Dissertations / Theses: 'Espace (art) – 20e siècle'

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Kōmoto, Mari. "L' espace du collage : le problème de l'unité dans le discontinu." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010562.

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Abstract:

Le collage se déployant dans le discontinu, assumant l'hétérogénéité de ses éléments constitutifs, cette thèse met en évidence les conditions d'une nouvelle unité, resurgie à partir de ces éléments épars - ainsi que la construction d'un espace propre au collage. Notre étude procède de façon synchronique, en suivant trois axes. La première partie vise à constituer une base théorique et propose une histoire de la fortune critique du collage. La deuxième examine de plus près la problématique de la scission qui est à l' œuvre dans les " collages analytiques". La particularité de ceux-ci réside dans la découpe d'une œuvre préexistante, suivie d'une re-composition. Nous analysons les collages "sectiles" de Paul Klee, les collages aléatoires de Jean Arp ainsi que ceux d'Ellsworth Kelly créés en France. La troisième partie aborde les tentatives visant l'œuvre d'art totale dans le domaine du collage: le Merzbau de Kurt Schwitters et les œuvres d'ambition "globale" de Robert Rauschenberg.

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Delsaux, Jean. "L' espace figural, topologie du vide, modélisation : expérimentation et créations plastiques." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA083646.

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Abstract:

La perspective a fortement imprégné notre façon de percevoir et représenter, nous en étudions l'apparition et le développement du point de vue de l'histoire, de la psychophysiologie et de la physique. Nous montrons, au delà des ruptures, les permanences de problématiques importantes : le mouvement, les processus cognitifs, la science, la technique. Les technologies numériques dont nous nous sommes dotés, les représentations que propose la science, celles que depuis l'aube du XXe siècle l'art nous fournit, ont destabilisé le confort intellectuel que nous procurait une certaine systématisation de la mise en perspective du monde par l'image. L'art aujourd'hui nous permet, avec les armes qui sont les siennes, d'expérimenter d'autres lieux, d'autres topologies. Il s'appuie pour ce faire sur les outils et les connaissances que notre époque fournit, notamment le modèle et l'ordinateur, le numérique. Nous montrons, à travers notre pratique personnelle de l'art et à l'aide de quelques repères pris dans l'histoire de cette discipline ainsi que dans un certain nombre de connaissances fournies par diverses disciplines scientifiques, que dans la ou les nouvelle approches de l'espace qui sont en train de se constituer, l'art apporte une contribution qui lui est propre. Nous développons ce travail selon 4 axes : 1) une approche de la formation d'un regard : les notions d'espace, de perception et de représentation de l'espace, d'espace figural ; 2) les apports des sciences : mathématiques, physique, sciences cognitives ; 3) le rôle des technosciences et des dispositifs techniques, tant en ce qui concerne les changements qu'ils induisent dans la pratique que dans les conditions matérielles qui entourent, voire suscitent, leur apparition ; 4) l'expérience artistique, l'expérimentation – la nôtre mais aussi celles d'artistes significatifs, ainsi que celles des artistes dont nous avons croisé la route dans le cadre de nos activités de création et / ou de réflexion théorique
Perspective has deeply influenced our way of perceiving and representing, we study the first appearance of it and its developments, from the historical, psychophysiological and physical points of view. We show, beyond breaks, the permanence of important problematics : movement, cognitive processes, sciences, techniques. Digital technologies we have equipped ourselves with, the representations science proposes, the ones that art provides since the beginning of the 20th century, have destabilized the intellectual comfort that a certain systematization of the perspective viewing of the world through image had brought to us. Today, art allow us, with its own weapons, to experiment other scenes, other topologies. In doing so, it leans on the tools and knowledges our time provides, notably models, computers and digital [technologies]. Through our personal practical experience of art, and with the help of some benchmarks taken from the history of the subject, as well as from a certain number of knowledges provided by different scientific subjects, from the new approach(es) that is (are) on its (their) way to be formed, we show that art provides its own contribution. We develop this work according to 4 axes: 1) an approach of the development of an eye: the notions of space, perception and representation of space, figural art ; 2) the contributions of sciences: mathematics, physics, cognitive sciences ; 3) the part played by techno-sciences and technical devices, so much as far as changing they imply within practice, as within the material circumstances that come along or even provoke their first appearance ; 4) the artistic experience, experimentation, ours but as well the one of significant artists and the one of artists we came across within the frame of our creation and / or theoretical reflexion activities

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Vergniolle-Delalle, Michelle. "Art et politique. Stratégies de l'opposition dans la peinture et la gravure espagnoles entre 1939 et 1975." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010568.

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Abstract:

Cette recherche retrace les diverses stratégies déployées par les peintres et les graveurs espagnols opposés au régime franquiste, entre 1939 et 1975, pour exprimer leur contestation. Après une période où les arts sont astreints à un retour aux formes académiques ou vieillies, une génération de jeunes peintres se tourne, après 1948, vers les formes de la modernité qui ont précédé la guerre civile, le surréalisme et l'abstraction. Si l'abstraction géométrique se révèle impraticable pour les artistes de l'opposition à cette époque, les aléas de la situation internationale conduisent le pouvoir à encourager l'abstraction lyrique. Les succès des jeunes peintres informalistes engagés dans cette voie par réaction envers les contraintes officielles sont récupérés et exploités par le pouvoir à des fins diplomatiques. De nombreux artistes se tournent vers la figuration. Un mouvement de graveurs se crée dans toute la péninsule, à des fins de protestation politique et sociale et pratique un art réaliste. Parallèlement, une figuration inspirée du Pop'Art et liée à la " Jeune Peinture }} française et à la Figuration Narrative exprime une contestation directe durant les dix dernières années du régime. Il n'y a donc pas en Espagne durant la période étudiée d'art franquiste, mais les succès des peintres de la modernité suscitent une véritable renaissance artistique malgré et contre le pouvoir.

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Ngo, Tuan Phong. "Les mouvements de la nature, sculpture." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010699.

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Abstract:

"La Nature et I'Homme sont mes premières sources d'inspiration. Souvent, suivant le moment ou l'endroit je me laisse emporter et envelopper dans les vibrations des nuages, du vent et de la pluie, mouvements de la nature qui, à leur tour, mettent en branle mes émotions. Puis, au moment de créer, je vais puiser mes idées dans ces rêveries pour les transposer en langage sculptural selon différents plans, du visible à l'invisible, de l'immobile au mobile. Mes oeuvres prennent naissance et se situent à la jonction de la pensée philosophique traditionnelle d'Extrême-Orient et de la modernité contemporaine européenne. Elles portent aussi les traces des interactions réciproques entre l'artiste et son public. "

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Charvet, Célia. "Sculpter l'habitat : les dimensions de l'habiter dans la sculpture contemporaine." Besançon, 2010. http://www.theses.fr/2010BESA1010.

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Abstract:

Penser l’habiter du point de vue de l’art contemporain – et plus précisément de la sculpture contemporaine – c’est engager la réflexion dans une analyse des formes tridimensionnelles. C’est donc envisager l’habiter dans ses dimensions visibles et tangibles, dans une concrétisation de ses implications et dans une cristallisation des notions de corps, d’espace et de temps. Donner forme(s) à l’habiter, ce n’est pas seulement mettre au jour les phénomènes de l’habiter, c’est également en fabriquer les dimensions spatio-temporelles à la mesure de l’existence humaine. C’est structurer, orienter, qualifier les multiples relations que l’individu entretient avec ses différents lieux d’existence, que ceux-ci soient d’ordre privé ou public. C’est considérer l’habiter comme un acte – et particulièrement comme un acte de résistance – et non simplement comme un fait. C’est enfin définir des territoires de l’habiter dans lesquels les portions d’espace-temps convoquent l’habitance de l’homme, c’est-à-dire sa potentialité d’habiter. À partir des œuvres des sculpteurs d’habiter – tel est le terme générique que nous proposons pour définir les artistes étudiés –, il s’agit de repérer ce qui façonne, révèle et questionne les dimensions de l’habiter. Articulée en quatre moments définissant la nature de ces dimensions, la réflexion fait percevoir tout à la fois les spécificités sculpturales de l’habiter et ses enjeux dans le champ de l’existence. Ainsi, l’art est-il non seulement le point de départ d’une pensée de l’habiter mais une ouverture signifiante permettant de réévaluer les définitions communes. La dichotomie de l'intime et du public est ainsi remise en question dans ces œuvres qui font se rejoindre les données essentielles et existentielles. La mesure humaine détermine les dimensions de l’œuvre – physiquement, mais aussi symboliquement et idéologiquement. Cette mesure est définie par le corps – celui de l’artiste, celui du spectateur – , et par le mur, envisagé comme un référent, comme un point d’articulation entre corps et architecture. Mais au-delà du corps et au-delà des catégories, c'est l'individu qui est en question(s) – et particulièrement l’individu dans son être intime. Les espacements ménagés par le mur pour le corps, par l’œuvre pour l’individu, traduisent les diverses signifiances de l’habiter et indiquent que celles-ci relèvent davantage de la hantise que de l’habitabilité. Sculpter l’habiter, c’est non seulement lui donner une visibilité, une corporéité, mais c’est aussi résister, pour affirmer des singularités, donner du sens à l’existence et ne pas oublier que l’habiter conjugue identité et dignité
Thinking about "inhabiting" from the viewpoint of contemporary art – contemporary sculpture, to be precise – means engaging in an analysis of three-dimensional forms, and thus looking at inhabiting in its visible, tangible dimensions, in a concrete instantiation of its implications, and crystallising the concepts of body, space and time. Giving form(s) to inhabiting does not only mean elucidating the phenomena associated with it, but also generating its spatio-temporal dimensions on the scale of human existence. It means structuring, orientating, qualifying the multiple relationships between individuals and their different places of existence, whether in the private or the public sphere. It means looking at inhabiting as an act – and an act of resistance – rather than simply a fact. It means, finally, defining territories of inhabiting, where the different parts of space-time induce the inhabitance of human beings, in other words their potentiality to inhabit. Starting with works by sculptors of inhabiting (this being the generic term we will use to define those whose work we discuss), the aim is to identify that which fashions, reveals and probes the dimensions of inhabiting. Centred on four aspects of space-time that define the nature of these dimensions, the analysis brings out the sculptural specificities of inhabiting, and its consequences in the field of existence. In this respect, besides constituting a point of departure for an analysis of inhabiting, art can provide a way of reassessing commonly-held definitions. The dichotomy between private and public is called into question by these works, which syncretise essential and existential elements. The human scale determines the dimensions of sculpture, not only physically but also symbolically and ideologically, in that it is dictated by the body – that of the artist, that of the viewer – and by the wall qua referent and point of articulation between body and architecture. But beyond the body, and beyond categories, it is the individual who is in question(s); and particularly the individual's innermost being. The spacings reserved by the wall for the body, and by the work for the individual, express the different significances of inhabiting, which have more to do with haunting than with inhabiting. In the end, sculpting inhabiting does not just mean giving it visibility or corporality, but also resisting, so as to assert its singularities, confer sense on existence and remain aware that inhabiting combines identity and dignity

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Wu, Hua. "Les graphimages chinois modernes : étude de la formation et de l'évolution des graphimages modernes à partir de l'analyse de Humanité • Signes • Espace." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070070.

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Abstract:

Les graphimages modernes (shūxiàng) sont une nouvelle création artistique contemporaine, un art non figuratif, élaboré à partir de symboles, d'images, d'écritures et de figures distinct et de l'art abstrait occidental, et de la calligraphie chinoise. À travers l'analyse de l'œuvre Humanité • Signes • Espace (Rénwén • fúhào • kōngjiān), cette thèse montre que les graphimages modernes innovent tout en se fondant sur l'esthétique traditionnelle chinoise et sur la théorie de la calligraphie chinoise, mais aussi sur l'art contemporain occidental. Il s'agit d'un concept qui s'appuie sur les symboles et les images. Une analyse historique prouve également que les graphimages modernes s'inscrivent dans la continuité et montre, pour la première fois, et ce de manière objective, leur existence tout au long de l'histoire chinoise, autrement dit, l'existence d'un art non figuratif chinois durable
Modern graphimages (shūxiàng) are a new contemporary artistic creation, a non-figurative art elaborated from symbols, images, writing and figures that should be distinguished from the abstract art as well as from the Chinese calligraphy. By analysing the work Humanity • Signs • Space (Rénwén • fúhào • k̄ōngjiān), this thesis shows that modem graphimages are an innovation while being based on the traditional Chinese aesthetic, on the Chinese calligraphy theory and also on the Western contemporary art. It is a new concept based on symbols and images. A historical analysis also proves that the modem graphimages fall under continuity, and, for the first time, shows, and thus, in an objective way, the existence of the Chinese graphimages throughout the Chinese history, in other words, it shows the existence of a long lasting Chinese non-figurative art

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Chae-Duporge, Okyang. "L'espace non-agi dans l'oeuvre de Lee Ufan." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040070.

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Abstract:

Cette thèse constitue une monographie sur Lee Ufan (artiste coréen né en 1936) dans laquelle nous mettons l'accent sur la présence de la partie non-peinte et non-faite dans son travail, que nous appelons " l'espace non-agi ". Cette expression insiste sur l'intervention minimum de l'artiste et englobe autant l'espace pictural que l'espace sculptural. Sous cet angle, nous proposons un aperçu de l'évolution de l'œuvre de Lee Ufan, consacrant une partie importante à sa période Mono-ha -mouvement japonais (1968-1973?) dont il a été à la fois le théoricien et l'artiste majeur- pendant laquelle l'idée de non-agir apparaît dans son travail. A travers l'examen de l'espace non-agi dans la peinture du XXe siècle, nous cherchons également à situer dans un contexte historique plus général la démarche de Lee Ufan qui finit par dialoguer avec l'extérieur
This thesis is a monograph on Lee Ufan (a Korean artist born in 1936) in which we focus on the presence of the unpainted, undone part in his work, which we term ‘untouched space'. This expression emphasises the artist's minimal intervention and encompasses pictorial space as well as sculptural space. From this standpoint, we propose an overview of the development of Lee Ufan's work, devoting a substantial section to his Mono-ha period – Mono-ha being a Japanese movement (1968-1973?) of which he was both the theorist and a leading artist – during which the idea of non-action first appeared in his work. In a review of untouched space in 20th century painting, we also attempt to place Lee Ufan's approach within a broader historical context, as it eventually enters into a dialogue with the outside world

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Tio, Bellido Ramon. "Formes et discours critiques d'expériences artistiques dans un contexte totalitaire : le cas de l'Espagne de 1945 à 1975." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20016.

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Abstract:

De 1939 à 1975, l'Espagne a été dirigée par Francisco Franco, nommé Chef de l'Etat Espagnol à l'issue de la guerre civile (1936-1939). Cette thèse a pour but d'analyser les relations que cet état -de type dictatorial- a entretenu avec l'art et la culture et en particulier avec les arts plastiques. Après s'être interrogé sur la présence -ou non- d'une "esthétique franquiste", calquée sur les modèles d'esthétique de type fascisant comme celles de l'Allemagne hitlérienne ou de l'Italie mussolinienne, le travail analytique entrepris s'oriente davantage sur les réponses "institutionnelles" d'une "politique culturelle" telle qu'elle a été instaurée après 1944; et sur les développements et les orientations qu'elle a connus. A cet effet, l'importance accordée aux expositions, et essentiellement aux "expositions nationales" telles que les a pratiquées le pouvoir fanquiste, devient l'axe privilégié de la recherche. Les présences "officielles" aux Biennales de Venise, les Biennales "Hispano-américaines", ainsi que les manifestations organisées en Europe et aux Etatq-Unis pendant les années cinquante et le début des années soixante sont d'abord évoquées, car elles s'accompagnent de la reconnaissance intérieure d'un mouvement artistique international, qui est celui de l'abstraction informelle. La rupture qui succède à cette situation dans les années soixante finissantes et le début des années soixante-dix, correspond à une période de fin de régime et à des propositions artistiques idéologiquement anti-gouvernementales, contexte qui est également abordé. Enfin une lecture descripitve et critique de deux manifestations très particulières -les expositions de Venise en 1976 et de Paris en 1987- établie à partir des paramètres que générent les stratégies historiographiques utilisées pour transcrire un objet a priori commun - l'aperçu historique et national de l'art espagnol moderne et contemporain- permet d'analyser les parti-pris diplomatiques des phénénomènes culturels
From 1939 until 1975, Spain was ruled Francisco Franco, who was named head of state at the end of the civil war (1936-1939). This thesis aims to analyse the relationship between Franco's dictatorship and art and culture and in particular visual arts. It examines the question of wether or not a " Francist Aesthetic " existed during this period in the same way that fascism influenced the art of Hitler's Germany or Mussolini's Italy. If then explores in greater detail the " institutional "' issues raised by the " cultural policy " put in place in 1944 and the way in which that policy developed. In this respect the importance given to exhibitions, and especially to the sorts of " national exhibitions " supported by the Francist authorities, forms a key elements of the research. This thesis mentions Spain's " official " presence of the biennals in Venice as well as at the " Hispano-American " biennals along with the events organised in Europe in the 1950s and the early 1960s as these events accompanied the re-birth inside Spain of the international artistic movement known as informal abstraction. The break with this movement that followed in the late 1960s and the early 1970s corresponded to the beginning of the end of the Franco regime. The emergence at this time of artistic thinking that was ideologically anti-governmental is also discussed. Finally the thesis uses a critical and descriptive analysis of two key exhibitions -one in Venice in 1976, the other in Paris in 1987- to discuss the diplomatic bias of events that on the face of it had the same objective- to provide a historical and national perspective on modern and contemporary Spanish art

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Michaël, Androula. "Le temps et l'espace dans les écrits de Picasso." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010594.

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Abstract:

Cette thèse aborde le temps et l'espace dans les écrits littéraires de Picasso tant du point de vue de la structure du texte et du manuscrit que du point de vue thématique. Picasso procède souvent par addition en faisant proliférer son texte, qu'il reprend sur des supports différents en des temps de Genèse différents. La reprise constitue un mode privilégie de création qui s'avère chez Picasso une force créatrice qui apporte la différence. Picasso abolit les règles de grammaire et de syntaxe préétablies et opère une "destruction de la langue" dans la langue. Nous pouvons qualifier cette écriture de "rhizome", (Deleuze et Guattari). En effet elle a pour principe l'expansion et la variation, le refus de la linéarité au profit de la discontinuité. D'une manière générale, son écriture est reliée à ses préoccupations de peintre qui remontent aux papiers colles et au cubisme, et notamment à la réflexion sur la nature et le fonctionnement des signes, sur le lisible et le visible. Quant à l'espace, il se présente comme un univers fini, ramené telle une substance organique à l'état d'un comestible. Il y a une labilité entre les divers espaces ainsi qu'une permutation des substances. Le corps = espace d'assimilation de l'extérieur vers l'intérieur = participe à toute une série de transformations et devient animal ou végétal. Le présent constitue le temps triomphant. L'instant s'élargit pour contenir une multiplicité d'évènements, grâce à une "intentionnalité longitudinale", qui contracte dans le présent toutes les dimensions du temps vécu. Nous assistons à une tension entre le temps cosmique et le temps vécu, exprimée d'une part à travers une omniprésence du temps calendaire que Picasso ne cesse d'indiquer, et d'autre part à travers une abolition de ses mesures
The focus of this thesis is the notion of time and space in Picasso's litterary writings, examined from the standpoint of the structure of the text and the manuscript, as well as from that of the thematic. Picasso often proceeds by aggregation, systematically multiplying his texts, and constantly "extending" them onton other supports, each such extension or ramification marking a new beginning. One of his preferred methods of creation is "repetition", source of the creative force whiche gives his work the stamp of originality. He does away pre-established grammatical and syntactical rules, thereby operating a "destruction of language" within language. To borrow Deleuze and Guattari's expression, we can qualify such a writing style as "rhizome". Its principle consists of expansion and variation on the one hand ; on the other, the refusal of unilinearity in favour of disontinuity. In general, Picasso's writing is linked to his preoccupations as a painter (particularly the cubist and "collage" periods), and his reflections on the nature and fonctionning of signs, the visible and readable. Space, in his treatment of the subject, presents itself as a completed universe, and which is reduced like an organic substance to an edible state. Between the various spaces exists both fluidity and a permutation of substances. The body - a space of incorporation of the external by the internal - partakes of an entire series of transformations, acquiring an animal or vegetal character to finish with. The present denotes triumphant temporality. The moment, through a "longitudinal intentionnality", spreads itself out to embrace a mutiplicity of events, thus condensing within the present every dimension of "lived experiece" (vecu). We witness a tension between cosmic time and "lived experience" which is expressed on one side by the omnipresence of calendar time, and on the other by an elimination of its referece points

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Sung, Shin-Young. "Espace réel, espace virtuel, espace transcendantal dans l'art contemporain : le cas de Robert Irwin." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040051.

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Abstract:

La notion d’espace prend un sens très fort et comme actif dans le travail artistique de Robert Irwin. Celui-ci instaure un nouveau mode d’être pour l’espace par son installation dite « site-conditioned/determined » tout en la nouant pourtant avec celui du site préexistant, qu’il soit intérieur ou extérieur. Le statut ontologique de son installation est celui d’un « non-objet », d’une extrême simplicité de forme et d’un minimum de matérialité : une bande noire ou une surface de voile semi-transparent, à la fois objet montré et sujet montrant, mettent en jeu lumière et ombre, attirant notre attention non seulement sur lui mais tout autour, intégrant l’espace où il s’intègre. L’installation est mise en œuvre de son environnement architectural ou naturel. L’installation est ainsi installa(tten)tion, c’est-à-dire installation qui installe l’attention. Ce que procure l’artiste au spectateur par son installation est la sensation pure de l’apparaître dynamique et changeant de l’espace du monde réel. Sensible d’abord à la dimension réelle de l’espace physique, nous découvrons peu à peu sa dimension virtuelle, puis transcendantale, au fur et à mesure que ce processus de sensation pure déclenché par l’aspect inhabituel de cet espace pourtant réel se déploie. Grâce au toucher direct et vivant d’un sentir aiguisé, et visuel et kinesthésique, éveillé par l’installation de Robert Irwin, devient quasi palpable notre conscience d’exister. Elle résonne alors à la réalité directe et immédiate du monde mais aussi aux virtualités de son apparaître et à ce qui les rend possibles : sa forme en soi, révélée et actualisée comme la véritable nature de l’espace réel
The notion of space has a strong and active meaning in Robert Irwin’s art work. He establishes a new way of appearance of space through his so-called “Site-conditioned/determined” installation by uniting the installation with the space of the existing site, whether indoors or out. The ontological status of his installation is that of a “none-object”: extremely simple in form and with a minimum of materials. He uses a black tape or a surface of semitransparent scrim. These objects are both “object shown” and “subject showing”. They play with light and shadow, catching our attention not only on themselves but also on their surroundings, including the space into which they fit. So the art piece is not only the installation itself but its circumstance with its whole architectural or natural environment. So the installation is installa(tten)tion, that is to say an installation that installs attention. Through the installation, the artist provides for the viewer a chance to have a pure sensation of the dynamic and changing appearance of space in the real world. At first sensitive to the real dimension of physical space, we discover little by little its virtual and then transcendental dimensions, as this process of pure sensation unfolds, triggered by the unusual aspect of the real space caused by the installation. A direct and living contact through a sharpened feeling, both visual and kinesthetic, with the space, awakened by the installation of Robert Irwin, makes our awareness of existing almost palpable. This awareness of existing resonates with the direct and immediate reality of the world as well as potentialities of the world’s appearance and what makes these potentialities possible: form in itself, revealed and actualized as the true nature of real space

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Bach, Caroline. "Quand l’art contemporain s’intéresse à l’économie : espaces de travail et formes économiques en question." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30088.

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Abstract:

Dans un ouvrage intitulé Art et économie, Jean-Marc Huitorel indiquait, dans son introduction, que « l’artiste fournit des outils pour lire le monde ». Pour les artistes dont la pratique est tournée vers l’extérieur et consiste, entre autres, à fournir des outils pour lire le monde (Allan Sekula ou Alfredo Jarr, par exemple), un travail avec l’économie est inévitable, sans pour autant qu’ils en deviennent nécessairement des spécialistes. Que ce soit à travers des cartographies des flux ou des dispositifs explorant, à grande échelle, la mondialisation des échanges, ou que cela soit à une autre échelle, à travers les espaces et conditions de travail, ils s’inscrivent parfaitement dans le courant 'hétérodoxe' (qui revendique la pluralité des approches) et apportent toute sa légitimité au dialogue entre art et économie
In a book entitled Art and Economy, Jean-Marc Huitorel stated, in his introductio,n that 'artist provides tools to read the world.' For the artists whose practice is looking outward and consists, among other things, into provide tools to understand the read (Allan Sekula or Alfredo Jarr, for instance), an approach with economy is inevitable, without, however becoming necessarily specialists. Whether through flows cartography or exploring global trade mechanisms, on a large scale, or whether through a different scale, exploring spaces and working conditions, they fit perfectly into the current 'heterodox' (which claims the plurality of approaches) and give full legitimacy to the dialogue between art and economy

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Fricheau, Catherine. "La géométrie de la vie : l'art du jardin en france : 1580-1730." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040183.

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Abstract:

La thèse cherche à dépasser l'appréciation simplement esthétique du jardin classique et à en rattacher la création à la tradition philosophique. Interrogeant l'expression courante de " jardin à la française ", elle retrace l'histoire des jardins crées en France au XVIIème siècle et celle du vocabulaire usuel de la critique et de l'histoire de l'art à propos de cette forme de jardin. Rattachant l'art du jardin à la tradition philosophique du bien vivre, elle étudie la façon dont les traités modernes de l'art (Olivier de Serres, Claude Mollet, Jacques Boyceau de la Barauderie, André Mollet, La Quintinie, Dezallier d'Argenville) se sont inspirés et démarqués des auteurs anciens, principalement des agronomes latins. Elle examine ensuite les relations que l'art du jardin entretient avec les beaux-arts dont il paraît dépendre : peinture ou architecture, à travers les écrits d'André Félibien et de Claude Perrault, ainsi que la fonction qu'y prennent les connaissances scientifiques de l'époque, physiques et surtout géométriques, principalement la perspective telle que Desargues la remanie. Une histoire de la construction de l'espace du jardin d'Olivier de Serres à Le Nôtre est esquissée, corrélativement à la compréhension et l'usage fait de la perspective au cours du XVIIème siècle. Enfin la signification du corps entier du jardin est demandée à l'œuvre littéraire : au roman dont il est l'emblème : le Songe de Poliphile de Francesco Colonna dont La Fontaine proposa une réminiscence poétique et surtout aux descriptions offertes par l'œuvre de mademoiselle de Scudéry (Clélie - la promenade de Versailles) où se manifeste un nouveau régime de l'imagination. Le parallèle peut alors être fait entre théâtre et jardin, celui -là représentant l'action historique (Corneille), celui -ci l'action de la nature, telle qu'elle se produit à travers le corps vivant, en particulier en l'Homme lui-même : c'est à l'anthropologie cartésienne qu'est demandée la signification ultime de l'œuvre - jardin et à sa façon de concevoir analogiquement à travers des images distinctes la vie des corps, dont témoigne pour le domaine propre des plantes l'œuvre d'un La Quintinie
This thesis aims to go beyond the mere aesthetic appraisal of the classical garden and to establish the link between its creation and philosophical tradition. It examines what is meant by the common phrase "a French style garden" and relates the history of the gardens created in France in the 17th century and that of the terms commonly used by art criticism and history to depict this type of garden. Connecting the art of gardens with the philosophical tradition of the "art of living", it studies how modern art treatises by Olivierde Serres, Cklaude Mollet, Jacques Boyceau de la Barauderie, André Mollet, La Quintinie, Dezallier d'Argenville) were inspired by the works of ancient writers, mainly Latin agronomists, but also differed from them. Then it examines the relations between the art of gardens and the fine arts that it seems to depend on : painting or architecture, through the works of André Félibien and Claude Perrault, as well as the part played in garden creation by the times' scientific knowledge of physics and geometry, in particular perspective modified by Desargues. The thesis outlines a history of the construction of the garden space from Olivier de Serres to Le Nôtre, and its correlation with the interpretation and the use of perspective in the 17th century. Finally the meaning of the garden's whole body is sought in literature, in the novel whose emblem it is : "Le songe de Poliphile" (Poliphile's dream) by Francisco Colonna, of which there is an evocation in La Fontaine's poems, and above all in the descriptions made in mademoiselle de Scudery's work "Clélie- la promenade de Versailles" ( Clelie- the walk in the gardens of Versailles) where imagination has a new role to play. Then a parallel can be drawn between the theatre and the garden, the former as a representation of historical action (Corneille), the latter as a representation of nature's action as it manifests itself in the living body, in particular in Man himself. Cartesian anthropology with its analogical conception of the life of bodies through distinct images provides the ultimate meaning of the garden as a work exemplified by the writings of someone like La Quintinie in the specific domain of plants

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Bellot, Michel. "Esthétique des figures impossibles et ambiguës." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010647.

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Abstract:

La classification des figures impossibles et ambiguës, proposée ici, montre que trois mécanismes plastiques permettent de rendre compte des rates de la représentation spatiale : la superposition, le contact et l'alignement. Il apparait encore que l'impossible et l'ambigu sont des territoires proches, lies par un espace intermédiaire : l'impossible-possible, et que ces différents ratés de la représentation investissent les trois types de surface de l'image, que sont la figure, le fond et leur association. Mais, au-delà des mécanismes plastiques, ces images exercent encore une fascination que seul l'imaginaire est à même d'expliquer. Le discours latent d'une construction impossible évoquerait l'inceste et les différents interdits qui peuvent y être rattachés, tandis qu'une forme ambiguë, par son alternative jamais résolue, rappellerait l'ambivalence qui, émanant de ces premiers désirs, vient ensuite investir nos sentiments ultérieurs. Une réhabilitation esthétique des figures impossibles et ambiguës a enfin été entreprise, car ces images utilisent des mécanismes identiques à ceux que Cézanne, Matisse et Magritte ont employés pour opérer leur critique de la représentation. Certaines pratiques contemporaines vont d'ailleurs moins loin, en préférant l'auto-référentialité du propos et la matérialité des moyens à la question fondamentale de toute représentation plastique : l'impossible passage des trois dimensions du réel aux deux dimensions du support.

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Martin, Brigitte. "Perception et expression d'espaces nouveaux issus du cube." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080822.

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Abstract:

Le but de cette these est d'etudier le developpement, au cours du vingtieme siecle, d'une nouvelle forme d'expression tridimensionnelle, la boite d'art. Dans la premiere partie, elle comprend une etude du systeme de figuration classique ayant exerce son hegemonie dans le domaine pictural depuis la renaissance jusqu'au debut de ce siecle. Puis, dans la seconde partie, elle met en lumiere la rupture engendree par les cubistes, et la volonte des artistes contemporains, determines a s'exprimer en dehors de toutes conventions, de ne plus representer l'objet mais de le presenter dans son double rapport contenant contenu, et ce alors meme que l'environnement technique, scientifique, economique et social est en pleine mutation. Dans la troisieme partie, au regard des propositions plastiques, la boite, consideree en tant qu'objet symbolique, renvoie a l'espace referentiel et originel ainsi qu'a l'idee de sacre. Constituant metaphoriquement une sorte d'enveloppe corporelle, ce contenant abritant toujours un mystere permet aux artistes d'aller a la rencontre de l'autre tendant a se replier sur lui-meme. Dans la quatrieme partie, la boite est consideree en tant que volume geometrique : les oeuvres abstraites donnent l'occasion aux spectateurs de percevoir l'espace par l'intermediaire de leur corps, et de le vivre dans un nouveau rapport. Enfin, la derniere partie est consacree au phenomene de mise en abime de la boite dans les musees, et de fetichisme de l'objet par les artistes
The aim of this thesis is the study of the development, along the twentieth century, of a new form of three-dimensional expression : the boxed art. The first part deals with a study of the system of the cklassical figurative art, which has imposed its hegemony in the pictoral field from the renaissance up to the beginning of this century. The second part enlightens the break generated by the cubist and the resolution of the contemporay artist to express himself with no convention, not to depict the object but to present it in its double relation contents container, when the technical, scientific, economical and social environment is changing. In the third part, when we study the works, we can see that the box - considered as a symbol object - refers to a referential and original space as well as to the idea of sacred. Metaphorically constituting a kind of corporal envelope, this container - always implying a mystery - allows the artist to meet the other who turns in on himself. In the fourth part, the box is considered as a geometric object : abstract works prompt each observer to percieve space through his body and to feel it a new way. The last part is about the phenomenon of the interlocking of different boxes in museums, of the fetichism of the object by the artist

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Kang, Taisung. "Espaces hétérogènes : le rythme et la négation de textes graphiques et plastiques." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010612.

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Abstract:

Le sujet de notre thèse, les " espaces hétérogènes ", se concentre sur des notions picturales et leurs possibles significations. Cette hétérogénéité procède à la fois de la nature et de l'idée. Les espaces hétérogènes ont une fonction d'éloignement, de dislocation, de modification de l'importance ou encore d'altération des textes et des images jouée par le blanc et le vide. Les recherches poseront essentiellement la question de la négation, de la privation, afin d'éclaircir l'idée d'espaces hétérogènes. Cette dualité, qui pose la question des significations des noms, des verbes et des images, nous ramène à l'idée dialectique d'immédiateté et de médiateté. Dans nos travaux plastiques, le recours au collagisme, à la fragmentation, au pli, à la trace, l'écriture de mots, de signes, de négations, créent des sens variés, des lectures en rupture, des espaces hétérogènes qui appartiennent à un temps " multiple "; les trames du passé, du présent et du futur sont tissées entre elles. L'espace hétérogène, composé d'espace plein et d'espace vide, ouvre la voie à la négation. Les processus d'entente, d'imagination, de sensation, de vision et de déplacement ont été examinés dans la mesure où ils s'entremêlent. Il existe par exemple une hétérogénéité de l'acte de lire et de l'acte de voir. . . /. . .

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Oliver, Stacy-Ann. "Exposer son monde : le paysage comme espace participatif." Master's thesis, Université Laval, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.11794/68739.

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Abstract:

L’essentiel de ce texte est une réflexion sur mon travail de création et les concepts théoriques qui le construisent. J’aborde plusieurs thèmes dont en particulier le paysage autour duquel je développe une réflexion sur l’habitation. Ma recherche est au confluent de ces deux éléments qui concernent les relations entre le paysage, l’habitation et l’appartenance. À travers ce projet de recherche-création, j’explore différentes facettes du paysage et je m’approprie ce concept à travers une quête identitaire puisque j’utilise ma ville natale, Lebel-sur-Quévillon, pour mener ma recherche. Les concepts mentionnés seront développés en relation avec les oeuvres produites tout au long de mon projet de recherche-création.

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El, Sokary Ibrahim. "L'illusion plastique et son intérêt au service de l'espace théâtral à travers les oeuvres de Picasso et Dali." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA082113.

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Abstract:

Le problème de la composition scénique n'est pas en contradiction avec les grandes questions du théâtre et de l'art en général. En effet, la scène théâtrale est le lieu où tous les effets et toutes les spécialités artistiques peuvent trouver place afin de créer un espace de représentation. La magie de ce dernier est le résultat du mélange de plusieurs expressions artistiques. Cette recherche a pour but de fixer les moyens plastiques utilisés dans une surface bidimensionnelle et montrer comment les dépasser pour en créer d'autres permettant la réalisation de tableaux scéniques de surface tridimensionnelle. Dans cette direction, nous prenons deux exemples. Le premier est celui de Picasso, le père du mouvement cubiste, avec sa philosophie de la déformation et le deuxième est celui de Dali, le surréaliste et sa paranoi͏̈a critique

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Crignon, Cyril. "Le "dripping" de Jackson Pollock et le "zip" de Barnett Newman : les deux pôles de construction du lieu dans la peinture "à l'américaine" : pour une approche philosophique de la question." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010521.

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Abstract:

Pour mieux cerner l'optique en laquelle la grande peinture américaine fut élaborée après la Seconde Guerre mondiale , cette étude élargit la focale par l'examen conjoint des œuvres de Barnett Newman et de Jackson Pollock. Sous des aspects contraires, les deux veulent en effet créer chez le spectateur un sens du lieu et lui rendre sensible la constitution de l'espace au lieu de lui en donner des représentations. Rouvrant le débat sur le modernisme entamé par Clément Greenberg, la thèse admet que cette peinture tient sa spécificité de ses réponses à la crise du tableau de chevalet diagnostiquée par le critique, et voit comme elle prend en compte la question de la place du spectateur étudiée par Michael Fried dans la continuité de celui-ci. Elle affirme cela dit la nécessité d'une approche philosophique de la construction picturale du lieu qui soulève des questions touchant à la spatialisation, au passage d'une forme « à priori » de la sensibilité à des formes sensibles, à la position puis à la réforme du sujet dans sa relation avec l'objet. La réflexion part ainsi du kantisme pour en dépasser les cadres stricts, naviguant entre l'idéalisme transcendantal et la phénoménologie. Elle croise les références à Fichte, Husserl et Lévinas avec celles de l'esthétique et de l'histoire de l'art, en prenant soin de les ancrer dans l'analyse d'oeuvres singulières. Elle espère ainsi mieux saisir la façon dont ces œuvres produisent du sens hors des voies de l'iconographie et déterminer les significations historiques qui s'y rattachent. Une définition plus large du modernisme est ici en jeu, ainsi qu'une conception de l'abstraction qui en affirme le socle anthropologique et la fonction cognitive.

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Latreille, Emmanuel. "Le monde comme art." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20024.

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Abstract:

L’art moderne et contemporain a quitté le régime de la Représentation pour expérimenter d’autres fonctions et proposer à un nouveau « regardeur » d’autres rapports avec la réalité vécue. Pour cela, il faut que quelque chose de fondamental ait changé dans la relation de l’artiste au monde : l’espace n’est plus quelque chose qu’il élabore au moyen de l’oeuvre, ou en elle. L’espace est, pour l’artiste moderne, une « donnée » dans laquelle il est placé d’emblée, à l’instar de tout être. Cela veut dire qu’il n’y a pas d’espace propre à l’oeuvre d’art qui ne soit l’espace du monde lui-même. L’art, c’est le monde, à travers l’engagement de tout ce qui l’occupe.C’est ce que Jean Paulhan (1884-1968), en parlant des cubistes, avait appelé « l’espace brut » ou « l’espace spontané », et qui est désigné ici comme « l’espace réel », pour le différencier de toute fiction spatiale. C’est aussi ce que Marcel Duchamp a élaboré à travers ses expérimentations sur les choses et le langage, l’ayant conduit à concevoir cette complexematrice de l’art qu’est le Ready-made en remplacement de la Perspective. Ainsi, ce qu’on nomme art contemporain est un art qui s’élabore dans le monde, impliquant les êtres et les choses, les formes et les signes, mais aussi la « lumière » des idées, toujours déjà là. Comprendre l’art, c’est, pour chacun, appréhender, sans pouvoir se dérober, comment se joue une rencontre entre ces entités contradictoires, visant une unité nouvelle et exprimant l’intuition du monde comme Tout.Cette thèse est un tel effort de compréhension qui, dans ma pratique de commissaire d’exposition et de critique d’art, a été partagé avec des artistes, au plus près des oeuvres et dans de multiples contextes, dans le cadre de ces institutions « d’aménagement du territoire » que sont les Fonds régionaux d’art contemporain
Modern and contemporary art have abandoned the system of Representation to experiment with other functions and to offer a new “beholder” different relations with a lived reality. To do this, something fundamental had to alter the artist’s relation to the world: space is no longer developed by means of the work, or within it. For modern artist, space is a “given” in which he is immediately placed, like any being. This means that there is no space peculiar to the work of art which is not the space of the world itself. Art is the world, through the involvement of everything occupying its space.This is what, in talking about the Cubists, Jean Paulhan (1884-1968) called “raw space” and “spontaneous space”, which is here described as “real space”, to differentiate it from any spatial fiction. It is also what Marcel Duchamp developed in his experiments involving things and language, leading him to devise that new matrix of art known as the Readymade,replacing Perspective. So what we call contemporary art is an art that is developed within the world, involving beings and things, forms and signs, invariably already there. For everyone, understanding art is grasping how, without being able to sidestep, the encounter between these contradictory entities is enacted, aimed at a new unity and expressing the intuition of the world as a Whole.This thesis is such an effort at comprehension, which, in my activities as an exhibition curator and art critic, has been shared with artists, at very close quarters with works and in many different contexts, within the framework of those institutions of “regional development”, the regional contemporary art collections (FRAC)

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Moldoveanu, Mihail. "Barcelone : la création architecturale contemporaine à l'écoute du modernisme catalan." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040270.

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Abstract:

La ferveur de l'art nouveau catalan - le modernisme, qui fait de Barcelone une capitale de l'art européen au début du siècle - se voit perpétuée par un contre-courant contemporain dont l'affirmation est liée à l'essor de l' « intériorisme », mouvance esthétique propre aux années 1980 et 1990. Ces deux mouvements semblent être reliés par des correspondances fascinantes. Les affinités et les analogies qui rapprochent les modernistes des créateurs d'aujourd'hui peuvent être regroupées autour de plusieurs thèmes, dont les plus notables font l'objet de cette étude. La définition de chacun de ces thèmes sera suivie d'une caractérisation plus détaillée, fondée sur des exemples choisis parmi les créations représentatives des deux époques. Comme il s'agit de montrer des caractéristiques propres à l'école de Barcelone, la plupart de ces exemples se trouvent dans cette ville ; la recherche englobe toutefois plusieurs réalisations notables situées en catalogne et à l'étranger, témoignant ainsi du prestige international de cette mouvance au début et à la fin du XXe siècle. Afin de mieux connaitre l'architecture de l' « école de Barcelone » sous quelques-uns de ses aspects les plus significatifs, l'étude commence par une brève présentation des créateurs les plus marquants des deux époques. Ils sont : Oscar Tusquets, Dani Freixes, Alfredo Arribas, Juli Capella et Quim Larrea, Pepe Cortes, Albert Viaplana, Enric Miralles, Tonet Sunyer, ainsi que les modernistes Lluis Domenech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch, Josep Fontsere, Antoni Gaudi, Josep Maria Jujol, Cesar Martinell, Rafael Maso et Lluis Muncunill. Les attitudes comparables observées -entre modernistes et créateurs d'aujourd'hui- font l'objet de dix chapitres: 1. Une architecture conçue comme spectacle, 2. Le libre usage de l'histoire et de ses modèles, 3. La symbiose avec les arts plastiques, 4. L'influence majeure des arts décoratifs, 5. L'art de l'ingénieur, 6. Le plaisir de la géométrie, 7. La fascination pour les matériaux, 8. L'univers poétique, 9. La surprise, facteur majeur, 10. La provocation, forme de dialogue.

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Le, Penven Françoise. "Les notes de Marcel Duchamp ou l'art d'écrire." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010657.

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Abstract:

De 1912 à 1923, alors qu'il murissait le projet d'un nouveau tableau, Marcel Duchamp se mit à confier au jour le jour à des papiers de fortune, ses idées et conjectures. Ainsi sont nées les notes. Esquivant la concrétisation d'un tableau et son achèvement, Marcel Duchamp opta pour le chantier d'une œuvre en reproduisant à l'identique ses brouillons et en les rassemblant dans des boites. Nous avons souhaité suivre l'avènement de ce projet singulier qui prit racine dans un contexte familial, personnel, éthique et intellectuel qui lui fut propre. Un système de renvoi et de concentration transforme la réception de ces écrits en un appel intertextuel incloturable. Mais le constat d'une œuvre faite de mots ne saurait faire passer sous silence la phobie duchampienne du langage. La mise en abime d'une théorie d'un langage mis sous « conditions » atténue la portée d'un tel paradoxe. Libérés de leur fonction d'usage, les mots écrits et leur plasticité s'étant substitués à la palette attendent d'être estimés dans la spécificité de leur medium et de leur « signification d'image ». Enfin, l'ouverture des notes repose sur une circularité de forme et de principe qui confère au texte qu'elles constituent un genre indéterminé (livre, livre d'artiste, peinture écrite ?. . ) Et surtout un caractère d'infinitude.

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Beaud, Mathieu. "Iconographie et art monumental dans l'espace féodal du Xème au XIIème siècle : le thème des Rois Mages et sa diffusion." Phd thesis, Université de Bourgogne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00841677.

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Abstract:

Cette thèse porte sur l'iconographie des Rois mages du Xe au XIIe siècle à travers l'étude de son adaptation sur supports monumentaux dans l'Occident latin, pour déceler la reformulation du thème dans la " société féodale ". Pour ce faire, le premier fil conducteur est la conception du statut royal qu'acquièrent les Mages de l'Évangéliste Matthieu au Xe siècle, analysée parallèlement à celle de la figure dirigeante élaborée sur cette période et décrite par Marc Bloch dans Les Rois thaumaturges (1924) et par Ernst Kantorowicz dans Les deux corps du Roi (1957). L'optique est de définir la place des nouveaux Rois mages dans les intrications de liens " d'homme à homme " dépeintes par Marc Bloch. Le second est la notion d'espace féodal, étudiée en profondeur par Robert Fossier, autour du concept " d'encellulement ", et par Alain Guerreau qui applique cette idée à l'espace sacré. La notion d'espace féodal régit à la fois le corpus des décors étudiés, leur intégration dans l'espace ecclésial et la conception de l'espace iconique lui-même. Une analyse phénoménologique fait ainsi apparaître une figure des personnages dans l'" imaginaire féodal ", pleinement investis de la fonction royale et de son aura, trouvant leur place dans un système mental que l'analyse de grands ensembles iconographiques permet de définir. En tant que figures universelles abstraites, les Rois mages forment ainsi une projection claire de l'idée de groupe, modulée selon diverses consciences fédératrices, de sa cellule la plus restreinte à l'universalité chrétienne.

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Ayrault, Patricia. "L'affiche en Espagne de 1915 à 193O : a la recherche de l'Art-Déco." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1998PA030047.

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Abstract:

A travers 441 affiches editees en espagne de 1915 a 1930, notre objectif a ete d'analyser la rhetorique de l'affiche espagnole et de determiner ce que represente l'affiche art-deco en espagne par rapport au contexte international. Nous avons reportorie trois categories: -l'affiche traditionnelle, reunissant la tauromachie, les representations religieuses de saragosse, seville et de malaga. - l'affiche regionale au pays basque et en galice. - l'affiche moderne de valence, barcelone et madrid. La these se compose de deux blocs: une synthese dans les trois premieres parties et une analyse dans les quatre autres. Voici les axes de chacune d'entre elles : la premiere est un examen du contexte economique, sociologique et politique de la periode etudiee. La deuxieme definit l'affiche et la troisieme le concept d'art-deco. Les quatrieme, cinquieme et sixieme parties etudient successivement l'affiche traditionnelle, regionale et moderne. La septieme est une analyse stylistique de l'ensemble des categories pre-citees sur le plan dimensionnel, chromatique et typographique
Through the study of 441 posters published in spain from 1915 to 1930, my purpose has been to analyse the rhetoric of spanish poster art as well as to determine the place and importance of spanish art-deco posters in world of posters. Posters have been classified into three categories : - traditional posters with bullfighting and religious themes from saragossa, seville and malaga. - regional posters, from basque country and from galice. - modern posters, from valencia, barcelona and madrid. My dissertation consists of two main units: a synthesis in the first three parts and an analysis in the other four parts. The main lines for each of them are as follows : - part one examines the economic, sociological and political environment of the period under study. - part two provides a definition of posters and part three identifies the concept of art-deco. - part four, five and six examine the traditional, regional and modern day posters in succession. - part seven analyses the style of all the categories mentioned from a dimensional, chromatic and typographic aspect

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Park, Sangsoon. "Les personnages et l'espace dans l'oeuvre dramatique d'Henry de Montherlant : essai d'approche sémiologique." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100123.

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Abstract:

Dans notre étude, nous avons tenté d'analyser sous la perspective sémiologique l'oeuvre dramatique d'Henry de Montherlant, dans laquelle nous trouvons les signes et les règles syntaxiques internes qui gouvernent leur combinaison. Nous avons divisé notre étude en deux grandes parties : les personnages et l'espace. La première partie est consacrée aux personnages. Nous avons médité la fonction et la signification des personnages Montherlantiens : actant au niveau syntaxique, acteur au niveau sémantique et figure au niveau rhétorique. Dans la deuxième partie, nous avons analysé l'espace, en examinant à l'intérieur du texte théâtral les éléments spatialisés et spatialisables, puisque l'espace théâtral peut construire le système de signes par ses connotations et ses dénotations, comme une sorte d'acte de langage. Dans cette étude de la sémiotisation du théâtre de Montherlant, nous voyons la poétique chez l'auteur : l'alternance et le syncrétisme
In this study, we have tried to analyse the drama of Henry de Montherlant from the angles of semiotics, in which we find the signs and the syntaxical rule that govern their combination. We have divided this study into two parts : the characters and the space. The first part is devoted to the characters. We have meditated on the fonction and the signification of the character : actant in the syntaxical level, acteur in the semantical level and figure in the rhetorical level. In the second part, we have analysed the space, examining the elements spatialisables in the interior of text, as the theatrical space can construct the system of signes by the connotations and the denitations, like a sort of the act of language. In this study of the semiotisation of drama, we have found the poetic of Montherlant : the alternation and the syncretism

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Cauchy, Séverine. "Figures de la boucle : tours, détours et circularités dans les pratiques contemporaines." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20032/document.

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Abstract:

Introduite et parallèlement travaillée par la pratique artistique de l’auteur, cette thèse d'arts plastiques se propose d’étudier les figures de la boucle dans l'art contemporain. Progression curviligne, forme autogénérée, répétition, réciprocité et rétroaction, la boucle est examinée ici sous la question du montage, des échanges et récits critiques qu’elle engage. Questionnant les intentions qui président à l’élaboration de la boucle et des rouages qui en gouvernent la structure, cette étude se rapporte à l’art d’aujourd’hui. De la deuxième moitié du XXe siècle au début du XXIe siècle, cette période est miseen perspective avec diverses incursions opérées dans l’histoire de l’art. La philosophie des Lumières, la révolution industrielle, la modernité et la postmodernité jalonnent ce parcours. Ces allers et retours sont propices aux trois pistes d’investigation – typologies, temporalités et espaces − retenues pour l’ossature de cette thèse. Sous l’observation attentive des objets et appareils qui s’y inscrivent en repères, ceinture, cerceau, ruban, pellicule, bobine, corde, ou carrousel, cette recherche informe la boucle via les médiums de la vidéo, du cinéma, de la peinture, de l’installation et de la performance.Son corpus artistique, par le dialogue d’oeuvres contemporaines (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) et d’oeuvres qui les précèdent (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, Alfred Hitchcock) permet d’analyser selon quelles modalités les figures de la boucle s’apparentent à depoétiques arrangements
This thesis in visual arts, inspired by and worked upon through the author’s own artistic practices, proposes a study of the loop in contemporary art. With its curvilinear progression, its selfgenerating form, its repetition, reciprocity and feedback, the loop is examined through the question of its montage, through the exchange and critical narrative that it initiates. This study relates to the art of today, questioning the intentions which direct the elaboration of the loop and the mechanisms which govern its structure. We put the period, from the second half of the 20th century to the start of the 21st, into perspective with several forays into art history. The philosophy of the Enlightenment, the industrial revolution, modernity and post-modernity all punctuate this exploration. This back and forth guides our investigation into three key themes: typology, temporality and space, which, in turn, act as the backbone of this thesis. Acting as markers, an attentive observation of the following objectsand equipment: belt, hoop, band, film, reel, rope or carousel, this study informs the loop via the media of video, cinema, painting, installation and performance. The artistic corpus, by way of the creation of a dialogue between contemporary works (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) and those which preceded them (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, AlfredHitchcock), allows us to analyse according to what methods the loop amounts to a poetic arrangement

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De, Smet Elsa. "Voir pour Savoir. La visualisation technique et scientifique de l’aventure spatiale dans le monde occidental entre 1840 et 1969." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040160.

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Abstract:

Entre la première photographie jamais prise de la Lune en 1840 par J.W. Draper et la première photographie prise depuis le sol de notre satellite en 1969 par la mission Apollo 11, l’aventure spatiale occidentale a donné lieu à une vaste production d’images. Toutes ont cherché à comprendre, capturer et communiquer au plus grand nombre l’aspect du cosmos. Absorbé comme une évidence par la culture collective, ce corpus hétérogène, protéiforme et aux délimitations complexes, relève d’une histoire culturelle qui reste difficile à classer, entre histoire des sciences et histoire des images. Les visualisations qui en résultent, marquées par les traditions de l’histoire de la représentation et fabriquées en parallèle des évolutions technologiques de l’astronomie et de ses moyens d’observation, ont tout autant façonné le regard de l’astronomie physique et la culture visuelle de ses observateurs néophytes. L’analyse de la formation et de l’épanouissement de l’Art spatial au XXe siècle nous ouvre ainsi les yeux sur un corpus visuel où la coalescence entre science et style est une condition nécessaire à son existence. A l’épreuve de l’histoire de l’histoire de l’art et des études visuelles, ce dernier trouve également toute sa place dans une analyse qui vise à dévoiler la puissance et la qualité performative des images. Qu’il s’agisse d’une imagerie vulgarisant le savoir savant à des fins didactiques, d’une volonté de saisir l’image du cosmos pour le découvrir ou d’une dissémination culturelle au cœur des grands mythes du siècle, l’exploration spatiale fut aussi une entreprise du regard qu’il nous incombe d’observer
Between the first photograph taken from the moon in 1840 by J.W. Draper and the first photograph taken from our satellite’s ground in 1969 by Apollo 11’s mission, western space odyssey led to a wide range of images. They all had the common goal of understanding, apprehending and sharing the aspect of cosmos with as many people as possible. Evidently absorbed by a collective culture, this heterogeneous and multifaceted corpus with many complex boundaries is based on a cultural history, which remains hard to classify, between science history and images history. The resulting visualizations, heavily influenced by the traditions of the history of representation and made in parallel of the technical evolutions of astronomy and its means of observation, have equally shaped the look of physical astronomy and of the visual culture of its neophyte observers. The analysis of the creation and the fulfilment of Space Art in the twentieth century make us open our eyes on a visual corpus where the coalescence between science and style is a necessary condition to its really existence. Confronted to History of Arts and to visual studies, this corpus finds its place within an analysis, which pursues to disclose the power and the performative quality of images. Whether it be an imagery popularizing the deepest knowledge for teaching purposes, a will of grabbing the image of cosmos in order to discover it or a cultural dissemination at the heart of the most important myths of the century, spatial exploration was also an experience of the look we need to observe

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Bérubé, Gabriel. "Expériences sensibles et design urbain, un projet de recherche création : les productions sonores ordinaires des usagers en espace collectif urbain, le cas des traces sonores de pas." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH025/document.

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Abstract:

Dans cette thèse, nous souhaitons explorer la valeur heuristique des sons de pas de l'usager dans l'espace collectif urbain. Cette intention est à l'origine, celle d'un intérêt concernant les productions sonores ordinaires de l'usager, de leurs aspects productifs et actifs à l'intérieur de son expérience quotidienne de la ville. Suite à ce dessein, la notion de trace sonore a été développée afin de mieux saisir, catégoriser et caractériser ces sonorités particulières et ordinaires engendrées par l'usager via ses actions. Souvent ignorées, restant au niveau de l'inconscient de l'usager, les traces sonores de pas font partie de ces sons produits par l'usager, mais qui ne sont pas étudiés dans les domaines liés à l'aménagement. Nous souhaitons alors en connaître davantage sur la teneur des informations que peuvent contenir ces traces sonores de pas et surtout sur les potentiels d'action qui, selon nous, y sont attachés. En résumé, nous cherchons à savoir ce qu'un pas peut nous dire au travers des traces sonores qu'il laisse suite à sa production. C'est ainsi que nous énonçons l'hypothèse que les traces sonores de pas sont porteuses d'informations clés sur l'usager producteur et acteur, sur les autres usagers ainsi que sur l'espace et ce, à même l'expérience sonore en « train de se faire ». Afin de saisir et questionner spécifiquement cette dimension de la trace sonore de pas, une méthodologie singulière a été construite venant interroger l'usager directement sur son vécu sonore, au moment de sa construction. La recherche création et la recherche projet nous ont donné le cadre, mais aussi la latitude nécessaire au développement d'un outil novateur propre à notre problématique : le dispositif sonore. Le dispositif a donc été installé sur quatre sites d'intervention : une terrasse et le parvis de l'ENSAG, une passerelle à proximité des locaux d'un collectif d'artistes et une passerelle située dans un parc urbain à Nantes. Entre immersion et observation, entretien et travail vidéographique, en lien avec le domaine de l'art sonore, notre recherche croise les dimensions sonores, spatiales et usagères. Les analyses conduites s'attardent à révéler et restituer les comportements, conduites, micro-mouvements, gestes et attitudes effectués par les usagers. Les résultats intéresseront le domaine de l'environnement sonore ainsi que le milieu de la conception architecturale et urbaine. En effet, cette recherche propose une meilleure compréhension du rôle des traces sonores de pas dans la composition des espaces collectifs urbains
In this thesis, we explore the heuristic value of a user's footstep sounds in the urban public space. This intention is originally one of a common interest in user sound productions, their productive and active aspects within the daily experience of the city. To achieve this, the concept of sound trace has been developed in order to better understand, categorize and characterize these special and ordinary sounds produced by the user. Often ignored, remaining unconscious to the user, footstep sound traces are part of the sounds he produces, but are not studied in the fields related to urban design. We thus want to learn more about the information content of footstep sound traces, and especially about the potential of action that we believe are related to them. In summary, we want to know what a footstep tells us through the sound traces it makes. We thus state the hypothesis that footstep sound traces carries key informations on its producer, the other users as well as the space, all this throughout the sound experience “in process”. To capture and question this specific aspect of the footstep sound traces, we built a unique methodology that questions the user in real-time on his sound experience. Research design and research project gave us the framework, and the flexibility to develop an innovative tool specifically designed for our problematic : the sound device. The device has been installed on three sites : a terrace and the front of the ENSAG, a footbridge near the studio of a collective of artists and a footbridge located in a city park of Nantes. Between immersion and observations, interviews and video work, in connection with the field of sound art, our research crosses sound, space, and practice dimensions. The analyses reveal the behavior, conduct, micro-movements, gestures, and attitudes made by the users. The results will be of interest in the fields of sound environment as well as architectural and urban design. Indeed, this research offers a better understanding of footstep sound traces roles in the composition of urban public spaces

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Bélanger, Anne-Marie. "(S')Habiter, présence et passage ou Ma nature a horreur du vide." Master's thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/32267.

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Abstract:

Ce mémoire rend compte d’où j’en suis dans ma pratique artistique, à un moment où je tente d’articuler un questionnement sur l’habiter incluant la mobilité, avec sa matérialisation dans une œuvre statique. Dans ce texte comme dans ma production, vous trouverez des fragments provenant de lieux divers, personnels, publics, naturels, urbains, autant que d’univers de pensée variés. En effet, la philosophie, la géographie et la psychanalyse sont mises à contribution et assemblées tant bien que mal pour tenter de saisir comment se joue une présence au monde, dans le corps, le lieu, la pensée, le mouvement, les choses. Ces réflexions accompagnent un corpus d’œuvres tirées de l’exposition Ma nature a horreur du vide, qui ont été réalisées à la suite de déambulations, en ville et en forêt.

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Mavromoustakos, Platon Zach. "Espace dramatique - espace scénique dans le théâtre néo-hellenique contemporain." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030141.

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Abstract:

Cette recherche n'a d'autre intention que de deceler les elements qui persistent dans l'evolution du theatre grec apres la deuxieme guerre mondiale et de les examiner a partir de l'image de l'espace scenique et de l'espace dramatique. Une phase preliminaire basee sur des statistiques des elements textuels a permis le reperage de diverses tendances dans l'image de l'espace dont la plus importante fut nomee "theatre de la vie quotidienne". Par la suite une etude plus approfondie a ete faite sur les pieces et les representations considerees comme etant les plus caracteristiques pour chacune des tendances reperees. Ont ete analysees : la cour des miracles de i. Kambanellis, l'alliance- le jacquet de d. Kechaidis, mana mitera mama de y. Dialegmenos, la famille de y. Armenis, le fantome de m. Ramon novarode p. Matessis, l'arrangement du mariage d'antigone de v. Ziogas, l'histoire d'ali redzo de p. Markaris. Les conclusions degagees a travers cette analyse portent sur les rapports de la dramaturgie neo-hellenique avec la pratique scenique et notamment celle de karolos koun et son theatre d'art, les rapports avec la tradition dramaturgique naturaliste grecque de l'entre-deux-guerres et les influences recues par des dramaturgies etrangeres ainsi que les rapports de l'evolution de la dramaturgie grecque avec la realite sociale des annees qui suivirent la deuxieme guerre mondiale. Sont joints en annexe a ce travail une nomenclature de toute la production dramaturgique et de ses representations de 1942 a 1982 et un compte rendu des statistiques qui constituent la phase preliminaire de ce travail
This research is intended to reveal the elements persisting in the evolution of the modern greek theater through the image of the dramatic and scenic space, since world war ii. A preliminary research based upon statistics of textual elements permitted to spot several tendencies in the image of the space in the modern grek plays in which the most important isnnamed as the "theatre of every day life". A more profound study was to be accomplished on plays and performances considered as being the most caracteristic for each tendency. Were analysed : the courtyard of miracles by i. Kambanellis, the ring - the backgammon by d. Kechaidis, mana mitera mama by y. Dialegmenos, the family by y. Armenis, the ghost of m. Ramon novaro by p. Matessis, the negotiations for antigone's marriage by v. Ziogas, the ali redzo story by p. Markaris. Conclusions from this aproach state the intercourses between modern greek playwriting and scenic practice, especially with karolos koun and his art theatre, intercourses dealing with the traditional greek naturalistic playwriting of the between the two wars period and the influences received by foreign dramatists and finally intercourses refering to the social reality which followed world warii. Annexed to this work are a detailed list of the greek playwriting production and its performances from 1942 to 1982 and a detailed account of the statistics used for the preliminary phase of the whole work

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Kouroutaki, Alexandra. "Surréalisme et peinture métaphysique dans l’art néohellénique : le cas de la « Génération artistique des années 1930 » : Nikos Engonopoulos, Gerassimos Steris, Georges Gounaro." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30057.

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Abstract:

L’objectif de ce travail est l’étude de la démarche artistique du mouvement surréaliste et de la peinture métaphysique en Grèce pendant la période des années 1930. En particulier la thèse étudie le cas des peintres Nikos Engonopoulos, Gerassimos Steris et Georges Gounaro. Tout en examinant « l’idiome pictural » des artistes, ce travail vise également à élucider les influences reçues des artistes Grecs tant par le mouvement surréaliste en France que par les aspirations métaphysiques de la peinture de Giorgio de Chirico. Ainsi orientée, la mise en relation s’effectue sur deux axes, premièrement thématique et deuxièmement stylistique. Dans la première partie, la thèse considère la réception du surréalisme et de la peinture métaphysique en Grèce, effectuée dans des conditions hostiles. Il s`agit donc d`étudier le concept de la « Grécité » et le contexte historique et sociopolitique qui a marqué l’implantation retardée et l’expression affaiblie de cette peinture qui, affranchie des contraintes de l’académisme, a provoqué un scandale sans précédent, combinant Modernisme et Tradition. Dans les parties suivantes, ce travail aborde des thèmes communs dans l`œuvre des artistes du corpus, à savoir l`espace pictural surréel, méta empirique, et onirique, les visions métaphysiques, le rôle du Mythe Orphique, et finalement la représentation et le symbolisme de la figure humaine, historique et mythique, dans son inquiétante étrangeté. De surcroît, la thèse révèle l’originalité de cette création artistique subversive (thèmes choisis, techniques, dessin, et couleurs utilisées) qui a oscillé entre les influences occidentales et la revendication d`une spécificité nationale et culturelle
The objective of this work is the study of the artistic process of the surrealist movement and the metaphysical painting in Greece, during the 1930s. In particular, the thesis examines the case of painters Nikos Engonopoulos, Gerassimos Steris, and Georges Gounaro. While examining the artists’ « pictorial idiom », it also seeks to elucidate the influences received from Greek artists by the surrealist movement in France and by the metaphysical aspirations of Giorgio de Chirico’s painting. The method of approach is based on the parallel, performed on two axes, firstly thematic and secondly stylistic. In the first part this work considers the reception of surrealism and the metaphysical painting in Greece, at the time of the inter-war period, which was carried out in adverse conditions. The reasons for the weak expression of Surrealism and its delayed implantation in Greece are attributed to the socio-political context and the imperatives of the time. This surreal and metaphysical creation, freed from the constraints of academic painting, caused a scandal as she approached Greek tradition in an innovative way. In the following sections the research deals with common topics in the pictorial work of Greek artists’, namely the surreal, meta-empirical, and dreamlike pictorial space, as well as painters’ metaphysical visions, the role of the Orphic myth, and finally the presence and the symbolism of historical and mythical human figures which often follow the principle of metamorphosis. In addition this work reveals the originality of this art (topics, drawing and colours used) mainly due to its Greek character. It’s a particular case study of that thoroughly subversive artistic creation, oscillated between Western influences and claims of national and cultural specificity

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Bencharif, Lila. "Pour une géohistoire de l'immigration maghrébine à Saint-Etienne : entre espace encadré et espace approprié." Saint-Etienne, 2002. http://www.theses.fr/2002STET2098.

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Abstract:

Adoptant un point de vue interdisciplinaire et partant d'une analyse d'un processus de mobilité géographique, cette recherche doctorale étudie les mécanismes d'insertion des populations maghrébines dans la ville, sous l'angle des productions culturelles et des logiques d'appropriation territoriale. Trois axes de recherche découlent de cette problématique. Premièrement, cette thèse examine à partir d'une triple approche géographique, historique, et sociologique le processus migratoire des populations maghrébines à Saint-Etienne, jusqu'à leur installation dans la ville. La deuxième partie de la thèse ouverte sur la notion de contrôle social, est consacrée à l'étude des formes des gestion et d'encadrement de cette migration durant tout le temps de la période coloniale. La troisième partie propose d'étudier les pratiques culturelles et urbaines inscrites et visibles dans l'espace public stéphanois afin de rendre compte de la diversité des "expériences territoriales" des Maghrébins
Wanting an interdisciplinary point of view and starting with the analysis of the geographical mobility of people, this Ph. D research studies mechanisms of insertion of North-African people in the city, and tries to understand what are their cultural products and how they managed to appropriate the territory. Three main lines of research are following from this. The first one is considerating the migratory process of North-Africanin St-Etienne until their settling in the city from the geographical, historical, and sociological point of view. The second part of the research, open to the idea of social control, is devoted to the study of the management and the control of these people during the colonial period. The third part is studying the cultural and urban practices which remain inscribed in the public space of St-Etienne, so as to bring to light the variety of "territorial experiences" of North-African people

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Saeed, Hasan Ali Hasan. "Singularités de l'art contemporain au Bahreïn, à travers le tissu et le tissage." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010504.

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Abstract:

Le but de ma recherche est de montrer l’évolution des activités artistiques au Bahreïn. J'insiste sur les arts plastiques où l'on remarque que le tissu s'est imposé dans les arts appliqués ou décoratifs comme matière dont l'artiste se sert pour réaliser son art. Mon autre objectif est de montrer comment j'ai tiré profit de cette ambiance artistique qui caractérise ce pays. ]'ai développé dans mon travail problématique de la modernité dans son rapport à la tradition. Le développement actif des arts plastiques au Bahreïn s'effectue au milieu des années quatre-vingts, après le retour au pays des étudiants bahreïnis qui ont effectué avec succès les études dans les écoles des beaux-arts européennes et américaines. Ainsi, la libre inspiration de l'artiste, qui est la caractéristique des arts plastiques, se révèle dans la recherche d'une nouvelle manière de peindre, ou toutes les variations sont possibles. Pour réaliser une oeuvre, l’artiste peut assembler des objets tout à fait banals comme les feuilles des arbres, les journaux usagés, les fragments de bois, de céramique, de tissu qui remplace la couleur, sans art figuratif. Le collage est devenu un procédé indispensable à l'artiste qui a adopté Ie changement et a cherché les moyens de rénovation. Cette recherche m'a également permise de mieux connaître le tissu, ses modes de fabrication (tissage) habituels et modernes. J’ai compris que les techniques varient d'un pays a l'autre, que les fils utilisés et les motifs imprimés sur le tissu répondent à des inspirations traditionnelles ancrées dans l'histoire antique mais qui se modernisent pour répondre aux exigences d'un consommateur et d'un amateur de plus en plus connaisseur de l’art du tissage.

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Hulbert, François. "Pouvoir local et espace urbain : un exemple d'aménagement, l'agglomération de Québec." Rennes 2, 1988. http://www.theses.fr/1988REN20013.

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Abstract:

A Québec, capitale de la province, 600 000 habitants, les cadres territoriaux d'appropriation politique de l'espace que constituent les municipalités, la communauté urbaine et les regroupements de municipalités qui l'entourent servent de base à la définition de problématiques d'organisation de l'espace débouchant sur plusieurs schémas d'aménagement pour une même agglomération. L'élaboration de ces schémas d'abord refusée par les élus locaux est ensuite imposée par le gouvernement provincial. Lorsque les municipalités de la communauté urbaine de Québec s'entendent sur un schéma après plus de dix ans de report des échéances, celui-ci n'est plus apte à maîtriser l'avenir de l'agglomération. La croissance urbaine se fait de plus en plus en dehors de cette structure inadaptée sans cesse remise en cause par les élus, au bénéfice des banlieues périphériques et au détriment du centre-ville de la ville centre et de la région dans son ensemble: celle-ci se coupe de plus en plus de sa capitale dont elle n'espère plus les retombées d'une politique sans cesse réaffirmée de développement polarisé. L'observation du fonctionnement de l'agglomération de Québec permet de conclure à la nécessité de l'émergence d'un pouvoir politique au niveau métropolitain et régional. Il s'agit de combler le vide actuel et l'absence d'alternative d'aménagement et de développement que l'analyse géographique, par une démarche d'implication sur le terrain et d'observation participante étalée sur une longue période, permet de saisir. Cet essai de géopolitique urbaine et régionale peut donner un nouvel essor à la discipline dans la mesure où il intègre l'analyse politique à la connaissance de l'espace urbain
The political configuration of Quebec metropolitan area, provincial capital (600. 000 inhabitants), merging municipalities, the Quebec urban community and surrounding associated municipalities provide the basis for the identification of problems linked to the overall organisation resulting in the juxtaposition of several schemes within one metropolitan area. The formulation of such a scheme, at first opposed by local councils, was finally imposed by the provincial government. When, after ten years of delaying tactics, the municipalities constituting the Quebec urban community agreed on a scheme it was already too late to ensure the future of the community. More and more, urban development has expanded beyond the scope of this obsolete structure incessantly contested by local councils to the advantage of outskirt suburbs and to the prejudice of both the urban centre of the main city and of the region as a whole. The latter, becoming progressively severed from the capital, loses faith in the repeated promises of economic benefits supposed to be granted by a policy of development focussed on the regional capital. Surveying the performance of the Quebec metropolitan area leads to the conclusion that political power is needed at metropolitan and regional levels in order to fill the present void and lack of any development policy as can be discovered by geographical analysis through a direct active approach and involvement over a long period. The present experiment in urban and regional geopolitics may open new vistas to the discipline in as much as it brings political analysis within the scope of urban study

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Fraixe, Catherine. "Art français ou art européen ? : l'histoire de l'art moderne en France : culture, politique et récits historiques, 1900-1960." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0115.

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Abstract:

Cette thèse analyse une série d'« histoires de l'art moderne» diffusées en France de 1900 à 1960 comme un « hypertexte» dont les mutations ne se comprennent qu'à la lumière des reconfigurations politiques d'une même question, à savoir la forme de la communauté qu'ils tentent de définir. Entre la nation et l'Europe, le peuple et les élites, les « ethnies» et les « races», ces « histoires» établissent jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des liens complexes, et des distinctions tranchées. Le modèle organiciste testé par la III e République vers 1900 puis au Salon d'Automne structure durant trois décennies un récit qui, selon le cas, se réfère à la psychologie des peuples ou privilégie l'activité créatrice d’une élite, héritière, selon l'Action française, d'un Occident latin. Le modèle impérialiste de l'Europe française chère aux maurrassiens coexiste à la fin des années 1920 avec un récit mettant l'accent sur les caractéristiques « ethniques» de chaque « peuple européen ». Au début des années 1930; enfin, le mythe politique d'un Occident latin cède le pas à la vision biologique d'une Europe latine composée de groupes ethniques appartenant au même « type racial ». Une nouvelle « histoire de l'art» diffuse bientôt les mêmes mots d'ordre que les divers fascismes européens. L'« histoire de l'art moderne », centrée sur des avant-gardes internationales exprimant les valeurs du monde libre, que des groupes américains et européens tentèrent d'imposer au début des années 1950, ne pouvait dès lors qu'entrer en conflit avec les représentations de la nation mais aussi celles d'une Europe supranationale, ethno-raciale, qui avaient dominé l'entre-deux-guerres
This thesis studies a series of « histories of modern art », which circulated in France between 1900 and 1960, as a « hypertext» whose transformations can be understood as political reinterpretations of the same question, that is the form of the community they« describe ». Thus in the first half of the XX th Century, those narratives establish complex relations, and sharp distinctions, between «nation» and «Europe », «people» and «elites », «ethnic groups» and «races ». The organicist model the Third Republic favoured around 1900 and which triumphed al the Salon d'Automne would structure during three decades a narrative which referred either to the so-called psychology of the peoples or to the creative power of an elite, which according to the Action française, would save a Western Civilisation rooted in a Latin tradition. At the end of 1920s, the imperialist model of a « French Europe », dear to the maurrassians, coexisted with a narrative stressing the ethnic caracteristics of each « Europeân people ». Ln the early 30s, the political myth of a Latin Civilisation was at last dispeIIed in favour of the biological conception of a « Latin Europe » composed of ethnie groups belonging to the same « racial type ». A new « history of art» was designed to spread ideas similar to those of the diverse European fascisms. The «history of modern art », focused on international avant-gardes expressing the values of the « free world », that American and European groups tried to impose in the early 1950s, would then conflict not only with nationalist representations but also with the supranational, ethno-racial, « European » models of the interwar period

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Besson, Christian. "Au gai savoir de la critique : histoire de l'art contemporain et sémiotique appliquée (essais monographiques." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20053.

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Abstract:

Le corps de cette thèse est constitué de 23 études monographiques sur l'œuvre d'artistes contemporains pour la plupart. Ayant déjà donné lieu à des prépublications, elles ont toutes été revues, corrigées, augmentées ou précisées et sont rassemblées par ordre chronologique. Chacune porte sur un problème sémiotique particulier: R. Long (dispositif sémiotique et poétique), J. Gerz (critique de la représentation et Dichtung), M. Merz (chiffre de la création), A. Et P. Poirier (Ars Memorandz), M. Verjux (dispositif, allégorie), D. Vermeiren (champ et véhicule), N. Toroni (énoncé et supplément), S. Taeuber (grille), C. Bart (index indéfini), H. Duprat (curiosité), P. Cazal (autoportrait), J. Mogarra (banalité, mysticisme), J. Armleder (désœuvrement), R. Fauguet (chronotope et dialogisme), G. Honegger (création, salvation), G. Umberg (topologie du spectateur), Y. Oppenheim (narratologie picturale), D. Schlier (dessous de la peinture), É. Bossut (substance du signifiant), L. Pariente (neutre), B. Venet (transparence/ opacité), Yan Pei-Ming (nom propre, traduction), D. Buren (nom propre, neutre). Le choix des artistes a été effectué en vue de constituer un panorama sémiotique diversifié. L'analyse des sources discursives (textes et déclarations de l'artiste) est une constante méthodologique. L'" excès critique" (Barthes) est revendiqué. La focalisation délibérée et l'énoncé explicite des interprétants répondent au requisit de falsifiabilité. Une longue introduction fait la synthèse des outils utilisés et développés. Les références principales vont à Ch. S. Peirce et Umberto Eco. L'abandon du critère esthétique par les néo-avant-gardes a conduit à l'adoption d'un point de vue textuel. Les acquis sémantiques, poétiques (questions génériques) et pragmatiques (pr. Intégrée) sont successivement examinés. Leur intrication est pointée. Ainsi conçue, selon une approche monographique et sémiotique, l'histoire de l'art restitue à son objet son " estrangement ", et se range dans le camp de la micro-histoire (Ginsburg). Elle dégage des traits morphologiques qui, mis en perspective (modernité, tradition occidentale, etc. ), laissent apercevoir une historicité non uniforme. Elle débouche sur une archéologie de l'art qui porterait sur la modalité du Croire, plutôt que sur celle du Pouvoir
This dissertation is essentially made up of 23 monographic essays on the work of - mostly contemporary - artists. Previously published in preliminary version, these essays, now collected in chronological order, have all been revised, corrected, amplified or clarified. Each focuses on a specific semiotic problem : R. Long (semiotic and poetic device), J. Gerz (criticism of representation and Dichtung), M. Merz (cypher of creation), A. & P. Poirier (Ars Memorandi), M. Verjux (device, allegory), D. Vermeiren (field and vehicle), N. Toroni (utterance and supplement), S. Taeuber (grid), C. Bart (indefinite index), H. Duprat (curiosity), P. Cazal (self-portrait), J. Mogarra (triteness, mysticism), J. Armleder (un-working), R. Fauguet (chronotope, dialogism), G. Honegger (creation, salvation), G. Umberg, (topology of the beholder), Y. Oppenheim (painting and narratology), D. Schlier (below the painting), É. Bossut (the substance of signifier), L. Pariente (neutral), B. Venet (transparency / opacity), Yan Pei-Ming (proper noun, translation), D. Buren (proper noun, neutral). The choice of these artists was aimed at presenting a diversified semiotic panorama. The analysis of discursive source-material, i. E. Texts and statements by the artist, has been integrated in a constant methodology. "Critical excess is claimed (Barthes). The stated focalisation and the explicit determination of the "interpretant" meet the requisit of falsifying (Popper). Ln a long introduction, synthesis is offered of the instruments which have been applied and further developed. The major references are to Ch. S. Peirce and Umberto Eco. The challenge presented by the neo-avant-garde - viz. Forsaking the aesthetic criterion - open the way to assuming a textual ventage-point. The semantic, poetic (generic questions) and pragmatic (integrated pragmatic) achievements are successively examined. The examination provides a fingerpost to their entanglement. History of art thug considered in a monographic and semiotic approach takes sides with micro-history. It makes it possible to draw out morphologic features which, put in perspective (modernity, Western tradition, etc. ), bring to light a non-uniform history. It leads up an archaeology of art whose matter is the modality of Belief, rather than of Power

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Le, Gouriérec Frédéric. ""Art contemporain", le cas chinois : le jugement d'art au XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040255.

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Abstract:

Cette thèse a pour but de dégager les principes critiques mis en œuvre par le jugement d'art chinois tout au long du XXe siècle. La première partie s'attache à dégager les enjeux des ruptures attestées par l'histoire dans le passage de l'art lettre ancien à l'art moderne, puis à l'imagerie maoïste et enfin à l'art contemporain, et aboutit à une remise en cause de la pertinence de ces catégories dans le cas chinois. Il est établi que l'art lettré se définit uniquement comme un exercice de jugement. L'art moderne ne s'explique pas par l'opposition historique simpliste et fausse de la tradition chinoise et de la modernité occidentale. L'introduction de la peinture à l'huile dans l'art, bien après son entrée dans la vie quotidienne des chinois, permet de dissocier la technique du jugement porte sur elle. L'organisation sociale de l'art moderne s'avère ne correspondre en rien aux divergences critiques déterminantes. L'émergence de l'art moderne ne s'explique que par la crise morale propre à l'art et celle plus générale de la société. L'étude de l'imagerie maoïste permet de distinguer trois formes de jugement porte sur l'image. Celle-ci peut n'obéir qu'à un principe d'efficacité et de plaisir lié à l'accomplissement de sa fonction et à la dispense de l'effort : c'est le goût général des paysans. Elle peut être l'objet d'une règlementation morale rigoureuse : c'est le dogme réaliste socialiste, dont l'art soviétique n'est qu'une forme historique au même titre que l'art maoïste, sans en être le modèle. Elle peut n'être que le prétexte d'un jugement libre se prenant lui-même pour fin : c'est le cas de l'art qui s'est maintenu sous le régime communiste. L'art contemporain, qui s'inscrit dans une tripartition identique du jugement, n'est en rien distinct de ses prédécesseurs, malgré la plus grande diversité de ses formes. Dans la deuxième partie, elles sont analysées en fonction des critères de jugement réels attestés par l'étude historique et systématisés, selon qu'ils touchent à la technique, à la pensée, à l'histoire ou au jugement lui-même. Cette méthode fondée sur la confrontation rigoureuse du raisonnement aux faits permet de définir des catégories dont la validité pour l'étude de l'art en général est prouvée et non seulement entérinée par l'usage faute de mieux.

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Kim, Eun-ho Paulin. "Art nouveau et art du vitrail." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080194.

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Abstract:

Travail d'une plasticienne, fascinee par l'art nouveau en architecture et bien sur dans le vitrail. - l'introduction - generale - traite egalement du verre considere comme une matiere vivante. Cet aspect est developpee dans le corps du texte. - la fonction historique du vitrail dans l'architecture, completee par une presentation de l'ecole de nancy et de j. Gruber. - illustration de cet art par les representants les plus eminents : peintres, concepteurs de vitraux, architectes. - la presentation et l'analyse de ma propre pratique : realisation de copies, restaurations et creations dont plus recentes
This is the work of a plastic art profesional, fascinated by art nouveau in architecture and naturelly in stained glass work. The introduction - although general - deals as well with glass considered as a living substance. This aspect is developped in the work itself. - historical function of stained glass, completed by an exhibition of the "ecole de nancy" and j. Gruber. - illustration of the art by its most prominet artists : paintors, stained glass designers, architects. - presentation my own practice and exhibition of my works : copies restorations, creations including the most recent ones

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Eudes, Émeline. "Vers une poétique d'un langage plastique dans l'art contemporain finlandais, islandais et norvégien." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083684.

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Abstract:

Pour des raisons historiques et géographiques (indépendance instaurée au XXe siècle, position isolée à la périphérie de l’Europe, climat et environnement naturel prégnants. . . ), la langue et l’acte de langage sont devenus en Finlande, en Islande et en Norvège des gestes décisifs pour la représentation de soi et l’exploration de son environnement. Partant de cette constatation, le travail de recherche examine la continuité de cette notion de langage à travers les arts plastiques de chacun de ces pays, faisant ainsi se recouper les préoccupations historiques, culturelles et artistiques. Avec pour but de dépasser la simple constitution iconographique d’un art du Nord, ce mémoire consiste à envisager d’un point de vue esthétique l’acte plastique au sein d’un environnement particulier. Tout en voyant émerger un certain type de création, il s'agit d'interroger sous un jour différent les relations image/langage, faire/percevoir, imagination/imaginaire. Au fil des œuvres présentées se dégage une expérience plastique originale, prise entre des problématiques langagières communes à tout acte communicationnel et l’influence incompressible du milieu Nord-européen. La première partie est dédiée à la pratique du dessin en Finlande. Les travaux d'une dizaine d'artistes finlandais permettent de sonder le statut conféré à la trace graphique dans l'établissement d'un lien phatique, première étape préfigurant la parole. La deuxième partie se concentre sur la tradition de l'écriture et de la narration chez les artistes islandais. Avec pour arrière-plan culturel les Sagas médiévales, la pratique du livre d'artiste et le récit chanté s'avèrent le lieu d'une étude du mode de fonctionnement des mots dans une dimension non plus seulement littéraire mais aussi plastique. La dernière partie s'intéresse au geste et à la performance en Norvège. À travers la présence des corps et leurs mouvements, c'est l'indexicalité qui est mise au jour comme un motif de base des pratiques artistiques locales. De façon transversale, la notion de paysage sous-tend l'ensemble de la recherche, en tant qu'analogie labile entre l'expérience de leur environnement par les artistes, par les spectateurs, et les œuvres créées
For historical and geographical reasons (independence settled in the 20th century, isolated position at the edge of Europe, ever-present weather conditions and natural environment. . . ), the act of language has become in Finland, Iceland and Norway a decisive moment for self-representation and the exploration of one owns environment. From this state of things, the research work has a close look at the on-going of this notion of language through the arts of each of these countries, making over-cross historical, cultural and artistic concerns. With such an aim as to go beyond the simple constitution of a Nordic art iconography, this essay consists into considering from an aesthetical point of view the artistic act in a particular context. While witnessing of the rising up of a certain type of creation, the relations between image and language, making and perceiving, imagination and sociologic imaginary are being investigated under a new perspective. The first part is devoted to the practice of drawing in Finland. The works of about ten artists enable to overview the status given to the graphic mark in the creation of a phatic link, first step prefiguring the word. The second part is about the tradition of writing and narrative among Icelandic artists. With as cultural background the medieval Sagas, the practice of the artist book and of the sung narration are the study place of the words not only as a literacy matter but a fine art one as well. The last part deals with motion and performance in Norway. Through the presence of bodies and their movements, the indexicality appears to become a fundamental pattern for local artistic practices. Eventually, the notion of landscape is a useful leitmotiv, which helps into making understandable the links between the experience of their environment by the artists and the spectators, and the art works

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Ravant, Claude. "De l'URSS à la Russie : recherches sur l'art non officiel moscovite depuis la mort de staline jusqu'à nos jours." Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100092.

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Abstract:

Ce travail retrace l'histoire du développement de l'art non officiel moscovite depuis la mort de Staline jusqu'à son entrée dans un musée national, la Galerie Tretiakov en l'occurrence. Il tente de définir un fil conducteur entre l'art non officiel des années 60, souvent négligé au profit du conceptualisme de la décennie suivante, l'art officiel déviant (" l'aile gauche" de l'Union des artistes), l'art semi-officiel (l'art cinétique, l'hyperréalisme), et l'art non officiel dans son ensemble. Les différentes grandes tendances de cet art y sont analysées : le néo-modernisme qui se développe parallèlement au dégel khrouchtchévien, le sots-art, le conceptualisme des années 70 et 80, le post-conceptualisme de la période de la perestroîka et enfin le néo-actionnisme qui fait son apparition dans les années 90 ainsi que la photographie qui prend un nouvel essor à la même époque. Ces mouvements sont envisagés à la lumière de leur contexte politique, institutionnel et artistique. Ils sont parallèlement examinés par rapport aux relations qu'ils entretiennent avec l'idéologie soviétique. Enfin, de façon concomittante, ils sont appréhendés d'un point de vue sémiologique, puisque le langage verbal se révèle être au centre de la problèmatique de la représentation picturale soviétique.

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Spiesse, Emmanuelle. "Devenir artiste au Nigeria : du début du XXème siècle au début du XXIème siècle." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010623.

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Abstract:

A partir d'archives inédites et d'une centaine d'entretiens auprès d'acteurs de l'art (artistes, galeristes, historiens de l'art, universitaires, collectionneurs, journalistes), cette étude reconstitue des trajectoires pour devenir artiste contemporain au Nigeria. Ces trajectoires passent notamment par des lieux de formations (universités, ateliers), par des lieux d'expositions (les galeries lagosiennes. . . ), par l'insertion de l'artiste dans un réseau professionnel, personnel et/ou associatif et enfin par son combat ambivalent pour la reconnaissance de son art dans son pays et à l'extérieur. Si l'analyse des œuvres permet de faire émerger, écoles, styles et centre d'intérêts des artistes, elle ne se satisfait pas - au contraire d'un certain nombre d'histoires de l'art contemporain africain précédemment écrites - d'un regard qui se limiterait à la catégorisation de celles-ci. En ce sens, cette recherche ne permet pas seulement d'invalidité la quête d'authenticité dans l'art contemporain africain mais permet surtout de démontrer que le champ de l'art contemporain est âprement discuté en Afrique même.

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Gonthier, Joëlle. "Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne, Duchamp, Feuys, et leurs célibataires mêmes." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010545.

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Abstract:

Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne Duchamp, Beuys et leurs célibataires mêmes, explore ce qui s'enseigne et se pratique afin d'esquisser une définition de l'art dont nous sommes les contemporains. Les voies empruntées sont celles des artistes, celles mises en évidence par des analyses issues d'entretiens réalises auprès d'eux et de scientifiques et, enfin, celles issues d'une approche processuelle de la pratique artistique, tant dans son versant de création que dans celui de réception. La première partie définit un corpus en le soumettant à la double épreuve de l'art et de l'éducation. À son terme, il est tangible que l'art -comme la formation- s'empare de tout ce qui le sert, quel que soit le champ initial dans lequel il puise ses moyens conceptuels et matériels. La seconde partie analyse des processus sollicitant, entre autres, la perception, la représentation et la création. Les régimes de la pensée sont interrogés : la formation du concept, l'usage du langage comme le recours à une pensée élaborée grâce aux arts plastiques et à l'écriture. L'étude des fonctions de l'arrangement, de la composition, de l'ordre, du lieu ou de l'espace permet de dégager les gains cognitifs pour la personne et la conquête de territoire bénéficiant à l'art lui-même. La troisième partie reproduit les entretiens. Ils donnent à entendre divergences, nuances ou communauté de vue. A leur suite, le risque pris à la définition de l'art résonne autrement : loin de l'abstraction supposée détachée d'une pratique, la formulation repose sur l'expérience et l'analyse qui en est faite. L'idée de l'art comme une ile perdue et d'un monde à part tombe. La formation devient préparation à l'évènement qu'est l'œuvre.

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Warnet, Jean-Manuel. "Le laboratoire théâtral au XXe siècle : un espace de recherche pour le théâtre d'art." Rennes 2, 2005. http://www.theses.fr/2005REN20044.

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Abstract:

L'histoire de la pratique théâtrale au 20e siècle est jalonnée de lieux d'expérimentation, que l'on peut regrouper sous l'appellation de laboratoires (qu'ils portent ce nom ou celui d'ateliers, studios, centres de recherches, etc. ). Le laboratoire de théâtre est un espace et un temps spécifiques où un collectif de professionnels de la scène, sous la direction d'un maître, mène un travail de recherche dans différents domaines de la pratique théâtrale, indépendamment de la nécessité immédiate de produire un spectacle devant un public. Il s'est inventé dans le mouvement qui a vu l'essor du théâtre d'art et de la figure du metteur en scène, en Russie d'abord avec le Studio du Théâtre d'Art de Moscou en 1905. Cette expérience fondatrice a donné naissance aux nombreux studios de recherche sur le jeu de l'acteur, ceux du " système " de Stanilavski, Soulerjitski, Mikhaïl Tchekhov, Boleslavski, Vakhtangov, et celui de Meyerhold en 1913-1917. Celui-ci, de même qu'Edward Gordon Craig et Jacques Copeau, mêle l'enseignement et la recherche dans une forme réalisée ou utopique d'école expérimentale. Dans cette première moitié du vingtième siècle, le laboratoire théâtral trouve essentiellement ses modèles dans la communauté religieuse ou , comme chez Meyerhold en URSS, dans l'avant-garde politique. Il faudra attendre les années soixante pour que resurgisse une forme nouvelle du laboratoire, sous la houlette de Jerzy Grotowski, qui à la fois se place dans le sillage de Stanislavski et donne l'élan aux aventures ultérieures de Peter Brook et Eugenio Barba. Suivre cette notion de laboratoire à travers le siècle et le continent, c'est écrire une autre histoire du théâtre d'art, qui tente de percer les profondeurs du travail théâtral et d'en examiner le processus secret plutôt que les résultats spectaculaires
The 20th century history of theatre practice in Europe is marked by notable places for experimentation which, as workshops, studios or research centres, can be collectively described as theatre laboratories. The theatre laboratory is a specific place and time where a collective of stage professionals, led by a mentor, conducts research in various domains of theatre practice without the urgent need to produce something for an immediate audience. Theatre laboratories emerged in parallel with the trend to give a key part to art theatre and to the personality of the stage director. Russia was the first country for experimentation with the Art Theatre studio in Moscow in 1905. That founding experience was the stimulation for creating many other studios for research on acting, those of the “system” of Stanilavski, Soulerjitski, Mikhaïl Tchekhov, Boleslavski, Vakhtangov, and that of Meyerhold in the URSS in 1913-1917. Following attemps by Edward Gordon Craig and Jacques Copeau, the latter combined teaching and research in the achieved or utopian form of an experimental school. In the first half of the twentieth century, the theatre laboratory found its models essentially in the religious community or, for the case for Meyerhold in URSS, in the political avant-garde. It was not until the sixties that a new form of laboratory emerged, under the leadership of Jerzy Grotowski. This new format followed the path set by Stanilavski, and it provided the impetus for Peter Brook's and Eugenio Barba's ultimate successes. Reflection on this notion of laboratory over the 20th century and throughout the continent provides a new view of the history of theatre art. The reflection is an attempt to unveil the depths of theatre-related work and to examine the underlying process rather than is spectacular results

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Le, François Christophe. "La même chose, mais différemment : pour une approche de la récursivité en arts plastiques." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010625.

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Abstract:

L'art contemporain ne se contente pas de produire, il explore, également, les conditions dans lesquelles les pratiques se déploient. Quatre registres sont abordés : l'intention de l'artiste, les conditions de fabrication de l'objet plastique, les conditions de sa présentation, et les conditions de sa conservation. À la réflexion sur les processus s'adjoint un questionnement sur les rapports qu'entretiennent l'oeuvre et le document. Pour cela, divers instruments d'investigation sont proposés : dispositif, protocole, objet-laboratoire, objet-document, "pictème", "pictosphère", et notation plastique
Contemporary art does not content to create art works, it also explores the conditions in which the art practices display. Four registers are here studded : the intention of the artist, the conditions of the manufacturing of the objects, the conditions of their presentation, and the conditions of their preservation. To the consideration of the process is added the question of the link between the art work and documents concerning it. For this, different instruments of investigation are proposed : device, protocol, object-laboratory, object-document, "picteme", "pictosphere", and artistic notation

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Pringuet, Virginie. "Vers un atlas de l'art dans l'espace public : la modélisation d'un musée réticulaire." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20006/document.

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Abstract:

Art dans l’espace public, art public, art à ciel ouvert, art in situ, Land art ou encore musée sans murs, autant de termes polysémiques qui désignent un champ artistique souvent au coeur des polémiques mais finalement peu documenté. Cette thèse en esthétique s’inscrivant dans le mouvement des humanités numériques est consacrée à la problématique de l’inventaire, de la cartographie et de la visualisation des oeuvres d’art dans l’espace public. Le projet de recherche est constitué de deux volets : une plateforme numérique - le site Wiki et l’application mobile Atlasmuseum - et la thèse. L’examen de plusieurs initiatives, nationales et internationales, de cartographie d’oeuvres d’art public, de projets pionniers d’inventaires numériques et de collections institutionnelles sur le Web s’est opéré à partir d’une question centrale : comment concevoir une instance muséale pour des oeuvres situées précisément en dehors du périmètre du musée ? Et de manière corollaire : comment modéliser un « musée réticulaire » dans le contexte de l’ouverture, de l’interopérabilité des données culturelles et du Web sémantique ? Partant du constat de l’hétérogénéité et de l’incommensurabilité constitutive du corpus d’oeuvres ainsi qu’à travers la lecture rapprochée et distanciée d’une sélection d’oeuvres d’art public contemporain (issues notamment du « 1% artistique » et de la commande publique entre 1951 et 2016), la thèse est construite autour de la conception d’une instance muséale reliant à travers leurs notices plusieurs centaines d’oeuvres, d’artistes et des lieux. La plateforme Atlasmuseum est un dispositif à la fois curatorial, muséologique et muséographique qui regroupe selon un mode contributif curators, conservateurs, amateurs d’art, artistes, informaticiens, historiens de l’art, documentalistes, enseignants et étudiants ; elle repose sur le logiciel Mediawiki enrichi de l’extension SemanticMediawiki. A l’intersection de la cartographie, de la muséologie critique et de l’anthropologie de l’art, la thèse est structurée en quatre parties. La première est consacrée à la carte comme médiation entre les oeuvres et les lieux. La carte y est examinée selon différents points de vue afin d’esquisser les grandes lignes d’un outil d’inventaire potentiel pour les oeuvres d’art public. La deuxième partie de la thèse consiste à prolonger les premières hypothèses en opérant un double changement d’échelle, de la carte à l’atlas et symétriquement de l’inventaire au musée. Suit la partie « centrale » de la thèse, qui constitue une version « papier » de la plateforme Atlasmuseum dans ses deux formats (Web et mobile) et dans ses quatre dimensions (exploration, contribution, recherche et sémantisation). Dans la quatrième partie est proposée une lecture « à distance » des données récoltées et des hypothèses explorées dans les parties précédentes, notamment à travers la constitution d’un corpus d’oeuvres restreint. L’hypothèse explorée dans cette partie est celle de la visualisation ontologique des notices d’oeuvres à travers une modélisation et une spatialisation spécifique des données et des métadonnées (selon le modèle CIDOC CRM ). Il s’agit ainsi au fil de la thèse d’opérer plusieurs glissements de terrain successifs et rétroactifs, de la théorie à la pratique, du curating artistique vers la curation de données, de la carte vers l’inventaire, de l’atlas vers le musée, du diagramme vers le réseau
Public art, site specific, in situ art, Land art or museum without walls, various polysemic terms are used to designate the field of art in public space, much commentated but finally little documented. This thesis in Aesthetics and Digital humanities aims to account to the modeling process of a “reticular museum” for public art. The research project consists of two parts: a digital platform - the Atlasmuseum wiki site and mobile application - The application and the thesis itself. A review of several, national and international initiatives of public art maps, pioneering projects of digital inventories and online institutional collections has been conducted from a central question: how to design a museum structure for artworks located precisely outside the museum traditional perimeter? And consequently: how to model a contributory inventory tool in the context of cultural linked open data and the Semantic Web? Taking account of the immeasurable and heterogeneous corpus of public artworks, and through close and distant readings of a selection of contemporary public artworks (“1% for art in architecture” and public art commissions in France between 1951 and 2016), the thesis is built around the concept of a “reticular museum” connecting through their records hundreds of art pieces, artists and sites. Dedicated to public art inventory, through specifically designed notices, maps, atlases and visualizations, the Atlasmuseum platform aims to reunite on a contributory basis, curators, artists, computer scientists, art historians, librarians, art lovers, teachers and students. Atlasmuseum is based on the MediaWiki software enriched with the Semantic MediaWiki extension. It is a curatorial as well as a museological and museographical project. At the intersection of critical cartography, critical museology and anthropology of art, the thesis is structured in four parts. The first is devoted to the map as mediation between artworks and their sites. The map is examined from different points of view in order to sketch the outlines of a potential inventory tool for public art. The second part of the thesis aims to extend the initial assumptions by working a double shift of scale, from the map to the atlas and symmetrically from the inventory to the museum. Follows the “central” part of the thesis, which is a “printed” version of the Atlasmuseum platform in both formats (Web and mobile) and its four dimensions (exploration, contribution, research and semantization). In the fourth part, a close and distant reading of a specific collection of artworks (art pieces created for the tramway networks in France) is conducted through data visualizations. The hypothesis is that an ontological data visualization (using the CIDOC CRM model) can offer a new form of perception and apprehension of these artworks within their environment and context. Thus the thesis operates successive and retroactive landslides, from theory to practice, from artistic curating to data curation, from the map to the inventory, from the atlas to the museum and from the diagram to the network

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Sotropa, Adriana. "La tentation symboliste dans l'art en Roumanie, de la fin du XIXe siècle à l'entre-deux guerres : promoteurs, formes, réception." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010567.

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Abstract:

Catégorie régulièrement employée et reconnue par les historiens de l'art roumain, le Symbolisme méritait d'être réexaminé dans ses contours et son contenu. Il convenait pour cela de retrouver des artistes et des oeuvres relégués aux oubliettes de l'histoire pour les premiers ou dans l'ombre des réserves, au mieux, pour les seconds. Force est de constater, de ce point de vue, à quel point une forme d'« idéalisme» se manifeste avec plus d'intensité et de variété en sculpture qu'en peinture, malgré l'affirmation d'un certain antinaturalisme. L'analyse des discours auxquels ont donné lieu ces oeuvres, tant à l'époque de leur création que dans l'histoire de l'art, révèle les fondements des jugements dépréciatifs dont elles font parfois encore aujourd'hui l'objet, de mesurer les difficultés liées à I'affirmation d'un « Symbolisme » en Roumanie, de mesurer le poids réel ou supposé de l'étranger, en particulier l' Allemagne et la France, dans un pays en quête de racines, où bien des acteurs s'efforcent d'encourager l'affirmation d'un art national. Cette triple confrontation des artistes, des oeuvres et des discours, permet en dernière analyse de réécrire un nouveau chapitre de l'histoire de l'art moderne en Roumanie

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Burlakova, Maria McConaghy. "Art et commerce : développements, collaborations et conséquences de la révolution industrielle à nos jours." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010564.

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Abstract:

Cette thèse encadre des relations complexes entre le monde de l'art et le monde du commerce en Occident, depuis la révolution industrielle à travers les interactions de quatre entités : musées et galeries, boutiques et grands magasins. Des exemples dans l'architecture, dans la mode, le luxe, le design, l'aménagement de l'espace d'exposition, les oeuvres d'art des artistes contemporains et les aspects de la vie quotidienne démontreront qu'aujourd'hui, nous témoignons la convergence de ces deux mondes à cause d'une nécessité commerciale, où chaque marchandise veut être dessinée par un artiste ou un designer dans le but d'augmenter sa valeur économique alors même que sa valeur de production baisse chaque année. Simultanément, l'art contemporain s'éloigne de la matérialité et prône l'éphémère. Ce travail propose une vision optimiste sur le sort de l'art dans notre société d'hyperconsommation où il s' agit de la démocratisation de l' art et de 1'« artialisation » de la vie.

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Couton, Valérie. "L'art contemporain amérindien au Canada : essai d'analyse d'un mouvement artistique." Lyon 2, 2002. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2002/couton_v.

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Abstract:

L'art contemporain amérindien au Canada est un art isolé qui n'a fait l'objet que de très peu d'études. Il reflète une culture transitionnelle qui se situe au croisement entre la tradition amérindienne et la lecture occidentale contemporaine. Art hybride, il reflète la coexistence de deux cultures, la recherche d'une identité proprement autochtone, et fait émerger un discours qui traite des nombreux problèmes sociaux et culturels auxquels font toujours face les autochtones aujourd'hui. Les artistes amérindiens s'adressent aux autochtones qui reconnaissent leurs combats, mais aussi à la société occidentale, en espérant que celle-ci prendra conscience de leur histoire, et qu'elle réagira par rapport aux stéréotypes, voire au racisme, qu'elle manifeste envers les Amérindiens. Depuis les années 1980, les artistes amérindiens affirment avec force leur appartenance au monde contemporain et revendiquent une place sur la scène internationale de l'art de laquelle ils ont été écartés. Contrairement aux Etats-Unis, cet art spécifique n'est pas encore reconnu au Canada. Mais est-il possible, pour nous, Euro-Canadiens, de comprendre et d'apprécier, à partir de nos références, une culture différente? Et le spectateur canadien veut-il vraiment comprendre l'art amérindien contestataire qui s'insurge contre lui? Les artistes n'ont pas abandonné leurs traditions. Ils continent leur quête de spiritualité et d'arts de vivre, réitérant et réactualisant leur vision du sacré. Ils participent toujours à de nombreuses cérémonies traditionnelles et leurs œuvres s'imprègnent des préceptes de la philosophie amérindienne. La renaissance de l'art amérindien a eu lieu dans les années 1960. On peut distinguer deux foyers de création artistique: The Woodland Art School, qui se situe à l'est du pays, a surtout connu l'émergence d'individualités artistiques, et il est impossible de l'évoquer sans aussitôt faire apparaître le nom de son fondateur, Norval Morriseau. Sur la côte-nord-ouest, on assiste à la "renaissance" de l'art traditionnel qui fut encouragée par la culture euro-canadienne. L'art "moderniste" amérindien, quant à lui, naît dans les années 1980. Il est apparu en même temps qu'un vaste mouvement de renaissance de nationalisme amérindien. C'est un art politique et engagé. Il ne réfère pas seulement à la question de la souveraineté, à la lute pour obtenir une autonomie politique mais, plus globalement, il désigne les problèmes sociaux et culturels des autochtones qui sont indissociables du contexte politique de décolonisation. L'art est employé comme un moyen d'action. C'est aussi un art contestataire et un art de résistance. Toutes les œuvres d'art amérindien font partie du postmodernisme et plus précisément du postructuralisme incluant certains courants de pensées postmodernes tels que la théorie du déconstructionisme et de l'histoire de l'art révisionniste qui peuvent aider à la compréhension de l'art amérindien contemporain et qui encourage son acceptation dans le courant international de l'art. Donner une définition de l'art contemporain amérindien au Canada, résumer les réflexions que cet art suscite et affirmer qu'il possède une identité propre, semblait être de premier ordre. Il fallait commencer à rechercher un mouvement correspondant à cet art, il fallait que quelqu'un s'y intéresse, ce que nous avons entrepris, il y a quelques temps, et ce que nous allons continuer pour l'amour d'un peuple e d'une culture, dans la perspective ultime d'apporter une aide aux artistes amérindiens pour qu'ils soient inclus dans le courant international de l'art contemporain.

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Ledoux, Chloé. "Le sentiment religieux du "Brücke" : réenchantement du monde et de l'art." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010671.

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Abstract:

En Allemagne, au début du vingtième siècle, le sentiment religieux constitue pour les artistes du « Brücke» un moyen de s'opposer à ce qu'ils perçoivent comme un désenchantement du monde. Dans un contexte historique favorable à l'émergence de mouvements de réenchantement dans la société, dans un contexte artistique de naissance des avant- gardes, le groupe développe à Dresde, Berlin, sur les rivages de la Mer du Nord et de la Baltique une utopie. Elle est fondée sur des expériences communautaires hédonistes à travers lesquelles les artistes s'identifient à « Adam », symbole d'une humanité antérieure au péché originel et à la corruption de la civilisation occidentale moderne par la rationalisation. Les artistes souhaitent aussi se faire « chamanes », développant des formes d'expression en correspondance avec celles des peuples extra-européens, dont ils perçoivent l'adéquation au contenu. En tant que « prophètes », dans les temps apocalyptiques de la première guerre mondiale, ils retournent à une iconographie chrétienne traditionnelle, adaptant ses symboles à une nouvelle forme de transcendance, d'inspiration partiellement protestante. Leurs divinisations de l'homme, de la nature et de l'art répondent aux attentes de leurs contemporains. Elles sont également instrumentalisées par certains acteurs des milieux artistiques, politiques et même religieux allemands.

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Chalikia, Martha. "Corps, art et société : l'identité féminine dans l'art contemporain russe avant et après la chute du mur de Berlin et ses répercussions dans les autres pays orthodoxes de l'Europe de l'Est." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010704.

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Abstract:

Corps, art et société. Si la culture se définit par rapport à ces trois notions, la création féminine dans la Russie contemporaine s'inscrit dans une quête identitaire vacillant entre les repères traditionnels et l'ouverture vers l'Occident. Se situant dans un espace en mutation permanente, se heurtant à la difficulté de discerner les frontières de l'utopie et de l'entropie, les artistes de la période qui a précédé l'effondrement communiste et de celle de la reconstruction post-soviétique ont été amenés à bâtir un " territoire de mémoire " commun. Dans un tel contexte de bouleversement idéologique, l'émancipation des femmes est loin d'être acquise. La création féminine est donc avant tout, pour les Russes, une affaire de recherche intérieure, de déconstruction - partielle et totale - du statu quo et d'invention d'une nouvelle identité. La question de l'art est indissociable d'une géographie corporelle qui surgit de l'abolition des frontières et de l'ouverture culturelle. Le corps des femmes devient de la sorte l'élément fondamental d'une création où se mêlent l'espace, l'érotisme et la religion. Ce même processus de mutation qui aboutit souvent à des interrogations existentielles définit le champ artistique dans les autres pays de l'Est, notamment ceux qui sont porteurs de la même tradition byzantine.

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Mathey, Marc. "Steve Reich : un art de l'ambiguïté." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040107.

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Abstract:

Steve Reich est un compositeur d'apparence simple. Derrière cette évidence de la forme et des éléments qui la composent se cache la complexité: l'ambiguïté est érigée en système. Ainsi, le processus qui est, a priori, implacable, inexorable, réserve toujours une part de surprises. Par le déphasage graduel, on perd quelque peu pied. Les motifs résultants montrent la virtualité de la musique reichienne. Et que dire de cette attraction/répulsion pour l'électronique. Un trait essentiel de la création de Reich à partir de 1976 est la notion de cycles d'accords: ceux-ci exposés dès le début sont supposés revenir dans l'ordre. Bien souvent, les oeuvres issues de ce procédé sont comme des jeux de pistes. Le rapport au texte a évolué chez le compositeur. Dans les premières pièces, le sens est atomisé. Puis il y a une sémantisation qui aboutit à des oeuvres ethiques aprés 1990. Par exemple, Three Tales (2002) est une oeuvre de réflexion sur les dangers de la technologie au XXème siècle. Mais c'est aussi une oeuvre postmoderne et on sait combien cette notion est équivoque
Steve Reich seems to be a simple composer. But behind this obviousness of the form and of the elements wich make it up, hides a true complexity: ambiguity is set up as a system. Thus, the process which is at first relentless and inexorable always reserves a share of surprises. By phasing, one is slighty lost. The resulting patterns show the virtuality of the reichienne music. And what is there to think of Reich's attraction and repulsion as regards electronics. An essential feature of the creation of Reich since 1976 is the concept of chord cycles:: those exposed from the very start are supposed to return in the same order. Very often, the works resulting from this process turn out to be mazes. The connection with the text evolved with the composer. In the first pieces, the meaning is atomised. Then, there is an evolution towards a semantisation which leads to ethical works after 1990. For example, Three Tales (2002) is a work of reflexion on the dangers of technology in the twentieth century. But it is also a post-modern work and one knows how much this concept is questionable

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Dissertations / Theses on the topic 'Espace (art) – 20e siècle'

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