Dissertations / Theses: 'Esthétique – Histoire'

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Laski, Gary. "Le design : Théorie esthétique de l'histoire industrielle." Phd thesis, Université Paris-Est, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00713124.

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Belzile, Germain. "Documentaires québécois de 1970 à 1980, esthétique du montage." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1997. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/mq26159.pdf.

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Robic, Jean-François. "L'art, l'image du monde : histoire, figures, poétique." Rennes 2, 1989. http://www.theses.fr/1989REN20002.

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Abstract:

L'objectif est de proposer une éthique d'"alliance" entre l'art et la nature, non par les moyens traditionnels de la représentation, mais par une approche poétique où la fabrication de l'oeuvre est un prolongement et un écho des mécanismes morphogénétiques de l'univers. Méthodologiquement, il est fait appel à une approche iconologique mariant histoire de l'art, esthétique, poétique, approche constituant en elle-même un "exemple" de démarche propre aux plasticiens, ce qu'est l'auteur. Cette méthode s'applique à l'analyse d'oeuvres du passé (première partie) et la production de l'auteur, précisant ainsi ses racines dans son contexte de modernité (deuxième partie). Ainsi, sont d'abord analysés les rapports entre les données cosmologiques et les formes à quelques époques où ces relations sont particulièrement sensibles : pré renaissance, baroque, romantisme, impressionnisme. L'art contribue à fabriquer, autant que d'autres formes de connaissance, l'image du monde, par ses moyens propres de représentation, et surtout, dès l'âge romantique, par l'importance croissante du geste pictural dans les significations artistiques, comme écho accompagnant les découvertes et les changements de l'idée cosmologique. Ensuite, l'auteur décèle dans les pratiques picturales qu'il entreprend dans ses propres oeuvres, ce qui serait de l'ordre d'une alliance cosmique avec le monde. Décortiquant les apparences (signes, figures, thématiques) et la transparence (structures sérielles, processus poétique) on propose l'oeuvre comme une "de mesure" du monde et un "des ordre" de l'image du monde The objective is to find an ethics of alliance between art and nature, not by the traditional ways of representation, but in a poetic approach in which the artwork making is an echo and an extend of the morphogenetic mechanisms of the universe. The methodology is an iconological research marrying history of art, aesthetics, and poetics - a specific art worker approach. Historical artworks are analysed (first part) and the author’s own production so, précising the roots and the modernity of the works (second part). At first, are analysed the relations between cosmological knowledges and artistic forms at some times very sensible to these relations: before renaissance, baroc time, romantism, impresionism. As other kind of knowledge, the art contributes to build the image of the world, with its own ways of representation, but, above all, by the more important place - since romantism - of the pain- ting proceedings in the artistic meanings, in the time of discoveries and changes in cosmological ideas. At last, a cosmic connection with the world is found in some pictorial practices. Searching in the appearances (sing, figures, thematic) and and the "transparence" (serial structures, poetic process), the artwork is seeing like an" un measure" of the world, and a "of the world, and a "disorder" of its image

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Houtaud, Pierre d'. "Analyse esthétique, vers une nouvelle approche de l’histoire musicale." Thesis, Université de Lorraine, 2020. http://www.theses.fr/2020LORR0191.

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Abstract:

Grâce à l’apparition de l’enregistrement à la fin du XIXe siècle, la musique s’est enrichie d’une multitude de pratiques éclectiques. La capacité à conserver toujours plus précisément le phénomène musical permit la multiplication des transferts culturels à travers le globe, favorisa la reconstitution de pratiques musicales oubliées, et engendra un développement de connaissances historiques protéiformes. Enfin, face à ce savoir musical et ces enregistrements issus du passé, la création musicale contemporaine pu se positionner dans quantités de démarches variées et inattendues ainsi acquise.Cette richesse ainsi acquise aboutit à des perceptions différentes de la musique, voire tellement contradictoires qu’elles paraissent rendre abscond tout discours esthétique. Le mot même « musique », employé au singulier, semble désormais bien étriqué pour appréhender l’ensemble des manières de penser le phénomène musical à travers le temps et l’espace. De même, au sein des paradigmes musicologiques contemporains, la pensée esthétique a clairement perdu ses lettres de noblesse et le relativisme culturel s’est imposé comme solution pour expliquer l’ensemble des phénomène musicaux : il existerait une multitude de musiques dans une multitude de lieux géographiques avec une multitude d’histoires.Cette thèse cherche un autre chemin afin de définir les paradigmes permettant d’élaborer une histoire de la musique au singulier. En effet, vouloir concevoir les phénomènes musicaux en tant que processus multiples, sans rapport les uns aux autres, pose de nombreux problèmes épistémologiques. La pensée défendue dans ce travail à contre-courant des vents dominants de la musicologie, exige de définir un cadre dans lequel il est possible de penser d’un côté une ontologie de la musique, et de l’autre une caractéristique anthropologique permettant, entre les deux, d’établir un rapport esthétique qui relie l’être humain et le réel musical. Pour ce faire, elle prend appui sur certaines théories issues du « réalisme esthétique » : pour être appréhendé, le réel doit être conçu comme une entité singulière, accessible par les sens et la raison. La démarche de cette thèse emprunte également les concepts de « Pratiques » et de « Représentations » afin de relier ce rapport esthétique universel avec un espace historique où la musique au singulier pourrait se réaliser de multiples manières, en fonction de situations sociétales particulières, et où elle pourrait évoluer en lien avec les connaissances et les pratiques musicales référentes d’une société. Au sein de ce travail, le choix d’étudier les transformations des pratiques musicales depuis l’apparition de l’enregistrement, à partir des travaux historiques et sociologiques sur le sujet, permet enfin de comprendre les profonds bouleversements que la technologie engendra dans nos propres représentations du mot musique. Cette démarche permet aussi d’envisager le gouffre nous empêchant d’approcher pleinement la musique et son histoire avant l’enregistrement. Elle amène en dernier lieu le lecteur à envisager de nouvelles pistes fondées sur ce que nous nommons l’« archéologie musicale », démarche voulant bâtir une nouvelle approche des sources considérées comme « sédiments musicaux », et apporter un éclairage sur nos visions et nos pratiques contemporaines face au passé With the emergence of recording at the end of the 19th century, a multitude of eclectic practices were added to music. The ability to preserve the musical phenomenon ever more precisely made possible the multiplication of cultural transfers across the globe, favored the reconstitution of forgotten musical practices, and engendered the development of protean historical knowledge. Finally, confronted with this musical knowledge and these recordings from the past, contemporary musical creation found its place in a variety of unexpected and varied approaches thus acquired.This richness thus acquired leads to different perceptions of music, even so contradictory that they seem to render any aesthetic discourse totally abstruse. The word "music" itself, used in the singular, then seems to be a very narrow term for understanding the whole range of ways of considering the musical phenomenon through time and space. Likewise, within contemporary musicological paradigms, aesthetic thought has clearly lost its reputability and cultural relativism has become the obvious solution to explain all musical phenomena : indeed, a multitude of music would exist in a multitude of geographical places with a multitude of histories.This thesis seeks another path in order to define the paradigms for the elaboration of a single history of music. Indeed, wanting to conceive musical phenomena as multiple processes, unrelated to each other, poses many epistemological problems. The reflection defended in this work, which goes against the prevailing winds of musicology, requires to define a framework in which it is possible to think on the one hand of an ontology of music, and on the other hand of an anthropological characteristic allowing, between the two, to establish an aesthetic relationship that connects the human being and musical reality. To do so, this approach is based on certain theories coming from "aesthetic realism" : to be understood, the real must be conceived as a singular entity, accessible through senses and reason. The process of this thesis also adopts the concepts of "Practices" and "Representations" in order to link this universal aesthetic relationship with a historical space where music - in the singular - could be fulfilled in multiple ways, depending on specific societal situations, and where music could evolve in relation to the knowledge and musical practices of a society. Within this work, choosing to study the transformations of musical practices since the emergence of recording, based on historical and sociological work on the subject, finally allows us to understand the profound upheavals that technology has brought about in our own representations of the word music. This approach also allows us to consider the abyss preventing us from fully understanding music and its history before recording. Finally, it leads the reader to consider new avenues based on what we call "musical archaeology," a methodology that seeks to build a new approach to sources considered as "musical sediments" and to enlighten our contemporary visions and practices in dealing with the past

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Bartalesi, Lorenzo. "Histoire naturelle de l'esthétique : remarques philosophiques pour une esthétique naturaliste." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0043.

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Abstract:

La thèse a pour objectif de questionner la possibilité d'établir un programme naturaliste dans le champ de l’esthétique et de présenter une hypothèse phylogénétique de la relation esthétique. Dans la première partie on parvient à repérer un modèle épistémologique de l'esthétique philosophique traditionnelle qui rend problématique toute avancée d'un programme naturaliste. A partir de l'analyse de ce modèle, on propose une définition éthologique de la relation esthétique comme relation cognitive homme-monde qui se régule au moyen d'une réaction affective intrinsèque. Le deuxième chapitre vérifie l'efficacité de cette description en présentant la relation esthétique comme un fait anthropologique ordinaire qui fait partie intégrante des pratiques culturelles et sociales. Un modèle du fonctionnement cognitif de la relation esthétique est donc proposé dans le troisième chapitre où, par l'adoption d'une notion minimale d'intentionnalité, on situe le programme naturaliste des faits esthétiques dans le débats sur les stratégies de naturalisation du mental. Dans le dernier chapitre, on parvient finalement à mettre en oeuvre une perspective généalogique évolutionniste sur les faits esthétiques et à supposer les ancêtres évolutifs ainsi que les causalités et les pressions sélectives qui ont conduit l'apparition de l'activité esthétique. Dans cette direction, la notion darwinienne de «sense of beauty » offre les coordonnées pour étudier les formes originaires de la relation cognitive à fonction esthétique et la façon dont elles ont évolué depuis leur apparition sur terre The thesis has for objective to question the possibility of establishing a naturalist program in the field of the aesthetics and to present a phylogenetic hypotheses of the aesthetic relation. Ln the first part we succeed in locating an epistemological model of the traditional philosophic aesthetics which makes problematic any headway of a naturalist program. From the analysis of this model we propose an ethological definition of the aesthetic relation as a cognitive relation between man and world which regulates by means of an intrinsic emotional reaction. The second chapter verifies the efficiency of this description by presenting the aesthetic relation as a common anthropological fact, which is an integral part of cultural and social practices. A model of the cognitive functioning of the aesthetic relation is thus proposed in the third chapter where, by the adoption of a minimal notion of intentionality, we place the naturalist program of aesthetic facts in the debate on the strategies of naturalization of the mental. Ln the last chapter we finally succeed in implementing a genealogical-evolutionist perspective on the aesthetic facts, and in supposing the evolutionary ancestors, as well as the causalities and the selective pressures, which led to the appearance of the aesthetic activity. In this direction the Darwinian notion of “sense of beauty” offers coordinates in order to study the native forms of the cognitive relation with aesthetic function and the way they evolved since their appearance on earth

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Noirot, Caroline. "Les esthétiques de la laideur : contribution à une histoire de la subjectivité." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040234.

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Abstract:

Ce travail s'attache à explorer la définition évolutive de deux notions : la laideur et la subjectivité, afin de dégager une idée claire de l'identité moderne en observant l'évolution de nos images du laid. Il expose d'abord les diverses problématiques que pose à l'esthétique le débat sur l'art contemporain considéré comme autonome et fait social, pour ensuite retracer une logique de l'esthétique philosophique qui engage, depuis les Lumières et sous l'influence de Leibniz la spécificité de cette figure de la subjectivité, à savoir l'individualité, qui vit sous l'égide d'un art non beau la relation esthétique, pour finalement interroger cette question de la reconnaissance du négatif en art au travers des actuelles théories de la communication. Il apparaîtra ainsi que l'esthétique comme discipline philosophique, dans ses diverses expressions, se confond avec une vaste entreprise de reconduction du sujet à l'individu, entreprise par ailleurs dévouée à la reconnaissance des valeurs négatives : à mesure que la reconnaissance de valeurs négatives telles que le laid s'est posée comme un impératif à la pensée, la philosophie y a répondu par la construction théorique d'un possible de la subjectivité, l'individualité This work attempts to explore the evolutionary definition of two concepts: ugliness and subjectivity, in order to release a clear idea of the modern identity by observing the evolution of our images of the ugly. It exposes first the various problems that poses with aesthetics the debate on the contemporary art considered as autonomous and social fact, for then recalling a logic of the philosophical aesthetics which engages, since the Enlightenment and under the influence of Leibniz the specificity of this figure of subjectivity, namely the individuality, which saw under the aegis of a nonbeautiful art the aesthetic relation, for finally questioning this question of the recognition of negative in art through current communications theories. It will appear as well as philosophical aesthetics, in its various expressions, merges with a vast work of renewal of the subject to the individual, work in addition devoted to the recognition of the negative values: as the recognition of negative values such as the ugly one was posed like a requirement with the thought, philosophy answered there by the theoretical construction of a possible of subjectivity, individuality

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Miljanic, Bojana. "Théâtre pluridisciplinaire de Josef Nadj : histoire, esthétique et institutionnalisation en France." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA072.

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Abstract:

Quand nous admirons une œuvre d’art nous ne pensons pas forcément au parcours personnel de l’artiste ni à tous les moyens matériels dont il a eu besoin pour la production de son œuvre. Cependant une création artistique est toujours le résultat de l’association de ces deux éléments : de ce que l’artiste est comme personne et de tous les réseaux de production et de distribution de son travail. A travers l’exemple de Josef Nadj, cette thèse cherche à expliquer un chemin de création artistique. Comment Josef Nadj s’est construit et quel était le contexte historique qui a marqué le pays dans lequel il est né et conditionné son œuvre. Quelle est son esthétique et de quelle manière il organise son processus créatif. Finalement, quelles sont les circonstances de son arrivée en France et de son implantation dans les réseaux culturels français qui soutiennent le financement et la distribution de son œuvre. Son histoire est d’autant plus intéressante qu’elle englobe le parcours d’un artiste immigrant qui a obtenu la reconnaissance professionnelle d’abord dans son pays d’adoption, la France When we admire an artwork we do not necessarily consider the personal background of the artist and the material means that were required for the production of the artwork. However, every artistic creation is a result of fusion of these two conditions: who the artist is as a person and all the different networks of production and distribution of his work. This thesis is trying to explain, using the example of Josef Nadj’s career, how one’s artistic path can look. What was the historical context of the Josef Nadj’s native country during his life—and even before his birth— and how these circumstances influenced his growing up and later his artistic choices. What do his aesthetics look like and how does he create his pieces. Finally, which circumstances brought him to France and how did he join French cultural networks which later financed and distributed his work. The story of his background and professional career is even more interesting because it sheds light on an artist-immigrant who obtained his professional recognition in his adopted country—France

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Arcuri, Carlo. "L'inquiétante familiarité : typologie et histoire de la réception." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0313.

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Abstract:

Notre travail se propose de "traquer" un concept: celui de reception productive. Pour ce faire nous retracons d'abord la genese philosophique des moments fondamentaux de l'esthetique de la reception, depuis la catharsis aristotelicienne jusqu'aux analytiques du sublime chez burke et kant. Cet excursus philosophique tend a montrer que l'"esthetique de la reception" est le presuppose implicite de toute esthetique moderne. Dans ma deuxieme partie nous nous proposons de montrer la mise en pratique d'une telle esthetique par l'analyse de textes litteraires et d'oeuvres picturales francais et allemands portant sur le theme de don juan. Nous avons envisage ce personnage de seducteur et ses metamorphoses au xixe siecle en tant qu'allegorie et mise en abyme des differents paradigmes du rapport entre art, litterature et quotidiennete. Dans le dernier chapitre nous avons en outre aborde le theme des "ruines" et de la restauration de monuments du passe entre le xviiie et le xixe siecle pour montrer comment le siecle des lumieres inaugure deja une conception de l'oeuvre d'art comme objet inacheve qui inclut dans son "rayonnement" le recepteur et son horizon.

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Bellefeuille, Martin. "Émotion esthétique et littérature fantastique." Doctoral thesis, Université Laval, 2003. http://hdl.handle.net/20.500.11794/66153.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat propose une définition de la littérature fantastique reposant sur les notions d'épouvante et de surnaturel. H a semblé nécessaire de considérer le fantastique littéraire à travers ces deux éléments puisqu'ils permettent de représenter adéquatement l'émotion esthétique. En effet cette étude centre son approche sur une théorie de la littérature qui conçoit le récit comme sentiment par procuration. Ce n'est donc pas le sentiment réel qui se profile à l'intérieur du récit mais bien une émotion esthétique qui fait d'un sentiment désagréable, dans la réalité, un objet de jouissance esthétique. Cette thèse s'est donc attardée à comprendre en quoi le récit fantastique se différencie des genres parallèles (le merveilleux, l'horreur, le policier, etc.) et de quelle manière la notion d'épouvante surnaturelle se rapproche du tremendum. C'est également à travers une étude historique du récit que l'on a pu concevoir le fantastique comme un type de sentiment qui se retrouvait, entre autres, dans les anciens contes et légendes. En définitive, le fantastique exemplifie la notion d'émotion esthétique littéraire en ce qu'il représente une peur surnaturelle qui, bien qu'elle se rapproche du tremendum, ne le manifeste pas effectivement. L'émotion esthétique se rapporte donc à une part de l'imaginaire qui n'est ni substitut du réel, ni simple représentation : elle est une fonction particulière et indépendante de l'imaginaire.

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Oh, Sang-Eun. "La musique pour piano d'Olivier Messiaen: technique et esthétique." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040082.

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Abstract:

Nombre de compositeurs du XXe siècle considèrent que le travail est beaucoup plus important que l’inspiration. Pour Messiaen, la part de celle-ci est aussi importante que le travail. On peut dire que sa musique a joué un rôle de pont entre la musique classique et la moderne : tout en créant un langage novateur, il a pris des éléments de traditions anciennes pour les appliquer à sa composition. Il a beaucoup encouragé ses élèves à faire avancer la musique, en leur ouvrant des horizons nouveaux. Comme la vie moderne évolue rapidement, surtout grâce aux technologies, il en est de même dans le domaine musical ; le souci majeur pour la plupart des musiciens contemporains est l’avancement de la technique. Mais Messiaen a plutôt fait évoluer ses éléments de musique à travers ses diverses sources d’inspiration. Parmi celles-ci furent l’écoute de la nature (symbole de liberté), sa foi (le monde des choses invisibles), la gloire de Dieu (l’inatteignable). Grâce à ce compositeur, on peut sentir tous ces éléments comme s’ils nous apparaissaient. A travers l’évolution de sa technique pianistique, on peut saisir au plus près ce développement, du début à la fin de sa vie. Le piano fut un atout principal, qu’il a choisis pour exprimer son désir d’approcher à la fois le monde d’en haut et le monde d’en bas While many composers in the 20th century considered the work itself to be the most important factor in making admirable music rather than inspiration, Olivier Messiaen has regarded the inspiration as equally important to the work itself for his composition. We can say that he has bridged the era of classical music toward that of modern music. While pioneering in the creation of his own musical language, he fabulously applied all the traditional elements from the past to his composing. He has always encouraged his students to advance music by enlightening them with new vision. Undoubtedly, everything changes so fast these days especially due to the rapid advancement of technology. This is the same in musical domain, as well. Therefore, one of the major issues for the majority of contemporary composers is the advancement of technology. But, Messiaen used new musical elements adopted from his various inspirations. He has generated his inspirations by keeping his eyes and ears to the nature (the symbol of liberty), the faith (the object we cannot see) and the glory of God (the stature we cannot reach). Thanks to the hands of composer, we are able to feel as if they are in front of us. Exploring the evolution of his technique with piano, we can better understand his musical development from the beginning to the end of his life. The piano is the primary instrument he chose to express his desire to approach the world on the earth and the Heaven at the same time

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Daubresse, Louis. "Esthétique(s) du silence dans le cinéma contemporain : histoire, héritage et discontinuités." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA132.

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Abstract:

Pris dans son acception la plus large, le silence est un concept polysémique et mobile, tendant à la fois vers l'idée de néant, ou, a contrario, de plénitude. Souvent évoqué et débattu, le silence au cinéma semble toucher un point fondamental du langage audiovisuel. S'il peut être incarné de différentes manières à l'écran, il passe avant tout par une diminution (à défaut d'une disparition complète) de la présence de paroles, de musiques et, plus rarement, de bruits. Présent, plus que jamais auparavant, dans un certain cinéma contemporain, le silence y apparaît en des figures variées, selon différents dispositifs (personnages mutiques, lieux désaffectés, rares paroles dépourvues de sens, étirement des temps faibles du récit). Pour étudier ces figures, il faut d'abord s'interroger, en une approche archéologique, sur les origines du silence cinématographique, sur son parcours esthétique dans le cinéma parlant (notamment dans les films de genre ou dans ceux de la modernité) avant d'en dessiner les enjeux poétiques et politiques dans les fictions contemporaines de Sharunas Bartas, de Pedro Costa, de Béla Tarr ou de Tsaï Ming-liang. Une présence invisible à l’intérieur même de ces films peut enfin être vue, écoutée et révélée. Le silence agit directement sur le rythme de ces films, renforçant l’impression de durée et induisant la sensation de dilatation temporelle. De la même façon, il peut participer à une forme de mélancolie ou de vacuité. Nous pourrons enfin nous demander si le silence implique un refus de l'état des choses, s'il revendique une nouvelle relation au monde et s'il invite à nous projeter vers un temps post-catastrophique où la parole n’aurait plus de sens. Y aurait-il ainsi, au travers de sa mise en scène, une dimension anthropologique, critique et historique du silence ? In its broadest sense, silence is a polysemous and fluctuating concept, tending towards the idea of void and, at the same time, of plenitude. The concept of silence in cinema is frequently mentioned if not discussed, and seems to address a fundamental issue of the audiovisual language. It can be incarnated in different ways on screen, but systematically goes along with a reduction (when not a complete loss) of words, music and more rarely noises. More present than ever in some contemporary cinema, silence is represented by different figures, through different means (silent characters, disused places, rare and bland words, tensionless scenes lengthening). To study these figures, we first have to examine - through an archeological approach - the origins of silence in cinema, its aesthetical evolution in talking movies (especially in genre films and modern films). Then, we will be able to discern the poetical and political issues in the contemporary fictions of Sharunas Bartas, Pedro Costa, Béla Tarr or Tsaï Ming-liang. Therefore, the invisible presence in these films would be seen, listened to, then unveiled. Silence directly acts on the rhythm of these films, strengthening the duration feeling and generating the idea of time dilatation. In the same way it can be responsible for the emergence of some melancholia or vacuity. We will finally be able to wonder if silence implies a resistance in regards to the state of things, if it puts forwards a new relationship to the world and if it invites us to look towards a post-catastrophic time where words would be nothing but bland. Could we find out an anthropological, critical and historical dimension of silence through its dramatization ?

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Belville, Jean-Philippe. "La chirurgie esthétique en France : histoire juridique de la construction d'une spécialité." Lyon 3, 2006. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2006_out_belville_jp.pdf.

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Abstract:

Les atteintes à l'intégrité corporelle sont autorisées tacitement par la loi pour les professions médicales. L'intervention doit poursuivre un but thérapeutique et le praticien doit avoir préalablement obtenu le consentement de son patient. Pendant des décennies la chirurgie à but esthétique a pu cependant se développer en France sans bénéficier d'encadrement légal. Des praticiens exerçaient sans spécialité spécifique, en pratiquant des opérations parfois illicites, dans certains établissements orphelins de tout contrôle. La loi du 04 mars 2002 et ses décrets d'applications du 11 juillet 2005, outre un renforcement du droit des patients, ont modifié cet état de fait en organisant des contrôles pour cette spécialité. Ces contrôles seront effectués par les tutelles ou les usagers. Les changements engendrés par cette nouvelle réglementation entraîneront des coûts pour les structures. Toutes ne pourront sans doute pas les engager. De nouveaux écueils risquent alors d'apparaître : un problème pour la formation des futurs praticiens et une expatriation des plateaux techniques.

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Simonnet, Cyrille. "Matériau et architecture : le béton armé : origine, invention, esthétique." Paris, EHESS, 1994. http://www.theses.fr/1994EHES0324.

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Abstract:

Cette these porte sur l'histoire du materiau beton arme et s'inscrit au croisement de l'histoire des techniques et de l'histoire de l'architecture. Le materiau est envisage comme interface entre procede de construction (developpe sur le chantier) et systeme constructif (commande par la conception). L'histoire de ce materiau sert encore de support a une interrogation touchant la relation qu'entretient l'architecture avec la fonction de solidite. La these defend le point de vue selon lequel l'artefact beton arme est declinable selon une multitude de parametres, techniques, normatifs, mecaniques, economiques, esthetiques. La methode est de nature historique et sociologique. Chaque etat de la technique est interprete comme le produit d'une culture materielle analysee en termes de savoirs, d'institutions, d'economie, de production, et de doctrines This thesis concerns history of reinforced concrete. It takes place at the crossing of history of technics and history of architecture. The material is considered as interposition between building method (on the building site) and constructive system (in design process). The story of this material forms the basis of an interrogation about the relati on between architecture and solidity. This thesis express the idea according that the artefact "reinforced concrete" is stated in order with multiplicity parameters : technics, normatives, economics, mechanicals, aesthetics. The method employed is of historical and sociological nature. Each state of technic is interpreted as a product of mater ial culture, analysed in words of knowledge, institutions, economy, production and doctrine

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Ordoñez-Flores, Eva. "La danse Flamenca : études de son rythme et de son esthétique." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040062.

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Abstract:

L'ensemble de cette thèse s'articule de manière constante autour de préocupations d'ordre esthétique, historique,sociologique et anthropologique au travers d'une étude analytique. Elle établit un classement par familles rythmiques des pièces dansables du répertoire flamenco. Chaque famille comporte une étude de ses principes généraux d'un point de vue rythmique et chorégraphique. Chaque pièce du répertoire ou "palo" comporte une étude d'un point de vue musical et chorégraphique. L'étude musicale comprend la description du chant au travers des paramètres de ses couplets,les "coplas", et la description du "toque" de la guitare : changements d'accords,jeu de la main droite et placements des temps forts. Une transcription musicale de base vient illustrer ces propos dans le second volume. L'étude chorégraphique comprend une description du caractère de la danse, la définition de sa structure de base et une analyse esthétique au travers d'un ou plusieurs documents audiovisuels. Ce dernier point d'étude définit, pour chaque exemple, la structure de la danse analysée et le nombre de cycles rythmiques dont se sert l'interprète pour chaque partie structurelle. L'étude comporte des commentaires en rapport à l'interprétation chorégraphique.

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Moussima, Njanjo Henri. "Anthropologie et histoire des Bamoun : analyse esthétique des objets du Musée du Palais." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010556.

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Abstract:

Le but de cette thèse est d'étudier et analyser les objets du musée du Palais Bamoum. La nature des éléments rencontres à Foumban, fait que cette étude reste sous beaucoup d’aspects, une reconstitution ; en effet, la plupart des objets ne sont plus en usage dans leur conteste originel. Il était donc nécessaire de restituer ce contexte même par une étude historique. Notre choix a porté sur les trois rois qui nous ont paru les plus représentatifs de l'histoire du royaume Bamoum : 1- Share 1394 - 1418 1er roi 2- Mbuombuo vers 1700 - 1757 11eme roi 3- Njoya 1889 - 1933 17eme roi. Ensuite, nous avons analyse les objets dans leur milieu c'est-à-dire dans le musée du palais. Il y a aussi une étude sur le bois comme objet sacré. Enfin, nous parlons des problèmes de la conservation dans les musées africains. Tout ceci soutenu par des planches, et des documents photographiques The aim of this thesis is the study and analysis of the objects of the Bauman royal palace. The nature of elements met at fumban, makes that this study remains under many sides, a reconstitute. The majority of objects are not used in their original context. It was necessary to recreate this context by an historical study. We have choosen three kings that seemed to us the more representative of the history of the bamun kingdom. Then, we analysed the objects in the background, in the palace's museum. A study about the wood, sacred objects is made too. At last, we talk about problems of the conservation in the african museums. All of this, is sustained by plates and photographic documents

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Bozouzoua, Larissa Dogbo. "Histoire, esthétique romanesque et identité culturelle : aux sources de l'imaginaire de Boubacar Boris Diop." Nantes, 2014. http://www.theses.fr/2014NANT3033.

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Abstract:

Paul Ricoeur dans la désignation des rapports entre histoire et fiction parle inversement de « fictionnalisation de l'histoire » et d' »historicisation de la fiction ». Ce qui revient à dire qu'il y a interaction et interagissement entre ces deux disciplines et, par conséquent, l'action de la fiction n'est pas dénaturation. Dans toute sa production romanesque, Boubacar Boris Diop procède à la mythification de l'histoire en transposant des événements marquants de l'histoire de l'Afrique, notamment la colonisation, les indépendances , les guerres civiles, le génocide rwandais. Dans ce processus de mythification de l'histoire, des éléments intertextuels sont convoqués au profit du maintien d'un modèle autochtone. On assiste alors à une transformation de l'histoire en mythe. L'écrivain éveille la mémoire de l'histoire en inventant un univers interdisciplinaire. Force est de constater que la question identitaire est également au centre des préoccupations de l'écrivain. Au delà de son enracinement dans l'histoire et dans la politique des Etats de l'Afrique postcoloniale, l'oeuvre de Boubacar Boris Diop est le lieu où il affirme son identité culturelle. Cette identité est perceptible à deux niveaux d'abord au niveau de la narration avec l'insertion des genres de la tradition orale dans ses textes et ensuite à travers des réalités propre à la culture wolof en particulier et africaine en général Paul Ricoeur when describing the relationship between history and fiction conversely speaks of « fictionalization of history » and of « historicization of fiction ». In all its novelistic works Boubacar Boris Diop creates the mythification of history by relating key events in the history of Africa, especially colonization, independence, civil wars, and the Rwandan genocide. In this process of mythicizing history, intertextual elements are called in favor of maintaining an indigenous model. There is then a transformation of history into myth. The writer awakens the memory of history by inventing an interdisiplinary universe. It is clear that the question of identity is also a central concern for the writer. Beyond its roots in the history and politics of post-colonial African states, the work of Boubacar Boris Diop is where he claims his cultural identity. This identity is apparent at two levels : first in the narrative with the insertion of oral tradition genres in his texts and then through the insertion realities specific to the Wolof culture in particular and the African culture in general

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Quintana, Cécile. "L'effet esthétique dans la nouvelle mexicaine contemporaine (1980-1995)." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030106.

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Abstract:

La production massive de nouvelles mexicaines dans les années 1980-1995, a ouvert une perspective euphorisante. Si cette période ne correspond pas à l'émergence d'une nouvelle génération, certaines préoccupations esthétiques sont néanmoins coi͏̈ncidentes : revitalisation du langage, discours métapoétique, combinaisons transtextuelles, rappellent les caractéristiques d'une écriture postmoderne. C'est donc un genre qui ne se distingue pas par sa nouveauté mais par sa maturité. Il sonde toutes les voies possibles de l'écriture et abolit les frontières génériques, y comprit celles de la poésie. C'est pourquoi il semble plus opportun de théoriser la nouvelle à partir de la lecture. L'Effet esthétique est à envisager sur trois niveaux : la lecture phénoménologique, la lecture identifico-émotionnelle et la lecture littéraire. . The large number of Mexican short stories written between 1980 and 1995 opened up exhilarating perspectives about this literary genre. This period did not witness the birth of a new generation but most writers shared a certain number of aesthetic concerns : a revival of language, metapoetic discourse, intertextual combinations, all of which recalling characteristics of post-modern writing. Therefore the genre, if not new, stands as a more mature one for it experiments with all possile ways of writing and gets rid of all generic frontiers, includind those of poetry. From then on, it has been impossible to identify fixed rules of writing. That is why it seems more appropriate to propose a theory about short story writing from the point of view of the act of reading. The aesthetic effect is to be considered from three perspectives : phenomenological reading, identifico-emotional reading and literary reading. .

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Bekkar, Fatima. "Le renouveau des cinématographies arabes (1980-1998) : approche thématique et esthétique." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010528.

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Abstract:

Les années quatre-vingt et quatre-vingt-dix ont été, dans les pays du Maghreb, en Égypte, et au Moyen-Orient, des années de production cinématographique nouvelle avec l'arrivée sur les grands écrans des premiers films de cinéastes arabes nouveaux "nouvelle générations", "nouvelle vague", "nouvelle relève",. . . Les qualificatifs ne manquent pas dans le médias arabes pour désigner ces nouveaux venus qui se sont fait remarquer, souvent dès le premier film. On commença alors à évoquer le "renouveau" de tel ou tel cinéma. Néanmoins, ces cinéastes, nouvellement arrivés, sont-ils pour autant des rénovateurs ? C'est la question à laquelle cette recherche tente de répondre à travers une approche thématique et esthétique. La première partie de ma thèse est une présentation de quelques repères historiques, relevant à la fois de l'histoire globale et de celle du cinéma dans les pays arabes. L'accent y est mis sur la relation du cinéma avec certains domaines sociopolitiques et:ou culturel dans une approche qui tend à restituer les évènements cinématographiques, entre 1952 et 1980, dans leur contexte global. C'est cette même approche qui permet, dans la deuxième partie, d'étudier les incidences, directes ou indirectes, de quelques évènements majeurs des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix et leur représentation dans les films concernés par cette thèse. Enfin, l'analyse d'un ensemble de films permet de dégager, dans la dernière partie, les aspects thématiques et esthétiques qui ont marqué le renouveau des cinématographies arabes à partir des années quatre-vingt.

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Barbon, Marco. "Chronotopies : pour une esthétique du temps photographique." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0010.

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Abstract:

Le sujet de cette thèse concerne la nature et les différentes modalités de la représentation photographique du temps. À travers l'analyse de différents exemples tirés de l’histoire de la photographie, cette étude se propose de montrer que l'image photographique, contrairement à ce que pensent certains théoriciens selon lesquels la prise de vue ne ferait qu'annuler le temps, nous dévoile une pluralité de figurations du temps, nous ouvrant notamment la voie pour une compréhension de la temporalité comme impermanence. C'est au niveau de la possibilité d'interrompre l'enchantement de la conjonction entre instant et éternité qui se situe en effet l'ultime enjeu de ce travail : dans certains cas au moins, la photographie semble pouvoir représenter l'éphémère sans devoir forcément le soumettre à la tyrannie de l'éternel The subject of this thesis concerns the nature and methods of the photographic representation of time. Through an analysis of different examples drawn from the history of photography, this study offers a demonstration of how, contrary to the claims of certain theorists that the photographic image simply annuls time, the photographic image in fact unveils a host of representations of time, allowing an understanding of temporality as transience. The crux of this study lies in the possibility of disrupting the entrancing union of instant and eternity : in some cases at least, photography seems capable of representing the ephemeral without necessarily subjecting it to the tyranny of the eternal

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Durand-Gaillard, Marie Céline. "Rudolf Steiner artiste et enseignant : créer et transmettre, une idée de la relation entre l'art, sa transmission et son enseignement." Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100140.

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Abstract:

Après une étude approfondie et la publication de l'oeuvre scientifique de Goethe, R. Steiner devenu secrétaire général de la Société Théosophique allemande et professeur à l'école des ouvriers à Berlin, se fait connaître par ses conférences et son engagement dans la vie sociale, politique et culturelle européenne. La création de la Société Anthroposophique en 1913 concrétisa cet engagement par la construction du Goethéanum, un bâtiment tout en bois sculptéqui brûlera dix ans plus tard. Le deuxième Goethéanum reconstruit en béton entre 1924 et 1928, abrite deux salles de spectacles et des unités de recherche et d'étude en science, arts, pédagogie, agriculture, médecine. Des récits biographiques racontent cette aventure et dévoilent un mode de transmission original où la pratique des différents arts se révèle centrale avec l'invention de nouvelles techniques plastiques (peinture des plafonds et vitraux) et même d'un nouvel art l'eurythmie. Une deuxième partie montre la parenté et l'originalité de la transmission selon Steiner en regard de ses contemporains et des colonies d'artistes établis à Murnau, au Bauhaus et à Dornach : Kandinsky, Klee et Beuys. Il sera enfin question de l'héritage de Steiner aujourd'hui et de l'art de la pédagogie dont la création de la première école Steiner-Waldorf en 1919 et les expositions de dessins au tableau noir exécutés pendant les conférences sont le témoignage. L'art de la transmission, la transmission par l'art concernent aujourd'hui de nombreux artistes et thérapeutes contemporains qui revendiquent cette orientation en relation avec leur propre création comme Sarkis, A. Pincas, G. Garouste, Bang Hai Ja, B. Hégu, E. Reiter After thoroughly studying and publishing Goethe's scientific work, R. Steiner became director of the german Theosophical Society and a teacher at the Workers'School of Berlin. He became well-known thanks to his conferences and his cmmitment to European social, political and cultural life. This engagement would be materialised with the founding of The Anthroposophical Society in 1913 by the building of the Goetheanum. It would be a sculpted wood structure which would burn down ten years later. The second Goetheanum built in concrete, was reconstructed between 1924 and 1928. It housed two auditorium and research and study units in science, arts, pedagogy,agriculture and medicine. Biographies of Steiner tell of this adventure and reveal an original way of transmitting knowledge. The key point of this transmission consists of the practice of different arts and the creation of new plastic techniques (ceiling paintings, stained-glass windows) and even a new technique called eurhythmy. The second part of thethesis deals with Steiner's originality in transmitting knowledge by comparing his work to that of his contemporaries and artists established in artists'colonies in Murnau, the Bauhaus and Dornach : Kandinsky, Klee and Beuys. Finally, the question of Steiner's heritage today and of the art of pedagogy is dealt with founding of the first Steiner School in 1919 and the exhibition of the blackboards drawings he made during his conferences are testimonies of the heritage. Many contemporary artists and therapists, such as Sarkis, A. Pincas, G. Garouste, Bang Hai Ja, B. Hégu and E. Reiter, orient their creative work around the art of transmitting, transmitting through the arts

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Mauffret, Blodwenn. "Le carnaval de Cayenne. Esthétique et subversion. Histoire d'un phénomène festif issu du fait colonial." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030162.

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Abstract:

Ce présent travail aborde le carnaval de Cayenne en tant que phénomène festif issu du fait colonial et interroge les mécanismes d'ajustement qui ont amené esclaves et "gens de couleur libres" à retourner une fête religieuse, au service d’une coercition imposée par l’ordre colonial et esclavagiste, en une pratique subversive. Il s'inscrit dans le champ des études théâtrales et aborde le carnaval à travers sa dramaticité. L'histoire du carnaval, des premiers temps de la colonie jusqu’à à la période contemporaine, montre une mise en place d'esthétiques originales qui autorisent toutes les subversions. La tradition dramatique carnavalesque est fortement marquée par la pratique du Détour pouvant se définir par l'exacerbation du caractère dérisoire de l'être créole. Le grotesque européen se mêle à la dérision militante créole offrant un héritage théâtral pouvant exprimer une digne rage, une humanité perdue, une utopie nouvelle. La danse des bals, populaires autant que ceux de la bourgeoisie noire, quant à elle, est un art de la fuite et convoque le marronnage créateur en construisant un espace-temps différent où l'être renaît dans un sentiment d'enthousiasme. Cet art de la fuite au sein des vidé participe à une immense transe collective où la violence jaillit devenant un moyen de déstabiliser l'ordre en place et d'aborder une nouvelle sociabilité. Le carnaval contemporain tente de résoudre les problématiques de l'histoire et devient l'inverse du Détour. L'être sort de l'ombre pour manifester sa valeur d'exposition manifestant un hédonisme générale. La théâtralité y est brillante et manifeste une hypervisibilité de soi. C'est l'ère de l'exacerbation de la valeur de l'être cayennais This present work approaches the carnival of Cayenne as a festive phenomenon which has developed from the colonial fact. It examines the mechanisms of this adjustment by which slaves and "free people of color" have converted a religious feast reinforcing colonial order and slavery, and subverted it into a manifestation of pride in identity and expectation of a better future. As such this falls within the field of theatrical studies, i.e. evaluating the carnival as drama. The history of the carnival, from the colony's earliest days until the present, shows how new aesthetics have, year after year, changed its original role. The dramatic traditions of the carnival were strongly marked by the practice of "Détour", best defined as stressing the derisory character of the Creole being. European grotesque was mixed with Creole militant mockery, offering a theatrical inheritance expressing dignified rage, a lost humanity, a new utopia. The dance of balls, as popular as those of the black bourgeoisie, is an art of the flight, and summons creative marronnage by building a different space-time in which the being is reborn in a feeling of liberation and enthusiasm. This art of flight within the "vidé" occurs in an immense collective trance, where violence erupts, destabilizing an old order, encouraging a new. The contemporary carnival tries to solve the problems of history and becomes the opposite of the "Détour". The being comes out of darkness displaying its exhibition value, showing a general hedonism. Its theatricality is brilliant and manifests a hypervisibility. The true value of the Cayennais being is recognised

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Lambert, Vincent. "Les musées d'histoire : fabrique, communication & esthétique de l'histoire." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016AZUR2028/document.

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Abstract:

Cette thèse interroge ce en quoi le musée constitue une clef de développement de la fabrique & de la communication de l'histoire. Nous observons que l'historien-ne se confronte à des dilemmes communicationnels: retranscrire l'insaisissable passé au monde présent ; résoudre le paradoxe historiographique de la mise en relation du réel & du discours. Notre proposition consiste à transposer au musée ces problématiques communicationnelles historiennes. Voici le troisième dilemme : faire de l'histoire renvoie à l’écriture tandis que dans la société postmoderne où nous vivons, les images ont de plus en plus remplacé les textes écrits comme forme culturelle dominante.Le musée pose la question de la représentation du passé. Nous présentons un travail de modélisation muséale de l'opération historiographique. Les mouvements de production & de communication de l'histoire au musée nous orientent vers les principes de l'histoire publique & vers des questions esthétiques. Nous explorons l'hypothèse conceptuelle d'une esthétique de l'histoire, dispositif sensible, social & agissant dont le musée d'histoire participe. Après des démarches exploratoires d'observation participante, nous entreprenions une enquête qualitative. Suite à cette campagne de témoignages, nous avons développé sous LaTeX un programme de moissonnage thématique des données. Les résultats abordent : 1) les dispositifs, fonctionnements & vies des musées visités ; 2) l'histoire des musées d'histoire ; 3) une stylistique de l'histoire ; 4) l'idée d'esthétique de l'histoire. La principale originalité de cette thèse vient des jalons qu'elle pose à une réflexion sur le concept nouveau d'esthétique de l'histoire This thesis interrogates the key role of museums in the development of the fabrics of history and in his communication. We make the observation that the historian is subjected to communicational dilemmas: to retranscribe the imperceptible past to the contemporary world; to solve the historiographic paradox linkage of the actual and the discourse. Our suggestion consists in moving the historical communication problems to the museum. Here the third dilemma: to make history sends one back to writing, whereas in the postmodern society in which we live, images have increasingly been replaced by the written word as a dominant cultural form.The museum rises the issue of the representation of the past. Thus, we present a work of museum modelling of the historiographical operation. The production and communication movements of history in a museum orients us towards the principles of public history and towards æsthetic questions. Hence, we explore the conceptual hypothesis of an historical æsthetics, a sensitive, social and active system in which a museum can participate. Following the exploratory process of participative observation, we initiated a qualitative survey. After this extensive data acquisition campaign, we developed a programme based on the LaTeX type setting system, for sorting data by topics. The results enabling us to develop: 1) the systems, the functioning and the operation of the museums visited; 2) the history of museums of history; 3) the stylistics of history; and 4) the idea of æsthetics of history.The originality of this thesis gains its interest to establishing a foundation for a reflection about the new concepts of the æsthetics of history

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Mouëllic, Gilles. "Jazz et cinéma : convergences esthétiques." Rennes 2, 1999. http://www.theses.fr/1999REN20009.

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Abstract:

Le jazz est ne de la rencontre de deux cultures, l'une africaine, réputée plus spontanée, l'autre occidentale, fondée sur l'idéalisme hérite de la Grèce classique. Folklore néo-orléanais au début du XXe siècle, il s'est universellement impose comme un art grâce a l'éclosion de moyens techniques nouveaux. Parmi ceux-ci, le cinéma joue un rôle déterminant. Présence des musiciens dans les salles et sur les écrans du muet, influence du swing et des big bands sur les genres majeurs du cinéma américain des années trente et quarante, jusqu'a la création d'un jazz hollywoodien qui s'impose dans la décennie suivante : le septième art, qui refuse aux grands créateurs de couleur une reconnaissance qui fait encore aujourd'hui défaut, ne cesse de se nourrir de cette esthétique nouvelle qui marque peu a peu de son empreinte tous les arts de son siècle. Tandis que le cinéma des noirs américains, longtemps aussi marginal que passionnant, tente de rendre justice au jazz, quelques cinéastes blancs revendiquent bientôt cette musique comme modèle. C'est le cas de John Cassavetes dans son premier film, Shadows (1959) ou deux esthétiques, celle du jazz et celle du cinéma, parviennent enfin à se rencontrer. D'autres metteurs en scène, s'inspirent eux aussi, consciemment ou non, du jazz Shirley Clarke aux Etats-Unis, mais egalement, en Europe, Jean-Luc Godard ou Jean Rouch. La plupart de ces rencontres fructueuses ont lieu a la fin des annees cinquante, dans des oeuvres qui marquent une volonte de faire du cinema autrement. Pour Gilles Deleuze, ces années sont celles ou, dans le cinéma, le renversement entre l'image-temps et l'image mouvement devient parfaitement visible. Que le jazz moderne y soit présent a ce moment ne relève pas du hasard : les grands musiciens tentent eux aussi de subordonner le mouvement au temps. Conquérir un nouvel espace : telle est alors l'ambition que le jazz et le cinéma partagent avec les courants les plus novateurs de l'art contemporain Jazz was born out of the meeting of two cultures, African culture, supposedly more spontaneous, and western culture, founded on the idealism inherited from classical Greece. What was New Orleans folk music at the beginning of the 20th century became universally known as an art form through the use of new technical developments, including the cinema, which played an important role in this movement. With the presence of musicians in movie theatres and on silent film screens, the influence of swing and the big bands on the major American cinema genres during the nineteen thirties and forties, and the creation of Hollywood jazz which took over during the following decade, film making was permanently inspired by the new aesthetic which gradually left its mark on all aspects of the arts this century while at the same time and even up to the present refusing to recognize the great black film directors. While black American cinema, marginal but fascinating, tried to give jazz its rightful place, a few white film makers began to take this music as a model. This is the case for John Cassavetes in his first film Shadows (1959) where two aesthetics, jazz and the cinema, came together at last. Other directors became inspired, consciously or not, by jazz: Shirley Clarke in the US, but also Jean-Luc Godard and Jean Rouch in Europe. Most of this activity took place in the late nineteen fifties in works marked by the desire to work differently in film making. For Gilles Deleuze it was during those years that the reversal between "time-image" and "movement-image" became perfectly visible. If modern jazz was present at that time, it was no accident: great musicians were also trying to subordinate movement to time. Conquering a new space: that was then the joint ambition of jazz and the cinema, found also in the most innovating currents in

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Borie, Mariane. "L' assujettissement philosophique du style : conditions pour une théorie non-esthétique du style." Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100012.

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Abstract:

Bien qu'ils diffèrent par leur projet et leurs ressources, l'art et la philosophie ont chacun besoin d'un concept de style, si l'on considère la première comme une pratique de langage et le lieu d'un savoir, et la seconde comme l'objet de l'esthétique et le matériau de l'histoire de l'art. Comme sujet du Logos, la philosophie est l'instance supposée garantir l'autonomie de sa théorie et en unifier le sujet. En supposant qu'elle y parvienne, comment est-il alors possible de définir le style philosophique si celui est compris à la fois comme l'invariant (le sujet) et la somme (l'objet) de chacune de ses déterminations singulières ? La difficulté résiderait dans la possibilité de séparer le style philosophique du mixte stylistique que constitue le sujet de l'oeuvre philosophique. Or, le découpage philosophique de la pensée constitue précisément un espoir pour l'analyse du style des philosophes en tant qu'il permet d'ordonner les différences de style intra-philosophiques autour d'un concept univoque. Mais si la philosophie est également le sujet qui organise le savoir en le structurant artificiellement autour de ces concepts, jusqu'à quel point ces différences peuvent-elles être abstraites puis synthétisées sous la notion de style philosophique selon une telle méthode ? C'est ce cercle qui oblige à repenser la notion de sujet et à inventer une pratique de style capable de surmonter cette aporie, pour remplir cet axiome : le style c'est le sujet Although they differ by their purpose and the way to achieve it, philosophy and art require both a concept of style as we consider the first one either as an original practice of language or as the motherland of knowledge, and the second one either as the object of aesthetics, or as the stuff of a one way history. As we consider now philosophy as the guardian of Logos, it is the instance which is supposed to keep its subject free of mind and unify its theory trough history. Suppose that it could achieve such a concept, how is it possible to define philosophical style if this is understood as well as the invariant and the sum of each of its singular déterminations ? The point would first consist in succeeding to separate philosophical style from the stylistic "mixt" in which consist the subject of the philosophical opus. But the way in which thought is fragmented into concepts constitutes a hope for analyzing the style of philosophers as it allows to order intraphilosophical style differences around a stable word. But if philosophy is also the instance which organizes knowledge in this specific way, is it still possible to abstract and synthetize these differences as philosophical style is supposed to be elucidated, when following this method ? This circle is the point that orders to refound the notion of subject and to invent a practice of style which could bend this difficulty : how to define style thanks philosophy if this is the subject and if subject is style, as it's supposed to be in this particular case ?

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Dubois, Pierre. "L'orgue dans la société anglaise au XVIIIème siècle : éthique et esthétique de la modération." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040200.

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Roch, Alexandra. "Le marronnage dans la littérature caribéenne : esthétique et stratégie d'écriture." Thesis, Antilles, 2016. http://www.theses.fr/2016ANTI0052.

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Abstract:

La littérature caribéenne d’expression anglaise et française se caractérise aujourd’hui par une véritable remise en question voire une déconstruction des normes occidentales imposées. Née dans un contexte de violence et de dénigrement de l’être noir, cette littérature est marquée par une forme de résistance qui s’enracine dans le marronnage historique. Ainsi, l’objectif général de cette étude est de montrer que les processus de créativité contemporains font usage du passé, notamment du marronnage, comme démarche émancipatrice de l’art et de la littérature caribéenne. Il conviendra de présenter le phénomène du marronnage dans la Caraïbe comme une dynamique discursive dans trois romans d’Earl Lovelace The Schoolmaster, The Dragon Can’t Dance et The Wine of Astonishment, auquel s’ajoute le roman Abeng de Michelle Cliff et Un dimanche au cachot de Patrick Chamoiseau.Ces fictions s’inscrivent dans un mouvement de résistance à l’occident et d’agentivité du personnage afro-descendant qui se manifeste par un renouvellement des tactiques et des stratégies crées par l’esclave fugitif : le nègre marron. Ainsi, la structure narrative déconstruit, la langue d’écriture subvertit, les thématiques liées à la résistance et la rébellion symbolisent la présence d’un marronnage littéraire. Ces récits plongent le lecteur dans une atmosphère chaotique où l’Afro-descendant doit lutter pour s’affranchir des griffes du colonialisme. C’est ainsi que les auteurs ont choisi de mettre en scène des personnages contemporains nourris de l’esprit de résistance et de rébellion qu’ils opposent à la politique coloniale. De plus, l’esthétique marronne permet aux écrivains du corpus de sortir de l’emprise occidentale et d’exprimer une certaine autonomie discursive Nowadays, Caribbean literature in English and French language challenges imposed Western norms. Originated from a context of violence and inferiority of black people, this literature is marked by a form of resistance that is rooted in historical marronnage. Thus, the general objective of this study is to show that contemporary creative practices use the past as an emancipatory approach to Caribbean art and literature. It presents the phenomenon of marronnage in the Caribbean as a discursive dynamics in three novels by Earl Lovelace The Schoolmaster, The Dragon Can’t Dance and The Wine of Astonishment, Abeng by Michelle Cliff and Un dimanche au cachot by Patrick Chamoiseau.These fictions are part of a resistance movement against Western codes. It deals with Black characters agentivity expressed by a renewal of maroon tactics and strategies in the novel. Thus, the deconstruction of the narrative structure, subverted written language as well as topics related to resistance and rebellion symbolize the presence of a literary marronnage. These stories bring the reader deeply into a chaotic atmosphere where the Afro-descendant struggles to free himself from colonial power. The authors have chosen to present contemporary characters fed by the spirit of resistance and rebellion thay they oppose to colonial policy. Moreover, marroon aesthetic allows writers to get away from Western influences and expresses a certain autonomy

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Gervais, Bertrand. "La creation plastique contemporaine une histoire raisonnee 1960 - 1995." Amiens, 1999. http://www.theses.fr/1999AMIE0001.

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Abstract:

Cette these d'histoire de l'art se consacre a definir la creation plastique occidentale du dernier tiers du xxe siecle dans la multiplicite de ses formules. Elle resulte d'une double approche : celle du terrain (l'art tel qu'il s'est donne cours durant la periode recente) ; celle du champ analytique applique a l'art vivant (l'art tel qu'on l'a interprete ces trois dernieres decennies durant). Envisageant le mouvement de l'art entre les annees 60 et les derniers moments du xxe siecle, cette recherche s'articule autour de trois grandes parties. Developpant les criteres de modernite, d'avant-gardisme et de postmodernite, s'attachant de surcroit a tracer une figure de l'artiste en pleine mutation, la premiere partie examine en les inventoriant les fondements historiques de l'art contemporain. Descriptive autant qu'analytique, une seconde partie presente l'art de la fin du xxe siecle dans la diversite de ses composantes et de ses evolutions : + neo-peinture ;, art tridimensionnel sous ses formes multiples, creation d'essence technologique, esthetiques d'intervention sociale, representations + brouillees ;, art du + presque rien ;. . . Une ultime partie est consacree a l'examen des rapports entre art vivant et institutions, rapports envisages a travers les aspects bientot cardinaux de l'integration et de l'inscription de l'art dans l'economie des biens politico-culturels. Tenant a parts egales de l'investigation, du classement et de l'analyse, ce travail autorise ce constat : l'art contemporain n'est en rien la laborieuse continuite de l'art moderne, il se signale plutot par son indeniable inventivite, une notable capacite a assimiler autant qu'a recycler son environnement. Au juste, il n'est aucun domaine, esthetique, social, politique, dont l'art contemporain ne s'empare bientot pour affirmer sa vision singuliere mais pertinente de la realite This thesis of the history of art is dedicated to defining western plastic art of the last thirty years of the twentieth century, in its many forms. It is the result of a double approach : on groundwork (such as of art which constituted the course during the recent period); that art of the analytical area applied to modern art (such as art as interpreted during the last three decades). Foreseeing the direction of art between the sixties and the last years of the twentieth century, this study deals with three big areas. In developing the criteria for modernity, the avantgarde and of postmodernity, increasingly delineating the figure of the artist in mutation, the first part examines these by cataloguing the historical foundations of contemporary art. As descriptive as it is analytical, the second part presents the art of the end of the twentieth century, in all the diversity of its components and evolutions : + neo-painting ;, three dimensional art in all its forms, creations at the heart of technology, aesthetic, social intervention, untidy representations of + nearly nothing ;. A last part is dedicated to examining the relationships between modern art and institutions, relationships seen as cutting across near cardinal areas in the integration and entry of art in the economy of the political cultural patrimony. Keeping equally to investigation, classification and analysis, this work has the authority to affirm : contemporary art is by no means the laboured continuity of modern art, but is rather a sign of it undeniable inventiveness, a notable capacity in assimilating as much as recycling its environment. In fairness, there is no area, aesthetical, social or political, in which contemporary art will not soon take over affirming its particular vision pertinent to reality

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Coudray, Sophie. "Histoire politique et esthétique du Théâtre de l'opprimé en france de ses origines aux années 1990." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE2124.

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Abstract:

Bien loin de l’image mythifiée et parcellaire du Théâtre de l’opprimé, cette étude historique entend mettre au jour les processus à l’œuvre dans le développement de cette praxis élaborée par le metteur en scène brésilien Augusto Boal. Toujours envisagé tout à la fois comme théorie (la poétique de l’opprimé) et pratique, le Théâtre de l’opprimé est ici saisi dans toute son historicité. En s’appuyant autant sur un corpus théorique que sur des archives — dont un fonds inédit appartenant au Centre du Théâtre de l’opprimé de Paris — et des entretiens avec les praticiens qui ont été membres du centre parisien, les recherches menées nous ont permis de retracer une histoire qui se veut à la fois politique et esthétique du Théâtre de l’opprimé.Structurée chronologiquement, l’étude commence dans les années 1950 au Brésil, afin d’évoquer les préoccupations artistiques d’Augusto Boal — alors metteur en scène au Teatro Arena de São Paulo —, centrées sur la recherche d’un renouvellement des formes dramatiques répondant à un impératif politique : faire du théâtre populaire, c’est-à-dire pour le peuple brésilien. Il s’agit dedéceler, dès cette époque, les prémices d’une réflexion théoriques mais aussi les racines de certaines techniques théâtrales, qui constituent le terreau sur lequel se développera le Théâtre de l’opprimé, au milieu des années 1970, alors que Boal est en exil.La suite de cette étude se déroule en France, un pays où Augusto Boal commence à se faire connaître en 1971 grâce au Festival mondial du théâtre de Nancy et à la revue Travail théâtral. C’est à Paris, à la fin des années 1970, qu’il fonde le tout premier groupe permanent de Théâtre de l’opprimé, dont la mission est de diffuser et de transmettre cette méthode. Le groupe va progressivement se professionnaliser et s’institutionnaliser, pour finir par trouver sa place dans le champ du théâtre d’intervention socioculturelle, un espace dans lequel la structure va poursuivre son activité jusqu’en 1998, date à laquelle celle-ci va éclater pour donner naissance à de multiples compagnies éparpillées sur le territoire français, laissant un centre dont l’identité s’en est trouvée profondément renouvelée.L’histoire française du Théâtre de l’opprimé est l’histoire d’un dialogue permanent entre le théâtre, le champ politique, militant et l’éducation populaire. C’est également l’histoire d’un collectif, que rassemble l’usage d’une même méthode théâtrale et qui traverse deux décennies au cours desquelles l’époque a profondément refaçonné le visage de la société. C’est donc une histoiretraversée de contradictions, d’évolutions, mais aussi de positions maintenues et réaffirmées, qu’il s’agit ici de mettre au jour. Des mouvements militants à la politique de la ville, le parcours du centre parisien de Théâtre de l’opprimé est celui d’un groupe en prise avec son époque. Parisienne, la structure fondée par Boal est cependant centrale dans la diffusion à l’échelle mondiale des techniques du Théâtre de l’opprimé. En cela, écrire l’histoire du Théâtre de l’opprimé en France est une façon de contribuer modestement à en écrire une histoire mondiale, dont le centre parisien constitue une étape cruciale Far from the mythic and fragmented image of Theatre of the oppressed, this study intends to bring to light the ongoing processes in the development of this praxis developed by the Brazilian director Augusto Boal. Systematically considered as both a theory (the poetics of the oppressed) and a practice, Theatre of the oppressed is comprehended in all its historicity. Drawing on a theoretical corpus as well as archives – including unpublished funds from the Parisian Theatre of the oppressedCentre – and interviews with practitioners who used to be members of the Parisian centre, these researches lead us to trace Theatre of the oppressed political and aesthetical history.Organised in chronological order, this study begins in Brazil during the 1930s, in order to discuss Augusto Boal’s artistic concerns – while he works as Teatro Arena’s director in São Paulo – focused on the search for a renewal of dramatic forms tied up with a political imperative: performing popular theatre, that is a theatre performed for Brazilian people. From this time, we attempt to uncover the early stages of a theoretical reflection but also the roots of some theatre techniques, thatconstituted the fertile ground for the further development of Theatre of the oppressed during the mid 1970s, while Boal is in exile.The rest of this study takes place in France, a country where Boal starts to become known in 1971 through the Nancy World Theatre Festival and the revue Travail théâtral. By the end of the 1970s, in Paris he starts the first permanent group of Theatre of the oppressed, whose mission is to spread this method. Progressively, this group will become more professional and institutionalised, and will finally find its place in the field of sociocultural intervention theatre, a place where this structure continues its activities until 1988, when it breaks out and leaves the door open for many companies spread throughout France, leaving the old centre whose theatre identity has been radically altered.The French history of Theatre of the oppressed is the story of a permanent dialogue between theatre, the activist and political fields and popular education. This is also the story of a collective gathered around the use of the same theatrical method over two decades, while the face of society is being deeply reshaped. Thus, this history is fraught with many contradictions, evolutions but also strong positions being held and reaffirmed. Our task is to bring them to light. From activist movements to urban policy, Theatre of the oppressed Centre’s path is nothing else but the path of a group in touch with its time. However, the Parisian structure grounded by Boal is at the core of the spread of Theatre of the oppressed techniques in the whole world. That’s why writing Theatre of the oppressed history in France is a way to modestly contribute to writing its world’s history, in which the Parisian centre represents a major step

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Toriumi, Motoki. "Les promenades de Paris de la Renaissance à l'époque haussmannienne : esthétique de la nature dans l'urbanisme parisien." Paris, EHESS, 2001. http://www.theses.fr/2001EHES0040.

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Alfandary-Weitzenblum, Isabelle. "Esthétique de la grammaire dans l'oeuvre d'E. E. Cummings." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030003.

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Abstract:

La poesie d'e. E. Cummings est une poesie de l'evenement : le poeme est ce qui arrive sur la page ou dans la langue, dans la syntaxe ou dans la typographie ; ce qui arrive a un lecteur et affecte sa lecture. Decouvreur de pouvoirs insoupconnes et revolutionnaires de l'ecriture et du signe imprime, de leur sensibilite, de leur emotivite meme, de leur capacite a toucher et a dire l'inexprimable, e. E. Cummings est l'inventeur d'une esthetique de la grammaire radicale et singuliere qui, si elle s'inscrit dans le mouvement moderniste, et fait echo a la tradition, n'en echappe pas moins a tout cadre, ne s'en tient pas moins a part et a l'ecart, idiosyncratique et inclassable. Accidentes ou defigures, le signe et la syntaxe, loin d'etre detruits, sont a l'oeuvre dans le poeme d'e. E. Cummings pour donner a voir l'inoui, faire entendre l'invisible. Dans l'espace innommable de la page qui borde le vers et dans lequel il retentit, dans un poeme rendu meconnaissable et illisible, sens et sensation font corps, le sens affleurant et travaillant dans le sensible, la sensation etant consubstantielle a la comprehension, et contemporaine. Intraduisible, le poeme est a lui-meme son propre evenement, l'evenement de la langue affrontee a cet etranger qu'est l'ecriture. Le sens est ce qui arrive au detour de la scansion et du retour du vers, pour devenir rythme dans une chute poetique sans precedent. Le poeme cummingsien touche a l'autre : la grammaire hors-laloi dit autre chose que ce a quoi autorisent la regle et l'usage ; l'ecriture dit l'autre qu'est la voix et son silence. Ecriture de la vive voix, la poesie d'e. E, cummings se veut poesie du silence E. E cummings' poems are happenings. The poetry is what occurs on the page or in speech -in syntax or typography. The poem is an event that affects the reader. E. E. Cummings discovered the previously unexplored and revolutionary impact of the written sign. He demonstrated the sensitivity that could be found in the printed page and its power to elicit emotion and to express the unsayable. E. E. Cummings forged an aesthetics of grammar. Although this is related both to tradition and to modernism in poetry, it surpasses both of them, breaking both the traditional and modem molds. Cummings' poetry is out of the mainstream and defies categories. Irregular or disfigured, the printed signs and syntax, far from being destroyed, make sense. The intent is to voice the unsayable, to show the invisible. In the blanks surrounding the verse and in which the words reverberate, in a poem made unrecognizable and unreadable, meaning and feeling merge. The sense touches the sensitivities. Sensation and understanding become one. The untranslatable poetic result becomes an event in and of itself; the event is the confrontation of two strangers -language and writing. Meaning is the unexpected and unprecedented- rhythmic event that takes place at the end of a poem; meaning and rhythm become inseparable. A poem by cummings attains otherness. Its outlaw grammar says something radically different from what is authorized by normal linguistic rules and practices. The writing expresses both voice and silence. E. E. Cummings' poetry is written out loud, so that it may give utterance to silence

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Giroud-Fliegner, Olivier. "La peinture moderne et contemporaine : propositions pour une esthétique de l'erreur." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040198.

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Abstract:

On se propose dans un premier temps de faire état du contexte philosophique de notre projet. En effet, la peinture de ce siècle fait l'objet de critiques qui ont comme point commun la question de la mort de l'art. C'est là ce qui fait d'une esthétique de l'erreur un questionnement philosophique. Le choix du terme d'erreur est motivé par la nécessité d'envisager la modernité picturale selon des concepts adéquats. On trouve chez Gombrich et chez Nietzsche une dimension perceptive et opératoire de l’erreur qui va dans notre sens. On construit alors le concept sur la base des analyses de Kant sur le temps et la perception. A cette esthétique transcendantale de l'erreur fait suite une dialectique de la liberté en peinture, issue du statut de l'erreur comme fonction d'une perception erronée. La dernière étape de notre démarche met en perspective le fonctionnement de l'erreur. On voit dans l'art "contemporain" et l'esthétique d’Adorno la perte du sens de la modernité en art, à savoir une attitude spécifique vis-à-vis de la perception; cette perte est accentuée par l'orientation postmoderne de l'art, perspective qui ouvre l'esthétique de l'erreur sur la question du sens de la modernité en art The first part of our problematics explains the philosophical context of an esthetics of error; indeed, most of the pictorial movements of this century has been criticized as a danger of non-sense in painting. The common point of the critics is also the question of death of art, as a danger to overcome by finding a concept able to establish a logic of modernity in art. We find in Gombrich's and Nietzsche’s texts already a statute of error which confirms our purpose, and makes us enable to build a concept of error, in the second part of our purpose. Thus, error is determined by Kant’s analyses of temporality and perception. And we can define error as a function of an almost "false" perception. As a function, error creates a dialectics of liberty in painting. In the last part of our purpose, we analyze Adorno's esthetics as the loss of the sense of error and modernity, as well as the postmodernist orientation of art, which opens our problem on the question of the sense of modernity in art

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Saint, Girons Baldine. "Fiat Lux : une philosophie du sublime." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100017.

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Abstract:

Avec le sublime surgit une certaine forme de réalité qui nous met en cause en nous éblouissant. Tenter une philosophie du sublime, c'est prétendre construire la définition d'un objet évanescent et rebelle à tout canon, en ressaisir les effets sur un témoin mortifié et rechercher l'enjeu qui lui est alors révélé. Seule, une théorie du risque nous a semblé pouvoir rendre compte à la fois des différentes formes de l'incertitude du sujet, suspendu entre le ravissement et l'angoisse des liens défaits. Le sublime outrepasse la forme, exhibe l'envers caché, brouille les repères et efface les traces de l'art. Aussi bien l'égarement du grand, la commotion du laid et le vertige de l'obscur tendent-ils à supprimer le beau, dont la simplicité a pour vocation d'assurer le retour en effaçant le soupçon du piège. Or, l'expérience de la déstabilisation du monde trouve son corrélat dans celle de la suspension du moi. L'enthousiasme antique emporte l'adhésion de tout l'être, l'étonnement burkien ébranle le sujet dans son intimité et le respect entraîne chez Kant hiérarchie et clivages. Si des effets l'on remonte maintenant aux causes, la confrontation au pouvoir, les souffrances de la passion et la volonté de vertu témoignent des efforts tentés par le sujet incarné pour accoucher d'un sublime, qu'il ne saurait revendiquer comme principe de création et d'action, parce qu'anonyme et transpersonnel With the sublime a certain form of reality emerges which questions us while dazzling us. To attempt a philosophy of the sublime is to pretend to construct the definition of an object which is evanescent and refractory to any model, to grasp its effects on a mortified witness and seek the stake which is then revealed to him. It seemed to us that only a theory of risk could account both for the different forms of the wavering of the perceptible and for the uncertainty of the subject in suspense between rapture and fear of undone bonds. The sublime goes beyond form, displays the hidden reverse side, blurs the reference marks and blots out the traces or art. Just as the distraction of the great, the shock of the ugly and the dizziness of the obscure have a tendency to do away with the beautiful, the simplicity of which is bound to ensure its return while removing the suspicion of the pitfall. Yet, the experience of the destabilization of the world finds its correlation in that of the suspension of the ego. The longinian enthusiasm wins the adhesion of the whole being, the burkean amazement upsets the subject in its intimacy and respect brings out hierarchy and celavages in Kant. If we now go back from the effects to the causes, the confrontation to power, the sufferings of passion and the will for virtue indicate the efforts made by the embodied subject in order to bring forth a sublime which he would not be in a position to claim as a principle of creation and of action because it is anonymous and transpersonal

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Montarnal, Jean. "Cinéma français d'après-guerre et « tradition de la qualité » : du mythe critique à la réalité esthétique." Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC067.

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Abstract:

L'expression « tradition de la qualité » désigne souvent une partie importante du cinéma français de l'après-guerre comprise entre 1945 et 1958. La réputation de cette fraction de la production française est en général négative, à cause du discrédit qu'ont d'abord jeté sur elle les articles polémiques des jeunes critiques des Cahiers du cinéma puis les premiers films de la « Nouvelle Vague ». Cependant, la notion de « tradition de la qualité » ou de « qualité française » reste difficile à définir et à localiser. Le but premier de notre travail est de faire l'archéologie d'une notion fluctuante et instable et pourtant incontournable. Nous cherchons les origines de ce concept et nous retraçons son parcours historique, sémantique et rhétorique, qui traverse les champs institutionnel, corporatif, juridique, culturel et critique. L'étude de son usage dans la revue des Cahiers du cinéma nous permet en outre de formuler des propositions théoriques sur la signification que représente le concept critique de la « tradition de la qualité » pour le groupe de critiques surnommés les « jeunes Turcs ». Par ailleurs, l'examen de la réception de films considérés comme relevant de la « tradition de la qualité » est aussi le moyen d'en analyser l'esthétique : nous articulons le discours critique avec le contexte historique, la narratologie et la sociologie afin de déterminer les caractéristiques qui donnent une cohérence à ces films en examinant leurs dimensions génériques, narratives et visuelles The term « tradition of quality » usually refers to an important part of the French post-war cinema produced between 1945 and 1958. The fame of this French cinema fraction is generally derogatory, because of how it was first discredited by polemical articles published in the Cahiers du cinéma by young critics, then by the early movies of the « Nouvelle Vague ». However, the notion of « tradition of quality » or « french quality » is still difficult to define precisely. We shall first endeavour to dig for the roots of a fluctuating and unsteady yet unavoidable notion. We shall look for the origin of this concept and trace back its historical, semantic and rhetorical path, a path that navigates institutional, corporate, legal, cultural and critical spheres. The study of its use in the magazine Cahiers du cinéma also enables us to consider theoretical hypotheses on the meaning of « tradition of quality » for the reviewer groups called the « young Turks ». Moreover, the way these films regarded as « tradition of quality » were received also opens up an aesthetic analysis: we articulate critical speech with historical context, narratology and sociology in order to detail the features that give coherence to those films through the study of their generic, narrative and visual dimensions

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Gallant, Mathieu. "Comprendre l'émergence du film noir : une étude sociohistorique, esthétique et thématique." Thesis, Université Laval, 2014. http://www.theses.ulaval.ca/2014/30580/30580.pdf.

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Abstract:

Ce mémoire a pour but de mettre à jour les conditions d’émergence du film noir états unisien. Il mobilise des approches multiples, dont celles qui ont été proposées par Michèle Lagny dans son ouvrage intitulé De l’Histoire du cinéma : méthode historique et histoire du cinéma. Les conditions socioéconomiques des États-Unis ont été explorées, de même que l’industrie cinématographique des années 1940 et 1950. Se sont ajoutées des considérations thématiques et esthétiques susceptibles de révéler le caractère contre-culturel du film noir. Les conditions d’émergence et le caractère contre-culturel de trois mouvements européens, dont l’expressionnisme allemand, le réalisme poétique français et le néoréalisme italien, ont préalablement été étudiés. De cette manière, il a été possible de tisser une toile qui permet de comprendre en quoi les manifestations contre-culturelles au cinéma sont facilitées par un climat de crise. Using an historical approach inspired by Michèle Lagny in her book De l’Histoire du cinéma : méthode historique et histoire du cinema, this thesis’s goal is to explore the context in which American film noir was born and how it is an example of counter-culture. In order to achieve this goal, the socioeconominal portrait of the 1940-50s United States of America was drawned, the state of the film industry of the same period was looked at and a thematic and aestethic study of film noir was done. The contexts and the counter-cultural nature of three European movements of the same period, German expressionism, French poetic realism and Italian neorealism, were initially studied. This way, it was possible to understand how counter-cultural manifestations are facilitated by a climate of crisis.

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Rousseau, Olivier. "Les formats larges dans le cinéma français de fiction (1953-2000) : histoire des techniques, production, exploitation, esthétique." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010522.

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Abstract:

Cette étude dresse un état des lieux diachronique de l'utilisation du format large par le cinéma national, depuis la commercialisation du CinemaScope et l'hégémonie de ses clones nationaux (Franscope, DyaliScope) puis des marques étrangères (Panavision), malgré le développement d'autres techniques qualitativement supérieures (70 mm), jusqu'au succès du procédé hybride Super 35 (lancé en France en 1980) visant la convergence des moyens de diffusion. Si les 730 films larges ne représentent que 12 % de la production française, ils offrent pourtant une meilleure chance de succès commercial (comédies). Contrairement au cliché, le cinéma large national a statistiquement plus privilégié le drame psychologique que le film historique spectaculaire. Sa production éclectique concerne autant le cinéma populaire que la révolution auteuriale : symbole de modernité luxueuse et de liberté de la mise en scène, il favorise une esthétique de l'excès, un look visuel désormais signe de cinématographicité.

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Ghasemian, Ali Aveh. "Histoire de la caméra portée dans le cinéma iranien, sous ses aspects esthétique et ontologique (1957-2016)." Electronic Thesis or Diss., Paris 10, 2020. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://www.harmatheque.com./ebook/la-camera-portee-dans-le-cinema-iranien-esthetique--sociologie-et-ontologie-72796.

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Abstract:

La réalité cinématographique prend une nouvelle dimension polémique dans la forme et le fond du film depuis que la caméra portée fait partie des nouvelles pratiques cinématographiques (depuis 1924). Le rapport entre la réalité et le mouvement cinématographique nécessite une nouvelle relecture via ce dispositif. Grâce au développement technologique au cours de l'histoire du cinéma, la caméra portée, à savoir dans cette recherche, à l'épaule et au poing, applique ces fonctions variées à l'image. Cependant, à ce jour il y a peu d’analyses sérieuses disponibles concernant ses fonctions sur le plan visuel, tant stylistique que conceptuel. Pour répondre à ce besoin, il est nécessaire d'envisager une vaste étude transversale sous l'axe de l'histoire de la caméra portée, sa position, ses fonctions, et son évolution au fil des années dans la mise en scène de films. Je m’attacherai particulièrement au cas du cinéma de fiction iranien. Dans ce domaine peu exploré, je me laisse transporter par la caméra portée qui gravit son chemin en retrouvant ses traces depuis le premier jusqu'au dernier film (1957-2016) dans le cinéma de fiction iranien. Suivront différentes analyses comparées de films pré et post-révolutionnaires iraniens, une mise en lumière de la différence entre la caméra portée et la caméra subjective, une partie consacrée à l’influence des autres cinémas iraniens : la Nouvelle Vague iranienne et les cinémas internationaux, l’emprise du cinéma direct sur le cinéma de fiction iranien en y précisant le rôle de la caméra portée et la mutation de ce dispositif vers le cinéma de documentaire-fiction iranien. Il conviendra enfin d'interroger le rôle de la caméra portée dans le cinéma de fiction post-Mouvement vert de 2009-2016 avec deux films iraniens, Une Séparation en 2011 et Le Client en 2016 d'Asghar Farhadi. En dernière partie de cette recherche historique, et c'est là l'esprit novateur de l'entreprise, j’analyserai ce procédé de manière ontologique grâce au mariage de l'histoire et de l'esthétique, de la théorie et de la pratique (la réalisation), du corps et de l'esprit au cinéma. De même que les fonctions esthétiques de la caméra portée sont tirées des films du corpus, leur mise en scène sera aussi étudiée selon un angle de vue ontologique. L’objectif vise à élaborer une connaissance perceptible de ce dispositif. Ce travail permettra aux acteurs du monde du cinéma et même aux cinéphiles vigilants de mieux appréhender l’utilisation de la caméra portée dans le cinéma iranien, rapporté à une tendance du cinéma international Abstract Subject : History of portable/handheld camera in iranien cinema under his aesthetic and ontological aspects (1957-2016) The cinematographic reality takes a new controversial dimension in the form and content of the movie since the portable/handheld camera is part of the new cinematographic practices (since 1924). The relationship between reality and cinematographic movement requires a new retrospection through this device. Through the technological development in the history of cinema, the portable camera, focused on this research, the shoulder and fist-mounted camera, applies theses various functions to the pictures. However, until now, there are few serious analyzes, available, regarding its functions, both stylistic and conceptual. To answer this need, it is necessary to consider a cross-sectional study under the based on the history of the portable camera, its position, its functions, and its evolution over the years in the movie directing. I will focus particularly on the case of iranian fiction cinema. In this little-explored area, i let myself be transported by the portable camera that ascend its path by finding its traces from the first to the last movie (1957-2016) in the iranian fiction cinéma. This will be followed by different comparative analyzes of pre and post-revolutionary iranian movies, highlighting the difference between the portable/handheld camera and the subjective camera, study on other iranians cinemas, such as : the iranian New Wave and internationals cinemas, the influence of « direct cinema » on the iranian fiction cinema by specifying the role of the portable camera and the transfer of this device to the iranian documentary-fiction cinema. Finally, we will examine the role of the portable camera in the fiction cinema of the post-Green mouvement iranien, by two films : The Separation in 2011 and The Salesman in 2016 by Asghar Farhadi. In the last part of this research, and this is the innovative spirit of the research, i will analyze this process, ontologically, through the marriage of history and aesthetic, theory and practice (film directing), body and mind in the cinema. At this section, the aesthetics functions of the portable camera trough the selected movies, at the directing aspect, are studied from an ontological point of view. The goal is to develop a perceptible knowledge of this device. This project will allow the all actors of the cinema and even the cinema lovers to better apprehend the role of the portable/handheld camera in the iranian cinema, related to a trend of the international cinema

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Levaillant, Jacqueline. "La Nouvelle Revue Française et le theâtre (1909-1925) : constitution d'une esthétique." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040175.

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Abstract:

Dans ce qu'il est d'usage de considérer comme les deux premières périodes de la Nouvelle Revue Française, de 1909 à 1925, nous nous proposons de dégager une esthétique théâtrale, manifestée principalement dans les écrits de ses six fondateurs, André Gide, avec autour de lui Michel Arnauld, Jacques Copeau, Henri Gheon, André Ruyters, Jean Schlumberger, ainsi que de leurs plus intimes collaborateurs, par ordre d'apparition, Jacques Rivière, Gaston Gallimard et Roger Martin du Gard. Notre corpus de base est constitué de tous les articles, chroniques et notes de la revue se rapportant au théâtre. Nous l'avons élargi à des écrits extérieurs, publics ou privés, particulièrement significatifs à nos yeux : ouvrages théoriques, conférences, articles parus dans d'autres périodiques, correspondances et journaux intimes. Les textes sur lesquels s'appuie notre recherche traduisent une orientation commune : une esthétique théâtrale qui est l'expression particulière des conceptions littéraires et artistiques de la revue. On y retrouve notamment le refus du romantisme, du symbolisme, du réalisme, et le souci tout classique du dépouillement et de la construction. S'y ajoute la volonté de restituer dans les interprétations l'esprit et la beauté des oeuvres du passé, et de rénover totalement un théâtre en pleine crise. C'est dans cette perspective qu'est abordée l'expérience du Vieux-Colombier, dont la création en 1913 s'inscrit dans la filiation directe de la revue. Nous examinons tout d'abord les conditions et les perspectives du combat que les hommes de la N. R. F. Ont mené pour le théâtre. Puis nous évoquons les "grands modèles" qui les ont inspirés. Nous dégageons alors l'esthétique théâtrale qui leur est propre, en l'envisageant successivement sous l'angle du texte et sous celui de la représentation. Nous voyons enfin leur contribution au renouvellement du théâtre dans ses formes et dans son rapport au public From the years 1909 to 1925, commonly described as the two initial periods of la Nouvelle Revue Française we intend to draw a theatrical aesthetics such as is displayed in the writings of the six founders of the review, André Gide and, around him, Michel Arnauld, Jacques Copeau, Henri Gheon, Andre Ruyters, Jean Schlumberger, as well as of their closest collaborators, Jacques Rivière, Gaston Gallimard and Roger Martin du Gard (in order of appearance). Our primary corpus consisting of all the papers, chronicles and notes concerning theatre issued by the revue was extended to private and public writings which, although not published in the review, seemed particularly significant : theoretical works, lectures, papers from other periodicals, letters and diaries. All the texts relevant to our enquiry bear witness to a common turning towards a theatrical aesthetics which features in a particular way the literary and artistic conceptions of the revue : a rejection of romanticism, symbolism and realism as well as a distinctively classical concern for plainness and construction. To these they add a will to make interpretations render the spirit and beauty of works from the past and to renew completely the theatre, then deep in a crisis. From this standpoint we consider the Vieux Colombier experiment which, begun in 1913, is a direct offspring of the revue. We first ascertain the conditions and perspectives of the struggle the people from the N. R. F. Waged for theatre. We then turn to the "great models" who inspired these men. From this material their own particular theatrical aesthetics can then be drawn and studied successively from the standpoints of the texts and of the productions. We finally consider their contribution to a renewal of theatre, both in its forms and in its relation to the audience

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Weck, Céline. "La poétique de Sarah Kirsch : une esthétique du kaléidoscope." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1028.

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Abstract:

Ce travail se propose d'analyser l'oeuvre de la poétesse allemande Sarah Kirsch (née en 1935) sous l'angle du kaléidoscope, en favorisant les approches intertextuelles, interculturelles et interdisciplinaires. Ce travail donnera donc un aperçu aussi complet que possible de toutes les facettes de la création artistique de Sarah Kirsch et permettra de (re)découvrir ses activités d'auteur d'ouvrages pour enfants ou de traductrice. La première partie est méthodologique. Elle tisse un canevas autour d'un certain nombre de notions, inhérentes au recueil Allerlei-Rauh { placée au centre de l'étude { et applicables à la totalité de l'oeuvre de Sarah Kirsch. Il s'agira d'approfondir, par l'analyse des recueils de poèmes, de prose et des journaux de bord, les techniques d'intertextualité et de collage qui sous-tendent toute la création de Sarah Kirsch. C'est pourquoi, dans un souci d'objectivation, nous convoquons un certain nombre d'approches interdisciplinaires, qui s'attachent à une vision microscopique de l'oeuvre de Sarah Kirsch, pour aboutir à une vision macroscopique. Les deuxième et troisième parties, respectivement centrées sur l'écriture autobiographique et sur le travail de réécriture, sont consacrées au recueil Allerlei-Rauh. Le concept du kaléidoscope est utilisée comme outil d'analyse pour ce recueil et comme principe méthodologique. En étudiant le recueil-clef Allerlei-Rauh, archétype de l'écriture fragmentaire de Sarah Kirsch, on découvre une vision panoramique de l'oeuvre : chaque fragment renvoie, comme dans un miroir, à un pan significatif de l'édice. La quatrième partie du travail se concentre sur une autre facette de l'oeuvre, que l'on caractérisera par ce mot d'ordre de l'auteur : < Fahren und sehen und schreiben >. Elle réunit un certain nombre de chapitres qui visent à appréhender l'oeuvre de façon ouverte, en faisant apparaître toutes ses composantes plus particulièrement interdisciplinaires et interculturelles : parenté très nette qui lie l'écriture de Sarah Kirsch avec la poésie brève japonaise, rôle des voyages, production d'aquarelles This study will analyse the work of the German poet Sarah Kirsch (born in 1935), in a kaleidoscope-kind of way, emphasizing the intertextual, intercultural and interdisciplinary approaches. Thus, the study offers a view as comprehensive as possible of all the aspects of Sarah Kirsch's artistic creation and enables the reader to (re)discover her work as an author of children's books or translator. The first part is methodological. As a starting point, it takes a certain number of notions, inherent to the collection of poems Allerlei-Rauh -which is placed at the center of the study - and which are applicable to Sarah Kirsch's entire work. The aim is to go deeper into the techniques of intertextuality and collage which are present throughout her work, and I will do this through the analysis of collections of poems, prose and journals. In order to be more objective, interdisciplinary approaches focusing on a microscopic vision will be used, to end with a macroscopic vision of her work. The second and third parts, respectively focused on the autobiographical writing and on the work of rewriting, are devoted to the collection Allerlei-Rauh. The concept of the kaleidoscope is used both as a tool for the analysis of this collection and as a methodological principle. By studying the crucial collection Allerlei-Rauh, the archetype of Sarah Kirsch's fragmentary writing, we can have a complete vision of her work : each fragment sends back to a signicant part of the edice, just like in a mirror. The fourth part of the study focuses on yet another aspect of her work, which can be described by this motto by the author : < Fahren und sehen und schreiben >. It will deal with apprehending writing in an open way by showing all of its components, especially interdisciplinary and intercultural ones : the obvious link between Sarah Kirsch's writing and Japanese short poetic forms, the role of travelling, the production of watercolours

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Gmach, Nasri. "Le quatuor à cordes entre 1918 et 1939, esthétique et problèmes d'interprétation : Bartók, Berg, Hindemith, Honegger." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040278.

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Abstract:

Le contexte socioculturel de l'entre-deux-guerres a favorisé le développement d'un grand nombre de langages musicaux. L'intérêt considérable que les compositeurs ont accordé au timbre les a orientés vers la musique de chambre et particulièrement le quatuor à cordes. Ce regain d'intérêt est aussi le résultat du néo-classicisme qui suggéré un retour aux modèles du dix-huitième siècle. En abordant les principaux courants esthétiques de l'époque, nous avons exposé l'apport de compositeurs appartenant à trois sphères culturelles : la sphère française (amplification des formes classiques et écriture polytonale), le monde germanique (écriture sérielle) et l’Europe centrale, y compris l’Europe de l'est (influence des traditions orales). La deuxième partie, concerne une étude plus détaillée des quatuors de quatre compositeurs parmi les plus attachés à la musique de chambre et les plus représentatifs de l'époque. Les quatuors de Bartók s'articulent autour de l'élaboration de la forme en arche. La suite lyrique de Berg exploite l'écriture sérielle en y intégrant la tonalité et l'atonalité libre. Les quatuors de Hindemith et Honegger renouent, chacun à sa manière, avec les traditions des siècles précédents concernant la forme et la technique instrumentale. La troisième partie est réservée aux problèmes d'interprétation. Nous soulignons en particulier le développement de différents modes de jeu (particulièrement exploités dans les quatuors de Bartók et de Berg). Nous terminons cette partie par une étude plus détaillée réalisée auprès du quatuor Manfred et du quatuor Debussy The sociocultural context between the expansion of a lot musical languages the composers gave a lot of importance to the sonority and they turned towards chamber music, especially string quartet. This interest is also the result of neo-classicism, suggesting to look back on the patterns of eighteenth century. Landing most important aesthetic streams of this period, we expose the contribution of composers belonging to tree cultural spheres: the French sphere (amplification of classics forms and polytonalism), the Germanic world (serialism), central and east Europe (oral traditions influence). The second part go into all the details of four composers and their quartets. Those composers are the most attached to chamber music, and really representative of this period. Bartok quartets articulate about arche form elaboration. The suite lyrique of Berg uses serialism, integrating tonality and free atonality. The Hindemith and Honegger quartets take up with century before traditions again, about form and instrumental technique. The third part is reserved to interpretation problems. We emphasize, particularly, the expansion of different kinds of plays, (particularly used within Bartok and Berg's quartets). We end this part with a more detailed study near Manfred quartet and Debussy quartet

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Duchesne, Isabelle. "La musique du Jingxi (opéra de Pékin) : historique, esthétique et particularités (1920-1937)." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040210.

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Abstract:

La thèse porte sur le système, la production des formes musicales et l'esthétique vocale du jingxi, dans le chant et les pratiques des grands acteurs en chine, dans les années 1920-1930. Reposant sur des recherches effectuées sur le terrain, à partir de 1979, elle est de nature pluridisciplinaire, par sa documentation et ses méthodes, et associe des réflexions théoriques a des analyses musicales concrètes. Apres un tableau historique, social et culturel de la période et une présentation de l'infrastructure, de la vie théâtrale et des ressources humaines qui caractérisent le jingxi, le second chapitre traite des problèmes méthodologiques et des outils d'analyse employés. Les deux suivants examinent les systèmes et langage musicaux, en particulier, la théorie des modes, et comment ceux-ci sont formules dans la mélodie et le rythme, dans la pratique. Apres l'examen des formes, les quatre derniers chapitres analysent la production musicale. Trois champs d'action se dessinent: (i) à travers les principes moteurs de la facture musicale, (2) les orientations musicales des principaux types de rôles dramatiques, et (3) la "saveur" (weir), - phénomène qui émane de l'expression des émotions dans le chant et de l'interprétation, et permet une identification culturelle des acteurs et du public du jingxi a ce genre. Ainsi définies, les spécificités vocales et dramatiques donnent une cohérence à cette époque cruciale dans l'histoire du jingxi In this dissertation, the musical systems, the music production and vocal esthetics of ching-hai are exposed through the singing and practices of Chinese actor in the 1920's and 1930's. Based upon fieldwork carried out since 1979, the research involves pluri disciplinary documentation and methods, and combines theoretical discussion with concrete musical analyses. The first chapter gives an altogether historic, social and cultural overview of the period with a description of the infrastructure, the theatrical activities and the human resources characteristic of ching-hai. The second chapter describes the methodological problems and the tools of analysis involved in the research. The next two chapters consider the musical system and language. They focus on the theory of musical modes, and how, in practice, melody and rhythm convey these modes. The study of musical formas once completed, the last four chapters are devoted to musical production. Three spheres of activity are defined: (i) through the generative principles of musical production, (2) through the musical orientations of the main theatrical role-types, and (3) through the 'flavour' (weir) - a phenomenon which results from the expression of emotion through both singing and performance. This 'flavour' allows the actors of ching-hsi and their audience to identity with the culture of this genre. Ultimately, the vocal and dramatic. .

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Bernard-Faivre, Dominique. "Esthétique de l'oeuvre et/ou esthétique des effets. Continuité et/ou rupture dans les arts plastiques contemporains : vers une esthétique de la réception ?" Thesis, Besançon, 2012. http://www.theses.fr/2012BESA1001/document.

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Abstract:

Notre thèse aborde la question de la beauté dans les arts plastiques d'aujourd'hui. Celle-ci en effet ne va pas de soi, si l'on en croit notamment les multiples publications manifestant un rejet de l'art contemporain. Peut-on parler, actuellement, d'une esthétique de l'œuvre renvoyant à une science du beauté à une satisfaction d'ordre essentiellement intellectuel? Soit de beauté intrinsèque qui, comme dans l'art de la Renaissance, relève tant de l'harmonie et de la justesse de ses formes que de la légitimité de son contenu, grâce à la mise en évidence du bien-fondé de la mimêsis, de la perspective ou des motifs religieux ? Ou bien faut-il plutôt, pour pouvoir juger de la valeur esthétique de l'art contemporain, accorder une place de choix à la singularité de ses causes et effets, en opérant notamment un inévitable glissement vers une science du sensible ? Or notre parallélisme entre "esthétique de l'œuvre" et "continuité" dans l'histoire de l'art d'une part, puis "esthétique des effets" et éventuelle "rupture" d'autre part, nous a conduits à interroger d'abord ces éléments de rupture tels que le refus de la profondeur ou de la représentation figurative, mais aussi celui de la réalisation ouvragée et de la matière noble. Mais il nous a aussi amenés, malgré des conditions politiques ou techniques spécifiques de réalisation, à nous pencher sur une véritable poiêsis contemporaine. Car avec les œuvres plastiques de notre époque, il s'agit bien, toujours et incontestablement, d'art et même "d'épiphanie", dès lors que l'on s'en réfère à la vision ontologique et apologétique du philosophe François Dagognet Our thesisconcerns the question of beauty in the contemporaries plastic arts. But this one does not without saying, if we consider the simple fact of the numerous publications concerning the rejection of contemporary art. May we speak, today, of a "work's esthetic" which refers to a "science of beauty" and to an essentially intellectual satisfaction? We mean an intrinsic beauty, like the one of the Renaissance's art, concerning as much the harmony as the exactness of the forms or the legitimacy of its contents. We mean an art which puts in a prominent position the mimêsis, the perspective's method or the religious motifs. Or would not it be better, in the intention to become able to judge of the esthetic value of contemporary art, to give a first place to the singularity of his causes and effects, at the same time we slide towards a "science of the sensibility" ? In fact, our parallelism between "work's esthetic" and "continuity", then between "effect's esthetic" and a possible "breaking" makes us think about reasons of this breaking, such as the refusal of profundity or as the figurative representation, as well asthe rejection of construction works or noble material. However, we have succeded to consider contemporary art as a real and new poiêsis, in spite of his specific political and technical ways of realisation. And we may assert that, today, undeniably, it is the matter of real art, and even of "epiphany", as soon as we refer to the ontological and laudatory point of view of the philosophe François Dagognet

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Pruvost-Delaspre, Marie. "Pour une histoire esthétique et technique de la production animée : le cas de la Tôei Dôga (1956 - 1972)." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030117.

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Abstract:

Le studio de la Tôei Dôga, fondé en 1956, est dans le Japon d’après-guerre tout à la fois le creuset d’une certaine conception de l’animation, le cœur de la formation d’une grande partie des techniciens qui vont soutenir l’industrie, mais aussi le lieu d’émergence, d’intégration et de réinvention de l’animation japonaise. En effet, si Hiroshi Ôkawa, qui dirige le studio jusqu’à sa mort en 1971, cherche à définir la structure comme le « Disney de l’Orient », le modèle américain, avidement recopié, a aussi été rapidement mis de côté, pour donner lieu à de nombreuses réinventions, appropriations et innovations technologiques. Etudiées d’un point de vue esthétique et technique, grâce à la conjonction de l’analyse formelle des films et de la prise en compte systématique des témoignages et des documents de production, ces innovations donnent à voir un processus de réappropriation du médium qui touche de près à l’histoire des techniques. Un enjeu important, dans le cadre de ce travail, consiste également à replacer aussi précisément que possible la production animée dans l’environnement économique et culturel de son époque. Ceci ne prend cependant pas nécessairement la forme d’une approche purement culturelle, mais cherche plutôt à conjuguer, grâce à des outils empruntés à l’histoire de l’art et à l’histoire culturelle, la matière filmique et la mise en question de son « contexte ». Si l’enjeu central de cette thèse aura été de définir, sur un plan esthétique et technique, une histoire de la production animée raisonnée et fondée sur une étude précise des documents disponibles, il apparaît que ses conclusions mettent en jeu les différents modèles de production traversés successivement par la Tôei, comme autant de propositions artistique, politique et stratégique, de ce que peut être le cinéma d’animation The Tôei Doga studio, founded in 1956, is the place in post-war Japan where was developped a new conception of animation, trained a large part of the technicians who will support the industry in the next decades, but also the place of emergence, integration and reinvention of Japanese animation. Indeed, if Hiroshi Okawa, who will run the studio until his death in 1971, seeks to define the structure as the "Disney of the East", the American model, eagerly copied, was also quickly set aside by Tôei, a process originating many technological innovations. Studied from an aesthetic and technical point of view, through a combination of a formal analysis of Tôei Dôga’s production from 1956 to 1971 and the systematic consideration of the animators’ testimonies and production documents, these innovations make a process of appropriation of the medium visible, questionning the history of technology. A crucial issue in the context of this dissertation also includes replacing as accurately as possible Tôei Dôga’s production in the vibrant economic and cultural environment of its time. This however does not necessarily involve an approach similar to that of cultural studies, but is rather seeking to combine, with tools borrowed from art history and cultural history, film material with the questioning of its "context." If the central issue here has been to implement, on an aesthetic and technical level, a history of the animation production process based on a careful study of available records, it appears that Tôei’s successive production models involve many artistic, political and strategic suggestions of what animation may be

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Dubruque, Julien. "Edition critique, histoire, genèse et esthétique des deux versions du Temple de la Gloire de Voltaire et Rameau." Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR2024/document.

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Abstract:

Le Temple de la Gloire fut commandé par la cour à Voltaire et à Rameau pour célébrer le retour du roi, victorieux à Fontenoy. Créé en 1745 à Versailles, il fut repris aussitôt à Paris en décembre. Retiré après son échec public et critique, il fut considérablement remanié, recréé à Paris en avril 1746, puis oublié, même si beaucoup de ses morceaux ont été réutilisés. Il demeure l’unique opéra de Voltaire a avoir été représenté à l’Académie royale de musique. Ce travail propose une double édition critique du livret et de la musique des deux versions de 1745 et de 1746. Il fait l’histoire de l’oeuvre de 1745 à nos jours (I), en retrace la genèse (II), et en évalue la portée esthétique (III), qui est originale. Voltaire, loin de flagorner, y érige en modèle non le roi conquérant, mais celui qui fait le bonheur du peuple. Il se propose pour cela, en 1745, d’étendre sa réforme dramatique (moins d’amour, plus de spectacle, sérieux métastasien) à l’opéra. Mais finit, en 1746, par céder à Rameau, aux codes de l’Académie royale de musique et à son public The court commissioned Voltaire and Rameau to write Le Temple de la Gloire in celebration of the king’s victorious return from Fontenoy. Premiered in Versailles in 1745, restaged in Paris in December, the opera closed down after its critical and box-office failure. It was considerably reworked, restaged in Paris in April 1746, and then forgotten, although many of its pieces were reused in other works. It is the only Voltaire opera staged at the Royal Academy of Music. This study consists of a double critical edition of the libretto and music of the two versions, from 1745 and 1746. It traces the history of the work from 1745 to the present day (Chapter 1), discusses it genetically (Chapter 2), and analyzes its esthetic reach (Chapter 3), which is considerable. Voltaire is not a courtly flatterer here ; he does not present a model of the conquering king, but rather one of a king who makes the people happy. Thus, in 1745, Voltaire extends his dramatic reforms to opera (less love, more entertainment, Metastasian gravitas). But in the end, in 1746, he gives into Rameau, to the Royal Academy of music’s protocol, and to his audience

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Ruffel, Lionel. "Face au vingtième siècle, esthétique et politique dans l'oeuvre d'Antoine Volodine." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20092.

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Abstract:

Ce travail possède un double objectif : étudier les relations entre esthétique et politique dans la littérature contemporaine; proposer la première monographie de l'oeuvre d'Antoine Volodine (1950-) qui pousse ces relations à leur plus haut point d'exigence. Notre étude générale constate qu'un grand nombre d'oeuvres littéraires ont su résister au discours qui voudrait que la littérature soit entrée, depuis le début des années 1980, dans une phase de régression et ont au contraire profondément renouvelé la pensée et la création contemporaines. C'est exemplairement le cas de celle d'Antoine Volodine qui fait des relations entre esthétique et politique l'un de ses enjeux fondamentaux, notamment en se confrontant au vingtième siècle dont elle développe une chronique fantasmée. Cette étude possède donc une dimension historique et déborde le cadre national pour étudier les littératures étrangères qui nourrissent l'imaginaire de ce qu'Antoine Volodine a baptisé le "post-exotisme" This study has a twofold purpose : to analyze the relationship between aesthetics and politics in contemporary literature and to be the first work entirely devoted to Antoine Volodine's novels that have raised this relationship to a very large extent. The general analysis points out that many contemporary works, fighting against the common discourse about the decline of literature and arts at the turning point of the century, have deeply renewed contemporary thought and creation. Antoine Volodine's work is exemplarily one of them, relationship between aesthetics and politics being is basic topics. Facing the twentieth century and the sense of its endings, it develops its history though a fictional fantasy. The historical frame of the study has also an international dimension because foreign literatures are highly involved in what Antoine Volodine has called post-exotism and its imaginary

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Puppi, Marcelo. "La dimension culturelle du rationalisme structurel : architecture, histoire et utopie chez Léonce Reynaud, Fernand de Dartein et Auguste Choisy." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010517.

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Abstract:

Dans l'histoire de l'architecture, le rationalisme structurel du XIXe siècle a toujours été envisagé du point de vue du rapport entre l'architecture et la science. Si cette perspective a contribué significativement à la compréhension des liens entre l'architecture et son contexte culturel, elle constitue néanmoins encore une approche partielle du sujet. On peut maintenant aller plus loin et appréhender l'autre part du rationalisme à savoir la dimension esthétique qui s'avère au moins aussi importante sinon plus que la dimension scientifique. La pensée de L. Reynaud et de ses élèves F. De Dartein et A. Choisy est une source privilégiée pour élargir l'intelligence du sujet. Jusqu'à présent, elle n'a pas encore été intégralement perçue. D'une part, au motif qu'ils sont ingénieurs, on en déduit un peu trop vite qu'ils n'outrepassent pas les limites de la méthode analytique de Durand. D'autre part, on considère que la mise en valeur de l'art par Reynaud représente simplement une concession faite à la doctrine de Quatremère de Quincy et à l'Académie. Reynaud, Dartein et Choisy restent encore des auteurs à découvrir. Ce travail vise à montrer, d'abord que leur approche théorique et historique relève d'une méthode synthétique ou organiciste, et plus particulièrement de la pensée saint-simonienne; ensuite que la dimension esthétique joue un rôle majeur dans la conception qu'ils se font de la connaissance comme de l'architecture, de la théorie comme de la pratique; et enfin que c'est surtout par l'intermédiaire de la dimension esthétique que l'on peut approfondir l'étude des rapports reliant leur conception de l'architecture au contexte culturel et social de l'époque.

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Boissieras, Fabienne. "Une esthétique du flou : les approches de la vérité dans Manon Lescaut." Lyon 3, 1998. http://www.theses.fr/1998LYO31002.

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Abstract:

Partant de l'ambiguite d'interpretation que la critique unanime reconnait au roman de prevost, manon lescaut, nous avons oriente precisement la recherche sur les principales caracteristiques d'ecriture capables de servir la strategie argumentative du discours et que nous avons considerees comme emblematiques d'une esthetique du flou. En effet, la valeur de plaidoyer pro domo du recit retrospectif conduit necessairement a examiner avec quel art et artifice le narrateur/auteur parvient a diluer une responsabilite qui au regard des fautes commises devrait apparaitre sans appel. Ce sont donc sur les faits de langue les plus recurrents et parfois les plus tenus, griffe d'un auteur conscient du pouvoir des mots, que les investigations ont ete menees. L'examen des variantes des diverses editions ainsi que l'index du vocabulaire a notre disposition ont permis de confirmer ce qu'une lecture cursive pouvait laisser supposer. Les analyses ont ete conduites principalement a la lumiere des theories d'inspiration guillaumienne dont l'interet essentiel est de remonter aux fondements memes de la pensee et de donner du sens aux variations les plus infimes de la langue, aux moindres options de l'auteur. Cette micro-lecture a laquelle a ete soumis le texte de prevost a donc pour ambition premiere de debusquer a travers les dedales de la syntaxe et d'une facon generale a travers le deploiement remarquable de certains outils linguistiques les marques d'hesitations sur lesquelles repose l'efficacite du discours. In fine, il s'agit de lever quelque peu le voile sur le mystere d'une langue dont on a cesse, a travers les siecles, de louer l'ingeniosite Consequently the ambiguousiness of interpretation acknowledged by literary criticism concerning prevost's roman, manon lescaut, we carried out accurately our research into the main features of writing able to help the strategy of argumentation concerning the discursive reasoning and that we have taken into account as emblematic of vagueness aesthetics. The pro domo plea merit of retrospective story leads actually and necessarily to examine the art and artifice by which the author /narrator succeeds in diluting a responsibility which, taking into account the committed misdemeanours should seem without appeal. So the researchs have been carried out on the facts of language the most recurrent and sometimes the most tenuous, signature of an author aware of the power of words. The examination of various editions as well as the index of vocabulary at our disposal allowed to confirm what a cursory reading could lead us to suppose. The analysis have been chiefly carried out in the light of theories of guillaume's inspiration whose main interest is to go further back to the very fondations of the thought and to give a meaning to the tiniest variations of the language, to the slightest options of the author. So this micro-reading applied to the prevost's text has, as main aim, to find out through the syntax' maze and generally speaking through the noteworthy display of some linguistic tools the hesitations' marks on which is based the reasoning's efficiency. In fine, it is a matter of lifting the veil from the mystery of a language of which one has continually through the centuries praised for the ingenuity

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Journot, Marie-Thérèse. "Le cinéma des années 80 : "Esthétique publicitaire " ou "post-modernisme" ? : Une esthétique de la communication en quête de légitimité." Paris 3, 1991. http://www.theses.fr/1991PA030121.

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Catoir-Brisson, Marie-Julie. "L' hybridation esthétique et culturelle dans le cinéma mexicain contemporain : approches intermédiales et interculturelles." Bordeaux 3, 2011. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2011BOR30037.

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Abstract:

Le cinéma mexicain contemporain se situe dans un entre-deux, tant d’un point de vue géographique, qu’esthétique et culturel. En son sein se jouent des tensions, des formes de négociation avec le cinéma hollywoodien d’aujourd’hui mais aussi avec d’autres cinématographies et formes artistiques. L’objectif de cette recherche est d’appréhender la tension qui anime toute image métisse et s’exprime de manière particulière dans l’histoire et la culture de l’image mexicaines. Nous avons cherché à savoir si l’on peut considérer le cinéma mexicain contemporain comme le lieu d’une appropriation de différentes cultures médiatiques dans un rapport interculturel. Notre corpus se compose de films réalisés entre 2000 et 2008 par A. G INARRITU et C. REYGADAS notamment. Ils sont étudiés dans leur dimension intermédiale, c'est-à-dire dans les liens qu’ils entretiennent avec d’autres médias ou d’autres genres. Les processus communicationnels intervenant dans la production et la réception des films sont aussi analysés, sous l’angle spécifique des médiations. Nos analyses ont mis en évidence les tensions entre le local et le global qui traversent le cinéma mexicain contemporain et en font un objet de recherche pertinent pour comprendre les enjeux de la communication interculturelle. Notre approche communicationnelle du cinéma nous a permis d’étudier l’image comme un objet complexe, à partir d’un raisonnement dialogique entre différents savoirs disciplinaires. L’enjeu de cette recherche est donc d’articuler de manière dynamique l’approche sémio-pragmatique avec une approche historique, anthropologique et culturelle de l’image Contemporary Mexican cinema is located in-between, as much in geographical terms as in aesthetic and cultural ones. Many tensions reside within it, such as the ways in which it negotiates with contemporary Hollywood film and also with other cinemas and artistic forms. This research aims to explore the tension that animates every cross-cultural image and is expressed so distinctively within Mexican history and visual culture. This thesis seeks to investigate the extent to which contemporary Mexican cinema can be considered a site of appropriation of different media cultures in intercultural relations. The main corpus of study comprises the films of A. G-INARRITU and C. REYGADAS, which were released during 2000-2008. These films were analyzed using an intermedial approach, in order to emphasize their links with other media (such as television, comic strip, literature, painting) or other genres (advertisement, documentary, video-clip). The processes of communication that inform the films’ production and reception are considered, and the recurrent tensions between notions of the local and the global that characterize contemporary Mexican cinema are also highlighted. Moreover, this essential characteristic of contemporary Mexican cinema emphasizes its importance for understanding the factors at stake within intercultural communication. Adopting a communicational approach towards cinema, this thesis analyses images as complex objects and uses a dialogical reasoning that crosses different disciplinary boundaries. It aims to utilize productively a semiotic (more precisely semio-pragmatic) approach and a historical, anthropological and cultural approach towards images

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Galland, Nathalie. "Une esthétique de l'éprouver : politique, poésie, perception : approche sensible du discours de l’EZLN (Mexique, 1994-2001)." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20055.

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Abstract:

Si le corpus des textes produits par l’Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN, Mexique, 1994-2001) s'inscrit d'emblée dans le champ politique, et, avec lui, dans les productions révolutionnaires telles que l'Amérique Latine en a livré quantité, nous faisons l'hypothèse que les mots l'acheminent, inlassablement, vers le chant poétique. Il s'offre d'abord, comme paysage graphique inventif, dans une matérialité visible où l'œil est convoqué à une autre découverte du sens ; quand c'est le regard qui fait voir les voix. L'écriture se déploie tout entière dans la rénovation des possibles énonciatifs, engageant tour à tour profondeur ancestrale des mythes et horizon utopique, mémoire et désir, engageant, aussi, au-delà, un lecteur éprouvé par l'esthétique, cette sensation libérée par les mots. Car la langue rebelle éprouve l'autre comme elle s'éprouve, dans le débordement, le non alignement de la poésie, dans la liberté du dire. Ne touchant plus simplement à l'un ou à l'autre des champs catégoriels, le corpus néo-zapatiste fondera ce que nous désignons comme une po-éthique, tissu hybride d'une relation où la perception de l'autre indigène, reconnu, accueilli, signerait la transition à une démocratie pluriculturelle If the corpus of the texts constituted by the Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN, Mexico, 1994-2001) is promptly rooted in the political field, and, alongside it, in the numerous revolutionary productions that Latin America has delivered, we make the assumption that words incessantly bring it towards the poetical realm. Firstly it offers itself as an inventive graphical landscape, in a visible materiality in which the eye is convened to another sighting of senses; when it is the glance that makes the voices seen. Writing spreads itself entirely in the renovation of possible enunciations, engaging in turn the ancestral depth of the myths and utopian horizon, memory and desire, engaging, also, beyond, a reader shaken by esthetics, this sensation released by the words. Because the rebellious language impairs the other as it is impaired, in the overflow, in the nonalignment of poetry, in the freedom of the spoken. Without solely embracing a categorical field or another, the neo-Zapatista corpus will form what we qualify of po-ethics, hybrid material of a relation in which the perception of the Indigenous other, recognised, welcomed, would sign the transition to a pluricultural democracy

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Tsay, Jye-Ni. "Écrire une histoire de l'art taïwanais, une entreprise politique controversée." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0097.

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Abstract:

Ayant été marquée au XXe siècle par deux colonisations successives, japonaise et chinoise, l’île de Taïwan est aujourd’hui connue à la fois pour la menace chinoise à l’égard de indépendance de facto et pour son mouvement d’affirmation nationale. Cette île est, ainsi, un laboratoire idéal pour mener des débats sur l’hégémonie culturelle, la colonisation, le nationalisme, etc. Profitant de la subtilité des arts visuels, cette thèse aborde les expressions et les stratégies des acteurs de ce domaine telles qu’elles s’articulent autour de la question identitaire. Sur la période étudiée, soit une centaine d’années environ, le choix du langage esthétique, l’interprétation de l’autonomie de l’art, les hégémonies superposées, les traumatismes et les mémoires collectifs, le mouvement au nom de l’indigénisation, ainsi que l’occidentalisation et la mondialisation forment, ensemble, des ressources importantes pour les actions concernées, soit pour la résistance à la colonisation et au nationalisme officiels, soit pour l’action coloniale et la résistance à la transition identitaire. L’analyse des relations triangulaires entre la sinité, la taïwanité et l’occidentalité, dans ce domaine, favorise notre discussion qui revisite l’idée reçue sur l’hégémonie During the 20th century, Taiwan was marked by both Japanese and Chinese colonial regimes, and is known today for political problems arising not only from the Chinese threat to the island’s de facto independence but also from its movement towards an affirmation of national identity. This island is thus an ideal laboratory for examining cultural hegemony, colonization, nationalism, etc. Through the subtleties of the visual arts, this thesis examines the modes of expression and the strategies adopted by those working in this field, which are driven by questions of national identity.Over a period of about a hundred years, the choice of aesthetic language, the interpretation of the autonomy of art, the superimposed hegemonies, the collective traumas and memories and the movement for indigenization, as well as westernization and globalization, have all constituted resources for the works concerned, either supporting resistance to official nationalism and colonization, or in favor of colonial action and resistance towards the identity transition. The analysis of the triangular relationship between Chineseness, Taiwaneseness and the western character in the field of visual arts provides material for this study, which revisits preconceived ideas about hegemony

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Dissertations / Theses on the topic 'Esthétique – Histoire'

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