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Dissertations / Theses on the topic 'Éthique et esthétique'
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McKale, Annick. "Wittgenstein, éthique et esthétique." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ39056.pdf.
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Costa, Georges da. "Éthique et esthétique de l'ironie chez José Rodrigues Miguéis." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00721155.
Full textAbstract:
José Rodrigues Miguéis [1901-1980] quitte le Portugal en 1935 et, malgré quelques tentatives de retour, il passera la plus grande partie de sa vie aux États-Unis. Cet exil, en grande partie dû à ses activités politiques contre le régime salazariste, va marquer profondément son œuvre fictionnelle. En effet, si, d'un côté, les préoccupations éthiques du militant imprègnent fortement des récits qui obéissent souvent à une stratégie littéraire globale à visée pédagogique où l'ironie classique et satirique est un instrument privilégié, de l'autre, l'écrivain fait régulièrement preuve d'une attitude critique envers soi et envers le réel et met régulièrement en scène ses doutes et ses questionnements à travers une autre ironie, romantique et moderne, qui se traduit par l'utilisation de techniques littéraires signalant un rapport réflexif à la création. Le paradoxe constitutif de toute ironie - dire simultanément l'adhésion et la mise à distance - est ainsi exacerbé par la présence de ces deux ironies contradictoires, souvent dans la même œuvre. L'objectif de ce travail est de montrer que la particularité de la fiction migueisienne réside dans cette cohabitation doublement ironique : une fiction vue comme une aire de jeu caractérisée par l'ambiguïté, où l'écrivain joue avec les conventions littéraire, avec les genres, avec les instances personnage-narrateur-auteur qu'il tend à confondre, et, surtout, avec la dimension autobiographique, prépondérante. L'ironie classique et l'ironie romantique et moderne apparaissent alors comme les deux faces littéraires d'un même drame identitaire, celui d'un écrivain exilé qui se veut et qui est, avant tout, portugais.
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Weber-Maillot, Tatiana. "Le Moyen-Age de Chateaubriand : esthétique, éthique et idéologie." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040121.
Full textAbstract:
Partant du présupposé que Chateaubriand a réhabilité le Moyen Age, nous étudions dans son œuvre le devenir de deux objets valorisés de façon marginale par le XVIIIe siècle et appelés à s'épanouir à l'époque romantique : le gothique et la chevalerie, en montrant comment la Révolution, rendue odieuse à l'écrivain par ses seuls crimes contre l'ancienne France, a fait de lui le passeur paradoxal d'une culture pour laquelle il n'avait pas d'inclinations natives. Au cœur d'un imaginaire gothique qui combine les images du paysage breton et les arguments du Gothic revival, le cliché du gothique sylvestre, théorie intuitive qui dispense de penser en spécialiste, est d'abord mis au service d'une re-sacralisation de la cathédrale profanée puis tiré après 1830 vers une esthétique romantique de la profusion et de l 'énormité. Le mythe chevaleresque hérité du courant troubadour est parallèlement retravaillé comme idéal christique, poésie de l'honneur et de la fidélité, modèle de grandeur tendu à un monde de pygmées. Mais la ruine conditionne l'émotion. Si Chateaubriand accueille dans son autobiographie-cathédrale la figure engagée de l'écrivain-chevalier et intègre l'éthique courtoise à ses fantasmes amoureux, le Moyen-Age, distancié par l'ironie et déréalisé par des mises en scènes fantomatiques venues du Gothic novel, est dénoncé comme modèle esthétique et idéologique réactionnaire. Tiraillé entre l'honneur et la liberté, le gothique et le classique, Chateaubriand s'arrête finalement à la Renaissance qui accomplit, sous le signe de Chambord et de François Ier, la fusion éphémère des principes et des styles et surtout, en laissant le passé mourir pacifiquement et en préservant la continuité de l'histoire, oppose à l'avènement sanglant de la modernité le miracle d'une Révolution sans douleurStarting from the presupposition that Chateaubriand rehabilitated the Middle Ages, i examine in his work the evolution of two themes which were treated as rather marginal in the 18th century, but then came to fruition in the Romantic period : the Gothic and chivalry. In doing so, I seek to show how the Revolution, which Chateaubriand despised only for its crimes against ancient France, paradoxically made him into the disseminator of a culture to which he had no innate inclination. Central to a gothic imagination which combines imagery from Breton landscapes and arguments from the Gothic revival, the cliché of the gothique sylvestre, an intuitive theory which prevents one from having to think as a specialist, first serves the purpose of a re-sacralization of a profaned cathedral, and then, after 1830, moves towards a romantic aesthetics of profusion and enormity. Parallel to this, as a model of greatness extended to a world of pygmies. But the ruin determines the emotion. If Chateaubriand brings into his "cathedral autobiography" the commited figure of the knight-writer and integrates courtly ethics into his amorous fantasies, the Middle Ages, set at the distance through irony and emptied out by ghostly stagings from the gothic novel, is denounced as a reactionary aesthetics and ideological model. Torn between honor and freedom, the Gothic and the Classic, Chateaubriand finally stops at the Renaissance which , as conveyed in the figures of Chambord and François Ier, carries out the ephemerical fusion of principles and styles and, above all, by letting the past dye peacefully and by preserving the continuity of history, opposes the bloody advent of modernity with the miracle of a painless Revolution
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Da, Costa Georges. "Éthique et esthétique de l'ironie chez José Rodrigues Miguéis." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030058/document.
Full textAbstract:
José Rodrigues Miguéis [1901-1980] quitte le Portugal en 1935 et, malgré quelques tentatives de retour, il passera la plus grande partie de sa vie aux États-Unis. Cet exil, en grande partie dû à ses activités politiques contre le régime salazariste, va marquer profondément son œuvre fictionnelle. En effet, si, d’un côté, les préoccupations éthiques du militant imprègnent fortement des récits qui obéissent souvent à une stratégie littéraire globale à visée pédagogique où l’ironie classique et satirique est un instrument privilégié, de l’autre, l’écrivain fait régulièrement preuve d’une attitude critique envers soi et envers le réel et met régulièrement en scène ses doutes et ses questionnements à travers une autre ironie, romantique et moderne, qui se traduit par l’utilisation de techniques littéraires signalant un rapport réflexif à la création. Le paradoxe constitutif de toute ironie – dire simultanément l’adhésion et la mise à distance – est ainsi exacerbé par la présence de ces deux ironies contradictoires, souvent dans la même œuvre. L’objectif de ce travail est de montrer que la particularité de la fiction migueisienne réside dans cette cohabitation doublement ironique : une fiction vue comme une aire de jeu caractérisée par l’ambiguïté, où l’écrivain joue avec les conventions littéraire, avec les genres, avec les instances personnage-narrateur-auteur qu’il tend à confondre, et, surtout, avec la dimension autobiographique, prépondérante. L’ironie classique et l’ironie romantique et moderne apparaissent alors comme les deux faces littéraires d’un même drame identitaire, celui d’un écrivain exilé qui se veut et qui est, avant tout, portugaisJosé Rodrigues Miguéis [1901-1980] leaves Portugal in 1935 and, despite several attempts to come back, he spends most of his life in the United States. This exile, mostly due to his political activities against the Salazar regime, will deeply influence his fictional work. Indeed, on the one hand, his ethical concerns as an activist strongly riddle his narratives which very often obey a global literary strategy with an educational intention where classical and satirical irony is a tool of choice. On the other hand, he regularly shows a critical attitude towards the self and towards the real and often stages his doubts and questionings through another irony, romantic and modern, using literary techniques pointing out a reflexive relationship to creation. The paradox constituting any irony – to say at the same time adhesion and detachment – is thus exacerbated by the presence of those two contradictory ironies, often in the same work. This study aims to prove that the particular nature of the Migueisian fiction lies in the simultaneous presence of those two ironies: a fiction considered as a playground characterized by ambiguity, where the writer plays with the conventions of literature, with genres, with the character-narrator-author categories that he tends to mix up all together and, above all, with the autobiographical dimension, which really plays a predominant role. The classical irony and the romantic and modern one then reveal themselves as the two literary faces of the same identitary drama, that of an exiled writer who wishes to be and is, above all, Portuguese
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Riffon, Linda. "Esthétique du refus et éthique du sacrifice la force du don." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp05/NQ61862.pdf.
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Maffre, Valérie. "Éthique et esthétique de la tempérance dans l'œuvre de Frances Sheridan." Montpellier 3, 2007. http://www.theses.fr/2007MON30056.
Full textAbstract:
Cette étude analyse la notion de tempérance dans l’œuvre de l’écrivain britannique Frances Sheridan (1724-1766). L’ambiguïté inhérente à la tempérance, qui se veut à la fois répression des excès néfastes et juste milieu, parcourt l’ensemble de ses écrits. S’inscrivant d’abord dans le débat philosophique qui oppose la raison à la passion, elle se définit comme un moyen de faire triompher la raison, autant que comme un objectif à atteindre en soi. La tempérance acquiert une portée autre si l’on prend en considération la modération attendue des personnages féminins de l’œuvre de l’écrivain. Prônée par les nombreux livres de conduite de l’époque, elle se traduit chez les femmes par une soumission exemplaire ainsi que par une modestie qui prévaut autant pour leurs occupations domestiques que pour leur érudition. La modestie, lorsqu’elle définit le corps féminin, se teinte cependant d’ambivalence en raison de l’émergence de la notion de sensibilité qui privilégie au contraire l’extériorisation voire la mise en scène. Enfin, compte tenu de la diversité de l’œuvre de Frances Sheridan, la question de la tempérance se pose d’un point de vue générique. La tempérance est alors synonyme d’encadrement et a pour fonction de maîtriser les écarts d’un style et d’une tonalité à certains égards hyperboliques ou de codifier les débordements pathétiques. Son emprise se manifeste différemment selon le genre littéraire dans lequel s’illustre l’auteur, mais, dans chaque cas, elle participe d’une esthétique de la modération qui fédère l’ensemble de l’œuvreThis thesis analyses the notion of temperance in the work of the British writer Frances Sheridan (1724-1766). Temperance is ambiguous in so far as it corresponds both to some sort of repression of negative excesses and to a golden means. This ambiguity is present throughout Frances Sheridan’s work. First, temperance can be considered as an essential notion in the philosophical debate opposing reason to passion, and more particularly in the eighteenth century, opposing the rationalists to the Moral Sense School. Temperance is also a quality, synonymous with meekness, which women must possess according to the numerous rules of the eighteenth-century conduct books. Women protagonists in Frances Sheridan’s work are characterized by their exemplary submission and their modesty, as regards their domestic duties as well as their erudition. And yet modesty itself is ambiguous when seen as a quality of the feminine body since the notion of sensibility, also much admired in the eighteenth century, promotes a communication and even a staging of emotion. Eventually, the value of temperance can be assessed from a generic point of view, as Frances Sheridan’s work comprises a romance, an oriental tale, two novels and three comedies. Temperance can then be regarded as a frame. It helps to check the hyperbolic style of some of the passages and to control excessive pathos. Even though the role of temperance varies according to the genres, it certainly contributes to establishing the aesthetics of moderation which federates the whole of Frances Sheridan’s work
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Kouadio-Bouadou, Kadiatou. "La lettre administrative et l'acte administratif unilatéral à Abidjan - éthique et esthétique communicationnelles." Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00665941.
Full textAbstract:
Entre la tradition de l'écriture et celle de l'oralité, l'écrit administratif, à Abidjan , est un écrit entre deux. Il se situe entre deux cultures que véhiculent une langue officielle au statut légitimé par la constitution et des langues locales issues de quatre groupes linguistiques et qui, bien que non enseignées, sont couramment pratiquées par les populations. Dans une telle situation de diglossie et contrairement aux pratiques orales en français qui , en Afrique francophone, mettent en relief une appropriation du français par des phénomènes d'interférences lexicales, syntaxiques et des adjonctions ou des troncations, l'écrit administratif apparaît comme un document correctement écrit des points de vue syntaxique et lexical. Cependant, comme dans toute rencontre, le contact des langues en présence influe sur le comportement langagier des locuteurs. Dans le cadre de l'écrit administratif, les locuteurs prennent appui sur les dispositifs langagiers oraux, mieux connus et mieux maîtrisés, pour construire leurs écrits. Ce dispositif, marqué essentiellement par une éthique de l'altérité qui fait de la parole un art, est source d'étrangeté du fait de son éloignement des normes conventionnelles de l'écrit administratif. Cette étrangeté qui n'est que la manifestation de l'étranger dans sa pratique du français administratif, révèle une esthétique discursive particulière. Ainsi, l'expression de l'identité linguistique, l'écrit administratif est également à percevoir comme le lieu d'une interculturalité et le locuteur un passeur favorisant le lien nécessaire entre les peuples et les cultures.
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Kouadio-Bouadou, N'da Kadiatou. "La lettre administrative et l'acte administratif unilatéral à Abidjan - éthique et esthétique communicationnelles." Thesis, Saint-Etienne, 2010. http://www.theses.fr/2010STET2132/document.
Full textAbstract:
Entre la tradition de l'écriture et celle de l'oralité, l'écrit administratif, à Abidjan , est un écrit entre deux. Il se situe entre deux cultures que véhiculent une langue officielle au statut légitimé par la constitution et des langues locales issues de quatre groupes linguistiques et qui, bien que non enseignées, sont couramment pratiquées par les populations. Dans une telle situation de diglossie et contrairement aux pratiques orales en français qui , en Afrique francophone, mettent en relief une appropriation du français par des phénomènes d'interférences lexicales, syntaxiques et des adjonctions ou des troncations, l'écrit administratif apparaît comme un document correctement écrit des points de vue syntaxique et lexical. Cependant, comme dans toute rencontre, le contact des langues en présence influe sur le comportement langagier des locuteurs. Dans le cadre de l'écrit administratif, les locuteurs prennent appui sur les dispositifs langagiers oraux, mieux connus et mieux maîtrisés, pour construire leurs écrits. Ce dispositif, marqué essentiellement par une éthique de l'altérité qui fait de la parole un art, est source d'étrangeté du fait de son éloignement des normes conventionnelles de l'écrit administratif. Cette étrangeté qui n'est que la manifestation de l'étranger dans sa pratique du français administratif, révèle une esthétique discursive particulière. Ainsi, l'expression de l'identité linguistique, l'écrit administratif est également à percevoir comme le lieu d'une interculturalité et le locuteur un passeur favorisant le lien nécessaire entre les peuples et les culturesBetween the tradition of the writing and that of the orality, the formal writing, in Abidjan, is a writing between two. It is located between two cultures that convey an official language to the status legitimated by the constitution and the local languages from four linguistic groups and which , althought not taught, are commonly practiced by the populations. In such a situation diglossia and contrary to practices in french, wich oral, in francophone Africa, highlight a ownership of the French language by the phenomenon of interference lexical, syntactic and additions or truncations, formal writing appears as a document properly written of points of view syntactic and lexical. However, as in any meeting, the contact of the languages affects the behaviour of language speakers. In the framework of the formal writing, speakers take support on the oral devices, better known and better controlled, to build their writing. This device, characterized by an ethic of otherness which makes the talk an art, is a source of strangeness because of its expulsionof standards of the administrative writing. This strangeness reveals an aesthetic discursive particular. Thus, expression of the linguistic identity, administrative writing is also to perceive as the place of interculturality and, the speaker, a boatman favouring the necessary link between people and cultures
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Pierre, Schallum. "Le Réalisme Merveilleux de Jacques Stephen Alexis : esthétique, éthique et pensée critique." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29973/29973.pdf.
Full textAbstract:
Cette thèse poursuit trois objectifs : premièrement, montrer que le Réalisme Merveilleux est une théorie esthétique et neuroesthétique étroitement liée à l’avènement d’une identité littéraire en Amérique; deuxièmement, énoncer une éthique à partir des romans de Jacques Stephen Alexis que sont Compère Général Soleil, Les arbres musiciens et L’espace d’un cillement; et troisièmement, inscrire cette esthétique dans la tradition d’une pensée critique haïtienne. Cette triple approche élargit le cadre du débat exégétique sur le Réalisme Merveilleux qui est trop souvent réduit au réalisme socialiste et à l’indigénisme. Interrogeant le statut des concepts tels l’individualité et la collectivité, la beauté et la laideur, le rationnel et l’irrationnel, l’imaginaire et le réel, la mémoire et l’oubli, la présente recherche met principalement en exergue une esthétique de l’unité « qui s’enracine dans le réel et la vie » (Alexis). À la lumière de la phénoménologie de Michel Henry, nous définissons cette esthétique comme une épreuve de soi ou réalité vivante. La place que prend ici le soi n’exclut aucunement la figure de l’autre. C’est au contact de l’inédit, de l’altérité ou du merveilleux que le soi acquiert son caractère propre. Il en ressort d’une part une éthique de la participation qui constitue le fondement du Réalisme Merveilleux et, d’autre part, une critique de l’essentialisme dans la pensée, qu’elle soit poétique, philosophique ou ethnologique. Si cette thèse se propose de dresser le portrait philosophique de la pensée alexisienne dans une perspective multidisciplinaire, elle montre également les problèmes que soulève son apparition au regard des contextes idéologiques de l’époque qui sont d’ordre nationaliste, régionaliste et internationaliste.This thesis has three objectives: first, demonstrate that “Realisme Merveilleux” is an aesthetic and an neuroaesthetic closely linked to the emergence of a literary identity in America, and secondly, conceptualize an ethical thinking from the three novels of Jacques Stephen Alexis that are Compère Général Soleil, Les arbres musiciens and L’espace d’un cillement, and thirdly, locate Jacques Stephen Alexis’s aesthetics in the tradition of critical thinking in Haiti. Through these three approaches, I propose a plural reading of “Realisme Merveilleux” too often reduced only to Socialist realism and Haitian indigenism. This thesis queries the status of concepts such as individuality and community, beauty and ugliness, rational and irrational, imaginary and real, memory and forgetting. It emphasizes on Jacques Stephen Alexis’s aesthetic unity that "rooted in reality and the life "(Alexis). In light of the phenomenology of Michel Henry, Alexis’s aesthetic definition is experience of the self or living reality. The self also raises the question of other. The self acquires its own character with novel, otherness or “merveilleux”. Accordingly, this research demonstrates that ethics of self and the other is the foundation of “Realisme Merveilleux”. Jacques Stephen Alexis’s ethics is a critique of essentialism in thought, whether poetic, philosophical or anthropological. If this thesis seeks to provide a philosophical portrait of Jacques Stephen Alexis’s thinking from a multidisciplinary perspective, it also shows the problems raised by its appearance under the ideological context of the time that order are nationalist, regionalist and internationalist.
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Morel, Julie. "Les paradoxes du politique en architecture : Francis Soler, entre éthique et esthétique." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084132.
Full textAbstract:
Comment ne pas envisager de concert l’architecture et le politique dès lors que l’actualité rend compte d’un basculement des références culturelles, environnementales et socio-économiques qui interroge plus que jamais le bien commun et le rôle de tout à chacun dans sa participation au monde ? A la lumière de ce constat, cette thèse propose d’identifier les liens qui unissent architecture et politique au travers de l’analyse et la compréhension de la pensée de Francis Soler, architecte. Le postulat général de cette recherche est que les liens qui unissent architecture et politique relèveraient d’une situation de paradoxe, convoquant l’éthique tout autant que l’esthétique, et redéfinissant la pratique même de l’architecte. Confronté à un basculement de son milieu, l’architecte contemporain serait alors celui qui se muerait en force de proposition politique. Deux axes de recherche sont déployés. Le premier interroge la politique comme milieu et permet d’évaluer le paradoxe du pouvoir. Il s’agit là de mettre en débat la réalité du milieu politique de l’architecture, c’est-à-dire d’identifier le jeu des acteurs qui se met en place dans la production, ou la co-production de l’architecture en France. Le second axe interroge l’existence d’une architecture du politique, soit les modalités de transcription esthétiques de l’éthique de l’architecte. A la suite d’un croisement opéré avec la pensée d’Hannah Arendt, le travail de Francis Soler se comprend dans son procédé de commencement et de recommencement autorisant la création de mondes toujours nouveaux. Ce processus interroge les modalités politiques de fabrication du projet d’architecture, évaluant le paradoxe de la démocratieHow to not think about architecture in cooperation with politic as soon as the current events show how cultural, environmental and socioeconomic reference shifts and engages more than ever the questioning of the common good and the role of everything in each in its participation of the world? By the light of this report, this thesis suggests to identify through the analysis and understanding of the architect Francis Soler the links which unite architecture and politics. The general postulate of this research picks out the paradoxical situation of the links which unites architecture and politic. They convene the ethic as the aesthetic redefining the architect’s practice. Confronted to its environment fall over, the contemporary architect would then have no other choice than strongly changing to its political proposition. Two different research lines are expended. The first one wonders politic as an environment and allows us to evaluate those in power paradox. It relates to creating a debate around the political environment of the architecture, meaning that to identify the game of the actors which sets up the production, or co-production of the architecture in France. The second line wonders the existence of the architecture of politic that is to say the aesthetic modality transcription of the architect’s ethics. Operating a crossing with Hannah Arendt’s thought, Francis Soler’s work is readable through his never ending and repeating process research engaging the creation of always new world. This process questions the politic manufacture modalities of the architectural project, estimating the paradox of democracy
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Belzil, Normand Carol-Ann. "La praxis éthique et esthétique de la frivolité dans une production sérieuse." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28081.
Full textAbstract:
Par une pratique ouverte et éclectique, j'ai décidé d'orienter mon travail de recherche de maîtrise vers une étude libre du cinéma d'animation. Mon approche de la création est frivole bien qu'elle s'inscrive dans un cadre méthodique et rigoureux. La réalisation de trois films d'animation m'a permis d'analyser le concept de ligne, de construction et de corps afin de tisser des liens avec les autres arts comme la céramique et l'impression numérique. La synthèse de mon travail est présentée dans le cadre d'une exposition à La Bande Vidéo du 13 janvier au 5 février 2017 sous le titre À peu près prêt(e).
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Bourdeau, Marion. "Espaces et interstices dans l'oeuvre fictionnelle de Colum McCann : éthique et esthétique de l'équilibre." Thesis, Normandie, 2019. http://www.theses.fr/2019NORMC033.
Full textAbstract:
Utilisant un cadre théorique hybride, mêlant travaux de géographie, notamment culturelle, et approche littéraire et stylistique, ce travail de thèse interroge les diverses spatialités mccanniennes et leur écriture, mais aussi les implications éthiques et esthétiques de cette articulation. Il étudie la manière dont la représentation de ces spatialités pousse l’écriture à chercher son équilibre, alors qu’elle s’inscrit dans des espaces diégétiques et narratifs caractérisés par l’entre-deux et l’hybridité. Ces deux notions sont placées au cœur d’un corpus mu par un élan irréductible et kaléidoscopique, définissable comme une quête d’équilibre et dont éthique et esthétique constituent les facettes les plus essentielles.Sont donc observées les formes et modalités des spatialités mccanniennes, la relation que les personnages entretiennent avec elles, ainsi que leur inscription dans un contexte contemporain. L’écriture de l’entre-deux et de l’hybridité, sources potentielles d’équilibre comme de déséquilibre, est également analysée. On voit enfin comment ces états intermédiaires sont propices à un élan impliquant la création de lignes dynamiques constituant un mouvement vers l’Autre. Cet élan interroge bien souvent la relation avec l’Art et avec l’Autre, ainsi que l’équilibre parfois problématique entre esthétique et éthique. Les possibles contradictions entre ces deux derniers pôles sont examinées, de même que le potentiel créatif, voire démocratique des échanges permis par leur dialogueThis thesis uses a hybrid theoretical approach mixing cultural geography as well as literature and stylistics in order to study the various spatialities that can be found in Colum McCann’s fictional work. It focuses on the writing of space, place and landscape, as well as on its ethical and aesthetical aspects. It analyses the way representing these spatialities forces the texts to try and find some sense of balance while the realities they describe and the world they were written in are characterised by in-betweenness and hybridity. These notions are at the core of this corpus, which is defined by an impetus that is both irrepressible and kaleidoscopic and that can be defined as a quest for balance in which ethics and aesthetics play a most essential role.The forms those spatialities can take, the bond the characters have created or create with them as well as the way they are inscribed in the contemporary world are analysed. This study also examines the writing of in-betweenness and hybridity, which can be factors of both balance and imbalance. This intermediarity encourages the development of an impulse which means creating dynamic trajectories towards the Other. This impetus interrogates relationships to Art and Otherness, as well as the (im)balance between aesthetics and ethics. It is therefore particularly relevant to scrutinize the latent contradictions between these two poles but also the creative, sometimes even democratic potential of their interactions
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Battesti, Jean-Pierre. "Éthique et esthétique du mouvement dans les premières oeuvres d'André Gide (1891-1909)." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100005.
Full text
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Panaïte, Oana. "La littérature et ses ombres : Invention esthétique et questionnement éthique dans la prose narrative contemporaine." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040091.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une lecture critique de trois tendances majeures de la littérature contemporaine : l'écriture d'inspiration biographique, l'épuisement de la fiction et l'éclatement du récit. Sont examinées les prémisses historiques et théoriques d'une nouvelle esthétique définie par le refus du manifeste collectif et par l'émergence des poétiques individuelles, et d'une éthique du ressaisissement mondain manifeste dans les poétiques de la mémoire, l'écriture de l'authenticité et l'ancrage des textes dans la légitimité du vécu. À travers l'analyse comparée des œuvres de Pierre Michon, de Jean Echenoz et de Patrick Chamoiseau et de leurs contemporains, l'auteur procède à une lecture exhaustive des structures de la représentation, des cadres thématiques et des formes stylistiques qui caractérisent la prose narrative française et francophone depuis 1980This dissertation presents a critical examination of three major trends in contemporary literature: the biographical imagination, the exhaustion of fiction and the dismantling of narratives. The analysis focuses on the historical and theoretical framework of a new esthetics whose main characteristics are the refusal of the collective manifesto and the emergence of individual poetics as well as an ethics of worldliness manifested in the poetics of memory, the writing of authenticity and the existential foundation of the literary text. Through the comparative reading of works by Pierre Michon, Jean Echenoz and Patrick Chamoiseau, the author scrutinizes the structures of representation, the thematic and stylistic forms which have come to define French and Francophone narrative prose after 1980
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Shin, Ji Young. "Éthique et esthétique chez Gilles Deleuze : sources, principes et actualité en comparaison avec l'éthique taoïste." Lyon 3, 2005. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2005_in_shin_jy.pdf.
Full textAbstract:
La morale basée sur le Principe ou la Loi est-elle fictive et répressive? Comment élaborer une nouvelle éthique véritable et non contraignante? Nous interrogeons pour ce faire la philosophie de Deleuze. Celle-ci, définie comme philosophie de la "Différence ", réfute la notion même de principe. Nous proposons alors une critique du sujet chez Deleuze pour découvrir son éthique, qui nous amène à interroger son " sujet sans identité ". Son mode de vie semble être celui de l'artiste, dans sa vérité monstrueuse et son principe de comportement "devenir-schizophrénique ". Ainsi, l'éthique et l'esthétique sont une et même chose pour l'ontologie deleuzienne. Pour révéler l'actualité de cette philosophie, on s'essaiera à confronter les courants philosophiques orientaux et occidentaux: platonisme et deleuzisme versus confucianisme et taoïsme. Dans le "rire" de Lao tseu, redéfini suivant la philosophie de Deleuze, on découvre une autre cohabitation entre l'éthique et l'esthétique.
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Bruni, Gilles. "Installations paysagères et land art : la conduite créatrice technique, le projet et le comportement éthique." Rennes 2, 1997. http://www.theses.fr/1997REN20017.
Full textAbstract:
Il est défendu l'idée qu'un mode de connaissance en art procède de la technique et d'une dimension éthique. Dans l'analyse des productions in situ, à la différence d'un modèle historique et esthétique en usage pour le Land art, les enjeux du travail d'installation paysagère requièrent l'étude des paramètres spécifiques qui en fondent les principes. Le projet artistique utilise le site avec circonspection. L'implication dans le lieu vise une issue technico-plastique 0 chaque situation. Le plasticien créateur exploite ici des processus techniques qui empruntent à des champs hétérogènes de l'agriculture, de l'architecture, de la photographie. La réappropriation de pratiques ordinaires produit alors des figures réglées, transfigurées par un dispositif photographique interne au processus de fabrication de l'oeuvre qui en fixe une image. En considérant inscrites dans la raison du producteur les conditions de la production, s'y trouvent incluses alors son trajet anthropologique et ses préférences. L'artistique, comme science des processus de l'art prend ainsi en compte les paramètres éthiques et sociaux. La mise en oeuvre des procédés techniques relève alors d'une procédure de légitimation des actes et du produit artistique comme visées esthetico-morale et politique. La préférence aux travaux des champs, aux matériaux locaux et le respect du milieu physique et social signale une attitude morale. Dans la mise a l'épreuve, entre tentation de soumission au milieu et ordre imposé, se construit ainsi une démarche de validation de l'expérience du site. La valeur heuristique de l'exercice révèle a terme la dimension anthropologique d'une implication du sujet dans la création comme mode d'existence et par l'évaluation éthique fait advenir une position critique. L'artiste plasticien (ici figure double) apparaît alors comme un sujet conscient, autonome et libre en ce sens qu'il s'attache à réinjecter dans l'oeuvre les conditions de son élaboration, construisant ainsi la figure de l'artiste
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Diouf, Abdourahmane. "Esthétique, politique et éthique : la création littéraire dans l’œuvre romanesque de John Steinbeck." Thesis, Le Mans, 2020. http://www.theses.fr/2020LEMA3008.
Full textAbstract:
Les œuvres de John Steinbeck ne sauraient être réduites à une sèche catégorisation d’ordre esthétique ou idéologique. On les étudie souvent à la croisée de styles bariolés qui s’entremêlent et se heurtent, pour pouvoir appréhender derrière les variétés le substratum de l’œuvre. L’enjeu de cette thèse est d’étudier le lien entre esthétique, politique et éthique en partant non plus des positions politiques de l’écrivain mais des œuvres elles-mêmes, pour analyser les manières dont ces notions peuvent s’éclairer de manière dynamique et progressive au fur et à mesure que l’œuvre se déploie sur quatre décennies. En passant du roman lyrique et picaresque au roman social (particulièrement Tortilla Flat et la trilogie des « Dust Bowl Novels » : In Dubious Battle, Of Mice and Men et The Grapes of Wrath), John Steinbeck laisse se construire dans son œuvre une critique politique fondée sur la remise en cause de la linéarité du discours narratif. Tout comme la forme du discours, le « contenu » narratif véhicule et développe une vision politique qui substitue au Rêve américain et son « Melting Pot » utopique, une structure sociopolitique plus réaliste où l’on perçoit « deux classes » opposées, en vertu du système de domination capitaliste. Steinbeck a re-travaillé le genre romanesque pour y laisser se développer une vision à la fois providentielle, humaniste et anticapitaliste. En mettant à l’épreuve les notions d’intrigue, de protagoniste (ou « héros ») et de temporalité, il a inscrit cette critique politique au cœur même de l’écriture, invitant ses lecteurs à porter un nouveau regard sur ses œuvres des années 1930-50, davantage « politiques », et sur les liens entre modernisme, engagement politique et écologie. Même si certains de ses ouvrages sont radicalement contestataires, il n’en demeure pas moins qu’il a eu recours constamment au mythe des origines. Ce recours aux pensées mythiques des textes américains fondateurs joue un rôle de trait d’union lui permettant de déconstruire littérairement les discours politiques dominateurs de sa sociétéJohn Steinbeck’s works cannot be reduced to a strict aesthetic or ideological categorization. They are often studied at the crossroads of colourful styles that intermingle and clash, in order to grasp the substratum of the work behind its varieties. The challenge of this thesis is to study the link between aesthetics, politics and ethics, starting not from the writer's political positions but from the works themselves, in order to analyze the ways in which these notions can be dynamically and progressively highlighted as the work unfolds over four decades. Moving from the lyrical and picaresque novel to the social novel (particularly Tortilla Flat and the Dust Bowl Novels trilogy: In Dubious Battle, Of Mice and Men and The Grapes of Wrath), John Steinbeck makes it possible for a political critique to be constructed in his work based on a questioning of the linearity of narrative discourse. Like the form of the discourse, the narrative “content” conveys and develops a political vision that substitutes for the American Dream and its utopian “Melting Pot” a more realistic sociopolitical structure in which one perceives “two opposing classes”, by virtue of the system of capitalist domination. Steinbeck reworked the novel genre to develop a providential, humanist and anti-capitalist vision. By testing the notions of plot, protagonist (or “hero”) and temporality, he placed this political critique at the very heart of the writing process, inviting readers to take a fresh look at his more “political” works of the 1930s and 1950s, and at the links between modernism, political engagement and ecology. Although some of his works are radically contested, he has made constant use of the myth of origins. This recourse to the mythical thoughts of the founding American texts acts as a hyphen allowing him to deconstruct literarily the dominant political discourses of his society
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Gauthier-Bottet, Martine. "Les soeurs Madeleine ou Les lavoirs de la honte : historique, esthétique et éthique." Thesis, Saint-Etienne, 2010. http://www.theses.fr/2010STET2143.
Full textAbstract:
A partir du XIXe siècle, la fondation du Bon Pasteur est créée par Mère Marie-Euphrasie. La mission spécifique decet ordre est de s'occuper de la population dans la misère et tout particulièrement des femmes et des enfants, afin desoulager leur détresse, de leur apporter du soutien et de les encourager à se réinsérer dans la société. Au Royaume-Uni les institutions du Bon Pasteur prennent le nom de couvents Madeleine, se référant ainsi à la figure biblique de Marie-Madeleine pécheresse repentie qui devient une fidèle du Christ. La vocation de ces établissements Madeleine est d'accueillir les prostituées et les mères célibataires. Ils se spécialisent rapidement dans le travail de blanchisserie, tâche éminemment symbolique car ces femmes doivent avant tout se laver de leurs péchés. Sous le règne de Victoria la morale puritaine se durcit, la figure de Madeleine incarne désormais «la catin», la femme de «mauvaise vie». Trois décrets sont alors promulgués afin de freiner l'extension de la prostitution et des maladies sexuellement transmissibles. Ce n'est que dans les années 1990 que des voix s'élèvent pour dénoncer les abus et les maltraitances commis dans certaines de ces institutions, voix bientôt relayées et amplifiées par plusieurs œuvres cinématographiques, en particulier par le film de Peter Mullan The Magdalena Sisters. Ce travail vise à comprendre pourquoi de tels faits se sont produits, à étudier le rôle des médias dans le processus de dénonciation et dans quelle mesure nous pouvons considérer qu'ils contribuent à faire l'HistoireThe Foundation of the Good Shepherd was set up by Mother Marie-Euphrasie in the XIX!h century. The specificmission of the order was to take care of the poor, and particularly of women and children, to ease their distress, givethem support and encourage them to make their way back into society. ln the UK, the Good Shepherd institutes were known as Magdalen Asylums, for the biblical figure of Mary Magdalene, a repentant sinner who became a disciple of Christ; the vocation of these Magdalen institutions was to shelter prostitutes and single mothers. They quickly came to specialise in laundry work- a symbolic task, as these women had above all to wash away their sins. During the reign of Queen Victoria, puritanism became more severe, and the figure of Mary Magdalena came to embody the "whore", the "fallen" woman. Three Acts of Parliament were passed to curb the expansion of prostitution and venereal diseases. Il was only in the late 1990s that voices were raised to denounce the abuse and ill-treatment committed in some of these institutions, voices that were soon picked up and amplified in a number of films, and in particular Peter Mullan's The Magdalena Sisters. The aim of this study is to understand why such things happened, and to study the role played by the media in the process of their exposure and to what extent they can be said to make History
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Lemoine-Lanot, Bénédicte. "L' univers romanesque de Sylvie Germain : l'imaginaire éthique." Caen, 2001. http://www.theses.fr/2001CAEN1330.
Full textAbstract:
A la croisée de la littérature et des sciences humaines -philosophie, sociologie, psychanalyse-, ce travail se propose d'interroger la spécificité, voire la rupture que représentent, dans la tradition romanesque, les six premiers romans de Sylvie Germain -Le livre des nuits, Nuit d'ambre, Jours de colère, L'enfant méduse, Immensités, Eclats de sel- et de découvrir, dans cette esthétique singulière, une éthique susceptible de répondre aux interrogations qui se posent à l'individu immédiatement contemporain. Le surgissement du merveilleux, le foisonnement des images puisées à la frontière du rêve et de l'inconscient permettent de définir l'aventure romanesque comme une aventure intérieure -personnage ou lecteur-, à restaurer ses liens au monde visible.
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Dubois, Pierre. "L'orgue dans la société anglaise au XVIIIème siècle : éthique et esthétique de la modération." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040200.
Full text
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Choi, Yun-Joo. "Esthétique de l'absurde, éthique de la révolte : l'inquiétant et l'étrangeté dans l'oeuvre d'Albert Camus." Paris 7, 2001. http://www.theses.fr/2001PA070047.
Full textAbstract:
Tournant le dos au roman à thèse dont les éléments constitutifs tels que personnages ou événements ne sont pour ainsi dire qu'un prétexte pour transmettre un message, les textes romanesques de Camus semblent être les résultats d'un travail longuement mûri sur la "forme" sur laquelle repose le processus de construction du "sens". Dans cette étude, nous essayons de savoir comment ce processus créateur de l'écrivain tourne autour d'une unité sous-jacente, qu'il nous semble possible de caractériser selon trois thèmes - répétition, frontière et vide -, pour pouvoir enfin percer à jour l'esthétique de l'"absurde" et l'éthique de la "révolte". Pour cela, nous nous proposons d'abord de réfléchir de quelle manière ces deux notions camusiennes d'absurde et de révolte s'incarnent dans les trois personnages mythiques, Sysiphe, Don Juan et Prométhée, tels qu'ils sont décrits dans les essais de Camus : Le mythe de Sisyphe, L'Homme révolté. Ensuite il s'agit de nous interroger sur les structures narratives dans les textes romanesques - "L'Etranger, La Peste" et "La Chute" -, pour suivre au plus près la dynamique scripturale chez Camus. C'est dans cette approche que nous croyons avoir entendu l'écho de "l'inquiétant", notion élaborée par Freud qui, en s'interrogeant sur le sens du sentiment étrangement inquiétant, soulève d'une certaine manière un problème qui est le nôtre dans cette étude : les ressorts d'une création artistiqueReverse to the "roman à thèse", the constituents of which such as the events or characters may be held as a pretext to pass on a message, Camus novels seem to be resulting from a work matured in the long term on the "form" on which the elaborating process of the "sense" lies. In this work, we aim at tracing how such a creating process winds round an underlying unity which may be characterized under three themes - repetition, border line and vacuum - in order to penetrate the aesthetics of the "absurd" and the ethics of the "revolt". To this end, we first intend to assess the way in which those two notions of "absurd and revolt" were embodied in the three mythical characters Sisyphe, Don Giovanni and Prometheus as described in Camus essays : le Mythe de Sisyphe, L'Homme révolté. Thereafter we must question on the narrative structures in the novels - L'Etranger, La Peste et la Chute - to follow up the scriptural dynamics of Camus to the nearest point. Under such approach, we do believe to hear the echo of the "uncanny" a concept elaborated by Freud who, while inquiring the meaning of the feeling of anxiety raises a question which is ours : the main springs of artistic creation
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Natij, Salah. "Adab : recherches sur la pensée éthique, esthétique et politique dans la littérature arabe classique." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040246.
Full textAbstract:
Ce travail se propose d’apporter une contribution à la reconstruction et à l’étude de la pensée arabe classiques développée dans le champ de l’adab. Remarquons que nous disons bien la pensée arabe classique développée dans le champ de l’adab, car nous pensons que si nous voulons connaître la manière dont la pensée arabe classique avait tenté de construire une vision éthique et esthétique, c’est dans l’espace de questionnement propre à l’adab qu’il faut la chercher. C’est dire que ce n’est ni dans la philosophie dite islamique, ni dans le système moral mis en place par l’Islam qu’il serait possible de trouver la vision éthique arabe ancienne telle qu’elle avait tenté de s’élaborer et de s’exprimer. En effet, si la pensée arabe classique avait et a encore quelque chose d’original à apporter à la pensée et à la culture universelles, ce ne serait ni à travers le système moral élaboré par la religion islamique, ni au moyen des réflexions menées par les philosophes, mais grâce aux idées développées dans le champ de l’adab. C’est en effet dans et à travers la pensée de l’adab que la culture arabe classique se présente comme étant véritablement elle-même, c’est-à-dire telle qu’elle nous parle à travers les éléments qui lui appartiennent proprement et intrinsèquement. Car si, comme il est souvent dit, la poésie constitue le Diwān des Arabes, c’est-à-dire l’archive de leurs traditions et de leurs sentiments, l’adab, lui, constitue à la fois leur sagesse, leur éthique et leur esthétiqueThis work aims to contribute to the reconstruction and the study of classical Arab thought developed in the field of adab. Note that we say good classical Arabic thought developed in the field of adab, because we believe that if we want to know how the classical Arabic thought had tried to build an ethical and aesthetic vision is in space specific to the adab questions must be sought. This means that it is not in the so-called Islamic philosophy, or in the set up by Islamic moral system it would be possible to find old Arabic ethical vision as had tried to develop and express themselves. Indeed, While classical Arabic thought had and still has something original to bring to the mind and universal cultural thing would not be developed through the Islamic religion moral system, or through discussions by philosophers, but thanks to the ideas developed in the field of adab. Indeed, it is in and through the thought of the classical Arabic adab culture as truly present itself, that is to say, as it speaks to us through the elements that belong to it properly and intrinsically. For if, as is often said, poetry is the Diwān of the Arabs, that is to say, the archive of their traditions and their feelings, adab, he is both their wisdom, ethics and aesthetics
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Coudreuse, Anne. "Tentation et refus du pathos dans la littérature française du XVIIIe siècle : esthétique, éthique, réception." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081318.
Full textAbstract:
Ce travail sur le pathos dans la litterature francaise du xviiie siecle porte plus particulierement sur les questions esthetiques et ethiques soulevees par cette notion, ainsi que sur sa reception au xxe siecle. L'analyse d'extraits exemplaires debouche sur un modele theorique du pathos, considere comme l'ensemble des moyens mis en oeuvre par le texte litteraire pour emouvoir le lecteur. Cette recherche se situe au croisement de la rhetorique, de l'histoire des mentalites et de l'histoire des representations aussi bien theatrales que picturales. L'etude lexicologique du pathos s'appuie sur la base de donnees frantext et sur les dictionnaires du xviiie siecle. Les oeuvres theoriques de marmontel, de chamfort et de l'abbe du bos prouvent l'importance du pathos dans le champ esthetique de cette periode, surtout dans les genres narratif et dramatique, en un siecle longtemps tenu pour un "desert poetique". Le pathos est propice au melange des formes esthetiques et des genres litteraires. Il met le corps et le langage a l'epreuve. Il induit une redefinition des roles sexuels dans la representation des emotions; les larmes ne sont pas l'apanage des femmes. Le pathos se deploie toujours dans un texte adresse qui cherche a avoir un effet sur le lecteur. Le choix des larmes, s'il repond a un gout dominant du public de cette epoque, est aussi un choix des armes, determine par une strategie, comme le montre son utilisation dans les proces et dans les romans libertins. Mais au xviiie siecle, le pathos fait egalement l'objet d'un refus dans lequel se conjoignent des raisons historiques, esthetiques et ethiques. La parodie, l'ironie et l'apathie permettent d'en denoncer l'obscenite et le mauvais gout. On trouvera en annexe une etude sur l'elegie, l'histoire et le pathetique dans la poesie de chenier ainsi que des extraits de textes qui n'ont jamais ete reedites: cubieres, coqueley de chaussepierre, charles bordes. .This survey of pathos in 18th century french literature is chiefly concerned with esthetical and ethical matters, as well as with the way they are re-interpreted in the 20th century. Through the reading of a sample of pathetic texts, a definition of pathos itself is envisaged : the word is applicable to whatever technique likely to raise emotion in the reader. The background to this study is thus multiple and ranges from rhetorics to the history of representation. Along with lexicological research, theoretical works of the period, such as those of abbe du bos, marmontel and chamfort, contribute to assert the importance of pathos in the whole 18th century production, especially in the fields of narration and drama. Pathos is somewhat of a melting pot of different esthetical forms and genres. It is a test for language and the body, through which new sexual identities become revealed, since not only women were then allowed to weep. Pathos systematically tends to involve the reader. Although lachrimose writing may be a taste peculiar to the siecle des lumieres, the fact remains that the shedding of tears is, in most cases, politically oriented, as witness its prevalence in legal proceedings or libertine novels. Yet, the seduction of pathos sometimes gives way to rejection. It is then dismissed as mere obscenity, and heavily mocked by parodic and ironic authors. A study of elegy and pathos in chenier's poetry, as well as a number of texts never republished since the 18th century (coqueley de chaussepierre, cubieres, bordes) will be found in the annex
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Bernier, Stéphanie. "Pourquoi la fiction? : la fiction dans l'écriture concentrationnaire de Jorge Semprun et d'Imre Kertész : une question éthique et esthétique." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2013. http://hdl.handle.net/11143/6492.
Full textAbstract:
L'expérience des camps de concentration et d'extermination nazis a fait l'objet d'une multitude de publications dès les lendemains de la libération. Si plusieurs récits de déportation appartiennent à des formes "extrafictionnelles" (journal intime, autobiographie, récit de vie), certains déportés privilégient néanmoins la fiction pour rendre compte de leur expérience. Ce choix apparaît paradoxal puisque pour plusieurs la transformation de cet événement extrême de l'histoire occidentale soulève de nombreux enjeux moraux. Dans ce débat littéraire et éthique, dont l'une des figures les plus connues est Claude Lanzmann, représenter le génocide juif par la fiction représente une transgression, la fiction menaçant de banaliser les événements. À la lumière de ces critiques et face à la suspicion à l'égard du récit fictionnel, pourquoi ces écrivains-déportés choisissent-ils la fiction? Le présent mémoire vise à répondre à cette question par l'analyse d'une partie de l'oeuvre de deux auteurs déportés à Buchenwald, Imre Kertész et Jorge Semprun. L'étude de quatre textes s'impose puisque ces auteurs ont non seulement publié des romans sur leur expérience des camps (de Jorge Semprun Le grand voyage, 1963 et d'Imre Kertész, Être sans destin, 1998 pour l'édition française), mais ils ont, sous diverses formes, notamment par la fiction (dans L'écriture ou la vie, 1994 et Le refus, 2001) ou dans des entretiens accordés et discours prononcés, mené une réflexion à propos de leur écriture, proposant leurs réponses à plusieurs interrogations que nous soulèveront : comment écrire les camps? Quel langage employer? Quelle forme? Ces auteurs, nous le verrons, problématisent de manière particulière leur rapport à la fiction. En ce sens, la question "pourquoi la fiction?" requiert une segmentation des lieux de réponse. Il s'agira de procéder en trois temps. Dans le premier chapitre, comme les auteurs, par leur statut de "revenant", occupent une place centrale dans notre analyse, nous reconstituerons leurs conditions de déportation et étudierons l'épitexte auctorial public. Le deuxième chapitre, consacré à L'écriture ou la vie (Semprun) et Le refus (Kertész), met au premier plan la rencontre entre l'expérience concentrationnaire et l'expérience d'écriture. Par divers procédés, la fiction livre un discours sur elle-même, ce qui nous permettra de préciser notr question de départ. De cette manière, nous progresserons vers le troisième chapitre portant sur les oeuvres initiales : Le grand voyage et Être sans destin, points de départ et d'arrivée de notre problématique. Certains axes de réponse parcourront l'ensemble du mémoire. Que ce soit dans les oeuvres de fiction ou dans leur discours, les auteurs dévaluent le régime testimonial, inapte, selon eux, à dire la vérité des camps. Par le roman, ils répondent au mensonge historique du Troisième Reich. Entre l'exigence littéraire et de vérité, les auteurs cherchent à transmettre leur expérience, à saisir l'essentiel de celle-ci, et à rétablir une part de vérité historique par la fiction.
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Gouverneur, Sophie. "Prudence et subversion libertines : politique, éthique, esthétique chez François de La Mothe Le Vayer, Gabriel Naudé et Samuel Sorbière." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040062.
Full textAbstract:
Le but de cette thèse est de croiser une recherche de philosophie générale (sur la vertu morale et politique de prudence) et une recherche en histoire de la philosophie (sur le statut philosophique du libertinage au XVIIe siècle). Notre travail porte sur le rôle du concept de prudence dans l'œuvre de trois libertins français du XVIIe siècle, François de La Mothe Le Vayer, Gabriel Naudé et Samuel Sorbière. A partir d'une question liminaire élaborée contre la thèse historiographique dominante (pourquoi la réflexion critique des libertins s'arrêterait-elle au seuil du politique ?), il s'agit de montrer que ces auteurs proposent une pensée subversive politiquement, et en cela libertine, au sens où ils détournent la signification première du discours de la " raison d'Etat ", à partir d'une théorisation et d'une pratique de la prudence. En effet celle-ci est pour eux à la fois un objet de réflexion (en tant qu'art politique de la tromperie et art éthique de la dissimulation) et une pratique de l'écriture qui subvertit le discours de l'adversaire. L'analyse successive des multiples aspects de la prudence, dans ses versants politique (hérité de Machiavel), éthique (hérité de la philosophie antique et de Montaigne) et esthétique (hérité de la persécution de u libertinage), permet alors de mieux comprendre la réflexion politique complexe de ces trois auteurs et plus généralement de réfléchir sur la catégorie très polémique de " libertinage " (quelle cohérence a-t-elle au XVIIe siècle ? Quel rapport entretient-elle avec la philosophie ?)The aim of this thesis is to combine general philosophical research (on moral and politics virtue of prudence) and research in the history of philosophy (on the status of libertinage in the seventeenth century). Thus, our study deals with the function of the concept of prudence in the works of three seventeenth-century French libertines : François de La Mothe Le Vayer, Gabriel Naudé, and Samuel Sorbière. Starting with a preliminary question that challenges the dominant historiographic thesis (why should the critical thinking of the libertines stop where the politic begin ?), our purpose is to demonstrate how these authors put forward a form of politically subversive thought, and hence libertine, in so far as they divert the explicit meaning of the "raison d'Etat" discourse, though a theorizing and a use of prudence. Indeed, from their perspective, prudence is both an object of thought (as the political art of deception and ethical art of deceit) and a writing process which subverts the opponent's discourse. The successive analysis of the multiple aspects of prudence, with its political implications (inherited from Machiavel), ethical implications (inherited from classical philosophy and from Montaigne), and aesthetic implications (inherited from the persecution libertinage), will lead to a clearer understanding of these authors' complex political thought, and, from a more general point of view, allow to reflect on the very polemic category called "libertinage" (what is its coherence in the seventeenth century and what is its relation with philosophy?)
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Williams-Wanquet, Eileen. "Éthique de la métafiction : éléments pour un postréalisme en littérature anglaise." Habilitation à diriger des recherches, Université Lumière - Lyon II, 2006. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00757023.
Full textAbstract:
Cette synthèse, qui porte sur un corpus de travaux antérieurs, ne se limite ni à un bilan ni à un arrêt sur image. En tentant de dégager une permanence dans le questionnement, elle répond à des exigences contradictoires : tournée à la fois vers le passé et vers l'avenir, elle présente l'unité des travaux antérieurs tout en la construisant et en la dépassant. Soumettant mes travaux à un éclairage théorique, elle vise à les situer à la fois dans l'histoire de la critique littéraire et dans mon propre parcours épistémologique, jetant ainsi les bases de recherches futures. Les discours critiques ayant constaté l'existence, en littérature anglaise, surtout à partir des années 1980, d'un type de roman qui effectue un retour au monde après les expérimentations formelles de l'avant-garde " postmoderniste " dite " autonome ", j'ai voulu, dans cette synthèse, cerner avec plus de précision les contours de cette nouvelle forme à laquelle je m'intéresse depuis ma thèse. Celle-ci portait sur les douze premiers romans d'Anita Brookner, et a été suivie d'un ouvrage qui ouvre le corpus aux vingt-et-un romans alors publiés (1981-2002), tout en les abordant sous un autre angle. Mes autres travaux portent sur : les romans de Penelope Lively (1977-2003) ; Wide Sargasso Sea (1966) de Jean Rhys, comme reprise de Jane Eyre (1847) de Charlotte Brontë ; Boating for Beginners (1985) de Jeanette Winterson, qui reprend l'épisode biblique de l'Arche et du Déluge; The Wild Girl (1984) de Michèle Roberts, qui se présente comme un " cinquième évangile "; Indigo (1992) de Marina Warner, comme révision de The Tempest (1611-12) de Shakespeare; The Rape of Sita (1993) de Lindsey Collen, conçu comme une réécriture d'un épisode de l'épopée du Ramayana.
Ces romans font partie de ce qui a été appelé " l'explosion des métafictions historiographiques des années 1980 ", ou encore le " retour à l'éthique des années 1990 ". En effet, ils représentent un type de roman essentiellement paradoxal par son curieux mélange d'autoréflexivité et d'historicité, conjuguant les jeux formels de l'avant-garde " postmoderniste " (située à partir de 1960) et la fonction morale et sociale du roman réaliste des XVIIIe et XIXe siècles. Le terme " postréalisme " a l'avantage de signifier l'époque visée, tout en plaçant cette catégorie de romans dans le droit-fil du réalisme. Pour comprendre l'émergence de ce type de fiction, il m'a fallu remonter le cours du temps et me demander pourquoi les techniques narratives du " réalisme " avaient dû changer pour dire le monde. J'ai été amenée à poser la question des fondements philosophiques du roman, genre qui, à mon avis, ne saurait être étudié indépendamment d'un contexte socio-historique qui le conditionne (sans toutefois le déterminer) et dont il contribue à façonner les valeurs.
La synthèse se divise en trois chapitres. Le premier prolonge les travaux que j'ai consacrés à la réflexion philosophique qu'offrent les romans de Brookner. Je les interprète ici comme illustrant l'impasse rencontrée par le " texte réaliste classique ", qui serait né avec la " modernité ", en tant que notion historique (dont les origines remontent à la Renaissance) et nouvelle " attitude " ou " vision du monde ", caractérisée par une sécularisation de la pensée. Le roman résulterait d'un désir de retrouver l'harmonie perdue entre l'individu et le monde -- la mimésis est en fait muthos, tentative pour imposer un sens à une réalité discordante. Mais, lorsque le projet de " modernité " des Lumières, avec ses notions de " sujet kantien autonome " raisonnablement maître de sa vie et d'une réalité universelle extérieure -- fondées sur la primauté du " signifié transcendantal " (la présence pleine) sur le " signifiant " (le langage) -- est remis en question, le roman " réaliste " perd les présupposés philosophiques dont découlent ses caractéristiques formelles. Vouloir remplacer le terme " postmodernisme " par " postréalisme " pour situer tout un pan du roman dans l'histoire de la littérature anglaise m'a conduite à distinguer plus nettement philosophie et esthétique et clarifier des termes dont l'emploi reste parfois flou.
Ainsi, le deuxième chapitre présente le " postmodernisme " (ou l'esthétique " postmoderniste ") des années 1960 comme représentant l'exacerbation des jeux formels du " modernisme " (ou esthétique " moderniste ") des années 1910 à 1930, qui prenait le contre-pied du " postréalisme ". " Modernisme " et " postmodernisme " seraient tous deux une réponse à la remise en cause " postmoderne " de l'" attitude moderne ", qui se préparait déjà dès le milieu du XIXe siècle, se manifeste surtout avec le structuralisme des années 1960 et 1970, et aboutit à l'inversion pure et simple du modèle de pensée binaire des Lumières : lorsque le signifiant vient à primer sur le signifié, les notions de sujet et de réalité sont invalidées et le texte " postmoderniste " se retire du monde pour ne se référer qu'à lui-même. Alors que les esthétiques " réaliste ", " moderniste " et " postmoderniste " se situeraient toutes à l'intérieur d'un système de pensée fondé sur des oppositions binaires, l'esthétique " postmoderniste " signalant la fin de l'" attitude moderne ", le " postréalisme " serait la forme privilégiée d'une nouvelle " attitude ", véritablement " postmoderne ", qui tente alors de se libérer d'un mode de pensée binaire, de conjuguer signifié et signifiant, de réconcilier le sujet cartésien (qui se fonde lui-même) et la tradition nietzschéenne (qui le réduit à un simple effet linguistique). Mais, si le roman veut retrouver son rôle politique après la " mort de l'auteur " et la remise en cause de l'existence d'une réalité objective universelle, il doit trouver une nouvelle façon de commenter le monde.
Le troisième chapitre pose la question de la forme que prend le " postréalisme " pour dire le monde, alors que le " réalisme " a été invalidé. Les notions d'auteur et de mimésis étant indissociables de celles de sujet et de réalité, philosophes et critiques littéraires se rejoignent dans les années 1980 pour ressusciter l'auteur comme " fonction du texte ", réintroduire la notion d'intention, et redéfinir la réalité comme mise en intrigue idéologique du monde. Les outils théoriques de " décontextualisation ", de " recontextualisation " et de " resignification " se sont avérés cruciaux pour comprendre le fonctionnement de ce type de texte, dont j'essaie de dégager quelques caractéristiques en m'appuyant sur mon corpus de thèse et d'articles.
La " métafiction " (fiction sur la fiction) est reconnue comme une constante de la littérature britannique contemporaine. Une intertextualité foisonnante indique la présence de textes antérieurs, la relation transtextuelle privilégiée étant l'hypertextualité comme transformation parodique. La réécriture d'un hypotexte, comme répétition avec différence, représente en fait un dialogue entre muthoi : l'hypertexte reprend les personnages et événements de l'hypotexte et les réorganise selon une nouvelle mise en intrigue du monde. C'est donc la fameuse " autonomie " de l'écrit qui lui rend son rôle politique. Si le monde est mis en intrigue par le langage, il peut être réécrit selon une nouvelle vision du monde. Ces textes sont enracinés non seulement dans un autre texte, mais aussi dans le monde. L'ancrage spatio-temporel est double : des références à des personnages et événements historiques " contextualisent " l'hypotexte dans un passé empirique qui lui est contemporain ; divers procédés " réalistes " situent l'hypertexte dans un autre univers contemporain qui est le sien. Il s'agit, en effet, d'une " décontextualisation ", puis d'une " recontextualisation " de mêmes faits, qui, arrachés en amont à leur contexte d'origine, sont réorganisés selon un nouveau point de vue -- étant ainsi " resignifiés " -- et renvoyés comme " contre-interpellation " au monde en aval, appelant au changement. Ces réécritures " postréalistes " portent toutes sur des textes qui font partie du patrimoine culturel de la culture occidentale " moderne ", traitent des questions fondamentales de prise de possession de soi, des autres, du monde et véhiculent l'idéologie dominante. En posant la question éthique de la " vie bonne ", de ce qui pourrait être, en redistribuant les positions de chacun, les réécritures " postréalistes " sont à la fois répétition et rature, révisant toute l'" attitude " de la " modernité ".
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Bastien, Stephane. "De l'expérience esthétique à la visée éthique: Variations sur l'identité, l'art et la vie bonne Ricoeur, Dewey, Emerson." Thesis, University of Ottawa (Canada), 2005. http://hdl.handle.net/10393/29195.
Full textAbstract:
Notre thèse de doctorat propose une étude systématique de la relation entre l'expérience esthétique et la visée éthique. Cette relation est celle de l'interaction, de la continuité et de la complémentarité entre ces dimensions de l'expérience humaine. Plus encore, notre enquête philosophique veut répondre à la question centrale: En quoi l'expérience esthétique est-elle une condition de possibilité de la visée éthique? Pour traiter cette problématique, nous avons cherché à rendre explicites les liens souterrains qui existent entre ces deux sphères d'activités humaines, ainsi qu'à dégager ses applications pour une conception du soi, chez trois philosophes importants, soit Paul Ricoeur, John Dewey et Ralph Waldo Emerson. Nous étudions, dans un premier temps, les notions de texte comme paradigme de l'action, d'identité narrative, de visée éthique et de raison (sagesse) pratique telles que décrites par Ricoeur. Dans un deuxième temps, nous comparons la pensée de Ricoeur avec les analyses de l'expérience esthétique et éthique développées par Dewey. C'est à partir de Ricoeur et de Dewey que nous exposons, dans un troisième temps, cette relation chez Emerson. Il ne s'agit aucunement de réduire la morale à l'art, ni de soumettre l'art à la morale, mais de montrer en quoi l'expérience esthétique, en ce qu'elle est l'expérience d'une certaine unité ou complétude---de même que l'art (e.g. la littérature), en ce qu'il nous permet d'explorer (sur le plan de l'imaginaire) des possibilités d'existence---, est une condition de l'éthique comprise comme la visée de la vie bonne. Aussi, nous croyons que notre investigation implique une conception de l'être humain en tant qu'être en relation, agissant, pensant. Nous maintenons que l'esthétique et l'éthique convergent également sur le plan d'une sagesse pratique et débouchent sur un ensemble de réflexions ontologiques et métaphysiques.
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Margossian, Cecile. "Mode et littérature au vingtième siècle : une éthique de l'esthétique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040220.
Full textAbstract:
La mode, activité qui reste aux yeux de beaucoup dérisoire, pèse fortement sur les représentations et influe conséquemment sur les destinées de l'individu. Le vêtement peut en outre modeler des comportements collectifs ; cette fonction, la mode la partage avec bien d'autres formes de création : littéraire, artistique, cinématographique. L'objet de cette thèse est justement de mettre à mal ces préjugés par la mise en exergue des rapports que la mode entretient avec les arts en général et la littérature en particulier. En pensant la mode, non pas seulement en terme de vêtement mais en terme de style et de langage, pourrons-nous tenter d'expliquer cette contigui͏̈té entre mode et art, et, le cas échéant, d'identifier la démarche du couturier à celle de l'artiste ou de l'écrivain. Pour ce faire, nous verrons en premier lieu la mode à travers la littérature et les chroniques du vingtième siècle. Puis apprécierons les liens entre la mode et les arts, qu'il s'agisse d'inspiration ou de collaboration. Enfin, en partant d'une perspective diachronique du dandysme et de l'esthétique, et, d'analyses psychologiques, sociologiques, linguistiques et philosophiques sur la mode et le paraître, penserons-nous une éthique de l'esthétiquePeople have always been prejudiced regarding fashion, considering it as a shallow activity, whereas its consequences on human fates are quite obvious. Moreother, clothes trigger social behaviours, fashion shares this role with many others creative activities such as literature, art and cinema. This thesis will try to enlighten the relationship between fashion and art, and mostly literature. If we think fashion in terms of style and language, we will attempt to explain the proximity between fashion and art, and furthermore identify the demarche of the fashion designer and the one of the artist or the writer. For that sake, we will first see fashion through the twentieth century literature and chronicles. Then we will notice the links between fashion and art whether it is inspiration or collaboration. Eventually, after having adopted an historical point of view regarding dandyism and aestheticism, and rich of some psychological, sociological, linguistic and philosophical analysis, we will attempt to think an ethic of aestheticism
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Beuvelet, Olivier. "De la "finestra" à l'"image-fente" . Éthique et esthétique du cadre à partir du "Décalogue" de Krzysztof Kieslowski." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030111/document.
Full textAbstract:
Qu’est-ce qu’un cadre ? Qu’est-ce que voir ? Qu’est-ce que donner à voir ? Partant d’une séquence du Décalogue 8 et après avoir rappelé l’importance du modèle de la finestra albertienne comme origine de l’image, en peinture, photographie et cinéma, la thèse observe son traitement par Kieślowski dans Le Décalogue. Il s’agit d’abord de mettre en relation le projet du polyptyque avec le décalogue mosaïque, d’y suivre le sort du second commandement, comme commandement-fantôme, pour voir en quoi il s’en constitue comme le commandement-racine. L’amateur est considéré et étudié comme mise en jeu de ce commandement, sa Vie d’artiste est considérée à l’aune de sa quête cinématographique du réel dans l’image et de son cheminement éthique. La thèse observe ensuite en quoi le cadre peut être considéré comme une figure de la Lettre. Apparaît alors une dialectique de la finestra et de la fessura, où se lit l’expression visuelle du conflit de la pulsion scopique et de sa contention éthique. Est ensuite menée une approche phénoménologique de l’image-fente dans Le Décalogue,partant du motif de la fente pour observer l’image-fente comme dispositif visuel et comme figure métadiscursive.Elle devient ensuite concept heuristique dont est éclairée la structure d’ouverture, sa fonctionnalité de passage puis la part du rapport à l’origine et enfin sa dimension d’objet primaire.Le concept heuristique d’image-fente aura peut-être permis de mettre en évidence le désir inconscient de fusion avec l’origine que la finestra albertienne porte en elle sous la forme de la fessura qui la hante et la déformeWhat is a frame? What is seeing? What is giving to see? Taking a sequence of Decalogue:VIII as a starting point and after having reminded the importance of the albertinian finestra model as origin of the image in painting, photography and cinema, the thesis explores its handling by Kieślowski in The Decalogue.To begin with, this is done by putting into relation the polyptych project with the Mosaic Decalogue. From there we follow the stake of the second commandment — as a ghost-commandment— to see how it makes up as the root-commandment. Camera Buff is dealt with and studied by means of this commandment being brought into play. Kieślowski’s Artist life is seen in the light of its cinematographic quest of the real inside the picture and of its ethical course. Next, I explore how the frame can be considered as a figure of the Letter. This is when a dialectic of the finestra and of the fessura crops up, where the visual expression of the conflict between the scopic drive and its ethical strain can be observed. I then set about a phenomenology of the image slit inside The Decalogue, taking the pattern ofthe slit to explore the image slit as a visual apparatus and then as a metadiscursive figure.It then becomes a heuristic concept about which I explore the opening structure and then its passage functionality to follow on with the measure of the relation to the origin and finally the primary object dimension.The heuristic concept of image slit may possibly have allowed to underline the unconscious desire of bonding with the origin which the albertinian finestra possesses within itself under the form of the fessura which haunts and distorts it
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Guay, Isabelle. "Éthique et activité esthétique : la philosophie dans le labyrinthe des Jeux de concepts, une œuvre sur ordinateur de Gilbert Boss." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26791/26791.pdf.
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Coste-Rooryck, Yolande. "Le réalisme militant dans le "Tableau de Paris" et le "Nouveau Paris" de Louis-Sébastien Mercier : une tentative de révolution esthétique et éthique." Poitiers, 2006. http://www.theses.fr/2006POIT5012.
Full textAbstract:
Le Tableau de Paris et Le Nouveau Paris, de part et d'autre de la césure révolutionnaire, composent un diptyque unique où miroitent les reflets d'une capitale pittoresque, mais dont Mercier a voulu justement aussi montrer les misères, espérant toucher les milieux dirigeants, surtout pour le premier tableau. Son inspiration est clairement morale et politique. Il met au point une technique d'observation sans précédent, prise entre deux nécessités : celle de convaincre et celle de " faire vrai ". L'invention de ce réalisme militant est aussi l'aboutissement d'un rejet de la littérature académique, et d'un idéal de littérature démocratique qui rejoint le réalisme sous-jacent dans les évolutions du roman et du théâtre à l'époque. Mercier déploie une gamme extrêmement variée qui va du comique au touchant, et joue aussi dans les tonalités du style véhément ou parfois visionnaire. Mais la réalité est bien souvent loin de l'idéal philosophique, ce qui oblige Mercier à un jonglage improbableThe Picture of Paris and The New Paris, before and after the historical cut of French Revolution, compose a unique diptych that reflects a colourful capital ; but Mercier also wanted to show the misery, willing to reach possibly the leaders of the country ( particularly in the first picture) to make them " realize " what was really happening in the everyday life. He had clearly a political and moral aim. He set up a brandnew technic for observing, combining two necessities, convince and " make true ". This militant realism came also as a result of rejecting the academic litterature, and an ideal of democratic litterature that is to be related to the underlying realism in the novels and theater pieces at the time. Mercier provides a large range of styles, from comic to touching, and sometimes uses vehemence and visions. But reality very often is far from the philosophical ideal, so that Mercier always has to juggle with them both, what is not very conclusive
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Kim, Simon. "Une éthique de la création : Une étude sur les nouvelles de Kim Tong-in." Paris 7, 2005. http://www.theses.fr/2005PA070023.
Full textAbstract:
Ce travail envisage le projet esthétique qui sous-tend l'oeuvre nouvellistique de Kim Tong-in (1900-1951), un auteur qui entendait créer une littérature coréenne moderne en rupture avec toute tradition littéraire. En utilisant le dogme des courants littéraires en vogue dans la Corée colonisée par le Japon, nous cherchons à dégager l'originalité et la spécificité du projet esthétique et littéraire de cet auteur. Contre la majorité des critiques et spécialistes de la littérature de cette période, nous envisageons le projet littéraire de Kim Tong-in comme inscrit en plein dans son contexte historique et politique, et placé sous le signe d'une quête de l'identité nationale perdueThis thesis examines the underlying aesthetical project behind the short stories of Kim Tong-in (1900-1951), an author who meant to create a modern Korean literature marking a beak with literary traditions. Using the dogma of literay trends in vogue at that time in a Korea under Japanese colonial rule, we intend to draw the originality and specificity of the aesthetical and literary project of Kim Tong-in. Against most critics and specialists of the Korean literature of that era, we look at his literary project as fully part of its historical and political context, carried out under the sign of a quest for a lost national identity
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Métaux, Sandra. "La désinvolture : Esthétique et éthique de l'art (de vivre) postmoderne. L'art contemporain italien au regard de la "Sprezzata desinvoltura" de Baldassar Castiglione." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1001/document.
Full textAbstract:
L’Italie, berceau de la sprezzata desinvoltura de Castiglione, est assurément le pays où l’ambiguïté des relations entre art, politique et images médiatiques est la plus forte. Le pavillon Italien des biennales de Venise de 2009 et 2011 illustre ce jeu complexe des apparences, qui « fait des mondes » ou « illumine des nations ». En relisant l’histoire de l’art à travers le prisme du concept de Castiglione, la thèse nous donne à voir que le monde (de l’art) est lui-même l’effet de l’ambivalence de cette désinvolture. Loin d’avoir assujetti l’art à leurs concepts, les grands hommes, qu’ils soient rois, philosophes ou hommes d’affaires seraient des effets de cette désinvolture de l’art. Comme Monsieur Jourdain, ils feraient de l’art sans le savoir. Exit Machiavel ! Il est aujourd’hui urgent de penser cette « ruse de l’art » qui mène le monde. Tel est l’enjeu fondamental de cette thèse qui, s’appuyant sur le schème nietzschéen de l’éternel retour, distingue plusieurs figures de la désinvolture, historiques, philosophiques et esthétiquesItaly, the cradle of Castiglione’s sprezzata desinvoltura, is undoubtedly the country where the ambiguous relationship between art, politics and media is the strongest. The Italian pavilion of the Venice Biennale in 2009 and 2011 illustrates the complex game of appearances, which are “making worlds" or "lighting up nations." Reading again the history of art through the prism of Castiglione’s concept, the thesis shows us that the world (of art) is itself the effect of this “disinvoltura” ambivalence. Far from having subjugate art to their concepts, the great men, whether kings, philosophers or businessmen are the effects of this casualness (“desinvoltura”) of art. Like Monsieur Jourdain, they would make art without knowing it. Exit Machiavelli! It is now urgent to think this "ruse of art" that leads the world. These are the fundamental stakes of this thesis, that basing itself on the Nietzschean eternal return schema, distinguishes several casualness figures, historical, philosophical and aesthetic
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Mungly, Firdaus Hanaa. "La vertu de l'art contemporain : potentialités d’une approche éthique." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H320.
Full textAbstract:
L’art contemporain a longtemps été la cause d’incrédulité de la part des membres du public qui ne reconnaissent pas la valeur de pareilles œuvres qui invoquent, semble-t-il, plus l’idée de l’offense que celle de la grandeur. « Grandes » elles le sont certes, par la taille, mais qu’en est-il de la valeur ? Les œuvres effrontées se dressent parfois comme des parangons de l’immoralité, mais la question demeure de savoir si elles devraient être considérées d’un point de vue moral. Pendant plusieurs décennies (sinon des siècles, considérant les points de vue de Platon et d’Aristote en la matière), le sujet a, en effet été une constante parmi les philosophes qui appliquent des critères, qui échouent cependant, en vertu de la liberté dont jouit de l’art, particulièrement en cette période. Protégé par des lois, l’art contemporain est en outre déplacé dans un domaine auquel il ne peut répondre, en vertu de son apparente «autonomie» : son statut légal n’explique pas son apparente valeur morale pour la société. Cette recherche a pour but d’explorer la possibilité d’une approche éthique des œuvres d’art, tout en interrogeant l’idée de la «valeur de l’art». Quelle serait cette dernière, et quelle serait l’implication d’une éthique de l’art ? Cette thèse soutient que la valeur de l’art est une croyance, et que l’approche éthique s’y rapportant est la philosophie. Le plus grand paradoxe de l’œuvre d’art contemporain, en tant que phénomène ontologique de la pensée, se manifeste alors en tant que «croyance» dans le doute, la réflexion philosophique désignant l’art comme un sujet pour une plus grande conscience politique à travers le jugementContemporary art has long been the cause of incredulity among members of the public who fail to recognize the value of such works that convey, seemingly, more the idea of an offense than that of greatness. “Great” they sure are, by size, but what about the value? The brazen pieces sometimes stand as the paragon of immorality, but the question still remains as to whether artworks should be considered from a moral standpoint. For several decades (if not centuries, considering Plato’s and Aristotle’s view on the matter) the subject has indeed been rife among thinkers who apply criterions that somewhat fail, in regard to art’s freedom, particularly in this era. Protected by laws, contemporary art is furthermore displaced in a domain to which it cannot answer, by virtue of its apparent “autonomy”: its legal status fails to explain its perceived moral value by society. This research aims to examine the possibility of an ethical approach to artworks, whilst looking into the common designation of the “value of art”. What is the latter, and what does an ethical approach to art entail pertaining to it? This thesis supports the claim that art’s value is faith, and the ensuing ethical approach, philosophy. The greatest paradox of the contemporary artwork, as an ontological phenomenon of thought, then manifests itself as being that of the “faith” in doubt, philosophical reasoning providing art as a subject for greater political awareness through thinking
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Courapied, Romain. "Le traitement esthétique de l'homosexualité dans les oeuvres décadentes face au système médical et légal : accords et désaccords sur une éthique de la sexualité." Thesis, Rennes 2, 2014. http://www.theses.fr/2014REN20038/document.
Full textAbstract:
À la fin du XIXème siècle, la médecine prend en charge de manière prégnante le phénomène homosexuel, à l'aune des découvertes en psychopathologie. Le personnage est non seulement identifié physiquement sur la base d'un certain nombre de critères dits scientifiques, mais plus encore, on dresse sa cartographie mentale. Bien que cette classification des comportements sexuels se fasse dans une intention moins punitive que curative, les pratiques sexuelles minoritaires sont encore stigmatisées. Au niveau juridique, les lois françaises sont réputées clémentes puisque les pratiques homosexuelles ne constituent plus un délit dans le code pénal de 1810. L'usage détourné de l’outrage public aux moeurs permet cependant de contrôler les comportements tandis qu’on observe une recrudescence des procès pour outrage aux moeurs en fin de siècle. Notre travail, qui s'inscrit explicitement dans le cadre des Gender studies et de la Queer theory, est d’abord épistémologique : il vise à analyser la construction d’un savoir sur l’homosexualité dans la seconde moitié du xixème siècle à travers le corpus médical,dont le rôle est souvent considéré comme majeur dans les études, et à travers les corpus juridiques et littéraires, parfois minimisés. Nos analyses relèvent également de l’histoire des représentations : il s’agit de proposer une définition de l’esthétique décadente à laquelle nous intégrons le signifiant homosexuel. Notre propos est enfin d’entrer dans l’étude détaillée des textes par le biais de trois thématiques majeures démontrant l’usage décadent d’une homotextualité : la symbolique des fleurs, la figure de l’androgyne et le mythe de NarcisseBy the end of the 19th century, medicine overwhelmingly took hold of the homosexual phenomenon, basing itself on new findings related to psychopathology. Not only were characters physically identified thanks to a series of so-called scientific criteria, but they were also analysed through mental mapping. Although the aim of the classification of sexual behaviours was to cure rather than punish, the practices of sexual minorities were still stigmatized. As far as the judiciary system was concerned, French laws were considered to be quite lenient in so far as homosexual relationships had no longer been regarded as offences since the 1810 penal code. Nevertheless, the distorted use of the affront to public decency enabled to control people's behaviours and, by the end of the century, an increase of the trials focusing on cases of indecent exposure could be noticed. Our work, that definitely ascribes itself within the field of Gender Studies and Queer theory, is first and foremost epistemological and seeks to analyze how a body of expertise about homosexuality emerged in the second half of the 19th century, through the medical corpus that turned out to be prevalent in the studies that were conducted then, as well as through both legal and literary texts, although they were quite overlooked then. Our analyses also pertain to the history of representations, as we offer to define the aesthetics of decadence by adding a signifier: homosexuality. Finally, we also plan on scrutinizing texts by relying on three main themes that are meant to emphasize the decadent use of a homotextuality : the symbol of flowers, the figure of the androgyne and the myth of Narcissus
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Rebaï, Elyssa. "Esthétique et poétique des jardins : entre art et science, parcours et discours dans la fiction sandienne." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2018. http://www.theses.fr/2018CLFAL007.
Full textAbstract:
Cette thèse intitulée « Esthétique et poétique des jardins : entre art et science, parcours et discours dans la fiction sandienne» vise à étudier la place qu’occupe le jardin essentiellement dans les romans, contes et nouvelles de George Sand. L’enjeu de cette recherche est de démontrer que le jardin chez Sand ne se réduit pas à un simple arrière-plan, à un élément de fioriture, ou à une pure thématique. Il revêt au contraire chez l’auteure une ampleur considérable allant jusqu’à devenir un objet spéculatif capable de repenser tout à la fois les genres et les esthétiques et de susciter de riches réflexions en rapport avec l’art (peinture, architecture, dessins) et la science (botanique, écologie, horticulture, minéralogie) au XIXe siècle. Le jardin occupe aussi une place de choix dans l’œuvre de Sand en vertu de ses diverses fonctions diégétiques, poétiques et symboliques au sein de la diégèse, mais aussi en raison de son aptitude à être un lieu de cheminement au sein duquel le promeneur peut se promettre divers plaisirs et évolutions. Le jardin devient en ce sens un monde complet en soi, un lieu riche et influent, un véritable creuset de signes et de significations dont se sert l’auteure pour véhiculer son idéologie, ses goûts esthétiques, ses pensées intimes, son idéalisme, ainsi que sa philosophie de la vieThis thesis entitled "esthetic and poetic of gardens: between art and science, path and speech in Sandian fiction" aims to study the place of garden especially in novels, tales and short stories of George Sand. The challenge of this research is to prouve that the garden for Sand is not just a backdrop, an element of flourish, or a pure topic. In contrast, it takes on a considerable scale in the author's work, even becoming a speculative object able to rethink genres and esthetics at the same time and generating rich reflections related to art (painting, architecture, drawings) and science (botany, ecology, horticulture, mineralogy) in the 19th century. The garden occupies a prominent place in the work of Sand due to its various diegetic, poetic and symbolic functions within the diegesis, but also because of its aptitude to be a pathway within which the walker can promise himself various pleasures and evolutions. The garden becomes in that way, a complete world by itself, a rich and impactful place, a veritable crucible of signs and meanings that the author uses to convey her ideology, her esthetic preferences, her intimate thoughts, her idealism, as well as her life philosophy
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Souchet, Audrey. "La représentation du baiser dans les romans de Mary Shelley : pour une éthique du corps." Caen, 2013. http://www.theses.fr/2013CAEN1717.
Full textAbstract:
L’œuvre romanesque de Mary Shelley est surtout connue pour le roman qui en forme l’ouverture, Frankenstein ; or, the Modern Prometheus (1818), qui possède une force esthétique et fantasmatique indéniable. L’une des scènes marquantes de ce roman est le baiser que Victor Frankenstein donne à sa cousine et fiancée Elizabeth lors d’un cauchemar, car ce baiser tue la jeune femme pour lui donner ensuite l’apparence du cadavre de la propre mère de Victor. Le baiser amoureux ou érotique semble en fait être une figure de choix dans la construction de la personnalité littéraire en devenir qu’est alors Mary Shelley puisqu’il est présent dès les brouillons d’un manuscrit qui connut pourtant de nombreuses manipulations jusqu’à sa publication. Le projet de cette thèse consiste à étendre cette hypothèse esthétique pour la faire rayonner vers les six autres romans, encore aujourd’hui peu connus, que Mary Shelley produisit pendant une vingtaine d’années : la figure du baiser se présentera, alors, comme une métaphore du parcours de la femme écrivain. Que nous dira la représentation d’une figure qui appartient à la fois au domaine de l’esthétique et de l’érotisme au sujet des relations que l’écrivain féminin entretient avec les catégories de pensée de son temps ? En mettant au jour l’idée que l’esthétique et l’érotisme tels qu’ils sont conçues par la société moderne ne sont plus des modes de pensée productifs mais, surtout, en proposant de réinvestir le sens du baiser à travers une éthique du souci du corps de l’autre, c’est la pensée littéraire d’un auteur, une œuvre romanesque, une anthropologie, mais aussi la finalité de la littérature qui seront redécouvertsMary Shelley’s work as a novelist is best known for her first novel, Frankenstein; or, the Modern Prometheus (1818). This novel shows strong, graphic scenes which have had a deep impact on modern society’s imagination. One of the most striking scenes in Frankenstein is the moment when Victor gives a kiss to his cousin, who is also his fiancée, while having a nightmare, because this kiss kills Elizabeth and turns her into the corpse of Victor’s dead mother. It seems that the erotic kiss as a literary motif played a decisive role in the making of Mary Shelley as a novelist because it appears in the first drafts of Frankenstein, whose content, as we know, was heavily modified until the novel was published. The project underlying this study consists in displacing this aesthetic hypothesis and applying it to the other six novels which Mary Shelley wrote and which have been almost completely eclipsed by Frankenstein: the kiss as a literary motif will then be considered as a metaphor for the making of the woman writer. If the literary kiss can be considered as a motif belonging to the philosophical categories of aesthetics and eroticism, what can the kiss as it appears in the work of a female writer indicate about this writer’s relation to the conceptual categories of her time? As Mary Shelley’s novels suggest that aesthetics and eroticism as they are conceived by modern society are no longer productive, and as they reinvest the meaning of the literary kiss with an ethic of caring for the body of the other, bringing these novels together will help rediscover a writer’s vision of literature, her vision of Man, and most of all our own vision of what literature is about
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Mouret, Magali. "LʼIntime littéraire et photographique." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040078.
Full textAbstract:
Cette thèse présente sur un plan sémantique la notion de lʼintime en tentant de circonscrire son champ dʼaction. Elle explique comment les acceptions du mot « intime » fluctuent historiquement, déplaçant les limites et les enjeux de lʼopposition entre sphère publique et sphère privée, entre lʼindividuel et le collectif, entre le personnel et lʼuniversel.Cette mise au point théorique a pour but dʼenvisager ensuite comment lʼintime devient lʼorigine et lʼobjet dʼun art. Les oeuvres dʼAnnie Ernaux et de Chloé Delaume ici analysées permettent de comprendre comment lʼintime modélise un texte littéraire ; les travaux de Sophie Calle et de Nan Goldin font apparaître la relation particulière entre lʼintime, le texte parfois et la photographie. Le langage verbal et le langage iconique sont interrogés afin de déterminer comment le style de lʼoeuvre sʼimprègne de la dimension intime. Au-delà du risque ou de la provocation, lʼon voit comment lʼoeuvre intime sʼancre profondément dans le temps, dans un rapport privilégié à la mémoire. Il est aussi question de montrer combien lʼart intime relève dʼune lutte pour exister, se faire reconnaître en tant quʼart. Les notions de valeur et dʼeffet, dans le cadre dʼune théorie de la réception, éclairent cette dimension polémique. Enfin, cette thèse sʼintéresse àdécouvrir dans quelle mesure lʼart de lʼintime sʼinscrit contre une ancienne éthique et en faveur dʼune nouvelle. Il sʼagit également de définir les grandes lignes dʼune esthétique de lʼintime, ravivant les questions du réalisme, de la beauté,du sublimeThis thesis presents a semantic notion of the intimate attempting to limit its scope. It explains how the meanings of theword "intimate" fluctuate throughout history, thereby moving the boundaries and challenging the opposition between thepublic and private spheres, between the individual and the collective, and between the personal and the universal. Thistheoretical development is intended to consider how the intimate is both the source and purpose of art. The works ofAnnie Ernaux and Chloe Delaume analyzed here can illustrate how the intimate shapes a literary text ; the works ofSophie Calle and Nan Goldin show the special relationship between the intimate, sometimes the text, and photography.The verbal and the iconic languages are examined to determine how the style of the work is imbued with the intimatesphere. Beyond the risk or provocation it entails, we see how the work intimate is deeply rooted in time with a specialrelationship with memory. It is also about showing how the intimate art is a struggle for existence, for being recognizedas art. The concepts of value and effect as part of a theory of reception, illuminate this debate. Finally, this thesis isinterested in discovering how the art of the intimate severs from former ethics to build a new one. The purpose of thisstudy is also to define the outline of an aesthetics of intimacy, rekindling issues of realism, beauty, and the sublime
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Sattler, Henri. "La Voix de l'orgue entre devotio et suavitas : paradigme d'une poétique sonore de la foi : théologie, éthique et esthétique dans la praxis de l'organiste catholique français entre le Concile de Trente et aujourd'hui." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2003. http://www.theses.fr/2003STR20001.
Full textAbstract:
Lors de la conférence de Carême qu'il prononça à Notre-Dame de Paris, le 21 février 1999, le père Jean-Robert Armogathe rappela que la voix de l'orgue offre un accès privilégié au sacré, en contribuant à la création d'un "espace de sensibilité" favorable à la rencontre du transcendant. La méditation musicale des orgues permet, selon lui, de pénétrer dans la compréhension du mystère divin, qui, comme l'affirme le Nouveau Testament, est demeuré caché aux puissants, se dévoilant au coeur des humbles et des petits. Depuis l'époque patristique, le culte chrétien attribue à l'orgue une fonction théologale et mystagogique, qui introduit le sujet croyant dans une expérience du divin, d'ordre tant rationnel qu'émotionnel. La méthode allégorique fondée par Origène et Tertullien, illustrée par l'Ecole française de spiritualité (Olier, Grimaud, Thomassin), puis par les catholiques romantiques (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), légitime la présence de l'orgue dans le sanctuaire, tout en précisant son rôle dans la scène cérémoniale. Sa structure sonore offre une représentation sensible des réalités invisibles du kérygme chrétien : la multiplicité des tuyaux, le vent émis par les soufflets et les sons prolongés évoquent respectivement la communion des Saints, le souffle de l'Esprit et l'Eternité divine. L'orgue est un signe sacramentel qui participe, selon Jean-Yves Hameline, à une poétique sonore de la foi. Faisant écho à la crise liturgique suscitée par les dernières décisions conciliaires, cette étude vise à rappeler ce que l'Eglise catholique demande à ses musiciens, en incitant à une re-estimation du rôle de l'orgue dans "l'écologie sonore" de la célébration. Quels sont les critères de convenance -théologiques, rhétoriques et stylistiques- qui mesurent l'aptitude d'un instrument ou d'un répertoire à participer à la célébration du culte catholique ? Comment cette question a-t-elle influencé la praxis des organistes français depuis le Concile de Trente ?In the Lent sermon he gave in the church of Notre-Dame of Paris on February 21st, 1999, the Rev. Jean-Robert Armogathe reminded his audience that the sound of the organ gives us a most creditable access to the sacred by enabling our senses to experience transcendency both rationally and emotionally : by accompanying our meditations, organ music leads us into te very mystery of the Divine, which, according to the New Testament, ignores the powerful and only unveils itself to its humbler servants. Thus, ever since the early days of Christianity, the organ has been endowed with both a theologal and mystagogic function. The method of allegory, founded by Origen and Tertullian and illustrated first by the French school of spirituality (Olier, Grimaud, Thomassin), then by the Catholics of the Romantic period (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), legitimates the presence of the organ in the sanctuary and specifies the role it is to play in the ceremonial scene. Indeed, such an instrument does provide our senses with a representation of the invisible realities of the Christian kerygma, as the multiplicity of its pipes, the wind blown out by its bellows, and its prolonged sounds evoke respectively the communion of the Saints, the breath of the Holy Spirit and the eternity of God. The organ is a sacramental sign, according to Jean-Yves Hameline, has to do with the poetics of faith itself. As a response to the crisis of liturgy created by the latest decisions of the Council, this study proposes to retrace what the Roman Catholic church expects from its musicians, by giving grounds for a new appraisal of the part the organ plays in the "ecology of sound" of celebrations. What criteria -be they either theological, rhetorical or stylistic- should therefore be taken into account to decide whether an instrument or a repertoire is fit to take part in the celebration of the Catholic ritual ? And how has this question influenced the praxis of the French organists since the Council of Trento ?
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Laborde, Paul. "La poésie aveugle : pour une éthique pragmatique de la lecture." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040032.
Full textAbstract:
On n’aborde jamais un texte sans une série d’acquis et de présupposés. Ceux-ci déterminent l’idée que l’on se fait du langage, du sens, du texte, de la littérature, de l’écrivain, de la lecture. Tout un ensemble d’idées non-formulées viennent conditionner l’expérience que l’on fait du texte. Dès lors, une image de la littérature opère inconsciemment dans l’esprit du lecteur et tend à limiter le panel d’expériences que celui-ci peut faire de l’œuvre. Nous croyons que cette image procède d’une certaine science critique, héritière d’une tradition philosophique qui valorise la connaissance en premier lieu. La littérature est alors asservie au projet cognitif que la communauté se donne. Nous avons souhaité proposer un nouvel abord du texte qui puisse débrider les connexions possible à celui-ci. Une approche pragmatique et empirique qui s’attache davantage à maximiser le gain éthique et existentiel en germe dans la relation à l’œuvre littéraire qu’à dégager une saisie conceptuelle de ce que serait l’œuvre. Non plus cerner ce que le texte voudrait dire, mais multiplier les branchements. Pour appuyer cette nouvelle présentation, nous avons étudié la relation entretenue par trois poètes avec la peinture (Artaud, Michaux, du Bouchet). Nous avons tenté de démontrer que leur relation au langage impliquait une autre manière de lire - davantage tournée vers les conséquences affectives et perceptives de l’expérience. En même temps que la critique d’une certaine perspective dominante sur la littérature (conventionnalisme, herméneutique, phénoménologie...) notre thèse propose, éclairée par une pluralité de regards (philosophes, peintres, poètes, tradition judaïque), un nouveau champ d’expérienceOne can’t approach a text without a series of presupposed knowledge determining the idea one makes about language, meaning, text, literature, the writer and reading. A whole ensemble of unformulated ideas influences the experience of the text one can have. Then, an image of what literature is or supposed to be operates secretly in the reader’s mind - limiting the spectrum of experiences. We believe that image proceeds from a certain critical science, successor of a philosophical tradition enhancing knowledge above all. Literature is then enslaved by the cognitive project of the community. We wished to propose a new way of approaching the text - so we could unbridle the possible connections to it. A pragmatic and empiric approach more concerned by the ethical and existential benefit of the literature encounter than by a conceptual understanding of what the work may be. Not wondering what the text means but what one can do with it. We studied the relationship between three poets (Artaud, Michaux, du Bouchet) and painting, trying to demonstrate that their relation to language is asking for a new way of reading (concerned with perceptive and affective consequences). Our thesis is both criticizing a certain dominant perspective on literature (conventionalism, hermeneutic, phenomenology...) and proposing by the means of different angles (philosophers, painters, poets, judaic tradition...) a new field of experience
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Labarta, Gaëlle. "Le discours critique et ses valeurs : Une éthique des vertus discursives à partir de quelques polémiques en littérature française contemporaine." Thesis, Paris 13, 2019. http://www.theses.fr/2019PA131046.
Full textAbstract:
Dans la thèse présentée, il s’est agi de savoir si la littérature fictionnelle bénéficiait d’un régime particulier d’acceptabilité éthique et esthétique des discours. Comme tout texte publié, la littérature est soumise à la loi, mais elle est aussi soumise à des manifestations individuelles d’approbation ou d’indignation que les contextes polémiques font émerger avec vigueur. J’ai adopté une approche bidisciplinaire qui associe l’analyse du discours littéraire à l’éthique des vertus discursives. Cela m’a permis d’intégrer le paramètre éthique à une étude en sciences du langage centrée sur la littérature. Les événements discursifs polémiques ont été le lieu idéal pour voir émerger des métadiscours exprimant un jugement de valeur. J’ai donc réuni un corpus de référence rendant compte de seize années de polémiques littéraires (entre 2000 et 2015) qui donnent à voir un panorama des principaux motifs d’inacceptabilité du discours littéraire : la vie privée, le plagiat, la sexualité, le traitement des religions et celui de l’histoire. J’ai cherché à rendre compte du discours critique contemporain en associant à la critique littéraire instituée, la folk critique littéraire. En effet, le développement du Web 2.0 a fait émerger des formes contemporaines de discours critique que j’ai souhaité associer à l’étude. Puis, j’ai voulu identifier le socle des valeurs que ces métadiscours exposent : l’esthétique, la tradition, l’éthique et le plaisir, le tout formant une éthique des vertus du discours littéraire contemporain. Puis, j’ai étudié comment ces discours sur les valeurs se construisent et se perpétuent à travers le discours puriste, les lignées littéraires, la modalisation autonymique, ou des assertions généralisantes qui définissent le littéraire. Le tout forme des réseaux qui ne se laissent pas généraliser et qui montrent toute la plasticité et la subjectivité de ces valeurs/anti-valeurs que les commentateurs actualisent en s’appropriant le discours littéraire contemporainThe aim of this thesis was to know if the fictional literature benefited from a particular regime of ethical and aesthetic acceptability of the speeches. Like any published text, literature is subject to the law, but it is also subject to individual manifestations of approval or indignation that the polemical contexts forcefully bring to light. I have adopted a bi-disciplinary approach that combines the literary discourse analysis with the ethics of discursive virtues. This allows me to integrate the ethical parameter into a linguistic study focused on literature. The controversial discursive events were the ideal place to see the emergence of metadiscours expressing a value judgment. . I have therefore compiled a reference corpus reflecting sixteen years of literary controversy (between 2000 and 2015) that provide an overview of the main reasons for the unacceptability of literary discourse : privacy, plagiarism, sexuality, religions and history. I have sought to capture contemporary critical discourse by associating folk literary criticism with established literary criticism. The development of Web 2.0 has has brought out contemporary forms that I associated with the study. I tried to identify the foundation of the values that these metadiscours expose: aesthetics, tradition, ethics and pleasure, all forming an ethics of the virtues of contemporary literary discourse. Then I studied how these discourses on values are constructed and perpetuated through purist discourse, literary lineages, autonymic modalization, or generalizing assertions that define the literary. All this forms networks that cannot be generalized and that show the plasticity and the subjectivity of these values/anti-values that commentators actualize by appropriating contemporary literary discourse
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Perzo, Laurianne. "Critiquer et enchanter le monde par le théâtre pour la jeunesse : exigences éthiques et esthétiques du répertoire dramatique contemporain." Thesis, Artois, 2018. http://www.theses.fr/2018ARTO0002.
Full textAbstract:
Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de créationFrench theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre
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Nunes, Renata Aguiar. "Procedimentos, matéria, efeitos: ética e estética nos contos de Lima Barreto." www.teses.ufc.br, 2013. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/8120.
Full textAbstract:
NUNES, Renata Aguiar. Procedimentos, matéria, efeitos: ética e estética nos contos de Lima Barreto. 2013. 124f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Letras, Fortaleza (CE), 2013.Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-05-20T14:14:19Z No. of bitstreams: 1 2013_dis_ranunes.pdf: 1497183 bytes, checksum: 30f1942b7611747076fcb6e0e9e002cd (MD5)
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A crítica em torno da obra de Lima Barreto apresentou um importante avanço nas últimas décadas, ao adotar uma postura mais coerente com os princípios éticos e estéticos assumidos pelo escritor. Com um projeto criador dissonante dos preceitos literários que o cercavam, Lima foi rechaçado pela crítica literária de sua época, cujas concepções literárias se chocavam com as suas. Apenas a partir dos anos 70, estudos desenvolvidos por Antonio Arnoni Prado (1989) e Osman Lins (1976) passaram a apresentar um novo olhar sobre os elementos que constituem a obra desse autor, sobretudo no que tange aos seus romances. Entretanto, os contos, importante parcela da obra barretiana, não receberam a devida atenção por parte da crítica, demandando estudos que lhes esclareçam a constituição e a relação com o propósito ético e estético do escritor. Tais textos apresentam a mesma postura crítica e concepção de forma que se destaca nos seus romances, sendo esta caracterizada por uma estrutura extensiva e solta. Se, para o gênero romanesco, a falta de unidade que subjaz a esse tipo de ordenação poderia representar um entrave na constituição de uma forma literária válida, tratando-se de uma narrativa curta, como o conto, a questão tornar-se-ia ainda mais complexa. A fim de denunciar e propor reflexões acerca das problemáticas que compunham o cenário da Primeira República, Lima submete a forma de seus contos à matéria e aos efeitos visados, desprendendo-se de modelos fixos. Dessa maneira, verifica-se que a estética e a matéria dos contos do autor seguem um caminho contrário não só aos padrões cultivados pelos escritores e intelectuais aclamados no início do século XX, mas também aos pressupostos defendidos por renomados teóricos do gênero, como Poe e Cortázar. Acredita-se que a composição dos contos de Lima Barreto está ligada ao seu projeto ético e estético, o qual tem por escopo a ruptura com os padrões literários vigentes em sua época somada ao conhecimento crítico e à denúncia de mazelas referentes ao início do período republicano. Diante disso, esta pesquisa investiga, nos contos barretianos, os elementos internos que os constituem e as suas relações com o propósito ético e estético que norteia o trabalho do escritor, a fim de evidenciar a intrínseca ligação entre os procedimentos literários empregados na composição dos contos, os efeitos visados a partir de sua organização e a matéria representada.
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Kim, Hyun-hee. "La figure de l'artiste et le rôle de l'art dans les romans de Romain Gary." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20017.
Full textAbstract:
La conception du « roman total » proposé par Romain Gary met fin au « chef d’œuvre ». Traversant « le siècle des ténèbres », Romain Gary trouve une part de responsabilité de l’art et de l’artiste dans l’impuissance de la culture face à l’horreur existante. Pourtant, bien qu’il mette l’accent sur la fonction sociale de l’art, Romain Gary n’adhère pas à l’art engagé, ni au roman réaliste ou au Nouveau roman. Il ne cherche pas à imposer ses idées au lecteur, mais veut lui ouvrir un espace de liberté. L’art doit être une jouissance pour qu’il finisse par devenir une force éthique. Il amène une prise de conscience de ce qui manque à la réalité. L’esthétique garyenne consiste à rendre au lecteur son autonomie de pensée. Nombre de ses personnages incarnent la figure de l’artiste sous différentes formes provocatrices : picaro, dandy, clown, etc. Pour Romain Gary, créer, c’est jouir et la jouissance est une révolte métaphysique contre la condition de la vie et contre la souffrance. Les artistes dans ses romans figurent bien ceux qui mènent cette lutte. Transgresseurs des valeurs et des ordres établis, les artistes chez l’auteur tiennent à se libérer de la réalité. Cette libération s’effectue d’une part à travers la création d’un monde imaginaire, d’autre part à travers le dépassement de soi ou la création de soi. Transformant leur vie comme une œuvre de leur imagination, les artistes garyens témoignent d’une identité multiple et en « devenir »Néant
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Bouyer, Eve. "La restauration non-illusionniste de la céramique :vers un protocole décisionnel." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2019. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/281415.
Full textAbstract:
La restauration du patrimoine étant connue principalement dans sa dimension illusionniste, la recherche se penche sur son pendant moins connu :le non-illusionnisme, qui correspond à une volonté de donner au spectateur la possibilité de détecter à l’oeil nu la présence de la restauration.Cette thèse inclut l’illustration commentée de nombreux cas d’étude et montre à quel point l’éventail des possibilités visuelles en matière de restauration non-illusionniste de la céramique est vaste. Vu la vastitude de cet éventail, choisir une option visuelle parmi tant d’autres peut constituer une tâche complexe. À travers le corpus de cas d’étude illustrés, une mise en perspective des pratiques sur le plan historico-culturel, ainsi qu’une approche critique de multiples paramètres susceptibles d’influencer la prise de décision, l’intention de cette thèse est de soutenir les décisionnaires dans l’élaboration d’un protocole décisionnel, en les aidant à être davantage conscients des enjeux éthiques, de l’impact esthétique et de la portée culturelle de leurs choix en matière de restauration.Since the restoration of heritage is best known in its illusionist dimension, the research focuses on its lesser-known counterpart: non-illusionism, which corresponds to a desire to let the spectator detect the presence of restorations with the naked eye.This thesis includes the commented illustration of numerous case studies, which highlights the vastness of the range of visual possibilities for non-illusionist restoration of ceramics. Given the vastness of this range, choosing one of many visual options can be complex. Through the corpus of illustrated case studies, a historico-cultural perspective on practices and a critical approach of multiple parameters influencing decision-making, the purpose of this thesis is to help stakeholders establish a decision-making protocol, by helping them to be more aware of the ethical issues, the aesthetic impact and the cultural significance of their choices regarding restoration.
Doctorat en Art et Sciences de l'Art
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Goursat, Juliette. "Mises en « je » : autobiographie et film documentaire." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0056.
Full textAbstract:
Cette thèse est née du constat qu'il n'existe pas vraiment d'analyse d'ensemble de l'autobiographie filmée, en dépit de l'enthousiasme, certes relativement récent, qu'elle suscite. Afin de limiter notre corpus, nous nous concentrons prioritairement sur des films à la fois fortement autobiographiques et documentaires, qui placent l'existence de leurs réalisateurs au premier plan, donnent à voir des échanges verbaux, programment la « lecture documentarisante », et s'inscrivent dans une tradition documentaire, en particulier du cinéma-vérité. Qu'est-ce que l'autobiographie et le documentaire nous enseignent l'un de l'autre ? En quoi l'interaction de ces deux notions invite-t-elle à les réinventer ? Comment les cinéastes perçoivent-ils leurs identités personnelles ? Après un retour sur les débuts pratiques et théoriques de l'autobiographie et ses interférences avec le documentaire, un très large corpus constitué, entre autres, des œuvres de David Perlov, Ed Pincus, Ross McElwee, Alain Cavalier, Agnès Varda, Jonathan Caouette, Dominique Cabrera et Johan van der Keuken, sera étudié selon les quatre perspectives suivantes : renonciation, la mise en récit, la rhétorique et l'éthique. Échappant au narcissisme, ces films apparaîtront comme des champs de tensions fécondes, des laboratoires dans lesquels les cinéastes questionnent les pratiques du documentaire, bouleversent ses conventions, examinent leur vie et critiquent les institutions qui la sous-tendent, articulent manières de voir et d'être, et promeuvent un souci de soi et une forme d'ipséité (la fidélité à la parole donnée), à la recherche d'une transformation de soi et des autresTaking into account the fact that, in spite of its relatively recent expansion, very few books have offered an overall study on filmic autobiography, this thesis is dedicated to the analysis of films in which a convergence between documentary and autobiography can be observed, in order to delimit a coherent corpus, we will focus our attention on films that record filmmakers' lives, place them in the fore-ground, privilege sync-sound conversations, encourage "documentarizing reading," and inscribe themselves in a tradition linked to direct cinema and cinema-vcritc. What do autobiography and documentary reveal about each other? and about personal identity? How does the interaction of these two ideas lead to their reinvention? After tracing the theoretical and practical beginnings of autobiographical documentaries, my thesis examines a large body of films (by Agnès Varda, Ross McElwee, Dominique Cabrera, Ed Pincus, David Perlov, Alain Cavalier, Jonathan Caouette, Johan van der Keuken. . . ) from four angles: enunciation, narration, rhetoric, and ethics. All these films appear as a field of fertile tensions, laboratories in which filmmakers trouble documentary as a practice and set of conventions, criticize their lives and the institutions that underpin them, link ways of viewing and being, and promote a "care of the self” (Foucault) and an ipseite based on the model of "the promise kept" (Ricoeur), striving for transformation of oneself and others
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Lengyel, David. "Pour une éthique du cinéma : esquisse d'une théorie du cinéma d'après l'oeuvre d'Emmanuel Levinas." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030162.
Full textAbstract:
Puis-je croire ce que je vois ? Cette question surgit dans la religion, la science et l'art. Elle persiste, comme si la focale d'une caméra pouvait mesurer la distance entre la justice et la justesse. En effet, existe-t-il une éthique de la création cinématographique, interrogée tant du côté du travail d'un cinéaste que du côté de la réception, c'est-à-dire dans la façon de rendre compte d'une expérience de cinéma ? Si oui, cette éthique dérive-t-elle toujours d'un engagement politique préalable qui la guiderait ? Ou bien, son origine est-elle d'un tout autre type ? Cette thèse en esthétique du cinéma pose ces questions et confronte quelques-uns des films les plus énigmatiques et puissants du septième art avec les notions clé du philosophe français E. Levinas. La relecture serrée de son œuvre, sa critique du "dévoilement" heideggérien, jalonne les analyses détaillées de films comme Solaris, Les harmonies Werckmeister ou encore Zelig. Progressivement, chacun d'entre eux révèle sa profonde affinité avec les autres, même si tous n'appartiennent pas à la même période, ni au même style ou genre. La cohérence de l'ensemble est dans la problématique, dont chaque chapitre s'efforce d'éclairer un nouvel aspect. Ainsi, la recherche de l'autre et la pensée de Dieu représentent des points nodaux du texte sans que l'on y ait recours aux "images sacrées"Can I believe what I see ? This question occurs in religion, science and art. As if pulling a camera's focus could measure the distance between justice and justness. Actually, is there any ethics of creation in cinema questioned from a filmmaker's inner motivation, as well as from the possibilities of transcription of such an experience ? If so, are ethics always directed by prior political involvement ? Or by another type of instruction ? This thesis in film studies asks these questions and confronts some of the most demanding and multi-leveled films by great authors with the key notions of E. Levinas (1906-1995), one of the most important French philosophers in the 20th century. Reading closely the thinker's oeuvre, his criticism of Heidegger's unveiling, this thesis offers a detailed analysis of Solaris, Werckmeister Harmonies and Zelig. Step by step, they reveal their deep-rooted affinities with each other, even though they do not all belong to the same period, style or genre. They are also connected to metaphysics in an innovative way. Both, seeking for the other and thinking of God, represent main points in this exposé without referring to holy images
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Kim, Seong Jae. "Six regards sur la master-classe de piano : phénoménologie et sémiotique de la rencontre musicale." Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0149.
Full textAbstract:
Notre thèse propose de nouvelles voies pour saisir la dimension d’affect de l’expérience musicale, que la sémiotique comme la musicologie traditionnelle prennent peu – ou bien mal – en compte. En nous inspirant d’une pensée modélisante de facture dynamiciste, telle que développée à partir des années 1960 et depuis influente dans les disciplines sémiolinguistiques, nous cherchons à accompagner le mouvement des sémiogenèses au sein d’une master-classe de piano. Le terme de sémiogenèse, ici, est pris dans un sens large, embrassant tout déploiement de formes, qu’elles soient vagues ou articulées, diffuses ou bien cernées : formes tendues entre expressivité et normativité, et formes valorisées parce qu’appelant à participer à une ligne de vie qui par elles vient à exister. La master-classe est un cours donné par un grand maître à des élèves accomplis, qui témoignent ainsi véritablement de leur propre vie, de leur sentir éthique, à travers la recherche d’une autre praxis musicale. Ces dernières années, le champ de la master-classe a commencé de retenir l’attention de la communauté scientifique, notamment dans des domaines liés à l’enseignement et à l’expérience musicale, tels que la psychologie, l’esthétique et l’épistémologie (ou encore la sociologie). Pourtant il nous semble regrettable que la plupart des problématiques adoptées dans ces cadres n’intègrent rien ou si peu encore des métamorphoses de la sensibilité et du jeu du sentiment musical dans la caractérisation de leurs objets. Or le champ de la master-classe nous paraît particulièrement intéressant en ce que l’horizon d’affect y est prééminent dans toute l’activité sémiotique qui s’y noue. Nous avons ainsi assisté à plusieurs master-classes et suivi de près la praxis des musiciens (participations aux cours, enregistrements, entretiens, conversations …) dans l’esprit de rendre toute sa profondeur génétique à l’activité sémiotique, en l’abordant sous la perspective d’une rencontre et d’une orientation des sensibilités musicales. Une des tâches que nous nous sommes donc assignées dans la description de cette praxis musicale particulière consiste à comprendre les phénomènes sonores, langagiers et gestuels attenants comme les conditions sémiogénétiques de la constitution d’un sens musical. Il s’agit d’une méthode fondamentalement descriptive, en mode philosophique (Shaftesbury, Kierkegaard, Wittgenstein, Merleau-Ponty) et sémiotique (Peirce, Saussure), qui rejoint la préoccupation sémiotique dès les premiers niveaux d’une microgenèse, et en la reprenant d’emblée au sein d’une phénoménologie herméneutique et existentielle. Cette problématique perceptive et sémiogénétique de la sensibilité musicale nous met notamment en mesure de retravailler la notion de motif musical, à la fois comme motif-de-praxis et comme motif-existentiel. Nous avons ainsi tenté de tirer au clair une certaine écoute du jeu musical en y retrouvant comme un passage constant entre une perception d’emblée éthique, et la recherche aussi, à travers le jeu et ses motifs, de personnalités musicales qui s’y trouvent engagées. De telles notions de motif et de personnalité nous ont paru opportunes dans la mesure où elles permettent justement de proposer une certaine éthique du sentiment musical, sans le réduire à un savoir-faire, à une psychologie ou à l’exécution d’un rituel. Nous sommes ainsi parvenus à réinterroger toute notion de ‘signe’ musical en sollicitant l’horizon ‘motival’ de cette ‘activité symbolique’, comprise, dans la nature formelle et sensible des pratiques, comme une participation (un désir et un engagement de participer) à un certain régime de l’existence humaine. Par là on fraye la voie à une nouvelle conception de la praxis musicale, qui relie esthétique et éthique. La thèse développe ainsi cette problématique en posant sur elle six Regards successifs : Master-classe de piano ; Sentir, savoir, faire ; Champ et forme ; Motif et forme ; Lignes de vie ; EnchantementIn this thesis, I suggest new ways of grasping the affective dimension of musical experience that which traditional semiotics and musicology take little into account. Inspired by a dynamistic modelling approach –which developed from the 1960s and since then has been influential in the domain of semiolinguistic disciplines–, I sketch out the fluctuating phases of semiogenesis within the field of piano masterclasses. The term ‘semiogenesis’ here, is taken in a broad sense, encompassing any deployment of sign-forms, either vague or articulated, diffused or well-defined. Such forms are conceived as being strained between expressiveness and normativity. They are also valorized in that they call the subject to participate in his or her own ‘lines of life’ which, in turn, may come to exist by those forms. A piano masterclass is given by a genuine master to highly accomplished students, both who truly testify to their own lives, to their own ways of ethical feeling, in the search for a unique musical praxis.In recent years, the field of masterclass has begun to attract the attention of the scientific community, especially in areas related to musical teaching and experience, such as psychology, aesthetics and epistemology or even sociology. Yet it is still suboptimal that most of the problems adopted in these frameworks incorporate nothing or so little in terms of the metamorphosis of sensitivity and the play of musical feeling in the characterization of their research objects.Nevertheless, the field of piano masterclass seems to be a particularly interesting and promising object of research in that the horizon of affect is preeminent in all the semiotic activities tied to it. Thus, I have attended several masterclasses in order to closely follow the praxis of the musicians (e.g., active and passive participation in masterclasses, audiovisual recordings, interviews, conversations and debates on music, etc.), in the spirit of making all its genetic depth to the semiotic activity, by approaching it under the perspective of an encountering and an orientation of musical sensibilities. One of the main tasks of my approach in the designing of the descriptions of this particular musical praxis consists in understanding the acoustic, gestural and linguistic phenomena, as giving birth to semiogenetic conditions of the constitution of a musical meaning. In this way, it is a fundamentally descriptive method, inspired by philosophical (Shaftesbury, Kierkegaard, Wittgenstein, Merleau-Ponty) and semiotic (Peirce, Saussure) minds, which joins the semiotic preoccupation from the very initial levels of a microgenesis, and by promoting it immediately into a hermeneutical and existential phenomenology.The perceptive and semiogenetic issues of musical sensitivity allow us to remodel the notion of a musical motive, understood both as a motive-of-praxis and as an existential-motive. I tried to grasp the idea of a certain listening of the musical praxis by finding there a constant passage between an ethical perception, and the search –through the playing of the music and its motives–, for a musical personality engaged in the musical praxis. Such conceptions on motive and personality proved to be fruitful to the extent that they make it possible to suggest a certain ethic of musical feeling, without reducing it to a skill, a psychology or a ritual. I have thus managed to redefine the notion of a musical ‘sign’ by playing up on the 'motival' horizon of this semiotic activity, understood – in the formal and sensitive nature of musical practices– as participation (i.e., desire and commitment to participate) to a certain regime of human existence. In this way, I believe to be paving the way for a new conception of musical praxis, which interweaves aesthetics and ethics
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Puyôou, Bianca. "Pygmalion, un mythe génésiaque. Conceptions et représentations du pouvoir créateur." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040215.
Full textAbstract:
Ce travail herméneutique interdisciplinaire où littérature et philosophie intimement s’entremêlent et dialoguent avec les sciences dites dures, s’est tout d’abord employé à définir la notion de mythe comme type de récit littéraire illustrant une prise de position quant à une question métaphysique et a révélé le récit ovidien de Pygmalion comme un mythe génésiaque au cœur duquel se trouve l’homme. Cheminant du XVIIIe au XXe siècle au fil de l’histoire des idées européennes, il s’est ensuite arrêté sur les différentes productions littéraires allemandes, françaises et italiennes réinvestissant le mythe à la lumière de la problématique dégagée du texte mère : celle de l’ampleur du pouvoir créateur de l’homme, afin d’en extraire les caractéristiques communes. Dans leur traitement de l’eros et de l’art, ces dernières posent un rapport à autrui et au monde orienté vers une dynamique de création se réalisant à travers un processus analogue, reposant sur les représentations ainsi que l’implication et les dispositions mentales et personnelles du sujet, l’extase, la volonté et la foi. Forts de leurs enseignements et de ce constat, il s’est à son tour emparé de cette question à travers l’élaboration d’un mythologisme anthroposophique convoquant des découvertes ayant eu lieu au XXIe siècle dans le domaine des neurosciences, de la physiologie, de la sémiostylistique, de l’éthique et de l’esthétique. Ce système de pensée, dans une quête de compréhension de ce processus créatif, a mené à la redéfinition d’un Homme alors compris comme essentiellement mû par un instinct représentationnel, un mouvement plasmateur, évoluant entre Créativité, Plaisir et Beauté, à travers l’exercice duquel il réalise sa LibertéThis hermeneutic interdisciplinary work, where literature and philosophy are tightly intertwined and converse with the so-called hard sciences, first proceeds to define the notion of myth as a literary type of story that illustrates a stance on a metaphysical question. It reveals Ovid’s story of Pygmalion as a genesiac myth in which mankind is at the heart. Progressing from the XVIIIe to the XXe century along the history of European ideas, it then halts at the French, German and Italian literary works that revisit the myth, in light of the question drawn from the source text – that of the extent of Man’s creative power – in order to extract the common characteristics. In their study of Art and Eros, they present a relationship to the world and to the others that is directed toward a dynamic of creation that is realized through a similar process based on the representations along with the mental and personal implication and dispositions of the subject, ecstasy, will and faith. In turn, drawing on their lessons and this observation, this work eventually answers this question by elaborating an anthroposophical mythologism that call upon XXIe century discoveries in neurosciences, physiology, semiostylistic, esthetic and ethic. This system, in its quest of understanding this creative process, has led to the redefinition of a Man essentially led by a representational instinct, a creative gesture, moving from Creativity, to Pleasure and Beauty, by which he achieves his Freedom
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Machado, Katia Regina. "Un regard à double égard sur la misère du monde. Analyse des effets de la forme esthétique des images photographiques de Sebastiao Salgado." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030098.
Full textAbstract:
L’œuvre photographique de Sebastião Salgado, qui focalise la condition de vie des personnes affectées par la souffrance sociale causée soit par la guerre, soit par l’exploitation et la misère, prime par la qualité de la composition esthétique, mais ses images ne sont pas produites dans le contexte de la photographie d’art. Elles s’inscrivent dans la catégorie de la photographie documentaire et leur finalité discursive est la dénonciation sociale. Une part des spécialistes de l’image et des sciences humaines et sociales estiment que ses images ne peuvent pas servir à un tel propos, car leur caractère artistique déforme la vérité de la réalité représentée. L’autre part, en revanche, considère que c’est justement de la forme esthétique qu’elles tirent leur force de communication sociopolitique. Il s’agit du vieux débat sur le rapport entre esthétique et politique réactualisé par la question contemporaine du rôle sociopolitique des représentations médiatiques de la souffrance sociale. Pour constituer notre corpus analytique nous nous sommes servis d’un échantillon d’articles des spécialistes, publiés dans la Presse, dans lesquels on trouve un discours argumenté pour ou contre l’approche photographique de Salgado. La mise en confrontation des argumentations d’opposants et de partisans a permis non seulement de faire une sorte de mise en épreuve de la pertinence des concepts théoriques évoqués en soutien, mais aussi de mettre en évidence les apriori éthiques, sociologiques et politiques qui sont à la base des jugements qui indiquent si l’on doit considérer l’approche énonciative de Salgado comme une bonne ou mauvaise façon de représenter la misère du mondeThe photographic work of Sebastião Salgado focuses on the living conditions of people affected by social distress resulting from civil wars, exploitation, and misery. The pictures are characterised by the quality of their aesthetic composition but they are not primarily works of art. They are rather documentary pictures that represent a social denunciation of intolerable living conditions. Some social scientists specialised in photo interpretation think that his pictures still exhibit too many characteristics of art work and might therefore deform reality. However, others are convinced that just this aesthetic approach constitute its particular strength in sociopolitical communication. The contrasting views reflect the old debate on the relation between politics and aesthetics recently revived by the discussion on the socio-political role of the media in the presentation of social distress. This thesis is based on a representative sample of articles published in print media in which arguments for and against the photographic approach of Salgado are presented. The analytic comparison of the opposed arguments allows an evaluation of the related theoretical concepts. It also reveals an a priori basis of the related ethics, aesthetics, sociology, and politics indicating whether the denouncing character of Salgado pictures is representing an adequate approach to communicate the misery of the world