Dissertations / Theses: 'Esthétique – 21e siècle'

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Kobryn, Olga. "Esthétique de la durée." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA055.

Abstract:

La problématique essentielle de la présente recherche découle de l’intuition qu’il y aurait à l’intérieur du régime contemporain de l’art, et ce malgré le caractère à première vue très hétérogène de ses expressions artistiques, un moment esthétique commun, un moment commun de forme et d’investigation conceptuelle, qui s’est défini, tout au long de ce travail, comme la notion d’esthétique de la durée. Ce terme théorique, qui englobe aussi bien un certain nombre d’installations, d’images contemporaines en mouvement conçues pour l’exposition à l’intérieur des espaces muséaux ainsi que de productions cinématographiques, n’est pas réductible au concept de la durée bergsonienne, même s’il s’y apparente par certains aspects, notamment par l’idée du devenir en tant que changement d’état et de qualité, devenu le principe esthétique d’une grande majorité des œuvres contemporaines. La notion de durée se trouve ainsi à l’origine d’une nouvelle conceptualisation de la forme de l’œuvre d’art et travaille au cœur même de la constitution d’une pensée esthétique singulière qui définit le régime contemporain de l’art en tant que régime de pensée indépendant que nous proposons de qualifier de conceptuel The main topic of this work develops from the intuition that there would be, inside the contemporary regime of art - despite the impression of extreme heterogeneity that its artistic expressions could give at first sight - a common aesthetic moment, a common moment of form and conceptual investigation, that will be defined throughout this work as the notion of Aesthetics of Duration. Such a theoretical notion refers to a certain number of installations, contemporary moving images created for museum space as well as cinematographic productions. However, it does not only involve Henri Bergson’s concept of Duration even though the theory echoes it in several ways, such as the idea of becoming as a change of quality. The approach turns out to be at the origin of a new conceptualization of the very form of works of art. Deeply influencing the development of a singular aesthetic approach, The Aesthetics of Duration defines the contemporary artistic regime as an independent regime of thought that could be qualified as conceptual

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Salucci, Marco. "Gilles Deleuze, une inéfinition esthétique." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084150.

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Abstract:

La notion de ressemblance, l’inconscient œdipien, l’ordre de la grammaire, sont respectivement trois manières finalisées à définir la sensibilité, le désir, l’écriture. Cependant, la philosophie de Deleuze fait dysfonctionner la ressemblance, délirer le désir, met sous tension la grammaire. Dans cette thèse, nous proposons une approche opératoire de la pensée de Deleuze afin de montrer par quels mouvements et par quels concepts, la définition atteint ses limites et la pensée retrouve le véritable étonnement philosophique. Lorsque désir et objet, Dire et Faire, corps et sensation, se retrouvent dans une zone indéfinie, la philosophie ne concerne plus la pensée, elle fait sensation. Cette thèse décompose et explicite les mouvements et les milieux où les concepts deleuziens se forment en partant de la destitution d’un objet clair, pensé et défini. Les vitesses qui parcourent sa philosophie seront mises en contrepoint avec des œuvres d’art qui permettront d’activer une sensation au delà de tout objet défini et en-deçà de tout sujet constitué. Nous verrons comment les trajets indéfinis de leur destitution parcourent une surface dans laquelle la notion de création rencontre, chez Deleuze, la vie The concepts of similarity, unconscious Oedipal tendencies, and grammatical order are, respectively, three basic ways of framing sensibility, desire, and writing. Deleuze’s philosophy, however, dismisses this understanding; he renders similarities dysfunctional, while enflaming desire and energizing grammar. In this thesis, we propose an operative approach to Deleuze’s thought, in order to show how it has reclaimed the power of shocking philosophical insight. When desire and its object, or the declaration and its accomplishment, as well as the body and its capacities of sensation, are left in an indefinite area, philosophy is no longer confined to realm of thought; it creates a sensation. This thesis deconstructs and makes explicit those areas where Deleuzian concepts take on this matter of the removal of the certain object. The quick thinking that runs through his philosophy will be placed in counterpoint to those works of art that activate a sharp feeling beyond all defined objects and subject matter. We will see how such undefined paths give rise to a surface where the notion of creation is, according to Deleuze, life itself

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Viel, Louis. "La question des relations arts et sciences dans les pratiques artistiques contemporaines." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20037.

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Abstract:

Cette recherche a pour objet l’étude des relations entre les arts et les sciences dans les pratiques artistiques contemporaines. Elle y porte un regard épistémologique « ouvert ». Deux parties en sont constituantes. La première est dévolue au positionnement des œuvres « arts et sciences » dans l'ensemble de la production des plasticiens contemporains. Les artistes de ce territoire adoptent une posture de transgression et nous montrons que l'altérité des productions inscrit ces créateurs dans le champ des acteurs sociaux, en particulier par les appropriations qui constituent les matériaux fondateurs des œuvres. De plus il est fécond de confronter les processus mis en œuvre par l'artiste – utilisant le réel comme matériau – à ceux développés par les scientifiques qui agissent sur le réel pour donner une explication des phénomènes constitutifs de notre Univers, voire formuler des prédictions. Le propos de la deuxième partie est de montrer que le dépassement d'une première perception au cours de l'expérience esthétique est particulièrement enrichissant pour le spectateur-acteur qui participe de l'art contemporain. En nous fondant sur un choix d'œuvres exemplaires, nous mettons en évidence les articulations liant le sens manifesté par l'œuvre avec les grandes notions « universelles » comme les questions du temps, de l'espace et de la matérialité du monde ainsi que les différentes interrogations qui y sont attachées. Une telle approche montre que l'art contemporain contribue à la compréhension du monde par la manifestation de données scientifiques que la science formalise dans d'autres registres The aim of this research is to study the relationship between the arts and the sciences in contemporary art. It takes an « open » epistemological viewpoint. The study consists of two parts. The first part is focused on establishing the position, in the overall context of contemporary artistic production, of those works considered as « arts et sciences ». Artists in this field adopt a transgressive attitude and we show that the otherness of these works allows these creative artists to be included as members of the working community, in particular through the adaptations that make up the foundation materials of their works. Furthermore, it is productive to compare the techniques employed by the artist, using reality as material, with those developed by scientists who use reality to explain and predict the natural phenomena of our Universe. The aim of the second part of the study is to demonstrate that, for the spectator-actor, it is particularly rewarding, when engaging with a work of contemporary art, to go beyond initial aesthetic impressions. Using selected examples, we provide evidence to link the interpretation of a work with such broad « universal » concepts as time, space and the material nature of the world, and the various questions that arise there from. This approach shows that contemporary art contributes to an understanding of the world by displaying scientific information, in a manner other than that expressed by science

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Catoir-Brisson, Marie-Julie. "L' hybridation esthétique et culturelle dans le cinéma mexicain contemporain : approches intermédiales et interculturelles." Bordeaux 3, 2011. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2011BOR30037.

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Abstract:

Le cinéma mexicain contemporain se situe dans un entre-deux, tant d’un point de vue géographique, qu’esthétique et culturel. En son sein se jouent des tensions, des formes de négociation avec le cinéma hollywoodien d’aujourd’hui mais aussi avec d’autres cinématographies et formes artistiques. L’objectif de cette recherche est d’appréhender la tension qui anime toute image métisse et s’exprime de manière particulière dans l’histoire et la culture de l’image mexicaines. Nous avons cherché à savoir si l’on peut considérer le cinéma mexicain contemporain comme le lieu d’une appropriation de différentes cultures médiatiques dans un rapport interculturel. Notre corpus se compose de films réalisés entre 2000 et 2008 par A. G INARRITU et C. REYGADAS notamment. Ils sont étudiés dans leur dimension intermédiale, c'est-à-dire dans les liens qu’ils entretiennent avec d’autres médias ou d’autres genres. Les processus communicationnels intervenant dans la production et la réception des films sont aussi analysés, sous l’angle spécifique des médiations. Nos analyses ont mis en évidence les tensions entre le local et le global qui traversent le cinéma mexicain contemporain et en font un objet de recherche pertinent pour comprendre les enjeux de la communication interculturelle. Notre approche communicationnelle du cinéma nous a permis d’étudier l’image comme un objet complexe, à partir d’un raisonnement dialogique entre différents savoirs disciplinaires. L’enjeu de cette recherche est donc d’articuler de manière dynamique l’approche sémio-pragmatique avec une approche historique, anthropologique et culturelle de l’image Contemporary Mexican cinema is located in-between, as much in geographical terms as in aesthetic and cultural ones. Many tensions reside within it, such as the ways in which it negotiates with contemporary Hollywood film and also with other cinemas and artistic forms. This research aims to explore the tension that animates every cross-cultural image and is expressed so distinctively within Mexican history and visual culture. This thesis seeks to investigate the extent to which contemporary Mexican cinema can be considered a site of appropriation of different media cultures in intercultural relations. The main corpus of study comprises the films of A. G-INARRITU and C. REYGADAS, which were released during 2000-2008. These films were analyzed using an intermedial approach, in order to emphasize their links with other media (such as television, comic strip, literature, painting) or other genres (advertisement, documentary, video-clip). The processes of communication that inform the films’ production and reception are considered, and the recurrent tensions between notions of the local and the global that characterize contemporary Mexican cinema are also highlighted. Moreover, this essential characteristic of contemporary Mexican cinema emphasizes its importance for understanding the factors at stake within intercultural communication. Adopting a communicational approach towards cinema, this thesis analyses images as complex objects and uses a dialogical reasoning that crosses different disciplinary boundaries. It aims to utilize productively a semiotic (more precisely semio-pragmatic) approach and a historical, anthropological and cultural approach towards images

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Boulé, Éric. "La postmodernité comme expérience de la fragmentation : genèse et développement de la transition sociétale à partir d'une lecture des formes esthétiques." Doctoral thesis, Université Laval, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11794/31526.

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Abstract:

Du point de vue de la théorie de la société, la sortie de la modernité peut se comprendre comme l’abandon d’un idéal d’unité de la société aussi bien que de cohérence de l’expérience subjective de la vie sociale, un idéal qui fut régi et aiguillé par le principe de la raison universelle. En ce sens, et pour dire les choses de manière imagée, on dira que cette sortie de la modernité est un passage progressif de la verticalité vers l’horizontalité; il n’y a plus alors de principe régulateur et transcendant éclairant l’humanité, la tirant vers lui, le point focal ayant disparu. Le sujet postmoderne évolue dorénavant en prenant contact a posteriori avec ce qui se trouve devant lui, hic et nunc, dans l’instant même de sa constitution et à partir du divers environnant. Cette transformation du rapport à la totalité, typique d’une crise, s’imprime et s’inscrit à l’intérieur de toutes les dimensions de la pratique sociale. La dimension esthétique et expressive de la pratique humaine porte donc elle aussi, forcément, l’empreinte de cette érosion progressive du mode d’être de la modernité et elle s’y présente comme effort de mettre fin au régime de la représentation. Sur le plan de l’opération esthétique, cet effort est sans doute l’une des caractéristiques fondamentales de la sortie de la modernité. La mutation postmoderne du mode d’être propre au monde moderne se traduit objectivement par des volontés expressives qui s’actualisent et se manifestent à l’intérieur des oeuvres qui s’en font l’écho, comme autant d’efforts de rompre avec la représentation. Il est ainsi possible, et c’est ce que je tenterai de montrer dans cette thèse, de lire les différents moments dialectiques de la transition sociétale postmoderne à partir d’une typologie sélective de propositions formelles d’unité expressive qui visent à remplacer, dans les provocations artistiques adressées à la sensibilité, la fonction unificatrice du référent extérieur, qu’il ait été subjectif ou objectif. Ce sont donc des oeuvres (dont je soutiens qu’elles sont archétypales) qui seront examinées ici, des oeuvres issues des domaines de l’architecture, de la peinture, de la musique et du cinéma, des oeuvres qui serviront à mon effort d’illustrer la nouvelle volonté expressive associée selon moi à la mutation générale de la culture dont est porteuse la postmodernité. L’examen de ces oeuvres montrera également qu’un processus de fragmentation est à l’oeuvre au coeur du déploiement de la postmodernité; que cette fragmentation « processuelle » devient aussi pour le sujet, dans sa constatation et dans sa ressaisie, une invitation à la libre composition de mondes possibles. From the point of view of the theory of the society, the exit from the modernity can be understood as the withdrawal of an unity ideal of the society as well as a consistency one of the subjective experience of the social life, an ideal that has been governed and directed by the principle of the universal reason. In that sense, and for saying it in an imaging way, we will say that this exit from the modernity is a progressive passage from verticality toward horizontality; there is no more regulating and transcendent principle enlightening humanity, pulling it up to its heights, the focal point has been gone. The postmodern subject is from now on evolving by taking contact a posteriori with what is standing in front of him, hic et nunc, in that same moment of its constitution and from the surrounding diversity. This transformation of the relation to the totality, as typical as a crisis, imprints and inscribes itself within all the dimensions of the social practice. The aesthetic and expressive dimension of the human practice then also holds, necessarily, the mark of that progressive erosion of the being mode of the modernity and appears as an effort to end the representation regime. On the aesthetic operation plan, this effort is without a doubt one of the fundamental characteristics of the exit of the modernity. The postmodern mutation of the being mode related to the modern world is objectively translated by expressive wills that are actualizing and showing themselves in artworks which are their echoes, as much as efforts to end with the representation. It is then possible, and that is what I will try to show in this thesis, to read these different dialectical moments of the postmodern societal transition, from a selective typology of formal propositions of expressive unity which aim to replace, within these provocations addressed to the sensibility, the unifying function of the exterior referent, although it was subjective or objective. So these are artworks (that I assert that they are archetypal) that are going to be examined here, artworks that are coming from the architecture, painting, music and cinema domains, artworks that will serve at my effort to illustrate the new expressive will linked to, according to me, the general mutation of the culture held by the postmodernity. The examination of these artworks will also show that a fragmentation process is working at the heart of the deployment of the postmodernity; that this « processive » fragmentation becomes also for the subject, in its constatation and in its re-catching, an invitation to free composition of possible worlds.

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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.

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Abstract:

Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

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Majoul, Madiha. "La création artistique, les théories des fractales et du chaos : (L'art et la nouvelle vision scientifique de la complexité)." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010504.

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Abstract:

Dans cette thèse, j'ai entrepris de montrer qu'il est possible de favoriser le développement de la connaissance artistique, en utilisant les théories scientifiques récentes : chaos et fractales. Ces théories ne se rattachent pas à l'infiniment grand ou encore à l'infiniment petit, mais au monde à notre échelle. Elles se proposent d'appréhender le monde mouvant des formes naturelles et les processus complexes de la nature. Cette nouvelle vison scientifique de la complexité offre un langage nouveau et une modélisation des arbres, arbrisseaux, montagnes et nuages, objets de prédilection des artistes. Elle semble pertinente pour éclairer certains aspects obscurs, relatifs à la création artistique. C'est ainsi que diverses analogies, sont développées pour proposer en premier lieu, une réflexions sur la dynamique de l'acheminement vers l'œuvre d'art, partiellement prévisible, ou hasard et déterminisme, faire et défaire, sont les lieux d'édification d'une structure complexe du chemin. Ensuite, une nouvelle lecture des formes de Paul Klee et de la fragmentation chez Van Gogh ; - peintres connus pour l'intérêt à restituer dans leurs œuvres les structures internes de la nature -, est assurée par le modèle fractale. Enfin, la troisième partie, esquisse une ouverture sur l'avenir de la fractale dans l'art contemporain, ou l'on voit d'un cote quelques expressions plastiques élaborées par des artistes fractaliens, de l'autre une certaine « plasticité » fractale dans les œuvres de Klee et de Van Gogh.

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Girault, Hervé. "Esthétique et spiritualité chez Claude Ballif : comment l'écriture musicale peut rendre compte de la présence du religieux." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040003.

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Abstract:

L’affirmation de Claude BALLIF « Toute ma musique est religieuse » énonce une question majeur pour l’analyse de son oeuvre puisqu’elle sous-entend la possibilité de l’écriture musicale elle même de dire la présence du religieux. La réponse n’est possible qu’en cherchant à travers l’œuvre les signes de la posture du compositeur depuis l’époque historique du sérialisme et de la métatonalité, de l’apparition des formes ouvertes et de l’indétermination, en dégageant les modes de son imagination symbolique, sa conception du temps qui nous entraîne vers une démarcation d’avec la conception admise du sacré et du profane. L’étude phénoménologique montre que tous ces phénomènes d’indistinction, de rumeur et de bruissement, de chant figurent une écoute du monde, monde ouvert et à venir selon un sens eschatologique et théologique The affirmation of Claude BALLIF” All my music is religious” states a major issue for the analysis of his work since it implies the possibility of music writing herself to say the presence of religious feeling. The answer is only possible by looking through the work signs of the composer’s posture since the historical times of serialism and the métatonalité, the emergence of open forms and the introduce of the idea of indeterminacy, by becoming explicit the modes of his symbolic imagination, his conception of time that leads us to a demarcation of the design allowed with sacred and profane. The phenomenological study shows that all phenomena of indistinction, rumor and whisper, singing, can be found listening of the word and future direction according to a theological and eschatological sense

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Douillet, Géraldine. "Esthétique de la destruction : voir, prévoir, revoir le 11 septembre 2001 à New-York." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070068.

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Abstract:

Le 11 septembre 2001, les Etats-Unis sont victimes d'attentats terroristes d'une ampleur inégalée. Deux des quatre avions détournés percutent de plein fouet les tours du World Trade Center de New-York, qui s'écroulent peu après, devant le regard médusé de millions de téléspectateurs. Cet événement sans précédent est à ce jour l'événement le plus photographié de l'histoire. L'objet de cette thèse est l'étude de la multiplication des réponses artistiques à l'événement 11 septembre 2001 à New York. Ce travail dresse un état des lieux des productions artistiques permettant d'obtenir une vue d'ensemble des productions iconographiques nées du 11 septembre et d'en dégager les motifs récurrents, et ainsi comparer ces motifs aux images de presse. Le défi à relever pour les artistes étant de réunir à la fois la force du témoignage et la puissance esthétique, seront-ils capables de dépasser, voire de surpasser les images médiatiques ? Cette thèse tente de dégager quelles peuvent être les fonctions de l'art dans ce contexte peu favorable : l'art comme forme de catharsis, témoignage, expérience, l'art comme forme de deuil puis de guérison, l'art comme moyen de donner un sens à la réalité et se relever du trauma, l'art comme véhicule d'accès à l'émotion ou à la vision tragique etc. Ce travail ne pouvant en aucun cas être exhaustif en raison de la profusion des créations, il est une sorte de catalogue raisonnable à défaut d'un catalogue raisonné des productions artistiques inspirées par les événements de New York On September 11, 2001, the United States was the victim of unprecedented terrorist attacks. Two of the four hijacked planes crashed into the Twin Towers of the World Trade Center, which eventually collapsed before the eyes of millions of incredulous spectators. That event has been the most photographed ever. This thesis studies the multiple artistic answers to the events of 9/11 in New York and is an overview of artistic productions born after that day. Focused on presenting images, it aims at showing the different motives of 9/11's imagery, the challenge for artists being to gather the force of testimonies as well as the aesthetic power of the press images. This thesis aims at underlining the different functions of art in an unfavorable context : art as a form of catharsis, testimony, experience ; art as a form of mourning and healing ; art as a means of giving sense to reality and recovering from trauma ; or as a means of giving access to emotions or tragic visions. It is also an extensive inventory of artistic productions inspired by 9/11 in New York

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Thiam, Mafal. "La tragédie voltairienne et l'esthétique classique." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2008PA040106.

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Abstract:

Voltaire est l’auteur dramatique le plus doué et le plus prolifique de sa génération. Héritier des grands poètes tragiques du XVIIème siècle, il veut néanmoins réinventer la tragédie classique dont certaines règles et conventions lui paraissent nuisibles à la création (par exemple au développement de l’action), mais ses aspirations personnelles se heurtent à sa propre culture théâtrale et aux attentes d’un public conservateur. Par conséquent entre réformes, innovations, influences anglaises et fidélité à la tradition classique, il tâtonne. Il y a chez Voltaire à la fois un attachement au goût et à l’esprit du classicisme, et une réelle volonté de rompre avec bien des aspects de l’esthétique classique. Sa tragédie vacille alors entre adhésion et répulsion aux valeurs du Grand siècle et constitue elle-même une nouvelle esthétique théâtrale. C’est une tragédie pour le moins révolutionnaire, dont les conséquences sur le devenir de la tragédie classique peuvent susciter des interrogations Voltaire is the brightest and the most prolific playwright of his generation. Heir of the big tragic poets of the XVIIth century, he nevertheless wants to reinvent the classic tragedy among which certain rules and agreements seem to him harmful to the creation (for example in the development of the action(share)), but his personal aspiration collide with his own theatrical culture and with the waits(expectations) of a public conservative(curator). By consequence between reforms, innovations, English influences and fidelity in the classic tradition, he(it) gropes. There is at Voltaire at the same moment an attachment to the taste and to the spirit of the classicism, and a real will to break with many aspects of the classic aesthetics. His tragedy vacillates then between membership (support) and aversion in the values of the Big century and establishes (constitutes) itself a new theatrical aesthetics. It is a tragedy at least revolutionary, the consequences of which on the future of the classic tragedy can arouse questioning

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Lehmann, Mériol. "Rangs : une approche systémique du territoire." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28332.

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Abstract:

La deuxième moitié du vingtième siècle a vu se réaliser d’importants changements de paradigmes avec le passage de la société industrielle — l’ère de la machine — à la société postindustrielle — l’ère de l’information. Ces bouleversements ont été à la source de révolutions artistiques, scientifiques et culturelles. La transformation majeure subie par le domaine de l’art à cette époque, passant ainsi de l’art des objets à l’art des idées, s’inscrit directement dans l’esthétique systémique mise de l’avant par Burnham comme théorie générale de l’art, et trouve son application jusque dans les pratiques contemporaines. La présente recherche s’intéresse plus spécifiquement aux pratiques des photoconceptualistes, notamment ceux ayant fait partie de l’exposition New Topographics, qui marque la rupture entre une vision moderniste de la photographie de paysage et une approche photographique systémique du territoire. Comme dans le cas de l’art contemporain, ce paradigme demeure pertinent dans les pratiques actuelles liées au territoire, dans lesquelles s’inscrit justement mon travail artistique. Finalement, la dimension intrinsèque de l’interdisciplinarité dans la pensée systémique m’a mené à étudier le territoire sous un angle géographique. Ceci a permis de m’interroger sur la façon dont ma pratique artistique fait partie du système territorial dans son sens le plus large, en participant aux systèmes de représentation qui forgent à la fois la connaissance et la conception qu’ont les acteurs du monde qui les entoure, et particulièrement dans sa dimension sensible, donc esthétique. From the machine age of the industrial society to the information age of the post-industrial society, the second half of the twentieth century witnessed important paradigmatic changes, constituents of broad social transformations that led to artistic, scientific and cultural revolutions. In art, the major shift from object-based to ideas-based practices, identified by Heinich as the paradigm of contemporary art, belonged to the realm of Burnham’s theoretical proposal of “system aesthetics”. Within this research realm, I am particularly interested in the photoconceptualists, especially those who were part of New Topographics show, a breakthrough event that marked the rupture between Ansel Adams’ modernist vision of the landscape, and a systems-based approach about the landscape. As in the case of contemporary art, this paradigm remains relevant in current practices related to territory, a notion that is central to my personal artistic practice. Finally, the essential aspect of interdisciplinarity in systemic thinking led me to study the territory from the point of view of geography, thus enabling me to establish how my artistic practice is situated in this broader territorial system, participating in the forms of representation that forge both knowledge and idea, bringing an aesthetic dimension to the representative systems of the world around us.

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Abolgassemi, Maxime. "Pour une poétique du hasard objectif : étude analytique de ses motifs d’écriture (Nerval, Strindberg et Breton)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2007PA040236.

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Abstract:

André Breton élabore la notion de hasard objectif à partir de 1928, en faisant le récit de coïncidences troublantes (Nadja, Les Vases communicants et l'Amour fou). Nous formulons l'hypothèse que cela fonde un vrai projet d'écriture et que l'on peut en étudier les concaténations thématiques (les motifs). Dans ce but, nous étendons le corpus à des oeuvres antérieures par Gérard de Nerval (Aurélia) et August Strindberg (Inferno et Légendes), car notre hypothèse seconde est en effet l’existence d'une époque circonscrite propice (du milieu du XIXe à celui du XXe siècle). Que veut donc dire "écrire le hasard objectif " ? Comment comprendre la multitude des réalisations textuelles apparemment si variées et en dévoiler l'articulation profonde et cohérente ? D’autres oeuvres littéraires et philosophiques nous aideront (dont Proust), et spécifiquement celle de Walter Benjamin qui sera étonnamment pertinente André Breton elaborated the notion of "objective chance" from 1928 by describing disturbing coincidences in his life (Nadja, Les Vases communicants and l'Amour fou). We do make the hypothesis that it sets up a real literary project, that can be examined by focusing on its concatenations (the motives). We will therefore include the previous works of Gérard de Nerval (Aurélia) and August Strindberg (Inferno and Legends) in the purpose to explore our second hypothesis that the objective chance could be assigned to a precise period (around 1850-1950). What is the significance of this objective chance writing project ? How can we understand such multiformity in the text production and grasp their deep and coherent articulation ? We will be assisted by other literary or philosophical works (of wich Proust), and specifically thoses, surprisingly pertinent, of Walter Benjamin

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Akhras, Yveline. "Regard aveugle, regard multiple dans la peinture." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010714.

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Abstract:

Le peintre aveugle imagine son ombre comme la trace de son corps et lui donne la valeur d'une déchirure dans Ie support. La trace optique et la trace tactile interpellent différemment Ie créateur et Ie spectateur. L'aveugle voit à travers ses yeux voilés de larmes. II retire son bandeau et sa vue se sent et se sait jouir. II a senti I'invisible d'une présence et I'invisibilité dans la vision. Sa vision est une vision en acte dans la science silencieuse de la peinture et du mime du mouvement. Par son absorbement, iI définit sa conception dramatique et la place du spectateur. Le "théâtre de mains" a gardé sa trace.

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Pambou, Pambou Ange-Valérie. "Ecriture et paradoxe dans les nouvelles de Grace Paley." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070109.

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Abstract:

Cette étude analyse le paradoxe en tant que ressort narratif, motif esthétique et catégorie de l'interprétation dans la fiction de Grâce Paley. Postulant un toujours-déjà du paradoxe dans ses nouvelles, elle entrepend de sonder ce toujours-déjà en ce qu'il a de plus révélateur de ses procédés d'écriture ainsi que de ses stratégies narratives. Elle tente de montrer que si le récit chez elle, comme chez tout auteur, est dépositaire du continu du discours narratif, ce continu, en ce qui la concerne, s'adosse à quantité de discontinuités formelles (dénivellations, scansions, itérations) au terme desquelles se note le privilège qui y est fait au contingent sur le téléologique. Du point de vue de l'ordre du discours, elle fait valoir que c'est par ce qu'elle révèle des fonctions du langage et de la manière dont le récit fait (dé)jouer ces fonctions, que la voix, chez Paley, s'affirme comme schème opératoire de son imaginaire, et la littérature, comme à la fois pur langage et toujours-déjà chose du monde et dans le monde. Enfin, elle fait droit aux conditions sous lesquelles le fictionnel chez Paley se fait case vide, toujours déplacée par rapport à elle-même, se manquant et manquant à sa place, mais seulement - logique du paradoxe - pour s'affirmer en toute sa fictionnalité This paper makes the case for paradox as a narrative pattern, an aesthetic paradigm, and a category for interpretation in Grace Paley's fiction. Postulating paradox as always-already present in Paley, it investigates that "always-already" in what it reveals the most of Paley's writing and narrative strategies. It attempts to make clear that if Paley's narrative, just like any narrative, is the repository of the continuity of narrative discourse, then, that continuity, insofar as she is concerned, is predicated upon a host of discontinuous formal processes which ail concur to grant primacy to contingency (narrative openness and dissemination) over teleology (narrative closure) in her stories. It makes the point that it is from what it reveals of the functions of language and of the way her narrative plays out and outplays those functions that the voice, in Paley, may be said to be the key operative category of her fiction, and literature, both pure language and always-already world-containing and world-contained. Lastly, this paper puts forward the conditions under which the fictional in Paley can be construed as a void, dis/misplaced, missing itself and missing at its place -if only to reveal ail its fictionality

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Maheux-Tremblay, Ariane. "Le suicide dans la littérature québécoise pour adolescents : une esthétique de la fragmentation au service de la reconstruction de soi." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29643/29643.pdf.

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Abstract:

Depuis la fin des années 1990, la littérature québécoise pour la jeunesse aborde des thématiques délicates auparavant taboues, dont le suicide. Le traitement d’un tel sujet est grandement facilité par l’attention qu’accordent les auteurs à la forme de leur récit, ce que nous observons dans Une vie en éclats de Maryse Pelletier, Le long silence de Sylvie Desrosiers, Le parfum des filles de Camille Bouchard ainsi que Ma vie ne sait pas nager d’Élaine Turgeon. La quête des personnages, désormais plus englobante, est centrée sur le rapport à l’Autre, qui se transforme au cours du processus de deuil. Les protagonistes traversent en fait un long moment d’errance où ils n’ont plus de repères et tentent de fuir, jusqu’à ce que l’apparition d’un nouveau personnage qui comprend leur douleur les aide à établir ce nouveau rapport avec le défunt. La déconstruction formelle des oeuvres vient faire écho à la fragmentation vécue par les personnages, ce qui rend fort significatives l’attention portée à la temporalité ainsi que la multiplicité des narrateurs, voire l’hybridité générique au sein des récits. Les oeuvres semblent remettre en question certaines conventions de la littérature jeunesse afin de faire vivre au lecteur la confusion vécue par les protagonistes : le lecteur confronté à un texte d’apparence déconstruite doit ainsi effectuer un travail de reconstruction semblable à celui opéré par les personnages.

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Detue, Frédérik. "En dissidence du romantisme, la tradition post-exotique : une histoire de l'idée de littérature aux XXe et XXIe siècle." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083824.

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Abstract:

Cette thèse est une enquête historique sur la littérature, telle qu’inventée par le premier romantisme allemand. L’idée de littérature romantique, qui a conditionné le système de culture de la modernité, s’est délégitimée historiquement quand celui-ci a produit des guerres mondiales, des totalitarismes, des camps et des génocides. Ce système de culture continue néanmoins de vivre sa vie et de dominer car, en général, on a voulu et on veut encore dénier que la barbarie lui est devenue inhérente. Cependant, face à la terreur moderne, des voix dissidentes ont fait œuvre de critique de la culture, – tels des avertisseurs d’incendie, dans l’espoir d’effectuer un sauvetage. Cette thèse étudie comment, au XXe siècle, des réflexions théoriques et des pratiques littéraires et artistiques créent ainsi un schisme, construisant un rapport critique et dialectique à l’idée de littérature romantique, déterminant un nouveau mode d’être de la littérature. De façon décisive, en fonction de l’expérience de la terreur, à l’heure fatale de l’art, s’inventent corrélativement la théorie critique du kitsch et l’art d’écrire du témoignage. Outre le souci éthique de faire du bon travail au regard du réel, se distingue alors le souci politique de réaliser une transmission de façon à refonder un vivre-ensemble pour la communauté humaine. Or, à l’ère du témoignage, la littérature et l’art reçoivent cette mission en héritage, de sorte que des œuvres de non-témoins se constituent à leur tour en dispositifs d’éveil. C’est précisément au tournant du XXIe siècle qu’il est possible de reconnaître rétrospectivement une tradition et, suivant la synthèse que réalise Volodine, de la qualifier de post-exotique This thesis is a historical enquiry into the idea of literature as invented by early German Romanticism. The Romantic idea of literature, which has informed the cultural system of modernity, delegitimized itself historically when the system engendered World Wars, totalitarianisms, concentration camps and genocides. This cultural system nevertheless continues to exist and dominate, since, as a general rule, people have wanted – and still want – to deny its inherent relationship with barbarism. Yet, confronted with modern forms of terror, dissenting voices have mounted a critique of the culture, sounding the alarm in the hope of carrying out a rescue mission. This thesis focuses on how, in the twentieth century, theoretical inquiry and literary and artistic practice bring about a schism, creating as they do a critical and dialectical relation to the Romantic idea of literature and determining a new mode of being for literature. In the wake of the experience of terror, at a time when the fate of art hangs in the balance, the critical theory of kitsch and the art of testimony are born together, irreversibly. Aside from the ethical need to produce an authentic record of reality, we might distinguish, here, the political desire to transmit something of substance which might inspire a new foundation for life together within the community. As it happens, in the age of testimony, literature and art inherit this mission, and it follows that non-testimonial works take on the role of a wake-up call. It is precisely at the turn of the twenty-first century that it becomes possible to recognize a tradition in retrospect and, following Volodine’s synthesis, to qualify it as post-exotic

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Zorzal, Bruno. "Esthétique de l'exploitation photographique de photos déjà existantes." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080105/document.

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Abstract:

Au moment où les artistes revendiquent la totalité des objets composant la réalité comme source matérielle pour l’art, on se voit dans la nécessité de réfléchir sur les usages et appropriations créatives spécifiques d’images photographiques. En avançant ainsi d’un cadre général vers le particulier, on vise à instaurer une réflexion centrée sur l’utilisation de photos déjà existantes dans les pratiques artistiques visant la fabrication d’une œuvre photographique. Cependant, le fait de créer à partir d’un objet déjà créé qui ici est une photo, n’étant pas sans problèmes, qu’en est-il d’une forme photographique, de même que d’une expression subjective qui garderait un rapport de dépendance avec la nécessité de l’existence préalable d’une image technique ? Que se passe-t-il quand voit le jour, dans ce contexte, une image d’image ? En ce sens, quand le faire photographique devient un refaire à partir d’une photographie déjà existante, nous rapportons-nous de la même manière aux photos, aux processus et procédés photographiques en art et finalement aux œuvres photographiques, voire à la photographie et à l’art lui-même ? Les problèmes élaborés, dans ce contexte particulier, face aux œuvres et à l’aide de théories et notions nous permettent de repérer des éléments en vue d’une esthétique de l’exploitation en photographie de photos déjà existantes, et nous exposent à des aspects politiques, légaux, éthiques, etc. de ces actions, qui placent les photos au centre des processus et procédés en photographie In a time when artists claim the totality of objects composing reality as a material source for art, we find it necessary to reflect on the uses of and creative appropriations specific to photographic images. In moving thusly from a general framework to a specific one, we intend to introduce a reflection centered on the use of pre-existing photos in artistic practices that themselves are directed towards the creation of a photographic oeuvre. However, and given the problematics associated with creating from an already-created object, in this case a photo, what is in it of a photographic form that as a subjective expression keeps a link of dependence with the necessity of existence that is precondition of a technical image? What happens when an image of an image enters the world in this context? In this sense, when doing photography becomes redoing from a pre-existing photograph, do we approach photos, photographic processes and procedures in art and finally photographic oeuvres, or even photography and art itself in the same manner? The questions that are developed in this specific context, in response to artworks and with the aid of theories and notions, permit us to identify elements towards an aesthetics of the photographic use of pre-existing photos, and expose us to political, legal, ethical, and other aspects of these actions, placing photos at the center of processes and procedures in photography

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Darida, Veronika. "La théorie de la représentation chez Louis Marin." Paris 12, 2007. http://www.theses.fr/2007PA120017.

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Abstract:

Il y a un « corpus » des livres - un « corpus » de texte nommé : « Louis Marin » - dont on découvrira plus en plus l’importance. Mais « Louis Marin » est aussi une voix vivante et captivante, un regard attentif et inévitable pour ceux qui l’accompagnent en traversant ses textes. L’oeuvre de Louis Marin est une oeuvre qui croise toutes les catégories de l’histoire de l’art, notamment avec ses livres : Sublime Poussin et Philippe de Champaigne ou la Présence cachée. On a choisi deux livres (ultimes et posthumes) de Louis Marin pour illustrer son travail de « méthode », pour montrer sa mode de penser, en bref : pour suivre ses parcours de regard, pour suivre ses pas vers les chemins « traversières ». Les « essais » de Louis Marin ne cessent pas s’interroger sur les entrelacs (le « chiasme ») de l’écriture et peinture. Dans les écrits de Louis Marin, les œuvres lisibles et visibles sont inséparables : il faut « lire » et « décrire » les tableaux. Ces deux livres montrent non seulement l’intérêt inépuisable de cet auteur/écrivain envers les peintres : mais ces deux « portraits » dessinent un portrait (« caché ») de Louis Marin At his death in 1992, the eminent philosopher, critic and theorist Louis Marin left unfinished his books on Poussin (Sublime Poussin) and Philippe de Champaigne. These books interrogate the theory and practice of representation as it is carried out by both linguistic and graphic signs, and thus the complex relation between language and image. Reading images of Poussin and Champaigne offers us a cultural study of seventeenth century, a history of art and aesthetics and an analysis of reception. Marin demonstrates with consummate rigor why the pursuit of a general theory of representation is experienced by artists and critics alike as an inevitable, yet unattainable objective

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Flaman, Teva. "L'oeuvre d'art à l'époque des biotechnologies : enjeux esthétiques." Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30035/document.

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Abstract:

L’appropriation des biotechnologies par les artistes en vue de créer des œuvres de « bioart » a souvent été considérée comme une démarche transgressive par rapport à la frontière qui délimite l’art et la science. Ma recherche vise à analyser un corpus de productions bioartistiques (Que le cheval vive en moi du duo Art orienté objet, Natural History of the Enigma, d’E. Kac et Ear on Arm de Stelarc) afin de mettre en perspective les « paramètres » par lesquels ont juge qu’il y a, notamment, appropriation et transgression, c’est-à-dire qu’il y a « art ». À partir de l’idée que les œuvres de bioart sont celles qui mettent à contribution les biotechnologies pour leur spécificité, c’est-à-dire la capacité à transformer le vivant, une analyse sémiologique met en évidence l’« incarnation » comme principale stratégie plastique du faire art dans les œuvres du corpus. En expérimentant les œuvres, le spectateur expérimente leurs conditions biologiques d’existence, qui sont similaires aux siennes. Il prend alors acte de cette incarnation, ce qu’une analyse phénoménologique met à jour. En comparant les modes de médiation des œuvres du corpus à ceux des icônes byzantines, une analyse médiologique révèle enfin l’équivalence entre incarnation et médiation et la transparence des œuvres de bioart à la technique dont la cybernétique est facteur de totalisation. Il semble qu’en créant des sujets vivants technicisés, les œuvres de bioart posent un jalon à l’évolution des objets techniques, telle qu’elle a été conceptualisée par Simondon : c’est l’intuition sur laquelle se referme cette thèse The purpose of my research is to define the aesthetic aims of works of bioart. Its starting point is the need to make an aesthetic analysis of some productions of this movement in order to understand its strategies, for these are wrongly considered as coming from Duchamp’s readymade, since bioartists tend to use biotechnologies to create works of art. This research suggests “bioart” gathers various works which involve biotechnologies inasmuch as they manage to transform the living. In this thesis, three bioartworks are studied: Que le cheval vive en moi, by French artists Art Objet orienté, Natural History of the Enigma, by American artist E. Kac and Ear on Arm by the Australian Stelarc. In order to define the aesthetic aims of these three works of art, an analysis grid inspired by semiology highlights aesthetical mechanisms. This analysis shows that “embodiment” is the main plastic way to art. This embodiment provokes a “sense of presence” in the works of the corpus, which can be identified as their “aura”. The aura allows the viewer to become aware of the biological realm of existence he shares with the artworks themselves. Therefore the aura is the manifestation of the contact between the viewer and the biotechnological meaning of the work. This implies that the works of the corpus embody their messages. The corpus has been compared to the Byzantine icons, which also “embody” their messages, in order to understand to what extent the biotechnological production of the living in art represents such a shift in art theory. By using biotechnologies, the works of the corpus testify about cybernetics, which is one of the main organizing principles of globalization and of the increasing presence of technology in human ways of life. It even appears that with the creation of technical living subjects, they pave the way for the evolution of technical objects, as it was conceptualized by Simondon – this is how the thesis comes to its conclusion

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Bentabed, Leïla. "Chemins et langages de la peinture allemande de 1900 à 1945 : Klee et Kandinsky." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040059.

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Abstract:

Klee et Kandinsky donnent à voir l’invisible dans leur art. Leur démarche créatrice repose sur le postulat de l’analogie de la genèse du monde et de l'œuvre. Dans cette double interprétation basée sur l'unicité de la vie, la pensée, l'enseignement et la peinture chez Klee et Kandinsky, la première partie est consacrée à l'étude contrastive de leurs écrits (autobiographiques, poétiques, théoriques et didactiques). Un corpus de textes fondamentaux de ces deux précurseurs de l'art abstrait dévoile une pensée métaphysique créant un lien original entre l'Occident et l'Orient. Les deux artistes parviennent ainsi à résoudre le paradoxe suprême de l'art moderne, à savoir la relation Visible/Invisible. Dans la deuxième partie, l'unité des deux œuvres peints de Klee et de Kandinsky est analysée selon notre propre méthode sémiologique : un système parallèle dynamique de lectures et de décodage des signes et archétypes kléens et kandinskiens démontrent ce passage du visible à l'invisible en tant qu'articulation esthétique spécifique de Klee et de Kandinsky. Notre méthodologie sémiologique basée sur le métissage des approches théoriques s'inscrit dans la problématique actuelle de la théorie de l’art The artistic method of Klee and Kandinsky is based on the hypothesis that world and creative product emerge simultaneously. Founded on the unity of their life, thought, teaching, and painting, in the first part of my twofold study regarding both thes artist I am focussing on a constrastive analysis of their (autobiographical, poetical, theoretical and didactic) writings. This body of fundamental texts of these two predecessors of abstract art reveals a metaphysical thought, creating an original connection between occident and orient. Thereby, the two artists succeed in resolving the greatest paradox of modern art, namely the relationship between the visible and the invisible. The second part of my thesis is concerned with the analysis of the paintings of these two artists, using my own semiological method. A parallel, dynamic reading and decoding of Klee’s and Kandinsky's signs and archetypes demonstrates that their specific aesthetic expression is the passage from visible to invisible. My semiological method, based on a combination of a variety of theotical approaches, thereby joins the current challenges posed by modern theories of art

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Lavest-Bonnard, Audrey. "Proposition pour une analyse de la création chez Schönberg et Picasso : musique, peinture, psychanalyse." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040198.

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Abstract:

Cette thèse propose de mettre en comparaison musique et peinture à travers l'analyse de l'acte créateur chez Schönberg et Picasso. Nos hypothèses s'appuient sur la description des trois phases de la création par le psychologue Anton Ehrenzweig dans son ouvrage "L'ordre caché de l'art" et sur le fonctionnement du travail de rêve explicité dans "L'interprétation du rêve" de Sigmund Freud. Ainsi, nous comparons d'une part, l'évolution de la création de Schönberg et de Picasso - notamment les courants cubiste et dodécaphonique sériel - en fonction des quantités d'élaborations primaire et secondaire entrant en jeu dans les mécanismes psychiques de la création. D'autre part, nous montrons l'impact que ces processus primaires et secondaires peut avoir sur les matériaux choisis pour exprimer leur intentions artistiques, ces processus variant tout au long de l'existence créatrice. Les mécanismes du travail de rêve permettent d'apporter un nouvel éclairage sur l'organisation de la structure interne de l'œuvre d’art moderne, tout en contournant les tentatives controversées d'équivalence entre les arts This thesis proposes to compare music and painting through an analysis of the creative act as expressed by Schönberg and Picasso. Our hypotheses are based on the description of the three phases of creativity by the psychologist Anton Ehrenzweig in his work The hidden order of art and on the functioning of the dream work as set forth in Sigmund Freud’s The interpretation of dreams. We thus first compare how Schönberg and Picasso's creativity evolved - notably the Cubist and serial dodecaphonic movements - according to the extent of the first and secondary elaborations coming into play in the creative psychic mechanisms. Secondly, we show the impact that these primary and secondary processes can have on the materials chosen to express their artistic intentions, these processes varying throughout the creative life. The dream work mechanisms allow new light to be shed on the organisation of the internal structure of works of modern art, while circumventing controversial attempts to establish equivalence between the arts

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Jacques, Andréanne. "La répétition du geste: une méthode d'arrêt du temps." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26674.

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Abstract:

Ma pratique en art exploite la répétition gestuelle et l’accumulation d’éléments formels et tridimensionnels élaborés à partir de protocoles me permettant de multiplier des motifs en dessin, en gravure et autres supports et matériaux. Ces motifs sont bâtis à partir de séries de gestes préétablis qui, à long terme, engendrent un rituel. Grâce à cette technique, le geste est répété de manière définie, méthodique et réfléchie. Je me donne comme défi d'obéir à ce protocole pour réaliser les œuvres finales. J’aborde dans ce mémoire l’importance que revêt l’investissement démesuré de mon temps et le rôle des efforts physiques répétés durant le processus de création. Je présente mon objet comme l’enregistrement et l’aboutissement du passage du temps et de la durée de la fabrication. La notion circulaire du temps devenu matériau se lit, dans ma pratique, à travers la cristallisation des gestes et moments répétés. Je crée un cadre spécial qui m’engage à agir d’une certaine façon. Je crois qu'il est possible que chaque action du quotidien puisse être perçue de façon plus globale. Je veux parvenir à créer un espace de résistance en proposant des œuvres qui renvoient à une autre manière d’envisager le temps.

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Donin, Nicolas. "Intéractions entre écriture et lecture dans le processus de composition de deux oeuvres par un créateur contemporain : pour une méthodologie d'analyse des pratiques musicales savantes d'aujourd'hui." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0086.

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Abstract:

Comment rendre compte des enjeux cognitifs et esthétiques de la pratique artistique d'un musicien ? L’étude détaille l'activité créatrice de Philippe Leroux, compositeur français né en 1959, pour deux œuvres successives (Voi(rex) (2003) et Apocalypsis (2006)), permet de mettre en évidence les pratiques d'écriture, de lecture, de relecture, d'écoute et de réécoute qui trament la genèse d'une partition contemporaine. La première partie de la thèse montre l'intérêt de développer « musicologie de la composition », tant pour la musicologie historique que pour l'anthropologie ou la psychologie. Deuxième partie traite des questions éthiques, méthodologiques et épistémologiques rencontrés par le chercheur souhaitait étudier un processus de composition au cours même de son accomplissement ; elle présente les processus étudiés, le dos génétique de Voi(rex), et l'atelier de Philippe Leroux. La troisième partie présente une série d'analyses de moments choisis dans les deux processus créateurs étudiés. La quatrième partie présente l'instrumentation informatique de l'étude précédente et propose d'en élargir la méthode et les leçons à un programme de recherche musicologique en dialogue avec les sciences humaines : une musicologie non seulement des œuvres, mais des pratiques et situations musicales. Deux annexes complètent la thèse: l'Annexe 1 rassemble les illustrations des 2e et 3e parties; l'Annexe 2 présente la transcription de trois entretiens la composition d'un mouvement de Voi(rex), et reproduit le «journal de bord » tenu par Leroux pendant la composition d'Apocalypsis Haw to build knowledge about the cognitive and aesthetic issues at stake in musical practices? A detailed study of creative process of Philippe Leroux, a French composer born in 1959, in two of his major pieces, Voi(rex) (2003) and Apocalypsis (2006), shows how a composer today writes, reads and re-reads, proof-reads, listens and re-listens-the core actions of a contemporary score writing process The first section of this doctorate thesis is devoted to articulated "musicology of composition as a practice", both from a historical perspective and an anthropological and psychological one The second section explores the ethical, methodological and epistemological Issues which arise when studying a compositional work in the midst of its creative process. The third section, a case study, presents a few specific items of t creative process of the two works at stake. The fourth section deals with computer-aided analysis and publication of the d" collected, and argues that the methodology developed throughout this study could be applied to a broader research program that takes in multiple social sciences approaches. Such a program woould unite both a musicology of musical war themselves and a musicology of musical practices and situations. Two appendixes complete the thesis: 1) illustrations of the second and third sections; 2) transcription of three sample interviews with the composer, and reproduction of Lerou compositional "diary" for Apocalypsis

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Gagnon, Dominique. "Le paysage et ses rapports avec l'art, la nature et l'environnement." Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/38740.

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Abstract:

Cette thèse/œuvre démontre, dans la partie thèse, comment l’art pictural a joué un rôle clé dans la formation et l’évolution du concept de paysage en Occident de la Renaissance au XXe siècle et comment ce genre pictural a contribué à ancrer notre intérêt pour les paysages pittoresques matériels et leur représentation. L e déroulement de l’histoire du mot « paysage » qui est apparu simultanément dans différentes langues à la Renaissance est d’abord passé en revue. Les différentes théories sur le concept de paysage sont ensuite présentées. Puis les concepts de nature et d’environnement sont développés dans leur rapport avec le paysage. La dernière partie traite du corpus présenté en accompagnement de la thèse, dans le contexte où les arts visuels peuvent à nouveau jouer un rôle à l’époque actuelle pour réévaluer et éventuellement nous aider collectivement à réinventer notre rapport à la nature, au paysage et à l’environnement. This thesis in research/creation will develop in the research portion, how painting has played a major role in the evolution and formation of the concept of landscape in Western civilization, from the Renaissance to the 20th century. It will explain how landscape painting has contributed to our present fascination in the ‘picturesque’ landscape, and its representation. The evolution and transformation of the word ‘landscape’, which emerged simultaneously in several European languages during the Renaissance will be summarized. The various theories on the concept of landscape will be presented, and the concepts of ‘nature’ and ‘environment’ will be developed in relation to the landscape. The last part is dedicated to the body of work linked to this thesis. It expresses how the visual arts may now, as during the Renaissance and several centuries after, play a role in the reevaluation and re-creation of our relationship to nature, landscape and the environment.

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Hagemann, Simon. "La pensée des medias dans le theatre, des avant-gardes historiques au théâtre contemporain." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030096.

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Abstract:

Cette thèse étudie la place et l’utilisation des médias de masse sur les scènes théâtrales des XXe et XXIe siècles et vise à déterminer l’importance de la pensée des médias par les artistes pour la compréhension des grandes mutations théâtrales de cette période. L’étude, réalisée dans une perspective historique, est organisée en trois parties, selon les médias identifiés comme culturellement dominants : cinéma ; télévision et vidéo ; Internet et autres médias numériques. L’analyse des réflexions des artistes de théâtre face à l’évolution médiatique, qui provoquent l’apparition de nouvelles formes théâtrales – avec ou sans utilisation d’innovations technologiques -, offre de nouveaux regards sur le théâtre, et plus généralement, les arts du spectacle, sur les médias, ainsi que sur leurs relations. Cette thèse s’interroge sur les fonctions du théâtre dans un paysage où les arts et les médias sont en situation de concurrence, mais aussi d’inspiration réciproque, et réfléchit, au final, aux possibles conséquences de cette situation sur les études théâtrales à l’ère des médias numériques This thesis studies the place and utilisation of mass media on theatre stages during the 20th and 21st centuries. It aims to determine the importance of the thinking about the media in theatre during the great theatrical changes of the period. The research study, presented from a historical perspective, is organised into three parts: cinema, television, and the Internet and other digital media - the identified dominant media. Changes in media culture and certain artistic reflexions provoked the appearance of new theatrical forms, both with and without the utilisation of new technological innovations. An analysis of the thinking of theatre artists facing media developments allows new insight into theatre, the media and their relationship. This thesis aims to question the functions of theatre in the developing art and media landscape, and reflects on possible consequences for theatre studies in the age of digital media

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Caron, Jean-Michel. "Art - expérience." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26336.

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Abstract:

Le présent mémoire est un texte d’accompagnement qui témoigne du développement de mon travail de recherche tout au long de mon parcours de maîtrise en arts visuels. Ce texte prend la forme d’un journal de bord qui aborde mon cheminement d’artiste d’une façon chronologique. Ce texte évolue au rythme des réalisations ponctuelles et des réflexions qui y sont liées. L’aboutissement prend la forme d’une synthèse par la mise en espace des meilleures expériences retenues durant mes études.

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Rouillon, Vincent. "Le partage esthétique en occident : essai de généalogie de la conscience esthétique contemporaine." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0116.

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Abstract:

L'art tel que nous le vivons actuellement dans nos sociétés occidentales -activité sociale séparée, représentée par des productions d'objets "inutiles" mais nécessaires marqués par leur autonomie formelle, relayée par leurs réception selon les cadres d'une autonomie sociale (selles de concert, théâtres. . . )- fait partie, et au même titre, des conduites esthétiques en général. Mais si l'art se veut une modalité éminente des conduites artistiques. C'est là une croyance plus qu'une donnée. L'exploration de cette illusion socialement partagée est l'objet de ce travail. La fonction des conduites esthétiques en général est de contribuer à la stratégie d'institution de l'Occident en tant que ses valeurs seraient universelles. Par l'art, la conscience esthétique occidentale instaure le monde comme son monde, et son monde comme le monde The way we live art in our actual western society -as a separated social activity organised around "useless" productions which, therefore, carry their justification by formal autonomy and by their reception threw the frame of social autonomy (concert hall, theatres. . . )- belongs at the same range, to the ordinary ways of aesthetic behaviours. But, if art shares the same social meaning than all other aesthetic modality, it is considered as a outstanding aesthetic activity. This is more a belief than a fact. The exploration of such a shared illusion about autonomy of art is the purpose of this research. The social function of any aesthetic modality is to contribute to strategy of institution of unllike worlds. The one of artistic modality is to contribute to the strategy of institution of the western civilisation as if its values were worldwide values. Threw art, the western aesthetic consciousness sets up the World itself as if it was it's own, and it's own as if it was the World itself

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Veillon, Charlène. "Mythes personnels et mythes pluriels dans l'oeuvre de Kimiko Yoshida : une esthétique de l'entre-deux, 1995-2012." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010510.

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Abstract:

L'œuvre principalement photographique de Kimiko Yoshida (née le 23 juin 1963 au Japon et installée en France depuis 1995) se fonde sur la création de « mythes» à travers ses autoportraits. Les « mythes du Photographe» à l'origine des « fonctions» de son œuvre - visant entre autres à « informer, représenter, surprendre, faire signifier, donner envie» selon Roland Barthes dans La chambre claire - trouvent leurs sources dans la société, la culture, l'époque auxquelles l'artiste appartient et par conséquent également dans ce qui touche à la singularité de la personnalité, du vécu, de l'histoire à l'échelle intime de celui-ci. De fait, le titre général de cette étude énonce une quête des « mythes personnels et pluriels dans l'œuvre de Kimiko Yoshida », dont le thème de « rentre-deux» constitue la posture esthétique majeure, l'artiste et son œuvre se trouvant entre Japon et Occident, entre figuration et abstraction, entre réalité et fiction, entre citation et transgression. Ce discours fictionnel par l'image et dans l'image subit différentes métamorphoses qui forment les quatre axes fondateurs de la thèse, à savoir l'entre-deux particulier du « personnage conceptuel» défini par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Qu'est-ce que la philosophie / appliqué à la « signature» Kimiko Yoshida : l'étude d'un entre-deux géographique et culturel définissant un « syncrétisme» artistique singulier: les illustrations des différentes dimensions spatio-temporelles perceptibles dans l ' œuvre de Kimiko Yoshida, notamment à travers les (enjeux des couleurs des images : et l'interrogation concernant la place du sujet à l'image, entre trace et absence The work of Kimiko Yoshida (born on June 23rd, 1963, in Japan and living in France since 1995), mainly based on photography, is founded on the creation of « myths ». This study is about searching, defining and analysing the « functions » of Kimiko Yoshida's self-portraits. The « myths of the Photographer », at the origins of her work's functions - aiming. amongst others, to « inform, represent, surprise, signify, create desire» according to Roland Barthes' Camera Lucida - are rooted in the society, the culture and the time the artist belongs to, and as a consequence also in the singularity of his/her personality, experience, and intimate story. Thus, the general title of this study brings forwards a research of « personal and plural myths in Kimiko Yoshida's work of art», whose topic of the « in-between » is the main aesthetic position, the artist and her work situated between Japan and the West between representation and abstraction, between reality and fiction, between quotation and transgression. The fictional speech through and in the image undergoes several transformations which make up the four founding lines of this thesis, that is to say the distinctive in-between of the « conceptual character » defined by Gilles Deleuze and Félix Guattari in Whut is Philosophy ) applied to Kirniko Yoshida's name : the study of a geographical and cultural in-between defining a singular artistic « syncretism » : the illustrations of the several perceptible space-time dimensions in Kimiko Yoshida's work, notably through the games/aims of the images' colours : and the questioning about the subject in the image, between trace and absence

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Gourde, Étienne. "La fin de l'art." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27061/27061.pdf.

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Faerber, Johan. "Esthétique baroque du nouveau roman." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030039.

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Abstract:

Loin de se limiter au XVIIe siècle, le Baroque littéraire apparaît comme une notion hétérochronique, régissant notamment le Nouveau Roman (Michel Butor, Claude Ollier, Robert Pinget, Alain Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute, et Claude Simon). A l'opposé de l'image d'écrivains disparates, l'esthétique néo-baroque institue ces romanciers en tant que groupe littéraire à l'identité textuelle homogène, et constitue la possibilité même du néo-romanesque. Les ères diachroniques entrent dans un jeu synchronique de convergence mettant en place une rhétorique de l'altérité et une ontologie du vide à l'instar de la littérature de l'âge baroque. Les sujets déliquescents sont conduits à errer dans un espace figurant un macrocosme théâtral du mouvement. Dans ce monde du trompe-l'oeil, une misologie de la fiction interroge les virtualités du dire. L'écriture tremble sur elle-même dans un geste redoublé élevant sa puissance au carré, et exhibe, comme le paon baroque, une surcharge ostentatoire. L'ère du soupçon serait alors celle d'un retour à l'âge baroque Far from limiting itself to the XVIIth century, the Baroque in literature may be regarded as a heterochronic notion leading the New Novel. Contrary to the image of a fuzzy set gathering diverse writers, the esthetics of the new Baroque enables us to define these novelists as being a literary group with a homogeneous textual identity, and can be considered the very possibility for the New Novel to exist. The diachronic eras gather into a synchronic game which first settles a rhetoric of the otherness and claims an ontology of the nothingness as in the literature of the baroque era. The unravelled characters are compelled to wander in a space which represents the moving macrocosm ruled by a world being a stage. Through these mimetic issues, the trompe-l'oeil reign unfolds a misology of the fiction questionning the virtualities of assertion. Therefore, writing shivers in its core, judges itself in a double gesture that squares its power, and shows off, just as the baroque peacock does, a conspicuous overload. Eventually, the era of suspicion would go back to the baroque age

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Deffner, Béatrice. "L’art comme nature supérieure : Carl Ludwig Fernow et la recherche d’une esthétique idéale." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040125.

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Abstract:

Le présent travail de thèse portant sur la vie et l’œuvre de Carl Ludwig Fernow a pour principal objectif de présenter sous un jour nouveau la genèse de ses idées sur la théorie de l’art, aussi à l’égard des aspects socioculturels et anthropologiques de son temps. Pour ce qui est des principaux axes de recherche, on tentera, dans un premier temps, de reconstruire les sources philosophiques ayant nourri sa pensée esthétique et surtout les écrits de Kant, de Schiller et de Winckelmann, tout en opérant une sélection des textes les plus importants. Puis, nous nous demanderons, dans un deuxième temps, dans quelle mesure les monographies d’artistes de Fernow comportent des élans sociocritiques, se dirigeant non seulement contre la politique de formation des académies, mais également contre l’hétéronomie de la production artistique de son temps. Cet aspect sera envisagé sous la forme d’une comparaison de la monographie d’Arioste à celles d’Antonio Canova et d’Asmus Jakob Carstens. La troisième partie sera consacrée à une présentation synthétique des idées esthétiques de Fernow, afin d’évaluer, de façon cohérente et sous un nouveau jour, de l’originalité de sa conception de l’art autonome AThe main target of the present study is to reconstruct the genesis of the esthetical ideas of the German art theoretician and writer Carl Ludwig Fernow (1763-1808), whose work and intellectual importance has been recently rediscovered and revalued by several researches. Carl Ludwig Fernow’s name is particularly related to the art discussion of the so called “Weimarian art friends”, the circle of amateurs of beauty who assembled very famous members and personalities such as Goethe, Schiller and Meyer. However, Fernow has always acted in the shadow of these main actors, trying to make him known as an author. Thus, quite a number of his publications and articles in German appeared in German well known revues such as “The Propylees”, “The new Mercury” or “The journal of fashion and luxury” have never been touched a large public, but still would merit a closer look, based on a reexamination of the role he played for the formation of the movement of art’s autonomy, in order to show his art theory, resuming his main ideas and concepts concerning the character, the ideal of beauty and the enthusiasm of the artiste, which he personally considered as the principal components of genuine art expression representing the key to real artistic creation

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Karroum, Abdellah. "Des oeuvres nomades : vers une esthétique "post-contemporaine"." Bordeaux 3, 2001. http://www.theses.fr/2001BOR30016.

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Abstract:

C'est à partir d'un déplacement vers ce nouveau monde (l'Europe) que nous essayons d'établir un constat des tendances qui traitent du multiculturel (par exemple, "la France multiculturelle" ou le "Maroc multiculturel". . . ) dans les arts plastiques, à travers les expositions et es oeuvres. Un point sur la situation des années 1980 en France. Le présent est géré par la connaissance du passé (le modernisme), le lieu géographique agit sur les lumières que l'écran de la connaissance reçoit. . . L'intérêt culturel des institutions européennes pour le "tiers-monde" apparait avec l'ouverture des marchés globaux et des décentralisations à l'échelle planétaire. "L'esthètique des passages" comme proposition : questionnement sur la possibilité de l'art comme remède à la "pauvreté" à travers l'idée d'une esthétique post-contemporaine ("post" dans le sens de dépassement de tout enfermement ou de toute exclusion). Nous posons un lexique qui permet de comprendre le discours "multiculturel" utilisé dans cette recherche. La multiplication de nos réfèrences correspond aux lieux de "vies", aux contextes des recherches. . . Le discours esthétique n'est-il pas le résultat d'un mélange de connaissance et de désir pour partager des émotions ? Or, la connaissance que nous avons des arts est fondamentalement instruite dans plusieurs contextes engagés. Notre discours revendique donc un caractère et une conduite informels. Dans le tome 2, nous insistons sur le caractère expérimental des différentes activités. Nous proposons également des projets pour une implication et pour une "réelle présence" de notre recherche dans les engagements afin de créer des ponts et des plates-formes expérimentales. Ainsi, nous sommes amenés à mêler nos lectures et nos pensées aux activités et actions diverses : laboratoire hors'champs, art sans frontières.

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Stavrianos, Georges. ""L'Etranger" de Camus : de l'expérience tragique à l'exigence esthétique." Nancy 2, 1990. http://www.theses.fr/1990NAN21030.

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Abstract:

Le meurtre d'un arabe par meursault, le héros de "l'étranger", constitue le centre géographique du roman. Nous le considérons sous trois angles différents : sociologique, tragique et esthétique. Condamné pour n'avoir pas pleure le jour de l'enterrement de la propre mère, il accepte avoir commis ce meurtre étant sous l'influence du soleil. Notre effort consiste à faire apparaitre le moi profond de l'écrivain ainsi que son aspiration a l'absolu. La quête du salut qui le délivrera de son angoisse métaphysique nous amène à croire que le crime a bien eu lieu pour des raisons esthétiques. Irréconcilié ainsi avec le soleil, il découvre sa liberté et son bonheur dans la prison, à la tombée de la nuit The murder of an Arab by Meursault, the hero of "the stranger" is at the centre of the novel. We will study it from three different angles: sociological, tragic and aesthetic. Condemned because he didn't weep on the day of his mother's funeral, he confesses to the murder, being under the influence of the sun. Our work trys to bring out the inner identity of the author as well as his search for the absolute. His quest for salvation which will release him from his metaphysical anguish, leads us to believe that the crime did indeed take place for aesthetic reasons. Unreconciled with the sun, he discovers liberty and happiness in prison, at nightfall

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Fulacher, Pascal. "Esthétique du livre de création au XXe siècle : du papier à la reliure." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010686.

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Abstract:

Le livre de création est apparu dans le dernier tiers du XIXe siècle. Qu'il soit livre d'illustrateur, livre de peintre, voire livre-objet, le livre de création peut être unique ou multiple. Conditionné par un texte - de nature littéraire ou poétique - il se caractérise par un processus artistique engagé dans sa matérialité même, processus intervenant tant au niveau du support que de la typographie, de l'illustration ou de la reliure. Ce sont les différents aspects esthétiques de ces composants et leur évolution au cours du XXe siècle qui sont analysés ici. Le fait que le livre de création ait toujours été au centre des préoccupations des mouvements d'avant-garde confirme que celui-ci, à la jonction de la peinture et de la poésie, a été tout au long du XXe siècle, un moyen d'expression artistique majeur. Son influence sur l'ensemble de la production éditoriale, encore mal cernée, est perceptible dès le milieu du siècle dernier avec l'apparition et le succès du livre-club.

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Berthou, Benoît. "Règles et jeux dans les pratiques artistiques du XXe siècle." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100137.

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Abstract:

Certaines pratiques artistiques du XXe siècle semblent faire un choix en matière de créativité : élaborer une oeuvre à partir d'un ensemble de règles et la définir comme un espace de jeu où il s'agit d'associer et de combiner un certain nombre d'éléments. Le premier moment constitutif de l'oeuvre est ainsi une "concertation", une réflexion sur les prescriptions susceptibles d'être utilisées et adoptées. Notre hypothèse est la suivante : choisir la règle et le jeu comme vecteur de création permet de s'inscrire dans le possible. Devoir utiliser, en musique, un ensemble déterminé de sons oblige le compositeur à concevoir d'inédits rapprochements et à ne pas tenir compte, ainsi que le montre Arnold Schoenberg, des règles de l'harmonie classique. Se placer, en littérature, sous l'égide de prescriptions qu'il a lui-même élaboré permet à l'écrivain d'établir ce que Michel Leiris nomme un "dire différent". Composition et écriture relèvent en ce sens d'une même volonté : se demander, à l'instar du peintre Gérard Gasiorowski, "Que faire ?" avec les éléments que l'on a à sa disposition.

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Kapelusz, Anyssa. "Usages du dispositif au théâtre. Fabrique et expérience d'un art contemporain." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030170.

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Abstract:

Cette recherche est consacrée à l’évolution de la représentation théâtrale immédiatement contemporaine, à l’aune de mutations induites par un ensemble de croisements interartistiques, intermédiaux et, plus largement, interdisciplinaires. Elle est fondée sur l’analyse d’un corpus de créations mixtes et récentes, qui opèrent un recentrement sur leurs dispositifs, c'est-à-dire un agencement matériel, spatialement installé et multimédiatique. Généralement immersifs, ces derniers provoquent, chez le spectateur, une expérience esthétique individualisée de l’ordre de l’activation physique, de la participation ou de la mise en jeu. Par tropisme langagier, ces créations sont fréquemment désignées comme des "dispositifs", terme qui émerge dès lors que les spécificités théâtrales se voient déplacées, sous l’effet d’hybridations multiples. La thèse s’élabore dans un double mouvement : elle distingue différents usages du "dispositif", dans les discours théâtraux, qui traduisent, à plusieurs niveaux, une mise en tension du dispositif théâtral, alors considéré comme un cadre de référence ; conjointement, la recherche examine ce qui "fait dispositif" au sein de ces pratiques, observant l’articulation entre organisation matérielle et expérience esthétique, au cours de l’évènement. Mêlant étude des discours et approche esthétique, la thèse considère le dispositif sous l’angle d’une dynamique de la variation, et comme le signe d’un repositionnement théorique, focalisé sur enjeux relationnels à l’oeuvre dans ces propositions artistiques This Ph.D. dissertation examines the evolution of the theatrical performance – in its most immediately contemporary state – in light of the mutations engendered by a variety of inter-artistic, intermediary and interdisciplinary exchanges. The study is founded on the analysis of a corpus of recent productions that effectuate a conscious re-centering of their own dispositif: namely through establishing a multi-media and spatially-installed material layout. Often immersive, these productions provoke an individualized aesthetic experience in the spectator, materializing in different kinds of physical activation, participation, or direct involvement. By tropism, these creations are frequently designated as "dispositifs", a term that is often applied when the theatrical specificities of a production are displaced, especially after having undergone multiple hybridations. The dissertation proceeds in a double trajectory. First, it distinguishes different uses of "dispositif" in theatrical discourses, which translates on multiple levels into placing the theatrical apparatus under question – much in contrast to theater as a frame of reference. In parallel, the study examines what at the heart of these creative practices actually constructs "dispositif", thus observing the articulation between material organization and aesthetic experience that occurs during the course of the theater event. Mixing the study of discourses and aesthetic approaches, this dissertation considers the dispositif as a dynamic of variation and as the sign of a theoretical repositioning, focusing on the relational positions highlighted in the art work by these different artistic propositions

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Després, Aurore. "Travail des sensations dans la pratique de la danse contemporaine : logique du geste esthétique." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081454.

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Abstract:

Cette etude se penche sur quelques modes contemporains de production choregraphique qui accordent une place cruciale a l'exploration des ressources du "sentir" dans leurs pratiques : ceux de la choregraphe francaise odile duboc, ceux de la choregraphe americaine "post-moderne" trisha brown et ceux de la danse contact improvisation (courant choregraphique initie par steve paxton, dans cette meme mouvance post-moderne americaine). La, la danse est moins basee sur l'apprentissage ou la reproduction de "mouvements" comme on pourrait s'y attendre que sur l'apprentissage d'une aptitude a la "perception" ; les "ateliers" de danse deviennent de veritables laboratoires de recherche ou predominent le "travail des sensations" et le "travail des sens". Les danseurs sollicitent leurs capacites sensorielles, visuelles, tactiles, auditives et meme, dans certaines pratiques, olfacto-gustatives et font emerger de ces sensations, des etats de corps comme des mouvements. Aussi, si les danseurs, explorateurs, par essence, du mouvement se font les explorateurs du sentir, c'est que fondamentalement, une relation profonde voire une coincidence tend a s'etablir entre la sensation et le mouvement. . . Relation remettant completement en cause une certaine conception commune de la "receptivite" par les sens comme de "l'activite". En s'inventant avant tout par la "sensation du mouvement, par la "sensation de poids", par le "con-sentir" a la gravite, par un veritable "consensus", ces travaux choregraphiques font advenir une "kinesthesie" rimant avec une complete "esthesie". . . Ce qui est enjeu est donc la production d'un geste profondement "esthetique" au sens etymologique du mot (aisthesis=sensation), geste "aisthetique" redonnant aux sens et a la matiere "corps" leurs puissances creatrices de realite, et faisant emerger un mode de corporeite autre comme une autre facon "d'etre ensemble", une autre pensee du corps comme une autre pensee tout court This work deals with some contemporary forms of choregraphic expressions which give a major importance to the exploration of the possibilities of "feeling" in their works : those of the french choreographer odile duboc, the american post-modem choreographer trisha brown and those of the dance contact improvisation ( a choreographic trend initiated by steve paxton, in the same american post-modern movement). For these artists, dance is less based on the learning or the imitation of movements, as one may imagine, but it is more the search for an ability of "sensorial reception"; dance workshops tend to become real research laboratories in which both the "work on sensations" and the "work on senses" prevail. Dancers work on sense, vision, touch and hearing and even, in some workshops, on taste and smell. These sensations lead them to both states of body and movements. Therefore, we may assert that dancers, as natural explorers of the movements, can become explorers of the sensitivity or sensation, because a deep relationship if not a coincidence tends to exist between sensation and movement. . . This relationship questions a particular widespread opinion of both the "reception" and the "action". These choreographic works - which are based above all on the "sensation of the movement", on the " sensation of the weight", on the "con-sensus" with gravity - give birth to a "kinesthesy" rhyming with a full "esthesy". . . What is at stake is the production of a deeply esthetic gesture - "esthetic" being used in its ethymological meaning (aisthesis= sensation), an "aesthetic" gesture giving back their own abilities of creating a reality to both the senses and the body as a material. This gesture gives birth to a different form of "bodyness" and a different way of being together, another way of thinking the body as well as another way of thinking altogether

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Eudes, Émeline. "Vers une poétique d'un langage plastique dans l'art contemporain finlandais, islandais et norvégien." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083684.

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Abstract:

Pour des raisons historiques et géographiques (indépendance instaurée au XXe siècle, position isolée à la périphérie de l’Europe, climat et environnement naturel prégnants. . . ), la langue et l’acte de langage sont devenus en Finlande, en Islande et en Norvège des gestes décisifs pour la représentation de soi et l’exploration de son environnement. Partant de cette constatation, le travail de recherche examine la continuité de cette notion de langage à travers les arts plastiques de chacun de ces pays, faisant ainsi se recouper les préoccupations historiques, culturelles et artistiques. Avec pour but de dépasser la simple constitution iconographique d’un art du Nord, ce mémoire consiste à envisager d’un point de vue esthétique l’acte plastique au sein d’un environnement particulier. Tout en voyant émerger un certain type de création, il s'agit d'interroger sous un jour différent les relations image/langage, faire/percevoir, imagination/imaginaire. Au fil des œuvres présentées se dégage une expérience plastique originale, prise entre des problématiques langagières communes à tout acte communicationnel et l’influence incompressible du milieu Nord-européen. La première partie est dédiée à la pratique du dessin en Finlande. Les travaux d'une dizaine d'artistes finlandais permettent de sonder le statut conféré à la trace graphique dans l'établissement d'un lien phatique, première étape préfigurant la parole. La deuxième partie se concentre sur la tradition de l'écriture et de la narration chez les artistes islandais. Avec pour arrière-plan culturel les Sagas médiévales, la pratique du livre d'artiste et le récit chanté s'avèrent le lieu d'une étude du mode de fonctionnement des mots dans une dimension non plus seulement littéraire mais aussi plastique. La dernière partie s'intéresse au geste et à la performance en Norvège. À travers la présence des corps et leurs mouvements, c'est l'indexicalité qui est mise au jour comme un motif de base des pratiques artistiques locales. De façon transversale, la notion de paysage sous-tend l'ensemble de la recherche, en tant qu'analogie labile entre l'expérience de leur environnement par les artistes, par les spectateurs, et les œuvres créées For historical and geographical reasons (independence settled in the 20th century, isolated position at the edge of Europe, ever-present weather conditions and natural environment. . . ), the act of language has become in Finland, Iceland and Norway a decisive moment for self-representation and the exploration of one owns environment. From this state of things, the research work has a close look at the on-going of this notion of language through the arts of each of these countries, making over-cross historical, cultural and artistic concerns. With such an aim as to go beyond the simple constitution of a Nordic art iconography, this essay consists into considering from an aesthetical point of view the artistic act in a particular context. While witnessing of the rising up of a certain type of creation, the relations between image and language, making and perceiving, imagination and sociologic imaginary are being investigated under a new perspective. The first part is devoted to the practice of drawing in Finland. The works of about ten artists enable to overview the status given to the graphic mark in the creation of a phatic link, first step prefiguring the word. The second part is about the tradition of writing and narrative among Icelandic artists. With as cultural background the medieval Sagas, the practice of the artist book and of the sung narration are the study place of the words not only as a literacy matter but a fine art one as well. The last part deals with motion and performance in Norway. Through the presence of bodies and their movements, the indexicality appears to become a fundamental pattern for local artistic practices. Eventually, the notion of landscape is a useful leitmotiv, which helps into making understandable the links between the experience of their environment by the artists and the spectators, and the art works

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Sclippa, Jean-Claude. "L'évolution du sens esthétique et l'interrogation sur le beau dans les Avant-gardes de 1905 à 1935." Brest, 1997. http://www.theses.fr/1997BRES1005.

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Abstract:

L'évolution du sens esthétique est un mouvement généré par une succession constante d'innovations de 1905 à 1935. Du cubisme au surréalisme, les créations et les productions littéraires ou poétiques ont été observées, appréciées, contemplées et soumises à une activité critique, faisant apparaître de nouvelles techniques, de nouveaux moyens ou procédés, une nouvelle sensibilité, qui non seulement s'éloignent de l'esthétique classique, mais encore rompent définitivement avec elle. Des caractères communs, des théories nouvelles, une modernité sans cesse dépassée relient les mouvements d'avant-garde et sont mis en evidence dans un enchaînement ininterrompu de trois décennies. Trois grandes étapes (1905-1914, 1915-1924, 1925-1935) sont définies qui prouvent cette inéluctable évolution dans le cadre des mouvements d'avant-garde, le dernier englobant les avancées de ses prédécesseurs, de telle sorte que les fondements d'une nouvelle esthétique ne peuvent exister que dans un ordre événementiel, dans un véritable développement organique. L'intention esthétique de chaque poète ou écrivain est confirmée par la singularité de son oeuvre qui s'inscrit dans cette évolution continue des mouvements avant-gardistes et devient discernable dans une typologie de l'esthétique du XXeme siècle. La beauté s'y révèle sous des formes surprenantes, puisque le jugement esthétique n'est plus basé sur le goût, mais il investit pleinement le champ de l'appréciation cognitive The evolution of the aesthetic sense is a movement that has been engendered by a constant succession of innovations from 1905 to 1935. From cubism to surrealism, literary or poetical creations and productions have been observed, appreciated, contemplated and submitted to critical activity, revealing new techniques, news ways or devices, a new sensibility, which not only move away from classical aesthetics but actually break away from it. Common traits, new theories, a modernity which keeps being outdated, connect the avant-garde movements and are outlined in the uninterrupted sequence of three decades. Three main stages (1905-1914,1915-1924, 1925-1935) are defined which testity to this ineluctable evolution within the sphere of the avant-garde movements, the latest taking over the innovations of its predecessors, so that the base of the new aesthetics cannot exist but in a factual order, in an actual organic development. The aesthetic intention of each poet or writer is confirmed by the singularity of the work which fits into the continuous evolution of the avant-garde movements and stands out in a typology of the xxth century's aesthetics. Beauty reveals itself in surprising shapes since the aesthetic jugement is no longer based on taste but fully takes up the field of cognitive appreciation

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Gonthier, Joëlle. "Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne, Duchamp, Feuys, et leurs célibataires mêmes." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010545.

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Abstract:

Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne Duchamp, Beuys et leurs célibataires mêmes, explore ce qui s'enseigne et se pratique afin d'esquisser une définition de l'art dont nous sommes les contemporains. Les voies empruntées sont celles des artistes, celles mises en évidence par des analyses issues d'entretiens réalises auprès d'eux et de scientifiques et, enfin, celles issues d'une approche processuelle de la pratique artistique, tant dans son versant de création que dans celui de réception. La première partie définit un corpus en le soumettant à la double épreuve de l'art et de l'éducation. À son terme, il est tangible que l'art -comme la formation- s'empare de tout ce qui le sert, quel que soit le champ initial dans lequel il puise ses moyens conceptuels et matériels. La seconde partie analyse des processus sollicitant, entre autres, la perception, la représentation et la création. Les régimes de la pensée sont interrogés : la formation du concept, l'usage du langage comme le recours à une pensée élaborée grâce aux arts plastiques et à l'écriture. L'étude des fonctions de l'arrangement, de la composition, de l'ordre, du lieu ou de l'espace permet de dégager les gains cognitifs pour la personne et la conquête de territoire bénéficiant à l'art lui-même. La troisième partie reproduit les entretiens. Ils donnent à entendre divergences, nuances ou communauté de vue. A leur suite, le risque pris à la définition de l'art résonne autrement : loin de l'abstraction supposée détachée d'une pratique, la formulation repose sur l'expérience et l'analyse qui en est faite. L'idée de l'art comme une ile perdue et d'un monde à part tombe. La formation devient préparation à l'évènement qu'est l'œuvre.

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Bellot, Michel. "Esthétique des figures impossibles et ambiguës." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010647.

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Abstract:

La classification des figures impossibles et ambiguës, proposée ici, montre que trois mécanismes plastiques permettent de rendre compte des rates de la représentation spatiale : la superposition, le contact et l'alignement. Il apparait encore que l'impossible et l'ambigu sont des territoires proches, lies par un espace intermédiaire : l'impossible-possible, et que ces différents ratés de la représentation investissent les trois types de surface de l'image, que sont la figure, le fond et leur association. Mais, au-delà des mécanismes plastiques, ces images exercent encore une fascination que seul l'imaginaire est à même d'expliquer. Le discours latent d'une construction impossible évoquerait l'inceste et les différents interdits qui peuvent y être rattachés, tandis qu'une forme ambiguë, par son alternative jamais résolue, rappellerait l'ambivalence qui, émanant de ces premiers désirs, vient ensuite investir nos sentiments ultérieurs. Une réhabilitation esthétique des figures impossibles et ambiguës a enfin été entreprise, car ces images utilisent des mécanismes identiques à ceux que Cézanne, Matisse et Magritte ont employés pour opérer leur critique de la représentation. Certaines pratiques contemporaines vont d'ailleurs moins loin, en préférant l'auto-référentialité du propos et la matérialité des moyens à la question fondamentale de toute représentation plastique : l'impossible passage des trois dimensions du réel aux deux dimensions du support.

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Pichon, Michèle. "L'abstraction élémentariste." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010635.

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Abstract:

Étude d'un style pictural abstrait nomme "abstraction élémentariste". Définition du concept d'abstraction élémentariste à partir des travaux de G. Bachelard sur l'imagination matérielle. Analyse de la démarche naturaliste abstraite élémentariste par comparaison avec d'autres formes de naturalisme abstrait. Étude de l'œuvre de quelques peintres classes en fonction de l'élément privilégié par l'imagination (air, eau, terre ou feu). L'abstraction élémentariste envisagée comme langage pictural abstrait. Analyse des caractéristiques et des fondements psychologiques de ce langage. À partir des concepts d'abstraction et d'einfuhlung définis par W. Worringer, étude du rapport de l'homme avec la nature exprime par les différentes formes de langage pictural abstrait. L'espace pictural élémentariste abstrait. Approche historique: l'héritage de l'impressionnisme, de Cézanne, de l'expressionnisme abstrait. Technique de construction de l'espace élémentariste abstrait. Mise en évidence qu'il s'agit d'un espace structure et unifie par la géométrie fractale. Mise en évidence d'une manière de penser la nature et d'une conception du temps exprimées à la fois par la peinture élémentariste abstraite et par la physique contemporaine, en particulier par la théorie du chaos Analysis of the characteristics an psychological foundations of this language. Study of the relationship between man and nature expressed by the various forms of abstract pictural language, stemming from the concepts of abstraction and einfuhlung as defined by W. Worringer. Abstract elementarist pictural space. Historical approach : the legacy of impressionnism, of cezanne, of abstract expressionism. Construction technique of the abstract elementarist space. Demonstrating that it is a space structured and unified by fractal geometry. Showing a conception of nature and a conception of time expressed both by abstract elementarist painting and by contemporary physics, especially by the theory of chaos

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Madurell, François. "L'ensemble Ars nova : une contribution au pluralisme esthétique dans la musique du XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040250.

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Abstract:

La thèse est divisée en trois parties. Le livre I explore les conditions historiques de la naissance et du développement d'Ars nova à l'O. R. T. F. Et évalue le rôle de l'ensemble dans la musique du XXe siècle. Le livre II dégage les principes de l'action et les stratégies d'Ars nova, par l'étude de deux opérations menées sur des terrains différents : le public parisien (espace Cardin) et le milieu rural (en Armagnac). La pratique de l'improvisation collective et l'ouverture aux arts de la scène sont les traits dominants d'une programmation pluraliste. Le livre III démontre la réalité du pluralisme par l'examen des traits stylistiques de 3 œuvres, et met en évidence le scepticisme paradoxal de Marius Constant, sous-jacent au pluralisme esthétique revendiqué par Ars nova. Ce pluralisme réfute toute approche systématique de la musique contemporaine.

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Mancini, Bruno. "Ignazio Silone, romancier militant : étude thématique et esthétique." Nancy 2, 2006. http://docnum.univ-lorraine.fr/prive/NANCY2/doc371/2006NAN21023_1.pdf.

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Abstract:

C'est vers 1930, alors qu'il est expulsé du Pcd'I (dont il a été l'un des fondateurs) et qu'il est malade de phtisie, qu'Ignazio Silone décide d'écrire son premier roman : Fontamara. Il le rédige en Suisse où il est exilé en tant qu'antifasciste, et y raconte, sous forme de témoignage direct, les mésaventures des cafoni, paysans humiliés et opprimés par le fascisme triomphant. Notre travail veut démontrer que le premier roman de l'auteur des Abruzzes n'est autre que la continuation de sa lutte, non plus par des articles politiques, trop incompréhensibles pour les gens qui savent à peine lire, mais à travers un récit qui sait très habilement mélanger les genres, tout en étant écrit dans un style simple et clair. Fontamara est pour nous un exemple très représentatif de roman engagé. Notre étude s'appuie sur une analyse thématique et stylistique et sur une comparaison avec d'autres romans engagés contemporains qui eux, ont connu une vraie fortune littéraire Around 1930, while having been expelled from the Italian Communist Party (of which he was a co-founder) and suffering from consumption, Ignazio Silone decides to write his first novel : Fontamara. Exiled in Switzerland as an Antifascist, he tells of the cafoni's misadventures, presenting like direct testimonies the stories of these humiliated and oppressed peasants, victims of triumphant Fascism. Our work aims to show that the first novel by this author from the Abruzzi is only the continuation of his fight, no more through political articles, too incomprehensible to people who can hardly read, but through an account that skillfully mixes genres, while being written in a simple and clear style. Fontamara is, to us, an example of a truly commited novel. Our study is based on an analysis set of themes and stylistics and in comparison with other contemporary commited novels, which have known a true literary success

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Grenesche, Céline. "La modernité artistique du XXe siècle : critique et argumentation subjective." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010515.

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Abstract:

La réflexion développée au cours de ce travail cherche à interroger la place de l'art dans la société moderne et/ou post-moderne marquée par son pragmatisme. Il s'agit d'identifier ses enjeux au sein d'un environnement qui a su se démarquer d'une tradition culturelle sans pour cela créer une rupture définitive, et de découvrir en quoi la modernité a su proposer des modes de création inédits dans un monde en gestation. La modernité artistique s'est trouvée à la croisée des chemins entre un temps passé qui ne parvenait pas à garder sa stabilité et l'éclosion d'un monde où les avancées technologiques ont indiqué un nouveau sens à cette société. En associant ce phénomène aux changements constitutifs à cette civilisation, nous nous permettons de la penser en terme d'évolution et non plus comme un paysage statique. Cette première distinction réalise une rupture importante de notre système de représentation dont les peintres de la Renaissance avaient déjà perçu la portée significative. La modernité serait alors ce moment où l'être humain a commencé à penser qu'il était lui-même capable et était en possession des moyens lui permettant de raisonner le monde. Devant cette éternelle question, l'art répond par l'habileté et la sensibilité - domaines où le doute et le sujet ne font qu'un. L'expérience artistique pourrait être perçue comme le lieu où la rencontre entre ce sujet et la faculté d'abstraction a lieu dans un accord non pas parfait mais où la dissonance de leur statut fait écho dans notre intérieur. Comment alors reconnaître ce statut ambigu par notre seule raison ? Leur confrontation est l'enjeu de l'esthétique qui doit être à même d'exposer la problématique de l'expérience artistique en réinjectant du sens par son réactualisation.

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Bourlier, Pierre. "Style, temps, architectureOu L'éternel retour de l'enjeu stylistique." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082743.

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Abstract:

« Le style c’est l’époque d’abord » peut-on lire dans le Traité de Léonce Reynaud (1850), citation à laquelle fait écho cette autre déclaration plus tardive de Peter Behrens : « Faire de l'architecture c'est donner corps à l'esprit du temps » (1913). Les deux auteurs architectes partagent cette idée du temps incarné dans l’architecture, produit d’une Zeitwille telle que l’appelle aussi Ludwig Mies van der Rohe. Mais tandis que pour l’un le style est le vecteur de l’expression de la temporalité, pour l’autre, c’est au « faire » qu’il revient de former cet être au temps. Davantage, Behrens appartient à un mouvement générationnel « moderne » qui, précisément, se reconnaît à travers un rejet unanime et international des problèmes stylistiques. Comment expliquer que la question de l’historicité de l’architecture fut abordée une première fois avec le style, puis une seconde fois en radicale opposition à lui ? Plus généralement, en quoi les discours sur le style renseignent-ils sur le rapport de l’architecture au temps ? Cette thèse voudrait apporter quelques éclairages sur ces questions par l’intermédiaire d’une enquête généalogique sur le concept moderne de style “Style is time first” writes Léonce Reynaud in his Traité d’architecture (1850). This quotation is later echoed by this other declaration of Peter Behrens: “making architecture is to give body to the spirit of the time” (1913). Both share this idea of time embodied in architecture conceived as a product of a Zeitwille as Ludwig Mies van der Rohe also calls it. But while the style for one is the vector of the expression of temporality, it is the “making” that is intended to give such a temporal existence for the other. Moreover, Behrens belongs to a “modern” generational movement which, precisely, recognizes itself through a unanimous and international rejection of the stylistic problems. How can we explain that the question of the historicity of architecture was tackled once with the idea of style, then a second time in radical opposition to it? Generally speaking, what does the debate on style tell us about the relationship between architecture and time? This thesis would like to give some answers to these questions with the help of a genealogical investigation on the modern concept of style

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Ribeiro, Paula G. "Lectures scéniques actuelles : esthétiques différentielles du drame lyrique au début du XXe siècle." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081742.

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Abstract:

Dans ce travail on s'est propose d'etudier le psychodrame lyrique, mettant en evidence une puissance creatrice innovatrice, dans un carrefour entre genese et representation. On nomme de psychodrame lyrique l'oeuvre musico-theatral qui parait au debut du vingtieme siecle sous l'influence specifique - au niveau du processus createur comme de la morphologie de l'oeuvre - de la dynamisation des etudes sur les mecanismes de l'inconscient et particulierement des theories psychanalytiques freudiennes, ou l'hysterie et le reve occupent des positions privilegiees. On a rassemble ainsi quatre oeuvres caracterisees par une ascendance commune de l'esthetique et de la technique litteraire, mais qui preservent, chacune d'entre-elles, des parcours dramaturgiques et des conditions structurelles et formelles singulieres. Le champ de recherche se ferme autour des grands psychodrames lyriques du debut du siecle - salome et elektra de richard strauss, pelleas et melisande de debussy et erwartung de schoenberg - paradigmes de l'essor d'un age nouveau. Ces drames distinguent comme sujet central un personnage feminin aliene, auquel l'entourage confere un statut de perturbe, et qui exprime la perte d'autorite de la raison sur le langage et la communication. Son comportement est assez proche de la symptomatologie hysterique, ainsi qu'elle est traitee par charcot et, tres particulierement, par les premieres etudes de freud et breuer sur ce sujet. Nous approfondissons la notion de femme comme allegorie de l'art fin de siecle, concue comme alterite sociale, concept intimement associee a l'inconscientcomme a la transgression, a la pathologie et a la mort (femme fatale). Les problemes concernant la representation proposes par le psychodrame lyrique peuvent etre percus en tant qu'exteriorisation de conflits inherents a l'ego (l'hysterie etant une theatralisation de ce combat interieur), ou s'entrecroisent des instabilites impregnees souvent des pulsions de thanatos, dans le contenu et la forme.

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Quinz, Emanuele. "Esthétiques des paysages sonores." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082226.

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Abstract:

Grâce à la convergence entre les pratiques révolutionnaires des Avant-gardes et les évolutions des technologies de production, de traitement et de diffusion sonore, émerge un nouveau paradigme esthétique, un nouveau modèle d'œuvre musicale : l'environnement sonore. Dépassant le statut de l'objet et du texte, l'environnement se définit comme un champ de relations. Il reconfigure les postures et les rôles de l'auteur et surtout du spectateur, qui se trouve immergé dans un espace sonore, impliqué dans des processus d'actualisation et dans tout un réseau de relations intersubjectives. Les composantes plastiques, la collaboration des dimensions sonore, visuelle, haptique et kinesthésique, les stratifications des codes et la contamination des supports, la complexité des apparats techniques employés donnent lieu à des matérialisations parfois très variées de ce modèle (paysages sonores, installations, environnements réactifs et interactifs, sculptures musicales, Klangkunst, Muzak, œuvres génératives et en réseau). Il est possible aujourd'hui d'en constater la généralisation dans différents domaines de la création artistique et musicale. Au centre de la recherche se trouve l'analyse d'un certain nombre de manifestes (entre autres, l'Art des Bruits de Russolo, le Traité des objets musicaux de Pierre Schaeffer, Le Paysage sonore de R. Murray SChafer et les écrits de Brian Eno, de David Rokeby et de Jaron Lanier) qui ont théorisé le modèle environnemental, en l'opposant directement au modèle traditionnel abstrait de l'œuvre musicale. L'approche, dans la perspective des récentes théories de l'histoire non-linéaire, est plutôt synchronique que diachronique, et analyse différentes théorisations et stratégies esthétiques de l'environnement sonore comme œuvre d'art, du " complexe plastique " futuriste à la Soundscape Composition, de la musique concrète à l'Ambient Music, des installations interactives aux Réalités Virtuelles.

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Vigneron, Denis. "Nouveaux discours, nouveaux regards sur la création artistique en Espagne de la fin du dix-neuvième siècle à 1931." Lille 3, 2006. http://www.theses.fr/2006LIL30016.

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Abstract:

La nouvelle réalité n'a pas besoin de ressembler à la réalité, dit Ramón Gómez de la Serna en 1931 dans Ismos. Dès 1898, des créateurs et des intellectuels recherchent les conditions de cette rupture totale de la mimèsis pour montrer que l'art est un questionnement universel, voire mystique. Ils remettent en question le sens de la beauté conventionnelle. Darío de Regoyos trouve dans la ténébreuse Espagne noire les éléments d'une régénération de l'Espagne. Le peintre et écrivain José Gutiérrez Solana s'inscrit davantage dans une pérennité ethnologiquement espagnole d'une esthétique du sordide. Au regard des tendances artistiques européennes, José Ortega y Gasset, José Díaz Fernández, Ramón Gómez de la Serna réfléchissent aux conditions culturelles de la modernité espagnole. L'étude des artistes réunis dans cette thèse se veut avant tout une réflexion sur l'évolution du discours esthétique et une interrogation sur l'identité espagnole. Elle témoigne de l'aspiration de l'esthétique à la liberté

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Michel, Philippe. "Problèmes de perception formelle dans la musique occidentale du XXe siècle." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081309.

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Abstract:

Les oeuvres novatrices de la musique occidentale de tradition ecrite (M. O. T. E. ) Ont connu, au XXe siècle, de graves difficultés d'accueil, revelant ainsi le probleme d'identite de cette discipline artistique dans la societe occidentale moderne. Ce probleme presente un axe d'explication privilegie a travers la question de la perception formelle. En effet, on remarque que, dans les oeuvres novatrices du XXe siecle, le suivi de la forme temporelle ne se fait plus necessairement par le suivi du destin d'un niveau formel emergeant - l'axe melodico-rythmique - comme c'est le cas dans les oeuvres traditionnelles de la M. O. T. E. La hierarchie synchronique de strates diachroniquement orientees n'est meme plus "la forme a priori" (P. Boulez) de l'oeuvre d'art musicale. Entre temps, l'evolution historique de la notion d'art musical a rendu obsolete ce modele morphologique ancestral. Pourtant, le traditionalisme morphologique du panorama mediatique actuel, autant que celui des circuits d'apprentissage musical, entretiennent sa validite. Ils accusent de la sorte quotidiennement l'ecart entre le cercle restreint des compositeurs contemporains et l'ensemble des individus musicalises par simple immersion culturelle In the XX century, innovative works in western music in the written tradition (W. M. W. T. ) have met with serious difficulties of acceptance, thus revealing the identity problem of this artistic discipline in modern western society. This problem presents a privileged explanatory axis in the question of formal perception. Indeed, it is to be noted that in xx century innovative works, the observation of the development of temporal form no longer goes by the observation of the destiny of an emerging formal level -the melodic and rhythmic axis- as is the case in W. M. W. T. . The synchronic hierarchy of diachronically oriented strata is not even the "forme a priori" (P. Boulez) of the musical work of art any longer. Meanwhile, the historical development of the notion of musical art has made this morphological ancestral model obsolete, although the morphological traditionalism of the present media panorama as well as that of musical training systems keep it valid. They thus day after day lay the emphasis on the gap between the restricted circle of contemporary composers and the crowd of individuals that cultural immersion only has made musically knowledgeable

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Dissertations / Theses on the topic 'Esthétique – 21e siècle'

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