Academic literature on the topic 'Estética indiana'

El objetivo fundamental del presente artículo es la configuración de una constelación de ficciones delirantes en la literatura latinoamericana contemporánea, a partir de la conceptualización del delirio literario y el análisis del proceso de construcción del relato delirante. Dado que, algunos narradores latinoamericanos despliegan ficciones delirantes en nuestros días, y existe un amplio número de casos, en donde el delirio se evidencia en la literatura de nuestro continente, autores como: Mario Bellatin, Roberto Bolaño, Rita Indiana Hernández, Horacio Castellanos Moya, Cristina Rivera Garza, entre otros. Por consiguiente, se centrará la atención en la creación de una base crítica para la interpretación del delirio de algunos personajes de la literatura latinoamericana contemporánea, como un constructo cultural que transgrede el orden social, y es asumido como resistencia y articulación de una praxis creativa.

Este artigo tem por objetivo analisar a representação do indiano por meio do figurino da telenovela Caminho das Índias, de Gloria Perez. A análise parte da confrontação entre o trabalho de codificação e decodificação da linguagem indumentária indiana e o processo de recodificação para o código brasileiro e para a estética da TV. Compara-se, ainda, as “leituras” e “traduções” realizadas pela figurinista da novela e o resultado final nas cenas exibidas. Tomado como uma linguagem, o figurino sobre o Outro, nesta ficção televisiva, revela-se distante do estereótipo e da carnavalização. O estudo mostra ainda que o trabalho realizado de forma original em Caminho das Índias inaugura uma nova categoria de figurino na cartilha das produções de vestimentapara a televisão.

<p>¿Es filmable el psicoanálisis? Ante la proliferación de películas y series que buscan recrear en la pantalla la figura de analistas y pacientes, la pregunta se torna ineludible. Para abordar esta delicada cuestión, a la vez clínica y estética, acaba de aparecer el libro más esperado: <em>El ojo maravilloso: (des)encuentros entre psicoanálisis y cine</em>. Fruto de una investigación rigurosa de décadas, la obra de Eduardo Laso viene a coronar su sólida formación en psicoanálisis, epistemología y ética, junto a su pasión por el cine. Docente durante muchos años de la cátedra de Irene Friedenthal (Psicoanálisis: Freud) y miembro fundador de la Sociedad Porteña de Psicoanálisis, es actualmente investigador del Programa de Ciencia y Técnica de la UBA y docente de Ética y Derechos Humanos y de Psicología en el CBC.</p><p>Para dar una semblanza de sólo uno de los puntos desarrollados en el libro, digamos que Sigmund Freud, el inventor del psicoanálisis, fue recreado en la pantalla en más de veinte películas. Encarnado por actores como Montgomery Clift, Curt Jurgens, Max von Sydow o Viggo Mortensen, su figura se transformó en un ícono de la cultura. El cine representó a Freud analizando a sus pacientes clásicas, como Anna O., Elizabeth von R, o Dora, pero también a Gustav Mahler, Marie Bonaparte o Lou Andreas-Salomé. Y por cierto a personajes apócrifos, como al joven Indiana Jones, Sherlock Holmes, Hitler, el Sr. Spock, o el mismísimo vampiro de Transilvania. Esta larga serie, que va desde representaciones sublimes hasta banalizaciones ridículas, nos informa sobre el carácter revulsivo del psicoanálisis. Su visionado y lectura atentapor parte de Eduardo Laso permite pensar la tensión entre ética y estética, a la vez que introducir cuestiones epistemológicas desde una renovada experiencia como espectadores en una sala de cine.</p>

Verónica Garibotto Rethinking Testimonial Cinema in Postdictatorship Argentina. Beyond Memory Fatigue. Indiana University Press, 2019.El legado de la última dictadura militar (1976-1983) y sus efectos en el presente en la sociedad argentina han sido objeto de análisis de innumerables libros escritos dentro y fuera del país, tanto en español como en inglés. De los libros publicados en Argentina en la última década, cabe mencionar dos por su gran impacto y alcance al incluir diferentes producciones culturales (cine, literatura, fotografía, teatro, rock) referidas al traumático pasado. El primero, publicado por Prometeo Libros, es el libro compilado por Fernando Reati y Margherita Cannavacciuolo, De la distancia emocional a la distancia histórica. (Re)Presentaciones del terrorismo de Estado, 40 Años después(2016). Allí, se compilan trabajos centrados en torno a las reinterpretaciones del pasado que se continúan produciendo desde el arte y el cine, con importantes análisis de colaboradores que estudian las producciones culturales de dos generaciones: la coetánea a la dictadura y la de los que eran niños durante la misma (15). El segundo libro, publicado por EUDEBA, es el editado por Jordanar Blejmar, Silvana Mandolesi y Mariana Eva Perez, El pasado Inasequible. Desaparecidos Hijos y Combatientes en el Arte y la Literatura del Nuevo Milenio (2019). El mismo reúne a una impresionante lista de expertos académicos reflexionando sobre la desaparición en hijos y combatientes de Malvinas. Tal como lo explican sus editoras, la “nueva estética” para referirse al traumático pasado marca el paso del tiempo, una asimilación de lo ocurrido y una perspectiva generacional que les posibilita reflexionar sobre las producciones en los años del kirchnerismo (9)

Em matéria de apreciação estética, todos nós temos "prazeres culpáveis", esses momentos nos quais sentimos que não se deveria apreciar uma obra julgada indigna de nossa estima, mas, contrariando nossos desejos, nós não podemos fazer outra coisa senão experimentar um inegável êxtase. Às vezes designada pela expressão akrasia estética (conceito emprestado do vocabulário da moral), esta inclinação habitual consiste em ir contra seu melhor juízo, isto é, demonstrar irracionalidade por não fazer a coisa que, em teoria, seria a mais apropriada (neste caso: não gostar da "boa" arte ou gostar da "má” arte). Segundo essa perspectiva, haveria bons e maus julgamentos estéticos. Mas isso implica uma crença na existência de uma norma objetiva de qualidade estética (o que, de saída, não é evidente) que permitiria determinar se um artefato lhe corresponde ou não). Sobre o que repousa o "comando moral" segundo o qual se deveria reprovar o que nos agrada em nome de uma convenção? Não há algo de profundamente problemático na ideia de que seríamos "obrigados" a apreciar as obras em função de uma norma heterogênea e não em função daquilo que realmente sentimos diante delas? Este artigo será a ocasião para discutir essas questões tão fascinantes quanto polêmicas.

O texto aborda a cultura visual e a relação entre política e estética, dois campos que, mais do que serem autônomos, pertencem entre si reciprocamente. Um poema póstumo de Ruben Dario, um soneto sobre anacronismo de Alphonsus de Guimarães ou uma ópera sobre o artista como clown de Freitas Vale, são estratégias de jogo, encontro e arquivo cujas implicações políticas subjacentes colaboram para alargar o campo em que situamos a estética política, e reforçam a compreensão de que a estética política é sempre fruto de um intercâmbio entre uma obra de arte e sua interpretação.

THE SEMIARID BEYOND AESTHETICS OF THE BEAUTY OF PAIN: Reflections from Catingueira – PBEL SEMIÁRIDO MÁS ALLÁ DE LA ESTÉTICA DE LA BELLEZA DEL DOLOR: reflexiones que se originan en Catingueira – PBPartindo de um trabalho de campo etnográfico, seguindo observações participantes, conversas com pensadores locais e leituras de autores, objetivo pensar o sertão, no Nordeste do Brasil, refletindo sua construção/invenção histórica na dupla interface entre o real e o imaginário nacional. Chamo a atenção do leitor afirmando que o sertão não nasceu e nem está pronto, mas que vem se transformando na pluralidade das mãos índias, negras e brancas, mesmo destacando o desaparecimento das primeiras. Mostro como o sertão tem se tornado, ao longo dos séculos, um produto cultural inventado não apenas com base real, mas perfilado na expressividade humana calcada nos parâmetros criados pela “estética da boniteza da dor”. Reconheço que isso tem consequências para o melhoramento de sua percepção no imaginário nacional. Concluo criticando a imagem hegemônica do sertão, indicando que ela precisa ser reformulada para que corresponda mais à realidade vivida na região.Palavras-chave: Sertão; Produto Étnico-Plural; Expressão Estético-Cultural; Imaginário.ABSTRACTStarting from an ethnographic field work, following participant observations, conversations with local thinkers, deepening the subject in specialists, aim to think about the semiarid region in the Northeast of Brazil, reflecting its historical construction in its double interface between the real and the national imaginary. I point out that the semiarid was not born ready, but has been transformed by the plurality of Indian, black and white hands. However, this does not deny the disappearance of the first two groups. I show how the semiarid has become, over the centuries, a cultural product invented by the human expressiveness, marked by the "aesthetics of the beauty of pain." I recognize that this has consequences for their perception in the national imagination. I conclude by criticizing the hegemonic image of the semiarid, indicating that it needs to be reformulated to correspond more to real life.Keywords: Semiarid; Ethnic-Plural Product; Aesthetic-Cultural Expression; Imaginary.RESUMENA partir de un trabajo de campo etnográfico, configurado por observaciones participantes, conversaciones con pensadores locales y profundizando la temática con especialistas, el objetivo consistió en: pensar sobre el semiárido en el Nordeste de Brasil, reflejando su construcción histórica en su doble interfaz entre lo real y lo imaginario nacional. Se afirma que el semiárido no nació como se encuentra en la actualidad, sino que viene transformándose en la pluralidad de las manos indias, negras y blancas, aun reconociendo la desaparición de las primeras. A lo largo de los siglos, se ha convertido en un producto cultural inventado, no sólo con base real, sino perfilado en la expresividad humana calcada en el parámetro creado por la “estética de la belleza del dolor”. Se reconoce que esto tiene consecuencias para su percepción en el imaginario nacional. Se concluye criticando la imagen hegemónica del semiárido, indicando que ella necesita ser rehecha para que corresponda más a la realidad vivida en la región.Palabras clave: Semiárido; Producto Étnico-Plural; Expresión Estético-Cultural; Imaginario.

Argumentaremos sobre a literatura indígena brasileira produzida a partir da década de 1990 como uma perspectiva estético-política que entrelaça tradição ancestral com e como crítica do presente, resistência cultural e luta política, aliando-se profundamente ao Movimento Indígena brasileiro surgido a partir de fins de 1970 e, em verdade, tornando-se seu instrumento de legitimação normativa. A literatura indígena é posicionamento político e práxis pedagógica dos indígenas por si mesmos e desde si mesmos, direcionados à politização da questão indígena a partir de um profundo diálogo com a sociedade civil acerca de nossa constituição sociocultural e institucional. Assim, propomos como chave de leitura para a literatura indígena sua vinculação ao Movimento Indígena, sua politização radical e sua utilização da tradição como crítica do presente enquanto ferramentas metodológicas para o acesso a ela e, principalmente, para que não se perca de vista seu sentido e sua orientação profundamente políticos e politizantes. Palavras-chave: Literatura Indígena. Tradição. Crítica. Resistência. Desconstrução. BRAZILIAN INDIAN LITERATURE: BETWEEN TRADITION, CRITICISM AND RESISTANCE Abstract: This paper explores the Brazilian Indian literature produced since the1990s. This is seen as an aesthetical-political perspective which intertwines ancestral tradition with and as critic of the present, cultural resistance and political struggle, profoundly allying to the Brazilian Indian Movement that appeared in the end of the 1970s, and, actually, becoming its instrument for normative legitimation. Indian literature is understood as political standing and pedagogical praxis of the Indians by and from themselves, directed to the politicization of Indian issues emerging from a profound dialogue with the civil society about our social-cultural and institutional constitution. Therefore, it is argued that the reading key for Indian Literature should be its connection to the Indian Movement, its radical politicization, and its use of tradition as critics of the present as methodological tools for the access to it and mainly not to forget its deep political and politicizing sense and orientation. Keywords: Indian Literature. Tradition. Criticism. Resistance. Deconstruction.

Partindo dos grafites rupestres encontrados em uma gruta do deserto do Tassili n’Ajjer (Saara), considerado um exemplo de mascaramento estético feminino, será traçado um percurso histórico crítico que pretende percorrer as diferentes tipologias de mascaramento presentes nas diversas partes e culturas do mundo. Das máscaras funerárias às máscaras utilizadas para adquirir poder e qualidade de forças sobrenaturais, da tatuagem à escarificação e deformação estética, para então debruçar-se de modo particular sobre o mascaramento feminino. Este último tem um papel de extrema importância, por exemplo, para os ritos de iniciação das adolescentes ao status de mulheres nas tribos dos Mende, Terrine e Sherbro, que habitam as fronteiras entre Serra Leoa e a Libéria; ou nos casos das mulheres islâmicas que utilizam o véu (haïk na tradição argelina, chador no Irã, burqa no subcontinente indiano). Será, enfim, analisada a fundamental contribuição, no âmbito teatral e artístico, de Jacques Lecoq, Amleto Sartori e Donato Sartori graças a invenção da máscara neutra. Partendo dai graffiti rupestri rinvenuti in una grotta del deserto del Tassili n’Ajjer (Sahara), dove è presente un chiaro esempio di mascheramento estetico femminile, verrà tracciato un percorso storico-critico che vuole ripercorrere le differenti tipologie di mascheramento presenti nelle diverse parti e culture del mondo. Dalle maschere funerarie alle maschere utilizzate per acquisire potere e qualità di forze soprannaturali, dal tatuaggio alla sacrificazione e deformazione estetica, per poi soffermarsi in particolar modo sul mascheramento femminile. Quest’ultimo ha un ruolo di estrema importanza, ad esempio, per i riti d’iniziazione delle adolescenti allo status di donne nelle tribù dei Mende, Terrine e Sherbro, che abitano il confine tra Sierra Leone e la Liberia; oppure nel caso del delle donne islamiche che utilizzano il velo (haik nella tradizione algerina, chador in Iran, burqa nel subcontinente indiano…). Verrà infine analizzato il fondamentale contributo, in ambito teatrale ed artistico, apportato da Jacques Lecoq, Amleto Sartori e Donato Sartori grazie all’invenzione della maschera neutra.

En este artículo se estudia El tungsteno como literatura política analizando su coherencia entre la intención de denuncia y propaganda con la estructura y lenguaje que le imprimen una entidad estética autónoma en relación con toda la producción de Vallejo y que puede ser ubicada dentro de las clasificaciones convencionales como una novela de tesis, con características del realismo social. Representa su capacidad expresiva y comunicativa, diseñando una diversidad de estilos que se inscriben dentro de sus ideales de libertad creativa y compromiso como escritor.ABSTRACTThis paper explores El tungsteno (‘The Tungsten’) as political literature; it analyzes the coherence between the attempt to complain and divulge with the structure and language that make it an autonomous aesthetic entity in relation to all its production placing it inside of conventional classifications as a thesis novel with characteristics of social realism. It represents its expressive and communicative ability, designing a diversity of styles which fall within the idea of creative freedom and commitment as a writer.Keywords: Thesis novel, anti–imperialism, social realism, Indians, officials, professionals, tradesmen, Corporation, State.

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Iniciamos apresentando, em nosso primeiro capítulo, o texto inaugural da filosofia da arte indiana, o Nāṭyaśāstra de Bharatamuni, com nossa atenção voltada aos capítulos I, VI, VII e XXXVI, os quais constituem, ao nosso ver, o núcleo da doutrina central da estética indiana, no que tange às artes performáticas em geral, incluindo dança, teatro e música, assim como implicações no campo da poesia, escultura e artes visuais. Tal núcleo pode ser relacionado aos conceitos de estados emocionais (bhāva), experiência estética (rasa), planos expressivos (abhinaya) e mímese (anukīrtana) influência se exerce tanto no campo especulativo, quanto no âmbito das formas e estilos artísticos. Em nosso segundo capítulo, abordamos duas vertentes medievais que retomam o pensamento de Bharata e desenvolvem doutrinas especulativas, em estreita conexão a dimensão da soteriologia, central para o pensamento indiano como um todo. Temos, assim, o que chamamos de poética da paz, no xivaísmo de Abhinavagupta, em contraste com a poética do amor, do vaixinavismo de Rūpa Gosvāmin. Em nosso terceiro capítulo, dirigimos nossa atenção ao âmbito mais concreto das poéticas, formas e movimentos artísticos. Sob esse escopo, desenvolvemos três tópicos: i) a aplicação da poética de Bharata no poema Xacuntalá Reconhecida de Kalidasa (poeta de corte do século IV d.e.c) e o contraste que se pode estabelecer com a poética grega de Aristóteles; ii) o processo de classicalização de alguns estilos de danças indianas, em meio às transformações sociais que tomam lugar no período pré-independência (segunda metade do século XIX e primeira do século XX d.e.c), marcado pelo nacionalismo e pela absorção do vitorianismo; iii) a centralidade da poética de Bharata no processo intensamente assimilacionista que resulta na linguagem comercial do cinema de entretenimento de Bollywood. Nesses três tópicos de nosso último capítulo, fica constatada a abrangência e centralidade dos conceitos empregados por Bharatamuni no âmbito da produção e compreensão da arte indiana.
On the first chapter, we explore the foundational text of Indian Aesthetics, the Nāṭyaśāstra, attributed to Bharatamuni (sec. II B.C.E to II C.E.). Our attention is on chapters I, VI, VII and XXXVI from the treatise, where one can find some of the main concepts of Indian philosophy of arts, namely: emotional state (bhāva), aesthetic experience (rasa), expression planes (abhinaya) and mimesis (anukīrtana). Such conceptual framework extends its influence over both the speculative and practical fields related to Indian arts. The second chapter is dedicated to two medieval developments of speculative thought, named, the aesthetics of peace, based on śanti-rasa, that characterizes the doctrine of the Kashmirian and shaivist philosopher Abhinavagupta; in contrast to the aesthetics of love, centered on śṛṅgāra-rasa, from the eastern vaishnava theologian, Rūpa Gosvāmin. On the third chapter, the focus is on more concrete applications of the poetics of rasa, including three topics: i) the perfect congruence between the poetics of Bharata and the artistic creation of Kālidāsa (court poet from the IV C.E.). Also we can contrast this congruence to what would be expected from an artwork that followed the Greek poetics described by Aristotle. ii) the second topic is an exposition about the classicalization process that takes place inside the intense Indian social reformism of the second half of XIX and the first half of XX centuries of the C.E., deeply marked by Nationalism and Victorianism. Inside this context, we can notice the centrality of the concept of aesthetic experience (rasa) on different discourses on art, even from the opposite points of view represented by Rukmini Devi and Balasaraswati. iii) finally, we focus on the entertainment industry of Bollywood, which idiosyncratic language among world cinemas can be explained by the centrality of the concept of mood – a common parlance word for aesthetic experience (rasa) and emotional state (bhāva) – largely used by technicians and artists from the cinema métier.

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:46:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000387363-Texto+Completo-0.pdf: 1713157 bytes, checksum: 11f91c70333d5b39a7d2ae8a3d53ff04 (MD5) Previous issue date: 2006
This work has as general purpose to discuss the incorporation of a new esthetic look on the distracted receivers, worrying about mapping the repeated elements current in the filmic narrative constituted by the trilogy Indiana Jones. The methodology used is recovered from Umberto Eco by Eliana Pibernat Antonini, who proposes five analytical categories to the contemporary cultural products. These levels of analysis start from a simply informational, minimal linear manifestation and they are directed to more complexes structures, such as the inferential trips, the possible worlds and the cultural and ideological semblances, here understooded as the metatextual platforms of sense production. From Omar Calabrese, Walter Benjamin, Wolfgang Iser, among others, the theorization of repetition, fractal, fragment, detail and esthetic will support the theoretical course to the analysis construction, where it is possible to verify that a serial production shows different esthetical senses, as to a consumption, first degree reading, as to a critic, second degree reading. This esthetical rereading denotes academical relevance because it tries to flee from the simplificators antagonisms of value construction, such as right or wrong, beautiful or ugly, to propose a new look of time, noticed as a dialogical option suitable to the contemporary receptor opportunized by technic.
Este trabalho tem como objetivo geral discutir a incorporação de um novo olhar estético nos receptores distraídos, preocupando-se em mapear os elementos repetitivos presentes na narrativa fílmica constituída pela trilogia Indiana Jones. A metodologia utilizada é recuperada de Umberto Eco por Eliana Pibernat Antonini, que propõe cinco categorias analíticas para os produtos culturais contemporâneos. Tais níveis de análise partem de uma manifestação linear mínima, meramente informativa, e se dirige para estruturas mais complexas, como os passeios inferenciais, os mundos possíveis e as fisionomias culturais e ideológicas, entendidas aqui como os patamares metatextuais de produção de sentido. A partir de Omar Calabrese, Walter Benjamin, Wolfgang Iser, entre outros, a teorização da repetição, do fractal, do fragmento, do pormenor e do estético sustentarão o percurso teórico para a construção da análise, onde se pode verificar que uma produção serial desperta diferentes sentidos estéticos, quer para uma leitura de primeiro grau, de consumo; quer para uma leitura crítica, de segundo grau. Tal releitura estética desperta relevância acadêmica por procurar fugir dos antagonismos simplificadores de construção de valor, tais como certo ou errado, belo ou feio, para propor um novo olhar do tempo, percebido enquanto opção dialógica adequada ao receptor contemporâneo oportunizado pela técnica.

Orientador: Fernão Pessoa de Almeida Ramos
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-10T12:13:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_JulianoGoncalvesda_M.pdf: 1133169 bytes, checksum: a80fa3411446a287d242d5f971f3ff85 (MD5) Previous issue date: 2002
Resumo: O trabalho realiza uma análise da imagem do índio no cinema brasileiro, através do estudo de como o personagem indígena é por ele construído e veiculado através dos filmes de ficção. Realiza um levantamento da filmografia onde o personagem aparece e analisa, com profundidade, dois filmes recentes ¿ Brava Gente Brasileira (2000) e Caramuru, a Invenção do Brasil (2001) ¿ considerados paradigmáticos desta realização
Abstract: This work consists in an analysis of the indians image on the brazilian movie, achieved through the study of how the indian character is built and disseminated through the brazilian fiction films. It also consists in a filmography survey base don the appearance of the indian character, and analyses deeply two recent films ¿ Brava Gente Brasileira (2000) e Caramuru, a Invenção do Brasil (2001) ¿ considered paradigmatic of this accomplishment
Mestrado
Mestre em Multimeios

[EN] This PhD in Fine Arts is the introduction to a Yantric Theory of Drawing as a result of researching plastic forms from the universal principles present in perceptive reality. Based on the yantra as an active element in the drawing of a integral mandalic vision, Drawing re-presents a vision of the world based on aesthetic distance, in which the sum and multiplication of all the parts is contemplated from one point of view, a naked eye. This perspective is transdimensional, whereby co-creative man is capable of making his own vision real, enjoying the aesthetic experience through the practice of Art. Art is the fifth element in which contact with Beauty takes place in a disinterested way. This thesis in its Form and Consciousness explores the fundaments of these aesthetic formulations through its most yogic roots in India. We will add a metaphor to such aesthetic formulations and explain them through the voice of the artist, in which the process of transmutation of the matter, the transformation of the Nature into Art takes place. The shilpi yogi is the inspiration and aspiration of the being which indwells the imagery artist who develops images of himself, the imprints of personal consciousness transcended through transpersonal art forms. Its being, its Presence, can be modulated through plasticity, from the purest abstraction to the finest figurative art. This thesis represents a plastic voyage to the very heart of India, in which an artist and a sadhu go hand in hand as a symbolic encounter between indosophy and the sublime plastic representative of the tragedy of duality, sunk in life under the weight of chiaroscuro. Light is the Great Symbolic Metaphor and the primordial object of the mystery of Science. The space of the heart is the fifth plastic element on which we base our Yantric Theory of Drawing. We use this to reintegrate the coherence of Art from all times and places, reinterpreting it from an optimistic historical standpoint. Drawing gives us the power to make this real (maya-magic), through the yantric vision. This thesis is the foundational preface to a way to make real the dream of the imagined, a function which Art, the original inoculant, has had throughout history. Such a possibility of form-function-power is endorsed by the most ancient foundations of civilization: the great symbolic potential which was crystalised in Man, the complex system of ancient times which doesn't respond to limits, but rather to constellations, the tantra, inspiration and aspiration of quantic meta-physics.
[ES] Esta tesis doctoral en Bellas Artes es la introducción de una Teoría Yántrica del Dibujo como resultado de una investigación de la forma plástica desde principios universales presentes en la realidad perceptiva. Basada en el yantra como elemento activo dibujístico de una visión mandálica integral, el Dibujo viene a re-presentar una visión del mundo basada en la distancia estética, en la que la suma y multiplicación de todas las partes es contemplada desde un punto de vista y un ojo genuino, transdimensional, en el que el hombre co-creativo es capaz de realizar su propia visión y disfrutar de la experiencia estética a través de la práctica del Arte. El Arte es el quinto elemento en el que el contacto con la Belleza de modo desinteresado tiene lugar. Esta tesis, como Forma y Consciencia explora los fundamentos de estas formulaciones estéticas, a través de sus raíces más yóguicas, en India. A tales formulaciones estéticas les añadimos una metáfora y las explicamos a través de la voz del artista, en el que se da el proceso de transmutación de la materia, la transformación de la Naturaleza en Arte. El silpi yogui es la inspiración y aspiración del ser que habita en el artista imaginero, quien desarrolla sus propias imágenes o la huella de la consciencia personal que se supera a sí misma a través de la plástica de lo trans-personal. Su ser, solo Presencia, se deja modular en el vehículo plástico desde la más pura abstracción a la más fina figuración. Esta tesis representa un viaje plástico al corazón de la India, en el que van de la mano una artista y un sadhu como encuentro simbólico de la indosofía y el sublime representante plástico de la tragedia de la dualidad, sumido en la vida y el peso del claroscuro. La Luz es la Gran Metáfora simbólica y el objeto de misterio primordial de la Ciencia. El espacio del corazón es el quinto elemento plástico en el que se basa nuestra Teoría Yántrica del Dibujo para reintegrar la coherencia del Arte de todos los tiempos y lugares, desde un punto de vista histórico optimista que está en nuestras manos hacer real (magia-maya), a través de la visión yántrica para el Arte, a que da pie el Dibujo. Esta tesis es el prolegómeno fundacional de una vía de hacer real el sueño de lo imaginado, como ha venido haciendo el Arte como inóculo original a lo largo de la Historia. Tal posibilidad de forma-función-poder está avalada por los más antiguos fundamentos de la civilización, el gran potencial simbólico que fue posible cristalizar en el Hombre, el sistema complejo de la antigüedad que no responde a límites, sino a constelaciones, el tantra, inspiración y aspiración de la meta-física cuántica. CLARA M. SEVILLA SEGUÍ
[CAT] Aquesta tesi doctoral en Belles Arts és la introducció d'una Teoria Iàntrica del Dibuix com a resultat d'una investigació de la forma plàstica des de principis universals presents en la realitat perceptiva. Basada en el iantra com a element actiu del dibuix d'una visió integral del mandala, el Dibuix vindria a re-presentar una visió del món basada en la distància estètica, en què la suma i multiplicació de totes les parts és contemplada des d'un punt de vista i un ull genuí, "transdimensional", en què l'home co-creatiu és capaç de realitzar la pròpia visió i gaudir de l'experiència estètica a través de la pràctica de l'Art. L'Art és el cinquè element en què el contacte amb la Bellesa hi té lloc de forma desinteressada. Aquesta tesi, en tant que Forma i Consciència, explora els fonaments d'aquestes formulacions estètiques mitjançant unes arrels basades en sistema del ioga, pel que fa a l'Índia. A aitals formulacions estètiques els afegim una metàfora, i les expliquem per mitjà de la veu de l'artista, l'individu en qui es produeix el procés de transmutació de la matèria, la transformació de la Natura en Art. El silpi iogui és la inspiració i aspiració de l'ésser que habita en l'artista imaginer, qui desenvolupa les seves pròpies imatges o l'empremta de la consciència personal que se supera a si mateixa a través de la pràctica d'allò trans-personal. El seu ésser, tan sols Presència, es deixa modular en el vehicle plàstic des de la més pura abstracció fins a la figuració més fina. Aquesta tesi representa un viatge plàstic al cor de l'Índia, en què una artista i un sadhu, plegats, conflueixen de manera simbòlica en la indosofia i el sublim representant plàstic de la tragèdia de la dualitat, immers en la vida i el pes del clarobscur. La Llum és la Gran Metàfora simbòlica i l'objecte primordial de la ciència. L'espai del cor és el cinquè element plàstic en què es basa la nostra Teoria Iàntrica del Dibuix, el propòsit del qual consisteix a reintegrar la coherència de l'Art de tots els temps i llocs, des d'un punt de vista històric i optimista, que tenim a les nostres mans convertir en real (màgia-maia) a través de la visió iàntrica per a l'Art, a què dóna peu el Dibuix. Aquesta tesi és el prolegomen fundacional d'una via per tal de materialitzar el somni respecte d'allò imaginat, com ha vingut fent l'Art com a inòcul originari al llarg de la Història. Aquesta possibilitat de forma-funció-poder és avalada pels més antics fonaments de la civilització, el gran potencial simbòlic que fou possible cristal·litzar en la figura de l'Home, el sistema complex de l'antiguitat que no respon a límits, sinó a constel·lacions, el tantra: inspiració i aspiració de la meta-física quàntica.
Sevilla Seguí, CM. (2016). Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63259
TESIS

En la emergencia de pensar el espacio público y su relación con respecto a la democracia, surgen las siguientes cuestiones: ¿cómo superar las limitaciones de la identidad y hablar de un “nosotros”?, ¿es necesario invocar a la unidad para resolver el ideal de igualdad? Estas son dificultades inherentes a la fundamentación de la democracia y, por consiguiente, a las posibilidades que habilita. Las consecuencias de uno u otro modo de fundamentar la democracia afecta eso a lo que Fred Evans llama el cuerpo de multiples voces. Esta expresión sirve para aludir a lo público desde la heterogeneidad, además de introducir una dimensión estética a su fórmula política. Ahora, con el propósito de exponer el juego de las voces en el espacio público, propongo apelar a la democracia por venir y la absoluta hospitalidad de Jacques Derrida, por un lado, y el ser singular plural de Jean-Luc Nancy, por el otro. La democracia por venir muestra una tensión perpetua entre lo semejante y lo otro, en ella se celebra un ideal de democracia en persecución perpetua. En cambio, el ser singular plural indica la necesidad de la relación con el otro, de estar-con, que guardando las distancias, recuerda al Mitsein heideggeriano. Estas nociones sugieren una apertura necesaria del espacio público y, en último término, asignan un valor simultáneo a todas las voces.

Como es sabido, los procesos capitalistas y neoliberales, son herencia y resultado de una larga tradición colonialista de la Vieja Europa que ha derivado a un ente colonizador denominado Occidente civilizado y civilizador, en términos territoriales, hasta difuminarse en simplemente núcleos de poder económico. Así, la globalización heredera de la llamada “universalidad” del yo occidental ha dejado de lado e invisibilizado al otro, esto es, a los territorios colonizados, vistos como salvajes o primitivos. Estos, se han dejado de lado por carecer de los avances socio-tecnológicos del “primer mundo”, países “democráticos”, “bajo soberanía popular”, pero, como es sabido, articulados en torno al capital y sus normas. En el siglo XXI estamos asistiendo a la aparición de diferentes movimientos y grupos, que a través de luchas y reivindicaciones concretas intentan modificar y en ocasiones directamente acabar con este estado neoliberal. De esta forma, resistencias como el movimiento feminista actúan por la igualdad, pero a su vez actúan como representación de diferentes maneras de hacer, diversos modelos de gestión que se deben extrapolar a otros niveles más generales de gobierno, participación y lucha. No obstante, aún así, el movimiento feminista que prevalece es un aparato occidentalizado, pero ¿qué sucede en territorios de la periferia respecto a los núcleos de poder económico? Aparentemente, estamos asistiendo a un apertura de escucha, así por ejemplo, los movimientos feministas en países de Latinoamérica o la India ya no solo quedan bloqueadas en su propio territorio si no que se expanden o se deben expandir a otros países, a otros grupos como ejemplos de proyectos alternativos a los más tradicionales u occidentales. En este texto intentaremos aproximarnos a los movimientos feministas periféricos y cómo estos pueden dar luz, nuevos puntos de vista y nuevas maneras de hacer a los movimientos occidentales. No sólo en la lucha por la igualdad sino también en como la lucha por la tierra y su utilización como forma de vida pueden influenciar en procesos respecto a la lucha sobre el cambio climático, maneras de comercio e intercambios. Refiriendo a través de la figura del subalterno tanto luchas feministas como resistencias sociales de clase. La transversalidad imperante de los medios sociales y culturales actuales, llevan en ocasiones a difuminar la frontera entre el arte y lo puramente sociológico, convirtiendo la propia propuesta artística en una de las herramientas de resistencia más combativas.

Introdução: A arborização dos grandes centros urbanos, além da melhoria estética, fornece inúmeros benefícios ao meio ambiente e a sociedade por meio da qualidade de vida física e mental da população. Nesse contexto, a cidade de Belém localizada no estado do Pará, possui como característica principal ao longo de sua história, a presença de diversos tuneis de mangueiras denominando-a como “Cidade das Mangueiras”. Todavia, assim como em outras urbes, os grandes espaços arbóreos de Belém se encontram comprometidos em decorrência do acelerado crescimento urbano. Objetivos: Objetivou-se analisar as recentes publicações e apresentar contextos sobre os principais desafios para a conservação da arborização urbana na cidade de Belém-PA. Metodologia: Este trabalho foi desenvolvido seguindo uma revisão da literatura, através de artigos publicados em bases cientificas sobre os desafios da conservação da arborização urbana de Belém que pudessem contribuir para os resultados deste estudo. Fundamentação Teórica: Belém é uma cidade localizada no oeste do Pará, possui clima de floresta tropical classificado como quente e úmido, e possui áreas verdes principalmente no centro da região. O processo de arborização, cria um ambiente de amenização microclimática, melhoria estética e paisagística, diminuição do nível de ruído e promove o conforto ambiental. Com o processo acelerado da urbanização, tais benefícios são perdidos pela destruição progressiva dos ecossistemas. No espaço belenense, essa situação pode ser vista através da falta de cuidados dos habitantes às espécies arbóreas, sobretudo da mangueira (Mangifera indica L.), em decorrência da queda de seus frutos quando maduros nas calçadas, nos indivíduos e em automóveis. Outro fator são as podas realizadas de forma inadequada em variadas espécies, podendo ser vistas tanto em árvores em contato com fiação de alta tensão, quanto na queda de galhos com maior frequência nos períodos de grande intensidade pluviométrica. Dessa forma, alagamentos são cada vez mais comuns na região, ocasionados pela falta de permeabilidade do solo. Conclusão: Em vista dos argumentos apresentados, faz-se necessário o uso da educação ambiental para que a população conheça as principais importâncias da arborização para a cidade de Belém e as diferentes técnicas de poda para a resistência arbórea.

Este trabalho busca compartilhar reflexões e metodologias advindas da docência da disciplina História da Arte junto a alunos de cursos nas áreas de Arte e Desenho Industrial em uma faculdade particular da cidade de São Paulo, nos anos de 2002 a 2005. A grande maioria dos alunos demonstrou inicialmente pouca familiaridade com a História da Arte e a principal expectativa em relação ao curso era a de aquisição de meios para reconhecer estilos e obras. Esse fato suscitou questionamentos: Como levar os alunos a perceberem que a apreciação vai muito além do mero reconhecimento? Como favorecer as relações entre as suas próprias vivências e os saberes da História da Arte, sem cair em uma visão reducionista? As reflexões acerca da mediação da arte (Martins, 2001) levaram a docente à busca de metodologias que visassem a experiência estética (Dewey, 1980) e conseqüentemente, a interação dos alunos com conteúdos desconhecidos pela grande maioria, rumo à construção de um saber sensível e significativo (Maffesoli, 1998 e Duarte, 2001). Com base na Fenomenologia, antes de trabalhar com conceitos dos teóricos da História da Arte, realizaram-se experiências de leitura de obra (metodologia de Ott), onde foi valorizada a percepção primeira dos alunos sobre as imagens. O desenvolvimento do trabalho indica que essas teorias do Ensino de Arte se mostraram como possibilidades enriquecedoras para a docência de História da Arte, e merecem investigação aprofundada acerca de suas possibilidades.