Academic literature on the topic 'Féeries'

"Cette étude est consacrée à la féerie qui, avec le vaudeville et le mélodrame, est l'une des formes théâtrales françaises du 19e siècle les plus représentées. Elle présente, à partir d'une lecture des pièces jouées à Paris, l'évolution du genre féerique entre 1791, abolition des privilèges, et 1864, liberté industrielle des spectacles. Elle interroge également la notion de " mélange des genres " tant prônée par l'esthétique romantique, et tente d'élaborer une méthode d'analyse des pièces qui rende compte de la dimension spectaculaire de l'écriture théâtrale. Depuis les pièces pathétiques du Consulat jusqu'aux productions loufoques et saugrenues du second Empire, la féerie met en perspective la manière dont le langage théâtral sort, peu à peu, de l'orbite du textocentrisme. Sa prise en considération demeure, de fait, primordiale pour l'histoire du théâtre ; la féerie rend compte, en effet, des réformes scéniques du 19e siècle tout en éclairant celles du 20e siècle d'un jour nouveau. "<br>This study is devoted to the " féerie " which is, with the vaudeville and the melodrama, one of the most performed 19th century french theatrical form. It presents, from a reading of the plays acted in Paris, the gender evolution from 1791, privilege abolition, to 1864, industrial entertainment freedom. It also questions the " mixture of genders " notion, strongly promoted by the romantic aesthetics, and tries to elaborate a method to analyse the plays reflecting the spectacular dimension of the theatrical writing. From the Consulate pathetic plays to the Second Empire's preposterous productions, the " féerie " illustrates the way that the theatrical language has evolved out of the textocentrism field. For this reason, considering it is essential for the theatre history ; the " féerie " encompasses the 19th century theatrical reforms while throwing new light on the 20th century

Chez G. Basile, la coexistence entre les animaux et la féerie est particulièrement étroite, bien qu'il s'agisse a priori de deux mondes très différents, à l'un étant habituellement octroyé la pesanteur matérielle et à l'autre la légèreté de l'imaginaire ou de l'esprit. L'interférence entre ces deux univers trouve une justification dans les traditions les plus anciennes, aussi bien que dans la psychologie des profondeurs, les observations scientifiques ou certaines orientations de pensée, comme la philosophie holistique. Dans Lo Cunto de li cunti, la remise en question de l'étanchéité des règnes entre eux facilite la compréhension des complexes créatures enchantées, aux diverses origines. Les métamorphoses, dans cette optique, sont un aspect du devenir. La profonde compassion de l'auteur n'exclut pas la moquerie, sous laquelle perce son intérêt pour l'astrologie et l'alchimie, tandis que la féerie est paradoxalement rendue presque tangible grâce au réalisme tout particulier du style. Inversement, la réalité devient féerique. L'étude des supports ou accompagnements de la féerie confirme l'attachement de G. Basile a d'antiques convictions, au vu de nombreuses références plus ou moins discrètes, insistantes et concordantes. La classification des animaux d'après Lo Cunto de li cunti proclame un respect certain pour les animaux; ce sont des médiateurs et non des inférieurs. Encore faut-il savoir les comprendre et avoir conservé le pouvoir d'émerveillement des "peccerille" auxquels l'œuvre est dédiée. Sous l'angle d'une perspective ésotérique, c'est un message finalement optimiste que nous transmet cette œuvre, avec la proclamation de la nécessité de la réconciliation possible entre les règnes et des bienfaits de la suppression du dualisme en général.

Paul Claudel se revendique comme "seul auteur d’un théâtre vraiment populaire, s'adressant à toutes les âmes et accessible à tous les cœurs", alors que plusieurs de ses contemporains partagent et théorisent le rêve d’un théâtre populaire. Par ailleurs, son théâtre utilise des pratiques du spectacle populaire, comme le font à la même époque les mouvements d'avant-garde. Ce double constat surprend, pour une œuvre réputée sérieuse et difficile auprès du public. À travers une enquête sur les contacts de Claudel avec les spectacles populaires et une analyse des mises en œuvre qu'il en fait dans son théâtre, il apparaît non seulement que le dramaturge s'attache à réinvestir symboliquement ces formes, mais aussi qu'il en utilise l'efficacité pour servir la "réussite" de l'œuvre : celle-ci consiste à "réveiller l'humanité de sa morne indifférence" en lui donnant le sentiment de la coexistence de "deux mondes", matériel et spirituel. Au moyen du spectacle populaire, le théâtre claudélien confirme au public qu’il a pris en compte sa présence dans la salle, constate la diversité des regards que ce dernier peut porter sur le drame, et s'organise, de façon de plus en plus précise, pour intervenir sur lui. Ce jeu sur l’adresse et la matière, envers lequel Claudel manifeste tour à tour le plaisir de la naïveté, la jubilation de la provocation et le dégoût du "truc" et de la "jonglerie", déborde les enjeux d'esthétique. La pragmatique du projet populaire claudélien, qui témoigne de la confiance de l'auteur catholique dans la capacité de la matière à véhiculer le sens, met en œuvre une efficacité qui est peut-être aussi un risque, et qui demande à être questionnée quant à sa réception<br>Paul Claudel claims to be "the only author of a truly popular theatre, meant for all souls, and accessible to all hearts", when several of his contemporaries are sharing the dream of a "popular theatre", and theorizing it. At the same time, his theatre increasingly resorts to practices borrowed from popular show, as the historical avant-garde movements do. Both facts may surprise, his work being considered as serious and difficult of approach in the largest audience. Through researches on Claudel's contacts with popular shows and an analysis of the uses he makes of them in his plays, it appears that not only does the playwright apply himself to symbolically reinvesting these forms, but that he also perceives and uses their effectiveness so as to serve the success of his work, which is "rousing mankind from its gloomy indolence" by awakening its conscience of two coexisting worlds : one material, one spiritual. Using popular practices, the claudelian theatre shows the audience that their presence in the theatre is taken into account, that the diversity of their possible interpretations of the drama is acknowledged, and so his plays develop more and more precisely and consciously with the passing years, in order to affect it. This game of address and materials, for which Claudel shows in turns the pleasure of innocence, the jubilation of provocation and the disgust for "tricks" and "juggling", extends beyond the issues of aesthetics. The pragmatics of Claudel's popular scheme, a witness of the catholic author's trust in the ability of the matter to convey meaning, implements an efficiency that may also be a risk and whose reception must be interrogated

Dramaturge français, Nivelle de La Chaussée est reconnu comme le créateur de la « comédie larmoyante ». C’est encore par le biais de l’ouvrage que Lanson lui a consacré, et de sa vision partiale souvent injuste, que l’oeuvre de La Chaussée est généralement envisagée. Elle méritait grandement d’être reconsidérée. Le présent travail établit d’abord des données généalogiques et biographiques nouvelles et restitue une représentation plus objective de l’homme et de l’auteur. Il replace ensuite le genre auquel le nom de La Chaussée demeure exclusivement attaché, au coeur d’une oeuvre théâtrale riche et diverse, qui touche à bien d’autres genres : parade de société, tragédie, féerie pastorale, tragi-comédie ou comédie légère ou farcesque, souvent accompagnées de musique, de chants et de danses. Récusant la notion réductrice de genre « larmoyant », cette étude suit les inflexions de l’oeuvre, de comédies mixtes attendrissantes, à des comédies proprement pathétiques ou des pièces sérieuses annonçant le drame bourgeois. Ce faisant, elle en analyse la poétique et la dramaturgie, et dégage leur portée morale et politique. S’attachant enfin à la réception de l’oeuvre de La Chaussée durant le XVIIIe siècle, ainsi qu’à sa fortune et à sa postérité tant en France qu’en Europe, la thèse entend lui redonner la place de novateur qui lui revient<br>French playwright Nivelle de La Chaussée is acknowledged as the father of sentimental comedy, or comédie larmoyante. For more than a century, Gustave Lanson’s partial and often unfair study has typified La Chaussée’s theatre into its current repute and warrants a thorough reassessment. After providing new enealogical biographical data, this thesis aims at restoring a more objective account of La haussée, the man and the dramatist. It explores the features of the genre larmoyant – of which he is the exclusive herald – through the various ramifications of his rich theatrical production: society parades, tragedies, fairy pastorals, tragicomedies, light comedies or farces, often adorned with music, songs and dances. Challenging the simplistic notion of larmoyant itself, the study follows the inflections of La Chaussée’s theatre, from mixed soft-hearted comedies to truly moving or serious plays announcing the drame bourgeois. It analyses their poetics and dramaturgy, before emphasising their moral and political significance. The conclusion relates how La Chaussée’s plays were received during the 18th century and describes their literary fate and posterity in France and across Europe in an attempt to restore La Chaussée’s duly-deserved pioneering role

Petit Peuple est un terme qui désigne l’ensemble des créatures humanoïdes issues des croyances païennes et des traditions folkloriques : Fées, Lutins, Elfes, Nains, Gnomes, etc. Si, au cours du XIXe siècle, elles semblent avoir été peu à peu délaissées par une littérature qui se voulait sérieuse, le développement au XXe siècle d’une nouvelle littérature de jeunesse, affranchie du corpus légendaire mais ancrée dans l’imaginaire, a vu leur retour en force à la faveur d’un renouvellement ludique de l’héritage littéraire. À la logique de l’édification succédait celle de récréation, comme au souci de compilation celui d’invention.Il est ainsi possible d’observer que la façon dont sont présentés les membres des différentes communautés féeriques, vestiges de croyances anciennes réappropriés par notre culture contemporaine afin d’évoquer les problématiques qui lui sont propres, réveille dès lors la capacité allégorique de ce personnel surnaturaliste.Il s’agit ici de rendre compte de la manière dont celui-ci est identifié, décrit et utilisé dans un corpus faisant appel à différents supports médiatiques : roman, album, BD, cinéma, télévision, jeu vidéo. Il est alors proposé de comprendre les différents ressorts de ce renouement avec des figures très anciennes dans une société qui ne croit plus en ses légendes ancestrales.Sous quelle(s) forme(s) et de quelle(s) manière(s) nous sont présentés les membres de la communauté féerique dans nos fictions contemporaines ? Quel est l’impact interculturel et intermédiatique de ce phénomène ? Quels sont les enjeux de ce retour à un imaginaire ancien pour notre société qui ne croit plus en ces légendes populaires ? Telles sont les questions soulevées au cours de ce travail.Il s’agit donc de considérer l’étude des représentations du Petit Peuple dans notre littérature de l’imaginaire contemporaine comme l’élément central d’une large problématique, s’appuyant sur un fait de société – le renouvellement de cette tradition au sein de notre culture littéraire – et qui englobe à la fois des considérations culturelles, littéraires, sociales, commerciales, ou encore historiques, et qui semble alors révéler un besoin de se tourner de nouveau vers les sources de notre imaginaire<br>The core issue of this PhD thesis is the Faerie People (Fairies, Elves, Goblins, etc.) who originate from traditional folklore and pagan beliefs. Although this imaginary world was forsaken in the 19th century by a French literature which did not consider it as a serious topic, the growth of a new children literature in the 20th century has allowed a revival of the allegorical nature of these characters for entertaining purposes. It is necessary to demonstrate how the Faerie People is identified, described and used in a corpus that comprises different media, such as novels, comics, cinema, television, and video games. Besides, it will be interesting to understand the different elements which explain the renewal of these ancient characters and its impact on our society.How do the contemporary artists choose to represent these magical characters in their works? What impact does such phenomenon have on cultures and media? What are the challenges of this revival for our society which no longer believes in these popular legends? All these questions are developed in this work.In a nutshell, the representation of the Faerie People in our contemporary imaginary corpus is the core issue of this thesis. Based on the revival of an ancestral tradition, this study is carried out from a cultural, literary, social, marketing, and historical perspective as it seems to reflect our society’s need to get to the roots of this imaginary world

La période allant de l’invention de Mélusine (c. 1390) à sa réinterprétation dans l’Alector (1560) peut être vue comme un « âge d’or de la féerie », qui s’étend hors de son domaine d’origine (le merveilleux) et fait émerger des figures neuves. Loin de disparaître de l’imaginaire des XVe et XVIe s., les fées en sont une composante essentielle. L’étude chronologiquement délimitée par ces repères et prolongée, pour certaines figures, jusqu’aux romans baroques (d’Urfé et Rosset c. 1612) dresse un tableau de la féerie au féminin. Organisée autour des quatre fées « cardinales », Morgane, Mélusine, Alcine et Urgande, nommées dans le programme des fêtes royales de Bayonne (1566), elle analyse leur évolution du point de vue de l’écriture et de sa réception. Elle cerne aussi des figures qui perdent leur identité féerique (Sibylle, Méridienne) et en recherche les causes. Tout en marquant des continuités et des parentés qui tiennent à des lignages « fictionnels » ou dynastiques, elle analyse des mutations (allégorisation, idéalisation) qui font valoir la richesse de la matière et son rôle dans l’évolution de l’imaginaire et des Lettres, de la fin du Moyen Âge à la Renaissance<br>From Melusine’s first appearance in literature (c. 1390) to its new treatment in the Alector (1560), the late Middle Ages and Renaissance period can be seen as the « golden age of faery », as it expands beyond its original field (the marvellous) and shapes up some new figures. Far from vanishing from the 15th and 16th centuries fiction, faery is a crucial part of it. Within these chronological boundaries and slightly beyond, as some figures are still mentioned in baroque novels (such as d’Urfé’s and Rosset’s c. 1612), this study makes a broad inquiry into feminine faery. Built up around the four « cardinal » faeries – Morgan, Melusine, Alcina and Urganda – still featuring in the royal feasts of Bayonne in 1566, it focuses on their evolution through writing and reading. It also points out Sibyl and Meridiana as figures who tend to lose their faery quality. While showing some continuity among faeries due to fictional kinship or dynastic lineage, it investigates the disruption caused by allegory and idealization, thus bringing into light a huge material and its decisive role in the shaping of imagination and literature, from the late medieval period to the Renaissance

Les narrations de jeunesse ont souvent pour thème le développement d’un jeune protagoniste ; elles racontent alors des expériences transformatrices qui constituent pour les petits héros autant de moments de passage, d’initiations. L’initiation jouait autrefois un rôle très important dans la vie humaine, marquant un passage d’âge socialement reconnu par la communauté toute entière. Toutefois, l’histoire de la société occidentale a vu progressivement disparaître ces moments de passage officiels, comme déjà en 1956 Mircea Eliade l’annonçait. Une fois l’initiation disparue, une compensation au niveau de la vie intérieure s’est rendue nécessaire, et le rêve apparaît un des lieux et des moments possibles pour cette compensation. Ainsi, à partir de Alice in Wonderland et The Wonderful Wizard of Oz, les fictions de jeunesse contemporaines ont souvent exploré le potentiel initiatique du rêve, qui fournit aux protagonistes une expérience liminaire marquant un avant et un après dans leurs vies. Dans nombreux romans, le protagoniste vit un rêve initiatique qui le conduit à travers un chemin de mort et de résurrection symboliques, et duquel il se réveille renouvelé. Cette thèse se propose donc de questionner le rêve en tant que seuil entre deux formes d’existence et catalyseur du passage d’âge dans les narrations de jeunesse européennes au XXIe siècle<br>Youth fiction often focus on the development of a young hero. Such stories tell us about transformative experiences which work as initiations. Initiation was once a very important moment in human life, marking a passage which was recognized by the community as a whole. However, in the history of Western society official rites of passage has gradually disappeared, as already in 1956 Mircea Eliade announced it. Since then, a compensation for the inner life has become necessary, and the dream has become one of the possible places and times for this compensation. Thus, from Alice in Wonderland and The Wonderful Wizard of Oz, contemporary youth fiction has often explored the initiatory potential of dreams, which provides the protagonists with an introductory experience marking a turning point in their lives. In many novels, the protagonist lives an initiatory dream that leads him through a path of symbolic death and resurrection, from which he/she wakes up renewed. This thesis proposes to question the dream as a threshold between two forms of existence and a catalyst for initiation in contemporary European youth literature

Évoquer l'iconographie des fêtes à la Renaissance revient à travailler sur les humanistes et les courants de la pensée néoplatonicienne qui influencèrent les artistes de cette époque et aboutirent au syncrétisme des arts dans les divertissements royaux. Dans l'art éphémère de la fête - entrées, mascarades, bals et ballets - les costumes des figures mythologiques, antiques et bibliques remis au goût du jour sur un mode ludique, actualisés par les nouveaux thèmes issus des voyages d'exploration - exotisme américain et tradition du vieux monde - sont transposés dans le contexte du XVIe siècle. Pour accompagner ce langage, tout un decorum est déployé qui fait évoluer la notion de spectacle et de ses lieux de représentation, aidé par l'actualité socio-politique faite tantôt de paix et d'alliances tantôt de guerres (de religions). La fête est un moyen idéalisé d'affirmer le pouvoir royal. En cela, elle devient un vecteur de communication, voire de communion. Somptueuses et novatrices, elles sont les prémisses de la magnificence des fêtes des siècles suivants<br>Dealing with the iconography of fetes in the Renaissance means investigating into humanism and the neo Platonist currents of thought which influenced the artists of the time and led to the syncretism of arts in court celebrations.In the ephemeral art of revels -entries, masquerades, balls and ballets- the costumes of mythical figures from the Bible or the Antiquity were then brought back to the fashion of the sixteenth century with a playful twist and updated through the new themes inspired by the Great Explorations, such as the contrast between the exoticism of the New World and the traditions of the Old World. Along with those codes, the establishment of a new decorum allowed the evolution of the notion of performance and of the places best suited for theatricals. Social and political issues of a time fraught with religious wars, alliances and peace, also contributed in paving the way for such changes.Celebrations thus proved the quintessential instrument of the assertion of royal power, which turned them into vectors of communication, not to say communion. Both sumptuous and innovative, they foreshadowed the magnificent fetes of the following centuries

Ce travail de recherche porte sur les comédies de magie qui succèdent à l’événement théâtral qu’a constitué La pata de cabra, de Juan de Grimaldi (1829) dans l’histoire de la scène espagnole. L’angle choisi est celui de l’histoire culturelle, dans le dessein d’éclairer le “faire spectaculaire” de ce genre aussi bien du point de vue esthétique et artistique que technique et budgétaire. Ce théâtre de l’enchantement est abondant et il fit recette, malgré les critiques acerbes dont il fut l’objet, mais il est aujourd’hui tombé dans l’oubli. Si la comédie de magie est un genre mineur en apparence, elle s’inscrit pourtant dans une longue tradition “néo-ritualiste” espagnole et européenne et elle a sans conteste influencé d’autres genres (dans l’exploitation de tous les moyens qu’offre la scène) qui jouissent d’une plus grande renommée qu’elle. L’enjeu de l’étude est d’analyser l’aspect performantiel de cet objet culturel, fabrique des avant-gardes scéniques en Espagne. La comédie de magie est envisagée en tant que niche de talents et phénomène culturel d’exception en matière de technique représentative (décors, costumes, machinerie et autres dispositifs)<br>La pata de cabra (1829) by Grimaldi was a turning point in the history of Spanish Magical Theater. My dissertation is enquiry into 19th and 20th-Century Post- Grimaldian enchanting comedies. I use a cultural historical approach to shed light on this genre’s specific search for a “spectacular dimension” and to examine it from an aesthetic and artistic point of view, as well as a technical and budgetary one. This Magical Theatre was very prolific and successful at the time (despite harsh critics), but it has largely been forgotten since. Although Magical Comedy seems to be a minor genre, it is nonetheless part of a long “neo-ritualistic” Spanish and European tradition and, because of its extensive optimization of on-stage possibilities, it has undoubtedly influenced more renowned genres. I discuss the performance aspect of this cultural object and I argue that it is a workshop for Spanish Avant-Garde theatre. I show how Magical Comedy fostered theatrical creativity among artists and I discuss to which extent this singular cultural phenomenon shaped specific representative techniques (scenery, costumes, machinery and other devices) in Spanish theatre