Academic literature on the topic 'Essai (genre littéraire) américain'

Résumé S'inspirant de la théorie de Pierre Bourdieu de la stratification violente du « champ de production culturelle » et de la théorie d'André Lefevere de la médiation hégémonique du patronage dans la survivance des oeuvres littéraires, cet essai analyse la ré-écriture de la littérature québécoise au Canada anglais par le biais des pratiques de traduction. Toronto (et New York) contribuent à la légitimation de la littérature québécoise : les maisons d'éditions anglophones choisissent ce que l'on traduit et qui le traduit — des processus de séléction qui ont féminisé la culture québécoise comme alternative au matérialisme américain. Les romans de Gabrielle Roy, Anne Hébert, et Marie-Claire Blais ont été intégrés pleinement au système littéraire anglo-Canadien où, ré-écrits comme « réalistes » et présentant une image d'un Québec unilingue anglais, ils ne circulent que dans le champ de grande production ou le champ de la production restreinte, addressés à la bourgeoisie. En dépit de l'hypothèse de Carolyn Perkes, cependant, l'écriture d'une génération féministe plus jeune (Nicole Brossard, France Théoret, etc.) n'a pas transformé les normes du champ littéraire cannadien-anglais. Un nouveau genre de « fiction/théorie» s'est développé au Canada anglais, mais il ne circule que dans le champ de production marginale (les presses féministe et d'avant-garde) sans la reconnaissance d'autres positions dans le champ culturel. En effet, dans cette fiction/théorie, la thématique du langage, qui met en relief l'asymétrie du pouvoir entre l'anglais et le français, a été fortement critiquée parce qu'elle enfreint les normes de la purété linguistique et du sens transparent qui structurent le champ de la production restreinte. Un dialogue entre féministes à travers les langues a influencé l'écriture des écrivaines québécoises pour qui le motif de la traduction informe quelques romans récents. Répondant par un jeux de variations à la violence d'une subordination symbolique, ces romans entreprennent le travail du deuil pour l'objet perdu (la mère absente, la langue unique) en employant la traduction comme une figure de perlaboration. La traduction n'implique pas la tragédie d'une perte de la langue, mais un excès carnavalesque de la répétition dans beaucoup de langues potentielles. La traduction constitue alors un accès privilégié à une créativité autre.

RésuméCet article explore la relation entre genre littéraire et géographie imaginaire de l’espace sud-américain à travers deux romans du Chilien Luis Sepulveda :Le neveu d’Amérique(1996) etUn nom de torero(1994). Nous postulons que la représentation du sous-continent véhiculée par ces romans est le résultat de l’interaction entre les règles suggérées par le genre littéraire choisi par l’auteur et le mode du réalisme magique communément associé à la littérature sud-américaine. Nous concluons en ouvrant une porte sur la diffusion de cette représentation dans les discours de la critique populaire sur les deux romans.

"Comme Barthes qui pensait que la littérature devait céder la place à l’auto-écriture de tous, je pense que tout le monde devrait faire la même chose : raconter sa vie. Connais-toi toi-même. Mets-toi en forme. Mets-toi en ordre". Dustan, Guillaume (1999). Nicolas Pages (p. 400). Balland. Guillaume Dustan et sa particulière vision de la littérature (« en littérature, soit c’est soi, soit c’est du bidon », Dustan, 1999, p. 384) me permettent de commencer cette Ouverture du troisième numéro de la revue HYBRIDA. Revue scientifique sur les hybridations culturelles et les identités migrantes dont le Dossier central est intitulé SIDA/S – 40 ans. Pour suivre les conseils de Dustan, je vais raconter (un peu) ma vie : en 1994, étant ce que l’on appelle « jeune chercheur », j’ai présenté un projet sur « sida et littérature » qui m’aurait permis d’obtenir une bourse aboutissant à une thèse doctorale. Je n’ai pas eu la bourse et j’ai dû changer de sujet pour candidater à nouveau l’année suivante. J’ai finalement obtenu cette bourse, ce qui m’a permis de commencer ma « carrière » universitaire en 1996. Le fait est que, même si je me suis centré sur le corps dans le discours artistico-littéraire d’avant-garde, notamment dans le théâtre (« panique »), je n’ai jamais quitté ce premier projet et me suis toujours intéressé aux écritures liées à l’expérience de la maladie, et plus concrètement aux « récits de sida », surtout d’écrivains homosexuels ayant pour la plupart disparu à cause de l’épidémie. Le souvenir du congrès Sida y cultura (Sida et culture) à l’Université de Valence en 1997, organisé, il y a 25 ans, par Ana Monleón et Ahmed Haderbache, restera donc toujours comme un moment important dans ma mémoire affective et académique. Je leur serai toujours reconnaissant de m’avoir permis de publier mon premier article de recherche intitulé « Escribir en el apremio » (« Écrire dans l’urgence »). Malheureusement, ce « modeste » volume, qui a même été exposé au Musée d’Art Moderne de Valence (IVAM), n’a pas eu une large diffusion. C’est donc un privilège de pouvoir le rééditer comme Annexe à ce numéro d’HYBRIDA. Nous avons respecté l’édition originale de 1997, même si elle ne répond pas aux normes éditoriales de la revue ni aux critères actuels de « qualité » concernant les publications scientifiques. Le volume est composé d’un bel ensemble de dix-neuf contributions de personnes venues de générations, de formations et d’horizons différents, ce qui a permis une réelle circulation des savoirs et un échange intéressant entre l’activisme et l’Université. Certains d’entre eux nous ont quittés, prématurément. La mort nous surprend toujours. Voici donc toute ma reconnaissance (nunc et semper) à la Professeure de littérature française Elena Real, ma directrice de thèse, qui s’était spécialisée, entre autres, dans l’autobiographie contemporaine, concrètement dans l’écriture des femmes et les thématiques du corps et de la séduction ; et au journaliste et historien de la déportation homosexuelle Jean Le Bitoux, figure emblématique du militantisme en France et fondateur historique, avec d’autres intellectuels et activistes comme Frank Arnal (décédé à 42 ans en 1993) et Jean Stern, du magazine Le Gai Pied dont le premier numéro de 1979 contenait un article de Michel Foucault qui aurait suggéré le nom. Le magazine a été une grande fenêtre ouverte à la liberté d’expression et à l’activisme homosexuel jusqu’à sa disparition en 1992. Il comptait sur la collaboration habituelle d’intellectuel·le·s et d’auteur·e·s comme Jean-Paul Aron, Renaud Camus, Copi, Guy Hocquenghem, Nathalie Magnan, Hugo Marsan ou Yves Navarre, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Même Jean-Paul Sartre lui a accordé une interview en 1980. Mais revenons à Sida y Cultura pour ajouter que les approches ont été riches et variées, aussi bien sociologiques que culturelles, sous une perspective historique (en comparant le sida avec d’autres maladies antérieures), du point de vue de l’analyse du discours sur le sida ou de l’analyse concrète d’œuvres et d’auteurs touchés par le sida comme Cyril Collard (mort en 1993 à 35 ans), Copi (mort en 1987 à 48 ans), Pascal de Duve (mort en 1993 à 29 ans), et bien évidemment Hervé Guibert (mort en 1991 à 36 ans). Nous avons eu la chance également de compter sur la collaboration de Juan Vicente Aliaga, critique d’art espagnol réputé, spécialiste en études de genre et LGBT, qui avait publié quelques années auparavant (1993), aux côtés de José Miguel G. Cortés, le premier essai fait en Espagne sur l’art et le sida intitulé De amor y rabia (D’amour et de rage) qui reste un référent important dans ce domaine. Concernant la coordination du Dossier central SIDA/S – 40 ANS, je tiens à remercier sincèrement Didier Lestrade, journaliste, écrivain et militant reconnu, fondateur d’Act Up-Paris, ainsi que du magazine Têtu, possédant une longue trajectoire et une importante production intellectuelle sur l’activisme LGBT. Ses trois derniers essais portent les titres suggestifs de : Minorités. L’essentiel (2014), Le Journal du Sida. Chroniques 1994-2013 (2015), « mon dernier livre sur le sida », affirme-t-il ; et I love Porn (2021), excellent essai qui reprend la forme du témoignage pour retracer une histoire particulière de la sexualité à partir des années 1970 par l’intermédiaire de la pornographie comme instrument politique de contestation. Je remercie également de tout cœur Ahmed Haderbache, traducteur de Guillaume Dustan en espagnol et grand spécialiste de son œuvre, d’avoir accepté de coordonner ce Dossier qui nous a paru nécessaire pour réactiver la mémoire d’une maladie et d’une production artistico-littéraire qui semble lointaine, voire révolue, surtout pour les jeunes générations, mais qui prend toute sa signification dans le contexte pandémique actuel. Ce Dossier, qui débute par un bel Avant-propos de Didier Lestrade intitulé « Sida : une épidémie presque oubliée » et par une Introduction d’Ahmed Haderbache, est composé de sept articles. Il part du fait sociologique et politique pour aborder la production littéraire, en passant par l’analyse filmique et théâtrale. Thierry Schaffauser s’intéresse aux personnes invisibles, voire oubliées, pour nous proposer une pertinente étude sur l’histoire des mobilisations des travailleuses du sexe contre le VIH en France et au Royaume-Uni ; Romain Chareyron fait une riche analyse des images du sida dans le film 120 battements par minute (2017) ; Henry F. Vásquez Sáenz aborde avec précision la pièce Une visite inopportune (1988), ce qui lui permet de restituer et de resituer la figure du dramaturge franco-argentin Copi en tant qu’auteur subversif et engagé, pionnier du théâtre autobiographique lié au sida. Les deux articles suivants, de Daniel Fliege et de l’écrivaine Ariane Bessette respectivement, proposent d’intéressantes analyses littéraires d’œuvres « autobiographiques » d’auteurs « controversés » car défenseurs des rapports sexuels non protégés ou barebacking : Guillaume Dustan (mort en 2005 à 39 ans) et Érik Rémès. Puisque HYBRIDA s’intéresse particulièrement aux contextes francophones ou comparés, nous avons créé une petite section à la fin du Dossier intitulée Autres regards afin de publier deux articles spécialement attirants. Le premier, écrit par Thibault Boulvain dont la thèse doctorale a été publiée en 2021 sous le titre L’art en sida 1981-1997, aborde les dernières années d’Andy Warhol (décédé en 1987) sous la perspective du sida ; le dernier, proposé par Caroline Benedetto, se penche sur les journaux intimes de l’artiste pluridisciplinaire américain David Wojnarowicz (mort en 1992 à 37 ans), en soulignant les influences françaises. Dans la section Mosaïque, où nous publions des études sur les hybridations culturelles et les identités migrantes qui ne correspondent pas à la thématique centrale du Dossier, nous publions trois articles. José Manuel Sánchez Diosdado analyse profondément les récits coloniaux des voyageuses françaises de la première moitié du XXe siècle qui se sont inspirées du Maroc. Feyrouz Soltani aborde le roman Verre Cassé de l’écrivain franco-congolais Alain Mabanckou pour y déceler les traces du métissage linguistique et culturel et, enfin, Rolph Roderick Koumba et Ama Brigitte Kouakou nous présentent la langue française comme instrument positif dans la construction de l’altérité à travers l’analyse des œuvres de l’écrivaine franco-sénégalaise Fatou Diome et de l’écrivaine franco-camerounaise Léonora Miano. La section Traces de la revue HYBRIDA est consacrée à la création littéraire et s’éloigne volontairement de l’esprit d’évaluation en double aveugle, bien que les soumissions soient strictement analysées et révisées par le comité éditorial. Dans ce numéro 3, nous publions quatre textes aussi différents qu’intéressants. Leurs auteur·e·s se sont inspiré·e·s de la thématique du Dossier central autour du sida. Nous avons l’honneur de publier un court récit de l’écrivaine québécoise Catherine Mavrikakis intitulé « Évitons de respirer l’air du temps » qui nous met en alerte par rapport aux préjugés qui perdurent de nos jours concernant le sida. Nous voudrions rappeler au passage que, partant de la pensée de Michel Foucault sur la santé et l’organisation sociale, ses recherches sur les écrits du sida, ainsi que sur les notions de contamination, d’aveu et de souffrance, sont d’une grande importance pour la thématique qui nous occupe. Nous ne pouvons que rester admiratifs face à sa double facette de professeure universitaire et d’écrivaine ; et souligner la force de ses romans « autofictionnels » dont Ce qui restera (2017), L’annexe (2019) et L’absente de tous bouquets (2020), pour n’en citer que les derniers. Ensuite, nous avons deux « témoignages » sincères et touchants. Le premier, intitulé Les spectres d’ACT UP, nous propose un parcours émotionnel et académique autour de l’expérience du sida. Son auteur, David Caron, Professeur à l’Université du Michigan, a fait une importante recherche dans le domaine des études LGBT et concrètement sur le VIH. Il s’est intéressé également aux études sur l’holocauste. Parmi ses dernières publications, nous trouvons The Nearness of Others. Searching for Tact and Contact in the Age of HIV (2014) et Marais gay, Marais juif. Pour une théorie queer de la communauté (2015). Le court et intense « témoignage » de Lydia Vázquez Jimémez (écrit en espagnol) intitulé « Filou, te fuiste demasiado pronto » (« Filou, tu es parti trop tôt ») nous montre la difficulté de l’aveu et de s’exprimer par rapport au sida, en nous dévoilant son expérience intime et douloureuse face au deuil dû à la perte de l’être aimé. Au-delà de sa brillante carrière universitaire en tant que spécialiste dans l’étude de l’érotisme et de la sexualité (notamment au XVIIIe siècle), avec une focalisation particulière sur les femmes et le collectif LGBT, je ne voudrais pas négliger sa facette de traductrice en espagnol de l’œuvre d’auteur·e·s admiré·e·s comme Abdellah Taïa, Annie Ernaux, Jean-Baptiste del Amo, Gabrielle Wittkop ou Fatima Daas, entre autres. En tant qu’auteure, j’aimerais signaler son livre illustré Journal intime (2019). Pour clore cette section de création littéraire et dans le but d’encourager l’écriture des jeunes écrivain·e·s, nous publions en espagnol la pièce inédite de Javier Sanz intitulée Reset. Volver a empezar (Reset. Repartir à zéro). Avec une fraîcheur et une franchise touchantes, la pièce aborde, en 2021, la problématique de l’incommunicabilité et de la difficulté à établir des relations amoureuses sincères, ainsi que la découverte de la séropositivité. Je suis persuadé que ce numéro d’HYBRIDA, 25 ans après Sida et Culture, marquera notre trajectoire en tant que revue universitaire. Il ne me reste qu’à remercier très sincèrement notre excellente équipe d’évaluation qui se nourrit et se diversifie à une grande vitesse grâce aux apports de spécialistes du monde entier. Et un sincère merci à José Luis Iniesta, Directeur Artistique de la revue, pour son investissement et son savoir-faire ; sans lui rien ne serait possible… Je vous propose un prochain rendez-vous pour fin juin 2022 pour le numéro 4 d’HYBRIDA. Salus in periculis

Cet article vise à décrire un nouveau type de roman qui apparaît dans les années 1930 et 1940 au Québec et que nous proposons de nommer « romans-essais ». Notre article repère dans 9 oeuvres hybrides tenant à la fois du roman et de l’essai de nombreuses caractéristiques communes (tantôt thématiques, tantôt formelles). Cet article rapproche de plus le roman-essai de la forme plus spécifique de l’essai (parfois appelée « essai littéraire ») qui a connu un développement important au Québec dans les années 1950 et 1960 et émet l’hypothèse qu’il s’agirait d’un précurseur de ce genre.

Cet article analyse l’importance de l’oeuvre polémique de Paul Veyne sur l’élégie romaine, dont la réception a été très variée, souvent négative. Après 25 ans de sa parution en France peut-on dire que ce livre mérite encore d’être discuté et surtout d’être indiqué à nos étudiants comme un essai valable sur ce genre littéraire si complexe et controversé?

Dans cet essai, on analyse la relation entre fait et fiction dans le contexte du développement de la forme romanesque. Je suggère que l’on peut approcher la nature du récit en examinant les manières dont les fictions et les histoires fictionnelles en sont venues à constituer des artefacts philosophiques complexes, la question du genre littéraire étant subordonnée à celle de fictionnalité.

Caractérisée par une intense spéculation sur les formes et les fonctions de la syntaxe, la poésie d'avant-garde aux États-Unis n'a eu de cesse dans ces deux dernières décennies de redéfinir sa position dans le paysage littéraire américain. Cet article analyse les enjeux de la syntaxe dans cette nouvelle écriture poétique, et montre comment la remise en cause de la linéarité et de la transparence du sens permet de repenser l'articulation de la poésie en tant que genre aux autres formes littéraires. Réintégrée dans la « cité » des discours par l'attention qu'elle porte à la théorie poétique autant qu'à la pratique, la poésie américaine retrouve une fonction hautement critique.

Le but de cet article est de jeter un regard sur plusieurs aspects du roman La Panne de Friedrich Dürrenmatt. L’histoire est simple. À la suite d’une panne de voiture, un certain Traps est hébergé chez quatre amis. Invité à participer à un jeu, un procès où il aura le rôle de l’accusé, il accepte. Il est convaincu de meurtre, accepte sa culpabilité et se suicide. Après un bref condensé de l’histoire, l’article traite des thèmes suivants : le caractère de Traps et sa transformation au cours du jeu ; le rôle ambigu des quatre amis ; le genre tragi-comique grec de l’œuvre ; les aspects comiques ; les aspects tragiques : l’atmosphère d’anxiété et de mort ; les symétries et inversions ; l’art littéraire. En épilogue, une lecture diamétralement opposée à l’interprétation traditionnelle de l’œuvre est discutée.

Afin d’approfondir l’examen de la nature du genre littéraire et comme le présent volume porte en partie sur les questions du formalisme russe, cet article s’intéressera à l’expression de la subjectivité appliquée aux genres littéraires telle qu’elle est exposée dans quelques textes fondamentaux écrits par deux grands théoriciens du verbe russe : d’une part, il s’agit de Jouri Tynianov, l’un des principaux acteurs de l’OPOÏAZ, le fondateur du formalisme russe avec Victor Chklovski, Roman Jacobson et Boris Eïkhenbaum, et, d’autre part, c’est Mikhaïl Bakhtine qui a entamé son cheminement intellectuel au moment où « le formalisme était au faîte de sa gloire ».

À sa mort en 1882, Ralph Waldo Emerson fait déjà figure de monument littéraire et de père, fondateur de la culture nationale : de fait, « The American Scholar » (1837) apparaît pour beaucoup comme la « Déclaration d'Indépendance intellectuelle » de l'Amérique. Cependant, si les Lettres contribuent à créer, en Amérique comme ailleurs, la représentation d'un imaginaire commun qui donne corps à l'idée de nation et si, au XIXe siècle, la nation américaine s'invente dans sa littérature, c'est d'abord par le truchement de ses fictions. Or Emerson a toujours manifesté une grande méfiance à l'égard de la fiction, synonyme pour lui d'illusion, affichant sa préférence pour la prose d'idées et notamment l'essai. C'est donc à rebours d'un siècle qui érige le conte, la romance et le roman en genres littéraires autochtones, enfin affranchis de la tutelle des Lettres européennes, qu'Emerson jette son dévolu sur le genre non-fictionnel de l'essai et en fait la forme privilégiée d'un dire américain. Aussi s'agira-t-il de lire les essais d'Emerson comme autant de travaux d'approches d'une Amérique que le texte d'« Expérience » qualifie d'« inapprochable », pour les envisager comme le lieu où s'écrit et se récrit continuellement le contrat social d'une démocratie qui n'a de cesse de remettre en jeu le moment de sa fondation. Ce faisant, il s'agira également de montrer que, malgré l'aversion d'Emerson pour les formes fictionnelles, les essais finissent par s'abandonne au désir de fiction qui les travaille en secret et deviennent ce qu'il appelle des « romances du caractère » où se façonnent, au gré de l'enchaînement des caractères sur la page, les héros représentatifs de l'Amérique à venir
Upon his death in 1882, Ralph Waldo Emerson had already become a literary monument and was recognized as a founding figure of American culture. Published in 1837, "The American Scholar" is indeed hailed by many to be America's "intellectual Declaration of Independence. " However, if the "Belles Lettres" did contribute to creating the representation of a common imaginary whereby the American nation could invent itself and if, in the course of the nineteenth century, America wrote itself into existence, such an enterprise remained largely the province of fiction. Yet Emerson was always suspicious of fiction, which for him rhymed with illusion, choosing instead to write non-fictional prose, and more particularly essays. Contrary to some of his contemporaries who turned tales, romances, and novels into indigenous genres, free at last from the shackles of European Letters, Emerson turned towards the genre of the essay and made it one of America's privileged forms of literary expression. This thesis thus offers to read Emerson's essays as so many ways of approaching what "Experience" describes as "this new yet unapproachable America," considering them as the locus where the American democracy repeatedly writes and rewrites its social compact and continuously reinvents itself. By the same token however, and despite Emerson's aversion for fictional forms, the essays yield to the desire for fiction that haunts them in secret and become what he called "romances of character," fashioning the character of America's representative men even as the letters, the characters, take shape on the page

Partant d'une etude de la valeur de l'expression "art et ingenium" depuis la renaissance, on montre que l'histoire de la peinture a ete prise dans une tournure de pensee impliquant la photographie et en meme temps, achevee par elle. Une certaine possibilite du genie et du sublime est alors mise en question, ainsi que la valeur contemporaine de ces notions. Si les intrications du probleme ont pu arreter le jugement de baudelaire aussi bien que la pensee de heidegger, c'est encore depuis platon que les enjeux philosophiques et politiques sont le mieux indiques. On tente alors d'etablir que la possibilite d'une valeur contemporaine de l'art implique l'acceptation et l'endurance d'une experience de facture differente de celle que pouvait designer le genie : l'oeuvre n'est pas chargee de produire l'aspect d'une idee (elle n'est pas idole, peut ne pas etre figurative), mais presente sensiblement l'interruption d'une effort d'attention a la sensibilite (cet effort est decrit a partir d'un texte de kant). Elle temoigne pour une conscience capable de se detourner. Une lecture de benjamin montre la valeur de ce propos pour le cinema. En somme, il apparait qu'une peinture non evidemment figurative et un cinema de l'image peuvent bien etre contemporains.

Après la Russie, c’est sans doute aux États-Unis que l’influence de Stanislavski, « père » de l’art du jeu moderne, fut - et reste – prépondérante. Par son intensité, son ampleur, sa longévité, mais aussi par sa capacité à surmonter nombre d’obstacles (politiques, linguistiques, culturels), le rapport de Stanislavski au théâtre américain apparaît indéniablement comme un phénomène étonnant et fascinant. Rares furent, cependant, les études de cette influence tenant compte à la fois de l’héritage russe et de l’impact du Système sur le jeu de l’acteur américain, et s’inscrivant dans une perspective historique, esthétique, voire anthropologique. Cette recherche vise à définir les processus de réception, de transmission et les voies d’assimilation du Système aux États-Unis. Cette aventure a-t-elle amené une préservation et un enrichissement de cet héritage, ou, au contraire, l’a-t-elle marginalisé, déformé, voire trahi ? Il s’agit également de comprendre si cette transmission a servi le théâtre américain et lui a permis d’évoluer, ou l’a desservi, en provoquant une véritable crise esthétique et identitaire responsable de l’« éclatement » du milieu théâtral américain en différentes « confessions », prônant chacune une interprétation du Système, comme tendent à l’affirmer les travaux essentiellement nord-américains effectués, dans ce domaine, jusqu’à nos jours
Outside Russia, it goes without saying that Stanislavski's influence in the USA, the father of the art of modern acting, has been the most important of all. Because of its intensity, its impact, its longevity as well as its capacity for overcoming a large number of obstacles ( political, linguistic and cultural), Stanislavski ' relationship to the American theatre certainly appears as an astonishing and fascinating phenomenon. However, there have been few studies about this influence taking into consideration altogether the Russian heritage and the impact of the system on the American actor, in line with the historical, aesthetic and perhaps even the anthropological perspective. This research aims at defining the processes of reception, transmission and the means of assimilation of the system in the USA. Has this adventure brought about the preservation and enrichment of the Russian heritage or, has it, on the contrary, marginalized it, distorted it or, perhaps even betrayed it? We also need to understand whether this transmission has served the American theatre and has allowed it to evolve or has harmed it by causing a true aesthetic and identity crisis which has led to the breaking-up of the American theatrical milieu into a variety of denominations, each one advocating its own interpretation of the system as it appears in the latest works in the field most of which are essentially North-American

Cette thèse présente une réflexion sur les multiples figures du romancier américain qui émergent des entretiens littéraires de The Paris Review entre 1953 et 1973, soit les deux premières décennies d'existence de la revue. Afin de mieux saisir les spécificités et l'impact du modèle d'entretien littéraire créé par une poignée de rédacteurs aussi inspirés que débutants, cette étude revient tout d'abord sur l'histoire des little magazines, sur le contexte de la création et le fonctionnement interne de The Paris Review, avant de retracer l'histoire complexe de l'entretien littéraire. Grâce à l'analyse des archives de la revue, elle met en évidence la collaboration de l'équipe de rédacteurs et des romanciers interviewés dans un processus novateur de réécriture des entretiens. Car l'entretien littéraire est un lieu de négociation de différentes autorités, entre l'« ethos préalable » de l'écrivain utilisé par l'interviewer et les diverses stratégies (scénographies auctoriales, postures, « prêt à être écrivain ») déployées par le romancier pour asseoir sa légitimité. Derrière le portrait à deux voix que semble être l'entretien littéraire apparaît bientôt l'autoportrait de l'écrivain. L'entretien littéraire de The Paris Review donne lieu à une forme de fiction biographique, à travers laquelle l'écrivain que The Paris Review était venu interroger sur « l'art de la fiction » laisse la parole à l'auteur pour construire et défendre son image
This dissertation examines the various figures of the American novelist which takes form in the famous literary interviews published by The Paris Review during the first two decades of its existence (1953-1973). In order to analyze the specificities and the impact of the new model of literary interview created by the inspired, yet inexperienced editors and interviewers of the review, this dissertation first traces the history of "little magazines" as well as the context in which the Paris Review interviews were shaped and polished, and then analyzes the complex history of the literary interview as a genre. Through the study of the archives of the review, the author casts a light on the collaboration between the editorial board and the interviewed novelists during the demanding rewriting process of the literary interviews. The literary interview thus appears as a space where negotiations take place, opposing the preconceptions of the interviewer to the various strategies displayed by the novelist in order to assert his legitimacy. What was originally designed as a single portrait composed by two instances actually turns into the novelist's controlled self-portrait.Ultimately The Paris Review literary interview becomes a form of biographical fiction, in which the writer, initally questioned on "the art of fiction", leaves center stage to the author, who takes great care of his own public persona

Ce travail met en lumière l'émergence de l'essai comme genre littéraire en France au XXe siècle en associant deux hypothèses. La première porte sur l'institution du genre : on montre que l'essai s'intègre au système des genres comme pôle majeur, permettant à la littérature de s'approprier le territoire de la pensée. La seconde porte sur le rapport entre essai et fiction, et fait de l'entrée en, dialogue avec le roman et de la mobilisation des modèles de la fiction un élément décisif de cet accès au genre. La thèse comprend trois parties. Une réflexion théorique précise le type de généricité de l'essai : filiation avec Montaigne, diversité des usages occidentaux, rapport entre littérarité et rhétoricité. L'enquête historique se concentre sur trois moments : reconnaissance du genre autour du milieu NRF, débat critique et réorganisation des champs avec Sartre et Bataille, entrée en théorie autour de Barthes. Une étude de poétique du genre en décrit l'invention, la disposition et l'élocution.

Plumbing the trajectory of the essay entails discussion of an intellectual history that spans five centuries. Nevertheless, the essay is a genre defined a contrario. This study begins with a discussion of the status of the essay as a genre, providing an overview of its historical development as well. The sum of this analysis will help to redefine the essay through its essential characteristics. The principal corpus deals grosso modo with the last fifty years of Mexican life. It starts in the year 1950 (El laberinto de la soledad, Octavio Paz), and it finishes in the year 2000. Octavio Paz, Carlos Fuentes, Sergio Pitol, Carlos Monsiváis, Elena Poniatowska and Roger Bartra are the impetus behind this study. Critical recurrent themes that haunt these essayists, such as la Malinche, the Mexican Revolution, October 1968, the masques and the death, are reformulated so that the authors' points of view are related to one another as if they were in dialogue. The "physiognomy" of the texts is also elicited because of the presence of paratextual attributes that have not been previously studied. The genetical criticism of paratext can provide unique information that cannot be obtained otherwise. Since writing and reading are part of the dialectic between author and reader, the notion of the other, the alterity, is examined. The author considered as the other of the reader and vice versa, forms a dialectic that motivates the writer to speak with the Other. The inter- and intra- textuality are also studied, taking care to distinguish between two kinds of intratextuality never before separated. The rapport between authorship and a modicum of distance armor against worldly power on women's essays fighting for power through their pens is explored. This material is fertile ground for theorists and critics to explore.

Cette thèse propose une étude comparative du théâtre hagiographique français et espagnol du dix-septième siècle. Dans une première partie, nous abordons les enjeux théoriques soulevés par les deux genres : l'examen des terminologies génériques, des lieux de représentation des œuvres et des discours des contemporains (théoriciens et dramaturges), nous permet de dégager les contours d'un théâtre travaillé par l'hybridité. L'association d'une vie de saint et d'une forme théâtrale apparaît contradictoire dans les deux pays. La deuxième partie présente une étude dramaturgique des œuvres ; elle montre comment les auteurs ont contourné les difficultés inhérentes à la tentative d'inscrire le saint, personnage sans passions, dans une intrigue dramatique. Les pièces peuvent être articulées autour d'un conflit entre le saint et son entourage, d'une conversion du héros lui-même, ou enfin d'une succession d'aventures qui transforment le saint en héros épique. Cette partie montre que ce théâtre emprunte de nombreux traits à la dramaturgie profane, et que les formes adoptées par les Français et les Espagnols sont moins antinomiques que les différences essentielles entre les esthétiques française et espagnole de l'époque auraient pu le suggérer. Enfin, la troisième partie s'intéresse au spectacle de la sainteté. Elle étudie comment les dramaturges se sont efforcés de faire du saint, personnage intériorisé et peu spectaculaire, un acteur qui se produit sous les yeux des autres personnages. Il ressort de cette dernière partie que ce héros spécifique, qui ne peut, de par sa perfection, susciter la crainte et la pitié préconisées par Aristote, a, en France comme en Espagne, permis d'écrire des œuvres où l'effet esthétique dominant est l'admiration. Ces œuvres singulières qui adoptent un héros peu habituel au théâtre reposent donc sur une poétique originale, que nous nous attachons à dégager
This dissertation presents a comparative study of the French and Spanish seventeenth century hagiographic drama. The first part is devoted to the theoretical problems raised by the two genres : a study of the generic terminologies, of the places where the plays were staged, and of the way their contemporaries (theorists and playwrights) considered them thus allows us to draw the outline of an essentially hybrid theatre. Indeed, in the two countries, it seems contradictory to associate a saint's life and a theatrical form. The second part presents a dramatic analysis of the plays. We show how the authors managed to integrate the figure of the saint in a real dramatic plot despite his passionless nature. The structures of the dramas rely on a conflict between the saint and his circle, on a conversion of the hero himself, or on a series of adventures through which the saint becomes an epic hero. This part reveals that the theatrical forms created by the French and the Spanish authors are less divergent than the traditional opposition between Spanish and French aesthetics of this period suggests. Finally, the third part deals with the spectacle of saintliness. We study how the playwrights succeeded in transforming the inward and unspectacular character of the saint into a living spectacle before the other characters' eyes. Being a perfect character, this specific hero cannot arouse the fear and pity Aristotle described and generates instead works in which admiration is the prominent aesthetic effect. These works thus rely on specific poetics which this dissertation attempts to define

Shakespeare présentait la folie comme l'épreuve nécessaire de la lucidité. Cette analyse était représentative d'une époque où le poids des institutions ne permettait qu'au fou du roi ou à l'artiste de s'exprimer. Au vingtième siècle, on assiste à un déplacement d'intérêt. Les dramaturges anglais et américains des années 1960 à 1990 s'intéressent plus au traitement de la folie qu'à la folie elle-même. La dynamique générale de leurs pièces est celle de la dénonciation, sur un mode comique ou par une satire virulente. Ces dramaturges ont, en fait, exploite la psychiatrie pour incriminer le pouvoir totalitaire
Shakespeare presented madness as a necessary step towards awareness. This analysis was representative of a period during which the weight of institutions allowed only the king's fools or the artists to express themselves freely. In the twentieth century, we can witness a shift of interest. From 1960 to 1990, British and American playwrights were more interested in the treatment of madness, than in madness itself. The general dynamic of their plays is one of denunciation, thanks to a comical vein or to a scathing satire. Dramatists have actually exploited psychiatric issues to incriminate totalitarian powers

Au lycée, comme ailleurs, la vie quotidienne peut s'avérer riche d'imprévus et il arrive que l'essai de français devienne le lieu d'une réflexion sur les évènements vécus en classe. Les essais analysés dans cette étude ont été écrits par des élèves préparant un Brevet d'Etudes Professionnelles. Répondant à la consigne de l'exercice, les élèves y résument un débat qui a eu lieu en classe puis donnent leur avis sur l'un o"point de vue personnel" sur des sujets discutés. Dans ce travail, on propose une réfexion sur la notion de point de vue et on s'attache à analyser, dans le style de la mise en mots, la diversité des points de vue réflexifs. Le choix d'une telle approche nous conduit à observer, entre autres, les tensions entre le narratif et l'argumentatif introduites par le caractère composite du genre demandé, les tensions notionnelles qui peuvent marquer les comptes rendus du débat comme les exposés d'avis personnel, les façons dont l'auteur apparaît dans son texte
Reflexive writing at schoool : views, writing manners , text movements. At school, a French essay can offer the opportunity to reflect on school events. The essays analysed in this survey have been written by students preparing a Brevet d'Etudes Profesionnelles (Exam taken after a two-year vocational course following secondary-school). The students were assigned to give an account of a class debate then to speak their mind on one of the points debated. The paper presents a reflection on the notion of point of view, along with an analysis of the diversity of views illustrated by speaking manners. Such an approach allowed me to focus on some not only on the strains between the narrative and the augmentative linked to the complexity of the essay, but also on the notional strains thet may come up both in debate accounts and in the way personal views are expredded. This paper also gets into the position the student holds in his text