Academic literature on the topic 'Esthétique – 21e siècle'

La problématique essentielle de la présente recherche découle de l’intuition qu’il y aurait à l’intérieur du régime contemporain de l’art, et ce malgré le caractère à première vue très hétérogène de ses expressions artistiques, un moment esthétique commun, un moment commun de forme et d’investigation conceptuelle, qui s’est défini, tout au long de ce travail, comme la notion d’esthétique de la durée. Ce terme théorique, qui englobe aussi bien un certain nombre d’installations, d’images contemporaines en mouvement conçues pour l’exposition à l’intérieur des espaces muséaux ainsi que de productions cinématographiques, n’est pas réductible au concept de la durée bergsonienne, même s’il s’y apparente par certains aspects, notamment par l’idée du devenir en tant que changement d’état et de qualité, devenu le principe esthétique d’une grande majorité des œuvres contemporaines. La notion de durée se trouve ainsi à l’origine d’une nouvelle conceptualisation de la forme de l’œuvre d’art et travaille au cœur même de la constitution d’une pensée esthétique singulière qui définit le régime contemporain de l’art en tant que régime de pensée indépendant que nous proposons de qualifier de conceptuel<br>The main topic of this work develops from the intuition that there would be, inside the contemporary regime of art - despite the impression of extreme heterogeneity that its artistic expressions could give at first sight - a common aesthetic moment, a common moment of form and conceptual investigation, that will be defined throughout this work as the notion of Aesthetics of Duration. Such a theoretical notion refers to a certain number of installations, contemporary moving images created for museum space as well as cinematographic productions. However, it does not only involve Henri Bergson’s concept of Duration even though the theory echoes it in several ways, such as the idea of becoming as a change of quality. The approach turns out to be at the origin of a new conceptualization of the very form of works of art. Deeply influencing the development of a singular aesthetic approach, The Aesthetics of Duration defines the contemporary artistic regime as an independent regime of thought that could be qualified as conceptual

La notion de ressemblance, l’inconscient œdipien, l’ordre de la grammaire, sont respectivement trois manières finalisées à définir la sensibilité, le désir, l’écriture. Cependant, la philosophie de Deleuze fait dysfonctionner la ressemblance, délirer le désir, met sous tension la grammaire. Dans cette thèse, nous proposons une approche opératoire de la pensée de Deleuze afin de montrer par quels mouvements et par quels concepts, la définition atteint ses limites et la pensée retrouve le véritable étonnement philosophique. Lorsque désir et objet, Dire et Faire, corps et sensation, se retrouvent dans une zone indéfinie, la philosophie ne concerne plus la pensée, elle fait sensation. Cette thèse décompose et explicite les mouvements et les milieux où les concepts deleuziens se forment en partant de la destitution d’un objet clair, pensé et défini. Les vitesses qui parcourent sa philosophie seront mises en contrepoint avec des œuvres d’art qui permettront d’activer une sensation au delà de tout objet défini et en-deçà de tout sujet constitué. Nous verrons comment les trajets indéfinis de leur destitution parcourent une surface dans laquelle la notion de création rencontre, chez Deleuze, la vie<br>The concepts of similarity, unconscious Oedipal tendencies, and grammatical order are, respectively, three basic ways of framing sensibility, desire, and writing. Deleuze’s philosophy, however, dismisses this understanding; he renders similarities dysfunctional, while enflaming desire and energizing grammar. In this thesis, we propose an operative approach to Deleuze’s thought, in order to show how it has reclaimed the power of shocking philosophical insight. When desire and its object, or the declaration and its accomplishment, as well as the body and its capacities of sensation, are left in an indefinite area, philosophy is no longer confined to realm of thought; it creates a sensation. This thesis deconstructs and makes explicit those areas where Deleuzian concepts take on this matter of the removal of the certain object. The quick thinking that runs through his philosophy will be placed in counterpoint to those works of art that activate a sharp feeling beyond all defined objects and subject matter. We will see how such undefined paths give rise to a surface where the notion of creation is, according to Deleuze, life itself

Cette recherche a pour objet l’étude des relations entre les arts et les sciences dans les pratiques artistiques contemporaines. Elle y porte un regard épistémologique « ouvert ». Deux parties en sont constituantes. La première est dévolue au positionnement des œuvres « arts et sciences » dans l'ensemble de la production des plasticiens contemporains. Les artistes de ce territoire adoptent une posture de transgression et nous montrons que l'altérité des productions inscrit ces créateurs dans le champ des acteurs sociaux, en particulier par les appropriations qui constituent les matériaux fondateurs des œuvres. De plus il est fécond de confronter les processus mis en œuvre par l'artiste – utilisant le réel comme matériau – à ceux développés par les scientifiques qui agissent sur le réel pour donner une explication des phénomènes constitutifs de notre Univers, voire formuler des prédictions. Le propos de la deuxième partie est de montrer que le dépassement d'une première perception au cours de l'expérience esthétique est particulièrement enrichissant pour le spectateur-acteur qui participe de l'art contemporain. En nous fondant sur un choix d'œuvres exemplaires, nous mettons en évidence les articulations liant le sens manifesté par l'œuvre avec les grandes notions « universelles » comme les questions du temps, de l'espace et de la matérialité du monde ainsi que les différentes interrogations qui y sont attachées. Une telle approche montre que l'art contemporain contribue à la compréhension du monde par la manifestation de données scientifiques que la science formalise dans d'autres registres<br>The aim of this research is to study the relationship between the arts and the sciences in contemporary art. It takes an « open » epistemological viewpoint. The study consists of two parts. The first part is focused on establishing the position, in the overall context of contemporary artistic production, of those works considered as « arts et sciences ». Artists in this field adopt a transgressive attitude and we show that the otherness of these works allows these creative artists to be included as members of the working community, in particular through the adaptations that make up the foundation materials of their works. Furthermore, it is productive to compare the techniques employed by the artist, using reality as material, with those developed by scientists who use reality to explain and predict the natural phenomena of our Universe. The aim of the second part of the study is to demonstrate that, for the spectator-actor, it is particularly rewarding, when engaging with a work of contemporary art, to go beyond initial aesthetic impressions. Using selected examples, we provide evidence to link the interpretation of a work with such broad « universal » concepts as time, space and the material nature of the world, and the various questions that arise there from. This approach shows that contemporary art contributes to an understanding of the world by displaying scientific information, in a manner other than that expressed by science

Le cinéma mexicain contemporain se situe dans un entre-deux, tant d’un point de vue géographique, qu’esthétique et culturel. En son sein se jouent des tensions, des formes de négociation avec le cinéma hollywoodien d’aujourd’hui mais aussi avec d’autres cinématographies et formes artistiques. L’objectif de cette recherche est d’appréhender la tension qui anime toute image métisse et s’exprime de manière particulière dans l’histoire et la culture de l’image mexicaines. Nous avons cherché à savoir si l’on peut considérer le cinéma mexicain contemporain comme le lieu d’une appropriation de différentes cultures médiatiques dans un rapport interculturel. Notre corpus se compose de films réalisés entre 2000 et 2008 par A. G INARRITU et C. REYGADAS notamment. Ils sont étudiés dans leur dimension intermédiale, c'est-à-dire dans les liens qu’ils entretiennent avec d’autres médias ou d’autres genres. Les processus communicationnels intervenant dans la production et la réception des films sont aussi analysés, sous l’angle spécifique des médiations. Nos analyses ont mis en évidence les tensions entre le local et le global qui traversent le cinéma mexicain contemporain et en font un objet de recherche pertinent pour comprendre les enjeux de la communication interculturelle. Notre approche communicationnelle du cinéma nous a permis d’étudier l’image comme un objet complexe, à partir d’un raisonnement dialogique entre différents savoirs disciplinaires. L’enjeu de cette recherche est donc d’articuler de manière dynamique l’approche sémio-pragmatique avec une approche historique, anthropologique et culturelle de l’image<br>Contemporary Mexican cinema is located in-between, as much in geographical terms as in aesthetic and cultural ones. Many tensions reside within it, such as the ways in which it negotiates with contemporary Hollywood film and also with other cinemas and artistic forms. This research aims to explore the tension that animates every cross-cultural image and is expressed so distinctively within Mexican history and visual culture. This thesis seeks to investigate the extent to which contemporary Mexican cinema can be considered a site of appropriation of different media cultures in intercultural relations. The main corpus of study comprises the films of A. G-INARRITU and C. REYGADAS, which were released during 2000-2008. These films were analyzed using an intermedial approach, in order to emphasize their links with other media (such as television, comic strip, literature, painting) or other genres (advertisement, documentary, video-clip). The processes of communication that inform the films’ production and reception are considered, and the recurrent tensions between notions of the local and the global that characterize contemporary Mexican cinema are also highlighted. Moreover, this essential characteristic of contemporary Mexican cinema emphasizes its importance for understanding the factors at stake within intercultural communication. Adopting a communicational approach towards cinema, this thesis analyses images as complex objects and uses a dialogical reasoning that crosses different disciplinary boundaries. It aims to utilize productively a semiotic (more precisely semio-pragmatic) approach and a historical, anthropological and cultural approach towards images

Du point de vue de la théorie de la société, la sortie de la modernité peut se comprendre comme l’abandon d’un idéal d’unité de la société aussi bien que de cohérence de l’expérience subjective de la vie sociale, un idéal qui fut régi et aiguillé par le principe de la raison universelle. En ce sens, et pour dire les choses de manière imagée, on dira que cette sortie de la modernité est un passage progressif de la verticalité vers l’horizontalité; il n’y a plus alors de principe régulateur et transcendant éclairant l’humanité, la tirant vers lui, le point focal ayant disparu. Le sujet postmoderne évolue dorénavant en prenant contact a posteriori avec ce qui se trouve devant lui, hic et nunc, dans l’instant même de sa constitution et à partir du divers environnant. Cette transformation du rapport à la totalité, typique d’une crise, s’imprime et s’inscrit à l’intérieur de toutes les dimensions de la pratique sociale. La dimension esthétique et expressive de la pratique humaine porte donc elle aussi, forcément, l’empreinte de cette érosion progressive du mode d’être de la modernité et elle s’y présente comme effort de mettre fin au régime de la représentation. Sur le plan de l’opération esthétique, cet effort est sans doute l’une des caractéristiques fondamentales de la sortie de la modernité. La mutation postmoderne du mode d’être propre au monde moderne se traduit objectivement par des volontés expressives qui s’actualisent et se manifestent à l’intérieur des oeuvres qui s’en font l’écho, comme autant d’efforts de rompre avec la représentation. Il est ainsi possible, et c’est ce que je tenterai de montrer dans cette thèse, de lire les différents moments dialectiques de la transition sociétale postmoderne à partir d’une typologie sélective de propositions formelles d’unité expressive qui visent à remplacer, dans les provocations artistiques adressées à la sensibilité, la fonction unificatrice du référent extérieur, qu’il ait été subjectif ou objectif. Ce sont donc des oeuvres (dont je soutiens qu’elles sont archétypales) qui seront examinées ici, des oeuvres issues des domaines de l’architecture, de la peinture, de la musique et du cinéma, des oeuvres qui serviront à mon effort d’illustrer la nouvelle volonté expressive associée selon moi à la mutation générale de la culture dont est porteuse la postmodernité. L’examen de ces oeuvres montrera également qu’un processus de fragmentation est à l’oeuvre au coeur du déploiement de la postmodernité; que cette fragmentation « processuelle » devient aussi pour le sujet, dans sa constatation et dans sa ressaisie, une invitation à la libre composition de mondes possibles.<br>From the point of view of the theory of the society, the exit from the modernity can be understood as the withdrawal of an unity ideal of the society as well as a consistency one of the subjective experience of the social life, an ideal that has been governed and directed by the principle of the universal reason. In that sense, and for saying it in an imaging way, we will say that this exit from the modernity is a progressive passage from verticality toward horizontality; there is no more regulating and transcendent principle enlightening humanity, pulling it up to its heights, the focal point has been gone. The postmodern subject is from now on evolving by taking contact a posteriori with what is standing in front of him, hic et nunc, in that same moment of its constitution and from the surrounding diversity. This transformation of the relation to the totality, as typical as a crisis, imprints and inscribes itself within all the dimensions of the social practice. The aesthetic and expressive dimension of the human practice then also holds, necessarily, the mark of that progressive erosion of the being mode of the modernity and appears as an effort to end the representation regime. On the aesthetic operation plan, this effort is without a doubt one of the fundamental characteristics of the exit of the modernity. The postmodern mutation of the being mode related to the modern world is objectively translated by expressive wills that are actualizing and showing themselves in artworks which are their echoes, as much as efforts to end with the representation. It is then possible, and that is what I will try to show in this thesis, to read these different dialectical moments of the postmodern societal transition, from a selective typology of formal propositions of expressive unity which aim to replace, within these provocations addressed to the sensibility, the unifying function of the exterior referent, although it was subjective or objective. So these are artworks (that I assert that they are archetypal) that are going to be examined here, artworks that are coming from the architecture, painting, music and cinema domains, artworks that will serve at my effort to illustrate the new expressive will linked to, according to me, the general mutation of the culture held by the postmodernity. The examination of these artworks will also show that a fragmentation process is working at the heart of the deployment of the postmodernity; that this « processive » fragmentation becomes also for the subject, in its constatation and in its re-catching, an invitation to free composition of possible worlds.

Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne<br>The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

Dans cette thèse, j'ai entrepris de montrer qu'il est possible de favoriser le développement de la connaissance artistique, en utilisant les théories scientifiques récentes : chaos et fractales. Ces théories ne se rattachent pas à l'infiniment grand ou encore à l'infiniment petit, mais au monde à notre échelle. Elles se proposent d'appréhender le monde mouvant des formes naturelles et les processus complexes de la nature. Cette nouvelle vison scientifique de la complexité offre un langage nouveau et une modélisation des arbres, arbrisseaux, montagnes et nuages, objets de prédilection des artistes. Elle semble pertinente pour éclairer certains aspects obscurs, relatifs à la création artistique. C'est ainsi que diverses analogies, sont développées pour proposer en premier lieu, une réflexions sur la dynamique de l'acheminement vers l'œuvre d'art, partiellement prévisible, ou hasard et déterminisme, faire et défaire, sont les lieux d'édification d'une structure complexe du chemin. Ensuite, une nouvelle lecture des formes de Paul Klee et de la fragmentation chez Van Gogh ; - peintres connus pour l'intérêt à restituer dans leurs œuvres les structures internes de la nature -, est assurée par le modèle fractale. Enfin, la troisième partie, esquisse une ouverture sur l'avenir de la fractale dans l'art contemporain, ou l'on voit d'un cote quelques expressions plastiques élaborées par des artistes fractaliens, de l'autre une certaine « plasticité » fractale dans les œuvres de Klee et de Van Gogh.

L’affirmation de Claude BALLIF « Toute ma musique est religieuse » énonce une question majeur pour l’analyse de son oeuvre puisqu’elle sous-entend la possibilité de l’écriture musicale elle même de dire la présence du religieux. La réponse n’est possible qu’en cherchant à travers l’œuvre les signes de la posture du compositeur depuis l’époque historique du sérialisme et de la métatonalité, de l’apparition des formes ouvertes et de l’indétermination, en dégageant les modes de son imagination symbolique, sa conception du temps qui nous entraîne vers une démarcation d’avec la conception admise du sacré et du profane. L’étude phénoménologique montre que tous ces phénomènes d’indistinction, de rumeur et de bruissement, de chant figurent une écoute du monde, monde ouvert et à venir selon un sens eschatologique et théologique<br>The affirmation of Claude BALLIF” All my music is religious” states a major issue for the analysis of his work since it implies the possibility of music writing herself to say the presence of religious feeling. The answer is only possible by looking through the work signs of the composer’s posture since the historical times of serialism and the métatonalité, the emergence of open forms and the introduce of the idea of indeterminacy, by becoming explicit the modes of his symbolic imagination, his conception of time that leads us to a demarcation of the design allowed with sacred and profane. The phenomenological study shows that all phenomena of indistinction, rumor and whisper, singing, can be found listening of the word and future direction according to a theological and eschatological sense

Le 11 septembre 2001, les Etats-Unis sont victimes d'attentats terroristes d'une ampleur inégalée. Deux des quatre avions détournés percutent de plein fouet les tours du World Trade Center de New-York, qui s'écroulent peu après, devant le regard médusé de millions de téléspectateurs. Cet événement sans précédent est à ce jour l'événement le plus photographié de l'histoire. L'objet de cette thèse est l'étude de la multiplication des réponses artistiques à l'événement 11 septembre 2001 à New York. Ce travail dresse un état des lieux des productions artistiques permettant d'obtenir une vue d'ensemble des productions iconographiques nées du 11 septembre et d'en dégager les motifs récurrents, et ainsi comparer ces motifs aux images de presse. Le défi à relever pour les artistes étant de réunir à la fois la force du témoignage et la puissance esthétique, seront-ils capables de dépasser, voire de surpasser les images médiatiques ? Cette thèse tente de dégager quelles peuvent être les fonctions de l'art dans ce contexte peu favorable : l'art comme forme de catharsis, témoignage, expérience, l'art comme forme de deuil puis de guérison, l'art comme moyen de donner un sens à la réalité et se relever du trauma, l'art comme véhicule d'accès à l'émotion ou à la vision tragique etc. Ce travail ne pouvant en aucun cas être exhaustif en raison de la profusion des créations, il est une sorte de catalogue raisonnable à défaut d'un catalogue raisonné des productions artistiques inspirées par les événements de New York<br>On September 11, 2001, the United States was the victim of unprecedented terrorist attacks. Two of the four hijacked planes crashed into the Twin Towers of the World Trade Center, which eventually collapsed before the eyes of millions of incredulous spectators. That event has been the most photographed ever. This thesis studies the multiple artistic answers to the events of 9/11 in New York and is an overview of artistic productions born after that day. Focused on presenting images, it aims at showing the different motives of 9/11's imagery, the challenge for artists being to gather the force of testimonies as well as the aesthetic power of the press images. This thesis aims at underlining the different functions of art in an unfavorable context : art as a form of catharsis, testimony, experience ; art as a form of mourning and healing ; art as a means of giving sense to reality and recovering from trauma ; or as a means of giving access to emotions or tragic visions. It is also an extensive inventory of artistic productions inspired by 9/11 in New York

Voltaire est l’auteur dramatique le plus doué et le plus prolifique de sa génération. Héritier des grands poètes tragiques du XVIIème siècle, il veut néanmoins réinventer la tragédie classique dont certaines règles et conventions lui paraissent nuisibles à la création (par exemple au développement de l’action), mais ses aspirations personnelles se heurtent à sa propre culture théâtrale et aux attentes d’un public conservateur. Par conséquent entre réformes, innovations, influences anglaises et fidélité à la tradition classique, il tâtonne. Il y a chez Voltaire à la fois un attachement au goût et à l’esprit du classicisme, et une réelle volonté de rompre avec bien des aspects de l’esthétique classique. Sa tragédie vacille alors entre adhésion et répulsion aux valeurs du Grand siècle et constitue elle-même une nouvelle esthétique théâtrale. C’est une tragédie pour le moins révolutionnaire, dont les conséquences sur le devenir de la tragédie classique peuvent susciter des interrogations<br>Voltaire is the brightest and the most prolific playwright of his generation. Heir of the big tragic poets of the XVIIth century, he nevertheless wants to reinvent the classic tragedy among which certain rules and agreements seem to him harmful to the creation (for example in the development of the action(share)), but his personal aspiration collide with his own theatrical culture and with the waits(expectations) of a public conservative(curator). By consequence between reforms, innovations, English influences and fidelity in the classic tradition, he(it) gropes. There is at Voltaire at the same moment an attachment to the taste and to the spirit of the classicism, and a real will to break with many aspects of the classic aesthetics. His tragedy vacillates then between membership (support) and aversion in the values of the Big century and establishes (constitutes) itself a new theatrical aesthetics. It is a tragedy at least revolutionary, the consequences of which on the future of the classic tragedy can arouse questioning