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Dissertations / Theses on the topic 'Esthétique du roman'
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Faerber, Johan. "Esthétique baroque du nouveau roman." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030039.
Full textAbstract:
Loin de se limiter au XVIIe siècle, le Baroque littéraire apparaît comme une notion hétérochronique, régissant notamment le Nouveau Roman (Michel Butor, Claude Ollier, Robert Pinget, Alain Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute, et Claude Simon). A l'opposé de l'image d'écrivains disparates, l'esthétique néo-baroque institue ces romanciers en tant que groupe littéraire à l'identité textuelle homogène, et constitue la possibilité même du néo-romanesque. Les ères diachroniques entrent dans un jeu synchronique de convergence mettant en place une rhétorique de l'altérité et une ontologie du vide à l'instar de la littérature de l'âge baroque. Les sujets déliquescents sont conduits à errer dans un espace figurant un macrocosme théâtral du mouvement. Dans ce monde du trompe-l'oeil, une misologie de la fiction interroge les virtualités du dire. L'écriture tremble sur elle-même dans un geste redoublé élevant sa puissance au carré, et exhibe, comme le paon baroque, une surcharge ostentatoire. L'ère du soupçon serait alors celle d'un retour à l'âge baroque<br>Far from limiting itself to the XVIIth century, the Baroque in literature may be regarded as a heterochronic notion leading the New Novel. Contrary to the image of a fuzzy set gathering diverse writers, the esthetics of the new Baroque enables us to define these novelists as being a literary group with a homogeneous textual identity, and can be considered the very possibility for the New Novel to exist. The diachronic eras gather into a synchronic game which first settles a rhetoric of the otherness and claims an ontology of the nothingness as in the literature of the baroque era. The unravelled characters are compelled to wander in a space which represents the moving macrocosm ruled by a world being a stage. Through these mimetic issues, the trompe-l'oeil reign unfolds a misology of the fiction questionning the virtualities of assertion. Therefore, writing shivers in its core, judges itself in a double gesture that squares its power, and shows off, just as the baroque peacock does, a conspicuous overload. Eventually, the era of suspicion would go back to the baroque age
2
Ntonfo, André. "Le roman indigéniste haïtien : esthétique et idéologie." Bordeaux 3, 1987. http://www.theses.fr/1987BOR30017.
Full textAbstract:
L'etude se veut une approche globale du roman indigeniste haitien depuis ses premieres manifestations jusqu'a l'apogee de l'occupation americaine et au-dela. Apres un apercu sur le sort de l'indigene d'origine africaine en haiti pendant l'esclavage, les jalons historiques qui ont conduit a la naissance du roman indigeniste sont identifies et les premieres oeuvres analysees. La deuxieme partie, consacree au depouillement systematique des romans parus apres 1915, s'attache essentiellement a reveler leurs supports theoriques et ideologiques, a cerner les principaux protagonistes qui s'y meuvent dans un univers culturel bien regle, a degager l'image projetee du pays haitien, notamment de la campagne, en constante deterioration par la faute de la nature et des hommes. Viennent enuite les questions de forme. Et il en ressort que beaucoup de romanciers indigenistes ont succombe a la tentation ethno-sociologique, privilegiant l'ideologie par rapport a l'esthetique, le temoignage par rapport a la fiction. Il en ressort aussi et surtout que l'itineraire des personnages, les structures (close ou ouverte) des oeuvres, les performances linguistiques. . . Sont significatives de la vision du monde paysan chez ces romanciers<br>This is a global approach of the study of the haitian "indigenist" novel from its inception to the peak of the american occupation and beyond. It begins with a survey of the fate of the "indigene" of african descent in haiti during the period of slavery, then proceeds the factors leading to the birth of the "indigenist" novel and to analyse the first novels. The second part is a systematic analysis of the theorical and ideological principles that informed the novels published after 1915; it also looks at the way the protagonists react in their somewhat homogenous cultural environment before showing the image that is projected of rural haiti, constantly deteriorating because of nature and human beings. Finally, the thesis studies the aesthetics of the haitian "indigenist" novel. In this respect, it concludes that the novelists give prominence to ethnosociological information and testimony to the detriment of aesthetics and fiction. It shows mainly that the movement of characters, the structure of the works, the use of language are a reflection of the outlook of the peasants in the novels
3
Boukandou, Annie-Paule. "Esthétique du roman gabonais : réalisme et tradition orale." Nancy 2, 2005. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/NANCY2/doc271/2005NAN21008.pdf.
Full textAbstract:
L'esthétique du roman gabonais est marquée par deux déterminations qui sont le réalisme et la tradition orale. Le réalisme se traduit dans la première partie, par une volonté d'ancrage géographique et culturel. Etudié à partir de la thématique du pouvoir, celui-ci est d'une part, le pouvoir politique, dont on parle dans le roman africain depuis la période des indépendances, et d'autre part, celui de la sorcellerie que l'on retrouve de façon récurrente dans ce roman. De même la réécriture de la tradition orale procède d'une écriture réaliste. Les auteurs peignent la vie au village, avec ses croyances et ses rituels. La question de la tradition orale dans le roman gabonais a conduit la deuxième partie de cette étude. Elément par lequel est déposé la sagesse, elle englobe la littérature orale et toutes les connaissances qui s'y rapportent ; transmises de bouche à oreille, d'un peuple sur son passé. La transposition de la tradition orale dans l'écriture est une réécriture de l'univers oral africain fait de croyances et de pratiques. Il y a d'un côté ce désir de véhiculer la tradition, de l'autre, celui de dénoncer les travers de la société moderne. Dans la troisième partie de notre étude, se signale à travers le lien entre le pouvoir politique et la sorcellerie, une remise en cause des pratiques traditionnelles dans la société moderne. L'écriture servant de moyen pour une critique de la société, certains auteurs, optent pour une dénonciation "masquée", utilisant des modèles d'écriture qui permettent une certaine "sécurité" et ce, à un moment où il n'est pas toujours très aisé de critiquer les agissements du pouvoir politique. D'autres s'emploient à la dénonciation à partir de la description de la réalité. La réhabiblitation de la société passe donc par la sagesse ancestrale, celle de la parole<br>The esthetic nature of the novel of Gabon is marked by two major influences : Realism and Oral tradition. Realism is firstly rooted in the geography and culture of the people. Looked at through the lens of "power" - we first see the influence of "political power" found in African literature since the period of independence in the 1960's, and from another angle that of "witchcraft" a recurrent theme in particular in Gabon novel. The recording of oral traditions is birthed from a place of "realism" with writers describing village life through the beliefs and rituals of the people. The place of "oral tradition" in the novel of Gabon is the second part of this study. "Oral tradition" encompasses all the rich wisdom of a people, transferred from ear to ear, from past generations through the ages. The transposition of "oral tradition" in the literature is a recording of the African oral universe made up of its beliefs and practices. There is from one side the desire to convey the traditions of a people, and from the other side, to expose the shortcoming of modern society. In the third part of this study, there is under-line through the ties between political power and witchcraft, a calling into question of traditional practices in modern society. Literature serves as a tool to analyse society, with some authors opting for a "hidden" denunciation through the use of writing styles, which offer a certain "security", especially during periods where it is not advisable to criticize the actions of political power. Others denounce through the depiction of "truth" or modern reality. The rehabilitation of society needs therefore to pass through the use of words that are forever a part of ancestral wisdom
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Stewart, Daniel. "Le "je"-narrateur : la nouvelle esthétique du roman québécois." Thesis, McGill University, 1992. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=22453.
Full textAbstract:
Since 1960, the first-person narrative form has dominated the Quebec novel. As first-person novels often imitate non-fiction forms (autobiographies, diaries, etc.), it follows that this narrative choice would involve a certain degree of self-revelation. We will see though that this is not the case in the "nouveau roman" of Quebec. In fact, the Quebec narrator employs a number of techniques to distance him or herself from the "I" that is the object of the narrative.<br>In this work, we will attempt to identify some of the main characteristics of this new face of the Quebec novel. We will start with an exploration of two novels from the pre-1960 period: Maria Chapdelaine and Poussiere sur la ville. We will then study the contemporary era through our choice of four of Quebec's most famous novels: Le Libraire, Prochain episode, Kamouraska and L'Hiver de force. We will see that the "nouveau roman" is not as "personal" as its form suggests and that the distance between the narrator and his or her "self" is not only a constant but is also an evolving characteristic of the Quebec novel.<br>This work is therefore a study of the contemporary Quebec novel and its narrative properties, and of the distance that the narrator imposes between his or her present and past self.
5
Luis, Gamallo María. "Émergence d'un nouveau roman en Galice : idéologie, esthétique, imaginaire." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030068.
Full textAbstract:
Cette étude, portant sur l'évolution du roman galicien contemporain (1980-2003), souligne les enjeux et les contradictions qui conditionnent l'écriture en galicien dans un contexte littéraire minoritaire, périphérique et diglossique où la création peut difficilement être dissociée de l'aspect linguistique, social et idéologique voire politique. L'évolution du roman est sans doute soumise aux avatars du nationalisme, conditionné à son tour, par la volonté de créer une littérature nationale galicienne. Dans le monde actuel où l'universalisation de la culture vise à la disparition des frontières littéraires, les littératures dites " mineures " sortent du " ghetto " pour se faire une place dans le système littéraire universel. Et ce sont précisément ces littératures " mineures ", dont la galicienne, qui affirment leurs différences et rivalisent avec l'homogénéisation engendrée par la mondialisation tout en luttant pour la survie de leur identité et leur maintien<br>This study presents the evolution of contemporary novel written in Galician language (1980-2003). It stresses on the stakes and the contradictions which act upon Galician writing in a minority, marginal literary context and a situation of diglossia. The creation can hardly be divided from a linguistic, social, ideological even political aspect. The novel's evolution is probably subject to misadventures of nationalism, conditioned itself by the will of creating a national galician literature. Actually, while the cultural universalization aims at the disappearance of literary borders, " minor " literatures get out of " ghettoes " to take place in the universal literary system. These " minor " literatures, the galician one among others, affirm precisely their differences and struggle for their own survival and preservation against the world-wide homogenization
6
Milet, Guillaume. "George Sand, une esthétique didactique du roman (1840-1848)." Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSE2065.
Full textAbstract:
Dans une période de division du champ littéraire entre défenseurs de l’art pour l’art et partisans de l’art social, George Sand choisit de mettre l’écriture du roman au service du peuple et d’une diffusion des idées progressistes. La quête d’une formule romanesque adéquate au désir d’exercer un magistère spirituel sur ses contemporains conduit George Sand, au cours de la décennie 1840, à soumettre le roman à diverses hybridations et innovations. Cette recherche en écriture invite à la fois à réévaluer le rôle de l’œuvre sandienne dans l’essor du genre romanesque au cours de la première moitié du dix-neuvième siècle et à envisager la romancière comme une théoricienne du roman et de la littérature. La tension entre le discours idéologique et le récit de fiction, respectivement identifiés par les termes « plaidoyer » et « roman », apparaît comme le point névralgique de l’esthétique didactique qu’elle invente au gré de ses expérimentations successives. Entre contrôle de la réception et liberté interprétative, la volonté de délivrer un enseignement engage le renouvellement des positions énonciatives de l’auteur et de sa relation avec les lecteurs, ainsi qu’une réorientation de l’écriture vers un plus grand symbolisme, nommé poésie. De manière solidaire aux choix esthétiques opérés s’élabore progressivement une nouvelle identité auctoriale qui, en dépit des nombreuses résistances opposées aux femmes qui écrivent, conjugue autorité et responsabilité de l’écrivain<br>In a context where the literary field was split between the proponents of art for art’s sake and the supporters of social art, George Sand chose to put the writing of novels at the service of the people and to use it to promote progressist ideas.Throughout the 1840s, the quest for novel format that would be in adequation with her desire to perform a spiritual magisterium on her contemporary led George Sand to subject the novel to different hybridisations and innovations. This research on writing, invites one to both reassess the role that George Sand’s oeuvre had on the rise of the novel as a genre during the first half of the nineteenth century, but also to consider the novelist as a theorist on the novel and on literature. The tension between ideological discourse and fiction narrative, respectively termed “plaidoyer” and “roman”, appears as the nerve centre of the didactic aesthetic that she invents throughout her successive experimentations. Between a control of the reception and interpretative liberties, the wish to impart a teaching involves a renewal of the enunciative posture of the author and of her relation to her readers, as well as a reorientation of the writing towards more symbolism, or poetry. In conjunction with the aesthetic choices made, a new authorial identity is gradually developed, which, despite the strong opposition to women who write, combines authority with writer’s responsibility
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Pelletier, Sophie. "Le roman du bijou fin-de-siècle : esthétique et société." Thèse, Paris 8, 2011. http://hdl.handle.net/1866/6199.
Full textAbstract:
Cette thèse s’intéresse au rôle et à la représentation des bijoux dans les textes narratifs français des trois dernières décennies du XIXe siècle. Non seulement ils abondent dans les œuvres en prose de l’époque, les pierres et métaux précieux en investissent à la fois l’intrigue, le lexique et la poétique. Qui plus est, ils constituent aussi des objets fortement connotés animant les récits de leurs propres significations esthétiques, sociales, économiques et politiques. Les études de texte ici présentées amènent par surcroît à constater qu’à travers les joyaux, des sujets ou des interrogations essentiels au discours du temps surgissent, se problématisent, s’amalgament et se métamorphosent. Suivant une approche sociocritique, qui conjugue l’analyse textuelle à l’examen de données socio-historiques, cette étude du bijou dans le roman fin-de-siècle démontre qu’en tant que signe polysémique, il cristallise les implications littéraires, esthétiques et sociales du texte et constitue un objet privilégié pour mettre en communication les auteurs avec leur société.
Plus précisément, le bijou dans la littérature fin-de-siècle condense des rapports de force de l’époque : emblème des séculaires lignées aristocratiques de jadis, il constitue dans un monde désormais bourgeois un objet qui se vend, se démocratise et se copie; signe de l’asservissement du corps féminin à une autorité masculine, il peut aussi devenir l’arme terrible d’héroïnes conquérantes et affranchies; matière prisée des rêveurs et des artisans, il permet au texte fin-de-siècle de se positionner par rapport à l’hégémonie zolienne et aux autres pratiques artistiques du temps. Chacune des trois grandes parties de la thèse (l’objet, le corps, la matière) explore l’une de ces luttes de pouvoir, et est divisée en deux chapitres présentant tour à tour des points de vue qui se complètent ou qui s’affrontent.
Cette thèse invite au final à isoler certains aspects de la gemme (la rareté, la dualité nature / culture, etc.) qui en font une métaphore de prédilection pour les auteurs de l’époque. Du nombre, sa résistance, toujours mise en tension avec l’inexorable travail de la durée, permet de mieux cerner l’esthétique fin-de-siècle et son rapport équivoque, conflictuel, au monde et au temps qui passe.<br>This thesis investigates the function and representation of jewels in French narratives from the last three decades of the nineteenth century. Not only is this prose rich in gems and precious metals; its plot, vocabulary, and aesthetic are endowed with these luxurious substances and with their properties. In addition jewels represent objects of strong connotations, and thus they charge the narratives with their own aesthetic, social, economical or political meanings. Above all, the analyses of texts presented here reveal that through jewels, interrogations that are central in the social discourse of the time are raised, problematized, intertwined or transfigured. In accordance with a sociocriticism that takes into consideration socio-historical issues in its approach to literary text this study of the jewel in the fin-de-siècle novel shows that, being strong and complex signs, jewels condense the literary, aesthetic and social implications of the text, and constitute privileged objects prone to mediate authors with their society.
More precisely, jewels in fin-de-siècle literature summarize tensions of the time: emblems of the secular aristocratic lineages of long ago, in a newly bourgeois world they are more accessible, common objects which can be sold and copied; albeit signs of the submission of the feminine body to a masculine authority they can also become a terrible weapon for freed and conquering female heroes; they embody a substance cherished by dreamers and craftsmen through which the fin-de-siècle text positions itself with regards to Zola’s hegemony and to other artistic practices of the time. Each of the three sections of the thesis (l’objet, le corps, la matière) explores one of these power struggles and is divided into two chapters presenting successively completing or competing points of view.
This thesis ultimately leads to the identification of various aspects (rarity, duality nature / culture, etc.) by which gems become a favourite metaphor for authors of the end of the nineteenth century. Among these attributes, precious stones’ resistance – always in tension with the inexorable work of duration – leads to a better comprehension of the fin-de-siècle aesthetic and its equivocal, conflicting relations with the world and with time as it flies by.
8
Sauvage, Julie. "Esthétiques du "roman-théâtre" chez Angela Carter." Bordeaux 3, 2006. http://www.theses.fr/2006BOR30065.
Full textAbstract:
Ce travail étudie les esthétiques de la théâtralité dans les romans d’Angela Carter à partir du « roman-théâtre » défini par Anny Sadrin. Le roman cartérien se caractérise par son oscillation entre deux grands modèles esthétiques théoriques du théâtre, présence et représentation, définis par la place du spectateur. La première partie examine la notion picturale de tableau, empruntée par le roman sous la forme de l’ekphrasis, et par le théâtre avec le tableau vivant. La coexistence problématique des arts du temps et de l’espace dans le roman assure le passage de la nature morte au tableau vivant : dans le récit, l’image manifeste un corps animé et maintient la lecture en tension entre distance et proximité. La seconde partie étudie la conception théâtrale du corps chez Carter, qui puise paradoxalement aux racines sacrificielles de cet art pour permettre au sujet d’y trouver un espace de liberté. Matériel, mortel, mais relevant du langage, le corps permet au sujet de se produire en jouant des signes, ce qui implique une vision anti-essentialiste du genre (gender). Elle repose sur un rejet de l’assimilation du féminin au corps matériel, motivant une critique du carnavalesque bakhtinien. L’étude du corps représenté dans les romans permet d’examiner, dans la troisième partie, comment le corps devient un mode de relation avec le lecteur, sous l’espèce du simulacre. Simulacres de présences corporelles, les voix elles-mêmes simulées par le texte maintiennent le lecteur en équilibre instable entre présence et absence. Critiquant les théories féministes de la voix, le « roman-théâtre » cartérien appelle pourtant une mise en voix où le lecteur se produit tel un acteur<br>This study of the aesthetics of theatricality in Angela Carter’s novels takes Anny Sadrin’s definition of the ‘theatrical’ novel as a starting-point. Resorting to this dramatic sub-genre of the novel, in which the text is performed on the reader’s ‘inner scene’, Carter maintains a tension between the main aesthetic theoretical models of presence and representation. The first part analyses the notion of tableau, borrowed from painting by both the novel and the theater, as well as the relationship between narrative and image that it creates within the novel. Carter overcomes the opposition of spatial to temporal arts by imparting the specific rhythm of images to the narrative, presenting them as manifestations of a living body and turning still lives into tableaux. The second part examines Carter’s conception of the body as represented in her novels and shows that its paradoxical theatricality rests on the main metaphors of petrification and cannibalism. The author goes back to the roots of the theater as a ritual sacrifice to define a space for the recreation of a free subject. Undeniably mortal and material, but belonging to the realm of language and discourse, the body provides the basis for the reinvention of a performing subject playing with signs to produce his/her identity – a view at odds with the assimilation of the feminine to the material that seems to underly the Bakhtinian notion of the carnivalesque. This finally allows to examine how Carter turns reading itself into a bodily process, presenting her ‘dramatic novels’ as simulacra of voices. Her texts literally call for a performing reader, thus made to produce his/her identity through reading, like an actor
9
Beauvallet, Florian. "L'art du roman d'Adam Thirlwell : vers une esthétique de la désinvolture ?" Thesis, Normandie, 2019. http://www.theses.fr/2019NORMR093.
Full textAbstract:
Forme impure et irrévérente dans l’œuvre du romancier Adam Thirlwell, le roman manifeste des affinités avec l’attitude désinvolte. Chez Thirlwell, la désinvolture semble être une modalité spécifique de l’esprit du roman européen tel que Kundera le définit : un roman à la croisée des registres et des tonalités, capable de dévoiler des territoires existentiels délaissés, ou inconnus. Cette thèse interroge la valeur esthétique de la désinvolture chez Thirlwell, à la fois mode de représentation et mode de connaissance. En tant que pensée de l’écart et du désengagement, la désinvolture se manifeste à travers l’invention et le recyclage de catégories littéraires, visant à rendre compte du rapport au monde oxymorique que l’homme moderne entretient avec le monde – monde où les contraires se jouxtent et se confondent, la gravité se muant en légèreté, le tragique en comique. On propose ainsi d’étudier dans quelles mesures la désinvolture influence une qualité de vision où la réalité assume ses qualités contradictoires et ironiques, laissant envisager les contours de ce que l’on propose de nommer le « réalisme co(s)mique »<br>Viewed as an impure and irreverent genre in the work of writer Adam Thirlwell, the novel displays a number of affinities with flippancy. The latter seems to highlight a modality specific to the European novel as defined by Kundera: a novel at the crossroads of registers and tonalities, able to uncover discarded or new existential territories. This thesis explores the aesthetic significance of flippancy in Thirlwell’s fiction and theory, where it is used both as a mode of representation and a mode of investigating reality. As a way of thinking through difference and disengagement, flippancy operates by defining or recycling literary categories in order to probe man’s oxymoronic experience of the modern world — a world in which contrary notions coexist and mingle, in which gravity can turn into levity, tragedy into comedy. As a result, this dissertation puts forward the idea that flippancy shapes a quality of vision through which the nature of reality manifests itself in all its contradictions and ironies, thus shaping the outlines of what we tentatively call “co(s)mic realism”
10
Leung, Joyce M. C. "Esthétique de la canneraie dans le roman des Antilles et des Mascareignes." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp02/NQ41561.pdf.
Full text
11
Goulou, Patrick Gabin. "L' esthétique de la suspension." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30026.
Full textAbstract:
La suspension se veut comme un écart, une prise de distance de Samuel Beckettvis à vis des accents et procédés stylistiques hérités des romans réalistes. L’esthétique de la suspension retravaille et déplace les normes, les frontières génériques du langage. Plus, le Nobel de Littérature 1969 pointe de façon singulière et magistrale la question de l’échec des mots. Avec Beckett, le langage qui était pressenti comme vecteur de la communication devient soudainement inaudible, c’est-à-dire que sa fonction de signification se trouve suspendue,mettant en doute la valeur cognitive des mots, leur cohérence et leur cohésion. Tous ces éléments de signification se trouvent violemment écartés du discours. Parfois la phrase est longue, inachevée, faite de subordonnées sans principale. Le personnage n’est plus facilement repérable. Loquace, il atteint cependant une extraordinaire complexité au fur et à mesure qu’on tente de le cerner. S’il doit parler, il ne parle plus que d’une voix neutre, blanche. A travers ces éléments qui touchent à la nature de la narration, c’est le roman qui se délite et se clôt sur lui-même. La narration qui sourd dans les récits n’est plus que bourdonnement, murmure. La suspension se conçoit donc comme une césure épistémologique, une rupture syntaxique qui témoigne d’une révolution du langage, voire d’un basculement du sens. Le projet beckettien est à ce titre porteur d’émancipation du sujet. Son avènement passe par le dépassement et la mise à mort des sphères du savoir. L’écriture moderne de Beckett fait le constat de l’échec, du vacillement des grands récits de légitimation de la vérité et du sacré<br>Suspension is meant as subversion, aloofness of Samuel Beckett vis à vis stylistic techniques inherited from the realistic novels. The aesthetics of suspension revises and changes norms, generic meanings of language. Moreover, the 1969 Nobel Prize for literature addresses in a singular and masterful way the question of the failure of words. With Beckett, language which was viewed as vector of communication becomes suddenly inaudible, that is its function of meaning is suspended, thus questioning the cognitive value of words, their coherence and their cohesion. All these elements of meaning are abruptly dismissed from the standard language. The sentence is sometimes long, unfinished, made from subordinates without a main clause. The character is not easily discernible any more. Voluble, he/she, however, becomes an extraordinary complexity as one tries to understand her/him. If she/he has to speak, it is with a neutral and toneless voice. Through these elements which affect the narrative mode, the novel disintegrates, closes on itself. Soundless in narratives, narration has simply become humming, murmur. The suspension is to be seen as an epistemological infringement, a syntactic break which testifies a subversion of language, even a shift of meaning. The Beckettian project brings emancipation to the character. Its advent goes through the overtaking and the killing of the spheres of knowledge. Beckett’s modern style highlights the defeat and the wavering of great narratives about the legitimisation of truth and the sacred
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Danielou-Stemmer, Valérie. "Simone de Beauvoir : roman et autobiographie : un diptyque? : pour une esthétique de l'ambiguité." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20032.
Full textAbstract:
Cette étude de l'oeuvre de Simone de Beauvoir analyse les récurrences entre le volet autobiographique et le volet romanesque de celle-ci. Elle s'attache d'abord à les définir, et à les inscrire dans un cadre esthétique précis. Tournant définitivement le dos aux lectures biographiques des romans de Beauvoir, cette analyse permet en effet de prendre en compte la parenté évidente qui unit les textes de fiction et les textes autobiographiques de Simone de Beauvoir, pour montrer que le système des récurrences est constitutif de son oeuvre, et qu'il est le fondement d'une esthétique, que nous nous sommes attachée à définir. En observant les différents types de récurrences observées, en en développant des analyses détaillées, nous avons mis en évidence l'importance de l'expérience individuelle dans cette esthétique, postulant à la fois la nécessité de donner un sens à cette expérience et l'impossibilité d'arrêter un sens définitif. Nous avons donc montré les liens entre les récurrences et le concept d'ambiguité, concept fondamental de cette esthétique que nous avons défini. Nous avons ensuite montré que les récurrences structuraient l'oeuvre selon un principe, non de dualité mais de stratification, pour en mesurer les implications dans la conception du sujet, du temps et de l'Histoire<br>This study focuses on the recurring themes of the autobiographical and novelistic aspects in the works of Simone de Beauvoir. It first aimas at giving a definition of these two aspects and then at fitting them in a precise aesthetic scope. Overlooking an autobiographical reading of Beauvoir's novels, this analysis attempts to account for the evident link that binds her fictional work to her autobiographical papers ; our aim is to demonstrate that this systme of recurring themes is constituent to her work and is fundamental to the concept of her aesthetic highlighted in this essay. Observing these different types of recurring themes and developing various detailed analyses led us to demonstrate the importance of individual experience in this aesthetic, showing at the same time the necessity of giving a meaning to this experience without being able to define it in a concise way. Thus we have shown the link that binds recurring themes and the concept of ambiguity, which is the basis of the aesthetic we have described. Then we have demonstrated that those recurring themes framed Beauvoir's work not according to an assumption of duality but one of stratification, to finally assess their implications in the conceptions of characters, time and History
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Larroux, Guy. "Le mot de la fin ou la cloture romanesque en question." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030038.
Full textAbstract:
Cette etude est concue comme un essai de poetique locale applique au mot de la fin, qui designe ici la conclusion du roman. L'etude entend prendre ses distances vis-a-vis d'un certain concept de cloture. L'objet est constitue par le roman francais du xixeme siecle et de la premiere moitie du xxeme siecle. La premiere partie consiste en une approche de la conclusion romanesque au plan demarcatif-configuratif ainsi qu'au plan des techniques de la cloture. On y pose la distinction cloture clausule. La seconde partie propose une rhetorique des fins fondee sur quelques oppositions comme : clausule accentuee vs clausule inaccentuee, clausule ouvrante vs clausule fermante. On y degage, a propos de zola, un modele de cloture realiste-naturaliste. On y aborde aussi, dans une perspective narratologique, des questions de temps. La troisieme partie s'attache aux significations de la fin : dans le cadre de la semiotique narrative d'a. J. Greimas, puis dans le cadre d'une rhetorique de la lecture (la fin pour le lecteur). Le dernier chapitre est consacre au discours postfaciel et a ses enjeux<br>This study is concieved as an essay of local poetics applied to narrative endings. It has also been concieved so as to question a certain concept of closure. We chiefly refer to the french novel of the xix th. Century and of the first part of the xx th. With special attention to realistic fiction. First part consists in approaches to the end on the demarcative level (a textual space of the end with its external and internal limits). It also describes the techniques of closure and discusses the difference between "cloture" and "clausule". Second part is a rhetoric approach to the problem. We investigate into different oppositions such as open ends vs closed ends, emphasized ends vs unemphasized ends. A model of realistic closure is proposed with special reference to zola. Questions of time are also examined in relation with the end and from a narratological point of view. Third part is devoted to the meanings of the end : within narrative semiotics and greimas's theory, then in relation with the reader and the act of reading. The last chapter concentrates on the specific question of postfaces
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Richard, Philippe. "L’écriture de l’abandon : esthétique carmélitaine de l’œuvre romanesque de Georges Bernanos." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040116.
Full textAbstract:
Intrinsèquement polyphonique, l’œuvre romanesque de Bernanos s’enracine dans la relecture d’un vaste corpus carmélitain et transfigure une intuition mystique venue de l’expérience pour créer une poétique de l’abandon capable de comprendre et d’apaiser les inquiétudes métaphysiques de son siècle. L’enjeu n’est rien moins que la réinvention simultanée d’une rhétorique incarnée et d’un rapport au monde engagé, lorsque naît une esthétique théologique fondée sur une éthique de la douceur. Réécrire la nuit obscure ou figurer l’élévation spirituelle sont dès lors deux entreprises référentielles qui ne se séparent pas de la volonté de créer une langue romanesque singulière, humble et sublime à la fois, et de figurer ce climat d’abandon de Dieu et d’abandon à Dieu qui représente la problématique majeure de l’écriture bernanosienne. Le présent travail se propose ainsi d’observer la « dramatique » qui soutient l’inspiration romanesque et lui donne tout son souffle narratif<br>Intrinsically polyphonic, Bernanos’ novels seem to be established in a Carmelite world and develop a mystic intuition, from the experience to the creation of a writing of the abandonment. The novelist wishes to understand and calm the metaphysical questions of his century. The purpose is to create an embodied rhetoric and its relationship to the world. A theological aesthetics is also established on an ethics of the sweetness. To rewrite the dark night or to represent the spiritual rise : it is a question of creating a singular, humble and sublime language who represents the idea of abandonment of God and abandonment to God
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Soukehal, Rabah. "Le roman algérien de langue française (1950-1990) : approche de son évolution thématico-esthétique." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20025.
Full textAbstract:
Depuis 1950, le roman algérien de langue française ne cesse d'évoluer en tant que genre littéraire ; son évolution fait corps avec les métamorphoses que subit le pays dans tous les domaines : politique, religieux, ethnique, social, économique, éducatif, etc. ; elle fait également corps avec l'évolution de l'écrivain ainsi que sa vision du monde. A travers notre double approche, nous découvrirons avec bonheur la richesse thématique qui nous révèle le travail minutieux de l'écrivain - témoin de son temps -, et l'esthétique où se révèle l'écrivain esthète constamment à la recherche de nouvelles formes et de nouveaux concepts romanesques<br>It is since 1950 that the Algerian novel in French, as a literary genre, is in evolution, due to the metamorphosis through which the country is going in political, religious, ethnical, social, economic, educational and other ways. This evolution is linked to the changements of the writer's vision of the world as well. Through this double approach first one discovers the richness of subjects that shows the writer's work on details. Secondly one comes to know about the novelist's aesthetic work, a constant search of new concepts in the writing of novels
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Atangana, Essomba Sylvain. "Esthétique romanesque de René Philombe. Essai d’analyse littéraire." Thesis, Paris Est, 2012. http://www.theses.fr/2012PEST0002/document.
Full textAbstract:
L’esthétique romanesque de René Philombe, objet de notre recherche, à travers sestrois oeuvres postcoloniales : Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, et Bedi-Ngula,l’ancien maquisard, passe par les aspects environnemental, morphosyntaxique, lexicologique,stylistique qui constituent son contexte culturel camerounais et africain subsaharien. Il s’agitlà de la première partie de notre travail qui nous a conduit à l’analyse des fondements deladite esthétique dont les poétiques du genre, de l’énoncé et le style du romancier occupentune place importante. En troisième lieu, nous nous sommes penché sur le corpus en contexteou encore la représentativité de l’esthétique romanesque de René Philombe où la politique /éthique ressort comme principal message, non seulement pour l’Afrique mais également pourle monde<br>The romantic aesthetics of René Philombe, subject of our research, through his threepost-colonialist works: Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, and Bedi-Ngula, l’ancienmaquisard, is expressed by the environmental, morphosyntactical, lexicological and stylisticalaspects which form his cultural context from Cameroon and subsaharan Africa. That is thefirst part of our study leading us to the analysis of the aesthetics basis in which the poeticaltype, the expression and the style of the novelist take an important place. In the third part ,wehave been concerned by the contextual corpus or, moreover, the representation of RenéPhilombe’s romantic aesthetics in which the politics / ethics appear as the main message, notonly for Africa but also for the whole word
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Kovacshazy, de Rigyicza Cécile. "Un simple dédoublement : le double dans le roman du XXe siècle." Lille 3, 2006. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-8124-4036-6.
Full textAbstract:
Au XIXe siècle, irradiant d'Allemagne (E. T. A. Hoffmann) vers tout l'Occident, le double connut une fortune telle qu'il atteignit le statut de cliché littéraire. Au XXe siècle, le double est toujours vivace mais de façon radicalement différente : de romantique fantastique qu'il était jadis, il vise à développer une discursivité réaliste. Ce questionnement sur l'identité engendre de nouvelles formes de récits : la nouvelle romantique laisse place à de longs textes sans fermeture où le discursif l'emporte sur le narratif. Ce qui, pour cette étude, pourrait sembler au départ un simple thème devient une poétique du double. Et si la critique littéraire s'est jusqu'à présent largement consacrée au double dans la littérature romantique, il n'existait pas encore de perspective synthétique sur le dédoublement littéraire au XXe siècle, pourtant essentiellement différent. L'étude comence par poser les caractéristiques du double romantique et montrer la brèche qu'ouvrent Dostoïevski et Stevenson, pour ensuite développer les différentes façons par lesquelles la figure vise à être mise à mort à la fin du romantisme : par un discours rationalisant chez Freud, par une parodie de la tradition chez Nabokov, par une absence revendiquée du motif chez Aragon. Cette diversité des réponses intertextuelles permet de proposer une typologie du dédoublement, fondée sur les quatre grands mythes gréco-romains du double : Castor et Pollux, Sosie, Tirésias et Narcisse. La dernière partie de l'étude montre les spécificités narratologiques de la figure du double moderne : une inflexion vers une intériorisation de la duplication ainsi qu'une esthétique du décentrement soutenue par un personnage incognito et une narration lyrique. En conclusion, je souligne la teneur narcissique (sans connotation péjorative) du double au XXe siècle : Narcisse évince Echo. L'étude s'achève par une proposition de glossaire du double<br>In the 19thC, starting with Germany (E. T. A. Hoffmann) before spreading throughout the West, the double was so common as to attain of a literary cliché. In the 20thC, the double was still a lively figure, but in a radically different way : from its erstwhile rooting in the Fantastic of Romanticism, it took on a realist discursivity. The questions is posed regarding identity engendered new forms of narrative : the romantic short story gave way to long, openended texts in which narrative was displaced by the discursive. From the point of view of the present study, what could first appear to be no more than a theme becomes a poetics of the double. And while literary criticism has, to date, made much of the Romantic double, there has been no attempt to offer a synthetic vision of doubling in twentieth century literature, despite the fact that it is very different. Our study begins by laying down the characteristics of the romantic double, and making manifest the rupture opened up by Dostoevsky and Stevenson, before going on to develop the different attempts which were made to lay the figure to rest at the end of the romantic period : through a rationalist discourse with Freud, through a parody of the tradition with Nabokov, or through a declared absence of the motif in the work of Aragon. This diversity of intertextual responses makes it possible to offer a typology of doubling, based upon the four great Graeco-Roman myths of the double : Castor and Pollux, Sosia, Tiresias, and Narcissus. The last part of our study makes clear the narratological specificities of the figure of the modern double : a movement towards an internationalisation of the duplication, coupled with a decentring aesthetic underpinned by an incognito character and a lyrical narration. In conclusion, I underline - without intending any value judgement - the narcissistic content of the twentieth century double : Narcissus ousts Echo. The study terminates with the proposition of a glossary of the double
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Yu, Ki-Hwan. "Deux romans ouvriers : Germinal, Le Crépuscule, dimension socio-politique d'une esthétique." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081347.
Full textAbstract:
Cette recherche se propose d'eclairer la maniere dont les auteurs construisent leur recit, quand il s'agit d'illustrer leurs theses socio-politiques concernant la question ouvriere. Elle le fait en trois temps : d'abord, en etudiant la structuration romanesque de l'opposition sociale ; ensuite, celle de l'apprentissage ideologique, motive par l'opposition sociale ; enfin, celle de l'espoir de la classe ouvriere que l'apprentissage ideologique a fait naitre. La premiere partie, qui traite de trois instances du roman (le +personnage;, le +temps; et l'+espace;), montrera que l'antagonisme domine de maniere totale la vie des etres humains dans une societe capitaliste : nous attacherons de l'importance surtout a l'opposition discursive et a l'ordre temporel des episodes. La deuxieme partie est consacree a l'etude de la structure d'apprentissage: nous nous efforcerons de prouver que le noyau de la signification des romans ouvriers repose sur l'apprentissage. La troisieme partie cherche a expliquer a quel point les romans ouvriers mettent l'accent sur la volonte de lutte et sur le resultat optimiste de cette lutte : si nous inserons +une esthetique de l'espoir; dans +une esthetique de la lutte;, c'est que cet espoir ne se donne que par la lutte. A travers ce travail, nous tenterons de montrer que, si pertinentes que soient les questions posees par un texte litteraire, une schematisation excessive soumise au principe d'utilite aboutit finalement a la negation de la litterature. D'ou l'etablissement de cette conclusion en forme d'hypothese : plus un roman ouvrier manifeste de qualites artistiques, plus ses theses socio-politiques sont convaincantes<br>This study examines how the authors, by applying their own socio-political beliefs to the working-class struggles they write about, give form to their novels. The study is composed of three parts: first, an examination of the novels' presentation of social opposition; next, an examination of how ideological indoctrination - motivated by social opposition - is presented, and finally a focus on the working-class hopes born of this ideological teaching. The first part, which treats three of the novels' bases (+character;, +time; and +space;) will show that antagonism completely dominates humans trapped in a capitalistic society: we will emphasize discursive opposition and the temporal order of the episodes. The second part is devoted to the study of the indoctrination model: we will attempt to prove that the crux of these novels of the working class is this teaching of ideology. The third part attempts to explain just how much novels of the working class emphasize the desire to fight and the optimistic belief in a positive result of that fight: if we speak of an "aesthetic of hope" in an "aesthetic of struggle", it is because this hope comes solely from the fight. Throughout this study we will attempt to show that however pertinent the questions asked by a literary work may be, an excessive schematization for its utility will result, ultimately, in a negation of that literary work. From this reasoning we arrive at the following conclusion, posed as a hypothesis: the more a novel of the working class employs artistic qualities, the more its socio-political theses succeed in being convincing
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Atangana, Essomba Sylvain. "Esthétique romanesque de René Philombe. Essai d'analyse littéraire." Phd thesis, Université Paris-Est, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00804851.
Full textAbstract:
L'esthétique romanesque de René Philombe, objet de notre recherche, à travers sestrois oeuvres postcoloniales : Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, et Bedi-Ngula,l'ancien maquisard, passe par les aspects environnemental, morphosyntaxique, lexicologique,stylistique qui constituent son contexte culturel camerounais et africain subsaharien. Il s'agitlà de la première partie de notre travail qui nous a conduit à l'analyse des fondements deladite esthétique dont les poétiques du genre, de l'énoncé et le style du romancier occupentune place importante. En troisième lieu, nous nous sommes penché sur le corpus en contexteou encore la représentativité de l'esthétique romanesque de René Philombe où la politique /éthique ressort comme principal message, non seulement pour l'Afrique mais également pourle monde.
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Mancini, Bruno. "Ignazio Silone, romancier militant : étude thématique et esthétique." Nancy 2, 2006. http://docnum.univ-lorraine.fr/prive/NANCY2/doc371/2006NAN21023_1.pdf.
Full textAbstract:
C'est vers 1930, alors qu'il est expulsé du Pcd'I (dont il a été l'un des fondateurs) et qu'il est malade de phtisie, qu'Ignazio Silone décide d'écrire son premier roman : Fontamara. Il le rédige en Suisse où il est exilé en tant qu'antifasciste, et y raconte, sous forme de témoignage direct, les mésaventures des cafoni, paysans humiliés et opprimés par le fascisme triomphant. Notre travail veut démontrer que le premier roman de l'auteur des Abruzzes n'est autre que la continuation de sa lutte, non plus par des articles politiques, trop incompréhensibles pour les gens qui savent à peine lire, mais à travers un récit qui sait très habilement mélanger les genres, tout en étant écrit dans un style simple et clair. Fontamara est pour nous un exemple très représentatif de roman engagé. Notre étude s'appuie sur une analyse thématique et stylistique et sur une comparaison avec d'autres romans engagés contemporains qui eux, ont connu une vraie fortune littéraire<br>Around 1930, while having been expelled from the Italian Communist Party (of which he was a co-founder) and suffering from consumption, Ignazio Silone decides to write his first novel : Fontamara. Exiled in Switzerland as an Antifascist, he tells of the cafoni's misadventures, presenting like direct testimonies the stories of these humiliated and oppressed peasants, victims of triumphant Fascism. Our work aims to show that the first novel by this author from the Abruzzi is only the continuation of his fight, no more through political articles, too incomprehensible to people who can hardly read, but through an account that skillfully mixes genres, while being written in a simple and clear style. Fontamara is, to us, an example of a truly commited novel. Our study is based on an analysis set of themes and stylistics and in comparison with other contemporary commited novels, which have known a true literary success
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Malherbe, Olivier. "L'homme face à ses œuvres: création et créativité dans la pensée de Roman Ingarden." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2017. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/249209.
Full textAbstract:
L'homme face à ses œuvres: création et créativité dans la pensée de Roman Ingarden (Résumé de thèse)J’ai consacré ma thèse de doctorat à la question de la création et de la créativité chez Ingarden. L’impulsion fondamentale qui a animé mon travail était que ces deux notions, abordées uniquement de manière très brèves par Ingarden, permettaient, lorsqu’on retraçait le champ conceptuel dans lequel Ingarden les plongeait, de donner une lecture de la philosophie d’Ingarden qui démontre sa profonde unité. En effet, la question de la création mobilise la plupart des champs de la philosophie ingardénienne :ontologie, axiologie, anthropologie et, selon le type de création envisagée, esthétique ou éthique. J’étais arrivé à cette conviction en prenant au sérieux la proposition d’Ingarden, émise au soir de sa vie (1969), qu’il fallait faire de la rencontre créatrice, de la communion entre l’artiste (ou le spectateur) et l’œuvre d’art le cœur de toute esthétique. Et, précisait encore Ingarden, reconnaître le rôle capital des valeurs esthétiques dans cette expérience. J’ai dès lors été conduit à analyser en détail les deux pôles de cette rencontre créative :l’œuvre d’art et le sujet humain, qui m’ont tous deux ramenés à la question des valeurs. L’œuvre d’art se donne en effet dans une expérience émotionnelle particulière, qui se joue autour de la constitution d’un objet esthétique par le spectateur, constitution qui n’est pas maîtrisée par la conscience mais s’opère dans un rapport presque érotique, dans désir puissant d’entrer en contact intuitif avec les valeurs esthétiques de l’œuvre. J’ai ensuite longuement développé l’anthropologie ingardénienne jusqu’à en cristalliser le cœur :l’idée que l’homme se forge en tant que personne responsable par la réalisation de valeurs, de toutes sortes de valeurs (éthiques, esthétiques, scientifiques, etc.), qui donnent sens et importance à sa vie. J’ai alors pu proposer l’idée que cette « rencontre créatrice », qu’Ingarden plaçait au cœur de son esthétique, devait être comprise comme un concept plus vaste, qui, correctement modalisée, pouvait rendre compte de la plupart nos expériences axiologiques, aussi bien esthétiques qu’éthiques, scientifiques que simplement pratiques. Ceci m’a alors permis d’opérer le lien avec la philosophie de la culture d’Ingarden que celui-ci ébauche dans quelques textes très brefs, presque poétiques, et dotés d’une grande force évocatrice. En effet, si Ingarden refuse fermement l’idéalisme de Husserl, qu’il interprète comme la conviction que le monde réel est créé par la conscience, il est par contre pleinement conscient de l’importance des transformations opérées par l’homme sur son environnement et, surtout, de la surimposition sur cet environnement d’un monde nouveau, purement intentionnel :notre monde culturel, parcouru de multiples systèmes de valeurs. La fragilité de ce monde – qui ne peut survivre sans notre secours et notre attention constante –, tout autant que sa richesse – car lui seul nous permet de nous épanouir en tant qu’humains – signe alors tout le paradoxe tragique autant que grandiose de la condition humaine :ce qui, pour nous, importe le plus est ce qui est le plus fragile ;mais c’est justement grâce à cette fragilité que nous pouvons le modeler et dépasser radicalement avec lui le monde naturel.<br>Doctorat en Philosophie<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Costa, Georges da. "Éthique et esthétique de l'ironie chez José Rodrigues Miguéis." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00721155.
Full textAbstract:
José Rodrigues Miguéis [1901-1980] quitte le Portugal en 1935 et, malgré quelques tentatives de retour, il passera la plus grande partie de sa vie aux États-Unis. Cet exil, en grande partie dû à ses activités politiques contre le régime salazariste, va marquer profondément son œuvre fictionnelle. En effet, si, d'un côté, les préoccupations éthiques du militant imprègnent fortement des récits qui obéissent souvent à une stratégie littéraire globale à visée pédagogique où l'ironie classique et satirique est un instrument privilégié, de l'autre, l'écrivain fait régulièrement preuve d'une attitude critique envers soi et envers le réel et met régulièrement en scène ses doutes et ses questionnements à travers une autre ironie, romantique et moderne, qui se traduit par l'utilisation de techniques littéraires signalant un rapport réflexif à la création. Le paradoxe constitutif de toute ironie - dire simultanément l'adhésion et la mise à distance - est ainsi exacerbé par la présence de ces deux ironies contradictoires, souvent dans la même œuvre. L'objectif de ce travail est de montrer que la particularité de la fiction migueisienne réside dans cette cohabitation doublement ironique : une fiction vue comme une aire de jeu caractérisée par l'ambiguïté, où l'écrivain joue avec les conventions littéraire, avec les genres, avec les instances personnage-narrateur-auteur qu'il tend à confondre, et, surtout, avec la dimension autobiographique, prépondérante. L'ironie classique et l'ironie romantique et moderne apparaissent alors comme les deux faces littéraires d'un même drame identitaire, celui d'un écrivain exilé qui se veut et qui est, avant tout, portugais.
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Klein, Claude. "Le double et la creation litteraire dans les romans de restif de la bretonne. Le roman dans la genese et le developpement du cycle des romans epistolaires (1775-1787)." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1991. http://www.theses.fr/1991STR20048.
Full textAbstract:
Une analyse du role du dedoublement dans la genese et le developpement des trois romans par lettres publies par restif de la bretonne entre 1775 et 1787. Par le role qu'il attribue aux figures du double, l'auteur induit des 1775, avec le paysan perverti, une demarche critique qui situe son oeuvre a l'oppose des tenddances a l'idealisation du heros qui prevaudra durant la revolution et l'empire. Dans la paysanne pervertie, on peut constater que le principe du dedoublement sert a reconsiderer les relations entre les sexes a la fin de l'age des lumieres. Le point de vue feminin s'attache a la description des vices, engendres par la vie urbaine et par l'evolution des idees, a partir de themes courants, comme l'arrivee d'une paysanne en ville, les enlevements et leurs suites, la vertu dans le vice, les idees dangereuses des libertins, ou le cycle infernal de la vengeance, la reunion des lettres dans le paysan et la paysanne pervertis, ou les dangers de la ville. Amene la confrontation des recits. Le point de vue feminin est comme l'image en miroir du premier recit dont il revele les points de rupture et la richesses, justifiant une typologie des formes de doublement. La presence de doubles dans l'oeuvre de restif permet une description du "desir mimetique", mais revele egalement des processus psychiques d'identification et de distanciation au moyen desquels l'ecrivain affirme son identite face aux transformations sociales qui ont marque la fin du dix-huitieme siecle<br>An analysis of the part played by the literary device of character splitting in the development of the threee novels in letters published by restif de la bretonne between 1775 and 1787. Through the doubled characters, and as early as 1775 in the perverted peasant, the author develops a critical approach, in opposition to the tendancy towards idealisation of the hero prevailing during the revolution and empire. In the perverted peasant girl, the device of character spitting is used to reconsider the relationship between sexes at the end of the enlightenment. The feminine point of view appears in the description of vices engendered by urban life and the evolution of ideas based upon current themes such as the arrival of a peasant girl in town, abductions and their consequences, virtue in vice, the dangerous ideas of libertines or the infernal cycle of revenge. Comparing letters from the perverted peasant and peasant girl or dangers of the town highlights the confronting narrations. The feminine point of view is like the mirrored image of the first narration; it reveals its breaking down points and its richness, thus justifying a typology of character spitting. The preseance of double in the work of restif allows a description of the "mimetic desire", but also reveals the psychic processes of identification and detachment by means of which the writer asserts his identity in the face of the social transformations which marked the end of the eighteenth century
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Da, Costa Georges. "Éthique et esthétique de l'ironie chez José Rodrigues Miguéis." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030058/document.
Full textAbstract:
José Rodrigues Miguéis [1901-1980] quitte le Portugal en 1935 et, malgré quelques tentatives de retour, il passera la plus grande partie de sa vie aux États-Unis. Cet exil, en grande partie dû à ses activités politiques contre le régime salazariste, va marquer profondément son œuvre fictionnelle. En effet, si, d’un côté, les préoccupations éthiques du militant imprègnent fortement des récits qui obéissent souvent à une stratégie littéraire globale à visée pédagogique où l’ironie classique et satirique est un instrument privilégié, de l’autre, l’écrivain fait régulièrement preuve d’une attitude critique envers soi et envers le réel et met régulièrement en scène ses doutes et ses questionnements à travers une autre ironie, romantique et moderne, qui se traduit par l’utilisation de techniques littéraires signalant un rapport réflexif à la création. Le paradoxe constitutif de toute ironie – dire simultanément l’adhésion et la mise à distance – est ainsi exacerbé par la présence de ces deux ironies contradictoires, souvent dans la même œuvre. L’objectif de ce travail est de montrer que la particularité de la fiction migueisienne réside dans cette cohabitation doublement ironique : une fiction vue comme une aire de jeu caractérisée par l’ambiguïté, où l’écrivain joue avec les conventions littéraire, avec les genres, avec les instances personnage-narrateur-auteur qu’il tend à confondre, et, surtout, avec la dimension autobiographique, prépondérante. L’ironie classique et l’ironie romantique et moderne apparaissent alors comme les deux faces littéraires d’un même drame identitaire, celui d’un écrivain exilé qui se veut et qui est, avant tout, portugais<br>José Rodrigues Miguéis [1901-1980] leaves Portugal in 1935 and, despite several attempts to come back, he spends most of his life in the United States. This exile, mostly due to his political activities against the Salazar regime, will deeply influence his fictional work. Indeed, on the one hand, his ethical concerns as an activist strongly riddle his narratives which very often obey a global literary strategy with an educational intention where classical and satirical irony is a tool of choice. On the other hand, he regularly shows a critical attitude towards the self and towards the real and often stages his doubts and questionings through another irony, romantic and modern, using literary techniques pointing out a reflexive relationship to creation. The paradox constituting any irony – to say at the same time adhesion and detachment – is thus exacerbated by the presence of those two contradictory ironies, often in the same work. This study aims to prove that the particular nature of the Migueisian fiction lies in the simultaneous presence of those two ironies: a fiction considered as a playground characterized by ambiguity, where the writer plays with the conventions of literature, with genres, with the character-narrator-author categories that he tends to mix up all together and, above all, with the autobiographical dimension, which really plays a predominant role. The classical irony and the romantic and modern one then reveal themselves as the two literary faces of the same identitary drama, that of an exiled writer who wishes to be and is, above all, Portuguese
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Halary, Marie-Pascale. "Beauté et littérature au tournant des XIIe et XIIIe siècles." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040178.
Full textAbstract:
L’étude porte sur la question de la beauté dans plusieurs romans du début du XIIIe siècle : le Perlesvaus, le Lancelot propre, la Queste del Saint Graal, le Bel Inconnu de Renaud de Beaujeu, Meraugis de Portlesguez de Raoul de Houdenc, le Roman de la Rose de Guillaume de Lorris. Il s’agit de déterminer si la représentation du beau ressortit à une conception unifiée. L’enquête associe à l’examen du corpus plusieurs autres textes : des œuvres vernaculaires du XIIe siècle, les arts poétiques du Moyen Âge et le discours théologique. Il ressort que, sans être pour autant l’équivalent roman de la pulchritudo, la « beauté romanesque » est à la fois une res, dotée de caractéristiques sensibles relativement stables, et un signum, ouvert sur un aliud aliquid<br>The object of this study is the question of beauty in a selection of early thirteenth century romances: Perlesvaus, the prose Lancelot, La Queste del Saint Graal, Le Bel Inconnu by Renaud de Beaujeu, Meraugis de Portlesguez by Raoul de Houdenc, Le Roman de la Rose by Guillaume de Lorris. In an effort to determine whether the representation of beauty is based on a unified concept, the investigation associates the aforementioned romances with various other texts: vernacular works from the twelfth century, medieval "artes poeticae" and theological discourse. It appears that "romance beauty", although not a strict vernacular equivalent of the latin concept of pulchritudo, is both a res, with relatively stable characteristics, and a signum, which points to an aliud aliquid
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Contarini-Hak, Silvia. "Le roman "nouveau" en Italie, du "Gruppo 63" aux années quatre-vingt-dix." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040204.
Full textAbstract:
Romanzo nuovo, roman nouveau, est une appellation englobant tous ceux qui cherchent de nouvelles formes romanesques, appellation qu'on commence à utiliser au début des années soixante dans le milieu de la néo-avant-garde italienne sans que cela devienne une étiquette désignant une école. Cette étude se propose de comprendre d'abord s'il y a eu un véritable mouvement d'avant-garde qui aurait posé les jalons pour un changement radical de la littérature, et donc pour un romanzo nuovo : d'analyse ensuite les romans et les théories du roman de la néo-avant-garde italienne : d'examiner également les romans expérimentaux de ces derniers trente ans. On vérifiera de cette manière certains postulats de la néo-avant-garde; à savoir : la littérature expérimentale s'est développée à partir des années soixante grâce au travail des écrivains et des critiques du "Gruppo 63"; la recherche littéraire reste vivante et active après la dissolution du groupe, et jusqu'aux années quatre-vingt-dix : on peut tracer une ligne de continuité dans la recherche littéraire de ces trente ans<br>Romanzo nuovo, new novel, is a title encompassing all research into new novelistic forms. This title began to be used in the early 60s in Italian neo-avant-garde circles without becoming a label designating any specific school. The purpose of this study is first, to understand if there has been a true literary movement that would have paved the way for a radical change in literature, and thus for a romanzo nuovo; then, to analyse the novels and theories of the Italian neo-avant-garde novel; lastly; to examine the experimental novels of the past thirty years. In this way, we will evaluate some postulates of the neo-avant-garde : experimental literature has developed since the 60s thanks to the work of the writers and critics of the "Gruppo 63"; literary research has remained alive and active since the dissolution of the group, right up to the 90s; an unbroken line can be traced back through the literary research of these past thirty years
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Fournié, Sylvie. "Oralité, écriture, réécriture : une esthétique de la répétition dans l'œuvre de Javier Tomeo." Orléans, 2002. http://www.theses.fr/2002ORLE1048.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet de démontrer l'existence d'un système de répétition conférant une dimension esthétique à l'œuvre de Javier Tomeo. Ce système, structure cohérente associant de multiples niveaux de répétitions se faisant écho, rassemble les répétitions connotées et discursives. Les répétitions connotées, (partie I) s'observent dans les manifestations figées de l'oralité (locutions, parémies) très abondantes chez Tomeo. Elles dégagent un sentiment de " déjà-entendu " connotant le processus répétitif qui a abouti au figement linguistique. Une seule occurrence d'une forme fixe peut donc suffire à l'apparition de ce sentiment. Ces répétitions connotées constituent donc un élément efficace de l'esthétique de la répétition, au même titre que les manifestations de la réécriture textuelle ou intertextuelle (étudiées dans la partie II). Celles-ci associent au sentiment de " déjà-entendu " celui de " déjà-lu " dans une œuvre où la répétition est élevée au rang de principe d'écriture<br>The object of this thesis is to demonstrate the existence of a system of repetition conferring an aesthetical dimension on the works of Javier Tomeo. This system, a coherent structure associating multiple levels of repetitions echoing each other, assembles the connoted and discursive repetitions. The connoted repetitions (part I) can be observed in the fixed manifestations of speech (expressions, proverbs) very abundant in Tomeo. They give a feeling of already-heard, connoting the repetitive process that has resulted in the linguistic fixity. A single occurrence of the fixed form can therefore be enough to reveal this feeling. These connoted repetitions constitute an effective element to show the aesthetical dimension of the repetition, as well as the textual or intertextual rewriting manifestations (studied in part II). These associate to the feeling of already-heard that of already read in a work where repetition is raised to the rank of principle of writing
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Pradeau, Christophe. "L'idée de cycle romanesque : Balzac, Proust, Giono." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081683.
Full textAbstract:
Proust voit dans l'idee de reunir des romans en un cycle ou reviennent les memes personnages <<l'idee de genie>> de balzac. La comedie humaine est imitee par de nombreux romanciers, qui concoivent leurs oeuvres non comme des romans isoles mais comme la poursuite d'un livre unique. On pense a proust, zola, rolland, martin du gard, romains, duhamel, aragon, sartre, giono. . . Ces oeuvres sont le plus souvent qualifiees de cycles romanesques. Notre etude a pour objet non une uvre singuliere mais l'une de ces "abstractions" qui font de la masse des uvres une memoire. Relevant a la fois de la poetique et de l'histoire litteraire, elle a pour ambition de definir les effets esthetiques d'une forme, en la saisissant dans le mouvement de son invention, dans sa dynamique reflexive. La premiere partiemontre comment la categorie de cycle est inventee pour amenager une place dans l'histoire litteraire a des uvres qui semblent exceder le genre romanesque. Dans la seconde, la pertinence de la categorie est mise a l'epreuve d'oeuvres choisies comme representatives des trois moments de l'histoire de la forme : la comedie humaine, a la recherche du temps perdu et <<le cycle du hussard>>. Albert thibaudet est l'inventeur de la categorie. Le mot cycle, qu'il emprunte a l'art poetique d'horace, definit le roman comme forme longue et l'inscrit dans une filiation epique. Le cycle romanesque, tantot condamne comme forme informe, tantot considere comme la forme noble, participe des polemiques de la <<crise du roman>> (m. Raimond). Les cycles de balzac et de proust, entreprises de figuration memorable,sont des <<one man bible>> (n. Frye) : ils configurent la vie de leurs lecteurs et les federent en une communaute. A rebours de cette ambition totalisante, les cycles posterieurs a 1945 giono en est l'exemple - sont places sous le signe du lacunaire et des donnees inconciliables.
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Weber-Maillot, Tatiana. "Le Moyen-Age de Chateaubriand : esthétique, éthique et idéologie." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040121.
Full textAbstract:
Partant du présupposé que Chateaubriand a réhabilité le Moyen Age, nous étudions dans son œuvre le devenir de deux objets valorisés de façon marginale par le XVIIIe siècle et appelés à s'épanouir à l'époque romantique : le gothique et la chevalerie, en montrant comment la Révolution, rendue odieuse à l'écrivain par ses seuls crimes contre l'ancienne France, a fait de lui le passeur paradoxal d'une culture pour laquelle il n'avait pas d'inclinations natives. Au cœur d'un imaginaire gothique qui combine les images du paysage breton et les arguments du Gothic revival, le cliché du gothique sylvestre, théorie intuitive qui dispense de penser en spécialiste, est d'abord mis au service d'une re-sacralisation de la cathédrale profanée puis tiré après 1830 vers une esthétique romantique de la profusion et de l 'énormité. Le mythe chevaleresque hérité du courant troubadour est parallèlement retravaillé comme idéal christique, poésie de l'honneur et de la fidélité, modèle de grandeur tendu à un monde de pygmées. Mais la ruine conditionne l'émotion. Si Chateaubriand accueille dans son autobiographie-cathédrale la figure engagée de l'écrivain-chevalier et intègre l'éthique courtoise à ses fantasmes amoureux, le Moyen-Age, distancié par l'ironie et déréalisé par des mises en scènes fantomatiques venues du Gothic novel, est dénoncé comme modèle esthétique et idéologique réactionnaire. Tiraillé entre l'honneur et la liberté, le gothique et le classique, Chateaubriand s'arrête finalement à la Renaissance qui accomplit, sous le signe de Chambord et de François Ier, la fusion éphémère des principes et des styles et surtout, en laissant le passé mourir pacifiquement et en préservant la continuité de l'histoire, oppose à l'avènement sanglant de la modernité le miracle d'une Révolution sans douleur<br>Starting from the presupposition that Chateaubriand rehabilitated the Middle Ages, i examine in his work the evolution of two themes which were treated as rather marginal in the 18th century, but then came to fruition in the Romantic period : the Gothic and chivalry. In doing so, I seek to show how the Revolution, which Chateaubriand despised only for its crimes against ancient France, paradoxically made him into the disseminator of a culture to which he had no innate inclination. Central to a gothic imagination which combines imagery from Breton landscapes and arguments from the Gothic revival, the cliché of the gothique sylvestre, an intuitive theory which prevents one from having to think as a specialist, first serves the purpose of a re-sacralization of a profaned cathedral, and then, after 1830, moves towards a romantic aesthetics of profusion and enormity. Parallel to this, as a model of greatness extended to a world of pygmies. But the ruin determines the emotion. If Chateaubriand brings into his "cathedral autobiography" the commited figure of the knight-writer and integrates courtly ethics into his amorous fantasies, the Middle Ages, set at the distance through irony and emptied out by ghostly stagings from the gothic novel, is denounced as a reactionary aesthetics and ideological model. Torn between honor and freedom, the Gothic and the Classic, Chateaubriand finally stops at the Renaissance which , as conveyed in the figures of Chambord and François Ier, carries out the ephemerical fusion of principles and styles and, above all, by letting the past dye peacefully and by preserving the continuity of history, opposes the bloody advent of modernity with the miracle of a painless Revolution
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Delattre, Alexandra. "A contretemps : le roman catholique français du second XIXe siècle : histoire et poétique." Thesis, Nice, 2016. http://www.theses.fr/2016NICE2014.
Full textAbstract:
Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique<br>This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art
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Bargel, Antoine. "Jorge Semprun, le roman de l’histoire." Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20037/document.
Full textAbstract:
Jorge Semprun, survivant de Buchenwald, entend « faire [du] témoignage un espace de création ». L’inventivité formelle du roman lui permet d’exprimer la vérité de l’expérience vécue, en créant un espace textuel réflexif où auteur et lecteur, l’un mis en scène dans l’acte d’écriture, l’autre appelé à prendre conscience de son rapport actif à la constitution du sens du récit, se rencontrent dans la relation éthique du témoignage. Mon travail concerne les caractéristiques formelles de ce roman de l’histoire, pour expliciter sa relation au discours politique en particulier, et mettre en relief l’autonomie esthétique du roman, sur laquelle repose la spécificité du rapport littéraire à l’histoire. Semprun met en place cette esthétique au moyen de multiples innovations narratives et d’une conception du récit comme performance, où le Dire est distinct du Dit (Levinas) : cette dimension performative du récit est décrite dans cette étude au moyen d’une approche phénoménologique de la lecture, centrée sur les dynamiques interprétative et imaginaire mises en œuvre par le sujet lisant. Le contraste entre esthétique narrative et discours idéologique définit non seulement les stratégies d’écriture de Semprun, mais également le rôle attribué au lecteur : ce dernier, prenant conscience des motivations et procédés rhétoriques de l’auteur, qui multiplient explicitement les trajectoires interprétatives au sein du texte, réalise que l’enjeu du témoignage réside dans l’acte de lecture, une lecture engagée, participative et en perpétuel renouvellement<br>Jorge Semprun, survivor of Buchenwald, intends to « make testimony a space of creation ». The formal inventiveness of the novel allows him to express the truth of his experience, by creating a reflexive textual space in which the author is presented in the act of writing, and the reader is called to realize his/her active part in the constitution of narrative meanings. Author and reader thus collaborate on establishing the ethical relationship of testimony. My dissertation examines the formal characteristics of this novel of history, to describe its relationship to political discourse in particular, and to highlight the aesthetic autonomy of the novel, which defines the specificity of literature’s approach of history. Semprun develops this aesthetics through multiple narrative innovations and a conception of narration as performance, where Saying is distinct from the Said (Levinas) : this performative dimension of the narration is described in this work through a phenomenological notion of reading, centered on the interpretative and imaginary activities brought into play by the reading subject. The contrast between narrative aesthetics and ideological discourse does not only define Semprun’s writing strategies, but also the function attributed to the reader in these texts. Becoming aware of the author’s motivations and rhetorical processes, which explicitly multiply interpretative trajectories within the text, the reader realizes that the stakes of testimony reside in the act of reading, a reading that is engaged, participative, and perpetually renewed
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Bertrand-Savard, Sarah. "Alessandro Baricco littérature, musique, peinture, cinéma, etc." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2011. http://hdl.handle.net/11143/5657.
Full textAbstract:
Dans l'oeuvre contemporaine d'Alessandro Baricco, des références de toutes sortes attirent l'attention de ceux et celles qui s'intéressent aux récits et romans de l'écrivain italien. De cette esthétique néo-baroque, c'est la rencontre avec d'autres formes d'art qui nous a ici interpelée. Autant sur le plan formel que thématique, les références à la musique, à la peinture et au cinéma, entre autres, offrent de remarquables exemples d'intermédialité. Cette diversité de disciplines convoquées dans le texte de Châteaux de la colère (1995), Soie (1997), Océan mer (1998), City (2001) et Novecento : pianiste (1997), constitue l'originalité forte de l'oeuvre de Baricco. Ces formes artistiques produisent une ambiance qui plonge le lecteur dans le domaine de l'art et accorde à l'auteur la possibilité de déployer avec une grande maîtrise de moyens et d'effets son style unique. Les renvois intermédiatiques relevant principalement des personnages soutiennent les propos de Baricco au sujet de l'art : ils permettent d'établir l'importance qu'accorde ce dernier au métalangage artistique et à la création sous toutes ses formes. Par là, il devient possible de mieux comprendre sa propre oeuvre littéraire qui valorise, au détriment de la prétention réaliste, une fantaisie ludique qui relève du spectaculaire. Le premier chapitre présente les procédés formels au service de la musicalité dans l'écriture de Baricco et les personnages de musiciens - ou en lien avec la musique - qui évoquent cette forme artistique privilégiée. Dans le deuxième chapitre, il est question des moyens techniques qui permettent aux textes de Baricco de rappeler l'art pictural ainsi que des personnages qui, par le truchement de la peinture, tiennent un discours sur la création artistique. Dans le troisième et dernier chapitre, nous nous intéressons à la structure romanesque qui, par diverses stratégies formelles, imite le scénario. Les personnages qui renvoient à l'art dramatique sont aussi abordés, de façon à tenir compte de la vision artistique qu'ils mettent en place. Enfin, la conclusion nous permet, à la lumière des informations recueillies, de relever les effets entrainés i.e. [entraînés] par ces jeux intermédiatiques. Celle-ci est aussi pour nous l'occasion de dégager, en son caractère unitaire, la vision artistique à l'oeuvre chez Baricco.
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Aretaki, Marina. "Aspects de la poétique des romans de A. Papadiamantis (1879-1884) : genèse et fin d'un univers romanesque." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040089.
Full textAbstract:
Ce travail se veut une lecture de la première période littéraire de l'écrivain grec Alexandros Papadiamantis (1851-1911), période constituée de trois romans-feuilletons, dits historiques : l'Émigrée (1879-1880), Les marchands de nations (1882-1883) et La jeune gitane (1884). Les différents aspects de la poétique des romans qui ont été examinés composent une approche globale qui intègre aussi bien l'étude de l'intrigue et des personnages romanesques que celle de la composition du récit et sa narration. Elle révèle aussi bien le rapport du texte avec le hors-texte que le discours du roman sur lui-même. Au-delà de l'interprétation de chaque roman, les lignes de réflexion qui sous-tendent cette analyse, s'étayant sur la théorie de la littérature, se portent sur les règles de la prose romanesque, sur le roman conçu comme un espace dialogique et sur l'évolution littéraire de l'auteur. Les romans Papadiamantiens marqués par le romantisme, complexes et étonnants, situés dans un passé historique plutôt obscur, forment un ensemble uni mais aussi évoluant. L'auteur, conscient de son art, joue avec les conventions romanesques et les subvertit avant d'abandonner l'écriture de romans pour une longue série de récits brefs.
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Tononi, Daniela. "L'écriture énigmatique : le policier oulipien." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082765.
Full textAbstract:
Défenseurs de l’idée de la globalité de la littérature qui exclut la stricte hiérarchie des genres, les oulipiens créent dans l’exploration répétée d’un inextricable mélange des genres, des œuvres dans lesquelles la contamination devient une méthode productive. Parmi les genres investis le roman policier est celui qui consent la majeure exploration et autorise la plus grande innovation. Le roman oulipien, caractérisé par une structure énigmatique profonde qui coïncide avec l’imposition d’une contrainte, accueille le policier en tant que genre flexible, susceptible d’être soumis à un procédé de complication et de renouvellement de l’énigme. En effet, en ce qui concerne l’écriture oulipienne, la construction de l’énigme naît de l’imposition des contraintes et concerne tant le niveau formel que sémantique. Et lorsque formel et sémantique sont tous deux impliqués, la contrainte et l’énigme se métatextualisent, influençant alors l’évolution de la narration. Les œuvres de Raymond Queneau, Georges Perec, Jacques Roubaud, Marcel Bénabou, Italo Calvino et les textes de la B. O. Représentent ainsi des espaces d’expérimentation du policier “impur” qui transforme la lecture en aberration interprétative<br>Advocating the concept of the comprehensiveness of literature, which abolishes the rigid hierarchy of genres, the Oulipians create, by inexhaustibly exploring symbiotically combined genres, literary works where contamination turns to productive process. Among the examined genres, the detective story best lends itself to exploration and innovation. The oulipian novel, with its strong innate and deep-rooted enigmatic structure, coinciding with the imposition of a contrainte, includes the detective story as a flexible genre which suits a process of complicating and innovating the enigma. As far as the oulipian writing is concerned, the construction of the enigma derives from the imposition of the constraints and involves the formal level or the semantic level or both. In the latter case, the contrainte and the enigma undergo a process of metatextualization, thus influencing the tale development. The works by Raymond Queneau, Georges Perec, Jacques Roubaud, Marcel Bénabou, Italo Calvino as well as the texts collected in the B. O. Therefore represent the loci where the impure detective story - transforming reading into hermeneutic aberration - can be experimented
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Lemercier-Goddard, Sophie. "Les plaisirs de la peur : esthétique gothique et fantastique dans le théâtre de Shakespeare." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030008.
Full textAbstract:
Les liens qui se tissent entre Shakespeare et le roman gothique sont à double sens. En invitant Shakespeare dans le paratexte et l'intertexte de leurs récits, les romanciers gothiques revendiquent une caution littéraire et culturelle. La présence tutélaire du dramaturge participe d'un processus de légitimation tandis que le surnaturel shakespearien leur sert de modèle, les uns, comme Radcliffe, s'orientant vers une écriture de la terreur, les autres, comme Lewis, optant pour l'horreur. En échange, les auteurs gothiques mettent en lumière un Shakespeare inhabituel. La récurrence de motifs tels que la belle endormie, l'espace infini, le labyrinthe, le voile, la spectralisation de la femme, montre que l'angoisse dans le théâtre de Shakespeare s'inscrit dans une esthétique que l'on peut à juste titre qualifier de fantastique. Les jeux intertextuels des romans gothiques mettent en scène une écriture palimpsestueuse, où l'espace étranger du texte de Shakespeare devient l'espace de l'étrange<br>The links between Shakespeare and the Gothic Novel are twofold. The Shakespearean intertext in the novels of Walpole, Radcliffe and Lewis is used as cultural and literary capital : the protective presence of Shakespeare is part of a process of recognition which helped to legitimate Gothic writing as genre. At the same time, Gothic supernatural is modelled on Shakespeare's ghosts. Hamlet defines Radcliffe's use of terror while Macbeth exemplifies male Gothic based on horror. In turn, the gothic novelists' reading of Shakespeare reveals an aesthetic of the fantastic in his plays. Gothic motifs such as the infinite space, the labyrinth, the veil are all to be found in his plays while the key image of the sleeping maiden embraced by Death finds its source in Juliet, Desdemona and Imogen. Intertextuality in the Gothic novel lifts the veil and shows the uncanny in Shakespeare's theatre
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Gharbi, Aymen. "Le roman, le cinéma et la télévision dans Les Soprano : la série télévisée entre art et industrie." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100152.
Full textAbstract:
Les prétentions esthétiques de la série télévisée Les Soprano nous ont convaincu qu’elle s’inscrit dans une période significative de l’histoire des médias : la migration du cinéma et la de littérature vers la sérialité télévisée, avec tout ce que cela implique de transformations sociale, esthétiques et économiques fondamentales. Nous mettrons cette période en parallèle avec celle du cinéma du vingtième siècle et du roman du dix-neuvième siècle, afin de montrer que l’œuvre est habitée, de manière aussi bien volontaire qu’involontaire, par certaines contradictions multidimensionnelles inhérentes aux mutations de l’industrie culturelle. Ces contradictions impliquent la contamination pathologique du récit par l’interruption et la répétition, connotant une passivité fondamentale de l’Homme moderne<br>The aesthetic pretensions of the television series The Sopranos have convinced us that it is part of a significant period in the history of the media: the migration of cinema and literature towards televised seriality with all that this implies of social, aesthetic and economic transformations. We will put this period in parallel with that of the twentieth century cinema and the nineteenth century novel to show that the work is inhabited, both voluntarily and involuntarily, by certain multidimensional contradictions inherent in the mutations cultural industry. These contradictions imply the pathological contamination of the story by interruption and repetition, which connotes a fundamental passivity of modern man
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Sempéré, Christine. "La recension epsilon du Roman d'Alexandre, traduction et commentaire : L'écriture infinie, ou le " roman " d'un mythe." Montpellier 3, 2005. http://www.theses.fr/2005MON30050.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une traduction, annotée et qui se veut fidèle à l'esprit du texte, ainsi qu'un commentaire de la recension epsilon du Roman d'Alexandre, œuvre d'un chrétien anonyme du VIIIe siècle. La première partie situe le texte dans l'histoire du Roman d'Alexandre, depuis ses origines, au IIIe siècle de notre ère, jusqu'à ses prolongements modernes en langue grecque : il apparaît que cette oeuvre est la plus intertextuelle des versions grecques, insérant en particulier des traditions vétéro et néotestamentaires, ainsi qu'une apocalypse d'origine syriaque. La deuxième partie étudie les spécificités de la recension epsilon, à travers le caractère composite de sa langue d'abord, et montre comment l'œuvre protéiforme qu'est le Roman d'Alexandre s'est adaptée ici au contexte politique et religieux de Byzance. La troisième partie est une étude littéraire, qui met en évidence la façon dont le texte d'epsilon, participant de différents genres littéraires, transforme Alexandre en une figure qui, au-delà même du héros national, devient le prototype d'une expérience humaine que la mort seule peut arrêter. Le personnage du roi de Macédoine acquiert alors une dimension universelle, tant par son souci de prendre place dans une lignée, que par la diversité des pays et des merveilles qu'il a vues, la fin ultime de sa quête étant identitaire : par l'incursion dans l'au-delà du monde connu, c'est le mystère de soi au monde qu'il s'agit de découvrir. L'exemple de la recension epsilon illustre ainsi comment, à partir des données historiques mais surtout de l'imaginaire d'une société qui se cherche des héros, s'opère le passage de la biographie légendaire au mythe d'Alexandre<br>This thesis proposes a translation which is annotated and meant to be faithful to the spirit of the text, as well as a commentary of the Epsilon Recension written by an anonymous Christian in the eighth century. The first part places the text in the history of the Alexander Romance from the start, up to the third century A. D. , as far as its up-to-date developments in the Greek language : it seems that this writing is the most intertextual of the Greek accounts, including in particular traditions from the Old and New Testaments, as well as an apocalypse of Syriac origin. The second part focuses on the features of the Epsilon Recension first through the composite character of its language and shows how the protean work of the Alexander Romance adjusted itself to the political and religious backgrounds of Byzantium. The third part is a literary study which points out the way the Epsilon text, partaking of different literary genres, changes Alexander into a figure who, more than a national hero, becomes the prototype of human experience that only death can stop. The character of the king of Macedonia then gets a universal dimension, so anxious was he to be part of a lineage, as through the variety of countries and wonders he saw, the ultimate aim being the quest for identity : with an incursion into the unknown world, it is the mystery of the self to the world which is meant to be discovered. So, the example of the Epsilon Recension shows how, from historic data, but above all from the imaginings of a society which wants heroes, the change from a legendary biography to the myth of Alexander occurs
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Panaïte, Oana. "La littérature et ses ombres : Invention esthétique et questionnement éthique dans la prose narrative contemporaine." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040091.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une lecture critique de trois tendances majeures de la littérature contemporaine : l'écriture d'inspiration biographique, l'épuisement de la fiction et l'éclatement du récit. Sont examinées les prémisses historiques et théoriques d'une nouvelle esthétique définie par le refus du manifeste collectif et par l'émergence des poétiques individuelles, et d'une éthique du ressaisissement mondain manifeste dans les poétiques de la mémoire, l'écriture de l'authenticité et l'ancrage des textes dans la légitimité du vécu. À travers l'analyse comparée des œuvres de Pierre Michon, de Jean Echenoz et de Patrick Chamoiseau et de leurs contemporains, l'auteur procède à une lecture exhaustive des structures de la représentation, des cadres thématiques et des formes stylistiques qui caractérisent la prose narrative française et francophone depuis 1980<br>This dissertation presents a critical examination of three major trends in contemporary literature: the biographical imagination, the exhaustion of fiction and the dismantling of narratives. The analysis focuses on the historical and theoretical framework of a new esthetics whose main characteristics are the refusal of the collective manifesto and the emergence of individual poetics as well as an ethics of worldliness manifested in the poetics of memory, the writing of authenticity and the existential foundation of the literary text. Through the comparative reading of works by Pierre Michon, Jean Echenoz and Patrick Chamoiseau, the author scrutinizes the structures of representation, the thematic and stylistic forms which have come to define French and Francophone narrative prose after 1980
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Gandt, Marie de. "Ironies romantiques : Schlegel - Stendhal." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082426.
Full textAbstract:
À Iéna, dans les années 1800 Schlegel définit une ironie romantique qui serait le principe de la littérature. Elle est devenue le synonyme de « l’absolu littéraire » à la fin du XXe siècle. Sous les héritages critiques, les textes de Schlegel révèlent une autre version de l’ironie romantique, et, partant, de la modernité. Le romantisme retrouve une inscription dans l’Histoire et dans l’espace de la pensée européenne. La philosophie de Iéna a construit l’ironie contre l’esprit des Lumières. En France, Stendhal cherche un comique romantique. La fin du rire d’Ancien Régime a fait naître un comique triste, marque d’un sujet moderne divisé. Dans ses romans, Stendhal a joué des représentations de l’ironie et pratiqué une ironie narrative singulière pour faire de l’œuvre romanesque une forme-sujet qui puisse traverser le temps et recréer une communauté idéale. L’ironie romantique nomme la représentation du sujet et du monde par laquelle le roman constitue la forme de la pensée<br>In Iena, at the beginning of the XIXth century, Friedrich Schlegel defined a romantic irony that would be the principle of literature. At the end of the XXth century, romantic irony stands for literature as an absolute. Under the critical layers that covered them, Schlegel’s writings reveal another version of romantic irony, hence, of modernity. Romanticism is reinscribed in History and in the space of European thought. The Ienaean philosophy built irony against the “esprit” of the XVIIIth century French philosophers. In France, Stendhal acknowledges the loss of Ancient Régime laughter and the beginning of a sad comic, sign of a divided subject. In his novels, he played upon the various representations of irony and practiced a unique narrative irony : the novel gains the features of a subject that can go through time and recreate an ideal community. Romantic irony names the representation of the subject and the vision of the world through which the novel constitutes the form of thought
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Vecchio, Diego. "Egocides : la lecture dans les écrits de Macedonio Fernandez." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA081920.
Full textAbstract:
@La question qui est à l'origine de cette étude sur l'oeuvre de l'écrivain argentin Macedonio Fernandez (1874-1952) est celle de la lecture, c'est-à-dire la relation entre l'écrit et le lecteur. A ce sujet, les écrits de Macedonio Fernandez présentent deux particularités. En premier lieu, à l'encontre des théories qui conçoivent la lecture en termes d'interaction ou coopération (par exemple, la théorie de la réception ou celle d'U. Eco), Macedonio Fernandez pose cette relation en termes de disjonction et déliaison : un écrit sans lecteur et un lecteur sans écrit. En deuxième lieu, à rebours des théories qui conçoivent la littérature en termes de communication, réduisant les dispositifs d'énonciation un point d'émission et un point de réception du message sans division ni défaillance, Macedonio Fernandez pense la littérature comme un rendez-vous perpétuellement raté entre un auteur qui n'écrit pas et un lecteur qui ne lit pas. Autant dire que la théorie de la lecture est ici étroitement associée à une remise en question de la notion de sujet. . .
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Théol, Bruno. "HYPERREALISME, éloge du monde matériel : le Nouveau Roman français, le Photoréalisme américain, la musique minimaliste : expressions artistiques du monde matériel d’un quart de siècle 1950 - 1975." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100102.
Full textAbstract:
Les mutations du monde occidental au troisième quart du 20ème siècle sont spectaculaires. Les trente glorieuses connaissent une modernisation effrénée : industrialisation, progrès scientifique et technique, prolifération de nouveaux objets. Le monde de l’art, lui-même en effervescence, explore de nouvelles formes et de nouvelles techniques. La présente thèse établit le lien entre ces réalités concrètes et le renouvellement perceptible dans le Nouveau Roman français, le Photoréalisme américain et la musique minimaliste. Ces trois expressions artistiques sont puissamment marquées par l’émergence des biens matériels et par les techniques qui les produisent. Aussi ne s’agit-il pas d’un formalisme abstrait ni désincarné, comme on le soutient souvent, mais d’un formalisme matériel, ou matérialiste, lequel façonne une nouvelle perception du monde dont les caractères communs définissent, au-delà des distinctions liées à la nature différente des trois pratiques artistiques que sont la littérature, la peinture et la musique, le style hyperréaliste. Le peintre, le romancier et le compositeur, pratiquent la même approche, recherchent une unité réduite du champ d’investigation, exercent la sélection, la fragmentation et la focalisation, ferment l’espace de l’expression, préfèrent le dénuement, créent un espace autonome pictural, littéraire ou musical, évoluent dans la fugitivité, usent de l’écriture analytique et abusent de l’obsession, jouent avec la variabilité et expriment de préférence leur univers par le grossissement et la répétition. Le matériau est le plus souvent morcelé et hyper-développé, décentré, détaillé, fragmenté, marginalisé, focalisé, comme la terrasse de La jalousie de Robbe-Grillet, le compartiment de La Modification de Michel Butor, A Rainbow In Curved Air de Terry Riley, Etudes Chorégraphiques de Maurice Ohana, les Panties de John Kacere, 46 Chevy de Robert Bechtle, Toyota Showroom Window de Don Eddy, Flatiron Building Reflected In A Car With Figures In Bus de Richard Estes, titres de quelques-unes des œuvres hyperréalistes<br>The mutations of the western world during the third quarter of the twentieth century were spectacular. The years known as the "Glorious Thirty” saw rampant modernisation: industrialisation, progress in science and technology, and the proliferation of new objects. The art world, itself in turmoil, explored new forms as well as new techniques. The present thesis establishes the link between those concrete realities and perceptible renewal in the Nouveau Roman in France, in American photorealism, and in minimal music. Those three artistic expressions were intensely marked by the emergence of consumer goods and the techniques that produced them. It is therefore not a matter of abstract or disembodied formalism, as has often been upheld, but rather one of material or materialistic formalism, which shaped a new perception of the world whose common characters define—beyond any distinction related to the different natures of the three artistic practices, literature, painting and music—the hyperrealist style. The painter, the novelist and the composer have the same approach; they reduce their field of investigation to the minimum, fragmenting and selecting in order to focalise on a single unit; they prefer a bare environment, and create an autonomous space, whether pictorial, literary or musical; they move in a fugitive world; they use language that is analytical, and use obsession to excess; they play with variability, and prefer to express their world by enlarging and repeating it. Their material is most often split apart and hyper-developed, off-centred, detailed, fragmented, marginalised, focalised, like the terrace in Jealousy by Robbe-Grillet, the compartment in La Modification (Michel Butor), and also A Rainbow In Curved Air (Terry Riley), Etudes Chorégraphiques (Maurice Ohana), Panties (John Kacere), 46 Chevy (Robert Bechtle), Toyota Showroom Window (Don Eddy), or Bus with Reflection of the Flatiron Building (Richard Estes), the titles of some of the works referred to as hyperrealist
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Colombo, Laura. "La révolution souterraine : voyage autour du roman féminin en France, 1830-1875." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082599.
Full text
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Vanel, Edith. "Us et abus de la terminologie musicale à propos des œuvres de littérature : l’emploi des métaphores musicales dans la critique littéraire de langue française et anglaise entre 1890 et 1940." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040298.
Full textAbstract:
Le propos de ce travail est d’étudier les usages, les significations et les fonctions du lexique musical dans les critiques littéraires française et anglaise de 1890 à 1940. Il s'agit de retracer les conditions dans lesquelles on en vient à déceler l'emprunt de structures musicales dans l'analyse des oeuvres littéraires, depuis les balbutiements de cette pratique dans la période symboliste jusqu’au repérage d’une forme symphonique ou fuguée dans les oeuvres de Proust, Gide,Woolf, Huxley ou Joyce. Dans une première période qui coïncide avec la fin du symbolisme en France (1890-1910), les nébuleuses métaphoriques gravitant autour des termes "musique", "symphonie" et "leitmotiv" permettent au discours critique sur la littérature de reposer différemment la question des rapports entre forme et signification et de s'émanciper des critères de la rhétorique classique. Entre 1910 et 1930, dans les milieux cosmopolites bergsoniens de la NRF, du Mercure de France, de the Athenaeum et du Times Literary Supplement, les métaphores de la symphonie et de l’harmonie participent comme métaphores de l'organique d’une lecture postromantique des oeuvres dans laquelle les notions de thème, de rythme et de variation déconstruisent les critères classiques d'intrigue, d'unité et de discontinuité. Bien que les métaphores musicales, dominées par les figures tutélaires de Beethoven, de Bach et de Wagner, restent entre 1930 et 1940 largement fondées sur l'usage du calembour, de l'antonomase et de l'hyperbole, les critères d'analyse musicologiques de la symphonie, de la variation et de la fugue s’intègrent progressivement au discours critique comme un outil de lecture formel et structurel, qui permet d’aborder les structures complexes et déroutantes des grands romans de la modernité<br>This work analyses how French and English literary critics from 1890 to 1940 borrow musical structures in order to explain literary texts. We consider how the role, the meanings and the function of musical metaphors in critical discourse evolve from the infancy of this practice to the reading of musical structures in works of Marcel Proust, Aldous Huxley, James Joyce and Virginia Woolf. In the first period considered (1890-1910), at the end of the Symbolist period, the metaphors of the symphony and leitmotiv allow the French Symbolists to define their own literary ideal, to move away from classical rhetoric towards a new relation between form and signification. Thereafter, the use of musical metaphors in literary criticism is associated with deconstruction of classical rules governing plot, continuity and unity. The critics of the second period (1910-1930), who conveyed a post-romantic conception of form, used terms such as "theme", "rhythm", and "variation" to describe formal and structural literary devices by using play-on-words, hyperbole and antonomasia. Borrowing features from the musicological analysis of the fugue, the symphony and musical variation, which they reframe as reading criteria, the critics of the 1930s help read modernist novels of the beginning of the twentieth century
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Struve, Daniel. "Ihara Saikaku, un romancier japonais du XVIIème siècle : essai d'étude poétique." Paris 7, 1995. http://www.theses.fr/1995PA070035.
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Girval, Edith. "L'art de la fiction chez Aphra Behn (1640-1689) : une esthétique de la curiosité." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030047.
Full textAbstract:
La critique récente sur Aphra Behn (1640-1689) a montré d’une part que ses courts romans entretiennent des liens privilégiés avec le champ de la philosophie naturelle montante et d’autre part, que le monstrueux ou l’exotique sont des motifs privilégiés de ses œuvres. Ce travail vise à mettre en lien ces deux différentes approches, en établissant la centralité de la notion de curiosité dans la fiction d’Aphra Behn. La curiosité est une notion ambivalente au XVIIe siècle qui, bien qu’elle continue à porter des connotations négatives d’origine chrétienne et médiévale, s’est vue revalorisée par la philosophie naturelle. A la même époque, la notion de curiosité suscite également un regain d’intérêt de la part des théoriciens du roman ; Behn se positionne dans le débat esthétique et épistémologique de son temps en revendiquant une mimesis originale du vrai absolu, qui refuse d’intéresser son lecteur par une curiosité pour les choses familières, et choisit de représenter l’extra-ordinaire. Behn tente de discriminer entre une « bonne » et une « mauvaise » curiosité, pour se poser en curieuse et en collectionneuse avisée, mais continue d’entretenir des liens avec une culture plus populaire de la curiosité, celle des spectacles de foires. Le « cabinet de curiosité littéraire » que construit Aphra Behn privilégie des figures de monstres atypiques, qui permettent d’inventer une forme romanesque curieuse et transgressive<br>Recent research on Aphra Behn has shown the link between the scientific prose of the period and Behn’s narrative fiction, while other scholars have underscored the importance of bodily and moral deformity in her works. Drawing on these apparently heterogeneous studies, this project aims at providing a global aesthetic framework for Behn’s fiction. The epistemological context of the late seventeenth century offers a stimulating insight in Behn’s fiction, especially through the notion of “curiosity”. This notion is at the centre of both the scientific and literary concerns of the period; the growing interest in natural philosophy progressively rehabilitates curiosity – which had been an object of scorn in the Augustinian tradition – first by valuing curiosity as the ideal attitude of the “scientist”, and by having curiosities as its major object of study – the rare, new, and unusual objects of the Wunderkammern replacing the “universal” objects of study of the Medieval and Renaissance science. At exactly the same time, in the literary field, the notion of curiosity undergoes a redefinition, in a somewhat similar fashion to that which occurs in the scientific field, shifting from the “generalities” of idealized romance to a new conception of curiosity in the emerging genre of the novel. Behn advocates for a radical mimesis of truth and extraordinary curiosities. At the time when Aphra Behn writes her fictional texts, curiosity is therefore a polysemic notion, whose unity can nonetheless be found in a set of specificities: curiosity is concerned, both in science and in literature, with the emotions/reactions of the “curious” scientist or reader; it is what leads us to experiment, and it comes from a desire for knowledge. But curiosity is also a transgressive desire: the distinction between two types of curiosity, a “good” and a “bad” curiosity, is central in Behn’s discourse. The parallel between Behn’s fascination with curiosities and the scientific episteme of her time is obvious in the numerous descriptions of exotica in Oroonoko, as the narrator explicitly compares the objects she shows to those which form part of the Royal Society repository, but the rest of Behn’s fiction is also concerned with this preoccupation with curiosity: in several of her other works, moral irregularities are conjoined with ‘natural’/physical irregularities which belong to the realm of curiosities. The various transgressions depicted in Behn’s fiction can therefore be seen as “curiosities”; Behn’s work can be read as a sort of Wunderkammern, as she herself seems to suggest when she wishes her novels were “esteem’d as Medals in the Cabinets of Men of Wit” – novelists collect and experiment on human nature just as natural philosophers do with nature (and art) in the cabinets of curiosities. But in her fiction Behn actually goes beyond the conventional notion of the cabinet of curiosities, by insisting on moral and physical monstrosity. In underlining the importance of the realm of curiosity in Behn’s fiction, this study aims at showing the specificity of her aesthetics and the originality of her conception of the novel; as she states in the preface to Oroonoko, writers, like painters, are supposed to “erase” defects: by deliberately choosing not to idealize nature, men, or society, and by choosing to systematically depict deformity and exceptions instead (rather than exemplary individuals), Aphra Behn invents her own conception of the novel, a sensationalist aesthetic of the “strange and novel”
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Laplace, Marcelle. "Recherches sur le roman d'Achilleus Tatios, Leucippe et Clitophon." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100101.
Full textAbstract:
Apres l'examen de la tradition littéraire et rhétorique à laquelle se rattache la forme d'ensemble de la fiction, un récit de voyage raconte à la première personne, l'étude porte sur le récit de Clitophon, qui est "à l'image" de fables platoniciennes. La fable de l'androgyne rend compte de toute la structure du récit de Clitophon, du déroulement des aventures de Clitophon et de Leucippe, du rôle des personnages qui y concourent, mais aussi du bref résume de l'histoire amoureuse de Callisthène et Calligone. Mais Achilleus Tatios s'inspire aussi de la manière dont Diotime, dans le banquet, réinterprète la fable de l'androgyne pour définir la poésie et l'amour, et dont Socrate, dans le Phèdre, met en pratique cet enseignement digne des "parfaits sophistes", et il représente le cheminement initiatique par lequel Clitophon accède à la fois au bonheur d'aimer, à Byzance où il épouse Leucippe, et à l'art de parler grâce auquel il est, à Sidon, un narrateur inspiré par cette expérience divine. Cette éducation morale et esthétique comporte deux degrés. Obéissant à la voix de l'amour. Puis, après que la divinité de ces mystères, publiquement contestée par Thersandre, a été authentifiée par la justice des ordalies, l'histoire d'amour de Clitophon et de Leucippe se constitue en un récit caractérise comme une "psychagogie". Témoin du dessein de la seconde sophistique, le récit de Clitophon est un discours panégyrique qui annule l'opposition exprimée par Isocrate entre les discours futiles prononcés "contre le dépôt" ou sur des "contrats privés", et la noble éloquence, qui traite de l'éducation et de la politique<br>I have first examined the literary and rhetoric tradition of this fiction, which as a whole is a traveler’s tale, told by the traveler himself. I have then studied Clitophon's tale, the very image of platonic fictions. The androgyn's tale explains the whole structure of Clitophon's story, the way Clitophon's and Leucippus’s adventures happen, the part played by the people who are mixed in the story, and also the short summary of Callisthenes' and Calligone's love-story. But Achilles Tatius is also influenced by Diotima's way, in the banquet, of reinterpreting the androgyny’s parabola, so as to define poetry and love, and by Socrates’ manner, in Phaedrus, of practicing this teaching, worthy of "perfect sophists" and he represents the initiatic way which leads Clitophon to the happiness of love, as well as to Byzantium where he marries Leucippus, and to the art of speech, by which he becomes, in Sidon, a narrator inspired by this divine experience. This moral and esthetic education has two degrees. Obeying love's voice, Clitophon, thanks to Melite, gets to know the mysteries of love. The divine character of this mysteries, publicly questioned by Thersander, is then recognized by god's judgment, before Clitophon's tale is a panegyric speech, which annihilates Isocrates' opposition between futile speeches pronounced "against the deposit" or "on private contracts" and the noble eloquence, which occupies itself with education and politics
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Samoyault, Tiphaine. "Romans-mondes les formes de la totalisation romanesque au vingtieme siecle." Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081168.
Full textAbstract:
Un double itineraire historique et typologique vise d'abord a situer la problematique de la totalite dans le roman du vingtieme siecle, a signaler sa presence sous la forme souvent moins autoritaire et plus moderne de la totalisation. Ce travail prealable permet de proposer une theorie des differentes formes sous lesquelles elle se presente, serielle, encyclopedique et archetypique. L'eclatement des representations et la disparition d'un centre qui soit en meme temps un principe d'intelligibilite du monde transforme le rapport du roman du vingtieme siecle a la totalite. L'effort de totalisation reste pourtant au fondement de bien des entreprises romanesques du vingtieme siecle (proust, joyce, musil, broch, celine, durrell, simon, entre autres et, plus particulierement analyses, mann, aragon et perec), sous les formes distinctes de la serie, du cycle, de la chronique, ou bien de l'epopee, de la somme ou de l'encyclopedie. Une fois rendus caducs l'unite et l'ordre qui soutenaient autrefois la totalite, cette derniere, orientee autour du principe de multiplicite, ne constitue plus la notion pleine et signifiante qu'elle pouvait etre dans la philosophie ou la metaphysique : elle n'est plus un absolu. Liee a une problematique de la representation, la totalite se charge a la fois de la nostalgie de son sens ancien et du sens de sa perte. Dans l'horizon problematique de la modernite romanesque, la totalite, sans offrir un modele redempteur ou un absolu formel, cherche a montrer sans relache ce qu'elle est devenue et ce qui peut faire son sens aujourd'hui<br>This study analyses the link between totality and the novel in the twentieth century in both historical and typological way, in order to produce a theory of the forms of totalization - serial, encyclopedic and archetypic. (totality being scarcely possible or completed, totalization seems to be a more convincing notion to deal with the modern novel). In spite of the splitting of representations and the disappearance of a central point which could be in the same time a comprehensive principle for the world, the twentieth century novel transforms its way to express totality ; nevertheless the concept remains an important one for many texts (proust, joyce, musil, broch, celine, durrell, simon, among others - peculiarly, the study lay stress on mann, aragon and perec), and under various forms (epic, encyclopedia, cycle, saga, series. . . ). Neither unity nor order, which were the mere basement of totality before, can be ontological and aesthetic principles of totality anymore ; multiplicity, which gives a new significance to it, seems to be its new principle. Works of art still strive for realizing totality, confronting its old significance to the sense of its loss. Totality is not a redeeming paradigm for the form but many forms maintain it as an attempt to give the largest representation of the multiplicity of the world
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Spahiu, Alketa. "De l'épopée au roman: culture et création dans l'oeuvre d'Ismail Kadaré." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040190.
Full textAbstract:
Empreint de l'épopée, l'univers kadaréen dépasse le cadre spatio-temporel du roman pour se draper de l'étoffe des tragiques grecs. En Albanie cohabitent, encore aujourd'hui, le monde de l'oral et celui de l'écriture. Les rhapsodes deviennent des écrivains, les écrivains des rhapsodes. A l'instar de ces aèdes et rhapsodes qui portent en eux la tradition épique, Kadaré nous offre, à travers une écriture mouvante, une littérature orale traversée par le souffle épique. Dans son œuvre romanesque, l'histoire se mêle à la légende, la réalité au rêve comme pour mieux capter l'essence du monde épique, un monde dont les racines ne seraient pas uniquement grecques, mais aussi albanaises et balkaniques. Dans ce travail, il s'agit de partir à la recherche de l'épopée dans une Kadarie faite de pierres et de pluie ; une Kadarie hors temps qui se parle, qui s'écoute et qui se regarde ; une Kadarie qui s'écrit afin de protéger ce dernier souffle qui la traverse<br>Influenced by the epic , the Kadarian universe goes beyond the space/time frame of the novel in order to take on the fabric of the Greek tragedies. In Albania the worlds of oral tradition and that of writing still overlap, even in our modern world. The storyteller becomes writer, and the writer becomes storyteller. Following the example of those bards and storytellers whose work is anchored in the epic tradition, Kadaré gives us, through his constantly shifting writing, an oral litterature with an inspiration born of the epic tradition. In his fiction, story mixes with legend, and dreams with reality so as to capture all the better the essence of this epic world, a world whose roots are not only Greek, but also Albanian and Balkan. This study goes in search of the epic in a Kadarian universe built of stone and rain ; a timeless Kadarian universe which is spoken, listened to and looked at observed from all angles ; a Kadarian universe which is written down so that the epic inspiration can be protected
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Sikalumba, J. K. "Milieu social et création littéraire dans les oeuvres romanesques des romanciers africains francophones et anglophones contemporains : essai d'analyse des pratiques littéraires dans les oeuvres romanesques de quelques romanciers d'expressions française et anglaise." Paris 12, 1998. http://www.theses.fr/1998PA120001.
Full textAbstract:
Cette these gravite essentiellement autour du theme de milieu social et creation litteraire. Nous nous sommes interesse a etudier les oeuvres romanesques principalement a trois niveaux, a savoir : au niveau des causes et des consequences de la dualite du mode de vie qui regit la societe africaine contemporaine et au niveau de la narratologie. L'etude des premieres rencontres entre les africains et les europeens et l'infiltration des valeurs culturelles de la societe occidentale dans la societe africaine a travers l'ecole nouvelle et l'eglise montre que la fiction s'apparente a la realite. Le milieu social joue le role de catalyseur par rapport a l'imaginaire de chaque romancier. L'etude du probleme du pouvoir politique nous revele l'individualisme au sens negatif du terme chez les nouveaux dirigeants. Leur appetit insatiable pour le pouvoir et la richesse les rend brutaux a l'endroit de leurs concitoyens. L'autre preoccupation majeure chez les romanciers porte sur les consequences economiques. Linguistiques et socio-culturelles occasionnees par la dualite du mode de vie. Et si les romanciers ont comme denominateur commun l'emprunt des materiaux de construction au milieu social, l'etude a montre que chaque romancier a sa maniere d'utiliser ces materiaux. C'est surtout l'etude de la narratologie qui nous a revele la particularite des pratiques litteraires de chaque romancier. Bref, chaque romancier cree, a sa maniere, une oeuvre romanesque<br>This thesis turns mainly round the theme of social environment and literary creation. Our interest was to study the literary works mainly at three levels, namely : at the levels of causes and consequences of the duality of the way of life which governs the contemporary african society and at the level of narratology. The study of the first encounter between africans and europeans and the infiltration of the african society by the cultural values of the western society through the new school and the church shows similarity between fiction and reality. The social environment plays the role of a catalyst concerning the imagination of each novelist. The study of the problem of the political power reveals the new leaders' individualistic behaviour in the negative sens. Their insatiable craving for power and richness makes them brutal towards their fellow countrymen. The other major preoccupation of the novelists centres around the economic, linguistic and socio-cultural consequences brought about by the duality of the way of life. And if the novelists have as common denominator the borrowing of constructing materials from the social environment, the study has shown that each novelist has his own way of using these materials. It is especially the study of narratology which has revealed the particularity of each novelist's literary practice. In short, each novelist has his own way of creating a literary work
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Ko, Byung-Chan. "Stendhal romancier de l'ascension sociale." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080884.
Full textAbstract:
Stendhal s'est attache a decrire les efforts entrepris par ses heros pour s'elever dans la hierarchie. Il s'agissait de decouvrir la dynamique de cette demarche. Ces heros appartiennent generalement a l'aristocratie ou a la bourgeoisie. Et aucun lieu plus que les salons ne pouvait mieux permettre d'eclairer leurs intrigues, interets et ambitions. Mais l'ascension sociale se termine chez tous les heros par un echec. Ils quittent tous ce monde de bassesse pour se retirer dans la solitude ou les attend le vrai bonheur. Cette analyse tient compte des caracteres du roman : fiction, autofiction, representation sur la realite, attitudes des personnages principaux et secondaires. Stendhal brosse la peinture d'un temps et d'une societe qui l'ont parfois indigne et revolte. Il installe l'histoire dans l'histoire des romans. L'analyse prend aussi en compte la specificite de l'ecriture du moi. L'autobiographie de stendhal apparait comme un secercice de reminiscence qui conditionne la narration. Cette ecriture du moi est le point de depart de sa reflexion. Quant a l'analyse socio-historique, elle s'applique a une periode importante de l'histoire de france, au cours de laquelle on rejette les anciennes croyances pour creer un monde nouveau. Divers elements sont etudies successivement : vie provinciale et parisienne, phenomene des classes sociales, role des salons et de l'argent dans la politique et l'ascension sociale, theme de l'esprit et de l'energie et important chez stendhal. Enfin, le probleme des differentes "moi" des heros : virtuel, reel et actuel, est analyse avec rigueur<br>Stendhal was devoted to descritbing his heroes endeavors to climb the hierarchy of the social ladder and to revealing the mechanismes of these efforts. His heroes were aristocrats or of the bourgeoisie and there was to highilight their intrigues, interets and ambitions than in their salons. However the climb up the social ladder finishes badly for all of stendhal's heroes. They abandon this base world to withdraw to solitude where they discover true happiness. This analysis takes into account characteristics of novels-fiction, autofiction, portrayal of reality, attitudes of the main and secondary characters. Stendhal paints the picture of a period and a society that at times left him indignant and revolted. He weaves history into the plots of his novels. This analysis considers the specificity of his writing about himself. Stendhal's autobiography seems like a ritual of reminiscence that meters his narration. Writing about himself is the starting point of his contemplation. The social-historical analysis is period in the history of france during which old beliefs are regjected and a new social order is established. Diverse elements are studied: provincial and parisian life, phenomenon of social classes, role of salons and money in politics and social ascent, and theme of esprit and energy which are to stendhal. Finally the problem of the mainifold "me" of the heroes-virtual, real and actual-is examined in detail