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1
Sánchez Jiménez, Antonio. "Lope de Vega y la geografía universal: las Relaciones universales de Botero en dos epilios de La Filomena." Bulletin hispanique 126-2 (2024): 31–48. https://doi.org/10.4000/12vdv.
Full textAbstract:
Este trabajo examina las digresiones geográficas en dos epilios de La Filomena (1621) de Lope de Vega, estudiando topónimos y fuentes, y poniendo de relieve concomitancias de forma y fondo con las Relaciones universales de Giovanni Botero. Asimismo, reflexionamos sobre la función de las digresiones geográficas a nivel diegético y extradiegético, en relación con las ambiciones literarias de Lope en 1621.
2
Candeloro, Antonio. "El cine de poesía de Pier Paolo Pasolini: entre La ricotta e Il Vangelo secondo Matteo." 1616: Anuario de Literatura Comparada 11 (January 24, 2022): 181–201. http://dx.doi.org/10.14201/1616202111181201.
Full textAbstract:
El objetivo de este artículo es ilustrar algunas escenas emblemáticas de La ricotta (1963) y de Il Vangelo secondo Matteo (1964) de Pier Paolo Pasolini para analizar cómo el escritor y cineasta italiano reescribe en función poética el texto bíblico, teniendo en cuenta tanto la importancia que cobran las imágenes como los demás elementos cinematográficos, como el uso de la pintura, en función de reescritura intertextual del espacio físico en el que se desarrolla la acción, y de la música, en función de comentario sonoro extradiegético de lo que se narra en la pantalla.
3
Donoso, Catalina. "Presencia y archivo: estrategias documentales en dos montajes teatrales chilenos." Taller de Letras, no. 68 (2021): 217–38. http://dx.doi.org/10.7764/tl68217-238.
Full textAbstract:
El presente trabajo examina dos montajes chilenos estrenados en 2017: Ñuke dirigido por Paula González Seguel y Mateluna dirigido por Guillermo Calderón: la primera aborda la violencia en las comunidades mapuche y la segunda se enfoca en colectivos organizados de resistencia radical a la dictadura cívico-militar. El análisis de las obras se centra en reconocer ciertas estrategias que cada una utiliza y que interrogan las relaciones entre el espacio de la puesta en escena y el terreno extradiegético. En el caso de Ñuke a través de la inclusión de elementos de carácter documental; en Mateluna, por su reapropiación del material de archivo.
4
ALMEIDA, ROGÉRIO DE, and CESAR ZAMBERLAN. "La flor, de Mariano Llinás: o cinema reencontra a literatura." Estudos Avançados 37, no. 107 (2023): 143–62. http://dx.doi.org/10.1590/s0103-4014.2023.37107.009.
Full textAbstract:
RESUMO O objetivo deste artigo é estudar a relação entre cinema e literatura no filme La flor (2018), do cineasta argentino Mariano Llinás. Ao utilizar a hermenêutica como metodologia de pesquisa, buscamos compreender as perspectivas interpretativas que emergem do filme e o modo como se relacionam com os recursos literários e cinematográficos empregados pelo cineasta, principalmente por meio do exercício do estilo e do uso do narrador extradiegético, responsável pela inflexão literária do filme. Os resultados da pesquisa mostram que, conquanto a relação entre cinema e literatura esteja presente na história do cinema desde seu início, ganha um novo contorno com essa obra.
5
Cerda Muñoz, Martha Elena. "El personaje femenino desde la perspectiva masculina en “Columpio al aire”." Encuentro, no. 76 (March 1, 2007): 123–30. http://dx.doi.org/10.5377/encuentro.v0i76.3692.
Full textAbstract:
Este artículo no sólo pretende continuar analizando y desprendiendo temas recurrentes e implícitos en la novela Columpio al Aire, del difunto escritor Lizandro Chávez Alfaro, sino analizar al personaje femenino propuesto, ya que atrae su aparente fortaleza.La imagen femenina termina de completarse entre los diferentes trazos que el autor premeditadamente va ofreciendo a través de un narrador extradiegético y desde un ángulo masculino. El papel protagónico femenino se va regulando entre algunas teorías feministas del conocimiento del autor, quien reproduce un personaje dependiente, apegado a tradición y del cual no se reconocen con claridad sus expectativas, exigencias o crítica individual porque es la vocera de un colectivo, la guardiana para todo efecto y predominio del discurso patriarcal.
6
Blancas Caballero, Adriana Sofía. "“El paraíso perdido en “La Gallina Degollada” y “El Potro salvaje” de Horacio Quiroga”." Metafísica y Persona, no. 32 (July 31, 2024): 131–36. http://dx.doi.org/10.24310/metyper.32.2024.18281.
Full textAbstract:
Los relatos “La gallina degollada” y “El potro salvaje”, de Horacio Quiroga, caracterizados por ser lineales, sencillos, y relatados por un narrador extradiegético, logran despertar sensaciones profundas en el lector gracias a la construcción de los personajes y a la descripción. Aunque en una primera lectura no parecen mostrar sino diferencias genéricas y temáticas, presentan un tópico común: el paraíso perdido. En “La gallina degollada”, la pérdida de la felicidad, tan difícilmente adquirida, viene acompañada del horror, mientras que en “El potro salvaje” la pérdida de la juventud, desperdiciada el potro, produce nostalgia. A final de cuentas, la pérdida une estos relatos. En el presente trabajo se explorará el manejo y el sentido de este recurso.
7
García-Mansó, Angélica. "El sueño del filme 'Pasión' (1969) como viaje inverso de 'La vergüenza' (1968) en Ingmar Bergman." Área Abierta 21, no. 3 (2021): 405–18. http://dx.doi.org/10.5209/arab.74096.
Full textAbstract:
Se analiza la escena del sueño de Anna en el filme Pasión (1969), de Ingmar Bergman, en tres niveles: en primer lugar, como relato autónomo; en segundo lugar, en el contexto del filme; y, finalmente, en relación con la película La Vergüenza (1968), del mismo Bergman, que es inmediatamente anterior y de la que proceden las imágenes. Se infiere respectivamente la importancia de lo extradiegético en el filme, una clave de lectura inversa a la que se ofrece en La Vergüenza y, finalmente, un paralelismo mitológico derivado de una aproximación comparada. Al cabo, sueño, mito y cine se manifiestan en Bergman como los tres lados de un triángulo sobre la exégesis de un filme, según confirma el relato del sueño escrito por el mismo director.
8
Novoa-Jaso, María Fernanda, and Javier Serrano-Puche. "Conflito dramático e narrativa jornalística na ficção. Análise multimodal de The Newsroom (HBO)." Media & Jornalismo 24, no. 44 (2024): e4406. http://dx.doi.org/10.14195/2183-5462_44_6.
Full textAbstract:
The Newsroom" é uma das referências jornalísticas mais reconhecidas na cultura popular. Este trabalho busca identificar a conexão entre a ficção audiovisual com as rotinas jornalísticas, valores noticiosos e papéis profissionais. Para isso, a pesquisa analisa o discurso multimodal desta série de televisão a partir de uma perspectiva dupla diegética (nível intradiegético e extradiegético). Este trabalho adotou uma abordagem socio-semiótica, com a aplicação do código realizada em três cenas significativas. Através das convenções verbais, cinestésicas e técnicas, foram delimitadas as posições do conflito dramático. Os resultados mostram que o tema principal trata da seleção de fontes de informação e valores noticiosos. Além disso, as ações dos personagens revelam a confrontação e a deliberação por meio dos papéis dominantes de "cão de guarda" e "entretenedor" da opinião pública.
9
Salcedo, Ana Marta. "Mise en abyme y autoconciencia narrativa en Basura de Héctor Abad Faciolince." Estudios de Literatura Colombiana, no. 45 (June 30, 2019): 123–38. http://dx.doi.org/10.17533/udea.elc.n45a07.
Full textAbstract:
el estudio propuesto busca examinar, en particular, los procedimientos metafictivos de mise en abyme y autoconciencia narrativa que operan en la obra Basura (2000), los cuales develan un proceso autoconsciente de escritura exteriorizado a través de comentarios especulares que confirman la presencia del “espejo” entre los textos intercalados y el relato-marco que los contiene. Para este fin, se apoya en los postulados teóricos de Lucien Dällenbach y Jaime Rodríguez, postulados que sirven de puente para ilustrar de qué manera la variedad de juegos intertextuales que ofrece esta novela configura una visión especular del autor-personaje en su proceso de creación y ayudan a reflexionar sobre el quehacer artístico. Asimismo, identificar cómo la acción es refigurada tanto por el narrador-personaje como por el lector extradiegético en su paso por las tres mímesis propuestas por Paul Ricœur.
10
De Freitas dos Santos, Wanderson. "ALEXANDRE E OUTROS HERÓIS: OS NARRADORES NA PERSPECTIVA DAS TEORIAS DE GENETTE." REVISTA DE LETRAS - JUÇARA 6, no. 1 (2022): 641–52. http://dx.doi.org/10.18817/rlj.v6i1.2803.
Full textAbstract:
O presente estudo propõe analisar os narradores de Alexandre e outros heróis (1962), do escritor Graciliano Ramos, com base nas teorias de Gérard Genette (1995, 2015, 2017), e discutir as possíveis relações entre a voz do narrador em terceira pessoa e do narrador em primeira pessoa. Sendo um artigo de natureza analítico bibliográfica, conta com o respaldo de estudiosos como Azevedo (2014), Reis e Lopes (1988), Gancho (2002), Osman Lins (1981) e Mourão (2020). A partir disso, observou-se que o papel do narrador extradiegético é apresentar os personagens Alexandre, Cesária e seus vizinhos, enquanto ao narrador intradiegético compete a função de contar as próprias histórias e apresentar os personagens da trama em primeira pessoa. Assim, considera-se que a narrativa de Alexandre está subordinada à voz do narrador em terceira pessoa, mas os narradores apresentam suas particularidades e desempenham diferentes funções.
11
Cruz-González, María Catalina, and Carlos Andrés Arango-Lopera. "Música, nostalgia e imagen: análisis de la primera temporada de la serie alemana «Dark»." Área Abierta 24, no. 1 (2024): 15–29. http://dx.doi.org/10.5209/arab.94398.
Full textAbstract:
El presente artículo analiza la relación entre la imagen y la música en la serie alemana Dark, centrándose en el año 1986. La metodología mixta empleada combina análisis cuantitativos y hermenéuticos para determinar si existe una conexión directa entre ambos elementos. Se examinan diversos aspectos de la música, como su carácter diegético o extradiegético, instrumentalidad, letras y género, tanto por artista como por canción. Los resultados revelan una relación no directa entre la temporalidad de la imagen y la música, ya que esta última, aunque ambientada en los años 80, es producida en el siglo XXI. Predominan los géneros clásico y new romantic, sugiriendo un uso referencial de la nostalgia mediante la imitación estilística de la música de los ochenta. Finalmente, se evidencia una intencionalidad nostálgica en la producción musical actual, que busca evocar la estética de esa época.
12
Ginés, Joaquín. "La soledad del espectador serial: notas sobre algunas características de las prácticas espectatoriales actuales." TOMA UNO, no. 7 (November 1, 2019): 109–18. http://dx.doi.org/10.55442/tomauno.n7.2019.26198.
Full textAbstract:
El presente artículo reúne algunas reflexiones sobre nuevas formas de espectatorialidad que se producen en el contexto del visionado de series en computadores y demás tecnologías de las pantallas, diferentes a la televisión, comprendiéndolas como prácticas complejas que afectan y se ven afectadas por los soportes y la producción. A partir de Bandersnatch, un episodio de la serie Black Mirror en que el espectador es invitado a tomar decisiones y construir su propia historia, se analiza en primer lugar el vínculo difuso entre el universo diegético y extradiegético. En segundo lugar, se explica cómo el espectador se vincula con ese universo a partir de la utilización de gestos, y contacto físico con la pantalla y adquiere un carácter de jugador de videojuego. Por último, se anota que este tipo de productos audiovisuales necesitan de un espectador se encuentre en soledad y se propone que esto constituye una característica de las nuevas prácticas espectatoriales, que problematizan la presencia de otro en la interacción con el producto comunicacional.
13
Gómez Cifuentes, Rebeca. "La literatura cinematográfica de Max Aub: Una nueva percepción del exterminio." AusArt 6, no. 2 (2018): 163–79. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.20326.
Full textAbstract:
Max Aub encarna uno de los testimonios concentracionarios más llamativos del s.XX Afiliado a la libertad del hombre, únicamente puede escapar a la desapacible realidad que marcó la era del exterminio refugiándose en el seno de la ficción. La vivencia debe transformarse en experiencia para evitar el memoricidio. Huyó del maniqueísmo haciendo hablar a sus innumerables personajes dándole la última palabra al lector que formará su crónica de la era más aciaga de la Historia. El universo de sus textos sobre los campos se convierte en una perfecta metáfora de la concepción laberíntica que Aub mantenía del ser humano y de la propia existencia y en una demostración de que no es necesaria la escritura autobiográfica para hallar la verdad de una vida. Eso sí, se necesita un nuevo modo de mirar, donde lo mimético, lo diegético y extradiegético se fundan. Una literatura cinematográfica, pues cine y literatura comparten territorio: el de los sueños.
14
SÁNCHEZ GARCÍA, SANDRA. "MUJERES ARTISTAS EN EL NO-DO POSTFRANQUISTA (1975-1981). UN ENFOQUE TRANSVERSAL DE GÉNERO SOBRE LA MIRADA DEL ESPECTADOR Y EL NARRADOR EXTRADIEGÉTICO." FILMHISTORIA Online 33, no. 2 (2023): 399–416. http://dx.doi.org/10.1344/fh.2023.33.2.399-416.
Full textAbstract:
El NO-DO (Noticiarios y Documentales) fue uno de los medios de control utilizados por el régimen franquista para la difusión de contenidos, noticias y reportajes afines a su doctrina. La mujer jugó un papel fundamental en cuanto a su difusión nos referimos, pues era a su vez el público mayoritario que visualizaba este tipo de contenidos. Por lo tanto, el enfoque del NO-DO estaba destinado a ofrecer una imagen sumisa y relegada al ámbito del hogar de esta, con un fin doctrinal amparado por el régimen. Tan fue así que, durante los años que este noticiario estuvo vigente, concretamente entre finales de 1942 y mediados de 1981, se difundieron numerosos reportajes sobre la Sección Femenina de Falange y sobre la mujer y sus oficios. En lo referente al arte y sus funciones, así como grandes nombres del panorama artístico y plástico, fueron divulgados a lo largo de los años con cierta asiduidad y recurrencia en el NO-DO. Sin embargo, estos reportajes, en su gran mayoría, contienen sólo nombres masculinos. Existe una pequeña porción de artistas mujeres que han sido objeto de entrevistas en el NO-DO. Bajo una perspectiva de género y analizando la mirada del espectador y al narrador extradiegético -a través de una metodología histórico-artística-, analizaremos las artistas femeninas que han sido incluidas en el NO-DO en la época postfranquista, así como las connotaciones y cómo son representadas en estas secciones del Noticiario-Documental.
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Josep, Prósper Ribes, and Ramón Fernández Francisca. "Joker: en busca de la identidad perdida." Aposta. Revista de Ciencias Sociales, no. 88 (January 1, 2021): 70–87. https://doi.org/10.5281/zenodo.4469652.
Full textAbstract:
A través del cine se reflejan aspectos jurídicos que tienen cariz universal. En la película <em>Joker</em> estos problemas jurídicos fundamentales son: la enfermedad mental y su tratamiento, la identidad negada, los derechos fundamentales, inclusión y asistencia al desfavorecido, y la transformación de la personalidad por las circunstancias sociales, políticas y personales. Todo esto se tiene que mostrar de una manera peculiar a través de los procedimientos narrativos y cinematográficos de forma atractiva. El cine se convierte de esta forma en un portavoz de aspectos jurídicos que a través de un relato realiza una protesta de una sociedad enferma y degradada.
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Alvim, Luíza Beatriz. "Música clássica e cinemas autorais latino-americanos: recorrências de repertório e modos de utilização." Lumina 18, no. 2 (2024): 173–90. http://dx.doi.org/10.34019/1981-4070.2024.v18.43251.
Full textAbstract:
O emprego de música preexistente é uma característica do cinema contemporâneo (Hubbert, 2014; Chion, 2019) e, no caso da música clássica, os repertórios barroco e minimalista se destacam. Observamos essas recorrências em nossa pesquisa de filmes contemporâneos autorais a partir de um mapeamento do repertório em filmes participantes dos festivais de Berlim, Cannes e Veneza. Neste artigo, detemo-nos na América Latina, com o objetivo de destacar quatro filmes que apresentam essas características de repertório, fazendo análise fílmica de sequências com música: Gloria (2013) e Uma mulher fantástica (2017), ambos de Sebastián Lelio, El Club (Pablo Larraín, 2015) e Birdman (Alejandro Iñarritu, 2014). Nos três primeiros, há música de Bach, Handel e Vivaldi, sendo a música desses dois últimos especialmente importantes na narrativa de Uma mulher fantástica. Em El Club destacam-se as obras do compositor Arvo Pärt e seu sentido espiritual é explorado. O também minimalista John Adams é utilizado em Birdman, num dos momentos de maior ambiguidade entre diegético e extradiegético. Também consideramos o conceito de “música de autor” de Gorbman (2007), que se refere à escolha da trilha musical pelo diretor do filme e ao seu consequente controle maior sobre a música. Para isso, recolhemos informações em entrevistas com os diretores e colaboradores, e observamos que o conceito se aplica principalmente a Sebastián Lelio.
17
Ulloa, Carolina. "Caminar en fantasía: lo liso, el cuento de hadas y la nómada en Eggshells de Caitriona Lally." Nuevas Poligrafías. Revista de Teoría Literaria y Literatura Comparada, no. 6 (August 25, 2022): 99–115. http://dx.doi.org/10.22201/ffyl.nuevaspoligrafias.2022.6.1772.
Full textAbstract:
Con base en el concepto nómada de Gilles Deleuze y Félix Guattari, una figura propia de su teoría sobre el espacio liso, en este artículo estudio las caminatas de Vivian Lawlor, protagonista de la novela Eggshells (2014) de Caitriona Lally. Mientras que Dublín funge como la contraposición del espacio liso ¾el espacio estriado¾, Vivian, por su manera de estar y relacionarse con el espacio (Deleuze y Guattari), encarna a la nómada al reterritorializar la ciudad. En el nivel diegético, esta protagonista ¾mujer, desempleada, que vive de la seguridad social, sin hijos y que no cuida su apariencia¾ resignifica la capital de Irlanda a partir de su creencia de que es un changeling, un hada de la tradición folclórica de la nación, y de que la recorre a pie para encontrar portales que la transporten a su supuesto lugar originario. Esta certeza surge de las violencias físicas y emocionales que se ejercieron sobre ella durante la infancia por el rechazo de sus padres. Al mismo tiempo, el caminar de Vivian resulta en un posicionamiento frente a su identidad como Otra, lo cual tiene un impacto en el nivel extradiegético. De esta forma, los desplazamientos de la protagonista no sólo son literales, sino metafóricos: sus andanzas se vuelven una confrontación de estándares de feminidad que, en este caso, son representativos del espacio estriado. Para demostrar que estas caminatas ocurren en los niveles ya referidos, analizo la manera de Lally de apropiarse de las características del cuento de hadas como aquello que funda la condición nómada de Vivian.
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Siqueira, Luiz. "O consumo no romance Mãos de Cavalo, de Daniel Galera." Lumina 18, no. 1 (2024): 74–89. http://dx.doi.org/10.34019/1981-4070.2024.v18.40850.
Full textAbstract:
O romance Mãos de Cavalo, de Daniel Galera, alterna seus capítulos narrando a infância, adolescência e vida adulta de seu protagonista, ressaltando os seus aspectos físicos, morais e psicológicos. Ao longo do trajeto formativo narrado, notam-se menções a marcas publicitárias extradiegéticas, isto é, não fictícias. Uma vez que, conforme Lajolo (2001), a literatura mergulha no imaginário coletivo e o fecunda, e, segundo Gregorin Filho (2011), há uma diversidade de imagens disponíveis para escolha identitária do jovem, reflete-se sobre a importância concedida ao consumo das personagens nessa obra. Com uma abordagem essencialmente bibliográfica, destaca-se o modo como essas marcas publicitárias se articulam ao texto literário, buscando compreender tais manifestações à luz de perspectivas teóricas em relação ao consumo. Conclui-se que as marcas, percebidas como extradiegéticas, acrescentam informações à narrativa; os objetos são mais que utilitários, são comunicadores. À luz dos pressupostos teóricos de Bauman (2008) e Candido (2007), entre outros, entende-se que a recorrência às marcas publicitárias extradiegéticas nesse romance utiliza a cultura material como uma via de acesso aos indivíduos, ao mesmo tempo em que imprime à obra um sentimento de verdade.
19
Casellato Gozzi, Giancarlo. "Interações entre ficção e realidade: House of Cards e o mundo real." Rebeca - Revista Brasileira de Estudos de Cinema e Audiovisual 9, no. 2 (2021): 294–310. http://dx.doi.org/10.22475/rebeca.v9n2.614.
Full textAbstract:
Este artigo pretende investigar as relações entre a série televisiva House of Cards (Beau Willimon, Netflix, 2013-2018) e o "mundo real" do qual comenta e no qual participa, analisando tanto como elementos extradiegéticos são trazidos para dentro do mundo ficcional, quanto como a série é apropriada pelo seu público para comentar sobre sua própria conjuntura.
20
Mauro, Rosana. "Cronotopo y territorialidad: una propuesta para abordar las relaciones de poder en las representaciones audiovisuales latinoamericanas." Conexión, no. 19 (June 26, 2023): 181–96. http://dx.doi.org/10.18800/conexion.202301.008.
Full textAbstract:
Este artículo propone la relación entre los conceptos de cronotopo, del teórico ruso Bajtín, y territorialidad —desde una perspectiva decolonial— para analizar las ficciones audiovisuales latinoamericanas, con un enfoque en las relaciones de poder. Estas se revelan discursivamente, entre otras formas, en pistas espaciotemporales que, a su vez, dialogan con contextos sociales extradiegéticos. En las representaciones urbanas, se destaca la tensión entre lo público y lo privado, mientras que, en los ambientes naturales, existe una tensión entre la naturaleza, fusionada con el hombre representado por los habitantes nativos, y la civilización, representada por el hombre blanco colonizador.
21
Andrade, Michely Peres. "GERAÇÃO AI-5 E O CINEMA BRASILEIRO: O OLHAR RODRIGUIANO SOBRE A "REVOLUÇÃO DOS COSTUMES" / AI-5 generation and Brazilian cinema: rodriguean look on the "customs revolution "." Revista Contracampo, no. 29 (April 30, 2014): 131. http://dx.doi.org/10.22409/contracampo.v0i29.585.
Full textAbstract:
Este trabalho é dedicado às mudanças nas relações intrafamiliares ocorridas no Brasil, concomitantes à emergência da sua sociedade de consumo e Indústria Cultural. Como ilustração, foi realizada uma análise da recepção da obra de Nelson Rodrigues pelo cinema brasileiro e pela chamada geração AI-5, num período marcado pelo autoritarismo político, pelos movimentos de contracultura e pela popularização da psicanálise. Segue-se, portanto, uma abordagem sociológica externa às obras, extradiegética. Ressalta-se a partir desta, a contribuição do Tropicalismo para novas leituras cinematográficas do universo rodriguiano, em meio ao enfraquecimento do engajamento político de orientação marxista e ao fortalecimento da ideologia subjetivista no país.
22
Cichocka, Marta E. "La novela intrahistórica: entre la postmemoria y la pophistoria." Studia Iberystyczne 17 (April 4, 2019): 145–60. http://dx.doi.org/10.12797/si.17.2018.17.10.
Full textAbstract:
Este estudio comparativo tiene en cuenta dos obras escritas por mujeres: El violín de Auschwitz (1994) de Maria Àngels Anglada y La Tabla Esmeralda (2012) de Carla Montero. Ambas novelas, a pesar de sus casi veinte años de distancia, ofrecen una serie de rasgos comunes. Su referente extraliterario se sitúa en el mismo campo temático (el nazismo, la deportación y el Holocausto), ambas emplean la misma modalidad narrativa (el presente de la narración intradiegética y homodiegética engloba otra narración, extradiegética y heterodiegética, para relatar los hechos del pasado) y ambas ofrecen una visión desde abajo, protagonizada por los personajes ficcionales —lo que permite suponer que las dos novelas pertenecen a un subgénero de la novela intrahistórica.
23
Navarro Morales, Marcelo. "A la hora del mundo, sobre el plano de inmanencia. Una lectura de Sistema Nervioso de Lina Meruane." Lexis 48, no. 2 (2024): 922–49. https://doi.org/10.18800/lexis.202402.011.
Full textAbstract:
Este artículo analiza la novela Sistema nervioso (2018) de Lina Meruane desde la perspectiva de la noción de plano de inmanencia propuesta por Deleuze y Guattari (1997). En virtud de la coartada que les proporciona la trama narrativa, los narradores intra/extradiegéticos de esta novela se deslizan desde el plano de organización de las formas sustanciales, hasta el plano de consistencia de la materia inestable y no formada. El plano de inmanencia, que agrupa estos planos, les permite hacer ver y pensar las zonas de comunicación aberrante entre reinos, géneros y especies; atender a la coexistencia y simultaneidad de diversas temporalidades y escalas de tiempo y espacio; y les permite aproximarse a las complejas encrucijadas que enfrenta el mundo contemporáneo.
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Manterola, Elizabete, and Ana Tamayo. "El trasvase del multilingüismo y sus funciones en Handia." TRANS. Revista de Traductología, no. 25 (December 30, 2021): 305–31. http://dx.doi.org/10.24310/trans.2021.v1i25.9965.
Full textAbstract:
Esta contribución analiza la película Handia (2017), que emplea el euskera como lengua vehicular (L1) e incluye varias lenguas secundarias (L3), cada una con diferente presencia en el filme. El objetivo es conocer cómo se ha tratado el multilingüismo en diferentes versiones y si las funciones identificadas en el producto original (Tamayo y Manterola, 2019) se mantienen. Para ello, se analizan los procedimientos de traducción de las escenas multilingües en las versiones subtituladas al euskera, español e inglés, la versión con subtítulos para personas sordas en español y las versiones doblada y audiodescrita al español. El estudio de caso concluye que todas las versiones son multilingües pero se pierden algunas funcionalidades de la versión sin traducción extradiegética, tales como marcar la otredad, mostrar la identidad (y evolución) de los personajes y producir humor.
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Arcos Rodríguez, Mauricio. "Caracterización general de las bandas sonoras musicales en el cortometraje colombiano (2017-2022)." European Public & Social Innovation Review 9 (August 23, 2024): 1–18. http://dx.doi.org/10.31637/epsir-2024-573.
Full textAbstract:
Introducción: El presente artículo refleja la caracterización general de las bandas sonoras musicales en el cortometraje colombiano a la luz de los denominados códigos sonoro-musicales. Metodología: Dicho estudio, en el contexto de la investigación sobre la práctica artística, involucró una población audiovisual de 95 trabajos (ficción, documentales y animación) creados entre los años 2017–2022, seleccionados bajo los criterios de elegibilidad temporal producto de la política nacional. que regula la actividad cinematográfica en Colombia. Resultados y Discusión: En ese escenario se analizaron los discursos sonoros implicados los cuales reflejan una inclinación preferente de los directores por la música extradiegética y en menor medida la diegética e interdiegética. Conclusiones: Sumado a ello, las narraciones exhiben historias de fantasía, problemáticas sociales, reminiscencias ancestrales, empoderamiento feminista, mitos, leyendas, hechicería y tendencias tecnológicas acompañadas por una música que involucra a siete géneros y doce estilos musicales.
26
Reyes, Josmar. "Lavoura Arcaica: voces desgarradas en el diálogo entre la novela y la película." Revista de Estudios Brasileños 4, no. 7 (2018): 22–32. http://dx.doi.org/10.14201/reb2017472232.
Full textAbstract:
En una perspectiva intersemiótica, el objeto del artículo es pensar en el proceso de transformación narrativa de lo literario a lo fílmico, teniendo como base analítica la novela de Raduan Nassar, Lavoura Arcaica, y la película homónima de Luiz Fernando Carvalho. La novela, narrada en primera persona, se depara con una complejidad enunciativa fílmica. André narra las aventuras de su regreso a la casa paterna, describiendo la atmósfera y la reflexión del personaje en un juego espacio-temporal complejo. La película rescata, a través del recurso de la voz en off, el discurso literal del personaje de la novela. No obstante, este discurso se convierte en una enunciación secundaria en la película debido a la heterogeneidad enunciativa fílmica, marcada por la presencia de la imagen y de los diferentes recursos narrativos (sonidos, música intra y extradiegética, etc.).
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Verdugo Arellano, Mario. "La explotación del Hinterland: criollismo y ficción territorial." Literatura y Lingüística, no. 28 (September 26, 2014): 47. http://dx.doi.org/10.29344/0717621x.28.66.
Full textAbstract:
Este artículo propone una revisión de la literatura criollista a partir del uso -o usufructo- que en ella se hace de los espacios regionales, problematizando aquella perspectiva naturalizada que consagra la heteronomía y la tributariedad de las partes ("rincones", "patrias chicas") respecto de la nación como un todo. Conforme a tal propósito se identifican las diversas manifestaciones intra y extradiegéticas del privilegio capitalino, así como los rasgos de su enunciador característico: el baqueano de Chile. Reinscrito dentro de un proceso heterogéneo al que se sugiere llamar ficción territorial, el criollismo viene a ser escrutado de acuerdo a las evidencias narrativas y metatextuales generadas por autores como Mariano Latorre, Armando Donoso, Ernesto Montenegro y Fernando Santiván.
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Alvim, Luíza. "Música e vozes em Pickpocket (1959), de Robert Bresson." Galáxia (São Paulo) 14, no. 28 (2014): 146–58. http://dx.doi.org/10.1590/1982-25542014217066.
Full textAbstract:
O cineasta francês Robert Bresson ficou conhecido pelo uso criativo dos diversos elementos sonoros em seus filmes e pela parcimônia na inserção de música. Em obras da fase intermediária de sua carreira, como Um condenado à morte escapou (1956), Pickpocket (1959) e A grande testemunha (1966), peças pré-existentes do repertório clássico foram utilizadas como música extradiegética e possuem aspectos formais que guardam analogias com sua distribuição nos respectivos filmes. Além disso, em Pickpocket, a música pré-existente de Lully também se relaciona com as vozes in e over. Na maioria das vezes, a voz in do final dos diálogos desencadeia os trechos de música, colocados em situações de movimento e com uma função semelhante ao divertimento na ópera barroca. Consideramos também as relações entre voz in e over e defasagens desta última com a ação e a imagem do diário do protagonista sendo escrito.
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Brushwood, John, Guadalupe Flores, Valentina Pabello, et al. "Conversación sobre la obra de Sergio Galindo." El Pez y la Flecha 1, no. 1 (2021): 155–62. http://dx.doi.org/10.25009/pyfril.v1i1.11.
Full textAbstract:
En el diálogo que sostienen un investigador experimentado y los integrantes del Seminario de Semiótica, se ponen de relieve los recursos narrativos de Sergio Galindo: el estilo indirecto libre, el contraste entre la voz y la focalización, la sutil mezcla de narración extradiegética e intra- diegética, las aperturas in media res –que dan paso a la recapitulación de los hechos precedentes–, el desencuentro entre la moral dominante y la moral desafiante –esta última siempre asumida por los protagonistas, víctimas al final, de los representantes de aquélla. Esos recursos, aseguran los dialogantes, son elementos que marcarán las investigaciones posteriores, cuando los planteamientos teóricos y críticos los hayan estudiado a profundidad. La vinculación docencia-investigación resulta ser una experiencia formativa que tiene como base una pasión compartida: la lectura de la narrativa del escritor veracruzano Sergio Galindo, pues más allá de las dubitaciones del origen teórico de este o aquel concepto, lo importante es incentivar y sostener el espíritu crítico en los nuevos lectores.
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Kołakowski, Marcin. "Entre la teoría del afecto, los estudios de género y la narratología: Casa de muñecas de Patricia Esteban Erlés." Moderna Språk 116, no. 1 (2022): 98–118. http://dx.doi.org/10.58221/mosp.v116i1.6934.
Full textAbstract:
Casa de muñecas (2012) de Patricia Esteban Erlés es una obra en cuyo seno abundan temas femeninos y feministas: el confinamiento en el ambiente doméstico, las experiencias de violencia, las maneras de escaparse del enredo del patriarcado, etcétera. En ella, la narración doble (textual y visual), la estructura (subordinada a la temática) y la convención literaria (narrativa fantástica y gótica) junto con un sinfín de elementos paratextuales son factores que inducen ciertos afectos en los lectores y el despertar de emociones concretas. El presente artículo constituye un intento de traducción de algunos conceptos del giro afectivo al estudio de textos literarios, que aspira a dar respuesta a las siguientes preguntas: ¿cómo es que el narrador intenta estimular el afecto de los lectores? ¿En qué medida la forma literaria (como cognado de la noción sociológica y psicológica del «ambiente») es capaz de afectar a los lectores? ¿Qué recursos literarios y componentes extradiegéticos inducen el afecto? ¿Puede la misma estructura del texto influenciarlo?
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Fuente Marina, Beatriz de la. "Ovid's Heroides XIV (Hypermnestra to Lynceus): The epistle as a literary microcosm." Helmántica 71, no. 205 (2020): 9–43. http://dx.doi.org/10.36576/summa.132944.
Full textAbstract:
Decía Derrida que la epístola no es un género, sino todos los géneros. En efecto, cada Heroida ovidiana es susceptible de ser considerada en sí como un microcosmos –que no un pastiche– de géneros literarios. ¿Y qué ocurre con los recursos narratológicos empleados en ellas? La Heroida 14, de Hiper-mestra a Linceo (por cierto una de las menos estudiadas del corpus), nos permitirá comprobar que esa misma exhaustividad se observa en el ámbito narrativo: duplicidad de autores (real y ficticio); multiplicidad de destinata-rios (explícitos e implícitos); retrospectivas de mayor y menor alcance (in-cluyendo una digresión etiológica sobre Ío) y lúgubres proyecciones hacia el futuro (epitafio de la propia heroína); distintos tipos de discursos (apelación directa a Linceo y autoapóstofre deliberativo de Hipermestra); comentarios extradiegéticos cargados de emotividad; aceleración y desaceleración de la velocidad narrativa... Y todo ello sin salir del reducido marco epistolar, que sigue cumpliendo en su conjunto con las características y funciones del gé-nero: comunicación con un interlocutor ausente y deseo de respuesta (en este caso no en forma de carta, sino de acción por parte de Linceo)
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González Álvarez, José Manuel. "Intermedialidad y circulación de los relatos en "Los abrazos rotos" de Pedro Almodóvar." Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos 1, no. 1 (2013): 125–33. http://dx.doi.org/10.37536/preh.2013.1.1.624.
Full textAbstract:
El presente estudio se propone analizar la génesis, el flujo y el entrecruzamiento de los relatos en Los abrazos rotos (2009) de Pedro Almodóvar. Desde un enfoque postestructuralista se hace énfasis en el complejo entramado de relaciones transtextuales (Genette) que mantienen las narraciones contenidas en la película, en virtud del cual subrayamos el afán del cineasta por urdir un tejido artístico donde lo ficcional se constituye en única realidad al absorber la materia extradiegética. Ello nos lleva a contemplar el film desde la “precedencia de los simulacros” (Baudrillard) y a ponderar la relevancia que allí cobran los continuos espejeos discursivos. En este sentido, destacamos cómo los distintos soportes enunciativos y receptores se alternan y por momentos se homologan (texto, cámara, pantallas de cine, ordenador, televisión….), en un nudo semiótico intrincado donde cada relator o filmador aparece a su vez enmarcado. En suma, se desgranan desde la narratología los rasgos fundamentales del discurso postmoderno almodovariano, sustentado en la intertextualidad, la hibridación de géneros, el diálogo inter artes, la relectura de imaginarios cinematográficos y pictóricos y, en gran medida, el juego persistente con la ilusión de lo metaficcional.
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Rodríguez López, Rafael Ángel. "Música para la publicidad turística de Sevilla: análisis musivisual de los spots promocionales emitidos en YouTube en 2020, 2021 y 2022." Comunicación Revista Internacional de Comunicación Audiovisual Publicidad y Literatura 2, no. 22 (2024): 124–39. https://doi.org/10.12795/comunicacion.2024.v22.i02.08.
Full textAbstract:
La música es una de las herramientas más importantes para crear y acompañar un spot turístico que se promociona en plataformas digitales como YouTube. De hecho, dentro de todos los elementos audiovisuales que conforman la estructura del formato de video de la citada red social, la música posee la virtud de conducir y describir las imágenes que aparecen en él. Esta asociación entre el componente musical y el contenido visual enriquece la experiencia del espectador fortaleciendo, a su vez, el mensaje y la atmósfera del spot. De manera que el presente estudio tiene como objetivo principal identificar los tipos, usos y funciones de la música utilizados para la promoción turística de la ciudad de Sevilla, todo ello bajo el marco de una metodología de análisis musivisual, de carácter cualitativa y cuantitativa, aplicada sobre los seis spots con mayor número de reproducciones emitidos por el canal de YouTube Turismo Sevilla TV, entre 2020 y 2022. Los resultados muestran que, en la totalidad de los anuncios analizados, la música es de procedencia extradiegética y presenta un alto grado de sincronización entre los elementos visuales y sonoros, lo que sugiere un uso estratégico de la música para reforzar el mensaje publicitario.
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Gutiérrez G-H, Julio. "Extraibilidad y remediación de lo fantástico en Lado B: El diario de Miguel Estévez, de Alfredo Rodríguez." Literatura y Lingüística, no. 50 (October 14, 2024): 77–99. http://dx.doi.org/10.29344/0717621x.50.3817.
Full textAbstract:
Este artículo pretende reflexionar en torno al uso de dispositivos narrativos tanto textuales (intra y extradiegéticos) como extratextuales para acentuar, por un lado, el efecto de lo insólito en Lado B: El diario de Miguel Estévez, de Alfredo Rodríguez (2014), pero también para proyectarlo en relación con las versatilidades narrativas del cómic y sus posibles conexiones con la convergencia narrativa y medial (Jenkins), la remediación (Bolter y Grusin) y la narrativa transmedia (Scolari) por la vía de la experimentación narrativa, considerando principalmente el enfoque oulipiano de “narrativa potencial”. A través de un análisis de la obra de Rodríguez, se pretende dilucidar hasta qué grado la extraibilidad y penetración, y la multiplicidad y continuidad, rasgos de las narrativas transmedia, sirven, por un lado, como dispositivos para llevar la narración desde lo secuencial a lo extratextual y, por otro, para compaginar desde la narrativa gráfica los objetos, imágenes, diversos registros y otros recursos con la forma de abordar lo fantástico en la narración de Rodríguez. Esta propuesta es relevante por cuanto integra variadas perspectivas sobre narración e intermedialidad que podrían aportar, en este caso, nuevos enfoques acerca de las versatilidades narrativas del cómic puestas al servicio de lo fantástico.
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Linares, Andrés Felipe. "Redención y catarsis en la naturaleza rural: el regreso al campo en La tierra y la sombra (César Acevedo, 2015) y Lo que arde (Oliver Laxe, 2019)." SERIARTE. Revista científica de series televisivas y arte audiovisual 6 (July 20, 2024): 67–84. http://dx.doi.org/10.21071/seriarte.v6i.16985.
Full textAbstract:
Lo que arde (Oliver Laxe, 2019) y La tierra y la sombra (César Acevedo, 2015) conjugan una reflexión acerca del cosmos rural como un territorio al cual regresar en busca de redención y catarsis. La naturaleza rural se erige en las obras como un espacio soberano al cual los protagonistas se someten apaciblemente o del cual intentan sobrevivir a su misteriosa fuerza. Sirviéndonos de algunos de los postulados del cineasta Andrei Tarkovski, un autor que siempre acordó una importancia particular al vínculo con la tierra y sus raíces, el objetivo es analizar, además de sus correspondencias diegéticas, extradiegéticas y metafóricas, la forma en que la estética de estos dos films permite una trascendencia del fuerte simbolismo de sus imágenes, liberándolas de cualquier sentido impuesto. Se busca entonces reflexionar sobre cómo el imaginario rural adquiere una estética cuyo resultado se asemeja a una experiencia poética en donde la destrucción sería sinónimo de liberación.
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Alaminos-Fernández, Antonio Francisco. "La caracterización musical transmedia de las identidades juveniles: el caso de la serie Stranger Things." Fonseca, Journal of Communication, no. 21 (November 26, 2020): 19. http://dx.doi.org/10.14201/fjc20202187105.
Full textAbstract:
Las producciones audiovisuales, como las series televisivas, utilizan estereotipos juveniles que reflejan tanto la realidad como la construyen difundiendo modelos simplificados que son usados como herramientas de etiquetado social. Los personajes son caracterizados con un conjunto de rasgos personales, ambiente social, vestuario, estilo de vida, forma de expresarse, etc. En la caracterización de los personajes se ha estudiado en menor medida el uso de recursos musicales. La serie Stranger Things destacó especialmente por la utilización de música diegética y extradiegética tanto en la ambientación de época como en la caracterización de personajes. En la caracterización de personajes, ha sido pionera en el empleo de recursos transmedia que los humaniza e intensifica la conexión emocional con las audiencias. Netflix y Spotify diseñaron y publicaron playlists de sus personajes atribuyéndoles gustos musicales. Analizamos aquí las playlists de los adolescentes y jóvenes en Strange Things explorando, mediante análisis de correspondencias, qué estilos los caracterizaban y a qué tipo de adolescente y joven describen. El análisis triangula operativamente la caracterización audiovisual con la musical. Las tipologías de jóvenes se articulan en dos cleavages: la primera es la raza (define dos tipos) y la segunda el grado de ajuste social (define cuatro tipos de joven adolescente).
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Parramon Rubio, Pere. "EL OTRO MODERNO." SIGLO DIECINUEVE (Literatura hispánica) 1, no. 30 (2024): 93–112. http://dx.doi.org/10.37677/sigloxix.v1i30.511.
Full textAbstract:
En el presente artículo nos aproximamos a la obra de Francisco de Goya y Lucientes como paradigma de fantasticidad. Planteamos el arte fantástico como categoría estética –no como un género artístico– en la que la irrupción de lo imposible en el mundo “diegético” presentado por la obra artística implica una fricción ominosa. Una irrupción disruptiva en tanto que cuestionamiento de la realidad “extradiegética” o referencial, del yo y la racionalidad, tal como propone David Roas en su definición de lo fantástico. Examinadas mediante el prisma de la teoría de lo fantástico aplicada a las artes visuales, muchas de las estampas y pinturas de Goya se erigen en ejemplos del escándalo que supone la ruptura respecto a lo real impuesto por las convenciones racionalistas y mecanicistas de la Ilustración. Siendo uno de los primeros artistas en prescindir claramente del pretexto literario para conformar imágenes fantásticas, suparticular visión de lo Otro –de lo imposible, de lo aberrante y disonante respecto al respetable y tranquilizador régimen de “normalidad”– redunda en un nuevo aspecto desde el que defender su posición como indiscutible iniciador del arte moderno, ya que los imaginarios fantásticos, en sintonía con el pensamiento contemporáneo inaugurado entre los siglos xviii y xix, se caracterizan por una mirada crítica e inconformista hacia el mundo y sus moradores.
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Rubio-Romero, Juana, Marta Perlado -Lamo de Espinosa, and Mar Ramos- Rodriguez. "La música en la publicidad que atrae a los jóvenes." Anuario electrónico de estudios en Comunicación Social "Disertaciones" 12, no. 2 (2019): 97. http://dx.doi.org/10.12804/revistas.urosario.edu.co/disertaciones/a.6537.
Full textAbstract:
Estudio de las claves de éxito de la música en la publicidad audiovisual que más gusta a los jóvenes universitarios. La investigación se basa en los resultados de un estudio longitudinal que se lleva a cabo en el festival publicitario Jóvenes Tocados por la Publicidad, con distintas categorías de premios. En el artículo se analizan los anuncios nominados y ganadores a la categoría de música-sonido de las últimas diez ediciones (2005-2016) del festival, en total 30 anuncios. Para seleccionar los spots que alcanzan mayor notoriedad entre los jóvenes universitarios y entender el porqué de su selección, se utiliza una metodología triangular, que aplica métodos cuantitativos y cualitativos. Los resultados del estudio confirman el valor y la trascendencia de la música en el éxito de la publicidad audiovisual que más atrae a los jóvenes, observando que existe poca relevancia de la clasificación música original-preexistente en los anuncios escogidos y una mayor incidencia de la categoría diegética-extradiegética. Se evidencia que lo que más valoran los jóvenes en la música de la publicidad es lo que les hace sentir, prefiriendo canciones emotivas, sensibles y con cierta profundidad. Además, este target aprecia que la música en la publicidad sea coherente y adaptada al mensaje de la campaña.
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Blázquez, Gustavo. "Cine, tecnologías del erotismo y homosexualidades masculinas en Argentina." Estudios digital, no. 34 (February 12, 2016): 273–87. http://dx.doi.org/10.31050/re.v0i34.13347.
Full textAbstract:
Este trabajo analiza los modos de amar entre varones, es decir modelos que permiten imaginar y experimentar las relaciones (homo)afectivas y las caricias entre hombres, a partir de la lectura de una serie de films argentinos. Específicamente nos interesa describir y comparar imágenes elaboradas en tres momentos históricos. En primer lugar nos detendremos en Extraña ternura, dirigido por Daniel Tinayre en 1964. Posteriormente será el turno de dos producciones de la década de 1980: Adiós Roberto (1985) de Enrique Dawi y Otra historia de amor (1986) de Américo Ortiz de Zárate. Por último, consideraremos El tercero de Rodrigo Guerrero estrenada en 2014 ya en los años de legalización del matrimonio civil entre sujetos del mismo sexo. Para acercarnos a estos textos visuales nos valemos de las nociones de «tecnologías del género» propuesta por Teresa de Lauretis y «guiones sexuales» elaborada por Gagnon y Simon (1974) en sus estudios sobre la conducta sexual. La lectura de las obras no se interesa exclusivamente por el texto visual y sonoro sino que atiende también diferentes indicios extradiegéticos y a la recepción del film a partir de datos construidos en un trabajo de campo junto con varones homosexuales en la ciudad de Córdoba.
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Martínez, José María. "Sobre las taxonomías de lo fantástico: paratextos y autor implícito en «Las fuerzas extrañas» de Leopoldo Lugones." Brumal. Revista de investigación sobre lo Fantástico 9, no. 2 (2021): 179–212. http://dx.doi.org/10.5565/rev/brumal.719.
Full textAbstract:
Los criterios habituales para clasificar los relatos fantásticos han sido el tipo de diégesis del relato y la condición infrasciente del narrador y/o los protagonistas. El presente artículo trata de reivindicar también la función de los paratextos como referencias para esa categorización. Aunque no trata de invalidar los dos criterios citados, sí deja claro que los paratextos, tanto los sincrónicos como los diacrónicos, pueden condicionar y de hecho condicionan el entendimiento de la anécdota o el del tipo de mundo representado en ella. Ya que los paratextos muestran la existencia de lecturas extradiegéticas, contribuyen también a perfilar la figura del autor implícito, otro de los elementos o criterios ausente en la elaboración de estas taxonomías. Tomando como referencias teóricas (con algunas matizaciones) el estudio clásico de G. Genette sobre los paratextos y las sugerencias de W. Booth y W. Schmid sobre el autor implícito, todas estas propuestas se aplican y tratan de ilustrarse recurriendo a Las fuerzas extrañas, de Leopoldo Lugones, una emblemática colección de relatos no miméticos, muy rica en componentes paratextuales y con una complicada historia en lo referido a la clasificación de sus relatos.
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Dufays, Sophie. "Pertinencia de las canciones disonantes en cuatro (anti)melodramas hispanoamericanos contemporáneos." Revista Canadiense de Estudios Hispánicos 40, no. 3 (2016): 561–83. http://dx.doi.org/10.18192/rceh.v40i3.1955.
Full textAbstract:
Este artículo se focaliza en un fenómeno relativamente frecuente en el cine hispanoamericano contemporáneo, sea clasificado como "de género" o como "de arte": la puesta en escena de un personaje cantando de modo desafinado una canción popular en el marco de una trama centrada en los vínculos familiares. Partiendo de la hipótesis de que esas escenas resultan clave tanto en la diégesis como en la configuración estética de las obras y en la comunicación afectiva con el público, el artículo se propone analizar las diferentes funciones diegéticas (y algunas extradiegéticas) de las canciones en vivo en una selección representativa de cuatro películas - dos argentinas y dos mexicanas -, y articular sus efectos con la tradición melodramática latinoamericana a la que remiten o invierten. El análisis muestra cómo, en las películas melodramáticas (La misma luna, de Patricia Riggen [2007], y El Polaquito, de Juan Carlos Desanzo [2003]), las canciones participan en la lógica estética y las contradicciones propias del género, mientras que en los antimelodramas (Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas [2012] y Una semana solos de Celina Murga [2008]) el valor narrativo y afectivo de la canción compensa la latencia del conflicto dramático.
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Alonso González, Celsa. "Estrategias narrativas y musicales en el wéstern español de los años sesenta: dos filmes de Ramón Torrado con música de Daniel Montorio." Anuario Musical, no. 76 (December 21, 2021): 181–206. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2021.76.09.
Full textAbstract:
En 1964, el compositor Daniel Montorio (1904-1982) escribe la música para dos wésterns dirigidos por Ramón Torrado (1905-1990): Relevo para un pistolero y Los cuatreros. Por entonces, los wésterns españoles —fueran o no coproducciones— se producían en serie, había una infraestructura industrial consolidada y unas narrativas influidas por el cine norteamericano. Torrado y Montorio eran profesionales veteranos y realizaron dos films de éxito, de línea clásica anterior al cambio de paradigmas visuales, sonoros y narrativos del spaguetti western que se impondría tras la Trilogía del Dólar de Leone y Morricone. Partiendo de los estudios sobre la presencia del tópico pastoral en la música de cine (N. Lerner, 2001; M. Beckerman y W. H. Rosar, 2009), los análisis semióticos de P. Tagg y B. Clarida de The Virginian (2003), las obras de K. Kalinak sobre la música del western americano (2007, 2012) y el estudio del funcionamiento mitopoético de la música en el cine de género (T. Scheurer, 2005), este artículo aborda el análisis de la música de estos filmes como práctica discursiva, desde una perspectiva semiótica. El objetivo es analizar las funciones de la música en las narrativas fílmicas, así como valorar la presencia de tópicos musicales consolidados en el western norteamericano (M. Whitmer, 2012 y 2018; R. J. Stilwell, 2016) en la música de Montorio, confirmando que tanto las canciones diegéticas como la música extradiegética fueron herramientas eficaces en la definición del “cine de género” popular y comercial en la España de los años sesenta.
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Pereira da Silva, Alvaro Magalhães, and Maria Lúcia da Cunha Victório de Oliveira Andrade. "Pazuello sob defesa de @direitasiqueira: Proposta para uma metodologia de análise de ações persuasivas de memes com base na TBS." Revista da ABRALIN, December 7, 2021, 955–75. http://dx.doi.org/10.25189/rabralin.v20i3.1956.
Full textAbstract:
O presente artigo tem por objetivo propor uma metodologia para operacionalizar uma análise ancorada na Teoria dos Blocos Semânticos (TBS) ante ações persuasivas que se apresentam, ao menos em certo grau, ocultas em um tipo emergente de enunciação multimodal: os memes. Concebendo-se a persuasão conforme definida por Walton como a ação de provar uma tese, partiu-se do reconhecimento da significação da imagem contida em um meme em circulação. Tratando assim tal imagem como um signo, procurou-se, manter do signo a face do significado, reformulando-se a face significante. Passou-se, então, a representar a imagem por duas chaves, “{ }”, entremeadas pela palavra cuja significação é prefigurada pelo mesmo aspecto que prefigura a significação da imagem. Procurou-se, então, descrever o papel de tal signo no meme, tanto no nível diegético como no nível extradiegético. A partir da noção de explícito e de implícito desenvolvida pela TBS, concluiu-se que a imagem, admitida como signo, atua na construção explícita da prova no nível diegético e na construção implícita da tese no nível extradiegético. Espera-se, ao se propor a articulação dos subsídios teóricos da TBS com um enunciado de materialidade híbrida, contribuir, ainda que modestamente, para avanços metodológicos no âmbito da discussão sobre a argumentação multimodal
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De Camargo Von Zuben, Marcos, and Stamberg José da Silva Júnior. "nó(s) que nunca desata." Comunicação & Informação 23 (December 14, 2020). http://dx.doi.org/10.5216/ci.v23.66175.
Full textAbstract:
Analisa as referências implícitas e/ou explícitas existentes na narrativa de ficção seriada Dark (2017, 2019, 2020) à mitologia grega clássica, mais especificamente ao mito do herói Teseu, o embate com o Minotauro, a entrada no labirinto e aquilo que ficou conhecido como o “fio de Ariadne”. Discutimos a produção original de maior sucesso da Netflix a partir de uma chave imagético-discursiva, que visa a dialogar com autores da psicologia, antropologia, filosofia, literatura, entre outros. Os resultados apontam para uma reconstrução da narrativa mítica, na série, a partir de elementos imagéticos, sonoros e discursivos presentes nos espaços diegético e extradiegético da trama.
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Marco, Jorge. "La voz del historiador. El ‘yo’ en los relatos historiográficos (1980-2023)." Anuario de la Escuela de Historia, no. 39 (December 1, 2023). http://dx.doi.org/10.35305/aeh.vi39.402.
Full textAbstract:
La historiografía moderna occidental se fundó bajo el paradigma del cientifismo y la objetividad. Como consecuencia, la disciplina adoptó la estrategia narrativa del narrador omnisciente o extradiegético, o del plural mayestático o de modestia en el ámbito hispano, bajo el pretexto de que de este modo se impedía la filtración de las subjetividades de los historiadores en los relatos del pasado. Sin embargo, desde los años 80 del siglo XX han surgido nuevas estrategias narrativas que han desafiado este modelo desde un punto de formal y epistemológico. Esta irrupción del “yo” en el campo historiográfico ha sido definida por Enzo Traverso como escritura subjetivista. El artículo analiza este “giro autobiográfico” en la historiografía occidental, prestando especial atención a sus manifestaciones en sus dos epicentros principales -el mundo universitario en los EEUU y Francia-, junto a otros trabajos pioneros procedentes de Australia, España, Italia y Reino Unido. El artículo presente dos niveles de análisis. Por un lado, realiza una clasificación de cuatro tipologías de escritura subjetiva dentro de la historiografía contemporánea: autobiografías, ego-historias, ventanas autobiográficas o familiares, y diarios de campo etnográfico. Las dos primeras categorías son textos explícitamente memorialísticos, mientas que los dos últimas consisten en trabajos considerados por las comunidades interpretativas de expertos como obras de investigación histórica. Por otro lado, valora hasta qué punto los historiadores han empleado estos formatos como un ejercicio de introspección y transparencia con el lector sobre el papel de sus subjetividades en la construcción de conocimiento, o si se ha tratado meramente de un uso funcional y/o estilístico. En los casos dónde se produce una introspección, se distingue entre aquellos que tienen un enfoque pasivo (cuyas reflexiones son relativas a investigaciones anteriores en las que el autor ya no puede intervenir), o activo (cuando las reflexiones se realizan en paralelo a la propia investigación y, por lo tanto, pueden tener incidencia en la construcción del conocimiento).
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Herrero Jiménez, Beatriz. "Mujer y melodrama familiar. Una revisión del género en Mi vida sin mí, de Isabel Coixet / Woman and Family Melodrama. My Life Without Me (Isabel Coixet) as a Gender/Genre Revision." Secuencias, no. 34 (September 5, 2016). http://dx.doi.org/10.15366/secuencias2011.34.003.
Full textAbstract:
El melodrama clásico, mal entendido como Woman´s Film, construye en la mayoría de sus relatos clásicos a la mujer como significante de pasividad y renuncia. Desde los estudios de género, y más concretamente desde la teoría fílmica feminista, se ha analizado exhaustivamente un subgénero cinematográfico que se entiende como fundamental, ya que saca a la luz las restricciones que les son impuestas a las mujeres en la sociedad patriarcal en general y más concretamente en la institución familiar. Mi vida sin mí (Isabel Coixet, 2003) se enmarca, en apariencia, dentro del corte clásico del subgénero melodramático familiar para subvertir, después, sus propias convenciones. Isabel Coixet se desmarca conscientemente de la identificación masoquista que proporciona el melodrama a la espectadora, critica la representación clásica de la mujer y se aleja de la oposición predominante en el cine entre maternidad-sexualidad. La directora española construye una mujer como sujeto múltiple, contradictorio y en progreso que no se conforma con proponer vías de resistencia a las imposiciones patriarcales, y que no reduce su identidad a la faceta maternal. La mujer del melodrama de Coixet es útil en tanto modelo de identificación diegético y extradiegético para la organización de un nuevo sistema –social, cinemático, etc.– que no ponga sus bases en el binomio dominación-sumisión. Haciendo esto, Isabel Coixet expande los límites del melodrama hasta el terreno del feminismo.Palabras clave: melodrama familiar, Woman´s Film, Women´s Cinema, género, maternidad, patriarcado, espectatoriedad, sexualidad, feminismo.AbstractClassic melodrama, misunderstood as `Woman´s Film´, has usually intented to build women as a signifier of passivity and resignation. Gender Studies, and more specifically Feminist Film Theory, have exhaustively analyzed a subgenre which is understood as an essential one to their aim: family melodrama brings to light the restraints that patriarchal system –an d the family institution – have imposed on women. My Life without Me (Isabel Coixet, 2003) is apparently produced inside the classic mode of the family melodrama when, indeed, it undermines and extends the limits of its own conventions. Isabel Coixet consciously subverts the masochistic identification the melodrama provides to the female spectator, criticizes the woman´s classic representation and turns upside-down the main film opposition: sexuality-motherhood. Woman, as a multiple, contradictory and «always-in-progress» subject, is built by the Spanish camera-woman, who doesn´t want just to propose ways of resistance to patriarchal impositions and doesn´t reduce the main female character to her maternal role. The woman of the Coixet´s melodrama is useful as a diegetic and extra-diegetic identification model in order to create a new –social, cinematic, etcetera– system which doesn´t ground in the domination-submission relationship. In this way, Isabel Coixet extends the limits of the melodrama to the feminist sphere.Keywords: family melodrama, Woman´s Film, Women´s Cinema, gender, motherhood, patriarchy, spectatorship, sexuality, feminism.
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Mauro, Rosana, and Daniela Zanetti. "Realidades anacrônicas atuais." Contracampo 42, no. 2 (2023). http://dx.doi.org/10.22409/contracampo.v42i2.58058.
Full textAbstract:
Este artigo propõe a junção dos conceitos de cronotopo e territorialidades para analisar o discurso da telenovela Pantanal, com foco nas construções espaciais e temporais. O objetivo é trazer à tona as tensões de poder subjacentes ao discurso, considerando que toda a obra (ficcional ou não) faz parte de um contexto sócio historicamente construído. O conceito bakhtiniano de cronotopo permite investigar o espaço-tempo estético e ético ficcional e a noção de território/territorialidade (pela perspectiva decolonial aqui proposta) traz concretude à relação extradiegética.
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Cueto, Roberto. "El silencio del monstruo: imagénes espectrales en el cine de terror americano de comienzos del sonoro / Silence of the Monster. Ghostly Images in American Horror Film at the Beginning of Sound." Secuencias, no. 33 (September 2, 2016). http://dx.doi.org/10.15366/secuencias2011.33.001.
Full textAbstract:
Drácula y El doctor Frankenstein inauguraron en 1931 la producción de cine de terror en el cine sonoro al presentar a dos de los iconos por excelencia del género. Sin embargo, al ser películas producidas en el período de transición del cine mudo al sonoro, hacen gala de una característica especial que las diferencia notablemente de la posterior producción terrorífica de Hollywood: la presentación de la monstruosidad sin el recurso de la música extradiegética, lo que genera en la narración un efecto de «agujero» de silencio. En posteriores producciones de cine de terror se intentará paliar estos lapsos de silencio con el empleo de la música extradiegética o ciertos efectos de sonido, lo que parece indicar que, para la norma del cine clásico americano, eran defectos que debían ser corregidos. El siguiente ensayo tiene como objeto subrayar cómo esa llamativa presencia del silencio confiere a la representación de la monstruosidad cierta cualidad de «imágenes espectrales» o «cuerpos siniestros» que el cine de Hollywood prefirió evitar. Por otra parte, se analizará también por qué fue tan importante para el cine clásico americano el empleo de la música extradiegética, ya que cumplía una serie de funciones necesarias para sus estrategias narrativas: una mayor implicación del espectador, una adscripción a los códigos del género terrorífico y un efecto de «tridimensionalidad» aplicado a las imágenes bidimensionales.Palabras clave: música cinematográfica, cine de terror, sonido cinematográfico, transición del cine mudo al sonoro.AbstractDracula and Frankenstein, both released in 1931, inaugurated the production of horror films in Hollywood when they presented the two greatest icons of the genre. As films produced in the transitional period from silent to sound film, both showcase special features that distinguished them from posterior horror films in Hollywood: the introduction of the monstrosity without extra-diegetic music or sound effects generated the appearance of certain «holes of silence» in the film narrative. In subsequent years, these lapses of silence were hidden with music or sound effects, which indicates that they had to be corrected for the standards of classic American film. The following essay tries to analyze how the silence transforms these icons of monstrosity into the sort of «ghostly images» or «uncanny bodies» which Hollywood films preferred to avoid. On the other hand, the importance of extra-diegetic music in Hollywood film also will be analyzed for the specific narrative functions it carried out: a greater involvement of the viewer, the incorporation of the film into the codes of the horror genre and an effect of «tridimensionality» applied to two dimensional images.Keywords: film music, horror film, sound in film, transition from silent to sound.
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PONS, Álvaro M., and Núria IBARRA. "Metropol, la ciudad que quiso ser una revista." Les espaces urbains dans les fictions criminelles espagnoles : (dé)cadrer la ville à l’écran et en bande dessinée, no. 4 (January 5, 2024). http://dx.doi.org/10.25965/flamme.1175.
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La revista Metropol aparece en pleno boom de las revistas de cómic adulto en España como una original propuesta tanto en forma como en contenido. Es una experiencia de gestión autoral cooperativa que plantea, desde la dirección artística del guionista Antonio Segura, la creación de un espacio único urbano en el que se desarrollarán todas las historietas que aparecerán en la revista. Desde un planteamiento basal de género negro, Segura proyecta desbordamientos hacia el costumbrismo y la ciencia ficción que permiten establecer la ciudad como gran protagonista de la publicación, en una sorprendente e inédita estructura global que pone a la ciudad en primer plano, por encima del escenario, como protagonista de un relato que es capaz de incorporar experiencias transversales multimodales que amplían la experiencia diegética y extradiegética habitual del cómic.
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Ossanes, Carlos. "A entidade meganarradora em Mais estranho que a ficção: aproximações entre a narração literária e a cinematográfica." Literatura e Autoritarismo, no. 19 (April 10, 2017). http://dx.doi.org/10.5902/1679849x26599.
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Ainda que não se trate de uma tradução intersemiótica, o longa Mais estranho que a ficção (Stranger than Fiction, 2006), dirigido por Marc Forster, traz à luz das discussões sobre a Teoria da Adaptação um exemplo interessante a respeito do que André Gaudreault denominou meganarrador cinematográfico: uma entidade extradiegética que administra a narrativa. Na obra, a personagem Karen Eiffel escreve um romance sobre a vida de um homem chamado Harold Crick, sem saber que ele realmente existe. A personagem adquire uma voz narrativa diferente quando dentro da diegese primária, por acontecer com Harold tudo aquilo que ela datilografa de sua história. Esse fato é marcado, na película, pelo momento em que a personagem passa a ouvir a voz de sua autora a narrar, prescritiva e descritivamente, as ações do seu dia. Essa estrutura narrativa rende uma aproximação entre o método narrativo da literatura com as recorrentes narrativas cinematográficas, gerando uma problemática acerca das faculdades discursivas de cada uma das linguagens, foco deste trabalho.