritable renaissance artistique malgré et contre le pouvoir.

"La Nature et I'Homme sont mes premières sources d'inspiration. Souvent, suivant le moment ou l'endroit je me laisse emporter et envelopper dans les vibrations des nuages, du vent et de la pluie, mouvements de la nature qui, à leur tour, mettent en branle mes émotions. Puis, au moment de créer, je vais puiser mes idées dans ces rêveries pour les transposer en langage sculptural selon différents plans, du visible à l'invisible, de l'immobile au mobile. Mes oeuvres prennent naissance et se situent à la jonction de la pensée philosophique traditionnelle d'Extrême-Orient et de la modernité contemporaine européenne. Elles portent aussi les traces des interactions réciproques entre l'artiste et son public. "

Penser l’habiter du point de vue de l’art contemporain – et plus précisément de la sculpture contemporaine – c’est engager la réflexion dans une analyse des formes tridimensionnelles. C’est donc envisager l’habiter dans ses dimensions visibles et tangibles, dans une concrétisation de ses implications et dans une cristallisation des notions de corps, d’espace et de temps. Donner forme(s) à l’habiter, ce n’est pas seulement mettre au jour les phénomènes de l’habiter, c’est également en fabriquer les dimensions spatio-temporelles à la mesure de l’existence humaine. C’est structurer, orienter, qualifier les multiples relations que l’individu entretient avec ses différents lieux d’existence, que ceux-ci soient d’ordre privé ou public. C’est considérer l’habiter comme un acte – et particulièrement comme un acte de résistance – et non simplement comme un fait. C’est enfin définir des territoires de l’habiter dans lesquels les portions d’espace-temps convoquent l’habitance de l’homme, c’est-à-dire sa potentialité d’habiter. À partir des œuvres des sculpteurs d’habiter – tel est le terme générique que nous proposons pour définir les artistes étudiés –, il s’agit de repérer ce qui façonne, révèle et questionne les dimensions de l’habiter. Articulée en quatre moments définissant la nature de ces dimensions, la réflexion fait percevoir tout à la fois les spécificités sculpturales de l’habiter et ses enjeux dans le champ de l’existence. Ainsi, l’art est-il non seulement le point de départ d’une pensée de l’habiter mais une ouverture signifiante permettant de réévaluer les définitions communes. La dichotomie de l'intime et du public est ainsi remise en question dans ces œuvres qui font se rejoindre les données essentielles et existentielles. La mesure humaine détermine les dimensions de l’œuvre – physiquement, mais aussi symboliquement et idéologiquement. Cette mesure est définie par le corps – celui de l’artiste, celui du spectateur – , et par le mur, envisagé comme un référent, comme un point d’articulation entre corps et architecture. Mais au-delà du corps et au-delà des catégories, c'est l'individu qui est en question(s) – et particulièrement l’individu dans son être intime. Les espacements ménagés par le mur pour le corps, par l’œuvre pour l’individu, traduisent les diverses signifiances de l’habiter et indiquent que celles-ci relèvent davantage de la hantise que de l’habitabilité. Sculpter l’habiter, c’est non seulement lui donner une visibilité, une corporéité, mais c’est aussi résister, pour affirmer des singularités, donner du sens à l’existence et ne pas oublier que l’habiter conjugue identité et dignité<br>Thinking about "inhabiting" from the viewpoint of contemporary art – contemporary sculpture, to be precise – means engaging in an analysis of three-dimensional forms, and thus looking at inhabiting in its visible, tangible dimensions, in a concrete instantiation of its implications, and crystallising the concepts of body, space and time. Giving form(s) to inhabiting does not only mean elucidating the phenomena associated with it, but also generating its spatio-temporal dimensions on the scale of human existence. It means structuring, orientating, qualifying the multiple relationships between individuals and their different places of existence, whether in the private or the public sphere. It means looking at inhabiting as an act – and an act of resistance – rather than simply a fact. It means, finally, defining territories of inhabiting, where the different parts of space-time induce the inhabitance of human beings, in other words their potentiality to inhabit. Starting with works by sculptors of inhabiting (this being the generic term we will use to define those whose work we discuss), the aim is to identify that which fashions, reveals and probes the dimensions of inhabiting. Centred on four aspects of space-time that define the nature of these dimensions, the analysis brings out the sculptural specificities of inhabiting, and its consequences in the field of existence. In this respect, besides constituting a point of departure for an analysis of inhabiting, art can provide a way of reassessing commonly-held definitions. The dichotomy between private and public is called into question by these works, which syncretise essential and existential elements. The human scale determines the dimensions of sculpture, not only physically but also symbolically and ideologically, in that it is dictated by the body – that of the artist, that of the viewer – and by the wall qua referent and point of articulation between body and architecture. But beyond the body, and beyond categories, it is the individual who is in question(s); and particularly the individual's innermost being. The spacings reserved by the wall for the body, and by the work for the individual, express the different significances of inhabiting, which have more to do with haunting than with inhabiting. In the end, sculpting inhabiting does not just mean giving it visibility or corporality, but also resisting, so as to assert its singularities, confer sense on existence and remain aware that inhabiting combines identity and dignity

Les graphimages modernes (shūxiàng) sont une nouvelle création artistique contemporaine, un art non figuratif, élaboré à partir de symboles, d'images, d'écritures et de figures distinct et de l'art abstrait occidental, et de la calligraphie chinoise. À travers l'analyse de l'œuvre Humanité • Signes • Espace (Rénwén • fúhào • kōngjiān), cette thèse montre que les graphimages modernes innovent tout en se fondant sur l'esthétique traditionnelle chinoise et sur la théorie de la calligraphie chinoise, mais aussi sur l'art contemporain occidental. Il s'agit d'un concept qui s'appuie sur les symboles et les images. Une analyse historique prouve également que les graphimages modernes s'inscrivent dans la continuité et montre, pour la première fois, et ce de manière objective, leur existence tout au long de l'histoire chinoise, autrement dit, l'existence d'un art non figuratif chinois durable<br>Modern graphimages (shūxiàng) are a new contemporary artistic creation, a non-figurative art elaborated from symbols, images, writing and figures that should be distinguished from the abstract art as well as from the Chinese calligraphy. By analysing the work Humanity • Signs • Space (Rénwén • fúhào • k̄ōngjiān), this thesis shows that modem graphimages are an innovation while being based on the traditional Chinese aesthetic, on the Chinese calligraphy theory and also on the Western contemporary art. It is a new concept based on symbols and images. A historical analysis also proves that the modem graphimages fall under continuity, and, for the first time, shows, and thus, in an objective way, the existence of the Chinese graphimages throughout the Chinese history, in other words, it shows the existence of a long lasting Chinese non-figurative art

Cette thèse constitue une monographie sur Lee Ufan (artiste coréen né en 1936) dans laquelle nous mettons l'accent sur la présence de la partie non-peinte et non-faite dans son travail, que nous appelons " l'espace non-agi ". Cette expression insiste sur l'intervention minimum de l'artiste et englobe autant l'espace pictural que l'espace sculptural. Sous cet angle, nous proposons un aperçu de l'évolution de l'œuvre de Lee Ufan, consacrant une partie importante à sa période Mono-ha -mouvement japonais (1968-1973?) dont il a été à la fois le théoricien et l'artiste majeur- pendant laquelle l'idée de non-agir apparaît dans son travail. A travers l'examen de l'espace non-agi dans la peinture du XXe siècle, nous cherchons également à situer dans un contexte historique plus général la démarche de Lee Ufan qui finit par dialoguer avec l'extérieur<br>This thesis is a monograph on Lee Ufan (a Korean artist born in 1936) in which we focus on the presence of the unpainted, undone part in his work, which we term ‘untouched space'. This expression emphasises the artist's minimal intervention and encompasses pictorial space as well as sculptural space. From this standpoint, we propose an overview of the development of Lee Ufan's work, devoting a substantial section to his Mono-ha period – Mono-ha being a Japanese movement (1968-1973?) of which he was both the theorist and a leading artist – during which the idea of non-action first appeared in his work. In a review of untouched space in 20th century painting, we also attempt to place Lee Ufan's approach within a broader historical context, as it eventually enters into a dialogue with the outside world

De 1939 à 1975, l'Espagne a été dirigée par Francisco Franco, nommé Chef de l'Etat Espagnol à l'issue de la guerre civile (1936-1939). Cette thèse a pour but d'analyser les relations que cet état -de type dictatorial- a entretenu avec l'art et la culture et en particulier avec les arts plastiques. Après s'être interrogé sur la présence -ou non- d'une "esthétique franquiste", calquée sur les modèles d'esthétique de type fascisant comme celles de l'Allemagne hitlérienne ou de l'Italie mussolinienne, le travail analytique entrepris s'oriente davantage sur les réponses "institutionnelles" d'une "politique culturelle" telle qu'elle a été instaurée après 1944; et sur les développements et les orientations qu'elle a connus. A cet effet, l'importance accordée aux expositions, et essentiellement aux "expositions nationales" telles que les a pratiquées le pouvoir fanquiste, devient l'axe privilégié de la recherche. Les présences "officielles" aux Biennales de Venise, les Biennales "Hispano-américaines", ainsi que les manifestations organisées en Europe et aux Etatq-Unis pendant les années cinquante et le début des années soixante sont d'abord évoquées, car elles s'accompagnent de la reconnaissance intérieure d'un mouvement artistique international, qui est celui de l'abstraction informelle. La rupture qui succède à cette situation dans les années soixante finissantes et le début des années soixante-dix, correspond à une période de fin de régime et à des propositions artistiques idéologiquement anti-gouvernementales, contexte qui est également abordé. Enfin une lecture descripitve et critique de deux manifestations très particulières -les expositions de Venise en 1976 et de Paris en 1987- établie à partir des paramètres que générent les stratégies historiographiques utilisées pour transcrire un objet a priori commun - l'aperçu historique et national de l'art espagnol moderne et contemporain- permet d'analyser les parti-pris diplomatiques des phénénomènes culturels<br>From 1939 until 1975, Spain was ruled Francisco Franco, who was named head of state at the end of the civil war (1936-1939). This thesis aims to analyse the relationship between Franco's dictatorship and art and culture and in particular visual arts. It examines the question of wether or not a " Francist Aesthetic " existed during this period in the same way that fascism influenced the art of Hitler's Germany or Mussolini's Italy. If then explores in greater detail the " institutional "' issues raised by the " cultural policy " put in place in 1944 and the way in which that policy developed. In this respect the importance given to exhibitions, and especially to the sorts of " national exhibitions " supported by the Francist authorities, forms a key elements of the research. This thesis mentions Spain's " official " presence of the biennals in Venice as well as at the " Hispano-American " biennals along with the events organised in Europe in the 1950s and the early 1960s as these events accompanied the re-birth inside Spain of the international artistic movement known as informal abstraction. The break with this movement that followed in the late 1960s and the early 1970s corresponded to the beginning of the end of the Franco regime. The emergence at this time of artistic thinking that was ideologically anti-governmental is also discussed. Finally the thesis uses a critical and descriptive analysis of two key exhibitions -one in Venice in 1976, the other in Paris in 1987- to discuss the diplomatic bias of events that on the face of it had the same objective- to provide a historical and national perspective on modern and contemporary Spanish art

Cette thèse aborde le temps et l'espace dans les écrits littéraires de Picasso tant du point de vue de la structure du texte et du manuscrit que du point de vue thématique. Picasso procède souvent par addition en faisant proliférer son texte, qu'il reprend sur des supports différents en des temps de Genèse différents. La reprise constitue un mode privilégie de création qui s'avère chez Picasso une force créatrice qui apporte la différence. Picasso abolit les règles de grammaire et de syntaxe préétablies et opère une "destruction de la langue" dans la langue. Nous pouvons qualifier cette écriture de "rhizome", (Deleuze et Guattari). En effet elle a pour principe l'expansion et la variation, le refus de la linéarité au profit de la discontinuité. D'une manière générale, son écriture est reliée à ses préoccupations de peintre qui remontent aux papiers colles et au cubisme, et notamment à la réflexion sur la nature et le fonctionnement des signes, sur le lisible et le visible. Quant à l'espace, il se présente comme un univers fini, ramené telle une substance organique à l'état d'un comestible. Il y a une labilité entre les divers espaces ainsi qu'une permutation des substances. Le corps = espace d'assimilation de l'extérieur vers l'intérieur = participe à toute une série de transformations et devient animal ou végétal. Le présent constitue le temps triomphant. L'instant s'élargit pour contenir une multiplicité d'évènements, grâce à une "intentionnalité longitudinale", qui contracte dans le présent toutes les dimensions du temps vécu. Nous assistons à une tension entre le temps cosmique et le temps vécu, exprimée d'une part à travers une omniprésence du temps calendaire que Picasso ne cesse d'indiquer, et d'autre part à travers une abolition de ses mesures<br>The focus of this thesis is the notion of time and space in Picasso's litterary writings, examined from the standpoint of the structure of the text and the manuscript, as well as from that of the thematic. Picasso often proceeds by aggregation, systematically multiplying his texts, and constantly "extending" them onton other supports, each such extension or ramification marking a new beginning. One of his preferred methods of creation is "repetition", source of the creative force whiche gives his work the stamp of originality. He does away pre-established grammatical and syntactical rules, thereby operating a "destruction of language" within language. To borrow Deleuze and Guattari's expression, we can qualify such a writing style as "rhizome". Its principle consists of expansion and variation on the one hand ; on the other, the refusal of unilinearity in favour of disontinuity. In general, Picasso's writing is linked to his preoccupations as a painter (particularly the cubist and "collage" periods), and his reflections on the nature and fonctionning of signs, the visible and readable. Space, in his treatment of the subject, presents itself as a completed universe, and which is reduced like an organic substance to an edible state. Between the various spaces exists both fluidity and a permutation of substances. The body - a space of incorporation of the external by the internal - partakes of an entire series of transformations, acquiring an animal or vegetal character to finish with. The present denotes triumphant temporality. The moment, through a "longitudinal intentionnality", spreads itself out to embrace a mutiplicity of events, thus condensing within the present every dimension of "lived experiece" (vecu). We witness a tension between cosmic time and "lived experience" which is expressed on one side by the omnipresence of calendar time, and on the other by an elimination of its referece points

La notion d’espace prend un sens très fort et comme actif dans le travail artistique de Robert Irwin. Celui-ci instaure un nouveau mode d’être pour l’espace par son installation dite « site-conditioned/determined » tout en la nouant pourtant avec celui du site préexistant, qu’il soit intérieur ou extérieur. Le statut ontologique de son installation est celui d’un « non-objet », d’une extrême simplicité de forme et d’un minimum de matérialité : une bande noire ou une surface de voile semi-transparent, à la fois objet montré et sujet montrant, mettent en jeu lumière et ombre, attirant notre attention non seulement sur lui mais tout autour, intégrant l’espace où il s’intègre. L’installation est mise en œuvre de son environnement architectural ou naturel. L’installation est ainsi installa(tten)tion, c’est-à-dire installation qui installe l’attention. Ce que procure l’artiste au spectateur par son installation est la sensation pure de l’apparaître dynamique et changeant de l’espace du monde réel. Sensible d’abord à la dimension réelle de l’espace physique, nous découvrons peu à peu sa dimension virtuelle, puis transcendantale, au fur et à mesure que ce processus de sensation pure déclenché par l’aspect inhabituel de cet espace pourtant réel se déploie. Grâce au toucher direct et vivant d’un sentir aiguisé, et visuel et kinesthésique, éveillé par l’installation de Robert Irwin, devient quasi palpable notre conscience d’exister. Elle résonne alors à la réalité directe et immédiate du monde mais aussi aux virtualités de son apparaître et à ce qui les rend possibles : sa forme en soi, révélée et actualisée comme la véritable nature de l’espace réel<br>The notion of space has a strong and active meaning in Robert Irwin’s art work. He establishes a new way of appearance of space through his so-called “Site-conditioned/determined” installation by uniting the installation with the space of the existing site, whether indoors or out. The ontological status of his installation is that of a “none-object”: extremely simple in form and with a minimum of materials. He uses a black tape or a surface of semitransparent scrim. These objects are both “object shown” and “subject showing”. They play with light and shadow, catching our attention not only on themselves but also on their surroundings, including the space into which they fit. So the art piece is not only the installation itself but its circumstance with its whole architectural or natural environment. So the installation is installa(tten)tion, that is to say an installation that installs attention. Through the installation, the artist provides for the viewer a chance to have a pure sensation of the dynamic and changing appearance of space in the real world. At first sensitive to the real dimension of physical space, we discover little by little its virtual and then transcendental dimensions, as this process of pure sensation unfolds, triggered by the unusual aspect of the real space caused by the installation. A direct and living contact through a sharpened feeling, both visual and kinesthetic, with the space, awakened by the installation of Robert Irwin, makes our awareness of existing almost palpable. This awareness of existing resonates with the direct and immediate reality of the world as well as potentialities of the world’s appearance and what makes these potentialities possible: form in itself, revealed and actualized as the true nature of real space

The Nine Forms of the French Riviera: Classifying Urban Fabrics from the Pedestrian Perspective. Giovanni Fusco, Alessandro Araldi ¹Université Côte-Azur, CNRS, ESPACE - Bd. Eduard Herriot 98. 06200 Nice E-mail: giovanni.fusco@unice.fr, alessandro.araldi@unice.fr Keywords: French Riviera, Urban Fabrics, Urban Form Recognition, Geoprocessing Conference topics and scale: Tools of analysis in urban morphology Recent metropolitan growth produces new kinds of urban fabric, revealing different logics in the organization of urban space, but coexisting with more traditional urban fabrics in central cities and older suburbs. Having an overall view of the spatial patterns of urban fabrics in a vast metropolitan area is paramount for understanding the emerging spatial organization of the contemporary metropolis. The French Riviera is a polycentric metropolitan area of more than 1200 km2 structured around the old coastal cities of Nice, Cannes, Antibes and Monaco. XIX century and early XX century urban growth is now complemented by modern developments and more recent suburban areas. A large-scale analysis of urban fabrics can only be carried out through a new geoprocessing protocol, combining indicators of spatial relations within urban fabrics, geo-statistical analysis and Bayesian data-mining. Applied to the French Riviera, nine families of urban fabrics are identified and correlated to the historical periods of their production. Central cities are thus characterized by the combination of different families of pre-modern, dense, continuous built-up fabrics, as well as by modern discontinuous forms. More interestingly, fringe-belts in Nice and Cannes, as well as the techno-park of Sophia-Antipolis, combine a spinal cord of connective artificial fabrics having sparse specialized buildings, with the already mentioned discontinuous fabrics of modern urbanism. Further forms are identified in the suburban and “rurban” spaces around central cities. The proposed geoprocessing procedure is not intended to supersede traditional expert-base analysis of urban fabric. Rather, it should be considered as a complementary tool for large urban space analysis and as an input for studying urban form relation to socioeconomic phenomena. References Conzen, M.R.G (1960) Alnwick, Northumberland : A Study in Town-Planning Analysis. (London, George Philip). Conzen, M.P. (2009) “How cities internalize their former urban fringe. A cross-cultural comparison”. Urban Morphology, 13, 29-54. Graff, P. (2014) Une ville d’exception. Nice, dans l'effervescence du 20° siècle. (Serre, Nice). Yamada I., Thill J.C. (2010) “Local indicators of network-constrained clusters in spatial patterns represented by a link attribute.” Annals of the Association of American Geographers, 100(2), 269-285. Levy, A. (1999) “Urban morphology and the problem of modern urban fabric : some questions for research”, Urban Morphology, 3(2), 79-85. Okabe, A. Sugihara, K. (2012) Spatial Analysis along Networks: Statistical and Computational Methods. (John Wiley and sons, UK).