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Dissertations / Theses on the topic 'Esthétique et réception'
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1
Arcuri, Carlo. "L'inquiétante familiarité : typologie et histoire de la réception." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0313.
Full textAbstract:
Notre travail se propose de "traquer" un concept: celui de reception productive. Pour ce faire nous retracons d'abord la genese philosophique des moments fondamentaux de l'esthetique de la reception, depuis la catharsis aristotelicienne jusqu'aux analytiques du sublime chez burke et kant. Cet excursus philosophique tend a montrer que l'"esthetique de la reception" est le presuppose implicite de toute esthetique moderne. Dans ma deuxieme partie nous nous proposons de montrer la mise en pratique d'une telle esthetique par l'analyse de textes litteraires et d'oeuvres picturales francais et allemands portant sur le theme de don juan. Nous avons envisage ce personnage de seducteur et ses metamorphoses au xixe siecle en tant qu'allegorie et mise en abyme des differents paradigmes du rapport entre art, litterature et quotidiennete. Dans le dernier chapitre nous avons en outre aborde le theme des "ruines" et de la restauration de monuments du passe entre le xviiie et le xixe siecle pour montrer comment le siecle des lumieres inaugure deja une conception de l'oeuvre d'art comme objet inacheve qui inclut dans son "rayonnement" le recepteur et son horizon.
2
Bernard-Faivre, Dominique. "Esthétique de l'oeuvre et/ou esthétique des effets. Continuité et/ou rupture dans les arts plastiques contemporains : vers une esthétique de la réception ?" Thesis, Besançon, 2012. http://www.theses.fr/2012BESA1001/document.
Full textAbstract:
Notre thèse aborde la question de la beauté dans les arts plastiques d'aujourd'hui. Celle-ci en effet ne va pas de soi, si l'on en croit notamment les multiples publications manifestant un rejet de l'art contemporain. Peut-on parler, actuellement, d'une esthétique de l'œuvre renvoyant à une science du beauté à une satisfaction d'ordre essentiellement intellectuel? Soit de beauté intrinsèque qui, comme dans l'art de la Renaissance, relève tant de l'harmonie et de la justesse de ses formes que de la légitimité de son contenu, grâce à la mise en évidence du bien-fondé de la mimêsis, de la perspective ou des motifs religieux ? Ou bien faut-il plutôt, pour pouvoir juger de la valeur esthétique de l'art contemporain, accorder une place de choix à la singularité de ses causes et effets, en opérant notamment un inévitable glissement vers une science du sensible ? Or notre parallélisme entre "esthétique de l'œuvre" et "continuité" dans l'histoire de l'art d'une part, puis "esthétique des effets" et éventuelle "rupture" d'autre part, nous a conduits à interroger d'abord ces éléments de rupture tels que le refus de la profondeur ou de la représentation figurative, mais aussi celui de la réalisation ouvragée et de la matière noble. Mais il nous a aussi amenés, malgré des conditions politiques ou techniques spécifiques de réalisation, à nous pencher sur une véritable poiêsis contemporaine. Car avec les œuvres plastiques de notre époque, il s'agit bien, toujours et incontestablement, d'art et même "d'épiphanie", dès lors que l'on s'en réfère à la vision ontologique et apologétique du philosophe François Dagognet<br>Our thesisconcerns the question of beauty in the contemporaries plastic arts. But this one does not without saying, if we consider the simple fact of the numerous publications concerning the rejection of contemporary art. May we speak, today, of a "work's esthetic" which refers to a "science of beauty" and to an essentially intellectual satisfaction? We mean an intrinsic beauty, like the one of the Renaissance's art, concerning as much the harmony as the exactness of the forms or the legitimacy of its contents. We mean an art which puts in a prominent position the mimêsis, the perspective's method or the religious motifs. Or would not it be better, in the intention to become able to judge of the esthetic value of contemporary art, to give a first place to the singularity of his causes and effects, at the same time we slide towards a "science of the sensibility" ? In fact, our parallelism between "work's esthetic" and "continuity", then between "effect's esthetic" and a possible "breaking" makes us think about reasons of this breaking, such as the refusal of profundity or as the figurative representation, as well asthe rejection of construction works or noble material. However, we have succeded to consider contemporary art as a real and new poiêsis, in spite of his specific political and technical ways of realisation. And we may assert that, today, undeniably, it is the matter of real art, and even of "epiphany", as soon as we refer to the ontological and laudatory point of view of the philosophe François Dagognet
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Lontrade, Agnès. "Le plaisir esthétique : subjectivité, intersubjectivité et politique du sentiment." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010603.
Full textAbstract:
Cette recherche s'intéresse à la subjectivité de la réception esthétique sous l'angle de ce que l'on nomme communément le " plaisir esthétique ". La dimension intersubjective du sentiment pensée comme une Idée par Kant est ici envisagée dans ses conséquences pragmatiques et empiriques. Le principe de communicabilité universelle au fondement du sentiment s'ouvre à une politique du plaisir (Arendt, Schiller, Marcuse) grâce au thème du jeu, perçu d'un point de vue philosophique et artistique (Robert Filliou et Allan Kaprow), réconciliant ce qui avait été séparé par Kant, à savoir le plaisir comme contemplation et le plaisir comme fonction vitale. Le passage de la subjectivité à l'intersubjectivité puis à la praxis sociale du plaisir, qu'il soit utopique ou effectif, positif ou pernicieux dans ses consensus, ne peut néanmoins faire l'impasse de la notion de désintéressement paradoxalement axée sur une distinction radicale de l'esthétique et de la vie.
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Baillot, Anne. "Genèse et réception de la pensée esthétique de K.W.F. Solger entre 1800 et 1830." Phd thesis, Université Paris VIII Vincennes-Saint Denis, 2002. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00783069.
Full textAbstract:
La pensée esthétique de K.W.F. Solger (1780-1819) constitue un axe essentiel de ses réflexions philosophiques et philologiques, et marque chacune des étapes de son évolution intellectuelle. Ce travail en éclaire la genèse et la réception à partir de ses manuscrits et de leurs premières éditions posthumes. Sont d'abord présentées les sources dont nous disposons (imprimées et manuscrites), ainsi que les rpaports entre ces différents textes, et les concepts forts de la pensée esthétique de Solger (symbole, tragique et ironie). Une analyse historique permet ensuite de dégager les grandes lignes de la biographie intellectuelle de Solger, et plus spécifiquement son rôle au sein de l'université de Berlin entre 1811 et 1819. Un travail sur les différents états de textes montre pour finir les enjeux littéraires d'une oeuvre laissée inachevée par son auteur et largement remanièe par ses éditeurs posthumes. L'ensemble de cette recherche s'appuie plus spécifiquement sur la correspondance de Solger, et s'attache à retracer les relations de l'un des protagonistes du Berlin romantique et idéaliste avec ses contemporains.
5
Coron, Anne. "La gouache découpée dans l'oeuvre de Henri Matisse : pratique, esthétique, réception." Amiens, 2005. http://www.theses.fr/2005AMIE0015.
Full text
6
Sena, Caires Carlos de. "Lesconditions du récit filmique interactif : dispositifs et réception." Paris 8, 2010. http://octaviana.fr/document/152170324#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
La genèse de ce travail de recherche sur le récit filmique interactif trouve son fondement dans l’idée que la narration cinématographique associée aux installations interactives et à l’art vidéo-interactif requière au stade actuel d’investigation et d’innovation un travail de délimitation et d’identification des conditions spécifiques de conception, présentation et réception des œuvres. Notre sujet touche plusieurs domaines de la connaissance, du langage cinématographique à l’interactivité. Nous avons centrez la question sur les notions de récit, de narration et d’histoire, et nous avons essayez de mesurer à quel point les installations (vidéo-) interactives, qui de nos jours utilisent le potentiel interactif du numérique, sont porteuses d’une nouvelle forme narrative qui défie aussi bien l’auteur qu’un spectateur-participant (métamorphosé en interacteur). Ainsi notre travail de recherche s’est centré sur l’étude des éléments nécessaires à l’analyse et à la production d’œuvres interactives ayant en commun la présentation des récits filmique, et d’en limiter les conditions du point de vue de la réception et de ses dispositifs de mise en œuvre. Trois grands types forment le trait conclusif de cette thèse : (1) des conditions narratives spécifiques, (2) des dispositifs interactifs singuliers et intuitifs et (3) des conditions renouvelées de la réception des œuvres. Converger l’art numérique, le cinéma et les dispositifs (interactif et de réception) sous une dimension renouvelée de la salle de cinéma, de la technologie de saisie et de projection de l’image et du récit du point de vue de la narration et de l’organisation des relations spatio-temporelles nous paraît essentiel à toute proposition dans ce domaine<br>This research task is based on the interactive filmic narrative and its genesis comes from the idea that the cinematographic narration (along with the interactive installations and interactive video art) requires a work of delimitation and identification of the specific conditions of design, presentation and reception of the artistic works in the present stage of investigation and innovation. Our subject ranges over several fields of knowledge, from the cinematographic language to the interactivity. On the one hand, we have considered the question on the concepts of narrative, narration and history, and on the other, we have tried to measure to what extent the interactive (video) installations (which nowadays use the interactive potential of the digital), are carrying a new narrative form which defies the author as well as the spectator-participant (metamorphosed as an interactor). Thus our research task was focused on two items, on the one side, the study of the necessary elements for the analysis and the production of interactive pieces of work, which have in common the presentation of the filmic narrative. On the other side, we tried to limit their conditions from the point of view of the reception and its devices of implementation. Three great types form the conclusive feature of this thesis: firstly, specific narrative conditions; secondly, singular and intuitive interactive devices and, thirdly, renewed conditions of the reception of art works. Converge numerical art, the cinema and the interactive devices (and of reception) under a renewed dimension of the cinema hall, technology of capture and projection of the image and narrative from the point of view of the narration and organization of the space-time relations appears essential to us for any proposal in this field
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Sekimura, Makoto. "Réception et création des images chez Platon." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2006. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210799.
Full textAbstract:
L’objet de ce travail consiste à étudier systématiquement le rôle de l’image platonicienne en mettant surtout en relief les modalités des actions des hommes qui reçoivent et créent les apparences. Platon intègre la fonction de l’image dans son propre système de pensée qui porte sur la relation du sensible et de l’intelligible. Ce philosophe est très sensible à la modalité par laquelle les phénomènes apparaissent dans le champ de notre perception et oppose deux types d’apparence :l’image et le simulacre. L’image est une apparence qui invite le spectateur à saisir le modèle et à mesurer la proportion de l’apparence par rapport au modèle, tandis que le simulacre est une apparence qui trompe le spectateur en lui faisant prendre une illusion pour une réalité. L’opposition entre ces deux types d’apparence constitue l’ensemble de la motivation philosophique de Platon qui s’engage dans la lutte contre l’illusionnisme. C’est dans le Phédon que l’on peut découvrir la scène où émerge la conviction platonicienne à l’égard de cette stratégie fondée sur la mise en rivalité du simulacre et de l’image par la promotion de celle-ci. L’émergence de sa théorie innovatrice des images n’est pas indépendante de la formulation de l’idée selon laquelle les choses sensibles participent aux réalités intelligibles. C’est sans doute dans la République qu’il se préoccupe le plus de la mise en œuvre de cette idée en développant les questions qui concernent la réception et la création des images. Dans ce dialogue, ces deux actions sont étroitement reliées et synthétisées, pour former le système original de Platon, dans lequel le fondement de la théorie des Idées relève d’un certain dynamisme de l’action humaine qui crée et qui reçoit les images. Ce dynamisme se fonde notamment sur la fonction conductrice du tupos qui, comme principe, réglemente la perception et la création des images. On peut ainsi soutenir que la réflexion esthétique de Platon sur la fonctionnalité des images va de pair avec le mouvement intellectuel pour établir et développer la théorie des Idées.<br>Doctorat en philosophie et lettres, Orientation philosophie<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished
8
Tenkoul, Abderrahman. "La littérature marocaine d'écriture française : réception critique et système scriptural." Paris 13, 1994. http://www.theses.fr/1994PA131002.
Full textAbstract:
Consacree a la litterature marocaine d'ecriture francaise, cette recherche comprend deux grandes parties. La premiere, porte sur la critique qui est faite de cette litterature. D'une part, nous y montrons comment une certaine critique, se basant sur quelques notions perimees, fonctionne comme un instrument de conservatisme et de resistance a toute nouveaute d'ecriture. D'autre part, nous y analysons en termes de pertinence et de validite quelques paradigmes critiques : psycho-sociologique, thematique, formaliste. La deuxieme, est centree sur quelques procedes d'ecriture. Nous y montrons en premier lieu comment la litterature marocaine d'ecriture francaise est parvenue a se frayer son propre cheminement en depit de toutes les contraintes. Nous y montrons en second lieu, en procedant a l'analyse des marges du texte et de quelques exemples du discours poetique, comment cette litterature se donne a lire comme transparence et palimpseste. Le but de cette recherche est de tenter d'elaborer une nouvelle approche de la litterature marocaine d'ecriture francaise fondee sur le rapport qu'elle veut etablir avec celui qui lui donne vie et survie : le lecteur<br>This study about moroccan literature of french expression is formed of two main parts. The first part is about criticism of this literature. On the one hand, we point out that certain criticism based on some outdated notions is considered to be an instrument of conservation and resitence to any new form of writing. On the other hand, we propose to examine from a much more critical and valie some psychological, thematic and formalistic paradigms. The second part concerns itself with the technics of writing. We have tried to trace the development and evolution of the moroccan literature of french expression taking into account its social issues and the imperatives of modern aesthetics. By examining the paratext and some examples the poetic discours, we have demonstrated how this literature is constructed as a transparent object and enigmatic at the same time. The purpose of this research is to come out with a new approach to the moroccan literature of french expression based on the relationship which it intends to maintain with that of the reader
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Baillot, Anne. "Genèse et réception de la pensée esthétique de K. W. F. Solger entre 1800 et 1830." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082178.
Full textAbstract:
Ce travail éclaire la genèse et la réception de la pensée esthétique de K. W. F. Solger (1780-1819) entre 1800 et 1830 à partir de ses manuscrits et de leurs premières éditions posthumes. Sont d'abord présentées les sources dont nous disposons ainsi que les rapports entre ces différents textes et les concepts forts de la pensée esthétique de Solger. Une analyse historique permet ensuite de dégager les grandes lignes de sa biographie intellectuelle, et plus spécifiquement son rôle au sein de l'Université de Berlin entre 1811 et 1819. Un travail sur les différents états de textes montre pour finir les enjeux littéraires d'une œuvre laissée inachevée par son auteur et largement remaniée par ses éditeurs posthumes. L'ensemble de cette recherche s'appuie plus particulièrement sur la correspondance de Solger, et s'attache à retracer les relations de l'un des protagonistes du Berlin romantique et idéaliste avec ses contemporains<br>Our work, based on K. W. F. Solger's (1780-1819) manuscripts and posthumous editions, will enlighten the genesis and reception of his aesthetics between 1800 and 1830. After presenting his printed as well as his unprinted texts, we will describe how these are connected to one another and which concepts they let prevail. His intellectual biography will then be drawn from a historical enquiry stressing out his role in the University of Berlin between 1811 and 1819. A comparison between the different types of texts available today will finally point out the literary stakes of a work that has been left unfinished by its author and has been widely revised by its posthumous editors. This research has been mainly based on Solger's correspondence and aims at pointing out his relationships to his contemporaries in the Romantic and Idealistic Berlin
10
Sirois-Trahan, Jean-Pierre. "Découpage, automates et réception : aspects du cinéma et de ses débuts (1886-1915)." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030028.
Full textAbstract:
Cette thèse s’inscrit dans la mouvance qui, depuis une trentaine d’années, fait du cinéma des premiers temps* un champ prolifique et spécifique au sein des études cinématographiques. À la suite de mon mémoire, qui visait à catégoriser, dans une perspective essentiellement historique, les différents types de regards sollicités de la part de l’instance spectatorielle au cours de la période, cette thèse de doctorat vise à développer les aspects à la fois plus théoriques et épistémiques de la question et à ouvrir sur la question du découpage. On verra, entre autres, les horizons d’attente du cinéma des débuts : l’illusion de la Mort vaincue, le cinéma comme automate et la peur du train qui fonce sur les spectateurs. On critiquera le concept de dispositif en rapport avec la réception. L’objectif premier est de penser la transformation du découpage durant cette période, afin de comprendre comment s’est constitué, pour ne pas dire cristallisé, le langage du cinéma dit institutionnel. Cet objectif ne peut être atteint sans la prise en compte de la réception dans une perspective diachronique<br>This thesis is a part of the movement over the last thirty years that has made the study of early cinema a prolific and specific area within film studies. Following my Master’s thesis, which aimed to categorize from an historical perspective the different kinds of gazes produced by the instance of spectatorship during the early period, this doctoral thesis aims to develop both the theoretical and epistemic sides of the same question and to elaborate on the question of decoupage. We will consider, among other topics, the horizons of expectation of early films: the illusion of defeated Death, film as automaton and the fear of the on-coming train. We will criticize the concept of apparatus when applied to that of spectatorship. Our primary objective is to analyze the transformation of decoupage during this period, in order to better understand how the language of institutional film was developed, if not crystallized. This objective cannot be reached without careful consideration of spectatorship from a diachronic perspective
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Quintana, Cécile. "L'effet esthétique dans la nouvelle mexicaine contemporaine (1980-1995)." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030106.
Full textAbstract:
La production massive de nouvelles mexicaines dans les années 1980-1995, a ouvert une perspective euphorisante. Si cette période ne correspond pas à l'émergence d'une nouvelle génération, certaines préoccupations esthétiques sont néanmoins coi͏̈ncidentes : revitalisation du langage, discours métapoétique, combinaisons transtextuelles, rappellent les caractéristiques d'une écriture postmoderne. C'est donc un genre qui ne se distingue pas par sa nouveauté mais par sa maturité. Il sonde toutes les voies possibles de l'écriture et abolit les frontières génériques, y comprit celles de la poésie. C'est pourquoi il semble plus opportun de théoriser la nouvelle à partir de la lecture. L'Effet esthétique est à envisager sur trois niveaux : la lecture phénoménologique, la lecture identifico-émotionnelle et la lecture littéraire. .<br>The large number of Mexican short stories written between 1980 and 1995 opened up exhilarating perspectives about this literary genre. This period did not witness the birth of a new generation but most writers shared a certain number of aesthetic concerns : a revival of language, metapoetic discourse, intertextual combinations, all of which recalling characteristics of post-modern writing. Therefore the genre, if not new, stands as a more mature one for it experiments with all possile ways of writing and gets rid of all generic frontiers, includind those of poetry. From then on, it has been impossible to identify fixed rules of writing. That is why it seems more appropriate to propose a theory about short story writing from the point of view of the act of reading. The aesthetic effect is to be considered from three perspectives : phenomenological reading, identifico-emotional reading and literary reading. .
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Coudreuse, Anne. "Tentation et refus du pathos dans la littérature française du XVIIIe siècle : esthétique, éthique, réception." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081318.
Full textAbstract:
Ce travail sur le pathos dans la litterature francaise du xviiie siecle porte plus particulierement sur les questions esthetiques et ethiques soulevees par cette notion, ainsi que sur sa reception au xxe siecle. L'analyse d'extraits exemplaires debouche sur un modele theorique du pathos, considere comme l'ensemble des moyens mis en oeuvre par le texte litteraire pour emouvoir le lecteur. Cette recherche se situe au croisement de la rhetorique, de l'histoire des mentalites et de l'histoire des representations aussi bien theatrales que picturales. L'etude lexicologique du pathos s'appuie sur la base de donnees frantext et sur les dictionnaires du xviiie siecle. Les oeuvres theoriques de marmontel, de chamfort et de l'abbe du bos prouvent l'importance du pathos dans le champ esthetique de cette periode, surtout dans les genres narratif et dramatique, en un siecle longtemps tenu pour un "desert poetique". Le pathos est propice au melange des formes esthetiques et des genres litteraires. Il met le corps et le langage a l'epreuve. Il induit une redefinition des roles sexuels dans la representation des emotions; les larmes ne sont pas l'apanage des femmes. Le pathos se deploie toujours dans un texte adresse qui cherche a avoir un effet sur le lecteur. Le choix des larmes, s'il repond a un gout dominant du public de cette epoque, est aussi un choix des armes, determine par une strategie, comme le montre son utilisation dans les proces et dans les romans libertins. Mais au xviiie siecle, le pathos fait egalement l'objet d'un refus dans lequel se conjoignent des raisons historiques, esthetiques et ethiques. La parodie, l'ironie et l'apathie permettent d'en denoncer l'obscenite et le mauvais gout. On trouvera en annexe une etude sur l'elegie, l'histoire et le pathetique dans la poesie de chenier ainsi que des extraits de textes qui n'ont jamais ete reedites: cubieres, coqueley de chaussepierre, charles bordes. .<br>This survey of pathos in 18th century french literature is chiefly concerned with esthetical and ethical matters, as well as with the way they are re-interpreted in the 20th century. Through the reading of a sample of pathetic texts, a definition of pathos itself is envisaged : the word is applicable to whatever technique likely to raise emotion in the reader. The background to this study is thus multiple and ranges from rhetorics to the history of representation. Along with lexicological research, theoretical works of the period, such as those of abbe du bos, marmontel and chamfort, contribute to assert the importance of pathos in the whole 18th century production, especially in the fields of narration and drama. Pathos is somewhat of a melting pot of different esthetical forms and genres. It is a test for language and the body, through which new sexual identities become revealed, since not only women were then allowed to weep. Pathos systematically tends to involve the reader. Although lachrimose writing may be a taste peculiar to the siecle des lumieres, the fact remains that the shedding of tears is, in most cases, politically oriented, as witness its prevalence in legal proceedings or libertine novels. Yet, the seduction of pathos sometimes gives way to rejection. It is then dismissed as mere obscenity, and heavily mocked by parodic and ironic authors. A study of elegy and pathos in chenier's poetry, as well as a number of texts never republished since the 18th century (coqueley de chaussepierre, cubieres, bordes) will be found in the annex
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Bost, Sébastien. "Barbara : la morsure et la caresse - une esthétique de la déchirure." Thesis, Tours, 2019. http://www.theses.fr/2019TOUR2008.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie la démarche artistique singulière de la chanteuse Barbara. Elle examine pour cela les thèmes récurrents de son répertoire, ses principes d'écriture, de composition et d'interprétation, son personnage de scène, son rapport au public et sa conception même du métier de "femme qui chante". Identité, écriture, performance vocale et scénique : ces champs de la création sont liés chez Barbara, et il s'agit de montrer que leur cohérence est fondée sur la notion de déchirure. Le mot désigne une souffrance inscrite dans la mémoire de qui l'éprouve, toujours active même si l'événement qui l'a fait naître est ancien ; une blessure non refermée que l'art d'écrire et de chanter permet d'apaiser. Doit-on rappeler qu'il vient de l'ancien français "escire" qui signifie "mettre en morceaux" et que la langue française donne aussi au mot "morceau" le sens de "pièce musicale" ? En ce sens, les épreuves vécues dans sa jeunesse nourrissent l'inspiration de Barbara ; seulement, lorsqu'on étudie comment elle procède pour les exprimer, on s'aperçoit que ses déchirures constituent autant chez elle une source d'inspiration qu'un ensemble de principes structurels, esthétiques et éthiques qui façonnent entièrement son oeuvre et déterminent sa réception. Dans cette optique, chanter consiste moins pour Barbara à éliminer ses douleurs qu'à les intégrer à son art et à les convertir en forces fécondantes. Cette thèse analyse les enjeux et les modalités de cette conversion pour mieux comprendre les processus de création et de réception d'une artiste considérée à juste titre comme une figure majeure de la variété française<br>This thesis explores the unique artistic process of the singer Barbara. To that end, it studies the recurring themes of her repertoire, her writing, composition and interpretation principles, her stage persona, her connection to the public, and her idea of the profession of "singing woman". Identity, writing, and vocal and stage performance : all these creative fields are linked in Barbara's work, and the aim is to show that their consistency is based on the "wrench" concept. The word refers to a suffering written into the memory of whoever feels it, still active, even if the event that caused it is old ; a wound not healed, alleviated by writing and singing. Is it necessary to recall that the French word, "déchirure", cames from Old French "escire" which means "tear to pieces", and that, in both French and English languages, "piece" also means "musical composition" ? In this respect, the ordeals Barbara experienced during her youth fed her inspiration. But, when we study how she expresses them, we realize that her wrenches are as much a source of inspiration as a set of structural, aesthetic and ethical principles which shape her work and determine the public's reception. In this regard, singing seems to be less a way to relieve her pain than a way to include them in her art and to convert them in fruitful strengths. This thesis analyses the issues and the conditions of that conversion to better understand the creation and perception processes of an artist rightly seen as a major figure of French popular music
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Kawashima, Bertrand Atsuko. "Expérience esthétique au musée : impact du parcours et des cartels." Saint-Etienne, 1999. http://www.theses.fr/1999STET2052.
Full textAbstract:
Cette étude présente deux perspectives de recherche : la détermination de certaines spécificités de l'expérience esthétique dans le cadre de la visite effectuée dans le musée d'art, et l'élaboration d'une méthode d'analyse des données textuelles recueillies par entretien. Nous étudions la spécificité de l'expérience esthétique au musée d'art selon trois facteurs susceptibles de l'influencer : l'effet d'accrochage (ordre de présentation des oeuvres), les effets propres aux originaux dans la situation muséale comparés aux reproductions, l'effet des cartels accompagnant les oeuvres. Cette étude comprend deux parties ; la première traite de l'approche théorique selon deux courants de recherche : l'expérience esthétique et le fonctionnement cognitif du sujet confronté à des oeuvres d'art, et d'autre part la présentation des oeuvres dans le musée d'art et les aides à la visite qui peuvent être fournies au visiteurs. La deuxième partie de cette étude est consacrée à l'approche empirique la méthode d'analyse qui s'appuie sur l'outil informatique (tropes) permet un comptage des mots et la recherche des mots constituant le sens des discours. Cette méthode remplace la grille d'analyse classique, et en réduit la subjectivité du codage. Nous avons montré que la production verbale et le contenu des discours varient selon le sens de visite au musée : cette variation est liée aux changements de thèmes présentés. Par contre, les discours face aux reproductions ne présentent pas cet effet du sens de la visite, et sont d'une moindre richesse que les discours au musée, en particulier par rapport à l'expressivité et à l'aspect formel des oeuvres. L'étude des cartels montre comment les visiteurs s'en approprient le sens, et utilisent cet acquis dans leurs reformulations et pour l'analyse des tableaux ; mais elle montre aussi comment certains cartels peuvent être source de confusion pour les visiteurs non experts<br>This study is conducted according to two research points of view : the determination of some specificities of aesthetic experience as part of a visit in an art museum, and the elaboration of a method to analyze the textual data gathered by an interview. I study the specificity of the aesthetic experience in an art museum according three factors that could influence it : effect of the presentation order of the works of art, effects specific to the originals in the setting of the art museum, compared to reproductions, effect of the captions of the works of art. This study contains two parts ; the first one presents the theoretical background of the study, focusing on the aesthetic experience and the cognitive operations of the subject in front of works of art, and on the other hand on the presentation of the works of art in the museum and the assistance that can be proposed to the visitor. The second part of this study is devoted to the empirical approach : our analysis method based on a computational software (tropes) allows the counting of words and the research of the words creating the meaning of the discourse. This method replaces the categorical analysis classically used, and reduces the subjectivity of the coding by those categorical analysis. I have shown that the verbal production and the contents of the discourse change according to the order of visit in the museum : this variation depends on the changes of the themes presented. In opposition, discourse in front of the reproductions do not change with the order of visit, and are less rich than the discourse in the museum, particularly on the points of the expressivity and formal aspect of the works of art. The study of the captions shows how visitors appropriate their meaning, and use it in their reformulations and for the analysis of the pictures ; but also how some captions can lead into confusion non-expert visitors
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Letissier, Georges. "La trace obsedante de l'intertexte victorien dans l'ecriture romanesque contemporaine." Nantes, 1997. http://www.theses.fr/1997NANT3022.
Full textAbstract:
Si, depuis j. Fowles et the french lieutenant's woman, le roman contemporain de langue anglaise revisite l'epoque victorienne, les voies empruntees par les romanciers se sont diversifiees exposant ainsi les multiples facettes d'un victorianisme aux contours rendus incertains. Cinq textes publies dans la decennie 1982-1992 (the great fire of london, possession, changing heaven, ever after, poor things) constituent un eventail des differents traitements d'un corpus victorien eclectique, de "premiere main" : little dorrit, wuthering heights, ou recompose par une ecriture au second degre. Ce qui rapproche p. Ackroyd, a. S byatt, g. Swift de l'ecossais a. Gray et de la canadienne j. Urquhart c'est une tension de l'ecriture generee par une relation dialectique entre un hypotexte victorien et un recit-cadre actuel. Dans une veine postmoderne chacune des fictions interroge la nature du referent romanesque, faisant de la trace de l'intertexte victorien un horizon de l'ecriture jamais pleinement conquis. La theatralisation de la voix/des voix par ventriloquisme ou encore a travers les accrocs d'une enonciation hachee et fragmentee surdetermine la relation intertextuelle dans des romans qui privilegient tous la fonction dialogique definie par bakhtine. Enfin, le roman a intertextualite victorienne met en scene l'activite lectorale. L'importance attachee au paradigme darwinien ainsi que la reflexion menee sur l'ecriture de l'histoire traduisent les incertitudes de notre fin de siecle/fin de millenaire. Cependant c'est le plaisir pur du recit que rehabilitent ces auteurs/lecteurs omniconscients de l'art du raconter et de ses artifices<br>Since fowles's the french lieutenant's woman, a lot of fiction written in enghlish has revived the literature of the victorian age. Novelists have devised new ways of relating to the victorian intertext and highlighted the many-faceted aspects of the victorian era while blurring its contours in the process. Five novels published between 1982 and 1992 (the great fire of london, possession, changing heaven, ever after, poor things) constitute a significant sample of the various means of coming to terms with an eclectic victorian intertext which may be genuine (little dorrit, wuthering heights), or parodied. The point in common between the five novelists (ackroyd, byatt, urquhart, swift, gray) lies in a tension in the writing process between the victorian hypotext and the contemporary framing narrative. In a typically postmodernist vein each fiction calls into question the very nature of its referent. The intertextual relationship is foregrounded through a theatrical representation of the polyphonic voices. Lastly the novels refer to the reading activity. The emphasis laid on the darwinian paradigm and the epistemological reflection on the writing of history testify to the uncertainties of our own fin de siecle. Yet these reader/novelists overconscious of the guiles of fiction-writing rehabilitate the pure delight of story-telling
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Coavoux, Samuel. "Sociologie de l'expérience esthétique. Contextes et dispositions dans les réceptions muséales d'un tableau de maître." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSEN009.
Full textAbstract:
À partir d'une enquête ethnographique sur les réceptions situées d'un tableau de Nicolas Poussin conservé au musée des beaux-arts de Lyon, cette thèse interroge la place de la visite au musée d'art dans les répertoires de loisir des classes moyennes et supérieures. Elle s'appuie sur trois matériaux principaux : environ 50 journées d'observations in situ de l'activité des visiteurs, 45 entretiens de réceptions menées au musée, et 18 entretiens biographiques portant sur les habitudes de visite de visiteurs occasionnels ou réguliers aux profils sociaux similaires à ceux arrêtés au musée. La thèse met en évidence l'importance du statut des œuvres dans l'orientation et dans l'allocation de l'attention des visiteurs. Cet usage pratique de la légitimité culturelle produit un paradoxe : le tableau examiné est considéré comme un chef-d'œuvre, mais il suscite peu d'intérêt esthétique. L'examen lexicométrique d'un corpus d'articles de presse consacrés au tableau confirme que cette réaction s'étend à des publics professionnels comme les journalistes. Le malaise que provoque cette contradiction témoigne de l'importance de la compétence artistique statutaire. La thèse examine alors la place des dispositifs de médiation dans la réduction de cet écart. On peut interpréter la tendance à la déconnexion entre leur usage et la contemplation des œuvres comme un signe de l'importance du discours autorisé de l'institution pour les visiteurs faiblement ou moyennement dotés en ressources spécifiques. Enfin, l'analyse des biographies de visiteurs montre le poids de l'injonction normative à la visite ainsi que l'importance de son inscription dans des routines de loisirs<br>Drawing on an ethnographic study of the receptions of a Nicolas Poussin's painting curated at the Fine Arts Museum in Lyon, France, this dissertation analyses the position of museum visiting in the leisure repertoire of the middle and upper-middle classes. Three main data sources are used: about 50 days of observation of the activities of museum visitors, 45 reception interviews carried out inside the museum, and 18 biographical interviews on visiting habits with occasionnal or regular museum visitors. The dissertation sheds light on the central role of the artwork's status in their orientation and the distribution of their attention. This practical use of cultural legitimacy leads to a paradox: the painting is considered a masterpiece, but it has little aesthetic appeal. A lexicometric analysis of a corpus of newspapers articles confirms that this perspective may be extended to professional audiences, such as journalists. The unease this contradiction provokes in the audience is a reminder of the centrality of statutory artistic skill. The dissertation then analyses how mediation devices are used to fill this gap. The disconnection between the use of devices and the contemplation of the painting might be interpreted as the sign of how important the authorized, institutional discourse on the artwork is for visitors with low to average levels of specific resources. Finally, an analysis of visitors' biographies demonstrates that a normative injunction to visit greatly weights in visitors' practices, but that visits mostly occurs when they are embedded into leisure routines
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Lu, Shenghui. "Du littéraire au cinématographique : transformation et réception du texte par le film." Paris 8, 1995. http://octaviana.fr/document/181459523#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Adaptation| apres balasz, bazin et mitry, une serie de questions theoriques et ou methodologiques se posent encore sur ce phenomene. Qu'est-ce que c'est l'adaptation? quel est son statut theorique? pourquoi la reprend-on comme objet d'analyse? si cette etude s'aventure, en methodologie, dans la reconciliation entre bakhtine et g. Genette par la demarche de m. -ci. Ropars-wuilleumier, elle fait preuve d'eclectisme theorique entre le texte kristevo-barthesien, le lecteur d'u. Eco et la reception de h. R. Jauss a la lumiere des notions de polyphonie et de dialogisme. Quoi, comment, pourquoi : ce raisonnement permet de problematiser le sujet et d'analyser l'adaptation avec un corpus d'enjeu : journal d'un cure de campagne (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), le sorgho rouge (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), l'idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation etant problematisee comme transformation receptionnelle, le passage semiotique opere des changements structurels. Certes, la subjectivite de l'enonciation explique les modifications spatio-temporelles, mais le texte se reconstitue par la cooperation d'un lecteur pluriel convoquant la pragmatique dans le processus paradoxal d'ecriture et de reecriture. La reception chronotopique et socioculturelle s'avere consubstantielle a la translation structurelle operee dans un contexte concret de la production du sens. La notion de fidelite ne va pas de soi, parce que la transformation ne consiste pas a rechercher simplement des equivalences, mais a explorer le texte originel, a relire le texte aux textemes dont le textemere est a definir. Donc, la transformation receptionnelle du texte par le film intervient comme un operateur de dialogues entre les textes, les divers sujets parlants au sein du texte general<br>Adaptation| after balasz, bazin et mitry, some theoretical and or methodological problems remain yet unresolved about this phenomenon. What is adaptation? what is its theoretical status? why do we take it as an object of analysis? if, in methodology, this study adventures reconciliation between bakhtin and g. Genette through m. -ci. Roparswuilleumier's approach, it shows a theoretical eclectism among the kristevo-barthesian text, u. Eco's reader and h. R. Jauss' reception with the help of the bakhtinian concepts of polyphony and dialogism. What, how, why : this reasoning permits to problematize the subject and to analysize adaptation with a corpus of gamble : diary of a priest of country (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), the red sorghum (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), the idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation being problematized as receptional transformation, the semiotical passage operates structural changes. Certainly, the subjectivity of enunciation explains spatiotemporal modifications, but text can be reconstitued by the collaboration of a plurial reader, who appeals pragmatics in the paradoxical process of writing and rewriting. Chronotopical and sociocultural reception reveals itself consubstantial with structural translation, that is operated in concrete context of discourse. The notion of fidelity is considered as an impasse, because transformation doesn't consist only in simple researches of equivalences, but also in explorations of the original text, in rereading the text of textemes, of which the mother-text remains to define
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Estèves, Aline. "Poétique de l'horreur dans l'épopée et l'historiographie latines, de l'époque cicéronienne à l'époque flavienne : imaginaire, esthétique, réception." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040151.
Full textAbstract:
Ce travail vise à reconstituer la vision romaine de l'horreur, au sens d'émotion extrême de peur et de phénomène horrible ; l'étude porte sur l'épopée et l'historiographie latines, par comparaison avec la tragédie, afin de cerner l'originalité du thème dans deux genres dont il est a priori exclu. La revue des termes désignant la peur permet d'abord d'établir le champ sémantique de l'horreur au sens d'émotion ; s'en extrait l'imaginaire de l'horreur au sens de phénomène, qui s'organise en thèmes et motifs centrés autour des notions de noirceur, de grandeur et de laideur, se partage entre vision péjorative et laudative (horror ad odium/ ad uenerationem) et relève du profane ou du sacré. Ensuite, l'horreur pose des problèmes de transcription esthétique aux poètes épiques et aux historiens, particulièrement dans le domaine de la violence : pour rendre compte du caractère excessif des violences horribles, ils mobilisent des procédés d'amplification dérogeant aux attendus génériques, l'emphasis, l'euidentia et le tumor. Enfin, l'horreur perturbe l'horizon d'attente du lecteur : la delectatio qu'elle induit allie paradoxalement un goût trivial pour le sensationnel et un plaisir intellectuel de reconnaissance des problématiques de la mimèsis, fonctionnant en aemulatio avec les arts littéraires, plastiques ou scéniques ; l'utilitas qu'elle recèle relève essentiellement du questionnement éthique, puisque l'horror ad uenerationem peut prêter le flanc à la critique, et l'horror ad odium donner lieu au grandissement ambigu du mal. Au final, la notion d'horreur se structure dans les deux genres autour de deux thématiques dont la symbolique interfère : les Enfers et les guerres civiles<br>The aim of the author is to reconstitute the Roman perception of horror, defined as an extreme fear and an horrible phenomenon ; the study is carried on latin epic and history, and compares them with tragedy, so as to point out the theme originality in two genres whom it is a priori excluded from. By observing the terms expressing fear, it establishes the semantics of horror as emotion ; the imaginary of horror is then extracted ; it is organised on themes such as blackness, greatness and ugliness, divided into pejorative and laudable vision (horror ad odium/ ad uenerationem), and is a matter for profane or sacred events. Horror deals with aesthetic problems, especially when epic poets and historians develop scenes of violence : so as to express the excessive dimension of horrible violences, they use amplification processes, emphasis, euidentia and tumor, troubling though generic rules. Horror also disturbs readers reception : delectatio joins vulgar pleasure for sensational facts with intellectual pleasure, the reader being allowed to recognize traditional problems of mimèsis and aemulatio in the treatment of horror imagery ; utilitas is the utility of doubt, catching horror ad uenerationem out, and dignifying horror ad odium. In epic and historiography, it appears that two themes structure the Roman vision of horror : hell and civil wars
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Armengaud, Jean-Pierre. "Pour une esthétique de la réception musicale : ou l'art de saisir la fuite et de capturer la différence." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010612.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie tout d’abord la possibilité d’appliquer à la musique la théorie de la réception définie par Hans-Robert Jauss pour la littérature. Elle définit la notion d’horizon d’attente en musique, puis tente de dégager à partir d’exemples précis les perspectives de recherche qu’une telle méthode d’analyse permet d’envisager en ce qui concerne notamment l’esthétique du langage de Mozart, Debussy, Satie, Denisov. Dans une troisième partie est analysée la fonction de l’interprète dont le rôle est indispensable dans le processus de la réception et de la réémission du message musical<br>This thesis defends the possibility of applying to music the theory of reception as defined by Hans-Robert Jauss to litterature. It is an attempt for a definition of the idea of "waiting horizon" and with accurate exemples it shows how this could throw a light on Mozart's, Debussy's, Satie's, Boulez's and Denisov's language. The third part of this work is devoted to the interpreter whose part in the affaire is obligatory in the process of reception and reemission of musical message
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Kim, Sung-Ho. "Communication et esthétique en arts visuels : autour de la communication visuelle démocratique." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010550.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à étudier « la communication et l'esthétique en arts visuels» du point de vue d'une « communication visuelle démocratique », Dans la première partie, nous avons analysé la communication non-verbale, cette communication utilisée en arts visuels, à travers la sémiotique visuelle. Enfin, dans la deuxième partie, tout en reconnaissant que l'esthétique de la réception, son objectivisme devenant subjectivisme, a joué un rôle essentiel dans le cadre de la communication visuelle démocratique, nous avons recherché ce qui fait défaut à cette esthétique de la réception. Notamment, nous avons étudié une méthodologie concrète et adéquate à la théorie de « la communication visuelle démocratique» qui peut être appliquée à une communication réelle en arts visuels contemporains et cela, en proposant comme modèle intégral: « la critique d'art mineure». Ainsi, notre recherche contribue à l'élaboration d'une esthétique communicationnelle, sociologique et politique.
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Copans, Johanna. "Le paysage des chansons de Renaud : une dynamique identitaire." Valenciennes, 2010. http://ged.univ-valenciennes.fr/nuxeo/site/esupversions/d5f44b64-97fa-4a3e-8a49-b90e71f5aea7.
Full textAbstract:
Cette thèse met en lumière l’univers du chanteur Renaud entre 1975, date de sortie du premier disque Amoureux de Paname et 2009, celle du disque de reprises du répertoire traditionnel irlandais Molly Malone. Les chansons de Renaud forment paysage : elles échafaudent un monde, porteur d’une évolution interne et externe, qui possède son unité dans la cohérence de ses valeurs poétique et musicale, dans son jeu de filiations avec une chanson de rue, ou avec l’héritage renouvelé d’Aristide Bruant et de Georges Brassens. En partant d’un support opératoire, la notion de paysage, cette étude démontre comment le monde créé par Renaud se justifie en tant qu’œuvre, selon une perspective cantologique participant d’une esthétique de la chanson d’expression française. La chanson poétique depuis plus d’un siècle est un phénomène global où textes, voix et gestuelle restent indissociables. C’est dans la fusion de la mélodie et du texte, dans l’incarnation d’une voix et d’un corps en scène que l’univers de la chanson prend forme chez Renaud, en catalysant une pluralité de «réflexes identitaires». Nous les retrouvons à l’intersection des textes, de la musique et de l’interprétation car ils révèlent la cohérence spécifique de l’univers renaudien : la dynamique d’un monde sensible capable de recréer dans la chanson, en scène ou hors-scène, une communauté ancrée dans les remous de son siècle, mais aussi intemporelle, « petite » et large. Nous envisageons enfin, sur un plan à la fois diachronique, synchronique et dialectique, le réseau des chansons en tant que laboratoire métaphorique d’une expérience du monde, avant de déterminer la réception elle-même et les enjeux de ce paysage signifiant<br>This thesis brings forward the universe of the singer Renaud as it unfolds between the launching of his first record, Amoureux de Paname, in 1975 and that of his last one, Molly Malone, a repeat of traditional irish repertoire, in 2009. The “chansons” of Renaud make up a scenery: they build a global word, bearing both an internal and external evolution. Its unity can be uncovered within the cohesiveness of its poetic and musical values, through its filiations with street songs or with the renewed patrimony of Aristide Bruant and Georges Brassens. Using the concept of scenery as an operational tool, this study illustrates how the universe created by Renaud can be defined as an art work following the cantologic perspective based on the aesthetics of the french speaking song tradition. The poetic songs of this last century have to be considered as a global phenomenon within which the texte, the voice and the body movement are profoundly interwoven. It is through the fusion of the melody and of the text, the incarnation of a voice and of a body on stage that the universe of Renaud’s chansons fabricates its own form through the catalysis of a multiplicity of “identity reflexes”. These are to be found basically at the intersections of the texts, the music and of the performance because they reveal the specific consistency of Renaud’s world: a sensible universe that is a dynamic one for it can recreate through the songs, on stage or backstage, a community both rooted in this century’s upheavals but also present as a timeless one wether large or small. Lastly we shall examine, on a diachronic, synchronic and dialectical level, the networks created by the songs. They should be defined first as a metaphoric laboratory of wordly experiences then as the local of their reception as shaped by the stakes of a meaningful scenery
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Yuan, Yuan. "Réception et création : les littératures féminines française et chinoise au XXe siècle." Besançon, 2010. http://www.theses.fr/2010BESA1015.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objet de montrer, mesurer et qualifier la relation entre les littératures féminines chinoise et française du XXe siècle. Le champ d’étude est circonscrit aux écrivaines les plus représentatives de chaque époque dans chacun des deux pays et à leurs oeuvres qui témoignent d’une prise de conscience féminine. Les récits de Chinoises des années 1920-1940 comme ceux des Françaises d’alors proposent une pensée féministe intense, même s’il n’existe pas de communication directe au sein de ces deux littératures féminines et que l’influence de la littérature française sur la première génération des écrivaines chinoises contemporaines passe par des écrivains masculins. La théorie littéraire féminine française qui se forme pendant les années 1970, devient le pivot théorique et le modèle pratique pour l’essor de l’écriture féminine des années 1990 en Chine, qui poursuit ainsi la continuité avec la littérature féminine chinoise des années 1920-1940. L’adoption de la méthode comparée contribue à montrer que la littérature féminine chinoise contemporaine est « le fruit » de la combinaison du propre développement de la littérature féminine chinoise, de l’influence des théories féministes et de la littérature occidentale, surtout française<br>This study aims at probing, measuring and describing the relationship between the Chinese and French female literature of the twentieth century. It concentrates particularly on the most representative female writers from both countries and their works that reflect female consciousness. The Chinese female writing in the 1920s-1940s shows strong feminist thought, similar to French female writing of the period. However, there was no direct communication between these two female literatures and the influence of French literature on the first generation of contemporary Chinese female writers came from males writers. The French feminist literary theory formed during the 1970s has become the theoretical pivot and practical model for the Chinese female writing in the 1990s, yet continually influenced by Chinese female writing in the 1920s-1940s. The use of the comparative method helps to show that Chinese contemporary female literature is “the fruit” of the combination of the development of Chinese female literature herself, the influences of western feminist theories and western literature, especially French literature
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Julliard, Catherine. "La réception des théories esthétiques françaises par le théâtre allemand de la Frühaufklarung." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040127.
Full textAbstract:
La période étudiée, domaine encore peu exploré jusque-là, s'étend sur les premières décennies du XVIIIe siècle et est caractérisée par diverses ruptures, philosophique, stylistique, esthétique, avec le siècle précèdent et notamment avec l'héritage formel et conceptuel de la seconde école silésienne. La situation psychologique de l'époque est définie par la conscience allemande de carences dans le domaine dramaturgique et culturel, accentuée par les réactions des étrangers raillant l'état de la littérature germanique. La conjoncture allemande spécifique, marquée par la perception d'une infériorité dans le cadre européen, est à l'origine d'un vaste phénomène d'accueil de théories théâtrales françaises. La réception, ou passage d'un espace culturel à un autre, apparait comme la réponse à une attente, les emprunts jouant un rôle capital dans l'élaboration d'un nouvel édifice théorique dramatique. Le modèle préconise par Gottsched, sur lequel est centrée l'étude, est la France, gardienne du legs antique, exemple réussi d'une culture nationale, idéale de théorie théâtrale reposant sur un ensemble de normes. Ces canons littéraires transmis par la France constituent des références majeures dans le théâtre allemand. La méthode observée consiste en une lecture des textes théoriques français et allemands à la lumière d'axes de réflexion. L'étude montre que Gottsched s'inspire de la tradition classique et néo-classique française. Elle décèle la cohérence des apports français que l'allemand intègre dans l'édification de son programme national<br>The period to be studied, a domain that has been until now little explored, extends over the first decades of the eighteenth century and is characterized by different ruptures with the previous century, particularly with the formal and conceptual heritage of the second Silesian school. The psychological situation of the epoch is defined by the German consciousness of deficiencies in the dramatic and cultural sphere, increased by the reactions of foreigners who mock German literature. The specific German situation is the origin of the reception of French dramatic theories. The reception, or the passage from one cultural sphere to another, meets German expectations, and the borrowings play a cardinal part in the elaboration of a new dramatic theoretical edifice. The model advocated by Gottsched, who is the focus of the study, is France, a successful example of a national culture, an ideal of dramatic theory which is based on norms. The method employed consists in a reading of texts in French and German theory with the consideration of major themes. The study shows that Gottsched is inspired by the French classical and neoclassical tradition. It attempts to reveal the coherence of the French contributions that the German writer integrates into the edification of his national program
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Lacheny, Marc. "La réception de l'oeuvre de Johann Nestroy par Karl Kraus : mécanismes et enjeux." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030078.
Full textAbstract:
Centré sur le phénomène, exceptionnel par sa densité et son intensité, de la réception d´un auteur (Johann Nestroy, 1801-1862) par un autre auteur (Karl Kraus, 1874-1936), ce travail s´attache à décrire précisément les mécanismes de la lecture de Nestroy par Kraus et à en dégager les enjeux littéraires, culturels et politiques. Très majoritairement polémique au cours des premières années, la réception de Nestroy est ensuite marquée par une phase d´intronisation théorique du grand dramaturge viennois au sein du champ littéraire : Kraus propose en 1912, dans Nestroy et la postérité, une réhabilitation de la satire, de la farce et du paradigme du Hanswurst, ainsi que les germes d´un nouveau canon littéraire. Cette tentative de réhabilitation littéraire de Nestroy comme maître de la satire et du verbe et comme satiriste universel est défendue dans plusieurs essais importants, comme Nestroy et le Burgtheater. Elle est essentiellement appuyée et prolongée par les lectures publiques de nombreux textes de Nestroy. Kraus y ajoute des strophes d´actualité qui, d´une part, ancrent le propos nestroyen dans un contexte socio-culturel nouveau et, d´autre part, perpétuent la tradition viennoise de création libre à partir de couplets déjà existants. Aujourd´hui considéré comme un maître du langage et du théâtre, Nestroy doit une bonne partie de son passage à la postérité au XXème siècle à celui qui n´a jamais cessé de se considérer comme son épigone, Karl Kraus<br>This work, which centres on the exceptionally intensive reception of one author (Johann Nestroy, 1801-1862) by another (Karl Kraus, 1874-1936), seeks to describe the evolution of Kraus´s Nestroy interpretation and the literary, cultural and political issues at stake. If initially this reception is almost exclusively polemical in its thrust, the following years (till 1912) are dominated by a theoretical establishment of the Viennese playwright within the literary field. In 1912 (Nestroy and posterity) Kraus advances a rehabilitation of satire and farce, as well as the “germ” of a new literary canon. This attempt to rehabilitate Nestroy as a master of satire and language, which Kraus expounds in several essays, culminates in his public readings of Nestroy´s plays. Kraus adds Zeitstrophen to them, which both place Nestroy´s topics in a new sociocultural context and perpetuate the Viennese tradition of free (re-)creation from already existing couplets. Today, Nestroy is considered a master of language and comic drama. This reputation and the resurgence of his fame in the 20th century must largely be credited to Kraus, who always regarded himself as his epigone
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Rabier, Catherine. "Etude de la réception d'une oeuvre littéraire : Jean Forton, écrivain oublié ?" Le Mans, 2006. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/2006/2006LEMA3008.pdf.
Full textAbstract:
Pourquoi Jean Forton (1930-1982), romancier français publié par Gallimard de 1954 à 1966, salué par la critique de l’époque et candidat au Goncourt à plusieurs reprises, est-il tombé dans un oubli quasi-complet ? Pour répondre à cette question, nous avons étudié l’évolution de la réception de son œuvre de 1951 à nos jours, à travers la presse régionale et nationale, afin de clarifier le rôle des événements, des critiques et du contexte littéraire. Au travers de la destinée éditoriale de Forton, nous avons cherché à savoir si le fait de vivre en province pouvait avoir des incidences sur la notoriété d’un auteur. Enfin, nous avons formulé des hypothèses sur la réception future de l'œuvre de Jean Forton, en prenant en compte les bouleversements récents et actuels du monde de l’édition, la place de plus en plus restreinte de la littérature française dans le monde, ainsi que les changements d’attitude dans la lecture<br>Why has Jean Forton – a French novelist published by Gallimard from 1954 to 1966, hailed by the critics of the time and a one-time Goncourt Prize runner – fallen into near-oblivion ? To answer this question, we have examined the evolution of the way his works have been received from 1951 to this day, through both the national and regional press, with a view to clarifying the influence of events, critiques and literary context. By examining Forton’s varied editorial fortunes, we try to determine whether the fact of living in the provinces has an effect on the fame of an author. The last part of our dissertation deals with a number of hypotheses concerning the future reception of Jean Forton’s works. We take into account the recent and current upheavals within the world of publishing, the increasingly confined status accorded to French literature worldwide, as well as the changes in readers’ attitudes to literature
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Caillet, Aline. "La critique artiste à l'âge contemporain : formes, modalités et pertinence d'une critique sociale et politique dans les pratiques d'art d'intervention des années 1990-2000." Paris 10, 2005. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296198524.
Full textAbstract:
La modernité artistique, au travers de ses avant-gardes, s'est caractérisée par une volonté constante de faire de l'art un espace critique, vecteur d'émancipation, susceptible de constituer une alternative au désenchantement induit par le développement du capitalisme et le triomphe de sa rationalité économique. Face au rétrécissement des possibilités critiques et à la récupération incessante de l'activité artistique, une telle critique artiste peut-elle encore, à l'âge contemporain, avoir un sens et une efficience ? Ce présent travail se propose de montrer que ces difficultés, loin d'invalider la possibilité d'un projet critique d'essence moderne, le contraignent à l'inverse à repenser ses formes et ses modalités, éclairant ainsi et dépassant les écueils et les échecs portés par les avant-gardes du siècle dernier. Contraint à faire preuve de stratégies et de tactiques à même de déjouer les procédures de contrôle, cette nouvelle critique artiste, qui tente d'échapper à l'intégration institutionnelle et s'ouvre sur le réel et l'Autre, renégocie le rapport de l'art au monde et au spectateur<br>Artistic modernity, through its avant-gardes, was characterized by a constant will to make art a critical space, vector of emancipation, likely to constitute an alternative to the disenchantment induced by the development of capitalism and the triumph of its economic rationality. Facing the contracting of the critical possibilities and the ceaseless recovery of the artistic activity, can such an artist criticism still, at the contemporary age, have direction and efficiency? his present work proposes to show that these difficulties, far from invalidating the possibility of a modern critical project force it, in contrary, to reconsider its forms and modalities, enlightening the reasons of the historic avant-gardes' failure in the last century. Forced to be ingenious and crafty liable to avoid control's systems, this new artist criticism, who tries to escape from institutional integration and opens on reality and the Other, renegotiate the relation of art to the world and to the spectator
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Lagière, Anne. "La Thébaïde de Stace et le sublime." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040140.
Full textAbstract:
Ce travail vise à porter un nouvel éclairage sur la Thébaïde de Stace en recourant au Traité du Sublime. Celui-Ci constitue un instrument herméneutique contemporain des littératures néronienne et flavienne, libéré des projections de la pensée esthétique moderne, à même de préciser l’univers de l’épopée. Notre étude s’attache d’abord à définir la notion de sublime, telle que la présente le Pseudo-Longin. Elle analyse ensuite l’importance de la passion dans le Traité du Sublime comme dans la Thébaïde et découvre les liens qui unissent les deux oeuvres : une même conception de la création poétique, audacieuse et transgressive, un même attrait pour les élans passionnels, la même recherche d’une réception sur le mode du choc, mettant en jeu des sentiments de terreur et d’admiration. Le sublime se manifeste dans le ravissement du poète, des personnages, dans les représentations spectaculaires de l’horreur ou d’une nature bouleversée. Le Traité du Sublime se révèle alors un outil intéressant pour appréhender les interférences génériques à l’oeuvre dans la Thébaïde. Il met en lumière un tragique de la passion, qui se déploie à travers le thème de la tyrannie, qui entre en tension avec l’épique et, par là, complexifie les personnages, remet en question l’héroïsme traditionnel<br>This work aims at shedding new light on Statius’ Thebaid by having recourse to On the Sublime, which constitutes a contemporary hermeneutic instrument for Neronian and Flavian literature, freed from the projections of modern aesthetic thought. First of all, I try to define the notion of the sublime as it is presented by Longinus. Then I try to analyse the importance of passion in On the Sublime as in the Thebaid and to reveal the links between the two works : the same conception of an audacious poetic creation, the same attraction to outbursts of passion, the same desire to create a shockwave on reception by bringing into play feelings of terror and admiration. The sublime is to be found in the ecstasy of the poet and the characters and in the spectacular portrayal of horror or of disordered nature. On the Sublime is therefore an interesting tool to understand the generic interferences at work in the Thebaid. It highlights the tragic in passion, which is to be found in the theme of tyranny and which gives rise to tension within the epic thus rendering the characters more complex and bringing into question traditional heroism
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Bertolini, Michele. "Le rapport entre forme et expression dans la perspective d'une esthétique morphologique : Konrad Fiedler et sa réception dans l'œuvre de Croce, Banfi et Cassirer." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0095.
Full textAbstract:
Une théorie dynamique de l'expression rencontre sa légitimation épistémologique dans le noyau de la morphologie, pensée de la forme qui saisit la réalité par la vie des formes. L'œuvre de Fiedler (1841-1895), théoricien des arts plastiques, est abordée à partir des notions centrales de sa pensée : mouvement expressif, pure visibilité, intuition, présentation. Fiedler a étudié l'image dans son autonomie face à la sphère conceptuelle de la pensée discursive ; l'expérience intuitive peut se révéler par un mouvement d'extériosisation qui engage l'activité de la main, de l'œil, du corps. La question de l'expression déborde le cadre d'une théorie des arts pour se placer au cœur de l'interrogation des penseurs qui ont tenté une définition globale de la vie de la culture au début du XXe siècle : Croce, Banfi, Cassirer, lecteurs de Fiedler, voient dans l'expression un opérateur conceptuel problématique pour la fondation du système, saisi dans son articulation avec l'intuition et la perception<br>A dynamic theoryof art's finds its epistemological legitimation in the basic core of morphology : a thought of form catches the reality through the life of forms. The works of Konrad Fiedler (1841-1895), philosopher, theorist and art critic, are approached in this study starting from the essential elements of his thought : expressive movement, pure visibility, intuition, representation. The question of expression exceeds the plan of figurative art's theory putting itself in the middle of the investigation of philosophers who were looking for a global systematisation of cultural forms life in the first half of the twentieth century : Benedetto Croce and Antiono Banfi in Italy, Ernst Cassiner in Germany, as Fiedler's readers, following different ways, found in the expression, in his connections with the intuition and the perception, a conceptual operator at the same time conclusive and aporethic for the foundation of a philosophical system
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Mahéo, Cécile. "La réception critique des romans de Pierre Loti de 1923 à 1988." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10093.
Full textAbstract:
Ce travail est une analyse critique de la réception de Pierre Loti. Nous proposons d’abord un rapide bilan de ce que celle-ci a été du vivant de l’auteur. Officier e Marine, romancier à succès et académicien, cet écrivain a en quelque sorte illustré la politique d’expansionnisme de la IIIème République. Il a longtemps été jugé « exotique ». Après une analyse de ses funérailles nationales, en 1923, l’examen de sa réception s’étend jusqu’en 1988, au moment où il entre dans le domaine public. A sa mort, l’écrivain sombre dans un oubli presque total, avant de commencer à intéresser l’université, et notamment Bachelard. Il fait alors l’objet de nombreux travaux de thèses. Littéraires, dans un premier temps, les études qui lui sont consacrées se diversifient dans les années soixante, et intéressent d’autres disciplines, telles que la sociologie. La Nouvelle critique, par la plume de Roland Barthes, en particulier, modifie profondément la réception de Pierre Loti, et choisit de voir en lui un écrivain « moderne ». A partir des années soixante-dix, la critique le présente souvent comme un « excentrique » privilégiant son personnage sur son œuvre.
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Ryan-Fazilleau, Sue. "La lecture ludique et les oeuvres de Peter Carey." Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20072.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée à l'étude des œuvres de Peter Carey publiées jusqu'en 1991. Carey est un écrivain australien contemporain. Ce travail est divisé en deux parties : la première, à dominante théorique, cherche à établir une analogie entre le jeu et un certain type de lecture. Elle propose d'abord une définition du jeu qui sert de base à la comparaison de l'activité ludique et de l'activité lectrice. Ensuite, elle isole les techniques textuelles qui encouragent une lecture ludique et dont le repérage et l'analyse fourniront un point de départ au travail d'interprétation de la deuxième partie. Les critères ludiques permettent de distinguer trois types de texte : le texte impérialiste, le texte a lucidité implicite et le texte a lucidité explicite. À titre d'illustration, on trouvera également dans la première partie quelques analyses de nouvelles de Carey parues dans ses deux recueils - the fat man in history et war crimes. La deuxième partie de la thèse est divisée en quatre chapitres dont chacun propose, à l'aide des outils théoriques élaborés dans la première partie, une lecture ludique d'un des quatre romans suivants de Carey : bliss, illywhacker, oscar and lucinda, the tax inspector. Ces interprétations accordent une place privilégiée aux domaines de l'intertextualité, du post-colonialisme et du genre ainsi qu'à l'analyse des techniques de narration<br>This thesis presents a study of the works published by the contemporary australian author peter carey until 1991 inclusive. It is divided into two parts. The first is predominantly theoretical in nature and seeks to establish the validity of an analogy between playing a game and a certain type of reading. These two activities are compared after a definition of the word "game" has been provided. I then go on to isolate those textual techniques which encourage a ludic response in the reader. Identifying and analysing the use of such techniques in carey's novels constitutes the starting point of my analytical work in the second part of the thesis. Three basic types of text may be distinguished in the light of the theoretical work done : "imperialistic", "implicitly ludic" and "explicitly ludic" texts. As it was necessary to illustrate the theoretical concepts developed in the first part, the latter also contains interpretations of several of carey's short stories published in his two collections the fat man in history and war crimes. The second part of the thesis is divided into four chapters, each of which puts into practice the theoretical concepts developed in the first part, in order to produce a ludic reading of one of carey's four novels : bliss, illywhacker, oscar and lucinda, the tax inspector. These readings lay special emphasis on how carey approaches intertextuality, post-colonialism and genre, and on the narrative techniques employed in these novels
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Laget, Laurie-Anne. "Les premières Greguerías dans le creuset esthétique des années 1910 : formation littéraire et réception de Ramón Gómez de la Serna." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030111.
Full textAbstract:
L’écrivain Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) est l’auteur d’une œuvre qui introduit, en Espagne, une écriture dont la critique souligne très tôt la singularité. En 1912, il crée les Greguerías, forme littéraire brève et ludique, immédiatement commentée pour sa nouveauté mâtinée de subversion. Celle-ci se diffuse en quelques années dans la presse espagnole et reçoit un écho favorable hors des frontières de la Péninsule. Jusqu’en 1962, Ramón Gómez de la Serna publie, dans les journaux ou sous forme de volumes anthologiques, ces courts paragraphes qu’il définit comme l’union de l’humour et de la métaphore, et où il allie la recherche de la dissonance à un travail poétique sur notre perception du monde. C’est pourtant la forme tardive de la greguería qui est la mieux connue et rares sont les études qui ont posé la question de la formation littéraire de Ramón Gómez de la Serna, tant dans les lectures qui ont pu influencer l’auteur que par les choix éditoriaux qui ont présidé à la naissance des greguerías. La présente étude prétend réévaluer la situation littéraire de Ramón Gómez de la Serna dans son contexte de formation, celui des années 1910, où les modèles d’écriture et de professionnalisation, au travers d’une collaboration quotidienne aux journaux et revues de l’époque, sont les fondements esthétiques essentiels de l’œuvre future de l’écrivain. Dans ce cadre, la prose ramonienne offre alors un nouvel éclairage sur la nature plurielle et syncrétique de ce que j’ai appelé le creuset esthétique des années 1910 en Espagne<br>Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) was the author of a work that introduced in Spain a kind of writing whose singularity was very early underlined by the critics. In 1912, he created the Greguerías, a brief and playful literary form which was immediately commented on for its novelty tinged with subversion. Within a few years, that form spread throughout the Spanish press and was welcomed in a positive way outside the frontiers of the peninsula. Until 1962, Ramón Gómez de la Serna published numbers of these short paragraphs in newspapers or anthologies. He defined them as the alliance of humour and metaphor, and combined there his research into dissonance with a poetical work on our perception of the world. Yet, it is the later form of the greguería that is best known today; very few studies have focused on the literary education of Ramón Gómez de la Serna and raised the issue of the readings which may have influenced the author or o! f the editorial choices which gave birth to the greguerías. The purpose of this study is to reassess the literary position of Ramón Gómez de la Serna within the context of his training, that of the years 1910. The models of writing prevailing then and the vocational dimension the craft took on at the time — shaped by a daily collaboration with newspapers and magazines — were the essential aesthetic foundations of the writer’s future work. In this context, the Ramonian prose sheds a new light on the plural and syncretic nature of what I have called the aesthetic ferment of the years 1910 in Spain
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Eble, Tamara. "Regards sur le cinéma expressionniste, regards du cinéma expressionniste : esthétique et réception par la critique de cinéma allemande de Weimar." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSEN085/document.
Full textAbstract:
Fondée sur un corpus de huit films allemands réalisés entre 1919 et 1924 (Das Cabinet des Dr. Caligari, Genuine et Raskolnikow de Robert Wiene, Algol de Hans Werckmeister, Von morgens bis mitternachts et Das Haus zum Mond de Karlheinz Martin, Torgus/Verlogene Moral de Hanns Kobe et Das Wachsfigurenkabinett de Paul Leni), cette étude porte sur l'esthétique et la réception du cinéma expressionniste, dont l'étiquette fait aujourd’hui encore l'objet de confusions. Pour identifier des traits constitutifs de son esthétique, trois axes sont envisagés : la réception critique, l'esthétique fantastique et la réflexivité. Le retour à la première phase de la réception repose sur un corpus de 225 documents d'archives majoritairement inédits, principalement extraits de huit revues de cinéma allemandes, et notamment des trois périodiques qui font alors autorité : Der Kinematograph, Lichtbild-Bühne et Film-Kurier. Le recours aux critiques et aux premières théories esthétiques qui précédent les célèbres ouvrages de Siegfried Kracauer et de Lotte Eisner permet d'appréhender l'horizon d'attente de la critique. Dans le contexte du débat sur la valeur artistique du cinéma, l'expressionnisme est perçu comme l’avènement d'un art du cinéma, caractérisé par la volonté des créateurs de faire œuvre d'art, qui s'exprime par l'unité stylistique, la conception des décors et l'opposition au naturalisme. La réception se fait aussi au prisme du fantastique et témoigne à la fois de l'héritage du romantisme et de l'importance du renouveau du fantastique. L'enjeu de l'analyse filmique proposée est de dégager en quoi la tension entre les deux pôles du fantastique est constitutive d'une esthétique des frontières, à l'origine de la structure narrative, de la configuration de l'espace et d'une réflexion ontologique. Enfin, ambition artistique et fantastique se rejoignent dans l'esthétique d'un cinéma qui se prend lui-même pour objet. En recourant à la notion d'écran second, élaborée dans le cadre de l'énonciation cinématographique, l'analyse identifie des formes de mise en scène du regard et de l'expérience cinématographique, dans leur rapport au désir<br>Based on a corpus of eight german films made between 1920 and 1924 (Das Cabinet des Dr. Caligari, Genuine and Raskolnikow by Robert Wiene, Algol by Hans Werckmeister, Von morgens bis mitternachts and Das Haus zum Mond by Karlheinz Martin, Torgus/Verlogene Moral by Hanns Kobe and Das Wachsfigurenkabinett by Paul Leni), this thesis investigates the aesthetics and the reception of German expressionist film. Up until today, there is still some confusion over the definition of expressionist cinema. In order to identify constituent characteristics of its aesthetics, three areas of research are explored: the critical reception, the fantastic aesthetics and the self-reflexivity. The analysis of the first period of reception is based on a corpus of 225 mostly unpublished archival documents. These documents come from eight different film periodicals, mainly from the three leading trade journals of the early twenties: Der Kinematograph, Lichtbild-Bühne and Film-Kurier. By focusing on film reviews and on the first theories of aesthetics that preceeded Siegfried Kracauer's and Lotte Eisner's famous works on Weimar cinema, we get a sense of film critics' expectations back when the movies were first released. In the context of the debate about cinema and its artistic value, expressionism was perceived as the advent of film art, caracterised by the deliberate will of its contributors to create art. This ambition expresses itself through stylistic unity, a very distinctive conception of set designs and an opposition to Naturalism. Expressionist film is also perceived through the lense of the fantastic, which shows both the legacy of German romanticism and the importance of the renewal of fantastic literature and film in Germany. The film analysis of the present work aims at showing how the tension between the two poles of the fantastic is a constituent characteristic of the aesthetics of borders that caracterises expressionist film: it accounts for its narrative structure, its configuration of space and the ontologic reflexion it offers. Finally, cinema itself appears to be one of the main topics of these films. This is both the result of the artistic ambition of expressionist filmmakers and the explanation for their predilection for the fantastic: in some respect, films are fantasies, in that they manipulate the spectator and produce illusions. This is why spectatorship plays a major role in expressionist cinema: thanks to the notion of secondary screen, borrowed from the field of filmic enunciation, our analysis identifies characteristic representations of looks and gazes as well as of cinematic experiences, and reveals their relation to human desires
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Wrobel, Michel. "Le paradoxe de la sirène chez Barbara." Valenciennes, 2008. http://ged.univ-valenciennes.fr/nuxeo/site/esupversions/e6f2217d-d470-47f9-8b37-3e286bfc04a3.
Full textAbstract:
La thèse "Le paradoxe de la sirène chez Barbara" se compose de deux parties et étudie les chansons de Barbara à réception. La première partie intitulée Rondes et sirènes parle des phénomènes caractéristiques de ronde dans la musique, le vocabulaire, les répétitions, la thématique amoureuse (manège des amants), la danse et les rimes dans l’œuvre de Barbara. Ils contribuent à rapprocher la chanteuse des sirènes de par leur envoûtement et alimentent particulièrement leur côté néfaste dans le manège amoureux par les images de femmes intrigantes s’y rapportant. D’autres éléments permettent de qualifier la sirène : la présence physique de Barbara, son maquillage, ses vêtements, sa gestuelle sont ceux de la sirène oiseau tout comme sa voix (aérienne, proche du cri. . . ). La sirène poisson, quant à elle, donne une vision moins néfaste de ce monstre fabuleux dans des chansons comme Clair de nuit. Cette analyse permet d’aller vers une transition afin de nuancer les analogies avec les sirènes pour mettre en lumière une image autre chez Barbara : celle de la femme altruiste. La deuxième partie de la thèse s'intitule Une vision décalée. Elle évoque la problématique de la thèse à savoir comment expliquer que la chanteuse devient populaire à partir de 1981 alors qu’elle a perdu en voix et en attraits physiques. A l'image de la sirène fait place une sorte de harpie. Ces points sont abordés dans le chapitre un et deux suivis d'une analyse des styles qui traversent l'œuvre (baroque, surréalisme, pictural, fantastique et fantasmatique). Ils se mélangent notamment en diverses tonalités et ajoutent à l’interprétation de chansons sur la solitude comme Seule par le biais de la voix et du corps cassés de Barbara. Les deux derniers chapitres expliquent les raisons du succès de la chanteuse dégradée et le pourquoi de la continuité à poursuivre sa carrière<br>Two distinct parts are being studied in the thesis about The paradox of the mermaid in Barbara's compositions. In the first part named Roundelays and mermaids various phenomena proper to her work are depicted in her music, language, repetitions, rimes, dances and themes (in particular in the intrigue of the lovers' discourse). All of them contribute to connect the artist to the negative images of the mermaid casting her evil spell on her lover as well as those of intriguing women in the love game. Other traits studied define more specifically the image of the mermaid: Barbara’s physical appearance, her make-up, her costumes, her gestures as well as her high pitched voice (nearing that of the cry of a bird) links apparent to the images of the aerial mermaid. As for the figure of the fish-mermaid the depiction of this fabulous mythical monster tends to be less inauspicious in particular in songs such as Clair de lune. As a result of this analysis various nuances bring about another image of Barbara consequently that of the altruistic nature of her work. The second part is named An altered vision. The equivocal study of the thesis attempts to explain the ever constant popularity of the songwriter in the 80's even though she obviously had lost her voice and physical allure. The image of the mermaid makes room to that of a vixen, a shrew on stage. Numerous given examples are studied in chapters one and two as well as the various styles which influenced her work stemming from the baroque, surrealism, pictorial and fantasy. They offer different degrees of interpretation slanting the artist broken voice and body particularly in songs relating to loneliness such as Seule. The last two chapters attempt to explain the reasons of the continuous success of the defaced song writer as well as her pursuit to continue her career
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Singare, Issiaka Ahmadou. "L'oeuvre poétique de Léopold Sédar Senghor : esthétique de la reception, procès de la création." Phd thesis, Université de Cergy Pontoise, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00955368.
Full textAbstract:
Œuvre poétique, publié en 1990 par les éditions du Seuil rassemble la totalité de la création littéraire de Léopold Sédar. Les poèmes qui y sont insérés, examinés à la lumière des déclarations de leur auteur, font déceler trois périodes de création : celle des " poèmes perdus ", celle des " poèmes divers " et celle des poèmes de la maturité répartis entre les titres de recueils que sont : Chants d'Ombre (1945), Hosties noires (1948), Ethiopiques (1956), Nocturnes (1961), Lettres d'hivernage (1973), Elégies majeures (1979). Les " poèmes perdus " sont présentés comme des " poèmes imparfaits ", les " poèmes divers " comme ceux qui, contrairement aux premiers, se rapprochent de l'esthétique négro-africaine et les poèmes de la maturité comme des textes illustrant " le modèle nègre ".L'existence de ces trois étapes se justifie par le fait que Senghor a commencé à rédiger des poèmes avant de concevoir un projet poétique. Déjà, sur les bancs du collège, à Dakar, il versifiait et, une fois à Paris, dans le courant des années 1930, il se consacre, en militant nationaliste, à " la défense et l'illustration des valeurs civilisatrices du monde noir " injustement méconnues ou méprisées. L'une des conséquences de ce militantisme fut la découverte et la formulation des lois de l'esthétique négro-africaine ; lesquelles furent suivies de la formulation d'un projet : créer une nouvelle poésie nègre de langue française. Il entend réaliser ce projet, confie l'avoir réalisé, d'une part, à l'attention d'un public constitué par " mon peuple " et " le peuple de France " ; d'autre part, en rompant avec la poétique française traditionnelle pour renouer avec la poétique négro-africaine. Le militantisme dans le cadre de l'affirmation de la négritude a donc mené Senghor à se choisir : un public, une thématique et une poétique.Que Senghor soit l'auteur d'une œuvre poétique de premier plan est incontestable : poète franco-sénégalais, il a élargi les sources d'inspiration de la poésie française et créé une nouvelle poésie nègre. Cependant, la réalisation de son projet poétique amène à poser deux questions : a-t-il réellement écrit pour le public qu'il s'est choisi ? Ses poèmes constituent-ils réellement une illustration des lois de l'esthétique négro-africaine telles qu'il les a présentées dans plusieurs de ses essais ? Voilà les deux questions auxquelles le présent travail entend répondre. Il y sera question, en premier lieu, d'une biographie conçue pour éclairer la signification des poèmes. Ensuite, l'accent sera mis sur la quête et la découverte de la poétique négro-africaine et des conséquences qui en découlèrent. Enfin, la réflexion portera sur le processus créateur de la réalisation et l'esthétique de la réception.
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Rainvillé-Delamare, Hugues. "La perception de l'esthétique et de la pensée du zen dans les textes d'art en France." Paris 8, 2003. http://octaviana.fr/document/18181322X#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Que ce soit dans les milieux artistiques, scientifiques ou publicitaires, on constate actuellement un regain d’intérêt pour le zen. Le zen fait vendre, le zen rend créatif, inventif, procure du bien-être, le zen semble servir à tout. S’agit-il d’une déformation dans son interprétation par le prisme de notre culture européenne et nord américaine ? Ou reflète-t-il une assimilation exacte du sens du zen ? Le fait que depuis son origine le zen ait été associé à l’activité artistique peut sans doute nous aider à comprendre les mécanismes qui sous-tendent son fonctionnement, et nous permettre ainsi de savoir si l’image que nous avons du zen reflète sa réalité, à travers diverses activité artistiques comme la peinture, la poésie, le cinéma, le théâtre, les arts martiaux, la cérémonie du thé ou l’art des jardin secs. A partir de ces observations, on constate une déformation de la perception du zen, d’un côté par une promotion de l’aspect spontané voir chaotique de l’expression artistique, et à l’opposé l’apologie d’une spontanéité-réflexe de conformation à un comportement codifié et répété. Or, ces deux aspects de la pensée apprentissage/désapprentissage, verbale/spatiale, non seulement ne s’opposent pas toujours, mais travaillent en synergie, dans un mouvement fluide, initié par un « lacher-prise » issu d’une reconfiguration constante des représentations<br>That it is in the artistic mediums, scientific or advertising, one currently notes a renewed interest for Zen. Zen makes sell, Zen makes creative, inventive, gets wellbeing, Zen seems to be used for all. Does it act of a deformation in its interpretation by the prism of our European and northern American culture? Or reflection it an exact assimilation of the direction of Zen? The fact that since its origin Zen was associated the artistic activity can undoubtedly help us to include/understand the mechanisms which underlie its operation, and to thus enable us to know if the image that we have Zen reflects its reality, through various artistic activity like painting, poetry, the cinema, the theatre, the martial arts, the ceremony of the dry tea or the art of the garden. From these observations, one notes a misperception of Zen. On one hand it is perceived as fostering the spontaneous and chaotic aspect of artistic expression, and on other hand it is seen as a codified and a repeated spontaneous reflex behavior. However, the dual aspect of thought, be it learned or unlearned, verbal or spacial, is a mental process that does not work in opposition, but in synergy, through fluid movement, initiated by discarding preconceived notions through a continuous effort to reconfigure one’s mental representations
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Le, Ru Bénédicte. "La réception du conte populaire russe en France." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20009.
Full textAbstract:
La réception des contes populaires russes en France s'articule autour de quatre types de public. Le conte est traduit par et pour des savants à la fin du 19e siècle. Il entre dans le domaine de la littérature pour enfants. Il est mis en scène par les Ballets russes (1909-1929) pour un public mondain. Des artistes l'illustrent dans de beaux livres pour adultes lettrés. La participation russe s'explique par l'émigration, liée à la Révolution de 1917, d'artistes d'avant-garde qui participeront aux Ballets russes, aux ouvrages d'art et au renouveau de l'album pour enfants. L'analyse du corpus des contes traduits permet de comprendre les motivations et les choix des traducteurs. Les contes merveilleux sont le plus souvent traduits et les plus appréciés. Les difficultés liées à la traduction d'un genre narratif d'origine orale, ainsi qu'au rendu des effets stylistiques propres au conte russe ont été cernés. L'analyse de traductions d'un même conte nous a permis de dégager la part de lecture interprétative de chaque traducteur. Cette étude de réécritures nous a conduit à étudier Pierre Gripari, un des rares écrivains à s'être approprié des contes russes pour les inclure dans son oeuvre et renouveler le genre du conte. La mise en images revêt une place particulière dans le domaine du conte. Elle constitue la première étape de la création des décors et des costumes des Ballets russes et rend compte de l'image que les Russes souhaitaient donner de leur pays. Les illustrateurs russes ont réalisé de somptueux ouvrages, profondément russes, gr^ace à leur talent, à leur style et leur faculté de dégager la structure du conte pour n'en retenir que l'essentiel. Les illustrateurs non russes ont utilisé quelques stéréotypes destinés à signifier l'origine du conte. L'utilisation de ces clichés ont contribué à rendre russe un conte qui ne l'était pas (Boucle d'or et les trois ours, Michka)ou à faire passer pour conte populaire le conte musical de S. Prokofiev Pierre et le Loup<br>The reception of Russian folk tales in France is based on four types of audience. The Russian tale is translated by and for scientists at the end of the 19th century. If then enters the field of children literature. Diaghilev with the Russian Ballets (1909-1929) adapts it for the stage for a society audience. A few artists illustrate beautiful books for the literate adults. The emigration caused by the 1917 Revolution accounts for this Russian contribution. It includes avant-garde artists that contribute to the Russian Ballets, to art books and to the revival of the children books. The analysis of the translated tales reveals the translators' motives and choices. The fabulous fairy tales are the most often translated and the most appreciated. We tried to show problems linked to the translation of a narrative genre of oral origin, and the result of the stylistic effects peculiar to the Russian tale. The analysis of eight different translations of a same tale allowed to assess the proportion of interpretative reading of each translator. It led to stuuy Pierre Gripari who have appropriated some Russian tales, to bring them into his own literary work and thus, who gave new life to the tale genre. Illustrations have a particular place in the tale field. It is the first stage of the creation of the scenery and costumes of the Russian Ballets. The Russian illustrators achieved sumptuous books, deeply Russian, thanks to their talent, to their style and their faculty to bring out the structure of the tale to keep only the very heart of it. Non Russian illustrators were more concerned about representing Russia, and they built their illustrations on a few stereotypes meant to recall the oirigin of the tale. By the same token, the use of such clichés has contributed to turn into Russian a tale which was not (Goldilocks and the three bears, Michka) or to regard S. Prokofiev's musical tale Peter and the Wolf as a folk tale
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Augé, Nérina-Bernadette. "Littérature africaine et discours critiques : histoire de la critique et de la réception du texte littéraire africain des origines à nos jours." Nancy 2, 2005. http://www.theses.fr/2005NAN21011.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d'examiner la critique et la réception des littératures francophones au sud du Sahara. Nous sommes remontée jusqu'à l'époque coloniale en étudiant notamment les règles et les codes qui régissent la prise de parole dans les sociétés traditionnelles. La parution dans les années vingt des premiers romans écrits par des Africains s'accompagne d'une critique colonialiste qui lit les textes en fonction des intérêts du système colonial. Avec le mouvement de la Négritude, c'est une critique attentive aux "valeurs de civilisation nègre" qui émerge. La critique de Négritude appelle également les écrivians à s'engager dans la lutte contre la colonisation. Dans les années soixante-dix s'effectue un retour aux sources de la tradition orale. Les critiques étudient le texte littéraire en fonction de son enracinement dans l'oralité. Les années quatre vingt se caractérisent, elles, par un éclatement des discours critiques : la critique africaine se montre sensible aux avancées de la nouvelle critique d'Occident tout en s'interrogeant sur la langue d'écriture des textes et sur la réception des écrits des femmes. Nous avons également accordé dans cette étude une place à la réception du texte littéraire par les revues littéraires et périodiques. La question de l'édition des textes africains est aussi abordée<br>This study examines the emergence of Subsaharian Francophone African criticism. In the beginning we try to proove that traditionnal african society have also a kind of criticism which applyed on the tales, legends and myths. In colonisation's years appears a criticism which is only claims his support about colonial system. With the Négritude movement, criticism became one occasion to show African civilisation value. Critics think that literature and novelists must be against colonisation. In seventies some critics like M. Kane, A. Koné and others established that the sources of African novel can be found in the African story-telling tradition. After, we try to show the another criticism discours : the influence of new european criticism with S. Anozié, question about the language used by writers and the criticism of female writers. We also examine how magazine talk about African literature
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Benert, Britta. "Contribution à l'invention d'une nouvelle esthétique au tournant du siècle : Rachilde et Lou Andreas-Salomé." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030075.
Full textAbstract:
La confrontation entre les deux femmes de lettres, lou andreas-salome (1861-1937) et rachilde (1860-1953) est organisee autour de la notion d'esthetique. Dans une premiere partie nous decrivons comment les deux auteurs s'inscrivent dans le contexte historique de leur epoque. Le regard de rachilde sur l'allemagne constitue le fil conducteur de l'examen du discours misanthrope, germanophobe de l'auteur francais. L'esthetique de las vise l'humain, au-dela des frontieres nationales. A travers le regard qu'elle porte sur la russie, son pays natal, sa quete est identitaire. Nous avons limite la description de leur tentatives esthetiques au domaine du roman et l'avons focalisee sur l'adolescence, tranche d'age 'decouverte' autour de 1900. La presence de protagonistes adolescentes dans les oeuvres des deux auteurs permet un traitement parallele en suivant des "lieux". Dans le chapitre 'dans l'antichambre de freud' (crises identitaires, sexualite), l'analyse de la princesse de tenebres (1896) et de le pays intermediaire (1902) est dominante. Les chapitres 'l'ecole' et 'la cour d'assises' etudient en outre l'animale, le dessous, l'amazone rouge, combat pour dieu, ruth. L'elargissement du corpus permet l'evaluation esthetique de leurs productions respectives. En etudiant la reception de rachilde dans les pays de langue allemande, celle de las en france, de multiples chasses-croises apparaissent entre deux auteurs si differents de prime abord<br>The comparism of the two women of letters lou andreas-salome (1861-1937) and rachilde (18601953) is organized around the concept of aesthetics. The first part explores how both authors locate themselves in their historical context. Rachilde's image of germany constitutes the thread running through my examination of her misanthropic and germanophobic discourse. Lou's aesthetics are aimed at humain beings, beyond national borders. Through her image of russia, her mother-land she searches for her own identity. I have limited the description of their aesthetic attempts to novels' and focused on adolescence, 'discovered' around 1900. The adolescents protagonists in both author's novels allows a parallel treatment ordered according to 'spaces'. In the chapter 'in freud's anteroom' (crisis of identity, sexuality), the examination of la princesse des tenebres (1896) and au paysmtermediare{1902) predominates. In my chapters 'school' and 'crown court', i also analyse l animate, le dessous, l'amazone rouge, combat pour dieu, ruth. A widened corpus allows the aesthetic valuation of the work of both authors. In studying the reception of the work of rachilde in the german-speaking countries and that of lou's work in france, multiple cross-connections become apparent between the two authors so different at first sight
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Frison, Hélène. "La réception des Ballets russes à Madrid et Barcelone (1916-1929)." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030128.
Full textAbstract:
La compagnie des Ballets russes, fondée par Diaghilev en 1911, constitue un tournant dans l’histoire de la scène occidentale. Reprenant le principe de l’œuvre d’art totale, la troupe propose des spectacles composés par des peintres, des chorégraphes et des musiciens. Leur succès est fulgurant et leur influence décisive. Cette thèse se propose d’étudier la réception des Ballets russes en Espagne. Alors que l’Europe est en guerre, la Péninsule constitue une terre d’accueil propice aux échanges. Les intellectuels du pays s’interrogent sur les possibilités de rénover la scène théâtrale et sont attentifs aux expériences qui viennent de l’étranger. Les ballets que propose la compagnie entrent en résonnance avec leurs propres préoccupations. Ils posent à la fois la question de la tradition au sein de la modernité, du national et du cosmopolitisme et s’exportent à l’étranger. Ce travail s’attache à confronter les différentes réceptions qui sont simultanément menées dans les deux capitales culturelles de l’Espagne au moment où les régionalismes s’affirment toujours plus. La présentation de l’état des lieux de la scène espagnole constitue le premier moment de cette thèse. La deuxième partie est entièrement consacrée à la première saison (1916) que la compagnie donne en Espagne ainsi qu’aux débats auxquels elle donne lieu. Les troisième et quatrième parties mettent en miroir les lectures qui sont faites à Madrid puis à Barcelone et présentent les singularités de chacune des deux capitales culturelles du pays<br>The Ballets Russes company was founded by Diaghilev in 1911, and marked a turning point in the history of the Western European stage art. Taking up the Gesamtkunstwerk, the company offered shows composed by painters, choreographers and musicians. Their success was immediate and their influence was decisive. This work will examine how the Ballets Russes were received in Spain. The Spanish peninsula offered a fertile ground for exchange while Europe was at war, with the country's intellectuals wondering about how to renew the theatre scene and being receptive to foreign experiments on the matter. The ballets offered by the company reflected those concerns by addressing the question of the role of tradition within modernity as well as the concepts of nationalism and cosmopolitism while managing to find an audience abroad. This study aims at confronting the simultaneous reception of the Ballets Russes in the two cultural capitals of Spain at a time when regionalism was becoming increasingly strong. The first part will give a description of the Spanish theatre and arts scene. The second part will be entirely dedicated to the company’s first season in Spain (1916) and to the debates it raised. The third and fourth parts will deal with the way the ballets were received and understood in Madrid and Barcelona, through a presentation of the particularities of each of these two cultural capitals<br>La compañía de los Ballets russes, fundada por Diaghilev en 1911, constituye un momento relevante de la historia de la escena occidental. Inspirándose del principio del Gesamtkunstwerk wagneriano, la compañía presenta espectáculos compuestos por pintores, coreógrafos y compositores. Su éxito es enorme y su influencia decisiva. Esta tesis estudia la recepción de los Ballets russes en España. Durante la Primera Guerra Mundial, la Península aparece como una tierra de acogida propicia a los intercambios. Los intelectuales españoles se interrogan sobre las posibilidades de renovar la escena teatral y están atentos a las experiencias realizadas en el extranjero. Las obras estrenadas por la compañía llaman su atención. Compaginan la tradición y la modernidad, lo nacional y el cosmopolitismo y se exportan al extranjero. Este estudio presenta una comparación entre las diferentes recepciones llevadas a cabo en las dos capitales culturales españolas en un momento en que los regionalismos se afirman cada vez más. Una presentación general de la escena español de aquel entonces constituye el primer momento de esta tesis. La segunda etapa se centra en la primera temporada rusa que la compañía presenta en España (1916) así como en los debates que surgen entonces. Las etapas 3 y 4 estudian las recepciones que tienen lugar en Madrid y en Barcelona comparando las características de cada una de las capitales culturales del país
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Borgé, Nathalie. "Réception, médiation et expérience esthétiques des oeuvres d'art dans des classes de français comme langue étrangère de niveau avancé." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA119.
Full textAbstract:
Il s'agit d'examiner les médiations langagières déclenchées par l'introduction d'oeuvres d'art picturales et photographiques dans un dispositif pédagogique universitaire de français comme langue étrangère de niveau avancé et d'étudier leurs apports en termes langagiers et translangagiers, à la lumière d'un cadre théorique transdisciplinaire, prenant en compte les travaux à la fois du socioconstructivisme, de l'émergentisme et de l'approche énactive. Cette forme de recherche-action, menée auprès de quatre groupes d'étudiants plurilingues et pluriculturels de niveau avancé, interroge les modalités de la réception esthétique de l'oeuvre d'art dans un contexte social académique d'apprentissage et propose une approche didactique multimodale, prenant appui aussi bien sur les interactions verbales, sur la production orale en continu et sur le recours à la production écrite. Elle met en exergue l'impact contextuel et situationnel sur les manifestations corporelles et sur la verbalisation des réactions esthétiques, d'ordre esthétique, émotionnel et évaluait devant l'oeuvre d'art, en se fondant sur les outils développés par le courant disciplinaire de l'analyse de discours. Enfin, elle analyse le rôle des médiations enseignante et apprenante à l'oeuvre, pour montrer dans quelle mesure, celles-ci, lorsqu'elles s'inscrivent dans une approche plus expérientielle, sont susceptibles à la fois de développer des capacités langagières chez l'apprenant et de favoriser l'émergence d'une expérience langagière, interculturelle et esthétique au sein du dispositif<br>This research aims at examining the language mediations stimulated by the introduction of paintings and photographs in a pedagogical environment of French as a foreign language of advanced level and at studying their contributions in language and translanguage terms in light of a transdisciplinary theoretical framework taking into account the works of socioconstructivism, of emergentism and the enactive approach. This research led with four groups of multilingual and multicultural students, within the framework of an action-research, questions the modalities of the aesthetic reception in an academic social context of learning and proposes a multimodal didactic approach which relies on verbal interactions, on continuous oral and written production. It enhances the contextual and situational impact on the body manifestations and on the verbalization of aesthetic reactions, that is to say reactions of aesthesia, emotions and aesthetic appreciation by relying on the tools developed by the disciplinary current of discourse analysis. Last but not least, it examines the role of teacher's and learner's mediation with the artistic object, to show to what extent they are likely to foster the emergence of language abilities for the learner and to promote a language, intercultural and aesthetic experience within the teaching context
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Germa, Elisabeth. "L' odyssée kubrickienne : esthétique de la réception film et déconstruction des conventions audio-visuelles du cinéma classique hollywoodien dans 2001 : A Space Odyssey." Toulouse 2, 2001. http://www.theses.fr/2001TOU20014.
Full textAbstract:
Dans l'éclectisme des genres cinématographiques abordés par Stanley Kubrick (1928-1999) 2001 : A Space Odyssey (1968) est considérée comme une des oeuvres majeures de ce réalisateur américain. Il constitue, en outre, une référence incontournable du cinéma de science fiction et une véritable odyssée en soi. Ce travail explore les caractéristiques sonores et visuelles du film à la lumière d'une étude de l'esthétique de la réception filmique. Avec l'analyse syntagmatique de séquences, il apparaît que 2001 : A Space Odyssey relève par certains aspects d'une déconstruction des conventions cinématographiques classiques. Cette esthétique déconstructionniste, propre au discours post-moderniste qui allait voir le jour dix ans plus tard, est confirmée par l'étude d'autres réalisations de Stanley Kubrick, et notamment par A Clockwork Orange (1971) et The Shining (1980), pour lesquelles nous avons voulu étudier ce que d'aucuns appellent le "regard kubrickien". Si, 2001 : A Space Odyssey, aux dire de tous, se présente comme une oeuvre énigmatique, pourtant, la manifestation symbolique du monolithe, objet de toutes les interrogations, a ceci de particulier qu'elle transforme le spectateur en interprète. L'ensemble de l'étude élaborée dans ce travail cherche à montrer comment ce film fondé sur l'expérience sensorielle, élabore un contenu narratif et une représentation filmique s'ouvrant sur une pluralité de sens<br>Within the eclecticism of the film genres approached by Stanley Kubrick (1928-1999), 2001 : A Space Odyssey (1968) is considered as one of the major pieces of the American director. And even beyond kubrick's oeuvre, the film stands as a main reference in the science fiction cinema and constitues an odyssey in itself. Our work explores the visual and sound characteristics of this movie in the light of a study of the aesthetics of the cinematic reception. With the syntagmatic analysis of sequences, it appears that in some respect 2001 : A Space Odyssey displays a deconstruction of the classic conventions of cinema. This aesthetics of deconstruction, inherent to the postmodernist discourse which appeared ten years later, is confirmed by the study of other films by Stanley Kubrick, most particularly A Clockwork Orange (1971) and The Shining (1980) for which we wanted to explore what some call "the kubrickian look". If 2001 : A Space Odyssey, according to all, is an enigmatic piece, the manifestation of the monolith, object of many inquiries, is particular in that it requires an interpretation from the audience. The totality of our study tries to demonstrate how a film based on sensorial experience constructs a narrative content and a cinematic representation expanding on a plurality of meanings
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Champagne, Renée. "Lavoisier à la mer : recherche-création autour de la problématique de la réception théâtrale." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25651/25651.pdf.
Full text
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Hennaut, Benoît. "Théâtre et récit, l’impossible rupture : la place du récit dans le spectacle postdramatique entre 1975 et 2004, selon Romeo Castellucci, Jan Lauwers, Elisabeth LeCompte." Paris, EHESS, 2013. https://janus.bis-sorbonne.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-406-06009-3.
Full textAbstract:
Dans sa période particulièrement dense de production au cours des années 1980 et 1990, le spectacle dit « postdramatique » affirme régulièrement sa volonté de rompre avec toute forme de narration qu'illustrent des formes dramatiques plus conventionnelles. C'est même devenu un topos critique de dire que le théâtre postdramatique échappe à la narration ou la rend problématique, tant pour qualifier sa production (en termes de projet dramaturgique) que sa réception par le public. Cependant, la force du déni installe le doute. Je me suis inquiété de l'insistance avec laquelle une certaine manière de concevoir le théâtre écartait ou s'opposait à un élément aussi structurant et persistant que le récit (en termes culturels, littéraires, dramatiques,. . . ). Après avoir posé les termes de sa définition, j'ai voulu vérifier si le spectacle postdramatique ne contenait vraiment plus aucune forme de récit, quand bien même cette fonction lui serait implicitement ou explicitement contestée. Ma décision de mener l'enquête a été essentiellement provoquée par deux phénomènes : une intuition narrative qui se manifeste quand même vis-à-vis de ces spectacles (sur quoi est-elle fondée ?), et l'existence de textes qui en font le compte-rendu sur un mode narratif à la réception. Par ailleurs, j'ai senti le besoin d'analyser de manière un peu plus fine cette poétique non-narrative déclarée par les auteurs<br>During a particularly dense production period running in the 1980s and 1990s, the so-called "postdramatic" theater regularly attempted to break from all forms of narration utilized in more conventional dramatic forms. It became a recurring critical leitmotif to say that postdramatic theater either eschewed narration entirely or rendered it problematic, whether as a qualifier to its production (in dramaturgical terms) or to explain audience reaction. However, repeated denial definitely inspires doubt. I was concerned that one particular way of thinking about theater seemed to refuse or rule out such a consistent and structural element as the narrative (culturally, dramatically, as well as in literary terms). I therefore wished to be sure that certain postdramatic pieces really had not retained any form of storytelling, had the choice been made implicitly or explicitly to exclude it. My decision to begin this investigation was triggered by two specified phenomena: a narrative intuition which manifests itself whether one wants it or not when one sees one of these pieces (what is its foundation?), and the existence of texts produced at the reception level which still seem to form a narrative stream when examined. I also felt the need to undertake a more detailed analysis of this non-narrative poetics as laid out by its creators
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Bloch, Béatrice. "Inscription et rôle du lecteur dans l'espace romanesque contemporain." Paris 8, 1994. http://octaviana.fr/document/174376367#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
La recherche part du constat que le roman contemporain - le nouveau roman en particulier - s'est d'abord concu comme oeuvre ouverte. Notre etude s'interroge sur l'etonnante et recente mise en fiction de personnages de lecteurs, que l'on peut soupconner a priori d'etre une tentative pour limiter et recupere l'interpretation. L'analyse parcourt les theories de la lecture (psychanalyse, semiotique et esthetique de la reception), avant de proceder a l'etude de quatre textes. Il ressort de la recherche que l'experience de lecture reelle est contrainte, non par l'adresse au lecteur, mais par des textes aux dispositions sous-jacentes d'une cohesion extreme. Une experience emotionnelle n'a lieu que lorsque le texte ne sature pas l'imaginaire. Lecture et ecriture sont des lors contradictoires: la premiere ne s'accomplit qu'a supposer l'ecriture nonsaturee,l'ecriture ne s'acheve qu'a contraindre la lecture<br>Our starting point is the statement that the contemporary novel and especially the "nouveau roman" - conceived itself as a multi-access work of art. Therefore, our study sets into question the new and surprising "mise en abyme" of readers characters, a technique which can a priori be suspected of limiting free interpretation. The research reviews different theories: psychoanalysis, semiotics and the aesthetics of reception, before going on to analyse four novels. Our findings show that a genuine experience of reading is constrained by texts which are construted on extremely consistent underlying dispositions, rather than by the ones directly addressing the reader. A true emotional experience only takes place when a text does not saturate the imaginative process. Therefore, reading and writing appear as contradictory: the achievement of the reading process requires a not entirely consistent text, whereas writing is only accomplished by setting a contraint on reading
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Aboul-Fotouh, Anas. "La réception de la littérature arabe traduite en France aprés le Prix Nobel égyptien 1988." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040073.
Full textAbstract:
Depuis les Mille et Une Nuits, que représente la littérature arabe pour le lecteur français ? Après le Nobel de Mahfouz en 1988, le mouvement de traduction s'est accéléré. Cette littérature n'est pourtant pas encore rentrée dans les habitudes du lectorat. L'étude de la réception de la littérature arabe permet de relever certains problèmes allant des dispositifs éditoriaux à l'appréhension intellectuelle des ouvrages en question : contexte et paratexte du livre traduit, influence des choix de la traduction sur l'acte de la lecture, place qu'occupent les ouvrages classiques ou contemporains dans la vie culturelle française, rôle du lecteur -appartenant à une culture non seulement autre mais aussi éloignée- dans l'interprétation du texte. Quel est alors l'horizon d'attente de ce lecteur et pourquoi la réception peut-elle être opposée entre les deux cultures ? La présente recherche se veut une première tentative de répondre à un nombre de questions, mais tout en suscitant d'autres<br>Since the Thousand and One Nights, what does Arabic literature represent in French readers' minds? After N. Mahfouz received the Nobel Prize in 1988, the number of translations has increased. Nevertheless, reading this type of literature is not yet a usual practice among French readers. The study of the reception of Arabic literature calls attention to a number of problems ranging from the structures of the editorial world to the intellectual approach to the works in question: context and paratext of the translated book, influence of the translator's choices on the act of reading, importance of classical or contemporary works in French cultural life, role of the reader who belongs not only to a different but to a distant culture in the interpretation of the text. So what are the reader's expectations? How can the books be received in such opposite ways by the two cultures? The present research is a first attempt at answering a number of these questions while raising other issues
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Bougerol, Maud. "Esthétique de la réserve dans l'œuvre de Brian Evenson." Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMR096.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse a pour objectif d’étudier l’une des modalités particulières de la réception de l’œuvre de Brian Evenson : la réserve. A la lecture de l’œuvre de Brian Evenson, des béances apparaissent, signes d’un évidement d’une partie du texte antérieur au début du récit. Le lecteur fait alors l’expérience du manque. En quête d’un tout qui serait à reconstituer, ainsi que d’une unité rassurante et pourtant si illusoire, le lecteur entreprend de tenter de combler les creux du texte grâce à son imagination. Il produit des interprétations, mais celles-ci reposent sur des univers qui apparaissent comme déréférencés, et dont les points de repère s’effacent. Il fait ainsi une expérience de lecture de l’incertitude, tant les univers présentés par le texte sont instables, criblés d’anomalies linguistiques. Ses interprétations sont aussi source d’équivoque, mettant ainsi en échec de manière permanente toutes ses tentatives de résolution. Or, ces trébuchements successifs sont aussi facteurs de l’expression d’une prolifération interprétative qui fait retentir celle, diégétique et linguistique, qui est à l’origine des ambiguïtés du texte. Ainsi, l’échec des tentatives du lecteur de suppléer au manque donnent lieu à un deuxième temps de l’expérience de lecture, au sein de laquelle il est invité à faire résonner, dans la chambre d’écho que constituent l’œuvre, toutes les potentialités du texte. Le lecteur produit ainsi, au moyen de son imagination, une forme d’excès au texte qui vient suppléer, par substitution, celui qui ne s’écrit plus qu’en creux des espaces blancs. La prolifération langagière et le jaillissement perpétuel du sens que ce nouvel excès autorise assurent une expérience de lecture du foisonnement qui se superpose à celle, initiale, de la perte<br>This dissertation focuses on one of the more singular modes of reception in Brian Evenson’s body of work: reticence. While reading Brian Evenson’s works, the reader is made aware of gaps, that seem to point to the existence of a missing part of the text, hollowed out from the narrative before it has even started. The reader then experiences a form of deficiency that he identifies in the text as coming from what is missing. As he tries to reconstruct the text and to make it whole once again, as illusory as that concept might be, the reader attemps to fills the gaps through the workings of his imagination. He then produces interpretations, but those rest on constructed worlds that see their rare landmarks being gradually erased. His reading experience is imbued with uncertainty, mainly because the worlds the stories are set in are unstable and populated with linguistic anomalies. Moreover, his interpretations generate more uncertainty, thus thwarting his attempts to resolve the ambiguities of the text permanently. However, while stumbling on the elusive meaning and the prevailing ambivalence, he discovers that the proliferation of his interpretations brings forth that of the narrative and linguistic proliferation at the root of the many ambiguities of the text. Thus, the failed attempts of the reader to fill the gaps in the text give way to a second reading experience, during which he must ensure that all the potential intepretations are summoned in the text. With the help of his imagination, the reader thus produces a form of textual excess that must substitute itself to the one that he can barely sense in the white spaces of the text. The proliferation of language and the perpetual surging of meaning that this new excess allows insure a reading experience of proliferation superimposed on top of the initial experience of loss
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Kellerer, Sidonie. "Fondations : étapes de la réception de Descartes en Allemagne chez les néo-kantiens de Marburg, Husserl et Heidegger." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20004.
Full text
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Chambrier, Pauline. "La réception de l'architecture française aux XVIe et XVIIe siècles par les contemporains : témoignages écrits et graphiques." Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2028.
Full textAbstract:
Sans conteste, la réception de l'architecture française aux XVIe et XVIIe siècles par les contemporains français et étrangers manque à l'étude. Les visiteurs restent mal connus bien qu'ils soient les spectateurs de grandes manifestation architecturales. Leurs descriptions et leurs représentations des palais, des châteaux, mais aussi des églises, des ponts, des fortifications, des jardins et de leurs semblables permettent pourtant, une fois rassemblées, de définir le goût architectural d'une époque et d'une nation. Il était par conséquent primordial de constituer un corpus des textes et des images des XVIe et XVIIe siècles relatifs à l'architecture française et de l'analyser dans le détail. Les textes manuscrits, imprimés et les représentations graphiques laissés par les historiens, les antiquaires et les géographes, ainsi que les récits de voyages et les journaux rédigés par des notables curieux , des étudiants, voire des anonymes furent pris en compte pour répondre à trois grandes questions : qui sont les acteurs de cette réception, quelles sont les conditions de leurs visites et quels sont, à leurs yeux, les plus excellents bâtiments de France. Ces questions, si évidentes puissent-elles paraître, n'ont jamais été abordées. Or elles forment des clefs de lecture qu'il ne faut plus ignorer, d'autant qu'elles dissimulent des détails sur l'architecture qui s'avèrent nouveaux, uniques, incontournables<br>The reception of French architecture in the 16th and 17th centuries by French and foreign contemporaries is unquestionably lacking. Visitors remain unknown, even though they are the spectators of great architectural shows. Their descriptions and mental images of palaces and stately homes, and also of churches, bridges, fortifications, gardens and their like, however, once reassembled enable one, to define the architectural flavour of a period and of a nation. It was thus essential to build up a coprus of texts and images of the 16th and 17th centuries and to analyse them in detail. Handwritten texts, printed documents and graphic representations left behind by antique dealers and geographers as well as travel diaries and newspapers written by inquiring notaries, scholars or even anonymous people were all analysed in an attempt to answer three important questions, namely who are the people behind this reception? In which conditions did their vsits take place? And in their view, what are the most outstanding buildings in France? However self-evident these questions may seem, they have never been tackled. And yet they form the clues to our reading which must no longer be ignored, even more so as they conceal the details of architecture which transpires to be new, unique, and not to be missed
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Brunner, Raphaël. "Musique et pertinence : éléments pour une approche épistémologique, aspects de la modernité musicale européenne du second après-guerre." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0079.
Full textAbstract:
Cette étude examine l'interaction entre diverses œuvres musicales du second après guerre et diverses approches musicologiques; elle comprend une première partie qui expose les possibilités d'une réception musicale et une seconde où diverses œuvres sont appréhendées. À la suite de l'extension des propositions d'Adorno et de Dahlhaus, diverses conceptions langagières sont identifiées. Trois micrologies entrent en interaction avec ces positionnements langagiers. La première se concentre sur Nono et Huber. La deuxième est consacrée à Boulez, notamment à Pli selon pli et à l'improvisation III sur Mallarmé. Dans la troisième, les musiques de Dalbavie, Dufourt, Grisey, Holliger, Lachenmann et Ligeti sont approchées. La musique moderne ne médiatise pas seulement un sujet aux prises avec l'histoire mais aussi le devenir musical lui-même. Aussi s'avère-t-il nécessaire de confronter les approches musicologiques et les dynamiques des œuvres, afin de restituer à ces dernières une pertinence<br>This dissertation examines the interaction between various musical works of the Second World War and various musical approaches; it is composed of a first part that exposes the possibilities of a musical reception and a second part in which various works are understood. Following the extension of Adorno's and Dahlhaus' propositions, various linguistic conceptions are identified. Three micrologies are then introduced in connection with these linguistic positionings. The first one concentrates on Nono and Huber. The second is dedicated to Boulez, in particular to the Pli selon pli cycle and its fourth part, the Improvisation Illon Mallarmé. In the third, Dalbavie, Dufourt, Grisey, Holliger, Lachenmann and Ligeti's musical works are discussed. Modern music does not only mediatise a subject that is battling with history, but also the musical unfolding itself. It is then necessary to confront the musical approach to the very dynamics of musical works, in order to restore to them relevance
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Zenetti, Marie-Jeanne. "Factographies : pratiques et reception des formes littéraires de l'enregistrement à l'époque contemporaine : dans les littératures française, allemande et nord-américaine." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083467.
Full textAbstract:
Ce travail a pour objet la construction d’une catégorie formelle, qui émerge dans la littérature occidentale depuis les années soixante. Dans la lignée des travaux de Roland Barthes, il étudie des œuvres qui se donnent comme des captations fragmentées du réel et des discours qui le constituent. Jouant avec les modèles de la photographie, du montage et du document, cet ensemble de formes, baptisées « factographies », met au jour les enjeux et les difficultés d’une représentation littéraire du réel qui échappe aux modèles du roman réaliste et de la narration factuelle. A partir d’un corpus regroupant C. Reznikoff, A. Ernaux, M. Cohen, A. Kluge et G. Perec, cette thèse propose par conséquent une méthode d’élaboration d’une catégorie formelle inédite qui combine différents types d’approches. Selon une approche descriptive, elle identifie les traits et les techniques de captation et de recomposition caractéristiques de ces formes, afin de penser les effets de reconnaissance qu’elles suscitent, à mi-chemin entre le document et l’œuvre littéraire. Selon une approche pragmatique, elle modélise, à partir d’une enquête menée auprès de lecteurs empiriques, le fonctionnement de ces œuvres et les modalités leur réception ; les factographies apparaissent ainsi comme des dispositifs d’interrogation – interrogation des textes et interrogation du monde dont les textes cherchent à rendre compte. Selon une approche historique, enfin, elle situe ces formes dans la production littéraire et artistique de leur temps et les étudie à la lumière d’une redéfinition des pratiques et des fonctions de l’œuvre d’art telle qu’elle se manifeste dans l’art contemporain<br>This thesis seeks to build a formal category, the foundations of which first appeared in western literature in the sixties. Based on Roland Barthes’ theories, it studies literary works that record fragments of the real and fragments of those discourses which make it up. These forms approach photography, montage and document in many ways, and are referred to as “factographies”. They bring to light the issues and problematics of what it is to represent reality in fiction without resorting to the patterns apparent in realistic novels or nonfiction narrative. Based on a corpus including works by C. Reznikoff, A. Ernaux, M. Cohen, A. Kluge and G. Perec, the thesis presents a method aimed at elaborating a new formal category by combining several kinds of approaches. From a descriptive point of view, it defines the characteristics of these forms, as well as the recording and reorganizating techniques they employ, in order to examine the effect they evoke, halfway between a document and a literary work. It also studies this effect from a pragmatic point of view, using a survey of empirical readers, researching the working of these texts and their singular mode of reception. Factographies thus appear to function as questioning devices – questioning texts and questioning the world texts are supposed to depict. Finally, from an historical point of view, this thesis sets these forms in the context of contemporary literature and art, considering them through the major redefinition of artistic gestures and functions that have occurred in the field of contemporary art