Dissertations / Theses: 'Et le tragique'

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Riffaud, Alain. "L'espace tragique. Recherche sur le tragique, et son expression poetique et dramatique." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1991PA030005.

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Abstract:

Le tragique de l'existence et celui des oeuvres theatrales grecques et raciniennes (choisies comme references) definissent un meme espace tragique. Cet espace est percu et exprime d'une maniere privilegiee avec le theatre tragique. La composition dramatique et la poesie sont le lieu meme de l'expression du tragique, qui appartient a l'existence; il s'agit de cette existence authentique, resolue, par difference avec un mode existentiel qui laisse aller l'etre. L'espace tragique est un lieu marque et une place a assumer face a l'autre; c'est un destin ou se rejoignent la liberte agissante, mais necessairement defaillante, et la transcendance qui ouvre l'espace; c'est un espace de l'explication ou tout conduit, par une responsabilite sans limite, a ses presenter vulnerable, sur l'instant, pour faire l'epreuve bouleversante de l'accomplissement. Ces differents aspects viennent avec l'existence authentique; le geste expressif devoile, dans le present de la representation theatrale, le tragique de cette existence. Enfin la tragedie, comme expression dramatique et poetique, correspond au tragique d'une maniere adequate : ses regles ne sont ni fantaisistes ni ornementales; la concentration spatiale et temporelle, la necessite et la vraisemblance de l'action, la noblesse de l'expression, les figures que sont les personnages, la presence realisee par le theatre, l'epure creee, font luire le tragique et rendent possible sa signification.

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Lessard, Marc. "Hölderlin et le tragique." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/MQ61353.pdf.

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Lessard, Marc. "Hölderlin et le tragique." Master's thesis, Université Laval, 2000. http://hdl.handle.net/20.500.11794/66123.

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Abstract:

Ce mémoire tente de circonscrire la conception du tragique telle qu'on la retrouve notamment dans l'œuvre tardive du poète. Pour Hölderlin, le tragique représente la perte de l'unité: c'est l'instant où une culture ne répond plus aux «exigences» de sa propre nature. Or, cette thématique, loin de ne référer qu'au passé, apparaît essentielle pour la modernité aux prises avec le déclin de sa culture. Nous cernerons ainsi le concept du tragique en prenant appui sur l'Antiquité, De ce dialogue avec la Grèce, nous pourrons saisir la nature et la culture particulières du monde moderne. Cette recherche s'articulera autour de quatre axes, à savoir: une biographie Intellectuelle, l'expérience fondamentale (Grunderfahrung) de l'unité (Einigkeit) du monde, le concept du nationel et enfin Les tragédies de Sophocle.

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Yazdani, Zenouz Khosrow. "La vision tragique du monde chez les Grecs : (Homère, les tragiques et Platon)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010529/document.

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Abstract:

Ce travail se propose d'examiner la vision tragique des Grecs, en partant de son origine, Homère, pour voir ensuite comment elle se maintient, s'intensifie et parfois même se trouve abandonnée (chez Eschyle et Sophocle), puis se trouve enfin radicalement combattue par la théologie sotériologique de Platon. La vision tragique est une vision religieuse, structurée par la hiérarchie des destins -ceux des dieux, des héros, des hommes vivants et des habitants de !'Hadès. Entre la race des dieux et celle des hommes s'ouvre un abîme : les dieux ne sont pas mortels et les humains ne sont pas immortels. L'ingérence constante des dieux dans les affaires des hommes a le plus souvent comme résultat la souffrance, le malheur et la mort. Le monde d'après la mort est un lieu où les psychai demeurent, telles des ombres, inconscientes de leur propre existence et de celle des autres. Au cœur de cette vision, l'homme n'est pas libre et ne choisit pas, il n'est pas responsable de ses actes et ne mérite pas ce qu'il subit. Si l'on supprime une seule de ces quatre croyances fondamentales, ou si on assiste à une décision prise par un dieu bon, juste ou compatissant, on ne peut parler de vision tragique. Ce travail s'attache donc essentiellement aux textes où elle s'est exprimée dans toute sa pureté: Homère (L’Iliade), Eschyle (Les Perses), et Sophocle (Les Trachiniennes, Ajax, Antigone et Œdipe roi). Une attention particulière est portée aux mots qui la traduisent. Mais une vision différente s'oppose dès l'Odyssée et l'Orestie, vision anti-tragique qui trouve sa forme achevée dans la religion de Platon. La dernière partie de ce travail s'efforce d'en dégager les points principaux. Platon estime qu'il existe en l'homme un élément de nature divine et immortelle, d'où la substitution d'une théologie de la délivrance et de l'assimilation au divin à une théologie de la séparation. Le sage remplace le héros, ce n'est plus la mort glorieuse qui est une « belle mort» et qui doit être chantée, c'est celle de Socrate, le servant d'Apollon. Selon cette pensée philosophico-religieuse, l'homme est libre, il choisit et il est responsable, et mérite donc désormais les châtiments et les récompenses qui lui sont réservés. De plus, la théologie platonicienne est fondamentalement une théodicée: les dieux ne peuvent être que bons, l'origine du mal réside dans l'existence de deux âmes du Monde: une bonne et une mauvaise. Le message de la théologie tragique est la résignation devant le mystère. Platon se donne pour mission divine d'acheminer l'âme vers le salut, et, avec cette théologie anti-tragique, il crée un lien différent entre les dieux, les sages, les hommes, le destin, l'après-mort et la psychè
This work proposes to examine the tragic vision of the Greeks, going back to its origins, i.e. Homer, in order to see how it is maintained, intensifies, and even finds itself abandoned (in Aeschyluses work or in Sophocleses one). Then we'II see how this vision was completely defeated by Plato's soteriological theology. The tragic vision is a religious vision, structured by the hierarchy of the Fates -Those of the gods, heroes, living men, and the inhabitants of Hades. Between the race of gods and that of humans there is an abyss: the gods are not mortal and humans are not immortal. The constant meddling of the gods in the affairs of humans most often results in suffering, unhappiness, and death. The world after death is a place where souls reside, that of shadows, unconscious of their own existence and the existence of others. At the heart of this vision, man is not fee and does not choose; he is not responsible for his acts and does not deserve what he undergoes. If one suppresses one of these four fundamental beliefs, or if one assists in a decision 111ade by a good, fair, or compassionate god, one cannot speak of tragic vision. Therefore, this work focuses essentially on the texts where it is expressed in all of its purity: Homer (The Iliad), Aeschylus (The Persians), and Sophocles (The Trachiniae, Ajax, Antigone, and Oedipus the King). Particular attention is given to the words that translate it. But a different vision opposes from the Odyssey and Oresteia, an anti-tragic vision which finds its form completed in the religion of Plato. The last part of this work strives to bring out the principal points. Plato assesses that there exists in man an element of divine and immortal nature, hence the substitution of a theology of deliverance and the assimilation to the divine with a theology of separation. The sage replaces the hero, it is no longer the glorious death that is a “beautiful death" and which must be chanted, it is that of Socrates, the servant of Apollo. According to this philosophico-religious thought, man is fee, he makes choices, and he is responsible, and thus deserves from this time forward the punishments and rewards that are in store for him. Furthermore, Platonic theology is fundamentally a theodicy: the gods can only be good, the origin of evil resides in the two souls of the World: the good and the bad. The message of tragic theology is the resignation to the mystery. Plato takes on as a divine mission moving the soul towards salvation, and with this anti-tragic, he creates a different link between the gods, the sages, men, destiny, the afterlife and the psyche

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Assaël, Jacqueline. "Euripide, philosophe et poète tragique." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37602416b.

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Assaël, Jacqueline. "Euripide, philosophe et poète tragique." Aix-Marseille 1, 1987. http://www.theses.fr/1987AIX10062.

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Abstract:

A l'epoque d'euripide se developpent en grece des theories philosophiques tres differentes. Le poete frequente tous les penseurs de son temps, mais il ne s'assujettit a aucune doctrine particuliere. On trouve pourtant dans son oeuvre de nombreux echos des discussions qui agitent alors athenes. Ces passages caracteristiques revelent l'interet qu'euripide eprouve pour la philosophie. L'aspiration a la connaissance se manifeste d'ailleurs partout dans son theatre. De maniere originale, euripide semble concevoir la creation poetique comme un moyen d'imaginer et de proposer des reponses a des interrogations tres profondes. La poesie exprime et devient une philosophie de la vie
In greece, at the time of euripides many philosophical traditions were taking shape. The poet knew all the thinkers of the time personally, but did not restrict himself to any particular doctrine. Yet we find numerous allusions to the topics debated in contemporary athens in his work. These characteristic passages show how interested euripides was in philosophy. Moreover this aspiration for knowledge is evident through out his dramatical works. In an original manner euripides seems to view poetic creation as a means of asking, and providing answers to very fundamental questions. Poetry thus expresses and indeed becomes a philosophy of life

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Boch, Anne-Laure. "Médecine technique, médecine tragique : le tragique, sens et destin de la médecine moderne." Marne-la-Vallée, ENPC, 2006. http://www.theses.fr/2006MARN0284.

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Abstract:

Couronnement d’une civilisation née par et pour la science, la médecine moderne est vouée à la technique. Sa force, ses succès, elle les doit à la technoscience dont elle est issue. C’est donc l’étude des rapports entre la médecine moderne et la technoscience qui fera l’objet de la première partie de ce travail. Nous chercherons à comprendre si la technique est bien le destin obligé de la médecine, ou s��il existe d’autres évolutions possibles. En particulier, nous nous interrogerons sur la chirurgie, quintessence de la médecine technique. Nous nous demanderons si les médecines non techniques, comme les médecines parallèles et les soins palliatifs, peuvent cohabiter avec la médecine officielle. Nous interrogerons aussi la juridicisation progressive de la médecine pour savoir si cette évolution est un frein ou un facteur favorisant à son entière absorption par la technique. Puis nous analyserons les conséquences de cet assujettissement de la médecine à la technoscience. Nous verrons comment, pour agir sur l’homme, il faut le transformer en objet, et comment la médecine scientifique s’oppose ainsi à son désir fondamental d’être un sujet. La déshumanisation de l’homme est au coeur de la médecine, cette science au service de l’homme. La conséquence de ce « problème de la technique », de ce conflit de valeur, c’est le tragique. À l’aide notamment de Scheler, de Nietzsche et de Hegel, nous nous attacherons à définir le phénomène tragique dans le cadre particulier de la médecine. Nous montrerons ainsi que la première réaction de l’homme qui y est confronté, c’est le désespoir et le nihilisme. Mais ces réactions négatives peuvent aussi être fécondes, grâce à l’acceptation du tragique, le tragique comme destin de l’humanité, comme structure fondamentale d’un univers où règne l’action. La lecture de Pascal fondera notre recherche d’une signification tragique à la médecine technique, c’est-à-dire d’un ordre supérieur dans lequel les contradictions, sans être abolies, sont mises en lumière et assumées en toute conscience, cette conscience qui fait la grandeur de l’humain
Rowning achievement of a civilization born of and for science, modern medicine is dedicated to technique. It owes its power and success to technoscience in which it finds its origin. The first part of this dissertation will be devoted to the study of the relationship between modern medicine and technoscience. We shall discuss whether the future of medicine is inevitably bound to technique or whether alternatives to this monolithic evolution exist. Further analysis will deal with the consequences of the “technization” of medicine and the tragic value conflicts it entails. Drawing from Scheler, Nietzsche and Hegel, we shall aim to give a definition of the phenomenon of the tragic and the forms it takes within the context of medicine. Pascal’s reading will finally be called upon to ground our thesis of the tragic sense of technical medicine: a superior order in which contradictions are not abolished but brought to light and consciously accepted

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Ndongo, Onono Côme Télesphore. "Chester Himes, écrivain tragique." Rouen, 2005. http://www.theses.fr/2005ROUEL629.

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Abstract:

"Chester Himes (1909-1984), écrivain tragique", est une analyse de la tragédie des oeuvres de Chester Himes. L'ouvrage a trois partie. La première partie s'ouvre sur des analyses sur la tragédie de l'histoire américaine, de la vie de Himes depuis l'Amérique jusqu'à son exil en France et en Espagne où il est mort en 1984. Puis, j'introduis les seize romans de mon aire de recherche. La deuxième partie est une réflexion sur la littérature orale, sur la monstruosité des villes américaines, sur le style annonçant la tragédie (métaphore, proverbe, analepse, prolepse). La troisième partie est consacrée à l'étude d'une trentaine de thèmes tragiques, dont la peur, la fuite, l'absurdité de la vie, la violence et l'eschatologie du héros de Himes. "Chester Himes, écrivain tragique", se ferme sur la négritude de Himes et son projet de révolution du monde noir en Amérique
"Chester Himes (1909-1984), a tragic writer" is an effort to analyse the tragedy described by Himes in his work. It has three parts. The first part opens with the framework of Himes's difficult life from America to his exile in France and Spain where he died in 1984. Then, I introduce his sixteen novels of our research area. The second part is a study of his oral literature, the monstrosity of the American cities and characters, the style announcing the tragedy (metaphor, proverb, analepsis, prolepsis). The third part is an effort to analyse thirty tragic themes, such as fear, flight, the absurdity of life, violence, the fate of Himes's heroes. "Chester Himes, a tragic writer" ends with Himes's idea of being a Black man, and his project of an unavoidable revolution in America

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Ankaoua, Fabienne. "Le tragique de l'être." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070028.

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Abstract:

La notion de tragique a toujours appartenu au champ grec, avec les tragédies d'Eschyle, Sophocle et Euripide, dérivant des traditions poétiques et religieuses de la Grèce ancienne. Dans « l'éthique de la psychanalyse », Lacan, poursuivant les recherches de Freud, explore le champ de l'éthique, embrassant l'espace défriche par les terrains philosophiques et ontologiques. Son séminaire, centre sur la figure d'Antigone, interroge l'action humaine en corrélation avec la notion de désir, conduisant le héros tragique à se réaliser par le truchement d'une action tragique. Cette problématique est étendue à l'univers biblique, avec la figure du premier roi d'Israël, Shaûl, afin de souligner l'éthique et le tragique de la nature humaine. Les principes éthiques et esthétiques sont interrogés au travers de l'esthétique tragique. Lacan met l'accent sur la primauté du langage dans le tragique de la nature humaine, avec la réception des tables de la loi. Depuis lors, le langage structurerait nos désirs : le langage engendrerait l'ordre symbolique. Nous devenons alors des êtres humains, la loi faisant de nous des « parle-être », des êtres parlants. Freud nous a appris que derrière la pulsion de vie, existe la pulsion de mort. Ce désir inconscient de mourir, conduit à retrouver un état de calme, de non existence. Cette thématique, développée par Lacan autour d'Antigone, puis de Shaûl, suit les perspectives freudiennes d'au-delà du principe de plaisir. Cependant, nous ajoutons quelques concepts empruntes au philosophe Levinas. Celui-ci revendique une responsabilité éthique envers l'autre, suggérant le « face a face » comme axe de « l'expérience éthique »
The tragical idea used to belong to the greek field, with the tragedian plays from Aeschylus, Sophocles, Euripides, witch certainly derived from the poetic and religious traditions of ancient greece. In the « ethics of psychoanalysis », Lacan, following Freud's researchs, professes a complex mission to explore an ethical territory commensurate with the interests of scanning the entire field from a philosophical and ontological perspective. His seminar, focused on antigone, exposes the human action, in its relationship of desire, who leads the tragic hero to realize himself shaping a tragic action. This problematic will be expanded to the biblical world, with the first Israel's king, Shaul, to show the ethical and the tragic of human nature. Ethicals and aestetics principles, will be inquiried trought tragedy's esthetical. Lacan upholds the primacy of language in human destiny, since the reception of the divinely given tables of the law. Language from then on structures our desires: language comprises the symbolic order. We become human seings, the law makes us «parle-etre», speaking seings. Freud teached that « under » the life instincts there was a death instinct. This unconscious wish to die, represented an urge inherent in all living things to return to a state of calm, of non-existence. The thematic, conducted by Lacan, concerns of Antigone and Shaûl, seems to keep covenant with freud's declarations in beyond the pleasure principle. However, we wish to add some more insights, argued by philosopher Levinas. He claims an ethics of inescapable responsibility for the other, proposes the face of the other as the central « ethical experience »

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Bauduceau-Cros, Nathalie. "L'empereur et le tragique : interactions du tragique et de la politique dans les relations de Sénèque et Néron." Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100117.

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Abstract:

Alors qu'il est au cœur de l'analyse et de la condamnation des dérives tyranniques du règne de Néron, le théâtre est souvent considéré comme marginal par rapport à l'activité politique et au rôle historique de Sénèque. On se propose dans cette étude d'examiner en quoi la relation de Sénèque et de Néron est exemplaire des interactions entre tragique et politique. La première partie envisage la constitution et l'évolution du lien entre l'empereur et le philosophe, et comment s'affirme, par-delà les divergences, une sensibilité commune pour le théâtre et la tragédie. La deuxième partie interroge la catégorie du prince tragique, par laquelle Néron semble pouvoir être défini, et l'apport des tragédies de son ministre, qui renouvellent et enrichissent une tradition de théâtre politique héritée de la République. Enfin, la troisième partie étudie ce que le théâtre de Sénèque apporte à la réflexion sur le règne de Néron, et sur la part d'ombre que recèle le pouvoir absolu
Although drama is regarded as essential in the analysis and condemnation of Nero's tyrannical acts, it is often considered as having little influence on Seneca's political activity and historical role. This study examines to what extent the relations between Seneca and Nero exemplify the close connection between tragedy and politics. The first part deals with the origin and evolution of the bond between the emperor and the philosopher : beyond their increasing divergences, Seneca and Nero definitely share a strong liking for drama, and especially tragedy. The second part investigates the category of tragic prince, in which Nero may seem to be defined, and the contribution of senecan tragedies, which renew and enrich a tradition of political drama inherited from the Republic. Finally, the third part studies what Seneca's tragedies provide to the reflection about the reign of Nero, and the dark side of absolute power

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Guyot, Sylvaine. "Jean Racine et le corps tragique." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030135.

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Abstract:

Le corps tragique chez Racine semble un objet d’étude à la fois paradoxal et évident. Évident, car le théâtre est par excellence un art du corps. Paradoxal, car les tragédies raciniennes sont réputées pour réfréner la présence du corps, tant comme enjeu que comme moyen d’expression. Cette enquête vise à combler ce silence critique, en contestant l’idée d’un classicisme désincarné, harmonieux et universel. Étudier le corps tragique, c’est en faire une histoire culturelle. Le corps est un fait social dont usages, valeurs et représentations sont déterminées par la société à laquelle il appartient. Au croisement du politique, de l’anthropologie morale et scientifique, de la civilité mondaine, des arts oratoires et des évolutions esthétiques, le corps racinien met en jeu les valeurs fondatrices de la société du XVIIe siècle. Loin d’en être le reflet, il est un lieu conflictuel qui interroge les fondations de la symbolique sociale, en dramatisant les fêlures inhérentes aux institutions. La tragédie du Grand Siècle est un révélateur fécond. Contemporaine de l’absolutisme, elle est amplement investie par le pouvoir ; d’inspiration aristotélicienne, elle exploite le rapport polémique entre dignité et faiblesse, pour provoquer d’intenses émotions ; avec l’émergence du premier champ littéraire, elle est surtout soucieuse de plaire. Racine, écrivain de ce siècle galant, explore les formes du corps les plus à même de toucher ses publics. Ce sont aussi les mutations de l’esthétique théâtrale que son analyse permet d’observer. Corps culturels, corps critiques, corps esthétiques : les corps raciniens ouvrent une voie pour interroger l’histoire du théâtre, des moeurs et des sensibilités
The tragic body in Racinian tragedy appears to be an object of study that is both paradoxical and obvious. Obvious since theatre is par excellence an art of the body and yet paradoxical because Racinian tragedies are typically known for their de-emphasis of the body’s presence both as a point of focus and as a means of expression. This study seeks to address this neglected topic by challenging the conventional notion that classicism was fundamentally detached, harmonious and universal. To study the tragic body is to undertake a cultural history since the body is a social fact whose practices, values and representations are determined by the society of which it is a part. At the crossroads of a number of areas – politics, moral and scientific anthropology, elite civility, oratory arts and aesthetic trends – the Racinian body puts into play the fundamental values of seventeenth-century society. Far from being a simple reflection of reality, Racinian tragedy is a space of conflict that probes the very foundations of social imagery, in that it dramatizes the fissures inherent in institutions. Tragedy during the reign of Louis XIV serves as a fruitful avenue of inquiry. It is contemporaneous with absolutism and thereby amply imbued with power. Of Aristotlean inspiration, it also draws upon the polemical relationship between dignity and weakness in order to call forth intense emotions. And with the emergence of the field of literature, tragedy is above all concerned with pleasing. Dramatist in this gallant century, Racine explores the forms of the body to the extent of touching his audiences. His analysis allows one equally to observe the transformations in the theatrical aesthetic. Cultural, critical and aesthetic bodies : the physical body in Racine’s tragedies offers a point of entry to examine the history of the theater, of manners, of taste and of emotions

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Chantre, Benoît. "Charles Péguy : un style tragique." Paris 10, 1990. http://www.theses.fr/1990PA100124.

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Abstract:

Les trois ordres de Pascal (ordre des corps, ordre de l'esprit, ordre de la charité), fréquemment relus par Péguy, sont à l'origine du bouleversement de sa pensée et de son écriture : tel est le postulat de cette thèse, fondée sur une analyse attentive des textes de la période intermédiaire de l'oeuvre, qui va de 1905 à 1909. "rythmanalyse" - ou patient repérage des diverses "strates" de l'écriture -, le présent travail essaie de démontrer que Péguy élabore, à partir de la célèbre classification pascalienne, un art combinatoire, méthode de lecture et d'écriture, source et principe de la répétition qui fonde son style. Style tragique, car la répétition est effacement, écriture pathétique montée contre toute inscription, entre l'héroïsme et la sainteté, la "race" et la "grâce"
Pascal's three categories (that of body, spirit and charity), frequently studied by Peguy, are at the origin of the radical changes in his thought and writing : that is the postulate of this thesis, based on a careful analysis of the middle period of his work, in the years between 1905 and 1909. Founded on a "rythmanalysis" - the minute dissection of the different "strata" of the writing - the present study tries to demonstrate that Peguy, on the basis of the famous categories of pascal, contrived a combinative art, a method of rea- ding and writing which is both the source and theoretical basis of the repetition on which his style reposes. It is a tragic style, for repetition signifies effacement, in pathetic writing which resists all classification, somewhere between heroism and sanctity, between "race" and "grace"

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Bousiopoulou, Efthalia. "Personne tragique-personnage tragique dans les écritures dramatiques contemporaines en France et en Grèce." Thesis, Lille, 2018. http://www.theses.fr/2018LIL3H018.

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Abstract:

L’écriture dramatique contemporaine est souvent tournée vers le mythe grec tragique comme source d’inspiration. Or, le concept de tragique est loin d’être évident, tantôt compris dans un sens existentiel, étroitement lié à la pensée philosophique allemande du XIXe siècle qui lui adonné naissance, tantôt dans un sens esthétique, produit de son rapport étroit au genre dramatique de la tragédie. La présente étude interroge la question du tragique dans des écritures dramatiques contemporaines d’origine différente : plus précisément, nous abordons douze oeuvres dramatiques, françaises et grecques, qui couvrent la seconde moitié du XXe siècle au sens large, et que caractérise l’usage du mythe tragique ou des motifs tragiques. Notre approche est structurée sur deux axes : d’une part est examinée la notion de personnage, élément principal de l’oeuvre dramatique, dans son devenir tragique. Ainsi, dans les deux phases de ce que nous appelons le« mouvement tragique », le personnage passe de l’identité à l’altérité de soi, pour se choisir ensuite en tant qu’être fini, ou autrement, en tant qu’être « inscrit dans la mort », pour arriver finalement à la transcendance de sa propre finitude. D’autre part est examinée la notion de personne tragique, à savoir la conception de l’homme « réel », telle qu’elle est configurée par le lecteur/spectateur à partir du personnage tragique. Le sens de la personne tragique consiste en le passage de celle-ci du monde quotidien à un « nouveau réel », où dominent le devenir et l’ouverture à l’Autre. Dans ce cadre, la catharsis qu’éprouve le spectateur est identifiée à la « joie tragique »
Contemporary playwriting turns often towards the tragic Greek myth as source of inspiration.However, the concept of “the tragic” is far from being evident, sometimes understood in anexistential meaning, tightly attached to the German philosophical thought who has given it birth,sometimes in an esthetic meaning, as a result of its close relation to the genre of tragedy. Thepresent study examines the concept of tragic in contemporary plays of different origin: moreprecisely, we study twelve plays, French and Greek, that cover the second half of the twentiethcentury in the broadest sense, characterized by the use of the tragic myth or of tragic motifs. Ourapproach is based on two axes: on one hand we examine the notion of character, a fundamentalelement of a dramatic work, in his becoming tragic. In this way and according to the two phasesof what we call “the tragic movement”, the character, after passing from the identity to the alterityof self, he then “chooses” himself as a finite being, or, in other words, as a being “inscribed indeath”; finally, he arrives at the point of transcendence of his own finitude. On the other hand, weexamine the notion of the tragic person, namely the conception of the “real” human, as it isformulated on the basis of the tragic hero, by the reader/spectator. The meaning of the tragicperson lies in a passage from the ordinary world to a “new reality”, where the becoming of thehuman being and the openness to the Other dominates. In this context, the spectator experiencesthe catharsis that can be identified with the “tragic joy”

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Maurouard, Elvire. "Le tragique haïtien entre roman et théâtre." Paris 8, 2003. http://www.theses.fr/2003PA084219.

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Eksen, Kerem. "La faute tragique et la morale augustinienne." Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100026.

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Abstract:

Le but du présent travail est de reconsidérer la notion de “faute tragique” à partir d’une perspective philosophique appuyée sur la pensée d’Augustin. Notre point de départ a été l’étude des dissemblances principales dans les manières dont, d’une part les tragédiens grecs, et d’autre part les critiques littéraires et poètes des 16ème et 17ème siècles, ont problématisé l’action humaine. Dans la tragédie grecque, où une notion « objective » de la faute était centrale, l’accent était mis sur les changements observables que les actions causent. En revanche, pendant les 16ème et 17ème siècles, une conception plutôt « subjectiviste » de la faute a été appréciée, de sorte que les conditions et les qualités de l’agent d’une action sont devenues centrales. Augustin est la figure principale de notre projet, car son œuvre nous permet de comprendre le passage d’une notion objective de la faute à une notion subjective. A partir de cette idée, il s’est agi pour nous de présenter la pensée augustinienne sous ses deux dimensions principales : D’une part, nous nous sommes concentrés sur les aspects « subjectifs » de la théorie Augustinienne du péché, afin de voir comment le père d’Hippone a défini le péché en termes individuels. D’autre part, nous avons étudié les aspects « objectifs » de la théorie Augustinienne, pour voir comment l’expérience de la faute y est décrite, avec référence à une condition « objective » de faillibilité. Nous avons suggéré que ces deux aspects de la pensée Augustinienne constituent la base de la tragédie pendant et après la Renaissance
The aim of the present thesis is to reconsider the notion of “tragic error” from a philosophical perspective and with special reference to the thought of Augustine. Our starting-point has been the differences between the ways in which, on the one hand the classical Greek tragedians, and on the other the critics and dramatists of seventeenth and eighteenth centuries problematized human action. While Greek tragedy was based on what we have called an “objective” notion of error (focusing mainly on the objective changes that a given action creates in the universe), the Renaissance and post-Renaissance mentality adopted a “subject-centered” standpoint and a “subjective” notion of error (laying emphasis on the conditions and qualities of the agent of an act). Augustine is the main figure of our project, since his work sheds light on the shift from an “objective” conception of error to a “subjective” one. On the basis of this idea, we presented the two major dimensions of Augustine’s ethical theory: On the one hand, we focused on the “subjective” aspects of Augustine’s theory of sin, in order to see how he defines sin on an individual basis; and on the other hand, we studied the “objective” aspects of his theory, in order to see how Augustine relates the experience of error to an “objective” condition of fallibility. We have argued that these two aspects of Augustine’s thought lie at the basis of Renaissance tragedy and that, in this sense, tragic poets like Racine and Shakespeare are post-Augustinian

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Nagamori, Katsuya. "La politique et le tragique chez Racine." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040170.

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Abstract:

La catharsis interprétée comme apaisement des émotions violentes, se réalise dans la tragédie racinienne, à travers le retour du pathos (l'état anormal, irréfléchi, de l'âme, cause par des passions déréglées) vers l'ethos (l'état habituel de l'âme qui suppose, chez les personnages par définition nobles, le sens de l'honneur et de la responsabilité). Si l'on élargit le sens de la reconnaissance aristotélicienne (la découverte d'une identité), on peut dire que l'action tragique chez Racine repose sur l'illusion et la désillusion (la reconnaissance) du héros et que la tragédie racinienne peut être alors qualifiée de complexe. Racine satisfait ainsi à l'exigence d'une tragédie d'intrigue (maintien du suspense jusqu'à la fin) en même temps qu'à celle d'une tragédie de caractère (approfondissement psychologique du protagoniste). L'importance accordée à l'ignorance et à l'aveuglement des personnages favorise l'ironie dramatique et le spectateur est amené à accéder à un stade supérieur de la connaissance qui est le but même de la mimesis aristotélicienne
The katharsis, interpreted as appeasement of violent passions, is realized in racinian tragedy, through the return of the pathos (the anormal, unreflecting state of mind) to the ethos (the habitual state of mind which supposes, in the characters who are by definition noble, the sense of honor and of responsibility). In extrapolating the meaning of the Aristotelian recognition (the discovery of an identity), we can say that the tragic action in Racine is based on the illusion and the disillusion (the recognition) of the protagonist and that the racinian tragedy can be then qualified as complex. Racine satisfies in this way the condition of the tragedy of plot (keeping the suspense till the last) as well as that of the tragedy of character (psychological depiction of the protagonist). The importance given to the ignorance and to the blindness of the characters is advantageous to the dramatic irony and the spectator is invited to attain to a higher stage of the knowledge that is the very goal of the Aristotelian mimesis

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Balazut, Joël. "L'impensé de Heidegger et l'essence du tragique." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20103.

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Abstract:

Il est un impensé de Heidegger qui apparaît à travers son interprétation de Hölderlin, ainsi que de pensée grecque présocratique. Il s’agit d’une conception de l’être comme phusis et d’une conception tragique du Dasein, développée sur la base de la tragédie grecque. Le tragique est cet impensé qui constitue le cœur de la pensée de Heidegger, car il est constitutif, non seulement du Dasein, mais aussi de l’essence même de l’être comme phusis. Les Grecs ne représentent pas un modèle, ils révèlent l’essence universelle du Da-sein. Cet impensé de Heidegger est déjà présent en gésine dans les premiers développements de sa philosophie à partir de Etre et temps. Cependant, il n’a jamais assumé pleinement cette pensée à cause de son ambiguïté concernant la question de Dieu
This thesis try to disclose a hidden signification in Heidegger’s thought. We think that the true meaning of this philosophy can be disclose in his interpretation of early Greek philosophy, Greek tragedy and also Hölderlin poetry. Then, it appears that the word “phusis” is the name for being, and that the notion of Dasein must be understood according to Greek tragedy. We call “the tragic” what is showed in tragedy. And, our thesis is that “the tragic” disclose not only the meaning of the notion of Dasein, but also the original meaning of being. This hidden meaning in Heidegger’s thought is yet secretly present in the first development of his work since Sein und Zeit. In the mean time this sense of Heidegger’s thought don’t appears clearly cause of his ambiguity concerning the question of god

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Ksibi, Abdenaïm. "Lors de “tant de troubles et d’orages” : Montaigne entre tragique, altérité et liberté." Rouen, 2016. http://www.theses.fr/2016ROUEL030.

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Abstract:

L’entreprise des Essais réside initialement dans l’impossibilité de « se dire » à l’ami mort, Etienne de la Boétie. Mais le huis clos de cette pensée ne s’inscrivant dans aucune métaphysique, les Essais vont être tenaillés par leur propre mouvance. D’où le tragique régnant dès les premiers chapitres. D’où ensuite cette échappée vers autrui. Chemin faisant, nous découvrirons que les véritables abîmes de l’altérité gisent bien ailleurs. En effet, outre l’énigme d’autrui, des animaux, voire de notre inhérente monstruosité, les Essais sont, au fond, l’altérité par essence. La matrice de cette pensée est bel et bien la liberté se déployant en ces temps de tourmente des guerres civiles dans des interstices vertigineux. Nous tâcherons donc de parcourir dans la dernière partie les méandres de cette stratégie des écarts. Finalement, Montaigne, après toutes les désillusions traversées, va opposer la liberté, voire la désinvolture au louvoiement du pouvoir et à la précarité de la vie
The undertaking of writing the Essays originally lies in the impossibility to speak with the dead friend, Etienne de la Boétie. But the confinement of this thought belonging to no particular metaphysical, the Essays will end up in an impasse. Hence the prevailing tragic from the first chapters. Whence then this escape towards others. Along the way, we will discover that the gaping chasm of alterity really lies elsewhere. Indeed, besides the enigma of human otherness, animals or even our inherent monstrosity, the Essays are, undoubtedly, the true otherness. This is indeed liberty deploying itself in these times of turmoil of the civil wars in vertiginous meanders that forged the thought of Michel de Montaigne. Therefore we will try to examine in the last part the reasons of this discard strategies. Finally, Montaigne, after all the disappointments he went through, will oppose liberty, even casualness, to the setbacks of the precariousness of life

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Anthonioz, Anne-Marie. "Houdar de La Motte : auteur tragique." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040039.

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Abstract:

Houdar de La Motte est un poète connu dans la littérature française pour ses fables, ses odes et sa traduction de l'Illiade qui relança la querelle des Anciens et des modernes dans les années 1714-1715. Il est moins connu comme auteur tragique, pourtant ses quatre tragédies, les Macchabées, Romulus, Ines de Castro et Oedipe connurent un succès assez considérable. Nous avons fait le portrait de la Motte en évoquant sa vie, sa carrière et ses oeuvres. Il a accompagné ses tragédies de discours dans lesquels il expose ses vues sur l'art dramatique et se montre un théoricien audacieux en proposant déjà certaines réformes importantes, comme par exemple la suppression des confidents et une tragédie en prose. Nous avons étudié la composition des ses tragédies avec leurs sources, les différents types de personnages avec leurs caractères propres, enfin les thèmes qu'ils soient d'ordre politique, moral et sentimental ou religieux dont est porteur ce théâtre du 18ème siècle et qui font sa grande richesse. Une étude de style complète ce travail qui avait pour but la redécouverte d'un auteur tragique injustement oublié qui mérite pourtant largement notre intérêt, impregnant son oeuvre d'une sensibilit́é nouvelle, remplaçant la grandeur par le pathétisme, Houdar de La Motte a fait évoluer le genre tragique et a jeté les premières semances du drame romantique
Houdar de La Motte is a well-known poet in the french literature by fables, odes and the translation of the Iliade that boosted up again "la querelle des Anciens et des modernes" in the years 1714-1715. He is less known as a tragic dramatist, nevertheless, he wrote four tragedies which were successsfull : les Macchabées (1721), Romulus (1722), Ines de Castro (1723) and Oedipe (1726). We have drawn a portrait of la Motte, pointing out the most important steps of his life, his carreer and his work. In parallel of his tragedies, he wrote some "discours" in which he formed new theories about dramatic art and he proposed, in the same way, some important reforms as writing a new tragedy in prose form. We have studied the arrangement of the tragedies, their sources, the different classes of characters and the political, moral or sentimental and religious themes. All theses themes, as we know, have given the touch of brightness and interest to the dramatic art of this century, a study of the poet's style completes this work. Our point was to promote this author unfairly forgotten, using a new sensibility and more pathetism, Houdar de La Motte gave the new way to the tragedy and by this fact he may be recognized as a forerunner of the romanticists

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Abo, Shana Hayder. "Montherlant tragique : construction et déconstruction du texte dramatique." Thesis, Lyon 2, 2009. http://www.theses.fr/2009LYO20005.

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Abstract:

Henry de Montherlant fut un écrivain très prolifique pendant plus de cinquante ans. Son attitude désinvolte et parfois ouvertement provocatrice a agacé et créé de la confusion à propos de son écriture. Cette attitude et la variété de son œuvre dont il semble impossible d'extraire une morale claire ont contribué à l'intérêt porté à son œuvre par les critiques. D’où vient l’importance de mettre la dramaturgie de l'auteur en question pour en dégager un sens précis. Écrire pour le théâtre, genre fondée essentiellement sur le dialogue, était pour Montherlant l’occasion de maintenir sa place d’un écrivain, d’un artiste s’occupant juste de ses mots. Il a suivi un procédé spécifique qui lui a permis d’échapper aux critiques : il s'agit de dire puis de contredire, de faire puis de défaire, de construire puis de détruire ses mots au sein du texte. Notre étude expose ce mouvement ambivalent mais nécessaire pour la continuité de l’œuvre littéraire à travers les composantes essentielles du texte dramatique. Une seule vérité se dessine dans le texte de l’auteur : la destruction continuelle de tout ce qui se construit. Rien ne tient dans ce théâtre, tout s’en va, tout se jette dans le vide. Ce procédé devient un principe qui mène l'écriture de l'auteur vers le tragique comme conséquence logique. Ainsi, écrire sur le rien, le vide, le tragique, devient pour Montherlant le dernier rempart contre la mélancolie de ne rien écrire. De cette manière, l'auteur se met dans une recherche permanente de son identité littéraire en gravitant pour toujours dans l'orbite de la littérature car : « il faut sacrifier tout pour pouvoir continuer à s'exprimer ». L'auteur cherche à atteindre un but précis, celui de rester fidèle à l’image de l'artiste qu'il veut être : « je me renierai pour me retrouver, je me détruirai pour m'atteindre »
Henry de Montherlant was a prolific writer for more than fifty years. His attitude and his provocative positions have entailed a confusion on his writing. His behaviour and the diversity of his work, from which it is impossible to extract one clear moral has aroused interests from the critics. Therefore, it is necessary to analyse the author’s dramaturgy to determine one precise meaning.Writing play grounded on dialogue was an opportunity for Montherlant to establish and comfort his rank as a writer, an artist who only cares for his words. His method consisted in creating specific style which helped him to avoid criticism. In fact, the purpose is to affirm and contradict, to do and undo, to construct and deconstruct his words in the text. Our study reveals this ambiguous but necessary movement for the literary work, through the essential elements of the dramatic text. We can infer from the text of Montherlant that there is only one truth : everything which is built is intended for the endless destruction. Nothing is stable in this theatre, everything goes away and everything is doomed for emptiness. This style becomes a leading principle that drives the author’s writing logically and inevitably to a tragic dimension. Thus writing on nothing, on emptiness and on tragic, is a way for Montherlant to escape from the melancholy of non writing. From this point of view, the author’s personal quest is to seek, relentlessly, his literary identity, always gravitating in the circle of literature because: “you have to scarify everything to be able to keep on expressing yourself”. The author wants to reach a very precise goal which is to be true to himself as an artist : “I will deny myself to find me, I will destroy myself to reach me”

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Oumaziz, Hadj-Arab Nadia. "Le tragique dans l'œuvre de Jean-Pierre Millecam." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040176.

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Abstract:

Le tragique dans l'œuvre de Jean-Pierre Millecam repose sur une vision de l'existence qui mêle à la fois liberté humaine et fatalité historique. Le drame relate est celui de l'Algérie coloniale, de ses prolongements dans la guerre, et l'après-guerre. L'écriture dévoile le processus dramatique d'une malédiction qui pèse sur une lignée. Suite à la faute ancestrale liée à la profanation de la terre algérienne, la communauté humaine est vouée au fratricide la mémoire de Lancelot (narrateur- double de l'auteur) ne parvient pas à se détacher de ce trauma. Face au désenchantement de l'histoire, l'écrivain est en quête de plénitude. Deux éléments contribuent au dépassement de la vision tragique : la création poétique et la quête spirituelle.

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Boillet, Etienne. "Le dualisme tragique de Tommaso Landolfi." Poitiers, 2008. http://theses.edel.univ-poitiers.fr/theses/2008/Boillet-Etienne/2008-Boillet-Etienne-These.pdf.

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Abstract:

Notre thèse propose une interprétation globale de l'oeuvre en prose de l'écrivain italien Tommaso Landolfi (1908-1979). Celle-ci est pour nous le fruit d'un dualisme tragique, en ce sens que le désir d’absolu de l'écrivain, ainsi que son mépris envers ce qu'il appelle la « réalité » (par opposition au « possible »), se heurtent au sentiment douloureux que l'idéal désiré est impossible à atteindre. Aussi l'oeuvre landolfienne dans son ensemble constitue-telle un espace littéraire où s'affirme une forte dimension tragique, qui toutefois ne vient jamais à bout de l'attachement profond liant au monde des mots un auteur dont est restée l'image d’un dandy solitaire, ou encore d'un joueur invétéré, mais dont nous retiendrons surtout qu’il n'a jamais voulu exercer de métier hors de ses activités littéraires (d'écrivain, de traducteur ou, dans une moindre mesure, de critique). Tout en situant Landolfi dans l'histoire littéraire du XXe siècle, nous appliquons la clé interprétative du dualisme tragique à l'analyse de ses influences littéraires, de l'évolution de son oeuvre, de la dimension autobiographique de ses écrits, de la spécificité de son rapport au fantastique, des images qui obsèdent son imaginaire, des structures de sa pensée morale ou métaphysique, de certaines caractéristiques d'ordre stylistique ou encore esthétique
This thesis proposes a global interpretation of Tommaso Landolfi's work in prose. This work is for us the fruit of a tragic dualism, in the sense that the desire of absolute of the writer, as well as his contempt to what he calls the "reality" (by opposition to the "possible"), collide with the painful feeling that the wished ideal is impossible to reach. So the landolfian work in general establishes a literary space where grows a tragic dimension, which however never overcomes the deep attachment linking to the world of words an author of whom we shall retain, more than the image of a solitary dandy or of an inveterate player, the fact that he has never wanted to practice any profession outside his literary activities (of writer, translator, or critic). While placing Landolfi in the literary history of the XXth century, we apply the interpretative key of the tragic dualism to the analysis of his literary influences, the evolution of his work, the autobiographical dimension of his books, the specificity of his fantasy, the images which obsess his imagination, the structures of his moral or metaphysical thought, and certain other characteristics of stylistic or esthetic order

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Licha-Zinck, Alexandra. "La vertu de l'héroïne tragique (1553-1653)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040079.

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Abstract:

La vertu féminine théâtrale apparaît dans le discours et dans l'action de l'héroïne : ils définissent son ethos tragique, plus qu'ils n'illustrent les catégories morales traditionnelles. Dès lors, cette vertu constitue un objet dramatique, esthétique, modelé par et pour la mimèsis tragique. Le personnage féminin, de la tragédie humaniste de Jodelle au théâtre de Corneille, pendant la Fronde, révèle sans doute l'idéologie propre à chaque période littéraire. Mais la vertu redéfinie par les théoriciens permet l'élaboration dramatique du caractère, surtout lorsque le plaisir théâtral et les contraintes d'ordre dramaturgique priment sur la volonté d'instruction morale et sur l'illustration, dans un personnage, d'un discours moral cohérent établi par la tradition. La vertu étant un objet dramatique, elle doit être donnée à voir ; ce défi – montrer la perfection morale, par définition moins scénique que les passions – implique une codification esthétique pour la représentation. Cette vertu féminine aurait alors pour fonction la représentation idéalisée, mimétique selon la définition aristotélicienne (déformante, mais efficace), de l'éthique d'une société. La notion de vertu est médiatisée par le personnage féminin, dans ses divers aspects traditionnels, souvent dichotomiques : vertu chrétienne et vertu stoïcienne, héroïque et morale, virile et féminine, active et passive, le plus souvent, mêlées. Comme les passions mêmes, elle aurait été convertie par les auteurs tragiques en matériau pour construire une œuvre dramatique, au prix, parfois, de ses valeurs philosophiques et morales. La vertu serait devenue elle-même sur scène, peut-être, une passion comme les autres, pour susciter le plaisir tragique
In plays, feminine virtue appears in the words and actions of the heroine : they give a definition of her tragic "ethos" more than they illustrate the traditional moral categories. Therefore, this virtue represents a dramatic and aesthetic object shaped by, and for, the tragic "mimesis". This female character, from the humanist tragedy by Jodelle to the palys bu Corneille during the insurrection of the Fronde, probably reveals an ideology belonging to each literary period. But virtue, redefined by the thoereticians, allows the dramatic creation of the character, especially when the theatrical pleasure and dramatic constraints are more important than the wish for moral instruction and the illustration of a coherent moral speech established by tradition. Being a dramatic object, virtue must be shown ; this challenge, consisting in showing moral perfection which is by definition less scenic than passions, implies an aesthetic coding for the representation. This feminine virtue would then become the idealized, mimetic -according to the definition given by Aristotles- representation of of the ethics of a society. The notion of virtue appears trough the female character in its diferent traditional aspects which are often opposed and mixed : Christian and stoïcal, heroic and moral, male and female, active and passive. As with the passions, this notion of virtue would have been turned into play material by tragic playwrights, sometimes to the detriment of the philosophical and moral virtues. Virtue itself would then become a passion like any other in stage in order to create tragic pleasure

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Bouhouch, Souad. "L'esthétique du tragique chez Madame de Staël." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0155.

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Abstract:

Cette étude est consacrée au tragique dans les fictions d’amour staëliennes. Les héros nobles sont livrés à une lutte vaine contre le destin, en sachant qu’ils vont mourir. Leur ambivalence les empêche de vivre tout épanouissement individuel, dans une société qui vit un immense échec social, moral et politique. Le bonheur précaire vécu est suivi du silence, de l’absence et du sentiment d’une culpabilité mortelle dans un espace et un temps initialement tragiques. Le sujet tragique remet en cause ses qualités morales et intellectuelles. Lucide, démuni devant le savoir tragique, désillusionné sur l’amour et sur la vie, cet être accomplit son rôle tragique : se sacrifier et disparaître. Son renoncement donne un effet émouvant et sublime. Staël dénonce à travers le tragique les crimes de la Révolution, la tyrannie de napoléon. La souffrance humaine peut être perfectible. Le tragique staëlien donne une leçon esthétique : la vérité est dans la liberté morale et la beauté de l’âme
This study is devoted to the tragic in love staëliennes fictions. The noble heroes engaged in a futile struggle against fate, knowing they will die. Their ambivalence prevents any living individual fulfillment in a society that lives a huge social failure, moral and political. Precarious lived happiness is followed by silence, the absence and the feeling of a deadly guilt in a space and a time initially tragic. The tragic subject undermines his moral and intellectual qualities. Lucid, powerless before the tragic knowledge, disillusioned about love and life, this being accomplished his tragic role: sacrifice and disappear. His renunciation gives a moving and sublime effect. Staël denounces the tragic through the crimes of the Revolution, the tyranny of Napoleon. Human suffering can be improved. The tragic staëlien gives an aesthetic lesson: the truth is in moral freedom and beauty of the soul

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Reina, Li Crapi Vincenzo. "Temps et conscience religieuse dans le théâtre tragique (1590-1640)." Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0012.

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Abstract:

Depuis sa naissance, la tragédie a été l'un des genres littéraires qui ont influencé de la façon la plus nette les conceptions qu'une civilisation pouvait avoir du temps. D'un point de vue formel tout d'abord, en raison de la nécessité de résoudre le problème de l'adaptation du temps de l'histoire représentée avec la durée de la représentation - motif principal des débats théoriques des 16e et 17e siècles sur la dramatisation du temps, en lien avec la question du vraisemblable. A la suite notamment de la découverte de la Poétique d'Aristote'et des commentaires des Italiens sur ce texte, la réflexion théorique a pris de l'envergure, et les solutions proposées ont joué un rôle de premier plan dans les créations des chefs-d'œuvre du théâtre élisabéthain, du théâtre baroque espagnol, et du théâtre classique français. Le respect ou non de la règle de l'unité de jour a des conséquences sur la conception du temps que la pièce saura véhiculer. L'étude des motivations et des procédés suivis dans la dramatisation du temps (première partie de la thèse) s'avère ainsi indispensable dans l'interprétation de toute oeuvre théâtrale. L'analyse des oeuvres elles-mêmes, à partir de la perspective temporelle (deuxième et troisième partie de la thèse), permet ensuite d'approcher l'image de l'homme qui se dégage, au sein des mentalités étudiées, de cette dramatisation du temps, et de préciser ainsi les raisons éthiques de son action, telle qu'elle se voit représentée par la tragédie. On proposera ainsi une redéfinition du rôle joué par les pièces au sein de la civilisation chrétienne qui les a produites, en s'appuyant sur les visions du inonde et sur les conceptions religieuses de l'Histoire que ces pièces véhiculent
Since its origin, Tragedy has been one of the literary genres which have most clearly influenced the ideas of time that a civilization could have. Firstly, from a formai point of view, due to the Tact that the length of the story, which is being represented, must fit the time requirements of the duration of the play – i. E. The main issue of theoretical debates of XVI and XVII centuries regarding the dramatization of time in order to make the play vraisemblable. After the discovery of Aristotle's Poetics and the Italian commentaries on this text, the theoretical discussion has become extremely relevant, and the suggested solutions have played a major role in the creation of the masterpieces of the Elizabethan theatre, the Baroque Spanish theatre and the Classical French theatre. Certainly, the respect or not of the "Unit of time" nuances the conception of time that the play will spread. Consequently, studying the reasons and the methodology of the dramatization of time is essential for the interpretation of any play (part I of the Thesis). Moreover, the analysis of plays from a temporal perspective (part II and III of the Thesis) allows to reveal the ideas of man and the ethical foundations of his actions inside the studied mentalities. Therefore, this study proposes a redefinition of the role of these plays in the context of the Christian civilization in which they were originated, by means of analysing the world views and conceptions of the History which these plays convey

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Bégot, Jacques-Olivier. "Philosophies du tragique, allégories de la tragédie : critiques de l'interprétation spéculative du tragique en marge de l'idéalisme allemand (Hölderlin, Nietzsche, Benjamin)." Paris 12, 2005. http://www.theses.fr/2005PA120037.

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Abstract:

Au sein de la tradition des "philosophies du tragique", où la tragédie est abordée non seulement comme un objet, mais, plus essentiellement, comme une figure de la philosophie elle-même, les interprétations de la tragédie élaborées par Höderlin, Nietzsche et Benjamin marquent une profonde rupture avec le modèle spéculatif de Hegel. Cette thèse commence par dégager brièvement les grand axes de l'interprétation spéculative, avant d'y confronter systématiquement celles des trois auteurs étudiés. Qu'il s'agisse de la portée politique de la tragédie (I), du statut de la négativité (II) ou de la valeur métaphysique de la représentation tragique (III), c'est le problème du langage qui constitue le fil conducteur de la critique. A terme, la mise en évidence de la structure tragique de toute pensée spéculative fait des trois interprétations étudiées les héritières de la critique kantienne de la métaphysique, la tragédie devenant l'allégorie de l'impossibilité de la spéculation.

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Paula, Maria de Fátima Melo Fernandes de. "Tragique et temporalité chez Racine : les exemples D'Andromaque et de Bajazet." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2000. http://hdl.handle.net/10183/6815.

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Abstract:

Nosso trabalho trata do estatuto trágico do tempo nas obras maiores de Jean Racine, a saber Andromaque et Bajazet. O que engendra o trágico de Andromaque? O que funda o trágico em Bajazet? Como o tempo intervém nestas duas peças, transformando-as em tragédias? Após um breve percurso teórico sobre a questão do tempo no teatro, propomos uma análise dessas duas peças.

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Marquier-Morvan, Myriam. "Descartes, Pascal et Spinoza et la question de l'effacement du tragique." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040217.

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Abstract:

Ce travail vise à montrer que des doctrines comme celles de Descartes, Pascal ou Spinoza, sans être travaillées par le tragique, en proposent des approches diversifiées et des modes de résolution qui varient non seulement d'un auteur à l'autre mais aussi d'un ouvrage à l'autre. Alternatives à la catharsis aristotélicienne, ces solutions au tragique contrastent avec ce traitement ancien et canonique du tragique repris par les auteurs et les théoriciens du théâtre de l'Âge Classique. Solutions qui, par leur clarté, tranchent avec l'obscurité de la catharsis, et dont les procédures d'effacement ou de dépassement ne dépendent plus du théâtre, mais de la raison ou de la foi
Although they are not enclosed in tragedy, the works of Descartes, Pascal and Spinoza give various approaches and solutions to it. Theses answers not only vary according to the authors, but differ from book to book as well. They all give an alternative to the aristotelician "catharsis", that old and canonical definition of tragedy still in use in french classical theater. In stark contrast with an obscure and questionable catharsis, this philosophical dispelling, effacing and overtaking of tragedy do not depend on theater anymore, but rely either on reason or faith

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Tsoni, Evangelia. "Tragique et comique dans la psychanalyse : questions de poétique." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084026.

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Abstract:

“Life is not tragic, it is comic and it is nevertheless rather curious that Freud should have found nothing better than to designate by the Oedipus complex, namely, by a tragedy, what is at stake in the affair”, remarks Lacan in the very last years of his Seminar, pointing out hermetically that “what is important in the sexual, is the comic”. It is this phrase that we place at the heart of our work – an attempt to elucidate the passage that Lacan proposes, from the tragic register, prevalent in Freud, to another register that is close enough to writing and the comic scene. Our intention is thus to question the ties of poetics and psychoanalysis. It is common knowledge that psychoanalysis comes into being through a technique of ancient tragedy, catharsis, and is founded on the complexes incarnated by Oedipus the tragic hero. According to the freudian guidelines, psychoanalysis develops with the contribution of processes enacted in the theater, and in the shade of the dramatic dimension of the human scene: the other scene of fantasy, love and death. For his part Lacan explains that the analyst places at the core of his discourse the symbol par excellence of ancient comedy, namely the phallus. He establishes the ethics of act and desire, distinctive characteristics of a tragic heroine, enriching them in the end with the ethics of ‘speaking-well’, which includes the laughter of the saint and the gay sçavoir. And yet one cannot help remembering that psychoanalysis implies from birth the advent of poetics: it refers to a work of writing and focuses on the literary quality of words and the theatrical appearance of the symptoms of the neurotic – this “private theater of the hysteric”, “the indubitable poet”, according to the Father of psychoanalysis
"La vie n'est pas tragique, elle est comique et c'est pourtant assez curieux que Freud n'ait rien trouvé de mieux que de désigner du complexe d’Œdipe , c'est-à-dire d'une tragédie, ce dont il s'agissait dans l'affaire", remarque Lacan au cours des toutes dernières années de son Séminaire [le séminaire de Lacan] en expliquant hermétiquement que "ce qui dans le sexuel importe, c'est le comique". C'est cette phrase qu'on place au cœur de notre travail, essayant de cerner le passage que Lacan propose du registre tragique, prévalent chez Freud, à un autre registre assez proche de l'écriture et de la scène comique. Nous avons ainsi l'intention de questionner les liens de la poétique et de la psychanalyse. C'est bien connu que la psychanalyse naît d'une méthode tragique, la catharsis, et se fonde sur des complexes incarnés par Œdipe le tragique. Selon les directives freudiennes, elle se développe avec le concours de processus mis en actes au théâtre et à l'ombre de la dimension dramatique de la scène humaine : l'autre scène du fantasme, l'amour et la mort. Lacan explique pour sa part que l'analyste met au cœur de son discours le symbole par excellence de la comédie antique, c'est-à-dire le phallus. Il met en œuvre une éthique de l'acte et du désir caractéristique d'une héroïne tragique qu'il va enrichir qu'il va enrichir à la fin par l'éthique du bien-dire dont le "rire du saint" et le "gay sçavoir" font partie. Or, rappelons que la psychanalyse implique dès sa naissance l'avènement d'une poétique : elle ramène à un travail d'écriture et reporte toute son attention sur la qualité littéraire des mots et sur la prestation théâtrale des symptômes du névrosé - ce "théâtre privé de l'hystérique", "de cet indiscutable poète", selon le père la psychanalyse

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Kim, Kyōñ-Mi. "Passions et idees morales dans l'oeuvre tragique de campistron." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1986. http://www.theses.fr/1986STR20051.

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Abstract:

La question des passions etant un champ essentiel a la reflexion des moralistes et des poetes dramatiques - des tragiques par excellence - du dix-septieme siecle, leur vision est concue d'une maniere differente selon la direction du regard de l'ensem- ble des contemporains. Ainsi voit-on qu'il y a au cours du sie- cle deux grandes evolutions fondamentales des idees morales. L'u- ne est constatee autour de 1650-60 par le changement du climat mo- ral, de l'exaltation de la beaute de l'ame humaine a la denonci- ation de la nature humaine corrompue. Et cette evolution est sui- vie d'une autre a la fin du siecle, qui se caracterise par la formation de l'optimisme rationaliste ou l'on reclame la morale naturelle. Or, si nous constatons la premiere evolution du si- ecle, en voyant, de l'oeuvre de corneille a celle de racine, l'idee de belle humanite et de passion noble perdre sa valeur, la tragedie d'un successeur des deux grands devanciers nous permet de saisir la deuxieme par le nouvel esprit moral, politique et social qu'elle represente : la tragedie de campistron. Notre propos consiste donc a explorer dans les trage- dies de campistron la question des passions et, a travers elles, un systeme d'idees morales, et a les comparer avec ceux des dra- maturges precedents, particulierement de corneille et de racine. Et cette etude fondee sur la methode historique mettra en lumiere les masses d'idees que debattait la societe francaise en mouve- ment a la charniere des dix-septieme et dix-huitieme siecles
The question of passions being an essential field to the reflection of the moralists and the dramatics poets - the tragics particularly - of the seventeenth century, their vision is con- ceived somehow or other according to the eyesight of the contem- poraries. In this way we see that there is in the seventeenth century two main evolutions of the moral notions. The one is certified about 1650 - 60 by the change of moral circumstance, from exaltation of the beauty of human soul to denouncement of the corrup human nature. And this evolution is followed to another in the end of the century, that has a character of rational opti- mism which contains the natural moral. If we certify the first evolution of the century in the ruin of the notion of beautiful humanity and noble passion from the plays of corneille to the plays of racine, the tragedy of a successor of the two great playwriters permits us to understand the second by new moral, political and social idea that it represents : the tragedy of campistron. Our purpose consists in exploring in the tragedy of cam- pistron the question of passions and, across that, a system of moral notions, and in comparing them with those of the precedent playwriters, especially of corneille and racine. This reserach founded on a historical method will enlighten a mass of notions that debated the french society in mouvement in the hinge of the seventeenth and eighteenth centuries

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Chatzipetrou, Sofia. "Conscience tragique grecque et conscience humaniste chez Albert Camus." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030144.

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Abstract:

Le présent travail examine l’œuvre à la fois romanesque et théâtrale d’Albert Camus dans sa réception des concepts constitutifs de la conscience telle que l’entend la tragédie grecque. Il s’agit de mettre en évidence la manière dont ces concepts sont reçus, transformés et enfin incorporés dans l’univers littéraire et philosophique de Camus. Conscience signifiant la connaissance que chacun a de soi-même (de son thumós), le mot fait appel à une connaissance susceptible d’être partagée avec les autres. Autour de la volonté de l’existence s’organisent donc des sentiments d’unité et de cohérence, d’autonomie et d’hétéronomie. Entre le retour sur soi d’un côté et l’ouverture au monde de l’autre, la conscience figure comme préoccupation essentielle de l’esprit tragique et camusien également. Au cœur d’une antithèse continuelle, l’homme doit transformer le coup du Destin et de l’Absurde en champ fécond : Revendication et Révolte constituent, dès lors, le chemin à suivre pour être et, surtout, demeurer humain. De l’affirmation du « soi » tragique au « métier d’homme » exigé par l’écrivain, conscience et identité s’entrelacent et font de l’individu le créateur du sens. À travers les éléments fondateurs de la conscience tragique, Camus envisage ainsi une identité qui, consciente de ses contradictions, ses droits et ses devoirs, demeure cohérente : l’identité de l’homme révolté
This thesis examines Albert Camus’ work, both fictional and dramatic, in its reception of conscience’s primary concepts as introduced by the Greek tragedy. The point is to find out how these concepts are received, transformed and finally incorporated in Camus’ literary and philosophic world.Conscience meaning the knowledge that everyone has of himself (thumós), it aims at a knowledge supposed to be shared with the others. Around the desire of existence therefore, feelings of unity and coherence, autonomy and heteronomy set up. Between introspection on one hand and opening to the world on the other, the conscience figures as a key theme for both tragic and camusian reflection. At the heart of enduring oppositions, the person must transform Destiny’s and Absurd’s blow into a productive range: thus, Requisition and Rebellion trace the way to go in order to be and remain human. From tragic « self » affirmation to the « human vocation » required by the author, conscience and identity interact and indicate the individual as the creator of meaning. Through Greek tragedy’s essential principles, Camus aims thereby at an identity which, aware of its contradictions, its rights and duties, remains consistent: the rebel’s identity

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Park, Myung-Hee. "L'humour et le tragique dans le théâtre de Samuel Beckett." Toulouse 2, 1991. http://www.theses.fr/1991TOU20036.

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Abstract:

Il s'agit d'une anatomie de la creation theatrale de samuel beckett dans un contexte de la litterature d'humour du 20e siecle. Cela nous permet, d'une part de montrer de quelle maniere une piece comme en attendant godot se combine, malgre le dessechement dramatique, avec les lois generales; et, d'autre part, de mettre en evidence que le tragique evolue vers l'humour noir par son propre chemin. L'humour devient ainsi l'expression privilegiee d'une nouvelle forme du tragique, notamment de l'absurdite et de non-sens de la condition humaine
This work is an anatomy of beckett's theatrical creation in the context of humour's literature of 20th century. This allow us to observer, on the hand that a play even like waiting for godot would, in spite of the apparent abandon of conventional status, be placed under the general law of theatre; and the other hand, that the beckett's tragic progresstowards the macabre humour. Thus, his humour become the privileged expression of the tragic who represent the absurdity and the "nonsens" of the human condition

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Guni, Karin. "L'existence tragique dans la prose de Marie Luise Kaschnitz." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040060.

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Abstract:

Pour suivre l'évolution artistique de Marie Luise Kaschnitz,il est indispensable de suivre son itinéraire spirituel à travers sa prose autobiographique. Cela permet de déceler les différentes étapes de la métamorphose,tant sur le plan humain que sur le plan artistique,de même que les traits caractéristiques de ce processus qui est une composante de base de "l'existence tragique". Témoin de son temps,Marie Luise Kaschnitz est restée à l'écart des groupes et courants littéraires. Bien qu'elle n'ait pas innové sur le plan du langage,elle fait partie d'une avant-garde ayant préparé, à travers son oeuvre,cette "conscience tragique". Le style la préoccupait moins que le fait de tout dire. Son oeuvre est difficile d'accès
In order to trace the artistic developement of M. L. K. ,it is imperative to follow her spiritual journey,through her autobiographical prose. .

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Ezéchiel, Lanfranchi Pierluigi. "L'"Exagoge" d'Ezéchiel le tragique : introduction, texte, traduction et commentaire /." Leiden : Brill, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb402401049.

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Ntantinakis, Konstantinos. "Femmes et pouvoir dans le théâtre tragique crétois (1590-1647)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030020.

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Abstract:

Le Théâtre Crétois est le seul théâtre existant en Grèce à la suite du théâtre classique antique et le seul "signe" théâtral grec de la Renaissance; Dans les œuvres tragiques Erophile et Jérusalem Délivrée de G. Chortatzis, Le Sacrifice d'Abraham d'auteur anonyme et Rodolinos de I. A. Troi͏̈los, la question "femme et pouvoir" présente un grand intérêt pour la situation des femmes en Crète pendant cette période face aux multiples aspects du pouvoir. Malgré l'universalité de ce théâtre, et ses influences issues du théâtre italien, les personnages féminins ont une identité complètement grecque, et ils portent l'écho d'un vieux monde oublié, le monde matriarcal. La rhétorique des personnages féminins ne mène pas le lecteur à une problématique uniquement amoureuse, mais elle mène aussi à une problématique socio-politique : les héroi͏̈nes permettent aux auteurs crétois de personnifier des idées qui leur sont chères, dans une réalité historique grave, sous l'occupation vénitienne et la menace turque. Les exhortations des héroi͏̈nes contre les divers mécanismes du pouvoir sous lequel elles se trouvent reflètent l'expression de l'âme d'un peuple désespéré sous une puissance tyrannique
The Cretan Theatre (1590-1647) is the only theatre existing in Crete following the ancient classic theatre and is also the only theatrical sign in the Greek Renaissance. The question "Women and authority" in the tragic plays (Erophile and Delivered Jerusalem of G. Chortatzis, The Abraham's sacrifice of anonymous author, Rodolinos of I. A. TroÔlos) presents a great interest on women's situation in Crete, during that period, facing the multiple sides of authority. Despite the universality of that theatre and its influences from the Italian theatre, women's characters are absolutely Greek and they also bring the echo of a forgotten world, the matriarchal period. The rhetoric of women's characters doesn't only lead the reader into the mere problem of love but also into a sociopolitical problem: the heroines allow the authors to personify ideas that they cherish, in a serious historical reality, under the Venetian occupation and the Turkish threat. The heroines' exhortations against the varied machinery of the power they suffer from reflect the soul of a people without hope under the burden of a tyrannical power

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Busca, Maurizio. "Ovide et le théâtre tragique français des XVIe et XVIIe siècles (Métamorphoses et Héroïdes)." Thesis, Lyon, 2017. http://www.theses.fr/2017LYSE3023/document.

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Abstract:

Le présent travail propose une étude diachronique des tragédies d’argument ovidien parues en France entre la moitié du XVIe et la fin du XVIIe siècle, ainsi qu’une étude ciblée des tragédies dont le sujet est tiré du recueil des Héroïdes.La littérature française de ces époques, on le sait, est liée intimement à l’œuvre d’Ovide : non seulement les écrits du poète connaissent une diffusion extraordinaire, mais leurs traductions, réécritures et imitations, leurs adaptations théâtrales et leurs transpositions figuratives sont légion. La diffusion et l’appropriation des œuvres d’Ovide ont contribué à la naissance de nouveaux genres littéraires et ont donné lieu à l’émergence de phénomènes d’émulation qui ont nourri notamment l’élaboration de l’esthétique galante et élégiaque dans la seconde moitié du XVIIe siècle, ainsi que Marie-Claire Chatelain l’a montré. Le caractère extrêmement capillaire et stratifié de la présence d’Ovide dans la culture française, par conséquent, impose la plus grande prudence.L’étude des tragédies d’argument ovidien montre, tout d’abord, que les auteurs ont la tendance à ne pas afficher leurs dettes envers Ovide dans leurs textes liminaires, en préférant mentionner des auteurs anciens considérés comme plus prestigieux. Pourtant, surtout dans la première moitié du XVIIe siècle, les cas d’imitation proche du modèle sont nombreux. Certes, l’étendue généralement modeste des morceaux poétiques qu’Ovide accorde aux mythes qu’il développe dans ses œuvres implique un travail d’amplificatio imposant, dans lequel l’intertexte ovidien peut finir par se délayer. Par ailleurs, les contraintes que le passage de genre impose aux dramaturges entraînent des changements non seulement aux niveaux de l’elocutio et de la dispositio mais aussi de l’inventio : tout n’est pas représentable sur la scène tragique française et, inversement, certains éléments qui peuvent manquer dans une épître ou un récit d’Ovide ne peuvent pas faire défaut dans une pièce théâtrale de certaines époques. La production de pièces de sujet ovidien est considérable dans les années 1620-1630 ; elle connaît une baisse remarquable dans les années 1640-1660, pour remonter à partir des années 1670 : l’essor de la tragédie lyrique, souvent de sujet métamorphique, entraîne la production de tragédies du même sujet par une dynamique d’émulation.Si l’influence des Héroïdes sur le théâtre tragique français est souvent tenue pour certaine, aucune étude systématique n’avait été menée pour le vérifier jusqu’à présent. Nous avons retenu, dans notre corpus, seulement les pièces traitant des héroïnes et des héros du recueil. Dans la première partie du XVIIe siècle on assiste généralement à des pratiques d’imitation proche du modèle ; au fil du siècle, en revanche, les auteurs prennent de plus en plus les distances du texte ovidien, en s’inspirant davantage des pièces de leurs prédécesseurs français. Environ la moitié des Héroïdes ne connaît pas de transposition théâtrale, et dans le cas de plusieurs personnages (Phèdre, Didon, Médée) les auteurs de théâtre négligent les relectures élégiaques proposées par Ovide en privilégiant les sources anciennes tragiques et épiques.Sans avoir la prétention de fournir des réponses exhaustives sur la question du rayonnement d’Ovide dans le théâtre tragique français des XVIe et XVIIe siècles, cette thèse ne constitue que la première étape d’un travail plus vaste. Cette première étape, néanmoins, aura permis de relever que les liens entre l’œuvre d’Ovide (notamment les Héroïdes) et le théâtre tragique français sont plus complexes que ce que l’on croit
This thesis is a diachronic study of Ovidian tragedies published in France between the middle of the sixteenth century and the end of the seventeenth century, as well as a more focused study on those tragedies based on the Heroides.It is well known that French literature of this period is intimately linked to the Ovidian corpus: the poet’s writings were widely circulated and there was a proliferation of translations, rewritings and imitations, as well as theatrical adaptations and figurative transpositions. This diffusion and appropriation of Ovid’s works contributed to the birth of new literary genres and gave rise to the emergence of the phenomena of emulation which, as Marie-Claire Chatelain has shown, notably fostered the elaboration of the gallant and elegiac aesthetic in the second half of the seventeenth century. The extremely extensive and stratified nature of Ovid’s presence in French culture thus necessitates the utmost caution in this study.The study of these Ovidian tragedies firstly shows that the authors tended not to reveal their debt to Ovid in their liminary texts, preferring to cite classical authors that were considered more prestigious. Yet, especially in the first half of the seventeenth century, there are numerous cases of imitation that closely resemble the Ovidian model. Admittedly, the generally modest length of the poetic passages that Ovid grants to the myths he develops in his writings thus requires an impressive amount of amplificato, in which the Ovidian intertext is inevitably diluted. Moreover, the change in genre imposes certain constraints for the dramatist, inevitably leading to modifications not only at the level of elecutio and dispositio, but also inventio. While not everything can be represented on the French tragic stage, certain elements that may not feature in an Ovidian epistle or narrative inversely cannot be absent in a French tragedy of this period. The production of Ovidian tragedies was considerable in 1620 – 1630; it underwent a remarkable decline from 1640 – 1660 and then experienced a revival in the 1670s. The rise of lyrical tragedy, often on the subject of metamorphosis, led to the production of tragedies on this subject by a dynamic of emulation. If the influence of the Heroides on French tragic theatre is often held as certain, no systematic study had previously been carried out to verify this. The corpus of plays referenced here are those that deal with the heroines and the heroes of the collection. In the first half of the seventeenth century, one generally observes practices of imitation close to the model. Over the course of the century, however, authors increasingly distanced themselves from the Ovidian text, drawing more on the works of their French predecessors. Around half of the Heroides do not undergo a theatrical transposition and, in the case of several characters (Phèdre, Dido and Medea), the dramatists abandon the elegiac re-readings proposed by Ovid and instead draw from ancient tragic and epic sources.Without claiming to provide exhaustive answers to the question of Ovid’s influence on French tragedy of the sixteenth and seventeenth centuries, this thesis constitutes the first stage of a more extensive piece of work. This first step, however, reveals that the links between Ovid's work, with particular focus on the Heroides, and French tragedy are more complex than has been believed

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Bassène, Ignace. "Le Tragique dans l'oeuvre d' Eugène Ionesco." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3002.

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Abstract:

Si d'aucuns pensent que la tragédie est morte, le tragique quant à lui reste une catégorie théâtrale toujours actuelle. Chez Eugène Ionesco, dramaturge de la deuxième moitié du XXe siècle, nous retrouvons le sens du tragique dans ses oeuvres même si celui-ci diffère de l'époque antique. Le tragique ionescien s'inspire sur une vision du monde fondamentalement absurde. Ainsi, à l'instar de ses contemporains comme Samuel Beckett par exemple, Eugène Ionesco propose un tragique humble (cf. Jeux de massacre : tragique = absence d'issue), un tragique politique à la mesure des bouleversements du siècle (cf. Rhinocéros, Le Roi se meurt, Macbett, etc.). A la place des héros combattants, on a chez Ionesco des fantoches qui gesticulent, des objets qui prolifèrent (cf. Les Chaises) ; un langage humain qui est mis en cause (cf. La Cantatrice chauve « tragédie du langage »). Le théâtre d'Eugène Ionesco naît plutôt de la crise de l'humanisme
If some people think that the tragedy died, the tragic as for him rest an always current theatrical category. At Eugène Ionesco, playwright of the second half of the XXth century, we find the sense (direction) of the tragic in its works even if this one differs from the antique time (period).The ionescien tragic is inspired on a vision of the world fundamentally absurd. So, following the example of his contemporaries as Samuel Beckett for example, Eugène Ionesco proposes a tragic humble (cf. Games (sets) of massacre: tragic = absence of outcome (exit)), a tragic political in the measure of the upheavals of the century (cf. Rhinoceros, King is dying, Macbett, etc.). On the place (square) of the heroes fighters, we have at Ionesco the marionettes which gesture, objects which proliferate (cf. Chairs); a human language which is questioned (implicated) (cf. The bald Opera singer "tragedy of the language"). The theater of Eugène Ionesco arises rather from the crisis of the humanism

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Stavrianos, Georges. ""L'Etranger" de Camus : de l'expérience tragique à l'exigence esthétique." Nancy 2, 1990. http://www.theses.fr/1990NAN21030.

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Abstract:

Le meurtre d'un arabe par meursault, le héros de "l'étranger", constitue le centre géographique du roman. Nous le considérons sous trois angles différents : sociologique, tragique et esthétique. Condamné pour n'avoir pas pleure le jour de l'enterrement de la propre mère, il accepte avoir commis ce meurtre étant sous l'influence du soleil. Notre effort consiste à faire apparaitre le moi profond de l'écrivain ainsi que son aspiration a l'absolu. La quête du salut qui le délivrera de son angoisse métaphysique nous amène à croire que le crime a bien eu lieu pour des raisons esthétiques. Irréconcilié ainsi avec le soleil, il découvre sa liberté et son bonheur dans la prison, à la tombée de la nuit
The murder of an Arab by Meursault, the hero of "the stranger" is at the centre of the novel. We will study it from three different angles: sociological, tragic and aesthetic. Condemned because he didn't weep on the day of his mother's funeral, he confesses to the murder, being under the influence of the sun. Our work trys to bring out the inner identity of the author as well as his search for the absolute. His quest for salvation which will release him from his metaphysical anguish, leads us to believe that the crime did indeed take place for aesthetic reasons. Unreconciled with the sun, he discovers liberty and happiness in prison, at nightfall

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Gros, de Gasquet Julia. "En disant l'alexandrin : l'acteur tragique et son art, XVII-XXe siècle /." Paris : H. Champion, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb401824613.

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Abstract:

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Littérature et civilisation françaises--Paris 4, 2002. Titre de soutenance : L'oralité de l'alexandrin classique, l'acteur et son art.
Bibliogr. p. 369-388. Index.

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Lengongo, Chamberlin. "La tentation lyrique : tragique et consolation dans l’œuvre romanesque d’André Malraux." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100182.

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Abstract:

Le tragique semble encore être au cœur de la littérature française au XXe siècle malgré la mort de la tragédie classique évoquée par des critiques comme Georges Steiner. En effet, la mort de la tragédie ne renvoie pas pour autant à la disparition du tragique. Bien au contraire, le tragique survit et prend de nouvelles formes dont celle du roman. C’est précisément cette « nouvelle forme » que nous analysons dans cette thèse intitulée « La tentation lyrique : tragique et consolation dans l’œuvre romanesque d’André Malraux » car « le roman moderne est […] un moyen d’expression privilégiée du tragique de l’homme, non une élucidation de l’individu ». C’est dans ce sens que ses romans participent de ce que Jean-Marie Domenach appelle le retour du tragique qui, dans son retour ne se limite plus au cadre du théâtre mais le déborde pour ainsi finir par s’investir dans d’autres genres tels le roman, la poésie, la musique voire le cinéma. Cette étude porte donc sur la vision tragique de Malraux. Elle examine comment elle se forge, son évolution et son mode d’expression. Nous essayons ainsi de voir les rapports complexes qui existent, chez Malraux, entre le tragique et le lyrique. Nous tentons, en outre, de voir comment Malraux parvient à sublimer ce tragique moderne en développant une poétique de la consolation
The tragedy still seems to be in the middle of the French literature at the XXème century in spite of the death of the traditional tragedy evoked by critics like George Steiner. Indeed, the death of the tragedy does not return therefore to the disappearance of the tragedy. Quite to the contrary, the tragedy survives and takes new forms of which that of the novel. It is precisely this “new form” which we analyze in this thesis entitled “lyric temptation: tragedy and consolation in the novel of Andre Malraux” because “the modern novel is […] a means of expression privileged of the tragedy of the man, not an elucidation of the individual”. It is in this direction which its novels take part of what Jean-Marie Domenach calls the return of the tragedy which, in its return is not limited any more to the framework of the theatre but overflows it for thus ending up investing in other kinds the such novel, poetry, the music even the cinema. This study thus relates to the tragic vision of Malraux. It examines how it is forged, its evolution and its mode of expression. We thus try to see the complex relationship which exists, at Malraux, between the tragedy and the lyric one. We try, moreover, to see how Malraux manages to sublimate this modern tragedy by developing poetic consolation

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Park, Hyung Sub. "Eugene Ionesco et la conscience tragique dans le cycle de Berenger." Paris 8, 1989. http://www.theses.fr/1989PA080373.

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Abstract:

Ce travail, qui est divise en deux parties, traite des aspects que revet le tragique dans l'oeuvre d'ionesco. D'une part l'importance que l'auteur a attache a l'homme et a son angoisse existentielle fondamentale est mise en lumiere, et d'autre part quelque problemes dramaturgique est cernes lorsque ses idees de l'existence se sont heurtees aux formes traditionnelles du theatre de son epoque dans la 1er partie, l'experience personelle d'ionesco et les problemes dramaturgiques sont successivement apprehendes en faisant le lien entre ses premiers ecrits. Dans la 2eme partie, chaque chapitre est aborde sous l'angle d'une analyse thematique s'appuyant de facon concrete sur les textes de l'auteur
This study consisting of two greats parties deal with the aspects dressed up a tragedy in the work of ionesco. On the one hand the importance that the author has attached to the man and to his outstaugly fundamental anguish is discovered, on the other hand some dramaturgicals problems are analysed when his ideas of the existence collided with traditionals forms of the theatre in his life. In the first party, the personel experience of ionesco and the dramaturgicals pre catched by the relations between his first works. In the second party, each chapter is approched under the point of the thematic analysis in resting on the concrete way for his texts

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Devette, Pascale. "La pensée tragique d'Albert Camus, de Simone Weil et d'Hannah Arendt." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCC195/document.

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Abstract:

Cette thèse propose une conception du tragique à partir des pensées d’Albert Camus (1913-1960), de Simone Weil (1909-1943) et d’Hannah Arendt (1906-1975). L’objectif n’est pas uniquement de comparer leurs pensées, mais de révéler chez chacun une vision du tragique qui permet, à terme, de peindre les contours d’une pensée tragique. La pensée tragique est pensée de l’existence, de l’humain, du politique, de la médiation par le récit et du travail. Il y a tragique lorsque la personne se dépossède d’une part de souveraineté. Cette destitution est ouverture radicale à soi et au monde, parce qu’elle arrache pour un moment ce que la force a déposé en soi-même. Sur le plan politique, le tragique apparaît lorsqu’il y a pluralité et implique une capacité à argumenter avec les autres, à les regarder et à les écouter. Ce faisant, le tragique intègre une conception non souveraine du « soi » et de la vie à plusieurs, il fait état d’un souci constant pour arrimer la démesure de certaines actions à la mesure d’un monde partagé en commun. Au registre plus individuel, la posture tragique peut se décrire comme capacité à percevoir plus loin que soi. La personne qui a un rapport tragique au monde s’enfonce, pour ainsi dire, dans l’extériorité, au sens où elle remarque la non-souveraineté des autres et d’elle-même sur l’action, où elle se confronte à la nécessité parfois souffrante de la vie. Cette confrontation lui permet de distinguer dans l’extériorité ce qui doit être changé et ce qui relève de la nature des choses. Pour que le tragique du politique s’arrime avec le tragique individuellement vécu, certaines médiations doivent être présentes, notamment la circulation de récits (mettant en scène la non-souveraineté des acteurs politiques et la fragilité du commun), d’une part, et des conditions de travail favorisant la réceptivité de ces récits, d’autre part
This dissertation argues for a conception of the tragic based on the thought of Albert Camus (1913-1960), Simone Weil (1909-1943) and Hannah Arendt (1906-1975). The goal is to compare not only their thought in general, but to reveal in each a vision of the tragic that develops a sketch of the contours of a tragic thought. Tragic thought is the thought of existence, of the human, of the political, and of mediation through storytelling and labour. The tragic emerges when one is dispossessed from a part of one’s sovereignty. This destitution is a radical opening to self and to the world because, for a moment, it snatches away whatever strength had been gathered in the self. On the political level, the tragic appears in a context of plurality and it implies a capacity to debate with others, to look at them and to listen to them. In so doing, the tragic integrates a non-sovereign conception of “self” and of collective life. It constantly tries to fix the excessiveness of certain actions to the extent of the shared and common world. On the individual level, the tragic attitude can be described as a capacity to perceive beyond the self. The individual who has a tragic relationship to the world is submerged in exteriority, in the sense that she notices the non-sovereignty of others and of herself with respect to action; she directly faces the necessity and often the suffering of life. This confrontation allows her to distinguish outside of herself that which must be changed from that of the natural order of things. For the tragic of the political to align itself with the tragic as lived individually certain mediations must be present, notably the circulation of storytelling (presenting the non-sovereignty of political actors and the fragility of the common), on the one hand, and the conditions of labour that favour the reception of this storytelling, on the other

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Maia, Tomás. "Le Deuil de personne : la possibilité de l'art et le tragique moderne." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2004. http://www.theses.fr/2004STR20054.

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Abstract:

La thèse affronte la plus ancienne question que l'on peut poser à propos de l'art, celle de son origine ou de sa possibilité. Nous partons d'une hypothèse générale sur l'Occident artistique : par l'art, les humains cherchent à renaître, mais une telle répétition de la naissance ne devient possible qu'à travers son strict revers - la répétition ou, plus exactement, l'anticipation de la mort. L'art serait à ce titre l'expérience de ce que certains sociologues et historiens des religions appellent la " mort-naissance " ou la " mort initiatique ". Dès lors, le souci le plus profond de la thèse revient à distinguer - autant que faire se peut - l'expérience artistique de l'expérience religieuse, si l'on admet que l'advenue des temps modernes coi͏̈ncide avec l'effondrement de la " religion positive " (des dogmes et du pouvoir ecclésiastique). Cette hypothèse générale est pourtant abordée sous un angle déterminé - celui du tragique. Outre le besoin de définir la teneur concrète de la thèse, cette restriction s'est imposée pour essentiellement deux raisons : c'est dans le tragique que l'on perçoit de façon explicite la conjonction de la mort et de la naissance du sujet de l'art (du héros, en l'occurrence), et c'est autour du tragique que l'on peut discerner ce que nous appellerons la croisée moderne des pensées sur l'art (face à la religion), - nommément celles de Hegel (l'art est une religion du passé), de Schelling (l'art est la religion de l'avenir) et enfin de Hölderlin (l'art se dessaisit sinon de la religion du moins du religieux en tant qu'exigence sacrificielle). Alors, il se fait jour que la possibilité de l'art - se séparant du sacrifice, ainsi que nous le donne à penser Hölderlin - provient de l'expérience du deuil impersonnel. Soit, du deuil représenté qui ne concerne personne en particulier mais qui s'adresse à tout le monde : à l'humanité mortelle
The thesis addresses the primordial question raised by art : that of its origin or of its very possibility. Our starting point is a general hypothesis on art in the Western world : human beings strive for a rebirth through art, yet it is only through the precise opposite that this renaissance becomes possible -that is, through the repetition, or more specifically, the anticipation of death. Thus, art is the experience which some sociologists and historians of religion would call "deathbirth" or death as initiation. The aim of this thesis is, above all, to distinguish as far as possible between the artistic and the religious experience given that the heralding of modern times has coincided with the collapse of "positive religion" i. E. Of dogmas and ecclesiastic power. .

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Handaj, Abdellah. "Le héros tragique dans les oeuvres majeures d'Ernest Hemingway." Nancy 2, 1999. http://www.theses.fr/1999NAN21019.

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Abstract:

Ce travail consiste en une étude du héros tragique à travers les oeuvres majeures de Hemingway : The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), et The Old Man and the Sea (1952). Dans une approche générale de la vision tragique, nous étudierons en particulier le rôle de la mort dans son oeuvre romanesque, car ses personnages sont souvent hantés par ce thème. La place de l'amour qui apparaît dans tous ses romans, comme aspect de la vision tragique ou comme remède, les blessures physiques et psychologiques qui sont les causes de l'expérience tragique du héros, les moyens qu'il trouve pour survivre dans un monde devenu absurde seront aussi analysés, ainsi que des thèmes particuliers (le déracinement, la tauromachie, le sentiment de néant, la fuite du temps, le vieillissement. . . ), afin de cerner au mieux la vision tragique dans chaque roman. Les oeuvres seront étudiées par ordre chronologique, afin de voir s'il existe une évolution de la vision tragique chez l'auteur. Etant donné que l'auteur a subi lui-même des blessures physiques et psychologiques, (traumatismes liés à son enfance, blessures de guerre et suicide de son père), nous essayerons de voir s'il y a un lien entre sa fiction et sa vie personnelle, qui fut en apparence, et selon sa légende, à la fois mouvementée et flamboyante. Nous analyserons plus particulièrement l'importance qu'il attachait au fait d'écrire qui fut non seulement pour lui le moyen à travers lequel il espérait atteindre une certaine 'immortalité', mais aussi et surtout la seule panacée qui lui permettait de se débarrasser de ses angoisses. Nous mettrons également l'accent sur le fait que lorsque, dans les années cinquante, Hemingway prit conscience qu'il était incapable de rester fidèle à sa légende, il sentit que ce moyen de survie lui échappait, ce qui aboutit à un désespoir profond
This dissertation aims at studying the Hemingwayian hero's tragic vision of life. The major works we will be dealing with are The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), and The Old Man and the Sea (1952). First and foremost, we will analyse the role of death in Hemingway's fiction, because his heroes are often haunted by this theme. Love, which pervades most of his fiction, as a cause of -- or as a remedy for -- his characters' tragic experience, as well as the physical and psychological wounds at the basis of their tragic vision of life, will be analysed. The different ways through which the Hemingwayian heroes manage to survive in a hostile world will also be discussed. We will deal chronologically with the novels in order to see whether an evolution in the writer's vision can be detected. Since Hemingway himself received serious physical and psychological wounds, (the traumas relating to his childhood within a puritanical family, the shock caused by his war experience and his father's suicide), our purpose is to see whether there exists an interaction between his private life, which seems, on the surface, both exciting and hectic, and his fictional world. The fact that writing was not only a means through which Hemingway longed to attain 'immortality', but was also a remedy for him to ward off his feelings of nada will be emphasised and we will therefore also try to see whether, when the writer realised that he was no longer able to be the legendary figure he used to be, this remedy, which had enabled him to survive so far, was still powerful enough to save him from total despair

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Fierobe, Nathalie. "Mishima et Nietzsche : entre tragique et modernité : le compromis avec l'impossible : essai de transtextualité." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1996PA030102.

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Abstract:

L'objet de cette these est de demontrer que mishima et nietzsche ont vecu une aventure similaire et emprunte une direction comparable, portes qu'ils etaient par une nostalgie, du bushido (la voie des samourai) pour le premier, de la philosophie des presocratiques pour le second. Cette etude ne saurait bien sur faire abstraction des parcours textuels respectifs de nos auteurs avec leur interrogativite propre, des rencontres parfois determinantes, des luttes, des refus qui ont accelere leur destin. Au contraire, nous aurons a reperer les differences significatives. Chemin faisant, des relations se sont etablies entre des concepts, des idees, voire des sentiments, qui representent soit une parente manifeste, decleree, soit un lien plus secret noue par notre travail critique et interpretatif. Quelles passerelles emprunter pour confronter une oeuvre litteraire a une oeuvre philosophique ? le premier pont est emprunte au comparatisme : c'est classiquement l'analyse a partir des themes nominaux. Seulement, ceux-ci doivent etre apprehendes en rapport avec le questionnement qu'ils illustrent et supportent tout a la fois. Car il importe de considerer les oeuvres dans leur typicalite textuelle. Cette seconde passerelle utilise les acquis d'une methode particuliere qu'on peut appeler la textologie comparee, d'ou notre sous-titre "essai de transtextualite".

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Drissi, Hamida. "L'œuvre de Marguerite Duras ou L'expression d'un tragique moderne." Phd thesis, Université Paris-Est, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00432049.

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Abstract:

Le tragique semble être au coeur de la littérature contemporaine. En effet, la mort de la tragédie classique ne signifie pas la disparition du tragique. Au contraire, celui-ci survit et prend de nouvelles formes. C'est précisément cette " nouvelle forme " que nous analysons dans notre thèse intitulée " L'oeuvre de Marguerite Duras ou l'expression d'un tragique moderne ". L'oeuvre durassienne participe de ce que Jean-Marie Domenach nomme " le retour du tragique ". Notre étude porte sur la vision tragique de Duras. Elle examine aussi l'évolution du tragique durassien en le comparant souvent au tragique antique. Nous essayons, également, les rapports complexes qui existent, chez Duras, entre le tragique et le comique. Nous tentons, en outre, de voir comment Duras réussit à dépasser ce tragique moderne en développant une ethétique du détachement

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Almeida, Brum Duarte José Thomaz. "Vision pessimiste et vision tragique : la conception de l'homme chez Schopenhauer et chez Nietzsche." Nice, 1996. http://www.theses.fr/1996NICE2038.

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Abstract:

Ce travail se propose de présenter la conception de l'homme chez Schopenhauer et chez Nietzsche. Il expose la vision pessimiste de Schopenhauer et celle tragique de Nietzsche. Afin d'étudier l'opposition entre pessimisme et pensée tragique nous avons fiat une comparaison entre les visions schopenhauerienne et nietzschéenne du concept de volonté : volonté de vivre (wille zum leben) et volonté de puissance (wille zur macht). La dimension esthétique chez les deuc philosophes est privilégiée dans ce travail à cause de l'importance attribuée par eux à l'art comme étant capable de donner une réponse singulière à la question de l'existence
This work aims to present the conception of man in Schopenhauer and Nietzsche. It discusses Schopenhauer's pessimistic and Nietzche's tragic visions. In order to study the opposition between pessimism and tragic thought we have drawn a comparison between Schopenhauer's and Nietzsche's views of the concept of will: the will to live (wille zum leben) and the will to power (wille sur macht). The aesthetic dimension in both philosophers is stressed in this work for the importance both ascribe to art as being capable of providing a unique answer to the problem of existence

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Mouraret, Lauriane. "Interlocution et style tragique à l'âge classique : Théophile de Viau, Rotrou, Corneille et Racine." Thesis, Université Grenoble Alpes, 2020. http://www.theses.fr/2020GRALL030.

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Abstract:

Grâce à l’exploration détaillée de la langue employée par Théophile de Viau, Rotrou, Corneille et Racine dans leurs tragédies, cette réflexion sur le dialogue confronte les résultats de l’approche proprement linguistique (syntaxe, pragmatique, sémantique…) et ceux de l’analyse rhétorique. La thèse s’attache à montrer comment le passage brutal au tutoiement (ou à l’inverse au vouvoiement) peut soutenir l’effet de sublime (au sens de Longin, redécouvert par Boileau), comment tel usage de l’apposition nominale (notamment en position frontale) peut soutenir l’effet pathétique d’une réplique ou d’un extrait (on parcourt à ce sujet toute la gamme des pathè décrite par Aristote) ou consolider l’image de soi (ethos) que l’on souhaite imposer par le discours. Elle vise à démontrer à quel point les constructions interlocutives portent l’action tragique aussi bien que les enjeux oratoires du dialogue. Cette vaste enquête, fondée sur le savoir linguistique le plus précis comme sur l’approche philologique de la rhétorique développée par l’équipe RARE, permet une réflexion d’ordre épistémologique : il y a là matière à questionner les rapports entre stylistique et rhétorique, disciplines tantôt conçues comme antagonistes (par exemple chez Spitzer), tantôt comme complémentaires. Certains termes (l’emphase, l’apostrophe…) recouvrent aussi bien des notions rhétoriques que des réalités syntaxiques : il semble donc important de repérer d’éventuels transferts, pas toujours linéaires ou unidirectionnels, de décrire les effets de discordance ou au contraire de superposition entre ces disciplines
Using a detailed exploration of the language used by Théophile de Viau, Rotrou, Corneille and Racine in their tragedies, this study of dramatic dialogue confronts the results of a linguistic approach (syntactical, pragmatic, semantic…) with those of rhetorical analysis. The thesis strives to show how the brutal transition to tutoiement (or, in the opposite case, to vouvoiement) can sustain the sublime effect (used in the sense of Longin, rediscovered by Boileau) and how such use of the nominal apposition (especially in the frontal position) can sustain the pathos of a reply or of an extract (for that point we cover all the ranges of the pathè described by Aristotle) or consolidate the self-image (ethos) ones wishes to enforce with the speech. It aims to demonstrate how interlocutive structures carry both the action of tragedy as well as the oratorical aspects of dialogue. This broad investigation, based on the most precise linguistic knowledge as well as on the philological approach to rhetoric developed by the RARE team, enables a sort of epistemological thinking: there is a way to interrogate the relations between stylistics and rhetoric, subjects sometimes considered as antagonistic (for instance in Spitzer’s work), sometimes as complementary. Some specific terms (emphasis, apostrophe…) overlay rhetorical notions as well as syntactical realities: therefore, it seems important to spot some prospective transitions, which are not always linear or unidirectional, to describe the effects of unconformity or, alternatively, of layerings between these disciplines

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Thévenet, Lucie. "Se dire sur la scène tragique : de l'identification à l'épiphanie." Caen, 2006. http://www.theses.fr/2006CAEN1470.

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Abstract:

Afin de comprendre la constitution du personnage tragique, on se concentrera sur la période de l’apogée de la tragédie grecque, au Vème siècle avant J. -C. à Athènes, à travers les pièces conservées d'Eschyle, de Sophocle et d'Euripide (Rhésos inclus). L'hypothèse de travail consiste à envisager la parole réflexive du personnage sur lui-même, en limitant la vaste notion d'identité aux passages dans lesquels s'énonce l'identité personnelle. On retiendra comme éléments identitaires le nom, le patronyme, et le génos dans sa double acception d'origine généalogique et géographique. Un tel relevé amène à confronter des passages de nature très différente : présentation de soi dans les scènes de rencontre ; négation de soi dans les moments de crise ; affirmation de soi dans les passages plus théâtralisés du prologue et de l'exodos euripidéens. On passe ainsi d'une mise en question extérieure de l'identité, interrogée et prouvée dans les scènes de reconnaissance, à une mise en question intérieure qui accuse une rupture dans l'identité référentielle du héros. L'impossibilité de se dire soi plus longtemps, liée à la perte du corps héroïque, aboutit à une mise en spectacle de soi, par le motif de l'appel au regard sur l'identité souffrante, comme une véritable incarnation du tragique. L'identité alors recomposée se traduit par une affirmation revendiquée, que le rapprochement avec le modèle du deus ex machina de l'exodos invite à lire sur le mode de l'épiphanie scénique, le portrait de soi en souffrance du prologue humain se comprenant alors comme un deus en devenir. Apothéose et toute-puissance de la parole théâtrale se recoupent ainsi dans l'expression de l'identité même

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Lacroix, Philippe. "Le théâtre tragique de Racine au regard de son temps et de l'histoire." Paris 12, 1989. http://www.theses.fr/1989PA120020.

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Racine a fait subir a la tragedie une veritable metamorphose: il est le champion de la renaissance courtoise et le createur d'une mystique modelee sur celle de la contre-reforme. S'il est un digne fils des anciens, racine fait aussi preuve d'une surprenante et audacieuse vision politique, subordonnee a sa mystique, et a laquelle les tragedies sacrees donnent tout son sens. Bien que cette demarche s'inscrive dans un mouvement de pensee, d'ailleurs ignore ou deforme par la critique, elle permet une nouvelle approche de l'univers racinien
Racine transforms tragedy: he is the champion of a courteous new hirth and the creator of a mystic. Ancients son, racine is so author of an audacious and refined political, explained by sacred tragedies. This idea, always ignored or learnedly transformed by the critic, has no equivalent in the tragic theatre of seventeenth century

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Dissertations / Theses on the topic 'Et le tragique'

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