Academic literature on the topic 'Estética decolonial'

Mi argumento conjuga dos instancias decoloniales. La primera es la re-orientación decolonial introducida por Aníbal Quijano (en 1990) en el mero cierre de la Guerra Fría. En los 80s era ya evidente que los objetivos de la descolonización no podrían lograrse por medio de la fundación de Estados nacionales. Quijano intuyó que la colonialidad del poder era un estructura invisible y subyacente de la civilización occidental, oculta bajo las promesas vertidas en nombre de la modernidad. Para Quijano la tarea decolonial era, en primer lugar, desprendernos de la colonialidad del poder y, en segundo lugar, engancharnos en la reconstitución epistemológica. La segunda instancia, 20 años después, fue la introducción de reflexiones decoloniales en el marco de la colonialidad del poder de la restitución estética. En los procesos de avanzar en la reconstitución epistemológica y estética, rescatamos el concepto de aestésis (aiesthésis) del olvido al que la relegó la hegemonía de la estética. Aunque el vocablo proviene de Grecia, nos apropiamos de ella en el marco del pensamiento decolonial. En este ensayo reintroduzco el concepto de gnosis, ya incorporado en Local Histories/Global Designs (2000), para re-organizar los sentidos y la política de la reconstitución epistémica/estética (dos conceptos moderno/coloniales) mediante la introducción de gnosis y aestésica, dos conceptos decoloniales apropiados y expropiados del Griego antiguo y sepultados en el vocabulario moderno/colonial.

Resumen En esta conversación se indaga por la cuestión decolonial de la estética, sus puntos de origen históricos y geográficos, además de sus posibilidades en el contexto de reconfiguración actual del orden mundial. Desde esta perspectiva, se pretende aclarar en qué consiste la opción decolonial, respecto de otras opciones, sin olvidar cuestiones importantes del arte, la historia, el museo, la curaduría y sus implicaciones éticas, políticas y epistémicas.Palabras clave Estética; decolonialidad; historia; poscolonialismo; cuestión decolonial

Estas hipótesis preliminares para una Estética de la Liberación, sugerida en muchas de mis obras escritas durante los últimos años, quieren ahora ir tomando la fisonomía de una narrativa, de un momento en el sistema abierto de la Filosofía de la Liberación, que llevaría por título tal nombre; es decir Para una Estética de la Liberación, y al mismo tiempo después del giro pertinente Hacia una estética decolonial. Por ser hipótesis me libro de mayores referencias bibliográficas e iré directamente al contenido de la cuestión sin advertencias mayores de posiciones teóricas estéticas clásicas y actuales, para mostrar el núcleo teórico-poiético del asunto.

El presente artículo inicia su desarrollo a partir del problema estético de la experiencia de la creación artística desde la problemática de la producción. Fundamenta su estructura desde las definiciones de poiesis, techné y praxis propuestas por Giorgio Agamben y articula su planteamiento de superación de la estética con la teoría decolonial y la liberación de la aísthesis, con el objetivo de establecer la noción de creación artística como una forma de producción poiética que posibilite la creación de mundos dentro de este mundo.

RESUMEN Hay que pensar la decolonialidad en relación a las artes. En esta entrevista exploramos cómo las artes decoloniales se diferencian de la estética moderna/colonial. La decolonización de la estética conlleva la liberación de a la aiesthesis, es decir de las formas de relacionarnos con el mundo y de hacer mundo a través de los sentidos. La aiesthesis decolonial se distingue de los principios del arte contemporáneo y en particular de su sujeción a la temporalidad moderna, abriéndonos hacia las temporalidades relacionales. Los artistas decoloniales ejercen una temporalidad distinta que conlleva no sólo una crítica radical al orden de la representación y de la visualidad modernas sino que también nos dan la posibilidad de entender a la decolonialidad cómo un movimiento cargado de esperanza, cargado de la posibilidad de nombrar y vivenciar los mundos interculturales que han sido negados. PALABRAS CLAVE Decolonialidad, tiempo relacional, esperanza, cuerpo, interculturalidad KAI SUTI AESTHESIS ÑAGPAMANDA KAUSAKUNA TUKUIKUNAWA TAPUCHI SUG RUNATA ROLANDO VÁSQUEZ SUTITA SUGLLAPI Kaipi kawachinakumi iska ruraikuna ñugpamanda chasallata kunaurramanda. Kai suti aiesthesis, kawachiku imasami pai kawa kawachimanda ukusinama paipa iuaikunawa. Aiesthesis kame tukuikunamanda sugrigcha.Lsx artistxs kawachinakumi ñugpamanda kausikuna munankuna kawachingapa charrami kausanakunchi parlanakumi ñugpata imasami mana lisinsiaskakuna allí ruraikuna tukuikunamanda. IMA SUTI RIMAI SIMI: Ñugpamanda, parlaikuna sullai, nukanchi kikin, tukuikuna. DECOLONIAL AESTHESIS AND THE RELATIONAL TIMES. INTERVIEW WITH ROLANDO VÁSQUEZ ABSTRACT We have to hink the decoloniality in relation with the arts. This interview explores the difference between the modern/colonial aesthetic and the decolonial arts. The aesthetic decolonization leads to the release of the aesthesis, ergo it relates in every way to the connection and creation of a world through the senses. The decolonial aesthesis is particularly different from the contemporary art principles in the way it grasps the modern temporality consenting the creation of a path toward relational temporalities. The decolonial artists exercise a different temporality that results in not only a radical criticism to the modern representation and visuality but it makes possible to understand the decolonialization as a hopeful movement, full of possibilities for naming and experiencing neglected intercultural worlds. KEYWORDS Decolonialization, relational time, hope, body, interculturality ESTEHÉSIE DÉCOLONIALE ET LE TEMPS RELATIONNELS. ENTRETIEN À ROLANDO VASQUEZ RÉSUMÉ Il faut penser la décolonisation en relation aux arts. Dans cet entretien on explore comment les arts décoloniaux sont différents de l’esthétique moderne-coloniale. La décolonisation de l’esthétique entraîne la libération de l’estehésie, c’est-à-dire, la libération des façons de nous mettre en relation avec le monde et d’en créer un nouveau à travers les sens. L’estehésie décoloniale se différence des principes de l’art contemporain, principalement pour son fixation à la modernité en nous emmenant vers les temporalités relationnelles. Les artistes décoloniaux exercent avec une temporalité qui n’implique pas juste une critique radicale à l’ordre de la représentation et de la vision moderne, mais aussi de la possibilité de comprendre la décolonisation comme un mouvement plein d’espoir, chargé d’une possibilité de nommer et de mettre en relief les interculturalités qu’ont été niées. MOTS-CLEFS Décolonisation, temps relationnels, espoir, corps, interculturalité ESTESIA DESCOLONIAL E O TEMPO RELACIONAL ENTREVISTA A ROLANDO VAZQUEZ RESUMO Temos que pensar a descolonização em relação as artes. Nesta entrevista é explorado como as artes descoloniais são diferentes da estética moderna-colonial. A descolonização da estética conduz a emancipação da estesia, isto é, das formas de relacionamento com o mundo e da fôrma de fazer mundo a partir dos sentidos. A estesia descolonial distinguese dos princípios da arte contemporânea particularmente pela fixação o tempo moderno, abrindo-nos para a temporalidades relacionales. Os artistas descoloniais exercem uma temporalidade diferente que implica não só uma crítica radical à ordem da representação e à visão moderna, mas também à possibilidade de entender a descolonização como um movimento cheio de esperança, carregado da possibilidade de designar e viver os mundos interculturais que foram negados. PALAVRAS CHAVES Descolonização, esperança, tempo relacional, fôrma, intercultural. Recibido el 20 de enero de 2015 Aceptado el 26 de febrero de 2015

Resumo: O artigo discute educação, estética e possibilidades para uma estética decolonial, a partir de uma vivência que denominamos mediação (inter)cultural em uma escola guarani e em uma exposição de arte na 10ª Bienal do Mercosul. A noção de escola (inserida no território indígena) como espaço de fronteira contribuiu para a compreensão de um pensamento fronteiriço, que escapa ao cânone moderno ocidental. A mediação (inter)cultural mostrou-se útil como método para o je guata - caminhada -, uma caminhada investigativa, realizada com um coletivo escolar pertencente ao povo guarani.

Desde el original Sistema de Educación Musical surgido en Venezuela como proyecto social, son muchas las Redes que como eco de su exitoso desarrollo se implementan en varios países de América Latina. Ellas, sin embargo, enfrentan el reto de constituirse en una alternativa formativa para la potenciación de la sensibilidad humana desde la valoración de las características de los contextos sociales particulares como postura epistemológica que asume la ruptura no sólo de las precariedades económicas sino de la comprensión del arte musical como experiencia transformadora. De este modo surge la reapropiación de la aisthesis en tanto percepción sensible, en distanciamiento de una concepción clásica cercana a la estética de lo bello, que por otro lado implica la colonialidad manifiesta en la reproducción acrítica de principios educativos en el campo de la música, situados desde pilares como los repertorios, los instrumentos, las propuestas metodológicas de origen europeo, entre otros aspectos. Así mismo la pregunta sobre la formación como búsqueda o impulso de un devenir humano desde la emergencia de una nueva cultura altermoderna surgida en el mestizaje globalizado. Esta realidad convoca la reflexión de los programas de educación superior quienes afrontan el conflicto creciente por desintegrar los andamiajes de la tradición, enfocándose en la formación de un pensamiento creativo y una educación expresiva.

Las posiciones dentro del pensamiento decolonial fortalecen la idea de igualdad entre sociedades desde la importancia de respetar las diferencias y equilibrar su valor histórico. Incluir estos planteamientos en el contexto educativo permite construir nuevos imaginarios sociales a nivel colectivo que replanteen su propia cultura desde una perspectiva crítica. En el texto se expone cómo la estética puede ser un elemento determinante en este giro decolonial para la búsqueda de identidad social en el contexto universitario ecuatoriano. El artículo contempla la propuesta didáctica implementada bajo este tema, así como las conclusiones que se extraen de esta experiencia.

Este trabajo sostiene que las actuales producciones literarias y artísticas indoamericanas son expresión sensible de una nueva identidad geopolítica continental, la que emerge vinculada a la recuperación de una memoria cultural e histórica colectiva, al valor de la diversidad, y al reconocimiento y reivindicación de saberes y territorios ancestrales. Este complejo proceso se orienta a resignificar una cartografía cultural anterior a lo colonial, bifurcada del proceso sociocultural y político latinoamericano, dando origen a un “otro” movimiento continental. Desde una perspectiva estética y decolonial, planteo una visión sistémica sobre el actual proceso literario y artístico indígena, y describo en obras representativas la emergencia de esta nueva consciencia poscolonial y fronteriza que lucha por su autonomía estética, política y epistémica.

Na fronteira, é possível descolonizar a estética? Reivindicar as identidades e subjetividades? Manter-se como artista em processos de migração? São os questionamentos que alimentam a investigação deste percurso. O trabalho aqui apresentado, tem caráter de uma pesquisa continuada e que, por isso, não se encerra em um produto arte, e sim, apresenta a vivência com a arte, permitindo a criação de alternativas e desvios. O trabalho de projeto tem o objetivo de relatar a pesquisa desenvolvida no Curso de Mestrado em Práticas Artísticas em Artes Visuais da Universidade de Évora, relacionando as teorias decoloniais com práticas artísticas contemporâneas em crítica à colonialidade e analisando o desenvolvimento do conceito de estética-decolonial, a partir dos conceitos de colonialidade do Poder, do Ser, do Conhecimento e da Natureza. Aponto a transmodernidade como alternativa à pós-modernidade. Assim, proponho visita às obras das artistas Tanja Ostojic, Jota Mombaça, Grada Kilomba e Tania Bruguera e exponho a minha produção artística, desenvolvida no período de atividade no curso, refletindo sobre os sistemas de educação e matrizes de conhecimento, masculinidade e a colonialidade das instituições; Abstract: Decolonial aesthetics and border identity in the production of migrant artists On the border: is it possible to decolonize aesthetics? To reclaim identities and subjectivities? To remain an artist in the process of immigration? These are the questions that drive this investigation forward. The presented work is a continuous research, and therefore it does not conclude in a product, but rather it presents an art process, allowing space for creation of alterations. This work aims to reflect on the research developed during the course in Visual Arts at the University of Évora. Relating decolonial theories with contemporary artistic practice as a critique to modernity and colonialism, it analyzes the development of the concept of decolonial aesthetics. It presents the concepts of colonialism: the Power, the Being, the Knowledge and the Nature and proposes trans-modernity as an alternative to post-modernity. Thus, it revises the artistic works of Tanja Ostojic, Jota Mombaça, Grada Kilomba and Tania Brugueiro and exposes my own artistic process developed during the course, reflecting on the education system and matrices of knowledge, masculinity and the colonialism of the institutions

A educação indígena, percebida como semeadora de éticas-estéticas, tanto em escolas como em outros espaços educativos, exprime uma ritualização ressignificada no cotidiano, de forma a germinar um olhar integral da realidade. Ao considerar a escola indígena como um espaço de fronteira, parece ser nesse lugar de trânsito que as relações interculturais e estéticas florescem com mais intensidade. De acordo com essa noção, procurou-se observar estéticas da vida guarani nas fronteiras escolares, além de perceber as relações estéticas e educacionais por meio de mediações culturais (interculturais), primeiramente na escola Anhetenguá, da tekoá Anhetenguá (Porto Alegre-RS) em 2013, e posteriormente na escola Karaí Arandu, da tekoá Jatai’ty (Viamão-RS) em 2015. Ambas escolas guarani que visitaram exposições de arte contemporânea das 9ª e 10ª Bienais do Mercosul. Isto posto, o propósito seminal dessa dissertação é perceber e refletir sobre estéticas e percepções estéticas ameríndias a partir das especificidades do estar sendo Mbyá Guarani e seus processos educacionais. Para isso, elaborei a metáfora da construção da casa guarani: mbyá ro – casa tradicional, entendendo as estéticas da educação como movimentos que integram um corpo. Utilizei o deixar-se estar como postura metodológica e a mediação cultural como método de pesquisa. A dimensão estética da vida e da cultura pode ser um caminho libertador para pensar o modo indígena de estar sendo. Considerando que o estar sendo ameríndio se compõe na junção existencial entre o estar indígena e o ser que advém da noção de “ser alguém” moderno-ocidental, segundo Rodolfo Kusch (2009), tal dimensão estética pode ser entendida para além das noções de estéticas artísticas, do belo e do sublime. Nesse sentido, a estética é um campo fecundo de sentidos e expressões orgânicas do estar junto societal (MAFFESOLI, 1996). Por fim, a compreensão das estéticas Mbyá Guarani nos contextos educativos, como prática, mostra-se germinal a uma opção estética decolonial (GOMÉZ; MIGNOLO, 2012).
La educación indígena, percibida como sembradora de éticas-estéticas, tanto en escuelas como en otros espacios educativos, expresa una ritualización resignificada en lo cotidiano, que invita a germinar una mirada integral de la realidad. Al considerar la escuela indígena como un espacio de frontera, parece ser en ese lugar de tránsito que las relaciones interculturales y estéticas florecen con más intensidad. De acuerdo con esa noción, se procura observar estéticas de la vida Guaraní en las fronteras escolares, además de percibir las relaciones estéticas y educativas a través de mediaciones culturales, (interculturales), primero en la escuela Anhetenguá, de la Tekoá Anhetenguá (Porto Alegre-RS) en 2013 y posteriormente en la escuela Karaí Arandu, de la Tekoá Jatai’ty (Viamão-RS) en 2015. Ambas escuelas Guaraní que visitaron exposiciones de arte contemporánea de la 9ª y 10ª Bienal del Mercosur. Lo anterior en relación a que el propósito seminal de esta disertación es percibir y reflexionar sobre estéticas y percepciones estéticas amerindias a partir de las especificidades del estar siendo Mbyá Guaraní y sus procesos educativos. Para esto, elaboré la metáfora de la construcción de la casa guaraní: mbyá ro – casa tradicional, entendiendo las estéticas de la educación como movimientos que integran un cuerpo. Utilicé el dejarse estar como postura metodológica y la mediación cultural como método de investigación. La dimensión estética de la vida y de la cultura puede ser un camino liberador para pensar el modo indígena de estar siendo. Considerando que el estar siendo amerindio se compone en la conjunción existencial entre el estar indígena y el ser que adviene de la noción “ser alguien” moderno-occidental, según Rodolfo Kusch (2009), tal dimensión estética puede ser entendida más allá de las nociones de estética artísticas, de lo bello e de lo sublime. En este sentido, la estética es un campo fecundo de sentidos y expresiones orgánicas del estar junto societal (MAFFESOLI, 1996). Por fin, la comprensión de las estéticas Mbyá Guaraní en los contextos educativos, como práctica, se muestra germinal a una opción estética decolonial (GOMÉZ; MIGNOLO, 2012).

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação Interdisciplinar em Estudos Latino-Americanos da Universidade Federal da Integração Latino-Americana, como requisito parcial à obtenção do título de Mestre em Estudos Latino-Americanos. Orientadora: Profa. Dra. Diana Araújo Pereira. Co-orientadora: Profa. Dra. Andréia Moassab
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This research work tracks the processes of subordinated inclusion of Latin American visualities in the artistic canon, as well as the conditioning of these practices to colonial/modern categories of the understanding of art. Based in the Latin American section of the exhibition Global Conceptualism: Points of Origin 1950s-1980s, these investigation results point out elements through which hegemonic constructions of the territory defines and influences the (re)production of modern/colonial structures, particularly the field of visual culture.
Esta investigação busca reconhecer a origem de paradigmas da visualidade moderno/coloniais na América Latina e identificar suas reverberações em experiências artísticas contemporâneas. Neste sentido, visa rastrear processos de inclusão subordinada de visualidades latino-americanas no cânone artístico, bem como o condicionamento dessas práticas a categorias eurocentradas de entendimento da arte. Tomando como disparador a seção de arte da América Latina da exposição Global Conceptualism: Points of Origin 1950s-1980s, este texto aponta elementos por meio dos quais se articulam construções hegemônicas do território que influenciam na (re)produção social e estética de estruturas modernas/coloniais de sentido e existência, e em especial, do ver.

[EN] Landscapes and Utopias. Visual translation of imagery within migration and intercultural contexts. Three case studies (Summary) Analysis of three projects run between 2010 and 2013 from an interdisciplinary perspective, including theories of Human Scale Development and the principles of post-development, as well as the evolution of hybrid artistic practices in line with new genre public art and community aesthetics, is the purpose of the current investigation. We make use of these theories since they represent an extension or expansion of the way they approach their subjects of study, which allows us to point towards a methodology where the processes of visual creation allow a broader look at research projects within the social sciences and development contexts. This dialogic analysis of case studies enables us to point out the potentialities that these creative processes course, from the perspective of desire and resistance. All case studies have the city of Valencia as a starting place but the different phases of the methodology of visual translation extend the work and imagery references into the reality of several Latin American countries, primarily from Colombia and the Dominican Republic.
[ES] Paisajes y Utopías. Traducción visual de imaginarios en contextos de migración e interculturalidad. Tres casos de estudio (Resumen) El análisis de tres proyectos realizados entre 2010 y 2013 desde una perspectiva interdisciplinar, que incluye las teorías del Desarrollo a Escala Humana y los postulados del posdesarrollo, así como la evolución de las prácticas artísticas híbridas en la línea del arte público de nuevo género y las estéticas comunitarias, es el propósito de la presente investigación. Nos servimos de dichas teorías porque suponen una ampliación o expansión de la forma en la que abordan sus temas de estudio y esto nos permite apuntar hacia una metodología donde los procesos de creación visual posibiliten una mirada más extensa en proyectos de investigación en ciencias sociales y en contextos de desarrollo. Este análisis dialógico de los casos de estudio nos permite señalar las potencialidades que desde el ámbito de los deseos y la resistencia, atraviesan estos procesos creativos. Todos los casos de estudio tienen como lugar de partida la ciudad de Valencia pero las distintas fases de la metodología de traducción visual extienden el trabajo y las referencias respecto a los imaginarios hasta realidades de varios países latinoamericanos, principalmente de Colombia y República Dominicana.
[CAT] Paisatges i Utopies. Traducció visual d'imaginaris en contextos de migració i interculturalitat. Tres casos d'estudi (Resum) L'anàlisi de tres projectes realitzats entre 2010 i 2013 des d'una perspectiva interdisciplinària, que inclou les teories del Desenvolupament a Escala Humana i els postulats del postdesenvolupament, així com l'evolució de les pràctiques artístiques híbrides en la línia de l'art públic de nou gènere i de les estètiques comunitàries, és el propòsit de la present investigació. Ens servim d'aquestes teories perquè suposen una ampliació o expansió de la forma en què aborden els seus temes d'estudi i això ens permet apuntar cap a una metodologia on els processos de creació visual possibiliten una mirada més extensa en projectes d'investigació en ciències socials i en contextos de desenvolupament. Aquesta anàlisi dialògica dels casos d'estudi ens permet assenyalar les potencialitats que des de l'àmbit dels desitjos i de la resistència, travessen aquests processos creatius. Tots els casos d'estudi tenen com a lloc de partida la ciutat de València però les diferents fases de la metodologia de traducció visual estenen el treball i les referències que fa als imaginaris fins realitats de diversos països llatinoamericans, principalment les de Colòmbia i República Dominicana.
Corzo Morales, M. (2016). Paisajes y utopías. Traducción visual de imaginarios en contextos de migración e interculturalidad. Tres casos de estudio [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61963
TESIS

La Ciudad de México ha visto en los últimos veinte años diversas formas de habitar sus espacios públicos, convertidos también en espacios de conflicto por las condiciones geo-políticas imperantes, estos no-sitios han sido poblados por manifestaciones estéticas, todas coincidentes en una gramática visual de la apropiación, el emplazamiento y la acumulación de objetos en desuso, chatarra y demás excedentes de un sistema económico alguna vez promesa de modernidad que nunca llegó. Este proyecto construyó un puente entre estas manifestaciones estéticas urbanas con el fenómeno aparecido durante la Segunda Guerra Mundial en las islas de Oceanía Remota: los cargo cults, mito que incubó los movimientos de independencia en este archipiélago. La investigación abordó el dibujo desde la noción de dispositivo, entidad transversal, heurística y autónoma que a partir de una estrategia situacionista generó una taxonomía conformada por 22 láminas de medio tono a la usanza de la ilustración científica, el cual recopiló diversos ensamblajes en la ciudad utilizando la deriva como trabajo de campo teniendo en común una específica carga simbólica emancipatoria y todos ellos siendo construidos por bricoleurs: creadores anónimos-colectivos. Esta tesis contribuye al estudio del dibujo como un dispositivo, que opera como palanca para articular ideas, aprehender el mundo y colaborar en nuevos saberes universales, decoloniales y emancipatorios como posibilidades de afirmación colectiva.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5790