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Dissertations / Theses on the topic 'Esthétique littéraire'
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Atangana, Essomba Sylvain. "Esthétique romanesque de René Philombe. Essai d'analyse littéraire." Phd thesis, Université Paris-Est, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00804851.
Full textAbstract:
L'esthétique romanesque de René Philombe, objet de notre recherche, à travers sestrois oeuvres postcoloniales : Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, et Bedi-Ngula,l'ancien maquisard, passe par les aspects environnemental, morphosyntaxique, lexicologique,stylistique qui constituent son contexte culturel camerounais et africain subsaharien. Il s'agitlà de la première partie de notre travail qui nous a conduit à l'analyse des fondements deladite esthétique dont les poétiques du genre, de l'énoncé et le style du romancier occupentune place importante. En troisième lieu, nous nous sommes penché sur le corpus en contexteou encore la représentativité de l'esthétique romanesque de René Philombe où la politique /éthique ressort comme principal message, non seulement pour l'Afrique mais également pourle monde.
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Atangana, Essomba Sylvain. "Esthétique romanesque de René Philombe. Essai d’analyse littéraire." Thesis, Paris Est, 2012. http://www.theses.fr/2012PEST0002/document.
Full textAbstract:
L’esthétique romanesque de René Philombe, objet de notre recherche, à travers sestrois oeuvres postcoloniales : Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, et Bedi-Ngula,l’ancien maquisard, passe par les aspects environnemental, morphosyntaxique, lexicologique,stylistique qui constituent son contexte culturel camerounais et africain subsaharien. Il s’agitlà de la première partie de notre travail qui nous a conduit à l’analyse des fondements deladite esthétique dont les poétiques du genre, de l’énoncé et le style du romancier occupentune place importante. En troisième lieu, nous nous sommes penché sur le corpus en contexteou encore la représentativité de l’esthétique romanesque de René Philombe où la politique /éthique ressort comme principal message, non seulement pour l’Afrique mais également pourle monde<br>The romantic aesthetics of René Philombe, subject of our research, through his threepost-colonialist works: Un sorcier blanc à Zangali, Sola ma chérie, and Bedi-Ngula, l’ancienmaquisard, is expressed by the environmental, morphosyntactical, lexicological and stylisticalaspects which form his cultural context from Cameroon and subsaharan Africa. That is thefirst part of our study leading us to the analysis of the aesthetics basis in which the poeticaltype, the expression and the style of the novelist take an important place. In the third part ,wehave been concerned by the contextual corpus or, moreover, the representation of RenéPhilombe’s romantic aesthetics in which the politics / ethics appear as the main message, notonly for Africa but also for the whole word
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Mwepu, Patrick Kabeya. "Idéologie et esthétique littéraire dans l'Œvre d'Henri Lopes." Doctoral thesis, University of Cape Town, 2001. http://hdl.handle.net/11427/7902.
Full textAbstract:
Summary in English.|Bibliography: leaves 390-404.<br>Henri Lopes, from Congo Brazzaville, is one of the most fully rounded writers in the field of modern African literature. This research is concerned with an analysis of the way in which the ideology, which he has embraced, has permeated all his work, with the result that he expresses an ongoing, unequivocal opposition to part of his own society, while it is in the midst of mutating from its traditional origins to a form of Western modernity.
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Absalyamova, Elina. "Paul Verlaine critique littéraire : aspects biographique, esthétique et discursif." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040152.
Full textAbstract:
À travers l’expérience de Verlaine, cette thèse s’interroge sur la critique littéraire d’un écrivain. Les raisons d’être et les particularités formelles d’une production quotidienne d’un poète accédant graduellement à la notoriété sont étudiées en partant d’un panorama des définitions du phénomène (introduction). La triple analyse biographique, esthétique et discursive expose le lien étroit entre le contexte de production de la critique, les constructions théoriques qu’elle véhicule et les formes discursives qu’elle prend. La position marginale de Verlaine dans le champ littéraire prédétermine sa méfiance envers les mécanismes del’institutionnalisation, autant qu’envers les théories qui la justifient. D’où la faible conceptualisation théorique et le maniement contradictoire et décourageant des notions existantes. Les particularités de l’autoreprésentation (provocation, ethos faible) découlent également de sa position dans le champ littéraire et accompagnent l’abandon des théories prescriptives au profit d’une tolérance accrue. L’accent se déplace du domaine conceptuel vers le domaine discursif où se cultivent l’affectivité, l’expressivité, l’ironie qui rapprochent la critique de la création poétique, sans toutefois l’apparenter à la poésie en prose. Cette critique garde le caractère pragmatique d’élément de communication littéraire, son efficacité renforcée par certains traits de l’idiolecte (jeux de sonorités, métaphores, segmentation des phrases), dégagés de leur valeur poétique dans le nouveau contexte<br>Verlaine’s experience allows to question the phenomenon of writer criticism. The rationale and the formal qualities of the daily critical output of a poet acceding to celebrity are studied after an overview of the phenomenon’s definitions (introduction). The triple biographical, esthetic and discourse analysis reveals the tight bond between critical production context, theories used and form given to critical texts. Verlaine’s marginal position in the literary field predetermines his distrust of institutionalization mechanisms and oftheories justifying them resulting in low conceptualization as well as in contradictory and discouraging handling of existing notions. The particularities of self-representation (provocation, weak ethos) equally result from his position in the literary field and go along with abandoning prescriptive theories in the name of tolerance. The emphasis moves from the conceptual sphere to the discourse accentuating affectivity, expressivity and irony which bring it closer to poetical creativity but not so as to become prose poetry. This criticism does not loose its pragmatic turn inherent to literary communication, its efficiency being reinforcedby certain features of idiolect (play upon sounds, metaphors, segmentation of phrases), freed of their poetical value in the new context
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Jittani, Sôichirô. "La pensée littéraire et artistique d’Émile Zola : une esthétique vitaliste." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL038.pdf.
Full textAbstract:
La présente étude tente de mettre en exergue une pensée esthétique de Zola qui s’articule autour de l’énergie vitale. Derrière la doctrine scientiste, à laquelle on tend trop souvent à réduire Zola théoricien, le romancier a, dès sa jeunesse, mené une réflexion constante sur le génie créateur. Afin de faire ressortir ce versant de sa pensée, nous nous sommes appuyé sur ses écrits sur l’art. Les années 1860, époque de sa formation, connaissent le déclin du réalisme et l’émergence d’un courant post-réaliste qui entend le surpasser. Au réalisme, considéré comme matérialisme visant à présenter la « matière » sans la synthétiser par l’« esprit », est en effet reproché un manque de créativité. À cet égard, Zola propose, dans ses écrits sur Courbet et Manet, l’idée d’une œuvre réalisée non par l’« esprit », mais par la « vie », affirmant que l’expression de la vie de l’artiste anime tous les objets qui l’entourent. S’il s’inscrit dans les tentatives réalistes en cela que, repoussant la métaphysique et l’imagination il conduit l’art à la matière, sa théorie, basée sur la notion productive de « vie », dépasse le cadre du réalisme et prêche la créativité de la « matière ». Cette entreprise fait écho à l’histoire de l’esthétique qui, notamment avec Taine et Guyau, s’achemine vers la théorisation de la vie en tant que Beau durant l’ère positiviste. A travers le prisme de son vitalisme ainsi saisi dans les discours critiques et philosophiques de l’époque, nous proposons une nouvelle lecture de l’œuvre de Zola, qui fait apparaître ses efforts constants, de ses premiers romans aux Quatre Évangiles, pour échafauder un nouveau principe créateur propre au régime naturaliste<br>The present study was designed to highlight aesthetic thought of Zola in relation to vital energy. Behind his scientism doctrine—to which Zola, a theoretician is too often reduced—the novelist, from his youth, constantly reflected on creative genius. In order examine this side of his writing, we focused on his writings on art. In the 1860s, his formative years, realism declined and a post-realistic current emerged which seemed destined to surpass it. Realism, which was considered a form of materialism presenting “matter” without synthesizing it with the “mind”, was criticized for its supposed lack of creativity. In response, in his writings on Courbet and Manet, Zola proposed the idea of the work as produced not by the “mind”, but by “life”, arguing that the expression of the artist’s life animates all objects around him or her. While he adhered to realism’s endeavour that, by rejecting metaphysics and imagination, he lead art to matter, his theory of the productive notion of “life” went beyond realism, espousing the creativity of “matter”. This attempt echoed the history of aesthetics, which moved with Taine and Guyau—among others—towards the theorization of life as beauty in the positivist era. Through the prism of his belief in vitalism, as understood through the critical and philosophical discourse on art in his time, we offer a new way of reading Zola’s work which reveals his constant efforts to build a creative principle specific to the naturalist regime from his first novels to The Four Gospels
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Faerber, Johan. "Esthétique baroque du nouveau roman." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030039.
Full textAbstract:
Loin de se limiter au XVIIe siècle, le Baroque littéraire apparaît comme une notion hétérochronique, régissant notamment le Nouveau Roman (Michel Butor, Claude Ollier, Robert Pinget, Alain Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute, et Claude Simon). A l'opposé de l'image d'écrivains disparates, l'esthétique néo-baroque institue ces romanciers en tant que groupe littéraire à l'identité textuelle homogène, et constitue la possibilité même du néo-romanesque. Les ères diachroniques entrent dans un jeu synchronique de convergence mettant en place une rhétorique de l'altérité et une ontologie du vide à l'instar de la littérature de l'âge baroque. Les sujets déliquescents sont conduits à errer dans un espace figurant un macrocosme théâtral du mouvement. Dans ce monde du trompe-l'oeil, une misologie de la fiction interroge les virtualités du dire. L'écriture tremble sur elle-même dans un geste redoublé élevant sa puissance au carré, et exhibe, comme le paon baroque, une surcharge ostentatoire. L'ère du soupçon serait alors celle d'un retour à l'âge baroque<br>Far from limiting itself to the XVIIth century, the Baroque in literature may be regarded as a heterochronic notion leading the New Novel. Contrary to the image of a fuzzy set gathering diverse writers, the esthetics of the new Baroque enables us to define these novelists as being a literary group with a homogeneous textual identity, and can be considered the very possibility for the New Novel to exist. The diachronic eras gather into a synchronic game which first settles a rhetoric of the otherness and claims an ontology of the nothingness as in the literature of the baroque era. The unravelled characters are compelled to wander in a space which represents the moving macrocosm ruled by a world being a stage. Through these mimetic issues, the trompe-l'oeil reign unfolds a misology of the fiction questionning the virtualities of assertion. Therefore, writing shivers in its core, judges itself in a double gesture that squares its power, and shows off, just as the baroque peacock does, a conspicuous overload. Eventually, the era of suspicion would go back to the baroque age
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Le, Scanff Yvon. "Le paysage romantique et l'expérience du sublime : littérature, esthétique, métaphysique." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040185.
Full textAbstract:
L'objet principal de cette thèse consiste en l'étude de paysages romantiques dans leur rapport à une expérience du sublime, au sein de la littérature française du XIXème siècle. Le paysage sublime prend naissance dans une tradition antique et rhétorique du lieu d'horreur qui se conceptualise en sublime sombre à la fin du XVIIIème siècle avec la redécouverte préromantique et romantique de références littéraires et picturales fondamentales (Dante, Milton notamment) et sous l'effet d'une interprétation sensualiste (Burke, Diderot notamment) du sublime classique issu de la traduction par Boileau du Traité du Sublime de Longin. Le romantisme va utiliser le sentiment du sublime pour redonner un sens organique à la nature et au sujet connaissant dans le cadre d'un idéalisme objectif et subjectif qui met en place en rapport analogique l'objet et le sujet: le sublime est ainsi l'instrument de cette harmonie paradoxale puisqu'elle se révèle dans un perpétuel déchirement de l'expérience sensible<br>The main subject of this doctoral thesis consists in the study of romantic landscapes in relation to the experience of the Sublime in nineteenth century French literature. The sublime landscape originates in an ancient and rhetoric tradition of the scene of horror which by the end of the eighteenth century has evolved into the concept of "Dark Sublime" with the preromantic and romantic rediscovery of certain essential literary and pictorial references influenced by a sensualist interpretation (Burke, Diderot) of the classical sublime arising from Boileau's translation of Longinus ' Treatise on the Sublime. Romanticism will use the sentiment of the sublime to reintroduce an organic conception to nature and the thinking subject in the framework of an objective and subjective idealism which establishes object and subject in an analogical relationship: the sublime is the instrument of this paradoxical harmony since it is revealed through a perpetually wrenching experience of the senses
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Reich, Michèle. "Le comique de l'hybridation et l'exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030075.
Full textAbstract:
Notre propos est d’étudier le comique de l’hybridation et l’exhibition du comique dans les formes dramatiques et paradramatiques contemporaines. Notre champ d’investigation se propose d’être transversal. Il ne sera ni limité strictement à une époque donnée, ni aux auteurs français ou francophones. Une première partie étudiera le comique en question. Une seconde s’attachera à la poétique du rire. La troisième examinera les principales formes du comique moderne. La quatrième définira le grotesque hybride et le burlesque exhibé. La cinquième examinera les modalités d’application de l'hybridation ainsi que de l’exhibition en montrant comment le théâtre contemporain entraîne le spectateur du Bouffon Hilarant aux salves du Rire. Les traits saillants du devenir du comique dans le théâtre contemporain seront ainsi abordés, dégagés<br>Our purpose is to study the comicality of hybridization and exhibition through the dramatic and paradramatic contemporaneous works. Our analytical investigations does not respect literal chronology. It will not be reduced to a period or some French or French speakers playwrights. First, we will study the comicality in question. Then we will try to focus on the poetics of laughter. The third part will deal with the principal forms of modern comicality. The fourth part defines hybridization in the grotesque comic style and the burlesque modalities of exhibition. The fifth one will focus on how hybridization and exhibition appear through the plays, how the spectator is confronted with the Actor as a Fool who makes him laugh hilariously. So will be drawn the major features of the mutations of the theatral contemporaneous comicality
9
Drillon, Jacques. "La loi formelle et son influence sur la création artistique et littéraire." Metz, 1993. http://www.theses.fr/1993METZ007L.
Full textAbstract:
La loi est ce qui est donné comme un "faix d'obligation" (Proust). Quels sont ses effets sur l'acte créatif ? Cinq recherches distinctes, après une introduction au concept de loi, contribuent ici à répondre à cette question. La ponctuation littéraire est un ensemble de règles, de lois, de codes et d'usages. Cette recherche, après avoir opéré une distinction nette entre ces quatre directions, montre, signe par signe, quels sont les effets de la ponctuation littéraire sur la création. Au travers de deux transgressions des lois de la composition musicale, les transcriptions de Liszt (qui refuse de voir l'œuvre comme étant donnée), et les œuvres instrumentales de Schubert (lequel se heurte aux lois de la grande forme sans pouvoir les dominer), l'on constate que, dans le premier cas, l'œuvre se trouve comme fécondée; dans le second, qu'elle prend un prix inattendu : Le manquement à la loi se fait plus riche d'expression que sa stricte observance. Le poète Charles d'Orléans a été toute sa vie aux prises avec la loi familiale, sociale et poétique. Observer la loi familiale l'a conduit a poursuivre un projet de vengeance jamais accompli; la loi sociale l'a mené en prison (vingt-cinq ans). La loi poétique lui a permis de survivre. Un recueil d'articles de l'auteur, parus dans le "nouvel observateur" de 1980 a 1992, parce qu'ils constituent une transgression constante aux lois du journalisme, est joint à la thèse<br>The law is what is given as a "weight of obligation" (Proust). What are its effects on creative act? Five distinct researches, after a general introduction about law as a concept, tend to answer the question. Punctuation is a ensemble of rules, laws and uses. This research make the distinction between these concepts, and shows, sign by sign, the effects on creation. By regarding two ways of transgressing musical laws, Liszt's transcriptions (who refuses to consider a work as an eternal thing), and the non-finished works by Schubert (who fights against the great form laws without beeing able to control them), wa can see that, in the first case, the work is fecundated; in the second one, that it takes a new value: Sometimes, non respect of law makes you richer than observance. The poet Charles of Orleans has observed, all his life, familial, social and poetic law. Familial law has drawn him to an eternal revenge; social law kept him in prison; poetic law made him living. The articles published by "le nouvel observateur" between 1980 and 1992, because they are a constant non respect of journalistic law, are inclosed
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Marchand, Sophie. "Théâtre et pathétique au dix-huitième siècle : pour une esthétique de l'effet dramatique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040111.
Full textAbstract:
Le goût des larmes et l'éthique sensible marquent profondément la pratique et la théorie théâtrales des Lumières. Autour de l'efficacité pathétique conçue comme adhésion sentimentale, s'élabore un modèle dramaturgique original. En s'appuyant sur les textes théoriques, on tente de décrire les éléments constitutifs de ce système homogène et cohérent. On s'intéresse d'abord aux bouleversements induits dans la pensée théâtrale par l'horizon d'attente pathétique (promotion de l'effet au rang de critère décisif de la valeur, passage d'une poétique du beau à une esthétique du plaisir, effets de la lacrymomanie sur le paysage générique). Puis on se consacre aux textes dramatiques, pour analyser l'émergence d'une rhétorique et d'une dramaturgie proprement pathétiques. Enfin, on examine le point de vue du spectateur et considère l'expérience pathétique dans ses composantes esthétiques, morales et idéologiques, pour comprendre comment le théâtre s'intègre au système philosophique des Lumières<br>The taste for tears and the ethics of sensibility deeply influence the theatrical practice and theory of the Enlightenment. An original dramatic model elaborates itself from the efficiency of pathos considered as a sentimental adhesion. The analysis of theoretical texts allows a description of this homogenous and coherent system's constitutive elements. The disruptions induced in the dramatic thought by the pathetic expectations are considered first : the promotion of the effect to the rank of a decisive criterion of value, the change from a pœtics of beauty to an aesthetics of pleasure, the effects of the lacrymomania on the genres. Then, the examination of dramatic texts sheds light on the emergence of a rhetoric and a dramaturgy spécifique to the pathos. Finally, the beholder's viewpoint is analysed and the pathetic experience considered, in order to understand how the drama gets integrated into the philosophical system of the Enlightenmnent
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Diouf, Abdourahmane. "Esthétique, politique et éthique : la création littéraire dans l’œuvre romanesque de John Steinbeck." Thesis, Le Mans, 2020. http://www.theses.fr/2020LEMA3008.
Full textAbstract:
Les œuvres de John Steinbeck ne sauraient être réduites à une sèche catégorisation d’ordre esthétique ou idéologique. On les étudie souvent à la croisée de styles bariolés qui s’entremêlent et se heurtent, pour pouvoir appréhender derrière les variétés le substratum de l’œuvre. L’enjeu de cette thèse est d’étudier le lien entre esthétique, politique et éthique en partant non plus des positions politiques de l’écrivain mais des œuvres elles-mêmes, pour analyser les manières dont ces notions peuvent s’éclairer de manière dynamique et progressive au fur et à mesure que l’œuvre se déploie sur quatre décennies. En passant du roman lyrique et picaresque au roman social (particulièrement Tortilla Flat et la trilogie des « Dust Bowl Novels » : In Dubious Battle, Of Mice and Men et The Grapes of Wrath), John Steinbeck laisse se construire dans son œuvre une critique politique fondée sur la remise en cause de la linéarité du discours narratif. Tout comme la forme du discours, le « contenu » narratif véhicule et développe une vision politique qui substitue au Rêve américain et son « Melting Pot » utopique, une structure sociopolitique plus réaliste où l’on perçoit « deux classes » opposées, en vertu du système de domination capitaliste. Steinbeck a re-travaillé le genre romanesque pour y laisser se développer une vision à la fois providentielle, humaniste et anticapitaliste. En mettant à l’épreuve les notions d’intrigue, de protagoniste (ou « héros ») et de temporalité, il a inscrit cette critique politique au cœur même de l’écriture, invitant ses lecteurs à porter un nouveau regard sur ses œuvres des années 1930-50, davantage « politiques », et sur les liens entre modernisme, engagement politique et écologie. Même si certains de ses ouvrages sont radicalement contestataires, il n’en demeure pas moins qu’il a eu recours constamment au mythe des origines. Ce recours aux pensées mythiques des textes américains fondateurs joue un rôle de trait d’union lui permettant de déconstruire littérairement les discours politiques dominateurs de sa société<br>John Steinbeck’s works cannot be reduced to a strict aesthetic or ideological categorization. They are often studied at the crossroads of colourful styles that intermingle and clash, in order to grasp the substratum of the work behind its varieties. The challenge of this thesis is to study the link between aesthetics, politics and ethics, starting not from the writer's political positions but from the works themselves, in order to analyze the ways in which these notions can be dynamically and progressively highlighted as the work unfolds over four decades. Moving from the lyrical and picaresque novel to the social novel (particularly Tortilla Flat and the Dust Bowl Novels trilogy: In Dubious Battle, Of Mice and Men and The Grapes of Wrath), John Steinbeck makes it possible for a political critique to be constructed in his work based on a questioning of the linearity of narrative discourse. Like the form of the discourse, the narrative “content” conveys and develops a political vision that substitutes for the American Dream and its utopian “Melting Pot” a more realistic sociopolitical structure in which one perceives “two opposing classes”, by virtue of the system of capitalist domination. Steinbeck reworked the novel genre to develop a providential, humanist and anti-capitalist vision. By testing the notions of plot, protagonist (or “hero”) and temporality, he placed this political critique at the very heart of the writing process, inviting readers to take a fresh look at his more “political” works of the 1930s and 1950s, and at the links between modernism, political engagement and ecology. Although some of his works are radically contested, he has made constant use of the myth of origins. This recourse to the mythical thoughts of the founding American texts acts as a hyphen allowing him to deconstruct literarily the dominant political discourses of his society
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Greiner, Frank. "Tradition alchimique et esthétique littéraire à l'automne de la Renaissance française : 1583-1646." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100012.
Full textAbstract:
L'objectif premier de ce travail a e été de dégager les grandes lignes d’une esthétique de la littérature alchimique à la fin de la Renaissance française. Littérature qui fut essentiellement envisagée ici dans ses rapports a une tradition. Tradition effective d'un savoir accomplie par la fabrication des livres et leur circulation. Tradition idéalement représentée et mise en œuvre dans les traites dédies a l'Art d'Hermès. Tradition métamorphoses dans les poèmes et les romans ou l’écriture alchimique se détourne de ses fins premières pour nous communiquer une expérience symbolique à réaliser par la lecture<br>The first objective of this work was to draw the main lines of an esthetic of the alchemical literature at the end of the French Renaissance. Literature that was essentially considered here in relation to a tradition. Tradition of a knowledge affected by the making of the books and their circulation. Tradition ideally represented and used in the treatises dedicated to the Art of Hermes. Tradition metamorphosed in the poems and novels where the alchemical writing leads itself out of its first purposes in order to communicate a symbolic experiment to be realized by the reader
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Minyono-Nkodo, Mathieu-François. "La création littéraire chez les romanciers camerounais de 1954 à 1986." Montpellier 3, 1988. http://www.theses.fr/1988MON30015.
Full textAbstract:
Depuis sa naissance en 1954 au cameroun, le roman d'expression francaise a connu a la fois une production prodigieuse et un rayonnement international enviable. Mais il manquait jusqu'ici une vision d'ensemble de cette production litteraire. Cette these vise a combler cette lacune. Presentee sous forme de tableau descriptif, elle cherche a faire connaitre l'art de la fiction et de l'expression chez les romanciers camerounais. Sa methode que d'aucuns jugeraient eclectiste, est une approche strategique fondee sur les principes de l'esthetique contemporaine et negro-africaine et qui exploite tout l'acquis des methodes applicables aujourd'hui dans les sciences humaines. Ainsi se trouvent eclairees, tour a tour, les regles de gestation des oeuvres, les lois regissant l'univers des romans et les techniques d'ecriture ainsi que la problematique que comporte le message des romanciers camerounais. Cette these etablit enfin de compte que le roman camerounais est une litterature nationale mais aux dimensions africaines et qu'elle postule l'humanisme integral dans une afrique liberee de ses monstres et de ses demons<br>Since cameroonian novel in french began in cameroon in 1954, its works have proliferated and spread over the world but we do not have till today a study giving a global point of view on this important literature. This thesis tries to fulfill this emptiness. It is a descriptive table which shows the creating art from cameroonian novelists. This study applies an overall method based on comtemporary and african aesthetics's principles concerning the genesis, the art fiction and the themes of the novels. It shows that cameroonian novel is a national and humanistic literature
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Mouret, Magali. "LʼIntime littéraire et photographique". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040078.
Full textAbstract:
Cette thèse présente sur un plan sémantique la notion de lʼintime en tentant de circonscrire son champ dʼaction. Elle explique comment les acceptions du mot « intime » fluctuent historiquement, déplaçant les limites et les enjeux de lʼopposition entre sphère publique et sphère privée, entre lʼindividuel et le collectif, entre le personnel et lʼuniversel.Cette mise au point théorique a pour but dʼenvisager ensuite comment lʼintime devient lʼorigine et lʼobjet dʼun art. Les oeuvres dʼAnnie Ernaux et de Chloé Delaume ici analysées permettent de comprendre comment lʼintime modélise un texte littéraire ; les travaux de Sophie Calle et de Nan Goldin font apparaître la relation particulière entre lʼintime, le texte parfois et la photographie. Le langage verbal et le langage iconique sont interrogés afin de déterminer comment le style de lʼoeuvre sʼimprègne de la dimension intime. Au-delà du risque ou de la provocation, lʼon voit comment lʼoeuvre intime sʼancre profondément dans le temps, dans un rapport privilégié à la mémoire. Il est aussi question de montrer combien lʼart intime relève dʼune lutte pour exister, se faire reconnaître en tant quʼart. Les notions de valeur et dʼeffet, dans le cadre dʼune théorie de la réception, éclairent cette dimension polémique. Enfin, cette thèse sʼintéresse àdécouvrir dans quelle mesure lʼart de lʼintime sʼinscrit contre une ancienne éthique et en faveur dʼune nouvelle. Il sʼagit également de définir les grandes lignes dʼune esthétique de lʼintime, ravivant les questions du réalisme, de la beauté,du sublime<br>This thesis presents a semantic notion of the intimate attempting to limit its scope. It explains how the meanings of theword "intimate" fluctuate throughout history, thereby moving the boundaries and challenging the opposition between thepublic and private spheres, between the individual and the collective, and between the personal and the universal. Thistheoretical development is intended to consider how the intimate is both the source and purpose of art. The works ofAnnie Ernaux and Chloe Delaume analyzed here can illustrate how the intimate shapes a literary text ; the works ofSophie Calle and Nan Goldin show the special relationship between the intimate, sometimes the text, and photography.The verbal and the iconic languages are examined to determine how the style of the work is imbued with the intimatesphere. Beyond the risk or provocation it entails, we see how the work intimate is deeply rooted in time with a specialrelationship with memory. It is also about showing how the intimate art is a struggle for existence, for being recognizedas art. The concepts of value and effect as part of a theory of reception, illuminate this debate. Finally, this thesis isinterested in discovering how the art of the intimate severs from former ethics to build a new one. The purpose of thisstudy is also to define the outline of an aesthetics of intimacy, rekindling issues of realism, beauty, and the sublime
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Bernard, Laurent. "La Littérature cartographique, un défi à la totalité." Cergy-Pontoise, 2005. http://www.theses.fr/2005CERG0244.
Full textAbstract:
Cette étude se propose de confronter la pratique cartographique à la littérature afin de dégager une littérature dite cartographique. C'est-à-dire une littérature qui ne se confond pas avec une littérature géographique mais qui s'approprie, lors de chaque étape du discours, les codes spécifiques et l'ambition du projet cartographique qui cherche à défier le monde dans sa totalité. Cette tentative de rapprochement, envisagée autour d'un corpus central composé de Borges, Calvino, Perec ou Stevenson et usant régulièrement de parallèles picturaux, détermine dans une première partie la nature du regard cartographique. Ce regard se réalise autour d'un abandon de l'oeil sensible et de la perspective au profit d'un oeil bicéphale à la fois divin et théorique. Un regard qui entraîne cette littérature cartographique à l'écart d'une logique de la représentation pour une logique de construction dont les fondations, abordées dans une seconde partie, laissent entrevoir la manière dont cette littérature use des dispositifs visuels génériques de la carte, entre mise à distance, encadrement, brièveté, et systèmes de projection. A ces fondations succède l'observation des stratégies mises en place par cette écriture pour, sur le modèle cartographique, réaliser de façon effective son défi à la totalité, entre structure désincarnée, globalité formelle liée à la question du genre et complétude cumulative. Ces stratégies, à la fois antinomiques et hétérogènes, rencontrent toutes des difficultés dans ce défi à la totalité, invitant à un déplacement dans la nature même de ce défi. Aussi, dans une dernière partie nous interrogeons la manière dont l'écriture cartographique consacre une lecture bien spécifique, entre réticularité et verticalité rhizomique dispensée par des dispositifs intertextuels et de bilocation. Cette lecture cartographique permet d'ambitionner la totalité du monde non plus comme une réalité rigide et continentale mais comme une réalité archipélique appelant extériorité et diversité, pour une totalité-monde ouverte et avec laquelle le lecteur se superpose pour devenir lui-même un individu-monde<br>This study proposes to confront the cartography with the literature in order to release a literature known as cartographic; I. E. A literature which does not merge with a géographical literature, but which is adapted, at the time of each stage of its speech, spécific codes and ambition of cartographic project which seeks to defy the world in its totality. This attemp at reconciliation, under consideration around a central corpus composed of Borges, Calvino, Perec, Stevenson and using regularly of parallels pictorial, determines in a first part the nature of the cartographic glance (point of view). This glance is carried out around an abandonment of the eye sensitive to profit of an the same time divine and theoretical bicephalous eye. A glance which involves this cartographic literature well off a logic representation for a logic of construction of which the foncations, approached in one second part, let foresee the way in which this literature uses to the statute of card image, between remote setting, framing, brevity and devices of projection. To these foundations succeeds the observation of the strategies installed by this writing, on the cartographic model, in order to achieve, in an effective way its challenge with totality, between disembodied structure, formal global nature related to the question of the genre and cumulative fullness. All of these strategies which are at the same time paradoxical and heterogeneous, come across the difficulties in this challenge. Also, in a last part we question the way in which the cartographic writing consecrates a quite specific reading, between reticularity and rhizomic verticality exempted by intertextuels devices end bilocation. This cartographic reading appealing to exteriority and diversity, for a totality-world open and with which the reader superimposes himself to become himself an individual-world
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Volkmar, Catherine. "La communication littéraire : approches de la notion d'auteur." Besançon, 1996. http://www.theses.fr/1996BESA1016.
Full text
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Diebold, Vanessa. "La neutralité du support en propriété littéraire et artistique." Université Robert Schuman (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR30024.
Full textAbstract:
Un support est toujours nécessaire à l’existence physique d’une création intellectuelle, car il permet sa matérialisation. Pour autant le support ne doit pas être confondu avec l’oeuvre de l’esprit qu’il matérialise. Bien corporel, il est la matière utilisée par l’auteur pour mettre en forme ou diffuser son oeuvre, bien incorporel. Peu importent son existence et sa nature, il n’influence pas les règles de droit applicables à la création. Il est neutre. Basée sur la distinction des propriétés de l’oeuvre et du support, la neutralité du support garantit la protection de toutes les oeuvres de l’esprit, qu'elles aient ou non un support. Au-delà de cette neutralité juridique, une neutralité technique du support est progressivement instaurée. Garantie apportée à la neutralité juridique, elle signifie que les supports sont fonctionnellement équivalents pour la propriété littéraire et artistique. Quel que soit le mode de diffusion d’une oeuvre, le droit qui lui est applicable reste le même. Le principe de neutralité du support vient donc garantir la sécurité juridique. La propriété littéraire et artistique ne confère pas, de la sorte, un monopole à un type particulier de support, le papier par exemple. Ce principe ne doit toutefois pas être appliqué de manière trop stricte. En raison de la dépendance factuelle de l’oeuvre et du support (lors de la communication de l’oeuvre), le support influence parfois les règles de droit applicables à l’oeuvre. Une telle immixtion n’est cependant justifiée que lorsque la règle de droit dépend du support et lorsque la prise en compte du support vient garantir l’efficacité de la propriété littéraire et artistique<br>A support is always necessary for the physical existence of an intellectual creation, because he allows his realization. Therefore the support should not be merged with the work of mind which it fulfils. Bodily good, it is the material used by the author to shape or broadcast its work of mind, its intangible good. It doesn’t much matter his existence and his nature, it does not influence the rules of right applicable to creation. It is neutral, based on the principle of independence of the ownership of work of mind and the support, the neutrality of the support guarantees the protection of all oeuvres of the mind, which they have or not a support. Beyond this juridical neutrality, a technical neutrality of the support is progressively instituted. Guarantee was brought in juridical neutrality; it means that support is functionally identical for copyright. Whatever is the mode of broadcasting of a work of mind, the right which is applicable to him the same stays? The principle of neutrality of the support therefore comes to guarantee juridical security. Copyright does not confer a monopoly, suchlike, on a particular type of support, paper for instance. This principle should not nevertheless be applied in a too strict way. Owing to the factual dependency of work of mind and support (for the communication of work of mind), the support sometimes influences the rules of right applicable to work of mind. Such interference is however justified only when the rule of right depends on the support and when the taking into account of the support come to guarantee the effectiveness of copyright
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Weck, Céline. "La poétique de Sarah Kirsch : une esthétique du kaléidoscope." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1028.
Full textAbstract:
Ce travail se propose d'analyser l'oeuvre de la poétesse allemande Sarah Kirsch (née en 1935) sous l'angle du kaléidoscope, en favorisant les approches intertextuelles, interculturelles et interdisciplinaires. Ce travail donnera donc un aperçu aussi complet que possible de toutes les facettes de la création artistique de Sarah Kirsch et permettra de (re)découvrir ses activités d'auteur d'ouvrages pour enfants ou de traductrice. La première partie est méthodologique. Elle tisse un canevas autour d'un certain nombre de notions, inhérentes au recueil Allerlei-Rauh { placée au centre de l'étude { et applicables à la totalité de l'oeuvre de Sarah Kirsch. Il s'agira d'approfondir, par l'analyse des recueils de poèmes, de prose et des journaux de bord, les techniques d'intertextualité et de collage qui sous-tendent toute la création de Sarah Kirsch. C'est pourquoi, dans un souci d'objectivation, nous convoquons un certain nombre d'approches interdisciplinaires, qui s'attachent à une vision microscopique de l'oeuvre de Sarah Kirsch, pour aboutir à une vision macroscopique. Les deuxième et troisième parties, respectivement centrées sur l'écriture autobiographique et sur le travail de réécriture, sont consacrées au recueil Allerlei-Rauh. Le concept du kaléidoscope est utilisée comme outil d'analyse pour ce recueil et comme principe méthodologique. En étudiant le recueil-clef Allerlei-Rauh, archétype de l'écriture fragmentaire de Sarah Kirsch, on découvre une vision panoramique de l'oeuvre : chaque fragment renvoie, comme dans un miroir, à un pan significatif de l'édice. La quatrième partie du travail se concentre sur une autre facette de l'oeuvre, que l'on caractérisera par ce mot d'ordre de l'auteur : < Fahren und sehen und schreiben >. Elle réunit un certain nombre de chapitres qui visent à appréhender l'oeuvre de façon ouverte, en faisant apparaître toutes ses composantes plus particulièrement interdisciplinaires et interculturelles : parenté très nette qui lie l'écriture de Sarah Kirsch avec la poésie brève japonaise, rôle des voyages, production d'aquarelles<br>This study will analyse the work of the German poet Sarah Kirsch (born in 1935), in a kaleidoscope-kind of way, emphasizing the intertextual, intercultural and interdisciplinary approaches. Thus, the study offers a view as comprehensive as possible of all the aspects of Sarah Kirsch's artistic creation and enables the reader to (re)discover her work as an author of children's books or translator. The first part is methodological. As a starting point, it takes a certain number of notions, inherent to the collection of poems Allerlei-Rauh -which is placed at the center of the study - and which are applicable to Sarah Kirsch's entire work. The aim is to go deeper into the techniques of intertextuality and collage which are present throughout her work, and I will do this through the analysis of collections of poems, prose and journals. In order to be more objective, interdisciplinary approaches focusing on a microscopic vision will be used, to end with a macroscopic vision of her work. The second and third parts, respectively focused on the autobiographical writing and on the work of rewriting, are devoted to the collection Allerlei-Rauh. The concept of the kaleidoscope is used both as a tool for the analysis of this collection and as a methodological principle. By studying the crucial collection Allerlei-Rauh, the archetype of Sarah Kirsch's fragmentary writing, we can have a complete vision of her work : each fragment sends back to a signicant part of the edice, just like in a mirror. The fourth part of the study focuses on yet another aspect of her work, which can be described by this motto by the author : < Fahren und sehen und schreiben >. It will deal with apprehending writing in an open way by showing all of its components, especially interdisciplinary and intercultural ones : the obvious link between Sarah Kirsch's writing and Japanese short poetic forms, the role of travelling, the production of watercolours
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Wiser, Antonin. "Utopie de la littérature. La question littéraire dans l’œuvre de Theodor W. Adorno." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040111.
Full textAbstract:
La présente thèse se propose d’étudier la question de la littérature dans l’œuvre d’Adorno. Elle fait apparaître la fonction utopique que le philosophe attribue à la littérature en tant que celle-ci dessine l’horizon d’une « langue sans terre », ligne de fuite hors de la dialectique de la raison. Tandis que le discours philosophique a reproduit dans son appareil conceptuel la violence mythico-rationnelle à l’encontre du singulier non-identique, la langue littéraire semble en mesure d’indiquer la possibilité de parvenir par le concept au-delà du concept, ce qui constitue le désir utopique de la dialectique négative. L’enjeu n’est pas seulement épistémique : il est bien éthico-politique, lié à la possibilité d’établir des rapports à l’autre libérés de la contrainte de l’identité.Dans les œuvres littéraires dont il entreprend la lecture – qu’il s’agisse de celle d’Eichendorff, de Hölderlin, de Proust, de Valéry, de Beckett ou encore de Kafka – Adorno ne cherche cependant pas une figure concrète de l’utopie, mais la trace de « ce qui nous appartient en propre et qui a été laissé en blanc » – aussi bien dans les textes que dans l’Histoire. La littérature porte alors en creux ce possible impossible dont la puissance hante le présent entre ses lignes ; elle est de la réconciliation (Versöhnung) une image sans image, tout à la fois ressource de la critique radicale des conditions existantes et réserve du désir d’un autre à venir<br>This dissertation proposes to study the question of literature in the work of Adorno. It shows the utopian function which the philosopher attributes to literature as it draws the horizon of a "language without soil", a line of flight from the dialectic of reason. While philosophical discourse reproduces in its conceptual apparatus the mythical-rational violence against the non-identical singular, the language of literature seems able to indicate the possibility of reaching beyond the concept with the help of the concept, which is the utopian desire of negative dialectics. The challenge is not only epistemic: it is ethical-political as well, related to the possibility of establishing relations with others which are freed from the constraints of identity.In the literary works which he studies – those of Eichendorff, Hölderlin, Proust, Valery, Beckett or Kafka –, Adorno does however not seek a concrete figure of utopia, but rather traces of "what is our own and has been left blank" - both in these texts and in History. In those blanks, literature contains the « possible impossible » which haunts the present ; it is the picture without picture of Reconciliation (Versöhnung), a resource for both a radical critique of existence and for the desire of the other to come
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Fandio, Pierre. "L'institution littéraire en Afrique noire contemporaine : le cas du Cameroun." Grenoble 3, 2002. http://www.theses.fr/2002GRE39009.
Full textAbstract:
Cette étude qui s'intéresse à l'institution littéraire camerounaise de la fin de la deuxième guerre mondiale à la veille de l'an 2000, dévoile le schéma général qui sous-tend la production, la diffusion et la consommation du discours littéraire à l'Est et à l'Ouest du Mungo. Ce faisant, elle en détermine les causes endogènes de l'extraversion ambiante. Percevant ainsi l'institution littéraire comme un système, elle analyse les rapports entre les différents éléments qui la constituent d'une part, et entre le système et l'environnement, d'autre part. Elle en déduit les indicateurs de son fonctionnnement. Du fait même de la nature du champ d'investigation, l'approche se situe d'emblée à l'intersection de plusieurs disciplines qui touchent à la vie du livre littéraire. L'étude en arrive à remarquer que, plus d'un demi-siècle après la pose de ses premiers jalons l'avènement d'une institution littéraire autonome au Cameroun demeure toujours un rêve.
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Briand, Xavier. "Qu'est-ce qu'un littéraire? : Question d'objet, question de compétence." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20035.
Full textAbstract:
Qu'est-ce qu'un littéraire? S'interroger ainsi, c'est (au moins) poser la question de son objet et celle de sa compétence. Répondre à cette interrogation dédoublée équivaut à faire de la crise le fil conducteur de la thèse. Objet et spécificité, qu'il s'agisse de la construction ou de la déconstruction de la littérarité ou de la littérature, compétence et spécialité, qu'il s'agisse de l'appropriation ou de la déappropriation de la poétique ou des sciences humaines pluridisciplinairement converties en un pluriel -indisciplinable- de disciplines indispensables, sont analysés dans le cadre d'une théorie dite "de la médiation" par Jean Gagnepain. La thèse s'articule autour d'une hypothèse générale : il est des objets - comme la langue, la littérature ou la littérarité- qui ne seraient l'objet d'aucune science mais la prestation de service d'une corporation<br>What's a literary theorist. Asking ourself is (at least) interrogating about his object and his competence. Answering this double interrogation is as making the crisis, the clue of the thesis. Object and specificity, that this concern the construction or the deconstruction of literary or literariness, competence and speciality, that this concern the appropriation or the disappropriation of poetics or social science pluridisciplinarily converted into a -indisciplinable- plural of indispensable disciplines, are analysed in the scope of a theory said "of the mediation" by Jean Gagnepain. The thesis hinges on a general hypothesis : there are some objects -like language, literary or literariness- which would not be the object of any science but the corporation provision of a service
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Julliard, Catherine. "La réception des théories esthétiques françaises par le théâtre allemand de la Frühaufklarung." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040127.
Full textAbstract:
La période étudiée, domaine encore peu exploré jusque-là, s'étend sur les premières décennies du XVIIIe siècle et est caractérisée par diverses ruptures, philosophique, stylistique, esthétique, avec le siècle précèdent et notamment avec l'héritage formel et conceptuel de la seconde école silésienne. La situation psychologique de l'époque est définie par la conscience allemande de carences dans le domaine dramaturgique et culturel, accentuée par les réactions des étrangers raillant l'état de la littérature germanique. La conjoncture allemande spécifique, marquée par la perception d'une infériorité dans le cadre européen, est à l'origine d'un vaste phénomène d'accueil de théories théâtrales françaises. La réception, ou passage d'un espace culturel à un autre, apparait comme la réponse à une attente, les emprunts jouant un rôle capital dans l'élaboration d'un nouvel édifice théorique dramatique. Le modèle préconise par Gottsched, sur lequel est centrée l'étude, est la France, gardienne du legs antique, exemple réussi d'une culture nationale, idéale de théorie théâtrale reposant sur un ensemble de normes. Ces canons littéraires transmis par la France constituent des références majeures dans le théâtre allemand. La méthode observée consiste en une lecture des textes théoriques français et allemands à la lumière d'axes de réflexion. L'étude montre que Gottsched s'inspire de la tradition classique et néo-classique française. Elle décèle la cohérence des apports français que l'allemand intègre dans l'édification de son programme national<br>The period to be studied, a domain that has been until now little explored, extends over the first decades of the eighteenth century and is characterized by different ruptures with the previous century, particularly with the formal and conceptual heritage of the second Silesian school. The psychological situation of the epoch is defined by the German consciousness of deficiencies in the dramatic and cultural sphere, increased by the reactions of foreigners who mock German literature. The specific German situation is the origin of the reception of French dramatic theories. The reception, or the passage from one cultural sphere to another, meets German expectations, and the borrowings play a cardinal part in the elaboration of a new dramatic theoretical edifice. The model advocated by Gottsched, who is the focus of the study, is France, a successful example of a national culture, an ideal of dramatic theory which is based on norms. The method employed consists in a reading of texts in French and German theory with the consideration of major themes. The study shows that Gottsched is inspired by the French classical and neoclassical tradition. It attempts to reveal the coherence of the French contributions that the German writer integrates into the edification of his national program
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Perez, Claude-Pierre. "Connaissance de l'Est : le défini et l'inépuisable (une étude littéraire)." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040069.
Full textAbstract:
Cette these se propose d'etudier l'esthetique (ou les esthetiques) de connaissance de l'est, de p. Claudel. S'interrogeant sur l'esthetique rationaliste (inspiree, dit-il, par st thomas) que l'auteur a revendiquee a propos de ses proses de chine, elle s'attache, dans un premier temps, a mettre en evidence la diversite du livre, et les contraductions d'un poete comparable a "l'arbre tordu" de ses poemes. Elle exemine ensuite les facteurs d'unite, au premier rang desquels "l'intelligence et la volonte", dont la collaboration debouche sur la question inlassablement posee au monde : "qu'est-ce que ca veut dire?" cette question ne doit pourtant pas conduire a considerer les poemes du livre comme de simples paraboles, dans la mesure ou claudel, qui fait l'eloge de la "delectable ignorance" non moins que de la connaissance, est conduit par mallarme et par les orientaux sur les chemin d'une esthetique de l'indicible et de l'allusion<br>This thesis is about the aesthetics of connaissance de l'est, a collection of prose poems by p. Claudel. When speaking about this book, claudel has adopted a very rationalistic point of view, which he owes (he said) to aquinus. Our thesis tries, in its first part, tomake obvious the diversity of the collection, and the contradictions of a poet similar to the twisted tree of his poems. In a second part, we investigate the factors of unity, namely "the intelligence and the will" which cooperate to produce the famous question he asks to everything : "what does that mean?" nevertheless, this question must not make us consider these poems as mere parables; on the contrary, claudel has been drawn by mallarme and the orientals towards the aesthetics of allusion, on the path of the unspeakable
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Augé, Nérina-Bernadette. "Littérature africaine et discours critiques : histoire de la critique et de la réception du texte littéraire africain des origines à nos jours." Nancy 2, 2005. http://www.theses.fr/2005NAN21011.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d'examiner la critique et la réception des littératures francophones au sud du Sahara. Nous sommes remontée jusqu'à l'époque coloniale en étudiant notamment les règles et les codes qui régissent la prise de parole dans les sociétés traditionnelles. La parution dans les années vingt des premiers romans écrits par des Africains s'accompagne d'une critique colonialiste qui lit les textes en fonction des intérêts du système colonial. Avec le mouvement de la Négritude, c'est une critique attentive aux "valeurs de civilisation nègre" qui émerge. La critique de Négritude appelle également les écrivians à s'engager dans la lutte contre la colonisation. Dans les années soixante-dix s'effectue un retour aux sources de la tradition orale. Les critiques étudient le texte littéraire en fonction de son enracinement dans l'oralité. Les années quatre vingt se caractérisent, elles, par un éclatement des discours critiques : la critique africaine se montre sensible aux avancées de la nouvelle critique d'Occident tout en s'interrogeant sur la langue d'écriture des textes et sur la réception des écrits des femmes. Nous avons également accordé dans cette étude une place à la réception du texte littéraire par les revues littéraires et périodiques. La question de l'édition des textes africains est aussi abordée<br>This study examines the emergence of Subsaharian Francophone African criticism. In the beginning we try to proove that traditionnal african society have also a kind of criticism which applyed on the tales, legends and myths. In colonisation's years appears a criticism which is only claims his support about colonial system. With the Négritude movement, criticism became one occasion to show African civilisation value. Critics think that literature and novelists must be against colonisation. In seventies some critics like M. Kane, A. Koné and others established that the sources of African novel can be found in the African story-telling tradition. After, we try to show the another criticism discours : the influence of new european criticism with S. Anozié, question about the language used by writers and the criticism of female writers. We also examine how magazine talk about African literature
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Liu, Ke. "La posture littéraire d'André Gide : posture classique et jeu sur la posture." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA082775.
Full textAbstract:
La posture littéraire de Gide peut être considérée dans son rapport à la problématique du classicisme. Chez Gide, le classicisme relève de l’élaboration d’une morale et d’une esthétique personnelles, qui n’excluent pas complètement la doctrine historiquement définie. Mais le classique peut aussi dépasser tout historicisme et atteindre la hauteur du jugement absolu, de la valeur intemporelle. C’est sur ce point que la problématique du classique rejoint celle du jeu et de l’intention et que Gide s’impose comme une instance intentionnelle entre son œuvre et le lecteur, pour guider le lecteur dans son jeu d’écriture et pour élever son œuvre à l’intemporalité, au rang des classiques. L’étude présente, divisée en trois parties, se propose d’explorer la posture littéraire complexe de Gide : elle forme un système dynamique bâti autour de l’intention créatrice de l’auteur, qui se manifeste à travers le texte et se réalise avec la complicité du lecteur tout en fixant à l’œuvre l’objectif de devenir intemporelle<br>André Gide’s literary posture can be related to the problematic question of classicism. Gide considers the classicism as emanating from personal morals or aesthetics without excluding entirely the historical definition of the doctrine. At the same time, the classical can outdo historicism and reach the level of an absolute judgement, an everlasting value. Here precisely, the question of the classical is connected with the question of the play and the question of the intention: Gide appears as an intentional performer between his work and the reader in order to guide the reader in the game of his writing and to elevate his work to the rank of an everlasting classical. In the three parts of our thesis, we examine Gide’s intricate literary posture: this dynamic system is built around the creative intention of the author, the posture having to be discovered in the text itself and needing the reader’s complicity, in the hope of elaborating an everlasting work
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Hourmant-Le, Bever Nathalie. "Le théâtre de Steven Berkoff : une esthétique de la rupture." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20043.
Full textAbstract:
Steven Berkoff a toujours prôné un univers théâtral spécifique au sein duquel la rupture jouerait un rôle central. Si l'on considère son répertoire théâtral on constate d'emblée que ce principe est à l'oeuvre systématiquement. Le dramaturge illustre sans relâche cette pensée selon laquelle "Art should not ever begin to express some balanced thing, art is schizophrenic". L'emploi d'un tel adjectif par le dramaturge oriente irrésistiblement la lecture de son théâtre. C'est la raison pour laquelle cette étude s'attachera à démontrer que le théâtre berkovien affiche à bien des égards des similitudes avec l'univers schizophrénique. La mise en scène, la langue, le jeu des acteurs ainsi que les thématiques retenues (en particulierr les pensées eschatologiques) participent à l'émergence d'un théâtre de la rupture voire d'un théâtre "schizophrénique". Afin de mettre à nu cette exigence esthétique particulière ce travail adoptera une scansion en trois temps. Il s'agira d'abord d'étudier l'oeuvre berkovienne prise dans un "processus de filiation" et de se livrer à une analyse classique des contenus. La langue sera ensuite au coeur des interrogations. Une étude de l'intertextualité permettra de montrer son fonctionnement et sa dualité. Une lecture stylistique viendra complèter ce regard linguistique. Enfin le théâtre de Steven Berkoff sera lu à travers une grille plus sociale. Son parcours artistique sera analysé en fonction de paramètres biographiques et stratégiques. Cette triple lecture résolument pluridisciplinaire montrera la polymorphie de la rupture dans le théâtre de Steven Berkoff<br>The @theatre of Steven Berkoff is based on a central notion that of rupture, this distinctive feature is certainly one of the most remarkable staples of his theatre. Moreover the playwright was once quoted as saying " art should not ever begin to express some balanced thing, art is schizophrenic ". This statement legitimates and justifies this attempt at defining his theatre according to this principle. The similarities between schizophrenia and Berkoff's theatrical world are striking and numerous. Thanks to several immutable theatrical and linguistic rules Steven Berkoff has elaborated an aesthetics of rupture. His theatre is a portrait of the world of the schizophrenic along with a provocative commentary on modernist and postmodernist culture. A threefold approach has been chosen in this work. First we will study the different influences which have shaped Berkoff's theatre. Then we shall focus attention on the notion of world catastrophe which is of primary importance in his plays. A second part will deal with language and its main features. In the last part we will first survey the way in which Steven Berkoff treats sexuality and violence and then concentrate on Steven Berkoff himself and his ambivalent relationships with the journalists
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Piperini, Marie-Christine. "Le travail psychique créateur : deux études sur l'écriture littéraire comme enveloppe narcissique." Bordeaux 2, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR21018.
Full textAbstract:
En utilisant les concepts de "conteneur" (Bion) et d'"enveloppe psychique" (Anzieu), et à partir des travaux sur la création initiés par Freud, Winnicott, puis de M'Uzan et Anzieu nous avons exploré la dynamique de l'articulation : narcissisme-écriture-pensée. Cette thèse met en question la possibilité pour le sujet écrivant de transformer des images sensorielles en éléments constitutifs de sa représentation de soi et d'accéder ainsi à la conception d'une unité protectrice. Nous avons appliqué ces vues théoriques en analysant des représentations exposées par des écrivains qui tentent d'expliquer le processus de la création littéraire, puis nous avons observé les phénomènes mobilisés dans un atelier d'écriture en hôpital psychiatrique. Les résultats de nos recherches mettent en évidence l'étayage de la pensée créatrice sur l'éprouvé corporel intime du sujet, et la place du désir d'un autre dans l'engagement de ce processus. Nous y voyons comment le travail du style à la recherche d'une originalité constitue une défense paradoxale qui révèle l'identité du sujet écrivant (par ce qui fait signe en insistant) en même temps qu'il porte le masque de la technique. Nous constatons que les failles et capacités moïques se trouvent figurées dans les textes rédigés par des patients d'hôpital psychiatrique aussi bien que dans ceux crées par des écrivains reconnus. Et nous saisissons le potentiel apporté par l'écriture pour permettre à un sujet d'accéder à une nouvelle conscience de soi<br>Using the concepts of "container" (w. R. Bion) and of "psychological shroud" (d. Anzieu), and from the research about creation introduced by S. Freud, D. W. Winnicott, M. De M'Uzan and D. Anzieu, we have explored the dynamic of the articulation : narcissism - writing - thought. This thesis questions the possibility for the writer to transform sensory images into parts of a representation of himself, and to accede like this to the conception of a protective unity. We have applied these theoretic means in analysing some representations explained by some writers who try to understand the literary creation process. Then we have observed the phenomenon which are mobilized during a writing session inside a psychiatric hospital. The results of our researches highlight that the creative thought stays on the inmost bodily experience. They set the place of the other's desire for engaging this process. We can see how the style's work and the research of a manner of writing like no one else constitute a paradoxal defence. It reveals the writer's identity (by what insists and shows) and it wears the mask of technicity at the same time. We note how the self-flawes and abilities appear into a text which are writer by psychiatric hospital's patient as well as in a famous writer. So, we grasp the potential supply of writing for going to get a new conscience of himself
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Rouxel, Annie. "Distance, complexité, plaisir : réflexion sur une didactique de la lecture littéraire." Rennes 2, 1995. http://www.theses.fr/1995REN20019.
Full textAbstract:
Enseigner la distanciation qui conduit au sens et au plaisir du texte, tel est l'objet de cette didactique de la lecture littéraire. Fondée sur l'étude de textes complexes, elle fait de la littérature un lieu privilégié d'apprentissage du savoir lire et de formation à la complexité. A l'origine de cette réflexion, les difficultés rencontrées par les lycéens dans ce jeu complexe de tensions entre le lecteur et le texte qui caractérise la lecture littéraire : nombre d'entre elles s'expliquent par le phénomène de l'illusion référentielle et son corollaire, la tendance discursive a la rationalisation du texte. Pour construire chez les élèves des schèmes de réception distanciée, deux voies sont proposées : l'apprentissage du questionnement et la pratique d'activités qui obligent à considérer le texte dans sa dimension scripturale. Mais l'apprentissage de la distance passe aussi par l'étude des phénomènes qui la postulent pour faire sens : c'est pourquoi une didactique du texte ironique ouvre une voie privilégiée pour parvenir a une distanciation maîtrisée<br>Teaching the distanciation that leads to understanding and enjoying the text: such is the purpose of this didactics of literary reading. Based on the study of complex texts, it uses literature as a priviliged tool to teach the students how to read a text. The origins of this research lie in the difficulties met by the secondary school students in the complex tensions between the reader and the text that characterise literary reading. Many of these difficulties are due to the phenomenon of referential illusion and its corollary, a discursive tendancy to the rationalisation of the text. In order to enable the students to approach the text critically, two techniques are developed here : the teaching of questioning and the resort to activities which force the reader to consider the scriptural dimension of the text. But the teaching of distanciation also includes the studies of the phenomenons which require distanciation in the appreciation of the meaning of the text : irony is one of them. Therefore a didacdics of ironical texts is identified as a privileged means to reach controlled distanciation
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Borgonovi, Chiara. "Le geste chez Madame de Staël : représentation littéraire et arts plastiques." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082503.
Full textAbstract:
Prenant nos prémisses de la crise qui touche l'esthétique classique au XVIIIe siècle et qui aboutit à une rupture des barrières parmi les arts et les genres littéraires, on a étudié la rencontre d'éléments divers dans les romans staëliens, d'autant plus significative qu'il existe chez Madame de Staël un discours sur les arts qui informe la composition, la structure et le sens de ses œuvres. En particulier, on a découvert l'élaboration d'une esthétique de l'expression par la suggestion qui se développe autour d'une écriture du geste et de la pantomime à l'intérieur d'un système sémiologique comprenant des éléments de nature auditive, visuelle et cinétique, empruntés aux codes d'une esthétique théâtrale renouvelée, redevable à son tour aux arts plastiques et à la peinture notamment. C'est ici que Madame de Staël inscrit le sens moral de ses romans dans le geste et sa figuration et représente la vie de l'individu comme un champ de formes signifiantes, dans un esprit déjà tout romantique<br>Starting from the crisis that strikes the classical aesthetics during the 18th century and leads to a breaking off of the barriers within arts and literary genres, I have studied the presence and intersection of different elements in Madame de Staël's novels. In fact there is a discourse on arts, in this author, that informs the composition, the stucture and even the signification of her works. Then I have found out a particular aesthetics of the expression through suggestion that informs a writing of the gesture and the pantomime in a significant system including auditory, visual and kinetic elements taken from a renewed theatrical aesthetics as from the aesthetic codes of sculpture and especially painting. It is finally so that Madame de Staël inscribes the moral signification of her novels in the image and that she represents the life of the individual as a world made of significant forms, in a Romantic mind already
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Sadeghzadeh, Roxana. "Approches de la critique littéraire persane contemporaine et réception de la littérature française, à partir de la revue "Sokhan"." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030089.
Full textAbstract:
Notre recherche consiste dans un premier temps en une analyse descriptive de la production interieure et de la reception etrangere (l'opposition interne / externe) en iran dans les annees 1943 a 1979, a partir de la revue sokhan. Notre objectif etait de voir comment le sous-systeme litteraire de sokhan s'est comporte face a la modernite, pendant cette periode, sur le plan de l'opposition entre poesie et prose (centre / peripherie) a l'interieur du systeme iranien, sur le plan des rapports de force entre production interieure et importations, d'une part, et entre les differentes litteratures importees, d'autre part. L'importance quantitative de l'importation temoigne du caractere extremement receptif du systeme litteraire persan, signe d'un grand besoin de renouveau qui s'est fait sentir des le debut du vingtieme siecle. Les traductions et l'appareil critique qui les accompagnent vont jouer un role certain dans l'evolution du systeme litteraire persan en bouleversant justement le rapport prose / poesie et en modifiant les normes aussi bien sur le plan formel que thematique. Les donnees quantitatives font apparaitre une stratification et une nette hierarchie de la reception. Pendantla periode de reference, la litterature francaise, principale litteraturesource, est concurrencee par d'autres secteurs litteraires, celui de l'amerique du nord, des litteratures de langue allemande ou de l'amerique latine. Nous avons examine, dans un second temps, la reception des ecrivains francais a travers cette revue. Les donnees quantitatives sur les traductions et les articles ecrits sur chaque ecrivain traduisent des choix critiques, lies aux exigences du systeme recepteur, mais aussi a la situation politique. Les strates superieures de la reception, apollinaire, valery, eluard, camus, sartre, malraux hierarchisent la modernite du poetique et du fictif. Les analyses montrent que cette revue accorde la priorite a la poesie, cherchant a la maintenir au centre du systeme, temoignant ainsi du degre de force conservatrice du systeme litteraire persan<br>This research work is composed, as a first step, of a descriptive analysis of the internal production and the reception of foreign literatures (opposition of internal vs. External) in iran between 1943 and 1979, based on sokhan magazine. Our objective was to observe the behaviour of the literary sub-system of sokhan confronted to modernity during this period from three different angles: the balance between internal and imported production, between different imported literatures and finally the opposition between prose and poetry (centre vs. Periphery) inside the iranian system. The quantitative weight of imported literature reveals the extremely receptive character of persian literature, sign of an overwhelming need for renewal that started to grow from the first years of the twentieth century. Translations and the related criticisms had an important role in the evolution of the persian literary system by creating a breach in the balance between prose and poetry and by modifying the standards both from a formal and thematic standpoint. The quantitative data reveal the stratification and the clear hierarchy of the reception. During the reference period french literature lost its rank of principal source literature to the benefit of american literature first and then to latin american and german literatures. We have then examined, as a second step, the reception of french writers in sokhan. The quantitative data on translations and articles written on each author reveal critical choices, related to the requirements of the receiving system, but also to the political environment. The most represented authors such as apollinaire, valery, eluard, camus, sartre and malraux give a dimension of modernity in poetics and fiction. Our research shows that sokhan gives priority to poetry, seeking to maintain it as the centre of the system
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Després, Isabelle. "Théories esthétiques et polémique littéraire dans les revues moscovites de l'époque romantique." Phd thesis, Paris 4, 1994. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01053577.
Full textAbstract:
L'étude des débats sur le romantisme dans le Telegraf de Polevoj et Vjazemskij, dans Moskovskij Vestnik, la revue des Ljubomudry, et dans le Teleskop de Nadezhdin, fait apparaitre l'influence décisive de l'idéalisme allemand sur la théorie littéraire des journalistes moscovites, ainsi que les limites du mouvement romantique européen en Russie, rejeté, comme l'avait été précédemment le classicisme français, au nom de l'identité nationale. Les concepts de bien et de vrai ne sont plus clairement dissocies du beau, et on discute la nécessité de construire la future littérature nationale en réalisant une synthèse du classicisme et du romantisme. Le débat sur le caractère national de la littérature prolonge celui des années précédentes sur la langue littéraire. Les partisans de Karamzin s'opposent aux nouveaux archaïstes. Les discussions sur la versification laissent bientôt la place à des débats sur les nouveaux genres littéraires que sont le drame et la prose narrative, et les nouvelles œuvres de Pouchkine provoquent de vives réactions. De ces dix années de débats émerge, plutôt qu'une véritable théorie esthétique, une méthode critique qui permet de dépasser la polémique gratuite et indécente. La fonction de journaliste tend à devenir l'affaire de professionnels, et non plus exclusivement d'amateurs éclairés. Une opposition violente se produit entre les "aristocrates" de la littérature, héritiers de la tradition littéraire et journalistique de Karamzin, et les nouveaux "plébéiens" qui rejettent cet héritage.
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Linarès, Serge. "La ligne de Jean Cocteau : quête littéraire et graphique d'une identité." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040216.
Full textAbstract:
Comme le soupçon de dispersion et de frivolité portait à la fois sur son caractère et son art, Jean Cocteau recourut au terme de "ligne" pour évoquer "la permanence de [sa] personnalité" et les singularités de son esthétique. Le terme avait l'avantage de fédérer ses deux pratiques fondamentales: le dessin et l'écriture. De fait, après le reniement d'une jeunesse vaine que décida le Potomak, il s'appliqua à être un poète et à obéir à trois principes esthétiques, chargés de consacrer son originalité : la simplicité, la densité, le relief. Son style littéraire, mais encore ses poèmes, ses romans et ses œuvres scéniques en portent la marque profonde. Essentiellement graphique et linéaire, l'œuvre plastique confine le trace de cette "ligne" personnelle. Pourtant, la création comme le créateur devaient compter avec la force centrifuge, d'ordre spirituel et psychologique, qui menaçait la volonté d'unité à l'origine d'une démarche poétique singulière<br>As the suspicion of dispersion and frivolity turns on his being as well as his art, Jean Cocteau had recourse to the word "line" to conjure up "the permanence of [his] personality" and the singularities of his esthetic. The word allowed to federate his two basic activities: draw and writing. Actually, after the disavowal of his vain youth made in le Potomak, he tried to be a poet and to respect three esthetical principles, that had the responsibility of celebrating his originality: simplicity, density, relief his literary style, his poems, his novels and his theatral works prove all this. Almost graphic and linear, the plastic work confirms this personal line. Nevertheless, the creation as well as the creator, had to admit the centrifugal force, the spiritual and psychological one, that threatened that will of unity, which founded a peculiar poetical thought
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Feuchter-Feler, Anne. "Le drame militaire en Allemagne au XVIIIe siècle : esthétique et cité." Metz, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/UPV-M/Theses/2002/Feuchter_Feler.Anne.LMZ0206_1.pdf.
Full textAbstract:
La présente étude a pour but d'analyser un type dramatique particulier, la pièce militaire, qui s'est constitué dans le sillage de la comédie de Lessing, Minna von Barnhelm, et qui a occupé une place importante dans les répertoires des scènes germanophones pendant la seconde moitié du XVIIIème siècle. Malgré son succès, ce genre n'a que peu retenu l'attention de la recherche littéraire et théâtrale et la critique n'a jamais vraiment clarifié la question cruciale des composantes génériques. Ce constat constitue le point de départ des réflexions développées ici. Ainsi, il a fallu prioritairement chercher à mieux cerner les caractéristiques de ce types de drames. Dans cette tentative, les critères relevant de la sémiologie se sont avérés précieux. A l'intérêt pour les oeuvres se combine l'analyse de l'écho que le soldatenstück a rencontré dans les revues littéraires de l'époque. Il apparaît que la réception de la pièce militaire fournit à la critique l'occasion de participer au débat sur le théâtre national et de formuler, à l'appui de réflexions sur la pratique scénique et le rôle de l'acteur, les attentes qui s'y rattachent. La prise en compte du contexte social et politique dans lequel s'inscrit la pièce militaire met en relief les aspects conservateurs de cette veine dramatique qui véhicule une apologie de l'absolutisme éclairé et prend position pour des structures communautaires patriarcales, tout en tenant compte des évolutions sociales, notamment de l'émergence des classes bourgeoises. L'analyse de la diversité formelle qui caractérise également le genre éclaire les réflexions esthéthiques développées à l'époque
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Vanel, Edith. "Us et abus de la terminologie musicale à propos des œuvres de littérature : l’emploi des métaphores musicales dans la critique littéraire de langue française et anglaise entre 1890 et 1940." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040298.
Full textAbstract:
Le propos de ce travail est d’étudier les usages, les significations et les fonctions du lexique musical dans les critiques littéraires française et anglaise de 1890 à 1940. Il s'agit de retracer les conditions dans lesquelles on en vient à déceler l'emprunt de structures musicales dans l'analyse des oeuvres littéraires, depuis les balbutiements de cette pratique dans la période symboliste jusqu’au repérage d’une forme symphonique ou fuguée dans les oeuvres de Proust, Gide,Woolf, Huxley ou Joyce. Dans une première période qui coïncide avec la fin du symbolisme en France (1890-1910), les nébuleuses métaphoriques gravitant autour des termes "musique", "symphonie" et "leitmotiv" permettent au discours critique sur la littérature de reposer différemment la question des rapports entre forme et signification et de s'émanciper des critères de la rhétorique classique. Entre 1910 et 1930, dans les milieux cosmopolites bergsoniens de la NRF, du Mercure de France, de the Athenaeum et du Times Literary Supplement, les métaphores de la symphonie et de l’harmonie participent comme métaphores de l'organique d’une lecture postromantique des oeuvres dans laquelle les notions de thème, de rythme et de variation déconstruisent les critères classiques d'intrigue, d'unité et de discontinuité. Bien que les métaphores musicales, dominées par les figures tutélaires de Beethoven, de Bach et de Wagner, restent entre 1930 et 1940 largement fondées sur l'usage du calembour, de l'antonomase et de l'hyperbole, les critères d'analyse musicologiques de la symphonie, de la variation et de la fugue s’intègrent progressivement au discours critique comme un outil de lecture formel et structurel, qui permet d’aborder les structures complexes et déroutantes des grands romans de la modernité<br>This work analyses how French and English literary critics from 1890 to 1940 borrow musical structures in order to explain literary texts. We consider how the role, the meanings and the function of musical metaphors in critical discourse evolve from the infancy of this practice to the reading of musical structures in works of Marcel Proust, Aldous Huxley, James Joyce and Virginia Woolf. In the first period considered (1890-1910), at the end of the Symbolist period, the metaphors of the symphony and leitmotiv allow the French Symbolists to define their own literary ideal, to move away from classical rhetoric towards a new relation between form and signification. Thereafter, the use of musical metaphors in literary criticism is associated with deconstruction of classical rules governing plot, continuity and unity. The critics of the second period (1910-1930), who conveyed a post-romantic conception of form, used terms such as "theme", "rhythm", and "variation" to describe formal and structural literary devices by using play-on-words, hyperbole and antonomasia. Borrowing features from the musicological analysis of the fugue, the symphony and musical variation, which they reframe as reading criteria, the critics of the 1930s help read modernist novels of the beginning of the twentieth century
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Messing, Sabrina. "Rhétorique, esthétique et imaginaire de la carte en littérature de jeunesse : du fond Jeanne Cappe aux productions contemporaines." Thesis, Lille 3, 2019. http://www.theses.fr/2019LIL3H071.
Full textAbstract:
La littérature de jeunesse, qu’il s’agisse de romans, d’albums ou de bandes dessinées, met fréquemment son lectorat en présence de cartes qui sont autant spatialisations narratives que narrations spatialisées. L’exploration du fonds Jeanne Cappe, rassemblant des ouvrages édités de la fin des années 1940 au milieu des années 1970, et de productions contemporaines le confirme : la carte parcourt l’histoire et les genres de la littérature de jeunesse.La perspective à la fois synchronique et diachronique adoptée, ainsi que l’approche littéraire et iconographique, enrichie d’emprunts à la géographie, à l’histoire de la cartographie et à l’histoire de l’art, permet non seulement de réaliser une cartographie de la carte en littérature de jeunesse, mais également de tenter d’en dégager les enjeux rhétoriques, esthétiques et sur le plan de l’imaginaire.Finalement : que révèle la carte littéraire de la littérature de jeunesse et, réciproquement, que fait la littérature de jeunesse de la carte littéraire ?La première partie s’intéresse à la fonction éducative de la carte, abordant la réflexion sur la transmission de la géographie dans différents genres (roman scolaire, atlas, récit de voyage et roman d’aventures). Y est également traitée l’écriture cartographique de l’histoire, particulièrement par rapport à la manière dont la littérature de jeunesse exploite l’historicité de la carte dans les romans historiques, entre autres.La deuxième partie est consacrée à la matérialité de la carte afin de mettre en évidence ses liens avec l’histoire de la cartographie et la cartographie artistique. Cette étude de l’identité physique de la carte est révélatrice d’une multiplicité d’interactions dans lesquelles le corps et les sens (des personnages, par la mise en scène de l’expérience cartographique, et des lecteurs, par la manipulation et la consultation de l’ensemble formé par la carte et le texte) sont particulièrement sollicités.La troisième partie étudie la carte comme mise en image et en symbole, mise en mots et mise en scène. Ce constat d’une mise en représentation du monde amène à interroger la notion de vraisemblance et l’exploitation du langage cartographique dans la carte littéraire. Il conduit ensuite à s’intéresser à la présence de l’imaginaire littéraire au sein de l’imaginaire cartographique. Enfin, est envisagée la littérarisation de la carte comme manifestation d’une littérature en expansion sur l’espace de la carte.Les enjeux rhétoriques, esthétiques et liés à l’imaginaire sont transversaux aux trois parties : parce qu’il s’agit de cartes littéraires, la question du langage – des langages, puisqu’en elles se réalise la conjonction du langage cartographique et du langage littéraire – est au cœur d’interactions entre les objectifs discursifs, le style, la matérialité et l’imaginaire de la carte<br>Whether it is thanks to novels, children’s picture books or comics, children’s literature readership is oftentimes presented maps that work as much as narrative spatializations as spatialised narrations. The examination of the Jeanne Cappe Collection, which gathers published works from the end of the 1940s to the mid-1970s, and the examination of contemporary productions, attest that maps travel across children’s literature’s history and genres.The synchronic and diachronic perspectives, as well as the literary and iconographic approaches, improved with geography, cartographic and art histories quotation, not only make it possible to create a cartography of the map in children’s literature, but also to try and single out its rhetorical, aesthetic and imaginary purposes.In the end, what does the literary map in children’s literature reveal and, on the contrary, what does children’s literature do to literary maps?The first chapter deals with the map’s educational function, discussing the transmission of geographic knowledge in several genres (school novels, atlas, travel stories, and adventure novels). The cartographic writing of the history is also studied, especially how children’s literature uses the map as a historical narrative device within historical novels, among other genres.The second chapter focuses on the map materiality, so as to highlight its connexion with cartography history and artistic cartography. Studying the map’s physical identity reveals how numerous are the interactions in which bodies and senses – the characters’, thanks to the cartographic experience dramatization – and the readers’, handling, manipulating and checking the map – and text-shaped system) are remarkably stirred.The third chapter analyses the map as translated into images, symbols, words or settings. Observing that the world is shaped into a kind of representation leads to question the very notion of verisimilitude and the use of the cartographic language in literary maps. It shows the way to examine the literary imaginary presence within the cartographic imaginary. The map turned into literature is eventually discussed as an expression of how literature expands onto the map territory.Being cross-disciplinary, the rhetorical, aesthetic and imaginary discussions are to be found in all of three chapters : for it deals with literary maps, the question of language – of languages, since they achieve the convergence of both the cartographic language and the literary language – is at the heart of interactions between discursive objectives, style, materiality and imaginary of the map
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Chatellier, Hildegard. "Conservatisme et fascisme : esthétique et idéologie dans l'oeuvre théorique de la droite littéraire en Allemagne de 1890 à 1933." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040198.
Full textAbstract:
L'auteur se propose d'étudier, à travers l'œuvre théorique d'écrivains mineurs aujourd'hui oubliés, les conceptions idéologiques et esthétiques de la bourgeoisie cultivée en Allemagne entre 1890 et 1933. Dans ce contexte, il est particulièrement attentif à l'intrusion d'éléments fascisants dans une pensée idéaliste et conservatrice au départ. Parallèlement, en matière d'esthétique, il montre que le recours aux traditions classiques et romantiques aboutit à la défense d'un classicisme "monumental" et d'un art "populaire" né du "sang et du sol". Les distorsions que subit l'héritage du passé lors de son assimilation par la droite littéraire au début du siècle sont analysées de façon systématique dans une première partie, consacrée, pour l'essentiel, à Julius Langbehn et Friedrich Lienhard. On y trouve l'inventaire des réactions conservatrices face à la modernité critique de la civilisation industrielle et capitaliste, de la démocratie, du naturalisme. . . ), et l'esquisse des solutions envisagées (nostalgies agraires, maintien de structures politiques et sociales archaïques, revalorisation du passé culturel. . . ). Un nationalisme exacerbé qui ne cache ni ses velléités impérialistes ni son antisémitisme, donne à ces tentatives en faveur du "renouveau allemand» une coloration volkisch. Des tendances comparables ont marqué l'œuvre de Paul Ernst dont l'itinéraire est retracé dans la deuxième partie. Mais ici, on voit le conservatisme, traumatisé par l'expérience de la première guerre mondiale, évoluer en courant "révolutionnaire" désireux d'en finir avec l'ère "bourgeoise". Cependant, jamais la distance par rapport à l'idéologie nationale-socialiste n'est totalement abolie. À l'ambiguïté des positions politiques, culturelles et religieuses correspond l'accueil que le régime hitlérien a réservé aux auteurs en question, dont l'intégration dans la culture officielle du 3e Reich s'explique par la nécessité de composer avec les milieux ayant favorisé son avènement.
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Weill-Engerer, Christèle. "La folie : reflet d'une esthétique baroque dans le théâtre de Shakespeare, Calderón et Corneille : étude linguistique, stylistique et littéraire." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040193.
Full textAbstract:
Le but de notre travail a été de comparer trois auteurs de langue différente appartenant au XVIIe siècle: Shakespeare, Calderon et Corneille. Nous avons voulu montrer que leurs œuvres théâtrales présentaient des traits d'une esthétique baroque, dépassant ainsi l'image établie d'un Corneille classique. Nous avons choisi un des aspects qui nous parait le plus représentatif du baroque théâtral: la folie. La thématique de la folie nous a ainsi permis d'examiner, sous un angle linguistique, stylistique et littéraire, plusieurs caractéristiques communes ou divergentes à ce théâtre anglais, espagnol et français. Nous nous sommes tout d'abord attachée à l'idée que, chez ces trois auteurs, certains personnages manifestaient un désir démesuré de pouvoir et de domination représentant sur la scène un des aspects fondamentaux de cette folie, que nous avons nommé un "défi prométhéen". A partir de là, nous avons pu constater que l'expression linguistique et stylistique de la folie ne passait pas forcement par un langage hyperbolique mais, de manière paradoxale, par un langage de raison. Notre réflexion s'est alors portée sur la folie amoureuse, et plus particulièrement sur la jalousie, qui, elle, symbolise un baroque dionysiaque, en exhibant et montrant, sur le mode tragique ou comique, la violence de la passion. Enfin, nous avons vu que la folie pouvait présenter des signes cliniques et pathologiques et traduire ainsi un désordre spirituel et somatique, faisant l'objet de descriptions minutieuses de la part des auteurs. Cette étude nous conduit par conséquent à dire que le topos de la folie reflète parfaitement un baroque théâtral aux multiples visages dans les œuvres de Shakespeare, Calderon et Corneille<br>The purpose of this study was to compare three authors writing in different idioms, all three belonging to the XVIIth century: Shakespeare, Calderon and Corneille. We tried to show that their theatrical works offer the features of a baroque aesthetics, refusing consequently the image of a classical Corneille. We choosed one of the aspects which represents the best the baroque in the theater: madness. The theme of madness leaded us to examine, in a linguistical, stylistical and literary point of view, some characteristics common or divergent between this English, Spanish and French theater. First, we began to point out in these three authors that some characters were having an unbounded desire of power and domination, representing on stage what we called "a Prometheus challenge". From this point, we established that the linguistical and stylistical expression of madness was not necessarily appearing with an hyperbolical language but, paradoxically, with a rational language. We studied then the madness of love, and more particularly jealousy, which symbolizes a DionysiaC baroque, producing, in the tragedy or the comedy, the violence of passion. Finally, we saw that madness could present clinical and pathological signs and symbolize therefore a spiritual, somatical and macrocosmical disorder, described with precision by the three authors. In conclusion, this work shows that the topic of madness perfectly reflects a theatrical baroque with different faces in the works of Shakespeare, Calderon and Corneille
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Lu, Shenghui. "Du littéraire au cinématographique : transformation et réception du texte par le film." Paris 8, 1995. http://octaviana.fr/document/181459523#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
Adaptation| apres balasz, bazin et mitry, une serie de questions theoriques et ou methodologiques se posent encore sur ce phenomene. Qu'est-ce que c'est l'adaptation? quel est son statut theorique? pourquoi la reprend-on comme objet d'analyse? si cette etude s'aventure, en methodologie, dans la reconciliation entre bakhtine et g. Genette par la demarche de m. -ci. Ropars-wuilleumier, elle fait preuve d'eclectisme theorique entre le texte kristevo-barthesien, le lecteur d'u. Eco et la reception de h. R. Jauss a la lumiere des notions de polyphonie et de dialogisme. Quoi, comment, pourquoi : ce raisonnement permet de problematiser le sujet et d'analyser l'adaptation avec un corpus d'enjeu : journal d'un cure de campagne (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), le sorgho rouge (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), l'idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation etant problematisee comme transformation receptionnelle, le passage semiotique opere des changements structurels. Certes, la subjectivite de l'enonciation explique les modifications spatio-temporelles, mais le texte se reconstitue par la cooperation d'un lecteur pluriel convoquant la pragmatique dans le processus paradoxal d'ecriture et de reecriture. La reception chronotopique et socioculturelle s'avere consubstantielle a la translation structurelle operee dans un contexte concret de la production du sens. La notion de fidelite ne va pas de soi, parce que la transformation ne consiste pas a rechercher simplement des equivalences, mais a explorer le texte originel, a relire le texte aux textemes dont le textemere est a definir. Donc, la transformation receptionnelle du texte par le film intervient comme un operateur de dialogues entre les textes, les divers sujets parlants au sein du texte general<br>Adaptation| after balasz, bazin et mitry, some theoretical and or methodological problems remain yet unresolved about this phenomenon. What is adaptation? what is its theoretical status? why do we take it as an object of analysis? if, in methodology, this study adventures reconciliation between bakhtin and g. Genette through m. -ci. Roparswuilleumier's approach, it shows a theoretical eclectism among the kristevo-barthesian text, u. Eco's reader and h. R. Jauss' reception with the help of the bakhtinian concepts of polyphony and dialogism. What, how, why : this reasoning permits to problematize the subject and to analysize adaptation with a corpus of gamble : diary of a priest of country (bernanos et bresson), paulina 1880 (jouve et bertuccelli), the red sorghum (mo yan et zhang yimou), macbeth (shakespeare et welles), the idiot (dostoievski et kurosawa). L'adaptation being problematized as receptional transformation, the semiotical passage operates structural changes. Certainly, the subjectivity of enunciation explains spatiotemporal modifications, but text can be reconstitued by the collaboration of a plurial reader, who appeals pragmatics in the paradoxical process of writing and rewriting. Chronotopical and sociocultural reception reveals itself consubstantial with structural translation, that is operated in concrete context of discourse. The notion of fidelity is considered as an impasse, because transformation doesn't consist only in simple researches of equivalences, but also in explorations of the original text, in rereading the text of textemes, of which the mother-text remains to define
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Lorig, Aurélien. "Un destin littéraire. Georges Darien." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA032/document.
Full textAbstract:
Les discours tenus aujourd’hui sur Georges Darien restent, pour une large part, associés à l’anarchisme. Pour en saisir les limites, la thèse remonte aux sources biographiques. La lecture de son œuvre− aussi riche que méconnue− prendra acte d’un moment fondateur : l’expérience des camps disciplinaires, en 1883. A partir de là, les fictions s’inscrivent dans une démarche contestataire. Le destin littéraire devient spéculaire, véritable miroir d’une âme entrée en résistance. Tenant à la fois de Balzac, Vallès ou encore Mirbeau, l’écrivain dénonce et engage sa responsabilité d’auteur. Combinant avec originalité des personnages et des situations, Darien revisite les problématiques de son époque : rapport à la bourgeoisie, à l’argent, aux institutions, à l’individu. A ce titre, sa littérature est un vaste territoire à explorer. Les pratiques d’écriture et les stéréotypies particulières de la « fin de siècle » font l’objet d’une analyse très critique. L’homme de lettres écrit sa contestation sous toutes les formes : roman, poésie, théâtre, pamphlet, journal, discours. Enfant perdu de la bourgeoisie, livré à la Grande Muette, assiégé par des visions cauchemardesques ; Darien a de quoi nourrir sa résistance scripturaire. Rien ne manquera à la parole libertaire qu’il exerce. Bagnes et armées connaîtront une satire des plus violentes. Famille et instances tutélaires délivreront des idéologies souvent ridicules. Nations et littérateurs donneront l’occasion de discuter la place de l’artiste et de forger un individualisme féroce. Sous le couvert de récits détonants, l’écrivain donne ainsi à voir matière, mais aussi manière. Surenchère, image, caricature, raisonnement par l’absurde, fondent une esthétique originale. La fiction ne fait jamais allégeance à un système de pensée, quel qu’il soit. Le continent littéraire sur lequel nous posons notre regard impose de revoir nos certitudes. Aller à la rencontre de Darien, c’est repenser la question de l’adhésion à l’anarchisme, au naturalisme ou encore au symbolisme. La littérature devient le laboratoire d’une pensée qui n’est jamais partisane, mais toujours soucieuse de décrypter. La démarche comparatiste comme la sociologie permettent d’engager ce décryptage. Finalement, lire ou relire Darien, c’est passer du singulier d’un destin littéraire au pluriel de nos destinées. Le texte retrouve son étymologie de « textus », ce fil qui se fait et défait au gré des écritures et des heurts de l’Histoire collective comme personnelle<br>The speeches today Georges Darien remain largely associated with anarchism. To grasp the limits, the thesis goes back to biographical sources. Reading his œuvre− as rich as méconnue− take note of a founding moment: the experience of disciplinary camps, in 1883. From there, fictions are part of a protest action. The literary destiny becomes specular true reflection of a resistor input soul.Holding both Balzac Vallès or Mirbeau, the writer denounces and engages its copyright liability. Combining with original characters and situations, Darien revisits the issues of his time compared to the bourgeoisie, to money, to institutions, to the individual. As such, its literature is a vast territory to explore. Writing practices and specific stereotypes of the “end of century” are the subject of a highly critical analysis. The man of letters wrote his challenge in all forms: novel, poetry, theater, pamphlet, newspaper, speech. Lost child of the bourgeoisie, comes to the Great Muette, besieged by nightmarish visions; Darien has enough to feed his scriptural resistance. Nothing missed libertarian speech he exercises. Bagnes and armies will experience more violent satire. Family and guardianship bodies shall issue often ridiculous ideologies. Nations and writers will provide an opportunity to discuss the place of the artist and forge a fierce individualism. Under the cover of detonating stories, the writer gives to see and matter but also fashion. Increment, picture, cartoon, reductio ad absurdum, founded an original aesthetic. Fiction never pledged allegiance to a system of thought, whatever it is. The literary continent on which we lay our eyes means reviewing our certainties. Go to the meeting of Darien, is rethinking the issue of accession to anarchism, naturalism or symbolism. Literature becomes the laboratory of a thought that is never partisan, anxious to decrypt. The comparative approach such as sociology allow it to engage decryption. Finally, read or reread Darien is spend a singular literary destiny plural of our destinies. The text finds its etymology of “textus” this thread is done and undone at the discretion of the scriptures and clashes of collective history as personal
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Perilli, Adelaide Iula. "L'imaginaire baroque dans l'oeuvre de Violette Leduc." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1993PA03A001.
Full text
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Aymes, Sophie. "L'esthétique de l'oeuvre littéraire et picturale de Mervyn Peake." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040117.
Full textAbstract:
L'oeuvre de Mervyn Peake (1911-1968), peintre de formation, écrivain, dessinateur, illustrateur et dramaturge, est foisonnante. Cette thèse en définit l'esthétique fondée sur les rapports du texte à l'image, et privilégie la relation intersémiotique entre les illustrations et les textes romanesques et poétiques peakiens. Un chapitre d'ouverture comprend trois micro-lectures cernant la formation mentale des images et renvoyant à la gestation de l'oeuvre. Les deux parties s'articulent ensuite selon le mode peakien de la vue panoramique ou rapprochée. Les thèmes de la cartographie, de la navigation et de la vision fondent les déplacements fictifs dans l'espace scriptural et pictural, qui empruntent les voies d'eau symboliques de l'œuvre. Une métaphore insulaire fondamentale sous-tend l'analyse et dessine une ligne côtière, frontière majeure. La seconde partie rend compte de la logique des formes peakiennes. Les tensions entre centre et périphérie découvertes lors de la cartographie du paysage fictif peakien sont l'aspect spatial et géographique d'une configuration qui fonctionne aussi sur les modes grotesque, nonsensique et taxinomique. Le grotesque est la réponse esthétique de Mervyn Peake à l'angoisse du mouvant et caractérise sa fascination pour l'excentricité. Le retour final sur l'aspect réflexif de l'oeuvre définit une interface entre image et texte, fondement métadiscursif de l'oeuvre. La picturalité de l'écriture est l'aspect textuel du désir d'image qui en est le pôle<br>Mervyn Peake (1911-1968) trained as a painter and was also a writer, a drawer, an illustrator and a playwright. His work was prolific and eclectic. This thesis explores the Peakean relationship between image and text, dealing in particular with the intersemiotic link between his illustrations, fiction and poetry. In the opening chapter, three short passages are analysed closely. They illustrate the formation of images in the mind and point to the origin of the texts. The two main parts are structured to reflect the Peakean visual modes of the panorama and the close-up. In the first part, map-making, navigation and vision guide fictional movements on the symbolic waterways running through textual and pictorial spaces. The analysis draws from the Peakean metaphor of the island and its coastline, and explores fluctuating boundaries. The second part deals with the formal logic of Peake's images and texts. The mapping-out of this fictive space reveals a tension between the centre and the periphery. This spatial and geographic aspect is further developed by Peake's deployment of the grotesque and nonsense, and the use of taxonomy. The grotesque is Mervyn Peake's aesthetic response to and means of capture of reality's sliding flux. It also characterizes his fascination for excentricity. Finally, this thesis analyses the reflexive aspect of Peake's work and the meta-discourse that defines the interface between image and text. The pictorial quality of his writing appears then as the textual expression of a desire for images. This pole is the axis around which his work revolves
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Bile, Sembo-Backonly Anicette Irène. "De la réforme esthétique à la réflexion sociopolitique : une lecture des drames de Louis-Sébastien Mercier." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030069.
Full textAbstract:
Louis-Sébastien Mercier (1740-1814) est un artisan du drame. Sa participation à la réflexion esthétique a été couronnée par une vaste production théâtrale. Tout en reposant sur les grands textes théoriques de l’auteur, le présent travail privilégie les drames, pour lire les orientations de la réforme dramatique menée par Mercier. Il s’agit de suivre la pensée de celui qui parle de l’écrivain « flagellateur du vice », « chantre de la vertu », afin d’analyser les moyens dramatiques et dramaturgiques par lesquels la réforme esthétique aboutit, dans ses drames, à une réflexion sur la transformation de la société. Drames bourgeois, drames héroïques ou pièces nationales, et drames historiques sont analysés ensemble, pour voir comment toutes ces catégories rendent compte du pouvoir donné au théâtre, et permettent de comprendre l’idéal littéraire, politique et social de Mercier. La première partie procède à la mise en place. Elle s’attache non seulement à parcourir les grandes idées de réforme soutenues par Mercier, mais aussi à présenter le répertoire choisi. Il s’en dégage une conception particulière de la représentation des conditions, qui constitue finalement la matrice de la réflexion sociopolitique que les deuxième et troisième parties révèlent à travers des tableaux, des figures, des discours<br>Louis-Sébastien Mercier (1740-1814) is a craftsman of the drama. Its participation in the aesthetic reflexion was crowned by a vast theatrical production. While resting on the large theoretical texts of the author, this work privileges the dramas, to read the orientations of the dramatic reform which it carried out. It is a question of following the thought of Mercier who speaks about the writer “flagellator of vice”, “cantor of the virtue”, in order to analyze the dramatic and dramaturgic means by which the esthetic reform leads, in its dramas, with a thought on the transformation of the society. Middle-class dramas, heroic dramas or national plays, and historical dramas are analyzed together, to see how all these categories account for the capacity given to the theater, and make it possible to understand the Mercier’s literary, political and social ideal. The first part makes for the installation. It not only sticks to traverse the great ideas of reform supported by Mercier, but also to present the selected repertory. It releases a particular conception of the representation of the conditions, which constitutes finally the matrix of the sociopolitic reflexion that the second and the third parts reveal through paintings, figures of characters, speeches
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Qian, Han. "De la conception de l'oeuvre à celle du texte : la double face de la littérature." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040170.
Full textAbstract:
La thèse s’applique à repérer la condition d’esprit permettant l’évolution de la notion de l’œuvre à celle du texte dans la critique littéraire, qui a eu lieu dans les années soixante et soixante-dix dans le 20e siècle. Elle définit deux aspects de la conception du texte : texte-objet et texte-pratique. De la conception de l’œuvre à celle du texte, ce n’est pas seulement un changement de terme, mais la mutation de l’ordre de discours et de la grille de l’intelligibilité. L’analyse de ces deux conceptions nous permet de mieux comprendre les enjeux du structuralisme et du post-structuralisme dans la littérature. Elle essaie de démontrer comment cette évolution est possible et ce que cette évolution rend possible. Nous essayerons d’étudier la nouvelle dialectique à cette époque entre la vérité et la valeur, le savoir et la pratique, le descriptif et l’évaluatif, l’institution et la transgression, pour démontrer la double face de la littérature<br>The thesis tries to recognize the spiritual condition permitting the evolution from the concept of works to the concept of text in the literary literature, which happened in the 60s to 70s during the 20th century. It defines two aspects of the conception of the text: text-object, text-practice. From the conception of works to the conception of text, it is not only a change of term, but a transformation of the discourse order and paradigms of the intelligibility. The analysis of these two conceptions will allow us to understand the keys of the structuralism and the post-structuralism in the literature. We will explore the new dialectics in this age between the truth and value, the knowledge and practice, the descriptive and the evaluative, the institution and the transgression, in order to demonstrate the double face of the literature
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Debodard, Myriam. "Paul Klee en France : poétique d'une mise en texte critique et littéraire." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030012.
Full textAbstract:
Les gloses sur la peinture questionnent doublement le langage, sur son contenu comme sur sa forme. Comment décrire, expliquer, interpréter ? Or, ces interrogations se font encore plus aiguës devant une peinture étrangère, notamment celle qualifiée péjorativement en France de " germanique ". L'interprétation esthétique des textes français relatifs à Klee trace des pistes pour justifier ce questionnement et y répondre. En effet, l'annexion initiale, dans les écrits, de Klee par les surréalistes, accentue le rejet de sa peinture ainsi que sa qualification, outrepassant les faits, dans l'avant-garde ; cette annexion réfrène les ardeurs éventuelles d'une certaine partie de l'opinion critique. Le contexte historique entérine cette tenue à l'écart de Klee par la France, jusqu'aux années soixante. Sur le plan formel, la cartographie stylistique de ces discours met en relief l'utilisation plus fréquente de catégories génériques combinées, plutôt qu'une stricte observance des genres. En particulier, le mode démonstratif intervient dans le genre poétique et, à l'inverse, le mode poétique dans l'essai. A l'intérieur de ces cadrages génériques particuliers, le discours esthétique proprement dit se trouve quant à lui " recadré ", eu égard à la pragmatique logiquement entrevue par le lecteur : les descriptions donnent peu à voir, quand, par ailleurs, c'est la tonalité descriptive d'un texte qui permet la survenue de l'herméneutique. Les commentateurs de Klee entretiennent donc avec le signifiant et le signifié de son œuvre un rapport contradictoire : considérant le premier via des œuvres, laissant alors souvent de côté tout souci interprétatif, ils tentent inversement d'atteindre le second via une évocation kaléidoscopique de l'Œuvre dans sa totalité<br>The glosses upon painting question the language on two counts – on its substance and on its form. How can one describe, explain and interpret ? This questionning becomes all the more acute when it applies to foreign painting, and in particular when it comes to the painting which the French disparagingly refer to as " Germanic ". The aesthetical interpretation of the french texts regarding Klee gives us insights to justify and answer this questionning. Indeed, the very annexing Klee in the first time by the surrealists in their writings strengthens the rejection of his painting and his qualification, outrunning the facts, as a member of the avant-garde ; it also contriibuted indiscouraging part of the critics. The historical context confirms this keeping Klee out of the public view in France, untill the sixties. When it comes to form, the stylistic mapping of those discourses underlines the more frequent use of combined generic categories, rather than the strict observing of genuses. The demonstrative mode especially occurs in the poetic genus while the poetic mode is present in essays. Inside those particular generic frowmings, the strictly speaking aesthetic discourse gets re-framed by the pragmatic sanction logically foreseen by the reader : the descriptions set out little to be seen, whereas the descriptive tone of a text permits indeed that the hermeneutics might occur. Klee's ccommentators therefore maintain with the significant and the signified of his work a contradictory relationship : regarding the former via works, thus often neglecting any interpretative consideration, and in the opposite, they try and grasp the latter via a kaleidoscopic evocation of the Work in its whole
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Mézergues, Juliette. "Pour une esthétique du chaosl : le théâtre de la catastrophe de Howard Barker." Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30029.
Full textAbstract:
Howard Barker est un dramaturge, poète, metteur en scène et peintre anglais né en 1946. Il commence à écrire au début des années 1970 et développe dès les années 1980 le concept du théâtre de la Catastrophe. Son théâtre reconnaît comme modèle la tragédie antique, qu’il ampute de sa catharsis et dont il ne garde que le point d’orgue, le chaos. Il place l’acteur au centre car il est le porteur du langage. Ce mémoire analyse les concepts de ce théâtre à travers cinq pièces choisies : les Européens, Gertrude le cri, la douzième bataille d’Isonzo, Und et N’exagérez pas (Désirs et insultes) une déclaration politique sous forme d’hystérie. Dans la première partie, nous développons les grands principes de ce théâtre : la base tragique et son adaptation, l’omniprésence de la mort ; la spéculation que pratique l’auteur sur une base historique ou littéraire ; la mise à mal de la morale à travers le savage ego qui caractérise le personnage catastrophiste. La deuxième partie s’attarde sur la construction de la pièce Catastrophiste : quelle en est sa dramaturgie, comment sert-elle l’expression du désir et place-t-elle le langage au centre de ce théâtre, comment le chaos en est indissociable. La troisième partie analyse l’aspect poétique des trois dernières pièces citées où le secret est prépondérant, où le langage du théâtre de la Catastrophe se radicalise. La quatrième partie relate des expériences avec ce théâtre : spectatrice, auditeur libre, stagiaire et assistante à la mise en scène. Divers points de vue y sont confrontés. La conclusion reprend les concepts du théâtre de la Catastrophe et appréhende sa place dans le paysage théâtral contemporain<br>Howard Barker is a playwright, poet, director and English painter born in 1946. He began to write early 1970 and has developed since the 1980's the concept of The Theatre of Catastrophe. His theatre recognizes Greek tragedy as a model, cutting off its catharsis effect and keeping its climax, the chaos. It puts the actor at the centre because it is the bearer of language. This text analyzes the concepts of this theatre through five selectedplays : The Europeans, Gertrude the Cry, The Twelfth Battle of Isonzo, Und and Don’t Exaggerate (Desires and insults) A Political Statement in the Form of Hysteria. In the first part, we develop the broad principles of this drama : the tragic and its adaptation, the omnipresence of death ; speculation that the author practices from a historical or literary standpoint and questioning morality through the savage ego which characterises the catastrophist character. The second part focuses on the construction of the catastrophist play : what is its dramaturgy, how is it an expression of desire and places the language at the centre of the theatre and how the chaos concept cannot be separated. The third part analyzes the poetic aspect of the last three plays cited in which secrecy is predominant and the language of the theatre of Catastrophe is radicalized. The fourth part relate experiences with this theatre : spectator, free observer , intern and workshop assistant. Such various viewpoints are confronted. The conclusion summarises the concepts of The Theatre of Catastrophe and assesses its place in the contemporary theatrical landscape
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Laget, Laurie-Anne. "Les premières Greguerías dans le creuset esthétique des années 1910 : formation littéraire et réception de Ramón Gómez de la Serna." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030111.
Full textAbstract:
L’écrivain Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) est l’auteur d’une œuvre qui introduit, en Espagne, une écriture dont la critique souligne très tôt la singularité. En 1912, il crée les Greguerías, forme littéraire brève et ludique, immédiatement commentée pour sa nouveauté mâtinée de subversion. Celle-ci se diffuse en quelques années dans la presse espagnole et reçoit un écho favorable hors des frontières de la Péninsule. Jusqu’en 1962, Ramón Gómez de la Serna publie, dans les journaux ou sous forme de volumes anthologiques, ces courts paragraphes qu’il définit comme l’union de l’humour et de la métaphore, et où il allie la recherche de la dissonance à un travail poétique sur notre perception du monde. C’est pourtant la forme tardive de la greguería qui est la mieux connue et rares sont les études qui ont posé la question de la formation littéraire de Ramón Gómez de la Serna, tant dans les lectures qui ont pu influencer l’auteur que par les choix éditoriaux qui ont présidé à la naissance des greguerías. La présente étude prétend réévaluer la situation littéraire de Ramón Gómez de la Serna dans son contexte de formation, celui des années 1910, où les modèles d’écriture et de professionnalisation, au travers d’une collaboration quotidienne aux journaux et revues de l’époque, sont les fondements esthétiques essentiels de l’œuvre future de l’écrivain. Dans ce cadre, la prose ramonienne offre alors un nouvel éclairage sur la nature plurielle et syncrétique de ce que j’ai appelé le creuset esthétique des années 1910 en Espagne<br>Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) was the author of a work that introduced in Spain a kind of writing whose singularity was very early underlined by the critics. In 1912, he created the Greguerías, a brief and playful literary form which was immediately commented on for its novelty tinged with subversion. Within a few years, that form spread throughout the Spanish press and was welcomed in a positive way outside the frontiers of the peninsula. Until 1962, Ramón Gómez de la Serna published numbers of these short paragraphs in newspapers or anthologies. He defined them as the alliance of humour and metaphor, and combined there his research into dissonance with a poetical work on our perception of the world. Yet, it is the later form of the greguería that is best known today; very few studies have focused on the literary education of Ramón Gómez de la Serna and raised the issue of the readings which may have influenced the author or o! f the editorial choices which gave birth to the greguerías. The purpose of this study is to reassess the literary position of Ramón Gómez de la Serna within the context of his training, that of the years 1910. The models of writing prevailing then and the vocational dimension the craft took on at the time — shaped by a daily collaboration with newspapers and magazines — were the essential aesthetic foundations of the writer’s future work. In this context, the Ramonian prose sheds a new light on the plural and syncretic nature of what I have called the aesthetic ferment of the years 1910 in Spain
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Rabier, Catherine. "Etude de la réception d'une oeuvre littéraire : Jean Forton, écrivain oublié ?" Le Mans, 2006. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/2006/2006LEMA3008.pdf.
Full textAbstract:
Pourquoi Jean Forton (1930-1982), romancier français publié par Gallimard de 1954 à 1966, salué par la critique de l’époque et candidat au Goncourt à plusieurs reprises, est-il tombé dans un oubli quasi-complet ? Pour répondre à cette question, nous avons étudié l’évolution de la réception de son œuvre de 1951 à nos jours, à travers la presse régionale et nationale, afin de clarifier le rôle des événements, des critiques et du contexte littéraire. Au travers de la destinée éditoriale de Forton, nous avons cherché à savoir si le fait de vivre en province pouvait avoir des incidences sur la notoriété d’un auteur. Enfin, nous avons formulé des hypothèses sur la réception future de l'œuvre de Jean Forton, en prenant en compte les bouleversements récents et actuels du monde de l’édition, la place de plus en plus restreinte de la littérature française dans le monde, ainsi que les changements d’attitude dans la lecture<br>Why has Jean Forton – a French novelist published by Gallimard from 1954 to 1966, hailed by the critics of the time and a one-time Goncourt Prize runner – fallen into near-oblivion ? To answer this question, we have examined the evolution of the way his works have been received from 1951 to this day, through both the national and regional press, with a view to clarifying the influence of events, critiques and literary context. By examining Forton’s varied editorial fortunes, we try to determine whether the fact of living in the provinces has an effect on the fame of an author. The last part of our dissertation deals with a number of hypotheses concerning the future reception of Jean Forton’s works. We take into account the recent and current upheavals within the world of publishing, the increasingly confined status accorded to French literature worldwide, as well as the changes in readers’ attitudes to literature
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Viglino, Patricia. "Vladimir Voi͏̈novitch, 1961-1986 : naissance d'un écrivain en quête d'un espace littéraire." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA082354.
Full textAbstract:
Après une entrée remarquée dans le paysage littéraire soviétique du début des années 60, Vladimir Voi͏̈novitch s'est forgé, dans La vie et les aventures singulières du soldat Ivan Tchonkine, une notoriété d'écrivain satirique, complétée d'une image d'ardent polémiste acquise après la publication de Moscou 2042. Suivant la démarche de la sociologie des textes, une réflexion est menée afin d'amender cette réception partiale et partielle par la définition de la position de l'écrivain dans le champ culturel de 1961 à 1986 ainsi que par l'examen des stratégies adoptées par l'écrivain dans son projet littéraire fondé sur l'application différenciée des schèmes de l'humour et de l'ironie, et orienté vers la recherche d'un espace littéraire autonome<br>After marking an outstanding entry into the soviet literary landscape at the beginning of the sixties with Soldier Ivan Chonkin's life and singular adventures, Vladimir VOINOVICH became a notable satirical writer. After publishing Moscow 2042 he acquired the additional reputation of a brilliant polemicist. By following the approach of the sociology of literature this study has been carried out to amend this biased and partial vision through the definition of the author's position in the cultural and literary fields from 1961 to 1986. The analysis of the writing strategies applied by the author to his literary project will emphasise the differential application of the humour and irony schemes oriented toward the research of an autonomous literary space
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Lacam, Corinne. "La légende au coin du feu : Visages de l'aventure littéraire dans le "Cours familier de littérature" de Lamartine." Clermont-Ferrand 2, 2001. http://www.theses.fr/2001CLF2A002.
Full textAbstract:
Moins lu que decrié, le "Cours. . . " manifeste de la manière la plus frappante l'oubli dans lequel est tombée l'oeuvre de Lamartine. En dépit des maladresses et des partis pris, ce long texte mérite mieux que le titre d'oeuvre alimentaire, dont on l'a affublé. Oeuvre-inventaire en marche vers la totalité, oeuvre-conservation qui fait du moi le miroir du monde, ce "Cours" conjure, par une parole invariablement familière, le risque de la déconstruction. Car il n'est nulle césure entre l'introspection et l'activité critique : tout entouré de ses doubles, le poète se fond en une figure unique dont il relit indéfiniment l'histoire. A travers les voies croisées du magistère et de la confidence, il conduit une méditation qui, pour être dénuée d'apprêts, n'abdique pas ses ambitions : l'histoire de la littérature qui se construit d'Entretien en Entretien se veut une légende de l'homme, "dieu tombé" qui se cherche un destin, à la lumière du flambeau que la littérature promène inlassablement sur l'Histoire. A l'inféconde nostalgie des origines se substitue une authentique espérance : celle de la rédemption accomplie par un langage en lequel la voix intérieure s'accorde à l'harmonie du monde. L'Ecrivain mieux que quiconque incarne cet élan salvateur. Son histoire s'énonce avec des accents nouveaux. Lamartine, en sa vieillesse, a perdu foi dans les investitures surnaturelles, dans les consécrations éclatantes. Il s'avance sous l'humble étendard de son humanité. Il retrouve pourtant la voie heureuse du légendaire : il est dieu parce qu'infiniment homme, glorieux parce que supplicié. Le "Cours" donne ainsi corps tardivement à ce Grand Poème épique que Lamatine n'a cessé de rêver. N'y manquent ni le héros, le Poète, en ses incarnations successives, ni le sens de l'aventure collective car en ces existences d'écrivains, en celle, désenchantées, de Lamartine se joue le drame d'une humanité déchue qui aspire à être relevée
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Kolb, Matthieu. "Espaces dramatiques et postdramatiques dans le théâtre de célébration de Franck McGuinness." Caen, 2012. http://www.theses.fr/2012CAEN1648.
Full textAbstract:
La thèse porte sur l’œuvre théâtrale du dramaturge irlandais Frank McGuinness, qu’il décrit lui-même comme « un théâtre de célébration ». Nous y interrogeons la nature et l’objet de ses célébrations théâtrales et démontrons qu’elles procèdent de la mise en tension de deux styles antinomiques, le dramatique et le postdramatique, et d’une approche phénoménologique de l’espace et de la représentation : elles peuvent ainsi se réaliser comme des rituels laïques utopistes célébrant des modalités d’expérience individuelle ou sociale, généralement irlandaise ou nord-irlandaise, qui transcendent les clivages identitaires culturels ou sexuels. Dès The Factory Girls (1982), l’auteur allie la structure agonistique et le cadrage fictionnel dramatiques à une esthétique carnavalesque et méta-théâtrale aux inflexions postdramatiques. Par ce biais, il met en œuvre, dans la plupart de ses drames, une dialectique matérialiste de démythologisation et de remythologisation d’expériences ontologiques et socio-historiques déchirantes, aliénantes ou traumatisantes. Observe the Sons of Ulster Marching Towards the Somme (1985) et Carthaginians (1988) révèlent que letraitement dramaturgique de la spatialité, associé à cette dialectique, au style dramatique et à l’esthétique carnavalesque, vise à susciter la liminarité et la choralité : les personnages manifestent des possibilités de communion anti-structurelle et de libération vis-à-vis d’idéologies patriarcales hégémoniques. Enfin, l’approche phénoménologique de la spatialité et de la relation salle/scène dans des pièces comme Mary and Lizzie (1989) souligne les aspects ritualistes postdramatiques et postbrechtiens du théâtre de célébration