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1
Lefebvre, Marie-Thérèse. "L’Underground musical des années 1970 au Québec." Les Cahiers des dix, no. 68 (March 31, 2015): 249–86. http://dx.doi.org/10.7202/1029295ar.
Full textAbstract:
La contre-culture possède deux visages : l’un à découvert (overground) et l’autre, souterrain (underground). Dans la mouvance « overground » des musiques écrites d’avant-garde et d’allégeance européenne défendues, entre autres, par la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ), une nouvelle génération de musiciens revendique un espace de création pluridisciplinaire où l’expérimentation et l’improvisation prennent appui sur les modèles américains. « Underground » dans les années 70, ce mouvement artistique donne naissance à un courant esthétique qui émerge au début des années 80 sous le nom de “musique actuelle”. Histoire d’une rencontre entre deux univers de création.
2
Bellemare, Luc. "Musicologie et musique vocale : esquisse d’une méthodologie d’analyse texte-musique adaptée au répertoire du chansonnier Félix Leclerc." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, no. 1 (November 28, 2018): 27–38. http://dx.doi.org/10.7202/1054168ar.
Full textAbstract:
Dans cet article, le corpus entier du chansonnier Félix Leclerc est prétexte à l’explication d’une méthode d’analyse « texte-accompagnement instrumental » adaptée à l’étude de la musique vocale. L’attention se porte d’abord sur l’analyse littéraire des paroles, et plus spécifiquement à partir de l’exemple de la chanson « Les Rogations » de Leclerc, sur la présence d’idées nationalistes dans les chansons avant 1970 (Monière 1977; Balthazar 1986; Dumont 1996). Par la suite, l’analyse musicale se concentre sur les relations entre les influences musicales du chansonnier et les techniques d’accompagnement à la guitare dans les chansons enregistrées (Green 2001; Tagg et Clarida 2003). Au final, la somme des étapes analytiques proposées remet en question deux conceptions répandues du style de Leclerc : la division de sa carrière en seulement deux périodes – avant et après la crise d’Octobre 1970; et la forte appartenance esthétique de son répertoire à la « grande chanson française ».
3
Villeneuve, Johanne. "Le corps du père." Protée 33, no. 3 (November 6, 2006): 75–85. http://dx.doi.org/10.7202/012504ar.
Full textAbstract:
Résumé Dans son film Le Pornographe, Bertrand Bonello cristallise le conflit entre père et fils dans ce qu’il a d’actuel et de paradoxal : la confusion entre les pères et les fils qui rend caduque toute filiation en même temps qu’elle empêche tout véritable rejet du passé. Entre le sexe à l’état pur (qui est le credo du père devenu pornographe dans les années 1970) et l’idéal de pureté du fils qui désire avoir un enfant, entre l’ascétisme de la pornographie associé au père et la symbolique romantique du fils, la confusion s’établit sans qu’il soit possible ni au père ni au fils d’accéder à la transmission. Le film dévoile ainsi l’aporie qui est au coeur de la filiation, et que vient illustrer éloquemment la reprise du motif esthétique et théologique de la « grâce ».
4
Guido, Laurent. "Entre lyrisme esthétique et pessimisme culturel. Vincent Dieutre et les nouvelles voies autobiographiques de l’Europe." Cinémas 21, no. 1 (August 15, 2011): 21–36. http://dx.doi.org/10.7202/1005628ar.
Full textAbstract:
Les images de routes et de rues sont des figures récurrentes du cinéma autobiographique contemporain, généralement structuré autour d’un parcours géographique (retour vers l’espace familial, découverte de lieux liés aux origines, déracinement qui entraîne l’errance, etc.) L’oeuvre de Vincent Dieutre propose notamment une vaste réflexion sur l’état de la culture occidentale à travers une série de récits de voyage : en Hollande et en Italie dans Rome désolée (1995), Bologna Centrale (2004) et Leçons de ténèbres (2000), ou encore en Allemagne avec Mon voyage d’hiver (2003). La complexité de ce réseau européen contraste vivement avec l’univers mythologique des avenues et des autoroutes américaines abordé par de nombreux prédécesseurs de Dieutre au cours des années 1970-1990. Marquée par une dialectique permanente entre lyrisme esthétique et pessimisme culturel, cette vision des rues et des routes d’Europe revisite les fondements mêmes du dispositif propre au film autobiographique : l’espace traversé par le voyageur se révèle le point de rencontre entre l’expérience individuelle, intime, narcissique et la référence plus universelle à une mémoire collective et historique.
5
Nanda, Ravindra, and Philippe Amat. "Une orthodontie contemporaine fondée sur l'harmonie esthétique et sur la biomécanique. Un entretien avec Ravindra Nanda." L'Orthodontie Française 88, no. 4 (December 2017): 297–317. http://dx.doi.org/10.1051/orthodfr/2017029.
Full textAbstract:
Le Pr Ravindra Nanda a obtenu une licence et une maîtrise en dentisterie et en orthodontie du King George's Medical College, Lucknow University. En 1967, il a intégré l'Université Catholique de Nimègue, aux Pays-Bas, où il a obtenu un doctorat en philosophie en 1969. Il a rejoint la nouvelle école dentaire de Loyola à Chicago en 1970, après avoir occupé le poste de Professeur assistant en orthodontie dans le service dirigé par Frans van der Linden. En 1972, il fut promu au Département d'Orthodontie de l'Université du Connecticut à Farmington, CT, et y reçu son certificat en orthodontie sous la direction de Charles Burstone. Professeur adjoint, puis professeur titulaire à partir de 1979, il a assumé le poste de Chef du Département d'Orthodontie à partir de 1992 et a été promu pour diriger le Département des Sciences Craniofaciales en 2004, dont les divisions de chirurgie orale et maxillo-faciale, de dentisterie pédiatrique, de l'enseignement supérieur en dentisterie générale et en orthodontie. Il est membre et ancien président de la composante Atlantique Nord de la Edward H. Angle Society of Orthodontists. Il occupe actuellement la fonction de rédacteur en chef de Progress in Orthodontics, de rédacteur associé du Journal of Clinical Orthodontics et est membre du comité éditorial de neuf revues d'orthodontie nationales et internationales. Il est membre de l'Association dentaire américaine, de l'Association dentaire de l'État du Connecticut, de la Hartford Dental Society, de l'Association américaine des orthodontistes, de la Société européenne d'orthodontie, de l'Association internationale de recherche dentaire et du College of Diplomates of American Board of Orthodontists. Il a rédigé et publié sept manuels et plus de 200 articles dans des revues à comité de lecture. Il a donné des conférences magistrales dans plus de 40 pays et a reçu de nombreux prix et honneurs pour ses contributions en dentisterie et en orthodontie, aux États-Unis et de la part d'organisations internationales d'orthodontie. Il est membre d'honneur des Jordan Orthodontic Society, Czech Orthodontic Society, Taiwanese Orthodontic Society, Central American Orthodontics Society et membre d'honneur à vie de l'Indian Orthodontic Society. Ravindra Nanda a été honoré du Life Time Achievement Award (University of Connecticut Foundation), et il est Senior Research Fellow (Japan Promotion for Science, Sendai, Japan − Tohoku University). Il a prononcé de nombreuses conférences d'honneur : la John Taylor Lecture, lors de la réunion annuelle de l'Australian Society of Orthodontics Foundation, la Sheldon Friel Memorial Lecture lors de la réunion annuelle de l'European Orthodontic Society, la Gordon Kirkness Memorial Lecture lors de la réunion annuelle de l'Australian Society of Orthodontics, la John Mershon Memorial Lecture, Boston, Massachusetts lors de la réunion annuelle de l'American Association of Orthodontics et la Wendell L. Wylie Memorial Lecture, à l'Université de San Francisco, Californie.
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Lamy, Yvon. "Changement culturel, marché des œuvres, théorie esthétique [A propos de travaux anglo-américains relatifs à l'avant-garde artistique et à sa logique d'accomplissement dans les décennies 1960 et 1970 ]." Genèses 2, no. 1 (1990): 178–91. http://dx.doi.org/10.3406/genes.1990.1041.
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7
Papavassiliou, Anthony. "Les nouveaux enjeux de la granulation sonore : l’esthétique populaire de l’Intelligent Dance Music (IDM)." Articles 30, no. 2 (November 18, 2011): 101–16. http://dx.doi.org/10.7202/1006380ar.
Full textAbstract:
L’Intelligent Dance Music, abrégé IDM, est un courant né dans les années 1990 en Angleterre. Sa particularité a été de proposer une musique aux spécificités structurelles populaires (rythmes majoritairement binaires, nombreuses répétitions, formes classiques, etc.) mêlée à une certaine complexité du contenu rythmique et timbral. Reprenant les techniques de micromanipulations sonores explorées dans les milieux académiques des années 1970 et 1980, les artistes d’IDM les ont développées par la création d’outils dédiés qu’ils ont ensuite diffusés à un large public appartenant à une nouvelle génération d’auditeurs « actifs ». Ce partage, favorisé par le contexte particulier de développement des technologies numériques qui débuta dans les années 1990, a donné lieu à une utilisation massive des micromanipulations dans les musiques populaires. L’esthétique issue des micromanipulations se manifeste à l’audition par l’effet de granulation du son qui provient de l’utilisation de diverses techniques de construction et décomposition tels que la granulation sonore, la synthèse granulaire, le découpage, répétition et mélange automatisés, ainsi que l’étirement ou encore le « gel » du son. Le présent article résume l’évolution de l’usage des micromanipulations sonores en tenant compte du contexte qui a favorisé son développement et présente l’IDM comme le courant qui a assuré le transfert d’un concept de création vers une esthétique populaire.
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Roueff, Olivier. "Politiques d’une « culture nègre »." Anthropologie et Sociétés 30, no. 2 (February 28, 2007): 65–85. http://dx.doi.org/10.7202/014114ar.
Full textAbstract:
Résumé La Revue Nègre est un spectacle de music-hall qui suscita de vives polémiques en 1925. Il est reçu comme une révélation du génie esthétique de la race noire et de son influence, délétère ou revigorante, sur la culture française. L’évidence de cette logique raciale s’appuie toutefois sur des ressorts esthétiques particuliers. Si l’imagerie coloniale constitue le registre d’appréciation quasi exclusif, c’est parce que le spectacle s’inscrit dans une double lignée, dont l’article documente les ressorts et les croisements : la revue à grand spectacle, au music-hall, et le ballet moderne, parmi les avant-gardes. Le primitivisme de La Revue Nègre apparaît ainsi comme une rhétorique politique spécifiquement lettrée, qui vient saisir les cultures « anthropologiques » à partir des productions esthétiques, mais aussi comme un moment de l’imposition du langage de la culture comme langage politique qui dominera les années 1930.
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Boeuf, Jocelyne Le. "Jacques Viénot and the “Esthétique Industrielle” in France (1920–1960)." Design Issues 22, no. 1 (January 2006): 46–63. http://dx.doi.org/10.1162/074793606775247781.
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10
Carluccio, Daniele. "Barthes, Didi- Huberman et l'image pathétique." Irish Journal of French Studies 20, no. 1 (November 1, 2020): 173–91. http://dx.doi.org/10.7173/164913320830841665.
Full textAbstract:
En conclusion de Réparer le monde (2017), Alexandre Gefen propose une 'réinterprétation thérapeutique' de la modernité littéraire, en prenant pour exemple un poème de Mallarmé pour son défunt fils Anatole : 'les modalités de l'écriture les plus impassibles, les plus distanciées, par abstraction ou par ironie, […] peuvent viser à protéger l'individu de sa propre souffrance, ou prévenir contre des représentations sociales potentiellement dangereuses en en moquant les discours et en en déconstruisant le storytelling'. C'est cette relation indirecte entre « impassibilité » et affectivité qui est ici examinée, en partant de la critique que Georges Didi-Huberman a formulée, dans Peuples en larmes, Peuples en armes (2016), du discours de Roland Barthes sur l'image. Didi-Huberman juge 'presque choquante' l'analyse que celui-ci fait, dans 'Le troisième sens' (1970), d'un photogramme du Cuirassé Potemkine représentant des femmes pleurant la mort du matelot insurgé Vakoulintchouk. Ceci en raison de son attention semble-t-il exclusive à la stéréotypie de l'image. Quant au Barthes de La Chambre claire (1980), qui renoue avec le pathos visuel, il apparaît à Didi-Huberman isolé dans le deuil. En relisant les textes de Barthes sur l'image, à commencer par la critique sociale des Mythologies (1957), cet article réévalue l'affectivité paradoxale de son regard. Il montre que l''impassibilité' peut-être néanmoins synonyme de participation émotive, dès lors qu'elle est entendue comme une forme de mélancolie esthétique. Il devient ainsi possible de repenser la juste distance du discours intellectuel vis-à-vis du monde abîmé qui lui est contemporain.
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Bleton, Paul. "Services secrets québécois. Les espions de la paralittérature des années 1940-1960." Études 18, no. 1 (August 30, 2006): 118–41. http://dx.doi.org/10.7202/201004ar.
Full textAbstract:
Résumé On évoque ici un corpus de récits paralittéraires publiés sous forme de fascicules. Production singulière par son thème dominant, l'espionnage, si on se remémore qu'elle fut quasi exclusivement le fait d'auteurs \ québécois) singulière aussi par sa stricte circonscription dans le temps (les décennies 1940-1960); singulière enfin par les déterritorialisations esthétique, communicationnelle et thématique dont elle fut le laboratoire.
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Cardoso, Catarina Figueiredo. "On Being Contemporary." Matlit Revista do Programa de Doutoramento em Materialidades da Literatura 2, no. 1 (November 8, 2014): 203–7. http://dx.doi.org/10.14195/2182-8830_2-1_15.
Full textAbstract:
Review of Anne Moeglin-Delcroix's new edition of Esthétique du Livre d'Artiste 1960-1980: Une Introduction à l'Art Contemporain. 2nd edition, Marseilles/Paris: Le mot et le reste/ Bibliothèque Nationale de France [1st ed., Esthétique du Livre d'Artiste: 1960-1980, Paris: Bibliothèque Nationale de France/Jean Michel Place, 1997], 2012, 444 pp. ISBN 9782360540136. DOI: http://dx.doi.org/10.14195/2182-8830_2-1_15
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Cousins, Rick, and Janine Léopold. "Radio Cargo Cult Liturgy : essai de transposition du théâtre radiophonique dans le visible." L’Annuaire théâtral, no. 56-57 (August 30, 2016): 175–94. http://dx.doi.org/10.7202/1037337ar.
Full textAbstract:
Les reprises sur scène de radio-théâtres de ce qu’on appelle l’âge d’or de la radio – qui correspond aux années 1930 et 1940 – prennent souvent des allures parodiques qu’on peut attribuer aux maladresses involontaires de ce type de productions radiophoniques. Cela soulève une question de fond : existe-t-il des éléments caractéristiques de cette esthétique des radio-théâtres qui soient transposables sur scène, dans des productions fondées sur la présence et le visuel? Pour répondre à cette question, l’auteur et une équipe de collègues artistes ont effectué une reprise d’un radio-théâtre phare de cette époque, appuyant l’auralité du radio-théâtre par des mouvements et des gestes scéniques. Il en résulte la création d’un nouveau texte qui fait la satire de cette vénération nostalgique de ce soi-disant âge d’or de la radio.
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Lazzaro, Federico. "Le discours esthétique dans la presse musicale française. Cadre théorique et méthodologie du projet de recherche « Histoire de l’esthétique musicale en France, 1900-1950 » (phem)." Revue musicale OICRM 4, no. 2 (February 8, 2018): 163–75. http://dx.doi.org/10.7202/1043226ar.
Full textAbstract:
Le projet de recherche « Histoire de l’esthétique musicale en France, 1900-1950 » (phem) vise à reconstruire le débat esthético-musical de l’époque à travers un dépouillement systématique de la presse périodique et la constitution d’une banque de données. Cet article introduit une série de publications liées au projet tout en illustrant le cadre théorique et la méthodologie.
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Guerpin, Martin. "Détournements savants du jazz en France et en Allemagne (1919-1922) : Adieu New-York ! de Georges Auric et le « Ragtime » de la Suite 1922 de Paul Hindemith." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 14, no. 2 (March 13, 2014): 69–77. http://dx.doi.org/10.7202/1023741ar.
Full textAbstract:
La plupart des travaux consacrés à l’influence du jazz dans le domaine de la musique savante s’attachent à relever les points communs et les différences de certaines oeuvres avec le modèle musical auquel elles empruntent. À partir de deux oeuvres représentatives de ces emprunts au début des années 1920, Adieu New-York ! de Georges Auric (1919) et le « Ragtime » de la Suite 1922 de Paul Hindemith, cet article propose d’élargir la perspective comparatiste à des problématiques relevant du domaine des transferts culturels, afin de dégager la dimension nationale de la réception et de l’utilisation du jazz dans la musique savante au début des années 1920, en France et en Allemagne. De quels répertoires de jazz Auric et Hindemith ont-ils pu avoir connaissance ? Comment caractériser la manière particulière dont leurs oeuvres empruntent à ces répertoires ? En quoi des spécificités nationales jouent-elles un rôle dans la manière dont les compositeurs savants utilisent le jazz dans leurs oeuvres ? Loin de chercher à reproduire fidèlement ces musiques, Adieu New-York ! et le « Ragtime » de la Suite 1922 détournent les caractéristiques musicales du jazz afin de proposer de nouvelles voies à la musique savante, hors des canons esthétiques issus du romantisme. Le jazz apparaît ainsi comme un moyen pour de jeunes compositeurs d’affirmer leur singularité. Dans le même temps, chacune de ces oeuvres emprunte paradoxalement à une musique alors clairement identifiée comme étrangère pour affirmer sa propre identité musicale nationale. Alors qu’Adieu New-York ! peut être considéré comme la mise en oeuvre de la redéfinition de l’identité musicale française proposée par Jean Cocteau dans LeCoq et l’Arlequin, le « Ragtime » de Paul Hindemith et son esthétique du laid s’inscrivent en droite ligne dans un courant expressionniste alors en vogue dans la jeune République de Weimar.
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Fregosi, Renée. "Moira Cristiá, Imaginaire péroniste : esthétique d’un discours politique, 1966-1976." Cahiers des Amériques latines, no. 84 (May 16, 2017): 178–81. http://dx.doi.org/10.4000/cal.4559.
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Dalmas, Franck. "Gaëtan Picon (1915–1976): Esthétique et culture by Agnès Callu." L'Esprit Créateur 55, no. 2 (2015): 143. http://dx.doi.org/10.1353/esp.2015.0021.
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18
Fresnault-Deruelle, Pierre. "De la signalétique à l’emblématique : Twining de Charles Loupot." Hors dossier 35, no. 1 (June 27, 2007): 87–92. http://dx.doi.org/10.7202/015892ar.
Full textAbstract:
Résumé Ce texte essaie d’explorer quelques-unes des relations entre le texte et l’image dans les placards publicitaires des années 1930. L’auteur tente également de dégager en quoi ressurgit une certaine économie de l’emblème qu’il associe à ce qu’il pense être la pensée visuelle. Avec cette courte étude, quelques éléments sont fournis sur ce qu’il en serait d’une esthétique de la communication.
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Siret, Daniel. "Une utopie artistique solaire urbaine des années 1960." Environnement urbain 8 (December 9, 2014): 48–64. http://dx.doi.org/10.7202/1027737ar.
Full textAbstract:
Cet article présente la théorie hélioplastique de l’architecte polonais Mieczyslaw Twarowski publiée en 1962. À travers cette théorie, notre objectif est de mettre en évidence la double dimension historique et utopique des relations entre arts, environnement et ville : historique, parce que les propositions de Twarowski prennent sens dans le contexte de la modernité « radieuse »; utopique, parce qu’à travers ses expérimentations, Twarowski exprime sa croyance en un véritable enchantement solaire urbain. Par contraste, nous esquissons ce que pourrait être une esthétique urbaine contemporaine des flux solaires, susceptible de renouer avec les valeurs sensibles fondamentales de l’ensoleillement urbain.
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Campos, Rémy, Nicolas Donin, and Frédéric Keck. "Musique, musicologie, sciences humaines : sociabilités intellectuelles, engagements esthétiques et malentendus disciplinaires (1870-1970)." Revue d'Histoire des Sciences Humaines 14, no. 1 (2006): 3. http://dx.doi.org/10.3917/rhsh.014.0003.
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21
Bénistant, Alix. "Industrie musicale et (en)jeux d’échelles : les passages du local au global dans la « latin music » produite à Miami." Revista Pós Ciências Sociais 14, no. 28 (July 21, 2017): 151. http://dx.doi.org/10.18764/2236-9473.v14n28p151-166.
Full textAbstract:
Cet article interroge les processus qui interviennent dans le passage du local au global des contenus latino produits par l’industrie musicale de Miami. Comment un artiste dit « latino » intègre la culture populaire mainstream et quels sont les dispositifs (économiques, esthétiques) mis en place pour y parvenir ? En partant de certaines des études pionnières sur l’industrie musicale internationale, nous cherchons à mettre en lumière la stratégie multiscalaire élaborée par les labels dominants de Miami, investis dans le marché latino depuis la fin des années 1970, pour implanter des artistes successivement dans le marché national, régional et international.
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Lacroix, Michel. "Les revues et la littérature in flagrante : de Valery Larbaud à la littérature québécoise contemporaine." Tangence, no. 102 (February 10, 2014): 53–73. http://dx.doi.org/10.7202/1022657ar.
Full textAbstract:
« J’avais souvent pensé que pour les futurs historiens de la littérature moderne, les revues seraient d’un grand profit et principalement les revues de jeunes écrivains, parce qu’on pouvait y suivre, de mois en mois, le cours de la “littérature qui se faisait” », écrivait Valery Larbaud au début du xxe siècle. Malgré le développement remarquable des travaux sur les revues, cette histoire n’a pas encore été écrite. Cependant l’idée m’est chère et c’est sous son aiguillon que je souhaite réfléchir à l’étude historique de la littérature contemporaine, en quittant les revues littéraires françaises des années 1900 à 1920 pour les revues littéraires québécoises des dix dernières années. Le saut d’une époque et d’un domaine littéraire à l’autre, loin d’être balayé sous le tapis, servira de point de départ à mon interrogation. Peut-on toujours souligner, comme Larbaud le faisait, « l’importance capitale des revues » dans la littérature qui se fait maintenant ? Les revues servent-elles toujours de rampe de lancement pour les oeuvres nouvelles, de catalyseur esthétique pour les regroupements d’écrivains, de lieu de confrontation entre les écritures d’une même époque, voire de vecteur de « contemporanéité » ? Ces questions sur l’historicité des revues suscitent, du même souffle, une interrogation sur les méthodes de l’histoire littéraire.
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Donin, Nicolas. "Compositeurs chinois en Europe : entretiens avec Chen Qigang et Wen De-Qing." Circuit 12, no. 3 (March 9, 2010): 9–34. http://dx.doi.org/10.7202/402001ar.
Full textAbstract:
Entretiens réalisés à Paris, en février 2002, avec Chen Qigang et Wen De-Qing, compositeurs chinois nés dans les années 1950 et vivant maintenant respectivement à Paris et à Genève. Tous deux sont partis en Europe passée la trentaine; leurs parcours n’en sont pas moins très différents l’un de l’autre. Nicolas Donin les questionne sur leur cheminement et leur musique, s’efforçant de leur faire mettre en lumière la part de contingence et la part de volonté dans les ruptures — géographie et esthétique — qui ont jalonné leur vie de musicien.
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Kippelen, Étienne. "Les esthétiques de la citation des années 1960 aux années 2000." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 17, no. 2 (2016): 37. http://dx.doi.org/10.7202/1051393ar.
Full text
25
Duchesneau, Michel. "Charles Koechlin et l’amour des stars. L’acteur et son jeu comme moteur expressif d’une musique de cinéma idéale." Cinémas 25, no. 1 (May 5, 2015): 85–107. http://dx.doi.org/10.7202/1030231ar.
Full textAbstract:
Dans les années 1930, le compositeur Charles Koechlin (1867-1950) se découvre une passion pour le cinéma parlant ; outre ses articles sur le sujet, il a laissé des notes personnelles et des projets de scénarios et de musiques de film, allant jusqu’à concevoir des scénarios cinématographiques pour une musique qui n’existe pas et une musique pour des images qui n’existent pas — mais qui, dans son imaginaire, sont à la fois compatibles et de la plus haute tenue artistique. À cette passion s’ajoute celle qu’il éprouve pour les stars du cinéma et plus particulièrement pour l’actrice Lilian Harvey (1906-1968) ; Koechlin sublimera cet amour en musique et composera plus d’une centaine de pièces réunies dans les deux Albums de Lilian et dans Le portrait de Daisy Hamilton. Cet article tente une analyse des trois éléments cinématographiques — mouvement, ligne et expression — que Koechlin s’attache à transposer en musique dans ses « sketches pour un film imaginaire », et montre qu’au-delà des principes esthétiques qui l’animent, le compositeur trouve dans l’image sonore un matériau d’un dynamisme, d’une plasticité et d’une sensualité qu’aucune autre forme d’inspiration n’avait pu lui donner jusque-là.
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Milbach, Juliette. "Quelle place pour les mythes dans la peinture soviétique des années 1930 ?" Mythes, légendes et Histoire : la réalité dépassée ? 34, no. 2 (October 18, 2017): 125–35. http://dx.doi.org/10.7202/1041547ar.
Full textAbstract:
Cet article s’intéresse aux problématiques soulevées par la place des mythes dans la peinture soviétique des années 1930. En analysant le processus de production des images et la façon dont elles sont lues, l’auteur propose de revenir sur une décennie particulièrement riche en bouleversements (esthétiques comme politiques). À l’aide d’une étude de cas (la thématique paysanne), l’article montre la création de mythes proprement soviétiques s’éloignant des lieux communs sur le socialisme revu par la nouvelle historiographie.
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Cellard, Karine. "Avant Refus global." Dossier 41, no. 2 (July 5, 2016): 83–93. http://dx.doi.org/10.7202/1036938ar.
Full textAbstract:
Cet article s’intéresse à la critique d’art qui émerge dans les années 1940, principalement au sein de l’espace essayistique des revues comme Amérique française, La Nouvelle Relève et Gants du ciel, lesquelles appartiennent à la « constellation personnaliste » dominant alors le champ culturel. Tandis que l’époque commence à concevoir une distinction entre l’artiste (nourri d’une vision esthétique en littérature, en arts visuels, en théâtre ou en musique) et l’intellectuel (qui pense d’autres sujets et peut intervenir dans la Cité) se met en place, dans les corpus analysés, une poétique de l’apologie de la modernité basée sur trois types de discours communs (l’approche historique, le didactisme et la subjectivité lyrique de type symboliste) et sur des stratégies récurrentes (notamment l’antinomie et l’analogie). L’analyse de l’évolution de ces formes et de ces discours sur l’art au long de la décennie montre en quoi et comment celle-ci mène peu à peu à la rupture de 1948 qui, contrairement à ce que suggère le grand récit de l’histoire littéraire québécoise, ne représente pas uniquement une rupture avec « la tuque et le goupillon », mais aussi avec les alliés naturels, soit les personnalistes qui, au Québec, ont été les premiers à apprivoiser la modernité esthétique.
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Buisson, Léa. "De Musidora à Mad Souri : l’influence du cinéma sur Le trésor des Jésuites de Breton et Aragon." L’Annuaire théâtral, no. 59 (July 11, 2017): 31–47. http://dx.doi.org/10.7202/1040487ar.
Full textAbstract:
La pièce de théâtre Le trésor des Jésuites (1928) témoigne de ce qui est probablement la dernière collaboration entre Breton et Aragon, qui la composent en hommage à Musidora, vedette du cinéma muet des années 1910. Notre intention est de démontrer qu’elle participe d’une esthétique cinématographique qui relève d’une volonté de rendre hommage au septième art en s’inspirant du film à épisodes. Après avoir examiné la genèse de la pièce, nous étudions les emprunts au contenu et à l’atmosphère du genre, et, enfin, nous voyons en quoi la structure de la pièce tente d’assimiler la plasticité temporelle du cinéma.
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Hamel, Mathilde. "Du Metropolitan Opera à Broadway : Dalí à la conquête de la scène américaine." L’Annuaire théâtral, no. 59 (July 11, 2017): 85–103. http://dx.doi.org/10.7202/1040490ar.
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En 1940, Salvador Dalí s’exile aux États-Unis où il séjournera pendant huit ans. Il fera alors de la scène son arme pour conquérir un public qu’il souhaite toujours plus nombreux. Pour cela, il propose un surréalisme adapté, nourri de la culture de masse et des images grotesques que réclame le spectateur. C’est également sur les planches qu’il prend ses distances avec le groupe de Breton et qu’il présente sa nouvelle orientation esthétique. Peu à peu, l’Amérique entière devient la scène de ses happenings et il consolide le masque qui fera de lui une nouvelle icône américaine.
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Picard, Yves. "Du degré zéro au second degré dans la fiction télévisuelle québécoise." Cinémas 23, no. 2-3 (April 18, 2013): 97–120. http://dx.doi.org/10.7202/1015186ar.
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Constatant que la fiction télévisuelle aurait atteint depuis peu un « âge d’art », l’auteur remonte le fil de la théorie pour éclairer le trajet esthétique du domaine, du degré zéro au second degré. Le degré zéro de la fiction télévisuelle serait marqué par le retrait de la visualité au profit de l’attrait de l’oralité (Caldwell et Butler). Le second degré de la fiction télévisuelle serait pour sa part caractérisé par l’attrait de la visualité, souvent accompagné d’un retrait de l’oralité (Genette et Metz). L’auteur soutient ces propositions en examinant deux objets de la fiction télévisuelle québécoise, liés par un thème commun, celui du retour d’un homme réticent à parler de son passé : Le Survenant (1954-1960) et Aveux (2009).
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Racine, Noële. "Claude Gauvreau et la critique théâtrale." Dossier 39, no. 1 (February 24, 2014): 103–17. http://dx.doi.org/10.7202/1022996ar.
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Cet article propose un examen (en trois temps) des rapports complexes s’établissant entre les essais sur le théâtre, les chroniques dramatiques (1949-1970) et la dernière pièce de Claude Gauvreau — liens qui, sauf erreur, n’ont pas encore fait l’objet d’une étude approfondie. D’abord, on montrera que les références esthétiques et les prises de position de l’auteur à l’égard du monde théâtral, dans sa prose journalistique, traduisent à la fois un savoir critique et une (con)science poétique. Ensuite, on verra que cette science n’a d’égale que la (pre)science d’une pratique scénique à venir, et ce, tant pour le théâtre québécois que pour la dramaturgie gauvréenne. Enfin, il sera démontré que les conceptions théâtrales du chroniqueur se transposent dans Les oranges sont vertes par l’intermédiaire d’une représentation (incarnée) de la critique.
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Lazzaro, Frederico. "« La musique et le sport ». Une enquête du Guide du concert (« Le discours esthétique dans la presse musicale française, 1900-1940. Une anthologie » / Mots clés, 4)." Revue musicale OICRM 8, no. 1 (2021): 185. http://dx.doi.org/10.7202/1079796ar.
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Raffi, Maria Emanuela. "Stéphanie Smadja, Cent ans de prose française (1850-1950). Invention et évolution d’une catégorie esthétique." Studi Francesi, no. 188 (LXIII | II) (August 1, 2019): 385–86. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.20166.
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Crosta, Suzanne. "Gardiens et voleurs :." Études françaises 37, no. 2 (September 9, 2004): 99–114. http://dx.doi.org/10.7202/009010ar.
Full textAbstract:
Résumé Cette étude examine la rhétorique de la critique africaine anglophone des années 1970 et 1980, notamment les figures (gardiens, voleurs, chasseurs, proies, etc.) qu’elle a créées, transformées ou projetées pour identifier la culture et la race des actants, leur engagement politique et/ou leur conscience sociale et leurs prises de positions dans certains débats. À partir d’une analyse du discours critique, on tente ici de mettre en lumière la présence, tantôt forte tantôt faible, des institutions et des organes dirigés par des Africains et des Américains ; les tensions qui s’y jouent renvoient à un certain nombre de questions éthiques et esthétiques soulevées par la critique africaine anglophone dans le but d’élargir les termes du débat tout en proposant, par le biais des alliances interdisciplinaires et intercommunautaires, des stratégies de résistance plus efficaces et/ou des transformations visant un changement social réel.
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McKinley, Maxime. "Rencontre Haydn/Wagner dans les Berliner Momente de Walter Boudreau." Circuit 17, no. 1 (December 7, 2007): 93–113. http://dx.doi.org/10.7202/016776ar.
Full textAbstract:
Cet article propose, dans un premier temps, un parcours des diverses époques et tendances esthétiques à travers lesquelles Walter Boudreau a peu à peu construit son langage musical. Ce parcours débute par le courant de la contre-culture québécoise dans les années 1960, nous menant ensuite à Darmstadt et au structuralisme des années 1970, pour se terminer avec le développement du postmodernisme musical québécois dans les années 1980. Les généralités brossées dans ce parcours trouvent leur application dans la seconde partie de l’article, qui consiste en une analyse du cycle des Berliner Momente. Ce cycle, pour orchestre symphonique, est une oeuvre monumentale sur laquelle Boudreau travaille depuis près de vingt ans. L’analyse qui en est ici proposée, non exhaustive, s’attelle à faire la lumière sur les fondements herméneutiques de l’oeuvre, à montrer comment ceux-ci ont déterminé le choix des matériaux, à donner des exemples de manipulations effectuées sur ces matériaux. Il se révèle ainsi que les Berliner Momente, entièrement inspirés par l’histoire du peuple allemand, utilisent comme principaux matériaux le quatuor de Haydn servant d’hymne national à l’Allemagne et un corpus de motifs puisés dans la Tétralogie de Wagner. Pour Boudreau, le pôle « Haydn » des Berliner Momente symbolise l’aspect noble et digne du peuple allemand, tandis que le pôle « Wagner » en symbolise l’aspect sombre et tragique. Les évènements puisés dans l’histoire de l’Allemagne ont suggéré au compositeur diverses façons de manipuler ces deux paradigmes, créant de multiples jeux de frictions, de tensions et de confrontations. La dernière partie de l’article suggère qu’avec les Berliner Momente, Walter Boudreau participe à de nouveaux jalons pour la postérité wagnérienne.
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Lefort-Favreau, Julien. "Le Mai 68 littéraire de François Maspero." Études françaises 54, no. 1 (January 16, 2018): 37–58. http://dx.doi.org/10.7202/1042865ar.
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Si l’importance des éditions François Maspero dans les champs politique et intellectuel a été bien démontrée par de nombreux travaux récents, son apport aux mutations survenues dans les politiques de la littérature autour de Mai 68 mérite d’être mis en lumière. Nous soumettons l’hypothèse que l’action de François Maspero en amont et en aval de 68 participe à une politisation du champ littéraire par l’articulation complexe entre théorie politique et création littéraire que l’on peut observer dans l’ensemble de son catalogue. Nous nous intéressons ici à quatre acceptions de la littérature qui circulent chez Maspero et qui incarnent les différentes facettes d’une inscription conflictuelle de la littérature dans l’espace social représentative de 68. Nous portons d’abord notre attention sur les préfaces que signe Jean-Paul Sartre de deux livres publiés par Maspero : Aden Arabie de Paul Nizan et Les damnés de la terre de Frantz Fanon. Nous analysons ensuite une série d’articles de Georges Perec qui paraît au début des années 1960 dans la revue Partisans. La troisième acception que nous observons est perceptible dans les collections consacrées à la création littéraire chez Maspero, notamment à la poésie en traduction. Finalement, notre analyse porte sur la collection « Théorie » dirigée par Louis Althusser et la réflexion qu’elle déploie sur les tensions entre art et idéologie. L’examen de ces quatre déclinaisons du littéraire montre que Maspero constitue le lieu privilégié d’une prise en charge de paroles subalternes provenant du Tiers-Monde, d’une critique virulente des prescriptions esthétiques du PCF et d’un éloignement des principes de la littérature engagée. Il annonce donc des transformations importantes de 1968 et les pérennise au fil des années 1970.
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David, Sylvain. "Cioran et le « pamphlet sans objet »." Études : Étude de la trajectoire 39, no. 2 (November 5, 2008): 47–58. http://dx.doi.org/10.7202/019282ar.
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Résumé Cet article vise à comprendre ce qu’entend Cioran lorsqu’il prétend avoir conçu « un genre nouveau : le pamphlet sans objet ». Dans cette perspective, l’analyse confronte les grandes caractéristiques esthétiques et rhétoriques des premières oeuvres françaises de l’essayiste – du Précis de décomposition (1949) à Histoire et utopie (1960), ouvrage dont est tiré l’extrait cité – aux typologies du genre polémique proposées par Marc Angenot, dans La parole pamphlétaire (1982). La finalité d’un tel exercice est de mieux comprendre certains paradoxes de la poétique cioranienne, fondée – en dépit de sa rare élégance – sur un usage singulier de la violence verbale.
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Diamantakou-Agathou, Kaiti. "Le voyage de Dionysos dans la Grèce après 1975 ou Les épigones modernes de la dramaturgie grecque ancienne." L’Annuaire théâtral, no. 48 (February 20, 2012): 45–56. http://dx.doi.org/10.7202/1007839ar.
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L’intérêt se focalise sur les pièces grecques modernes qui « dialoguent » avec des drames antiques, tragiques ou comiques, à thématique correspondante, à travers une « mémoire généalogique » qui semble survivre, manifeste ou latente, dans l’écriture théâtrale depuis l’antiquité jusqu’à nos jours. Ce « dialogue homogène », maintenu entre les traitements dramatiques grecs anciens et modernes des mythes communs, nous permettra de constater à plusieurs niveaux (formes, contenus, motivations, modes, fonctions, etc.) la tension et l’extension de l’« influence » et de l’« envergure » diachronique du mythe ancien, sous toutes ses formes esthétiques et codifications théâtrales possibles.
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Arribert-Narce, Fabien. "De la « notation » à la « fictionalisation » de la vie: panorama des tendances photobiographiques dans la littérature française des années 1970 à nos jours." Nottingham French Studies 53, no. 2 (July 2014): 216–31. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2014.0087.
Full textAbstract:
Cet article examine le genre littéraire photobiographique qui est monté en puissance en France à partir des années 1970 avec la publication de livres comme La Chambre claire de Roland Barthes, L'Image fantôme d'Hervé Guibert ou encore L'Amant de Marguerite Duras. Il semble plus particulièrement que les œuvres autobiographiques formant ce corpus de plus en plus fourni puissent être schématiquement réparties en deux catégories distinctes en fonction de leur mode d'utilisation de la photo et de leurs orientations éthiques et esthétiques; on peut ainsi distinguer d'une part une tendance à se servir de la photo comme un modèle de notation (d'enregistrement graphique) de la vie sur le vif, et donc à la fois comme un document et une preuve de la réalité passée, et d'autre part une tendance fictionalisante insistant davantage sur les possibilités de projection (imaginaire) et de mise en scène (et en récit) offertes par les images.
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Duvicq, Nelly. "Paroles inuites." Création orale et littérature 46, no. 2-3 (July 3, 2017): 13–22. http://dx.doi.org/10.7202/1040430ar.
Full textAbstract:
Parmi les formes littéraires orales, la chanson, chez les Inuits, a toujours été une pratique générale et variée. Héritière de cette tradition, la chanson inuite contemporaine du Nunavik a connu un essor important au début des années 1970 et n’a cessé de se développer depuis. Dans le champ littéraire, les paroles de ces chansons constituent un corpus important de textes d’une vitalité remarquable au sein desquels les auteurs-compositeurs explorent des esthétiques variées, naviguent entre les langues et transmettent une partie de leur culture. En tenant compte du contexte historique, l’auteure de cet article esquisse une réflexion sur l’évolution formelle de la chanson inuite moderne et examine les relations que celle-ci entretient avec une forme plus traditionnelle. Enfin, si le corpus chansonnier ultra-contemporain du Nunavik a pour particularité d’être trilingue, il révèle néanmoins une recrudescence de textes en inuktitut. Qu’est-ce que cela signifie sur le plan du discours ?
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Montebello, Fabrice. "De la réception des films au cinéma des ouvriers." Cinémas 2, no. 2-3 (March 8, 2011): 123–47. http://dx.doi.org/10.7202/1001081ar.
Full textAbstract:
L’étude des usages sociaux du cinéma permet de rompre avec la thématique des effets de ce dernier sur le ou les spectateurs. Elle considère les films comme des biens symboliques, à la fois objets et enjeux de distinctions sociales. L’histoire de l’usage social du cinéma (qui a été populaire avant d’être un art) fait apparaître la formation d’un code de lecture populaire des films, spécifique et autonome, parallèlement à la constitution d’une esthétique bourgeoise légitime. L’analyse des catégories employées pour justifier l’adhésion à tel ou tel film, révèle alors un univers symbolique ouvrier original, et suscite des perspectives nouvelles pour l’histoire des « cultures populaires ». Ce texte présente quelques remarques méthodologiques et hypothèses de recherche sur une micro-histoire des usages populaires du cinéma : l’exemple des ouvriers de Longwy (1945-1960).
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Rannaud, Adrien. "Dire la ferveur de la sensation." Dossier 39, no. 2 (May 22, 2014): 101–13. http://dx.doi.org/10.7202/1025191ar.
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Dans les années 1930, la critique accusait Jovette Bernier de faire l’apologie de la sensualité, notamment avec son premier roman, qui fit scandale, La chair décevante (1931). Dans la continuité de ces remarques, cet article se propose d’étudier le discours de la sensualité qui se déploie dans La chair décevante et le recueil de poésies qui suit le roman, Les masques déchirés (1932). Il semblerait que Jovette Bernier propose à la littérature canadienne-française d’alors une façon novatrice d’appréhender le personnage/sujet lyrique féminin. Ainsi, à travers les thèmes et les récurrences sémantiques qui s’y rattachent, on verra comment l’exaltation des sens subvertit les codes esthétiques et sociaux de l’époque.
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Lamonde, Yvan. "Un visa chrétien pour l’art abstrait et pour un affranchissement." Dossier 37, no. 2 (April 2, 2012): 35–52. http://dx.doi.org/10.7202/1008574ar.
Full textAbstract:
L’étude du passage du père Marie-Alain Couturier au Québec durant la guerre permet de rapatrier la représentation que les Québécois d’hier et d’aujourd’hui se font d’un conflit toujours et déjà européen. L’activité du père Couturier témoigne à souhait du fait que si la guerre fut une période de prospérité économique en Amérique du Nord, elle fut aussi le moment d’une effervescence culturelle et intellectuelle méconnue. Le travail de l’artiste devenu dominicain révèle un besoin de « libération », là-bas et ici, et donne tout son sens à son compagnonnage de la France libre : promotion de la liberté va de pair avec liberté intérieure, avec spiritualité, avec affirmation du sujet, trame essentielle de la peinture moderne en train de s’esquisser. Comme en littérature chez les gens de La Relève des années 1930, Couturier tente de formuler une esthétique artistique moderne et chrétienne.
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Beaudet, Marie-Andrée, and Denis Saint-Jacques. "Lectures et critiques de la littérature française contemporaine au Québec à la fin du XIX e siècle." Études françaises 32, no. 3 (March 15, 2006): 7–20. http://dx.doi.org/10.7202/036034ar.
Full textAbstract:
Résumé Cherchant à retracer dans le discours tenu par les critiques et par les écrivains québécois les marques de présence des théories « modernistes » qui apparaissent en France à la fin du siècle, notamment celles du décadisme et du symbolisme, le présent article montre d'une part que la critique canadienne, entre 1871 et 1900, tout en demeurant majoritairement et fortement réfractaire aux nouvelles esthétiques françaises, contribue malgré elle à faire circuler ces oeuvres, grâce notamment au procédé de la citation; et que, d'autre part, plusieurs écrivains, dont É.-Z. Massicotte, E. de Nevers et Nelligan, fréquentent et discutent la production des avant-gardes parisiennes dans les années mêmes où celle-ci est diffusée en France.
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Robert, Lucie. "La révolution du temps au théâtre." Dossier 41, no. 2 (July 5, 2016): 57–66. http://dx.doi.org/10.7202/1036936ar.
Full textAbstract:
Cet article vise à recadrer ce que nous savons déjà autour de la question du temps théâtral à partir du renouvellement apporté dans la pratique par les troupes apparues durant les années 1930-1940 à Montréal : L’Arcade, L’Équipe et Les Compagnons de Saint-Laurent. La question du temps est ici considérée selon plusieurs axes (temps de la répétition, temps de la représentation, temps de la fiction), comme la relation au temps humain dans son ensemble (temps de la vie, temps de l’histoire comme de la mémoire, temps de la rentabilité économique et de la réalisation de la valeur sur le marché). Après un rappel de la situation qui a prévalu depuis le début du siècle sur les scènes montréalaises, l’article retrace l’apparition du « Petit théâtre » et l’action dissolvante de la Crise sur le théâtre commercial, mais aussi la relative stabilisation apportée par l’avènement de la radio. Il fait voir comment la « saison » dramatique et les répétitions transforment profondément la tension entre le temps du travail salarié et le temps du travail artistique des « metteurs en scène » comme des acteurs. Le temps plus important imparti à la préparation d’un spectacle permet également de développer l’analyse dramaturgique et l’élaboration des personnages, qui deviennent plus originaux et authentiques. Le répertoire choisi détermine une confrontation entre le temps historique et un temps indéfini, proche de l’éternité et, par conséquent, une transformation dans l’expérience du temps humain. Enfin, la recherche de modernité, qui est contrainte à l’innovation et à la création, apparaît comme une esthétique de rupture. La rupture avec le passé est nette dans les projets des Compagnons et de l’Équipe, axés sur l’avenir, mais on doit noter aussi la rupture avec le présent des contraintes immédiates de la vie courante.
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Couture, François. "La liberté niche-t-elle ailleurs? L’École littéraire de Montréal, Le Terroir de 1909 et le régionalisme." Études 24, no. 3 (August 28, 2006): 573–85. http://dx.doi.org/10.7202/201451ar.
Full textAbstract:
Résumé Depuis 40 ans, l'histoire littéraire québécoise ne s'intéresse qu'aux débuts de l'École littéraire de Montréal, à sa période 1895-1900, pendant laquelle a brillé Emile Nelligan. D'abord audacieuse, l'École se serait ensuite tournée vers le régionalisme et, selon le mot de Maurice Lemire, « la liberté tant recherchée [ira] donc nicher ailleurs ». Pourtant, la revue Le Terroir, publiée par l'École en 1909, révèle un cénacle aux idées esthétiques diversifiées, parfois traditionnelles, parfois plus audacieuses, mais où le régionalisme occupe une place bien modeste. De plus, la participation des membres de l'École cette année-là au journal La Semaine de Gustave Comte, qui amène la démission du régionaliste Albert Ferland, et l'intérêt que porte Guy Delahaye au groupe témoignent de la vitalité mésestimée des « écoliers ».
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Carani, Marie. "La femme comme modèle et comme cette Autre de la représentation visuelle." Articles 7, no. 2 (April 12, 2005): 57–80. http://dx.doi.org/10.7202/057792ar.
Full textAbstract:
Dans l'histoire de l'art occidental des 19 e et 20 e siècles, l'image de la femme comme modèle de la représentation artistique est restée marquée dans l'art masculin par les signes codés d'une tradition machiste post-renaissante ayant mis de l'avant, au plan du message culturel et artistique véhiculé sur la femme, une idée de passivité, de soumission et de disponibilité sexuelle de celle-ci pour l'œil voyeuriste et les désirs des hommes. Dans les marges de cette histoire, sous le modernisme, des femmes artistes de l'autre avant-garde ont résisté à ces discours dominants, comme l'a montré l'histoire de l'art féministe née dans le creuset du mouvement des femmes au tournant des années 1970, et elles ont réinvesti à leur façon les fondements iconographiques comme les orientations esthétiques et stylistiques des arts visuels. Enfin, dans les arts les plus actuels, au Québec et ailleurs dans le monde, des jeunes femmes artistes postmodernes sont engagées dans un mouvement de réappropriation des pratiques féminines et/ou féministes ainsi que de leurs propres êtres psychologiques, mutilés, sexués.
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Stévance, Sophie. "La composition musicale et la marque du genre : l’examen conscient de l’« écriture féminine »." Circuit 19, no. 1 (February 6, 2009): 43–55. http://dx.doi.org/10.7202/019933ar.
Full textAbstract:
Résumé Si les spéculations idéologiques concernant les différences biologiques entre les sexes persistent dans le domaine de la création, elles ont été mises en valeur dès 1970 par des écrivaines et plasticiennes pour oeuvrer en fonction de mythes spécifiques touchant à leur féminité, au corps de la femme chargé de stigmates, afin qu’émerge un « art féminin ». D’une certaine manière, des compositrices vont emprunter cette voie en affirmant entretenir un rapport différent de celui des hommes à l’écriture musicale. Selon elles, leur sensibilité spécifique et leur situation d’être au monde les poussent à travailler autrement, à partir de thématiques « existentielles » inspirées de leur condition sociale et culturelle. De telles circonstances ont provoqué cette quête identitaire par l’invention d’un style artistique particulier qui, paradoxalement, use de ce qui était considéré par un féminisme radical comme les pièges de la féminité. Cet article tente de montrer que ces spécificités, du moins ces constantes relevées par les créatrices expliquant leur démarche, sont le résultat de recherches esthétiques pour caractériser une création universelle au féminin, et non le produit de diktats biologiques.
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Guerpin, Martin. "Le Courrier musical et le premier conflit mondial (1904-1923). Propagande, mobilisation culturelle et sortie de guerre." Revue musicale OICRM 4, no. 2 (February 8, 2018): 35–57. http://dx.doi.org/10.7202/1043219ar.
Full textAbstract:
Cet article étudie et remet en perspective le rôle joué par Le Courrier musical dans la mobilisation culturelle du monde musical français pendant la Grande Guerre. Il montre tout d’abord que, de 1916 à 1918, la revue sert d’organe de diffusion d’un discours de propagande nationaliste et antigermanique. Une comparaison de ce discours avec les articles publiés avant et après le conflit permet ensuite de nuancer l’idée selon laquelle la guerre constitua une période d’exception dans l’histoire du positionnement esthétique et idéologique de la revue. Elle marqua bien plutôt une reconfiguration de discours nationalistes très présents dans Le Courrier musical dès les années 1900. D’autre part, ces discours perdurent plusieurs années après 1918. Dans la lignée des travaux récents sur les entrées et sorties de guerre, cet article entend montrer que la compréhension de l’histoire de la musique pendant les conflits implique de ne pas se cantonner à la chronologie traditionnelle et officielle des déclarations de guerre et des traités de paix.
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Milhorim, Thaís Kristine, and Thabata Castelo Branco Telles. "A PERCEPÇÃO ESTÉTICA NA FENOMENOLOGIA DE DUFRENNE: CONTRIBUIÇÕES POSSÍVEIS PARA A PSICOLOGIA." Psicologia em Estudo 23 (May 1, 2018): 137–46. http://dx.doi.org/10.4025/psicolestud.v23i0.39000.
Full textAbstract:
Estética é um ramo da filosofia que corresponde, de maneira geral, ao estudo da sensibilidade e das artes. Mikel Dufrenne (1910-1995), filósofo francês, é considerado um dos mais prestigiados estudiosos da relação entre arte, estética e fenomenologia. Este estudo busca a compreensão da maneira como se estabelece a constituição da percepção estética na terceira parte da obra Phénoménologie de l’expérience esthétique, de Dufrenne, que trata da fenomenologia da percepção estética. O presente artigo pretende, também, compreender a possível repercussão dessa constituição para as vivências psíquicas humanas. A leitura do material foi realizada com foco nas distintas categorias que compõem a percepção estética para o autor, sendo levantadas suas principais características. Observa-se que a percepção estética, diferente da percepção comum, propicia qualidades que proporcionam novos sentidos e atmosferas, novas formas de ver, pensar ou sentir, para além do que está constituído. Ela possibilita configurar, assim, novas formas de ser e estar no mundo.