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Dissertations / Theses on the topic 'Féminisme et art'

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Boivineau, Pauline. "Danse contemporaine, genre et féminisme en France (1968-2015)." Thesis, Angers, 2015. http://www.theses.fr/2015ANGE0034/document.

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Abstract:
Cette thèse porte sur un objet complexe liant danse contemporaine, genre et féminisme dans l’espace français de 1968 à 2015. La danse partage les préoccupations des militantes féministes à l’égard des problématiques d’identité, de sexualité, d’émancipation,de déconstruction du genre et des binarismes, de recherche universaliste ou de féminitude. Nous analysons comment le féminisme informe les artistes qui, quelle que soit l’époque, peinent à se dire féministes ou à penser leur art comme l’expression de leur engagement. Considérer le potentiel subversif de la danse implique une analyse de son rapport au genre et en particulier au genre féminin, doublée par celle de la place réelle et symbolique des femmes. Les idées reçues et les stéréotypes se confrontent à la réalité.L’année 1968 marque un tournant social qui concorde avec celui de la danse, y compris d’un point de vue politique. L’art chorégraphique prend son essor au moment où la seconde vague féministe arrive sur le devant de la scène. En 50 ans les rapports qu’entretiennent la danse et le féminisme sont reconfigurés, ce qui permet d’évaluer les influences réciproques et de postuler l’existence d’une danse féministe. La confrontation aux langages des chorégraphes hommes permet de comprendre les constructions genrées et leur potentiel de remise en cause du système hétéronormé et androcentré.Comment les grandes mutations politiques (mise en place des CCN, turn-over des directions, parité, etc.),féministes (apparition d’une troisième vague, etc.),esthétiques et médiatiques nourrissent-elles la danse en tant que moyen d’expression du genre et du féminisme ? La généralisation de la nudité et la queerisation de la danse soulèvent l’enjeu du passage de la transgression du genre à sa subversion. Il s’agit de comprendre comment la troisième vague féministe, plus ouverte à la dimension culturelle et intersectionnelle, permet à la danse d’être féministe<br>This thesis analyses a complex question linkingcontemporary dance, gender and feminism in Francefrom 1968 to 2015. Dance shares the concerns offeminist activists regarding issues of identity, sexuality, emancipation, the deconstruction of gender andbinarisms, of universalist research and femaleness. Thisstudy examines how feminism informed artists who,whatever the era, had difficulty admitting that they werefeminists or seeing their art as an expression of theircommitment. Considering the subversive potential ofdance implies an analysis of its relationship with gender,in particular the female gender, as well as the real andsymbolic place of women. Preconceived ideas andstereotypes thus confront reality. The year 1968 markeda turning point for society and for dance, including froma political point of view. Dance came into its own at thesame time that second-wave feminism came to the fore.The reconfiguration of the relationships between danceand feminism that occurred over this 50-year periodallows one to assess reciprocal influences and topostulate the existence of a feminist dance. Comparingfemale choreographers' modes of expression with thoseof men, facilitates the understanding of genderedconstructions and their potential for challengingheteronormativity and androcentrism. How do the majorpolitical changes (establishment of the NCCs,management changes, parity, etc.), feminists(appearance of a third wave, etc.), aesthetics andmediatisation nurture dance as a means of expressionof gender and feminism? The generalisation of nudityand the queerisation of dance suggest the passage fromthe transgression of gender to its subversion. Thisthesis aims to understand how third-wave feminism,more open to cultural and intersectional dimensions,enabled dance to be feminist
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Bouvard, Émilie. "Violence de l'art des femmes, 1958-1978 : surréalisme, psychanalyse et féminisme." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H039.

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Abstract:
Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …<br>Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
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Charon, Mylene. "Blak Feminism : Rapports sociaux de sexe et de race dans la poésie et l’art contemporains des Premières Nations d’Australie." Thesis, CY Cergy Paris Université, 2020. http://www.theses.fr/2020CYUN1064.

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Abstract:
La situation des femmes dans les colonies et celle des peuples Autochtones dans les colonies de peuplement est mentionnée dans les études postcoloniales, mais souvent à titre de question secondaire. Elle se trouve au cœur de cette thèse, qui porte sur les littératures contemporaines d’un groupe social dont l’expérience du sexisme est toujours en même temps façonnée par celle du racisme, les femmes des Premières Nations d’Australie. En s’appuyant sur un corpus large, composé d’œuvres de plus de trente artistes et autrices dont elle fait apparaître les liens intertextuels, elle affirme l’existence d’un positionnement collectif féministe blak, d’après l’auto-définition Autochtone qui prévaut en Australie depuis les années 1990. Le corpus permet donc d’observer la manière, additive, intersectionnelle ou consubstantielle, dont de multiples oppressions sont représentées. Il vise ainsi une meilleure compréhension des réserves des femmes Autochtones australiennes à l’égard d’un certain féminisme blanc, en les mettant en perspective avec les critiques adressées depuis les années 1980 par les féministes noires anglo-américaines au féminisme hégémonique. Les liens entre politique et littérature y sont repensés, à la faveur de l’analyse de la résistance à l’impérialisme et au patriarcat, telle qu’elle s’exprime dans ces canaux alternatifs que sont la poésie et l’art contemporains. Les textes, sélectionnés pour leur force d’interpellation et leur portée intersubjective, engagent enfin une réflexion sur les positions d’objet et de sujet de la recherche, à partir de la situation de la chercheuse et ses implications sur la production de savoirs<br>Postcolonial studies address the situation of women in the colonies and of Indigenous peoples in settler colonies, but often as a secondary concern. Adopting an opposite approach, this thesis centers on this very question by examining the contemporary literature written by First Nations women of Australia, a social group whose experience of sexism is simultaneously shaped by that of racism. Drawing out intertextual links throughout a large body of works comprised of over thirty artists and writers, this dissertation affirms the existence of a collective feminist standpoint qualified as blak, an appellation which appeared with the Indigenous self-presentation of the 1990s and still prevails in Australia today. The collection of works reveals the ways in which multiple oppressions are represented through additive, intersectional or consubstantial models. Its examination aims at improving the understanding of Indigenous women’s reservations about a specific kind of white feminism, by putting them in dialogue with the criticisms addressed by Anglo-American black feminists toward hegemonic feminism since the 1980s. The relations between politics and literature are thus reexamined through the analysis of resistance to both imperialism and patriarchy, as it is expressed through alternative channels such as contemporary art and poetry. The texts, selected for their formal features of direct address and their intersubjective dimension, spark a reflection upon the positions of object and subject in research, which begins with the acknowledgment of the researcher’s own situation and its consequences on the production of knowledges
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Picard, Marie. "Entre corps plastique et violence de l'esthétique : la féminité artistique des années 1970 à nos jours." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083204.

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Abstract:
Tout au long de la représentation visuelle, le corps féminin est devenu une surface expérimentale où l'intégrité du sujet a largement été occultée. Dans les années 1970, le féminisme accompagne l'irruption dans le champ esthétique d'un "féminin" outrancier, excessif, qui multiplie les supports, exhibe le "sale", retourne la violence subie. Comme si pour démentir l'esthétisation qui en a été faite la seule possibilité était de retourner sur leur propre corps le mouvement de leur création. S'agirait-il de trouver dans la forme primaire d'une violence transgressive, où l'insolence du geste est la part irréductible de la création, l'acte fondateur de leur statut d'artiste ? Place serait-elle enfin rendue à la femme artiste qui appréhende la création par une esthétique de l'excès ? Entre Corps Plastique et violence de l'esthétique, la recherche entend poser que les femmes artistes ont mené d'importantes expériences d’ordre identitaire et sexuel. La réflexion se centre sur les interrogations que pose ce "devenir-femme" dans l'art contemporain, sur le corps intime de la femme qui exprime la toute-puissance du passage à la subjectivité dans lequel la transgression est nécessaire dans la fabrication d'un corps-identité"<br>All along the visual representation, the female body became an experimental area where the subject's integrity was greatly overlooked. During the seventies, feminism goes with the upsurge in the aesthetic field of an excessive female which multiplies mediums, shows the dirty and reverts the suffering violence. As if to contradict her bad image, the only possibility was to return her creative movement against her own body. Is it to find in the primary shape of violence the founder act of her artist's status, where the gesture's insolence is the insurmontable part of creation ? Through plastic’s body and aesthetic’s violence, the work is focussed around questioning of this "woman evolution" in the contemporary art, on the intimate woman body which expresses the power of subjectivity where transgression is necessary for the workmanship of an "identity body"
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Gauthier, Julie. "Esthétique du féminin et art féministe : la question du genre dans l'art contemporain (en Europe et aux Etats-Unis, de 1960 à nos jours)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010612.

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Abstract:
A partir des théories féministes, ce travail montre l'influence des stéréotypes sexués sur les pratiques artistiques féminines. Grâce au concept de " genre ", il est démontré qu'un certain nombre de préjugés continue d'enfermer les artistes femmes dans le domaine, mineur, du féminin. L'art des hommes, considéré comme sexuellement neutre, reste ainsi le seul détenteur des valeurs universelles. Basée sur un large corpus, " l'esthétique du féminin " se définie par des récurrences formelles (techniques du fil, décoration, couleurs et formes particulières) et thématiques (exhibition du corps, identité féminine, et discours autobiographique). L'image des femmes qu'elle véhicule est conforme aux archétypes patriarcaux et conforte ainsi l'organisation phallocentrée de la société occidentale. Néanmoins, pour lutter contre ce processus régressif, une nouvelle génération d'artistes féministes s'engage contre le sexisme et les stéréotypes sexués. L'art redevient, pour elles, vecteur d'affirmation.
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Rauzier, Valérie. "Diamanda Galás et Kathy Acker : contre-pouvoir à corps et à cris." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30051/document.

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Abstract:
Ce travail propose d'observer les stratégies d'individualisation, de résistance et de subversion mises en place dans les œuvres d'artistes américaines ces 40 dernières années en me penchant tout particulièrement sur les productions de Kathy Acker et de Diamanda Galás. À travers leur pratique de la performance, de la musique, des textes et divers travaux visuels ancré dans l'expérimentation, je voudrais analyser comment elles révèlent, explorent et déconstruisent les dynamiques de pouvoir<br>In this paper, I wish to explore and discuss the strategies of resistance and of subversion implemented in the works of Kathy Acker and Diamanda Galás. Using the voice and the body as spaces of experimentation and emancipation, these artists, I will argue, both reveal and deconstruct the dynamics of power
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Godin, Marie-Andrée. "Toute est dans toute : sorcelleries et féminismes." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29472.

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Abstract:
Ce texte témoigne des interrogations qui ont accompagné mon passage à la maîtrise et de ma recherche portant sur la figure de la sorcière comme figure féministe, ainsi que son inclusion dans ma pratique ar-tistique afin d’y soutenir la production d’un discours féministe. Abordant la sorcière sous les angles historique, politique et spirituel, j’examine les différents discours de réappropriation et de réhabilitation qui lui sont accolés. Souvent, ces discours s’apparentent au fémi-nisme radical et au féminisme marxiste ou au féminisme matérialiste. J'ai donc cherché à mieux com-prendre ces théories et en quoi elles concordaient ou non avec ma propre pensée. Je me suis demandé quelle façon celles-ci s'intégraient ou pouvaient s'intégrer à un féminisme d'aujourd'hui, principalement en regard des concepts d’intersectionnalité et de trans-inclusion. De mes recherches, certains concepts ont émergé : la conscience holistique, l’a-hiérarchie, les actes de fabrication et la connaissance comme source de pouvoir. Mots-clés: féminisme, sorcellerie, pensée holistique, a-hiérarchie, acte de fabrication, pouvoir, connais-sance, anticolonialisme, art.
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Rainville-Langlois, Monique. "La figure féminine dans la peinture du XVIIIe siècle." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100202.

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Abstract:
La thèse porte sur la figure féminine dans la peinture française du dix-huitième siècle. Le corpus est forme de portraits peints et littéraires et de textes en théorie de l'art. Tenir compte des deux sexes a paru méthodologiquement important car cela évite d'écrire une histoire des femmes. Nous avons donc des portraits peints et littéraires des femmes et d'hommes, produits par les représentants des deux sexes. Les auteurs des théories de l'art sont des deux sexes. Nous avons suivi le conseil de Poussin à Chantelou en lui envoyant la manne : "lisez l'histoire et le tableau". "L’histoire" a été associée à la narration; "le tableau" a la picturalité. La lecture de "l'histoire" des tableaux choisis relevé de la sémiologie de l'iconographie (Marin, Schefer), celle du "tableau" de théories contemporaines en art (Gestalttheorie; Bru, Passeron). Lors de la lecture des œuvres, il a fallu osciller constamment entre "l'histoire et le tableau" en raison même de l'acte de créativité qu'il conviendrait, "peut-être" de nous présenter sous forme de "commutation alternante". L’option méthodologique retenue a été le collage. Des détails ou des tableaux en entier sont devenus des fragments subordonnes à différents thèmes: la courtisane, le héros, la mère et l'enfant, etc. Ce n'est que lorsque la dernière pièce est posée qu'une image de la femme et de la peinture apparait dans sa totalité. L’analyse des portraits littéraires par l'intermédiaire de méthodes en sémiotique (C. Kerbrat-Orecchioni) contribue à la lecture de "l'histoire" des tableaux alors que celle du contenu des règles de l'art ajoute des éléments d'information à celle du "tableau" des tableaux sélectionnés. En résume, il ressort de nos lectures, que le portrait de la femme est celui de la beauté, le portrait de l'homme celui du pouvoir. Le personnage du portrait est un exemple à suivre. La différence entre la figure féminine et la figure masculine des tableaux se joue au niveau des masques sociaux portes. Autrement, la figure du portrait peint se présente comme une articulation qui se détruit elle-même, se désincarne au profit du matériau : la couleur<br>This thesis is about the feminin figure in eighteenth century painting. It is based upon portraits in painting and in literature and also upon texts in art theory. It was important to take in consideration both sexes not to write a history of women. This is the reason why portraits of women and men, painted and written by women and men were analyzed. The authors of the texts in art theory are also of both sexes. We followed the advice of Poussin to Chantelou in a letter he wrote when he sent him the painting called La Manne: “Lisez l’histoire et le tableau”. “L’histoire” that can be translated by the “story” has been associated to the narration, “le tableau”, “the painting” to picturality. Semiology of iconography (Marin, Schefer) helped to read “the story” told in the painting selected; and contemporary theories in art (gestaltheory, Bru, Passeron) facilitated the reading of picturality. When we were reading the paintings; we had to oscillate constantly between narration an picturality because of the essence of the act of creativity that should be presented as “alternating commutation” (Lascault). The methodological option choosen had been ‘collage”. It is important to add that the analysis of the portraits in literature, by semiotic methods (C. Kerbrat-Orecchioni) helped the reading of the “story” of the paintings selected and that the study of the content of the rules of art added informations to the reading of their picturality. To sum up briefly, the portrait of a woman is one of beauty; the portrait of a man is one of power. The personage of the portrait is an example to follow. The main difference between the feminine figure and the masculine figure is that they wear different social masks. Otherwise, the personage of the paint portrait presents herself or himself as an articulation that destroys, disincarnate herself to the advantage of the color
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Taton, Floris. "Le féminisme dans les vies et les oeuvres d'artistes de la performance en Europe et en Amérique du Nord entre 1980 et 2010." Thesis, Angers, 2020. http://www.theses.fr/2020ANGE0022.

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Abstract:
Depuis les années 1970, le féminisme inspire les artistes de la performance. Cette décennie pionnière est très documentée, mais qu’en est-il pour les trois décennies suivantes ? Le féminisme dans les vies et les oeuvres d'artistes de la performance en Europe et en Amérique du Nord entre 1980 et 2010 propose, par le biais de vingt-cinq artistes dans dix-sept pays un état des lieux du féminisme de la deuxième et de la troisième vague. L’objectif de la recherche est d’éclairer les artistes de la performance et leurs productions au regard d’enjeux féministes. Trois volets sont abordés : les prémices des parcours des artistes, les sources et formes de l’influence féministe et sa place dans les oeuvres. La recherche concerne les artistes suivant.e.s : Lorraine O’Grady, Esther Ferrer, Mierle Laderman Ukeles, Kirsten Justesen, Marina Abramović, Maria Klonaris et Katerina Thomadaki, Pauline Cummins, Anne Bean, Ody Saban, Annie Abrahams, Vlasta Delimar, Verena Kyselka, Nieves Correa, Katarzyna Kozyra, Annika Ström, Iris Selke, Malin Arnell, Victoria Stanton, Carole Douillard, Eivind Reierstad, Mariuccia Pisani, Sands Murray-Wassink, Marijs Boulogne et Mara Maglione<br>Since the 1970s, performance artists have been inspired by feminism. This pioneering decade is well documented, but what about the three following decades? “Feminism in the lives and work of performance artists in Europe and Northern America between 1980 and 2010” will study twenty-five artists in seventeen countries to review second and third wave feminism through their work. The aim of this research is to shine some light on these performance artists and their work with regard to feminist issues. Three aspects will be discussed : the first steps in the artists’careers, the various sources and shapes of the influence of feminism and the place this influence had in their works.The research is about the following artists : Lorraine O’Grady, Esther Ferrer, Mierle Laderman Ukeles, Kirsten Justesen, Marina Abramović, Maria Klonaris et Katerina Thomadaki, Pauline Cummins, Anne Bean, Ody Saban, Annie Abrahams, Vlasta Delimar, Verena Kyselka, Nieves Correa, Katarzyna Kozyra, Annika Ström, Iris Selke, Malin Arnell, Victoria Stanton, Carole Douillard, Eivind Reierstad, Mariuccia Pisani, Sands-Murray Wassink, Marijs Boulogne and Mara Maglione
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Lorenzi, Marie-Emilie. "Activisme rose : cultures et arts féministes queer en France." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010578/document.

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Abstract:
Le terme "Queer" ne résonne pas de la même façon en version originale - le contexte anglo-saxon d'émergence - qu'en version française. L'objectif principal de cette recherche est de questionner les phénomènes de transferts culturels dans le contexte français du féminisme queer, à la fois mouvement de pensée critique, activisme et subculture apparus au milieu des années 1980 aux Etats-Unis. De cette traduction culturelle du mouvement queer en France est né un activisme rose qui à l'inverse du contexte anglo-saxon a développé une politique basée sur une forte affirmation identitaire, à la fois collective et individuelle, afin de déjouer le modèle d'intégration français largement imprégné d'idéaux républicains et où les dérives d'un universalisme abstrait conduisent à l'aveuglement face aux inégalités entre les individus. Ainsi la question centrale qui anime cette recherche est d'examiner comment cet activisme rose fait irruption dans le contexte français réfractaire aux politiques identitaires.Et, au-delà de la seule traduction linguistique, les phénomènes de réception et d'appropriation dans le contexte français du féminisme "queer" sont à comprendre dans toutes leurs dimensions : culturelle, politique, théorique, artistique, etc. Ainsi, cette recherche cherche à comprendre les spécificités de cet activisme, de son inscription parfois mouvementée au sein des mouvements féministes et des mouvements dits LGBT, à ses applications particulières en terme de pratiques culturelles et artistiques, afin d'interroger le phénomène d'esthétisation des techniques de lutte<br>The term queer, when used in the French language, does not echo the same way as in English –then referring to the anglo-saxon context of emergence. The main purpose of this study is to question the phenomena of cultural transfers of queer feminism – which appeared in the mid 1980s in the United States as both a subculture and a movement of critical thinking and activism- into the French context. This cultural translation resulted in pink activism which unlike its anglo saxon original model developed a policy based on strong identity affirmation, on both a collective and individual level. The goal was to beat the French integration system deeply imbued with republican ideals, where the drifts of an abstract universalism had produced blindness towards inequalities therefore the central issue investigated in this research is how this pink activism arose in a French context of opposition to identity-based politics.Moreover, the phenomena of reception and appropriation of queer feminism into the French context must be understood beyond the sole linguistic translation – in all their dimensions, cultural political, theoritical, artistic, etc. This study aims to understand the special features of this activism, from its sometimes uneasy integration among feminist and LGBT movements to its specific applications in terms of cultural and artistic practices, thus questioning the phenomenon of aestheticism of resistance techniques
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Aubart, François. "Pratiquer sans permis : La Pictures Generation et le contrôle des représentations (1977-1986)." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080052.

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Abstract:
Cette thèse étudie les rapports que les artistes de la Pictures Generation entretiennent avec le contrôle des représentations, et par les représentations. L’expression Pictures Generation désigne un groupe d’artistes américains, nés entre 1945 et 1955, qui à partir de la fin des années 1970 réalisent des œuvres en copiant ou en imitant des images du cinéma, de la publicité, d’émissions de télévision, de magazines et d’autres sources de la culture populaire diffusant des représentations idéalisées. Certains de ces artistes reproduisent des images préexistantes, et les font apparaître dans des contextes et sur des supports neufs. Le réglage des conditions de reproduction leur sert à modifier le matériau original. D’autres produisent des images, notamment photographiques ou filmiques. Les images reproduites ou élaborées par les artistes de la Pictures Generation résultent de mises en scène. Elles représentent des environnements et des situations idéalisées. Elles sont élaborées pour affecter leurs spectateurs, les impressionner ou convaincre. Contrôler la circulation et la production des images permet à ces artistes d’en amplifier l’influence et de rendre manifestes les normes sociales qu’elles véhiculent. Cela les conduit à intervenir dans des dispositifs de diffusion, à exercer des fonctions, à utiliser des techniques et des matériaux sans la légitimité requise pour ces activités. L’ambiguïté de leur pratique réside dans le fait que c’est en utilisant ces outils et ces représentations qu’ils en font la critique<br>This thesis studies the relations the Pictures Generation entertains with the control of, and by, representations. The term Pictures Generation refers to American artists born between 1945 and 1955, who, since the end of the 1970’s, made works reproducing or imitating images taken from movies, advertisements, television shows, magazines and other popular culture sources of idealized representations. Some of these artists reproduce pre-existing images in new contexts and on new supports. Setting the conditions of reproduction and circulation allows them to modify the original picture. Others create images, mostly photographic and cinematographic. The images the Pictures Generation artists reproduce or create are staged. They are set up to affect the spectators, to impress or convince them. Controlling the circulation and the production of images allows these artists to amplify the influence and the social norms conveyed by these representations. This drives them to take part in diffusion apparatus, to practice function, to use technics and materials without having the legitimacy required for such activities. The ambiguity of their practice lies in the fact that they use such tools and representations to criticize them
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Férey, Norman. "La déconstruction du corps et des sexualités dans les performances artistiques en France de 1970 à 2000 : vers une prise en compte de la notion de genre." Paris 8, 2014. http://octaviana.fr/document/182002225#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:
Au cours des années 1990, la notion de genre attachée au contexte culturel des corps s’est difficilement fait une place au sein de la sphère intellectuelle. Cette notion s’est-elle déployée plus facilement dans le champ de la performance ? Dès les années 1970, le corps tient une place contestataire importante dans la création notamment en matière de déconstruction des sexes : c’est le développement de l’art corporel. Plusieurs artistes recherchent dans cette perspective les fondamentaux du corps qui puissent résoudre les problèmes culturels liés à la différence sexuelle. Plus tard, dans les années 1980 la performance perd de son potentiel subversif. Le contexte politique global change et le corps se diffuse largement par les écrans. Deux positions se dessinent pour les artistes français : un intérêt plus prononcé pour l’immatériel que représente le verbe ou une exploitation et une recherche du corps à travers sa diffusion médiatique et technologique. Dans un cas comme dans l’autre le rapport entre les artistes et les corps « déviants » dont ils s’emparent est loin d’être évident. Les « corps minoritaires » se retrouvent plutôt dans la sphère militante et activiste. Dans les années 1990 l’arrivée de différents tels que la question des signes religieux visibles ou l’augmentation alarmante de l’épidémie de sida, vont finalement jouer pour les performeurs comme un catalyseur à une re-politisation des questions liées à la différence sexuelle et aux phénomènes identitaires. Cette dernière décennie marque donc une émergence de la notion de genre au sein de la sphère artistique même si le lien entre création et militantisme reste toujours problématique et peu actif<br>During the 90s, the concept of gender related to the cultural context of the body hardly had a place in the intellectual sphere. Did this concept spread itself more easily in the field of performance? From the 70s onward and right after the impulse given by 68 movements, the body took an important protest role in the creative process, in particular regarding gender deconstruction: that is the development of body art. Several artists tried through this medium to find a Body fundament which could bring an answer to cultural issues related to sexual differences. Later in the 80s, performance art became less subversive. The global political environment was changing and the body was more visible especially on screens. Two mains positions emerged among French artists: one focused more on words and an immaterial approach and the other using technology and media to explore the body. In both cases, the relationship between the artist and the deviant bodies that they used is far from clear. The “minority bodies” were more to be found in the militant and activist sphere. In the 90s, arguments about topics to do with secularism and the alarming raise of HIV would finally push the performers to reconsider the political dimension of gender and identity questions. Therefore, in this last decade, the concept of gender found its legitimacy in the artistic field even though the relationship between creative process and political activism still seems problematic and not that active
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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970." Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.

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Abstract:
"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"<br>Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016<br>Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.<br>« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.
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Latry, Magalie. "Confrontations artistiques et féministes aux hiérarchies du genre." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30013/document.

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Abstract:
Polysémie du genre : il définit le sexe social comme les genres artistiques. Une même logique de classement hiérarchique y serait-elle à l’œuvre ? Les conditions d'exercice des femmes artistes, dont un stéréotype veut qu'elles se cantonnent aux genres dits mineurs, permettent de le penser. Corollaire de cette question logique, celle de la concomitance historique : les genres artistiques sont-ils mis en question aux mêmes moments que ce que l'historiographie féministe nomme les « trois vagues » ? Sept œuvres particulières nous aideront à penser les confrontations aux hiérarchies du genre à l'âge classique et aux moments des trois vagues féministes : Nature morte aux abricots, de Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, de Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, de Camille Claudel, 1893, Autoportrait de Claude Cahun, 1928, Tir de Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, de Gina Pane, 1973, Le Régime chromatique, de Sophie Calle, 1997. En dépit de progrès – notion qui est questionnée plutôt que considérée comme acquise – certains traits attribués aux femmes artistes perdurent. Un regard transversal voit émerger les thèmes d'une hiérarchie toujours à l’œuvre. Ils sont de l'ordre du stigmate : elles sont toujours un peu folles, cuisinières, coquettes, médiocres, sorcières, définies et gouvernées par leur sexe. Le genre, tant qu'il n'est pas interrogé en tant que tel, semble être la garantie de la permanence de ces stigmates. Resterait donc à le contourner : par les textes, le corps (corps représentés, corps des images, corps des artistes), et par le cœur même de la pratique plastique, le rapport de l'artiste à la matière : la plasticité<br>The French word genre has several meanings, including an artistic genre, but also gender – the social traits associated with one sex. Does it follow that the same hierarchy-based systems are at work in both fields of art genre and social gender? Anyone is allowed to conclude so, who considers the practising conditions of women artists, whom a stereotype accuses of restraining their work to so-called minor genres. As a consequence, the issue of historical simultaneity arises: were artistic genres questioned at the same periods as what feminist historiography calls “the three waves”? This thesis focuses on seven specific art pieces so as to examine how gender-related hierarchy systems were confronted in classicism and during each period concerned by the three feminist waves: Nature morte aux abricots, by Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, by Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, by Camille Claudel, 1893, Autoportrait by Claude Cahun, 1928, Tir by Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, by Gina Pane, 1973, and Le régime chromatique, by Sophie Calle, 1997. Despite a number of improvements – a notion which is questioned rather than acknowledged – certain features are persistently attributed to women artists. A crosswise look at their work reveals that the patterns of hierarchy are still operating. These features are a matter of stigma: woman artists are inevitably unhinged creatures, cooks, coquettes, mediocre artists or even witches, and always defined and driven by sex. Gender, as long as it isn’t questioned as such, seems to be serving as a guarantee for the permanence of those stigmas. One could try to get around the gender issue, using texts, bodies (represented bodies, bodies of images, bodies of the artists), and the very core of plastic practice, the relationship between the artist and the material: plasticity
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Blanc, Emilie. "Art Power : tactiques artistiques et politiques de l’identité en Californie (1966-1990)." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20040/document.

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Abstract:
En 1966, le Black Power Movement, qui influence de nombreux mouvements sociaux de libération, signale un changement de paradigme dans l’activisme aux États-Unis désigné par la terminologie de « politiques de l’identité ». Si, en affirmant la nécessité d’une analyse politique des discriminations, celles-ci en appellent à de profonds changements dans la société, elles imprègnent aussi les arts visuels et génèrent des mutations importantes quant à la définition de l’art et au rôle de l’artiste aux États-Unis. En s’emparant des politiques de l’identité, les artistes incorporent leurs engagements dans leurs pratiques, créent des formes d’expression originales et remettent en cause la validité du canon. Par une étude de cas sur la Californie entre 1966 et 1990, combinée à une approche chronologique et comparative, ce travail de recherche explore les rencontres entre les arts visuels et les politiques de l’identité, et plus largement la relation entre art et politique dans un contexte culturel moins exploré que la scène artistique de New York, afin d’analyser en quoi elles s’avèrent essentielles pour saisir les pratiques artistiques postérieures et les discours sur les identités. Cette thèse en histoire de l’art, pour laquelle les études culturelles et les théories féministes ont constitué des apports fondamentaux, propose ainsi d’établir des convergences artistiques autour de thématiques liées à des problématiques centrales des politiques de l’identité et, dans le même temps, à souligner de nouvelles approches dans le domaine de l’art, de la politique et de la théorie<br>In 1966, the Black Power Movement, which influenced numerous other social liberation movements, signaled a paradigm shift in American activism designated by the term “identity politics.” By affirming the necessity for a political analysis of discrimination, identity politics called for profound changes in society, which also influenced the visual arts, resulting in important changes regarding the definition of art and the role of the artist in American society. By drawing on this new politics of identity, these artists incorporated activism into practice, creating original forms of expression and challenging the validity of the canon. This research project explores the encounters between visual arts and identity politics, as well as the broader relationship between art and politics, through a chronological and comparative case study of California from 1966 to 1990—a cultural context much less studied than the New York scene—in order to determine its importance for later artistic practices and discourses on identity. This thesis in Art History, to which cultural studies and feminism have made fundamental contributions, therefore proposes to establish artistic convergences around themes linked to the central premises of identity politics while at the same time highlighting new approaches in the fields of art, politics and theory
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Dumont, Fabienne. "Femmes et art dans les années 70 : "douze ans d'art contemporain" version plasticiennes : une face cachée de l'histoire de l'art, Paris, 1970-1982." Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0007.

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Zemanová, Etavard Marcela. "Le tabou féminin dans l'art contemporain : contexte social et artistique de la féminité dans l'oeuvre des femmes artistes contemporaines." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010595.

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Abstract:
La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.
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Vernet, Anne-Laure. "Des femmes à l'oeuvre : mise en regard des conditions sociales d'accès des femmes à la création et à la reconnaissance artistique, et des biographies et oeuvres de Diane Arbus, Frida Kahlo, et Niki de Saint Phalle." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082511.

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Abstract:
La culture occidentale, dans laquelle les créatrices évoluent, contraint les femmes dans leur corps et dans leur accès à l'espace, ainsi que dans leur accès aux savoirs et à une pensée autonome. Les femmes sont alors maintenues dans une position subordonnée, propice à leur assignation à une sexualité reproductive et à la socialisation d'enfants. Ces limitations atteignent diversement les créatrices : dans leurs biographies comme pierres d'achoppement concrètes à leur développement individuel ; dans le monde de l'art comme sphère sociale reconduisant la hiérarchie des sexes ; dans les messages restitués par les arts, puissants média des assises symboliques de l'ordre social. L'ordre social ainsi reconduit dans et par le monde de l'art, est ici mis en regard avec les vies et oeuvres de trois artistes du XXe siècle occidental, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo et Diane Arbus, qui témoignent de la transgression du système nécessaire aux femmes pour exister dans la création artistique<br>Western culture, in which creative women evolve, imposes restraints regarding their bodies, their mobility, as well as their access to knowledge and freedom of thought. Thus they are kept in a subordination suitable to an assigned sexual role geared to childbearing and rearing. These limitations touch creative women in various ways : in their biographies, as stumbling blocks to their development ; in the art world, as a social sphere reasserting the sexual hierarchy ; in messages reflected in the arts, powerful conveyors of the social order's symbolic foundations. The social order thus reproduced in and by the art world is here seen brought to confrontation with the lives and works of three twentieth century Western artists, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo and Diane Arbus, who testify to the transgression of the system that women must undertake in order to exist in the world of artistic creation
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Potot, Charlotte. "Les féminismes de Lucy Lippard en quatre expositions (1966-1977)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080119.

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Abstract:
Lucy Lippard réalise sa première exposition Eccentric Abstraction en 1966. À partir de ce moment-là, la curatrice nord-américaine n'aura de cesse d'interroger les modalités de ce que l'exposition a à offrir aux artistes en termes d'expressions et d'expériences et en termes politiques. Lucy Lippard a d'abord contribué à penser un certain moment conceptuel dans l'art. De manière concomitante, ses engagements politiques se sont développés : contre la guerre du Viet Nam ou avec une communauté d'artistes, contre les politiques discriminatoires des institutions, créant un lien peu documenté entre art conceptuel et art politique. Nous explorons comment Lucy Lippard a développé différentes problématiques féministes en organisant des expositions, faisant écho aux théories qui ont succédées à cette période. C'est à travers son travail de curatrice que nous envisageons son féminisme. Ainsi, quatre expositions structurent notre trajectoire : Eccentric Abstraction (1966) à New York, 955,000(1971) à Vancouver, c'7500(1973) en Californie à Valencia, puis itinérante, et Strata (1977) à Vancouver. C'est en imaginant les œuvres dans ces quatre expositions que leur caractère situé a émergé. Trois axes se sont alors dégagés : une approche historique du contexte des expositions et des luttes sociales autour du parcours personnel de Lucy Lippard, une approche phénoménologique des œuvres présentées dans les quatre expositions comme les deux manières d'appréhender le dernier axe, celui d'une approche féministe de ces moments d'expositions. La redescription d'œuvres qui ne furent pas d'emblée associées au féminisme, bien qu'appartenant au corpus de la curatrice, va permettre de penser une autre réception pour ces expositions<br>Lucy Lippard produced her first exhibition, Eccentric Abstraction, in 1966. From that moment on, the North American curator never stopped questioning the modalities of what the exhibition had to offer artists in terms of expression, experience and political action. Lucy Lippard first helped to think critically about a particular conceptual moment in art. Concurrently, her political commitments developed through protest against the Vietnam war, support for artist communities, revealing discriminatory institutional policies, and creating a little-documented connection between conceptual and political art. We explore how Lucy Lippard developed diverse feminist issues by organizing exhibitions, echoing the theories that emerged during this period. It is through her work as a curator that we see her feminism in action. Four exhibitions structure our trajectory: Eccentric Abstraction (1966) in New York, 955,000 (1971) in Vancouver, c'7500 (1973) in Valencia, California and other itinerant locations, and Strata (1977) in Vancouver. By imagining the works in these four exhibitions their situated character emerges. There are three key axis: a historical approach to the context of exhibitions and social struggles related to the personal journey of Lucy Lippard and a phenomenological approach to the works presented in the four exhibitions, allowing an aprehension of the last axis, a feminist approach to these exhibition events. The redescription of works that were not immediately associated with feminism, although belonging to the curator's corpus, will allow us to think of another reception for these exhibitions
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Marquié, Hélène. "Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.

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Abstract:
Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.
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Freytag, Sylvie. "Art et politique en Autriche : l'impact des oeuvres d'Alfred Hrdlicka, de Friedenreich Hundertwasser, de Günter Brus et de Valie Export sur l'Autriche de la Seconde République." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC007/document.

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Abstract:
La recherche porte sur les relations entre les acteurs politiques et l’art subversif et leur positionnement face à des thèmes récurrents tels l’antisémitisme, l’oubli du passé, la condition de la femme, l’écologie. Partant des théories existantes sur les rapports entre l’art engagé et le politique, il s’agit d’étudier les œuvres de quatre artistes représentatifs à la fois de l’évolution des positions politiques et des techniques nouvelles à travers l’histoire de 1945 à nos jours, dans la IIe République d’Autriche : le sculpteur Alfred Hrdlicka, le peintre et architecte Friedensreich Hundertwasser, l’actionniste viennois Günter Brus, la féministe Valie Export. Ces artistes bousculent l’ordre établi à travers leur art agressif et leurs écrits. Le but est de définir la nature et le degré de leur protestation et de déterminer dans quelle mesure ils ont participé au débat démocratique et à la modernisation de la société autrichienne ainsi qu’à la construction identitaire de l’Autriche après 1945<br>The research relates to the relation between the political actors and subversive art and their respective position on dominant themes such as anti-Semitism, the denial of the Nazi past, the status of women, ecology. From existing theories on relations between engaged art and politics, it is a question of studying the works of art of four artists representative on both policy statements and newer technologies through history from 1945 up to now, in the Second Republic of Austria : the sculptor Alfred Hrdlicka, the painter and architect Friedensreich Hundertwasser, the Viennese actionist Günter Brus, the feminist Valie Export. Each one, in his own way, shakes up the established order through his aggressive art and writings. The aim is to specify the type and level of protest of these artists and to assess to what extent they have participated in the democratic debate and modernisation within Austrian society as well as in the identity building of Austria after 1945
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Mancilla, Valdez Esmeralda. "Pour un art biocritique : sexualité et action politique." Phd thesis, Université Panthéon-Sorbonne - Paris I, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00986153.

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Abstract:
Résumé. L'art intègre parfois dans ses processus créatifs les témoignages corporels, sexuels, personnels et subjectifs/subjectivants de l'artiste, mais aussi de sujets sociaux qui s'opposent aux constructions sociales et culturelles imposées par le(s) biopouvoir(s) hégémonique(s). Cette thèse présente un art biocritique capable de reconnaître la potentialité esthétique et artistique des témoignages et des vécus qu'il intègre en tant que matériel plastique à sa biocritique artistique. Elle a pour objectif de proposer une théorie et une méthode de déconstruction esthétique permettant d'observer et de rendre observable les potentialités esthétiques des corporalités et sexualités subjectivantes considérées comme " abjectes " par le biopouvoir en tant qu'actions biocritiques esthético-politiques. Pour ce faire, le présent travail a mis en valeur la potentialité esthétique de l'autoérotisme et de l'orgasme, en tant qu'actions biocritiques menées dans le cadre de " l'Œuvre multiorgasmique collective ".
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Gourbe, Géraldine. "Prolégomènes à une réflexion sur l'être-ensemble : analyse critique de la performance nord-américaine des années 70-80." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100089.

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Abstract:
Nous avons interrogé dans cette recherche les liens politiques et esthétiques entre la performance artistique et les discours féministes à partir de l'analyse critique d'un collectif artistique et féministe nord-américain des années 70 et 80, le Feminist Art Program. Nous avons situé, dans un premier temps, cette recherche sur l'art et le féminisme dans un contexte épistémologique de diffusion de la théorie queer aux États-Unis puis en Europe, théorie qui a favorisé les rapprochements entre la performance et les questions d'identité de genre et de sexe. Nous avons considéré ensuite une autre lecture des performances féministes en les considérant comme des productions relevant de conventions, de contextes d'apparition et d'échanges configurant des alternatives pour un être-ensemble. L'expérience collective du Feminist Art Program est à ce titre un exemple singulier. Nous nous sommes enfin attachés à montrer que la pratique artistique et féministe n'est pas réservée aux seules problématiques de la femme et du genre, mais bien au contraire participent à une politique globale capable de questionner la société dans son ensemble<br>We questioned political and aesthetic links between artistic performance and feminist speeches from the critical analysis of a North American artistic and feminist collective of the seventies and the eighties, the Feminist Art Program. We located our research about art and feminism, at first, in the epistemologic context of the queer theory's spreading in North America then Europe, a theory who favoured rapprochement between performance and questions of gender identity. We considered then another reading of feminist performances by considering them to be productions being recovering from conventions, from contexts of appearance and from exchanges configurant of alternatives for a group-being. The collective experience of the Feminist Art Program is in this title a peculiar example. We finally set out to show that feminist and artistic practice is not reserved for the only problems of the woman and gender, but on the contrary participates in a global politic which question the society as a whole
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Ausina, Anne-Julie. "Performer la femme sauvage, entre chienne et louve : itinéraire d'une lectrice de Virginie Despentes et de Clarissa Pinkola Estés." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30023/document.

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Abstract:
La performance, qui n'a pas cessé d'évoluer depuis les années 1960, est un médium qui invite à repenser les limites du corps. Elle est symbole de prise de contrôle de soi et d'un retour au charnel dans un monde contemporain régi par les machines. Médium privilégié des femmes et de leur auto-représentation, incarnation même de leur engagement féministe, transgression des valeurs religieuses, morales et aliénantes… elle s'articule entre le spectaculaire, la mise en scène ou l'exil, bouscule le réel grâce au direct et à l'effet parfois « coup de poing » qu'elle suscite. Elle navigue entre perte des repères, onirisme ou spiritualité artistique mais aussi entre politique sociale, radicalisme parfois et auto-dérision souvent. « Performer la femme sauvage » est une interrogation autour de la représentation, l'incarnation et la transgression du corps féminin et la prise de position « borderline » entre nature et culture, féminin-masculin, conte de fée et pornographie, chienne et louve, politique et poétique… Par le biais de deux écrivaines très distinctes mais qui ont une commune et impressionnante capacité à s'adresser à tous-tes, il sera question de voir comment certain-e-s artistes, grâce à leur engagement et leur force individuelle, permettent d'ouvrir une brèche dans laquelle toute personne peut se reconnaître. Ainsi, loin de cette « hétéro-normalisation » qui cantonne les femmes dans des rôles bien définis, la performance symbolise avant tout le droit de disposer de son propre corps sans entrave ni culpabilité, tout en invitant à se baser sur sa chair comme seule preuve d’existence. Développement intérieur et expérience ont fait de cette recherche le fruit d’un parcours singulier<br>Performance - which has kept evolving since the 1960’s - is a medium that invites us to rethink the limits of the body. It is a symbol of taking control over oneself. It also implies a return to the physical, carnal world in our current society essentially ruled by technology. Performance is a medium of choice for women and their self-representation. It embodies their feminist commitment alongside the transgression of religious, moral and alienating values… it takes places somewhere between the show, staging or exile and shatters reality with its direct, « in your face » impact. Performance may not only emerge from disorientation, fantasy or artistic spirituality but also from some sort of radicalism and social politics often tinted with self-deprecating humour. « Performing wild woman » raises questions about the representation, the incarnation and the transgression of the female body and the « borderline » position between nature and culture, male and female, pornography and fairy tale, she-dog and she-wolf, fantasy and politics. Through the work of two very different writers sharing a common and impressive ability to address everyone, we shall study how it is possible for committed artists to open a breach to which everyone can identify. Finally, far from the « heterosexual normality » that confines women to specific roles, performance mostly symbolizes the right to reclaim enjoy one’s own body without guilt or restriction, inviting everyone to regard their flesh as the only proof of their existence. This research is the result of a particular journey made of internal development and experience
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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970." Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030168.

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Abstract:
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs<br>« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomenons. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements ; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings ; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses
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Quinby, Diana. "Le collectif Femmes/Art à Paris dans les années 1970 : une contribution à l'étude du mouvement des femmes dans l'art." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010600.

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Abstract:
Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.
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Creissels, Anne. "Le travail du mythe dans l'art contemporain : la différence des sexes en question." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0057.

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Abstract:
Comment la notion de différence des sexes, qui structure notre rapport au monde et à l'autre, pourrait-elle ne pas travailler les domaines de l'art et du mythe ? Loin d'en être absente, cette question est implicitement - et parfois explicitement - au cœur des structures mythiques et artistiques. Postuler un travail du mythe dans l'art contemporain oblige à évaluer le liens et les écarts entre rapports sexués et figurations de ces rapports. Une approche anthropologique et sociale paraît nécessaire pour prendre en compte le sens produit par les œuvres mais aussi ce qu'une société véhicule d'images identificatoires. L'art et les mythes sont-ils sexués ? Leur prétention à l'universalité suffit à installer le doute. Modes d'expression «libre», ne doivent-ils pas précisément être interrogés ? Outils d'instauration et de perpétuation d'un système de pensée dominant, ne pourraient-ils cependant être le lieu d'une appropriation et d'une possible déconstruction ?<br>How does gender differences, wich structures our relationship to the world and to the other, could not shape the fields of art and myth ? Far from being absent, this implicitly - and sometimes explicitly - is at the heart of mythical and artistic structures. Postulating a "work" of the myth in contemporary art requires an evaluation of the links and the gaps between gender relationships and its representations. A social and anthropological approach seems necessary to take into consideration the meaning that works of art produce as well as identificatory images conveyed by society. Do art and myths have a gender ? Their claim to universality is sufficient to instill doubt. As "free" modes of expression, should they not be questionned ? As institution and perpetuation tools of a dominant thinking system, could they not however also be the place for an appropriation and possible deconstruction ?
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Provansal, Mathilde. "Artistes mais femmes : formation, carrière et réputation dans l'art contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01E051.

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Abstract:
Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputation<br>Women artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation
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Cordié, Levy Marie-Hélène. "L' autoportrait dans la photographie américaine de 1839 à 1939." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070023.

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Abstract:
Cette thèse se propose d'étudier l'évolution de l'autoportrait en photographie aux Etats-Unis pendant les cent premières années de la pratique du médium, en suivant, par une approche chronologique souple, les lignes de formation de l'identité américaine. Sur un corpus de deux cent autoportraits, nous en avons sélectionné environ une cinquantaine, les plus riches visuellement, les plus intéressants, faits en règle générale par des photographes confirmés. Afin de mieux cerner les signes inhérents à chaque image, nous avons questionné ces autoportraits en adoptant une approche méthodologique particulière, la microanalyse tactile. Cependant il nous est parfois arrivé d'utiliser des autoportraits de photographes anonymes quand la nécessité s'imposait de mettre en lumière certains courants de pensée relevant d'une dynamique collective. En outre, le roman américain étant né à la même époque que la photographie, nous avons établi des correspondances avec la littérature afin de rendre toute leur densité aux signes présents dans l'image. Bien qu'utilisant une taxinomie formelle ancrée dans la peinture occidentale du portrait, nous avons surtout cherché à percevoir la façon dont évoluait le regard que les photographes portaient sur eux-mêmes mais aussi sur le monde et sur leur propre pratique. L'écart constant mais subtil qui existait entre eux et dont les autoportraitistes se servaient parfois de manière totalement inédite a pu être mis en lumière<br>The aim of this thesis is to show the evolution of self portraiture in photography in the United States during the first hundred years the medium was practised. A supple chronological approach was used following the direction identity formed itself. About fifty self portraits were selected out of a corpus of two hundred for their visual richness, their inner interest, and because they were done by professional photographers. In order to understand the signs inherent in each picture, a peculiar method called "tactile micro analysis" was used. Sometimes, anonymous self portraits were mentioned to show that some trends of thoughts were relevant to a collective dynamics. Moreover, as American novels came into existence at the same time as photography was born, correspondences were established with literature so as to give density to the signs present in the picture. Although this research is based on a formal taxinomy anchored in the western painting of portraits, what is mainly at stake here is to show the evolution in the way photographers looked at themselves first but also, at the world and their own practice. The subtle constant discrepancy between these approaches showing sometimes that photographers expressed their point of view in a most unexpected way was brought into light in this study
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Bertrand, Sophie. ""De fil en aiguille", les femmes sculpteurs à l'œuvre depuis 1950 : confrontations, explorations et quêtes, un dévoilement d'identités." Thesis, Toulouse 2, 2011. http://www.theses.fr/2011TOU20074.

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Abstract:
Cette recherche se propose d’aborder la façon dont les créatrices oeuvrent dans le champ de la sculpture depuis 1950. Quelle que soit la multiplicité des voies plastiques qu’elles ont choisies d’explorer, et des productions sculptées auxquelles elles ont donné naissance, il s’agit de saisir la teneur de la rencontre entre l’œuvre conçue par une femme sculpteur, et le regard extérieur. Cette rencontre marque la confrontation de deux mondes, celui de l’observateur, aux prises avec ses perceptions, offrant une interprétation et une lecture souvent orientée de la création, et celui de la femme qui sculpte, dont la forme édifiée est soumise aux jugements. Les décalages, voire même les incompréhensions générées par ces mises en perspective des œuvres sculpturales élaborées par des femmes aux yeux de l’extérieur, conduisent à s’interroger plus profondément sur le cheminement artistique, plastique et intellectuel des créatrices dans le champ de la sculpture. Quels sont les éléments matériels et symboliques qui les guident dans l’expérimentation de ce domaine plastique ? A quelles sources puisent-elles leur inspiration ? Que souhaitent-elles exprimer à travers leurs alternatives artistiques ? S’il est difficile de répondre à ces questionnements, ils permettent de pénétrer au cœur de la création, et notamment d’entrevoir ses processus. Bien que les sentiers artistiques parcourus par les femmes sculpteurs soient pluriels, il semble pourtant que certaines d’entre elles se sont particulièrement attachées à développer plus qu’un mode d’expression plastique, un langage, afin de dévoiler les vérités qui les habitent. Ce langage, dont elles connaissent les arcanes, repose sur la mise en forme de la matière textile, essentiellement à partir de deux principes constructeurs : le fil et l’aiguille. Au-delà d’une approche purement matériel, les femmes sculpteurs entrent en lien avec un territoire imaginaire, déployé dans les récits mythologiques sur le thème du tissage et les personnages qu’ils mettent en scène, tels Arachné, Pénélope, Clotho ou encore Atropos. Dans ces dimensions entrecroisées, mêlant l’intensité du travail créateur à partir du textile et le contact avec un univers symbolique, le tissage, les créatrices tracent un des chemins signifiants qu’elles empruntent dans le champ de la sculpture depuis 1950<br>This research addresses the ways in which female artists have been working in the field of sculpture since 1950. Irrespective of the medium of expression they have chosen to explore, and of the works they have given rise to, the aim here is to understand the meeting between a work of art conceived by a female sculptor and the way in which it is viewed externally. This meeting marks the confrontation of two worlds: that of the observer − subject to his or her own perceptions and offering an often slanted interpretation and reading of the work − and that of the sculptress whose constructed work is subjected to judgement. The differences, and even misunderstandings, caused by these perspectives on sculptural works by women viewed externally lead to a deeper questioning of the artistic, material and intellectual routes followed by creative females in the area of sculpture. What are the material and symbolic elements that guide their searches in this art form? What are their sources of inspiration? What are they seeking to express via their artistic alternatives? Answering these questions may be difficult, but it can lead to the core of creation and, notably, to a perception of its processes. Although female sculptors have followed numerous paths, it nonetheless appears certain that some of them have striven to develop, over and above a physical mode of expression, a language that will reveal the truths within them. The expression of this language, of which they know the mysteries, is based on giving form to textile materials, using two principles of construction: needle and thread. Beyond a purely material approach, female sculptors come into contact with an imaginary territory of mythical tales that surround weaving, and the characters that people those tales such as Arachne, Penelope, Clotho or Atropos. In these inter-linked dimensions, where the intensity of working creatively with textiles melds with the contact with a world of symbols, weaving, creative women are continuing to trace out one of the significant paths they have been following in sculpture since 1950
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Fleury, Hélène. "Réception et globalisation des peintures du Mithila : médiations dans un champ culturel transnational." Electronic Thesis or Diss., université Paris-Saclay, 2024. http://www.theses.fr/2024UPASK013.

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Abstract:
L'art du Mithila désigne des formes rituelles et artistiques pratiquées au Bihar (Inde) et au Teraï (Népal). Issue de fresques réalisées par les femmes, aux marges de valeurs brahmaniques androcentrées, l'artification marchande globalisée des peintures conduit à des reconfigurations créatives, discursives, sociales, déplaçant vers le centre les peintres du Mithila.Le montage de plus de 500 expositions dans 36 pays (1935-2019) montre une accélération des circulations des œuvres artifiées et de leurs créatrices du Sud global, jouissant de formes de reconnaissance dans un monde de l'art dominant dont elles sont souvent exclues, en raison de subalternisations multiples (genre, caste, classe, clivages Nord/Sud et urbain/rural). L'histoire connectée de la réception transnationale de leur art s'étend du moment colonial tardif et de la postindépendance au moment postmoderne, en lien avec le tournant global, catalysé par le kairos indophile et contreculturel des Long Global Sixties. Une pensée critique prônant l'empowerment, basée sur le lien entre féminismes et indophilie contreculturelle favorise l'engagement sur le terrain de l'artification de médiateurs transculturels.Le moment colonial tardif et de la postindépendance est représenté par M. et W. Archer et des artistes-médiateurs gouvernementaux indiens comme U. Maharathi, fondateur de l'institut de design de Patna. Les Archer interprètent des pratiques à l'aune d'une vision organique de l'art et d'une esthétique universelle liées au freudisme et aux avant-gardes. Leader indépendantiste, Maharathi expose et commercialise l'art du Mithila. Ses ambitions de patrimonialisation résonnent avec l'affirmation d'une indianité liée à la construction de l'identité nationale. L'artification marchande se construit vers les années 1930, avant qu'une crise agricole, alimentaire et politique (1966-67) n'agisse comme catalyseur des circulations globales et de la légitimation des peintres. Avec l'entrée dans la première phase de mondialisation de la réception, celle de l'indophilie contreculturelle, des médiateurs transculturels (Y. Véquaud, E. Moser Schmitt, R. et N. Owens, T. Hasegawa) se situent dans un champ culturel transnational postbourdieusien traversé par des tensions, des convergences idéelles (féminisme, justice sociale) et des dissonances: bohème artistique et littéraire vs anthropologie appliquée au développement; intensification des flux marchands globaux vs idéalisme critique contreculturel et utopie communautaire villageoise. L'éphémère convergence de passeurs de (contre)culture et de médiateurs indiens autour d'un modèle alternatif fait advenir un kairos et un monde de l'art transculturel, décloisonné. Ce nexus entre médiateurs construit des figures féministes de peintres autour d'un art des marges et de la résistance créative. Le moment postmoderne de la globalisation tardive introduit pluralité discursive et déconstruction de visions du Nord-global réifiées, androcentrées et primitivistes et de la triangulation féminisme libéral-développement-tourisme. Les peintures sont réinterprétées à l'aune d'une « contemporanéité multiple » axée sur le flux ou d'identités imbriquées translocales, subversives au prisme des tournants postcolonial et de genre.Le kairos contreculturel est unique dans l'histoire de la réception de l'art maïthil, dont l'éphémère convergence des artificateurs est souvent occultée. Il ouvre la voie aux circulations globales, à la construction d'un champ transnational, à la déconstruction de la valeur d'«authenticité». L'art des femmes peintres entre sur la scène contemporaine globalisée, réapprécié à l'aune de canons transnationaux. En résultent transferts et hybridations entre contreculture et féminismes, en Inde et dans le Nord global. S'y forge une pépinière artistique et un catalyseur du mouvement des femmes, ouverts au féminisme inclusif et à une effervescence créative, leviers d'un changement de paradigme dans les renouvellements des artistes du Mithila<br>Mithila art refers to ritual and artistic forms practised in Bihar (India) and the Terai (Nepal). Originating in frescoes painted by women on the margins of androcentric Brahmanic values, the globalised commercial artification of paintings has led to creative, discursive and social reconfigurations, moving the Mithila painters from the periphery to the centre.The setup of more than 500 exhibitions in 36 countries (1935-2019) illustrates an acceleration in the circulation of artified artworks and their creators from the global South, who are enjoying forms of recognition in a dominant art world from which they are frequently excluded, due to multiple oppressions (gender, caste, class, North/South and urban/rural divides). The connected history of the transnational reception of their art can be traced from the late colonial and post-independence moment to the postmodern moment, in connection with the global turn that was catalysed by the indophile and countercultural kairos of the Long Global Sixties. Critical thinking that advocates empowerment, based on the nexus between feminisms and countercultural indophilia, fosters a commitment to the artification of transcultural mediators.The late colonial and post-independence moment is represented by M. and W. Archer and Indian government artist-mediators such as U. Maharathi, the founder of the Patna Design Institute. The Archers employ practices an organic conception of art and a universal aesthetics, which is linked to Freudism and the avant-garde, to interpret practices. Maharathi, an independence leader, exhibits and commercialises Mithila art. His ambitions for heritagisation resonates with the assertion of an Indianness linked to the construction of national identity. Commercial artification began to develop in the 1930s, preceding an agrarian, food and political crisis (1966-67) that acted as a catalyst for global circulation and the legitimisation of painters. With the entry into the first phase of globalisation of the reception, that of the countercultural indophilia, transcultural mediators (Y. Véquaud, E. Moser Schmitt, R. and N. Owens, T. Hasegawa) are situated within a post-Bourdieusian transnational cultural field characterised by an array of tensions, ideological convergences (feminism, social justice) and dissonances: artistic and literary bohemia vs. anthropology applied to development; intensification of global trade flows vs. critical countercultural idealism and village community utopia. The ephemeral convergence of (counter)cultural brokers and Indian mediators around an alternative model has given rise to a kairos and a transcultural, decompartmentalised art world. This nexus between mediators constructs feminist figures of painters around an art of the margins and creative resistance.The postmodern moment of late globalisation introduces a discursive plurality and the deconstruction of reified, androcentric and primitivist visions of the Global North, as well as the ‘liberal feminism-development-tourism' triangulation. The paintings are reinterpreted in terms of a ‘multiple contemporaneity' centred on flux, or of overlapping translocal and subversive identities, in the prism of postcolonial and gender shifts.The countercultural kairos is unique in the history of the reception of Maithil art, whose ephemeral convergence of artificators is often overshadowed. This paves the way for global circulation, the construction of a transnational field, and the deconstruction of the value of ‘authenticity'. The art of women painters enters the globalised contemporary scene, reappraised in the terms of transnational canons. This has resulted in transfers and hybridisations between counterculture and feminism, in India and in the Global North. An artistic incubator and a catalyst for the women's movement is being forged, open to inclusive feminism and creative effervescence, which serve as levers for a paradigm shift in the renewal of Mithila artists
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Midal, Alexandra. "Design par accident : pour une nouvelle histoire du design." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010644.

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Abstract:
Les publications en 1936 de "Pioneers of Modern Movement" de Nikolaus Pevsner suivie par "La Mécanisation au pouvoir" de Siegfried Giedion en 1948 constituent les deux narrations originelles d'une histoire du design. Cependant, pas plus Pevsner que Giedion n'a voulu établir une quelconque histoire du design. Le premier développait une généalogie de l'architecture moderne tandis que le second concevait un panorama de l'invention et de l'ingéniosité anonyme. Ces deux récits en faveur de l'architecture et du mouvement moderne font office d'origine à une histoire du design encore peu établie, par conséquent, nous nous sommes interrogés sur l'impact de ces conceptions partisanes sur le design, et si de telles circonstances n'avaient pas donné naissance au design par accident. Cette thèse a consisté à interroger la permanence de concepts qui s'imposent depuis Pevsner et à l'opposé de son énoncé à retracer une généalogie alternative débutant avec les féministes abolitionnistes américaines, et entrelaçant constamment les « oublis» et « dénis» de l'histoire du design. Afin d'engager une nouvelle historiographie du design, nous nous sommes concentrés sur la rupture épistémologique marquée par l'opposition à la fin des années 1960 entre le Controdesign des architectes radicaux et l’Antidesign énoncé par [oe Colombo. Ce dernier a permis de repenser l'histoire du design dans une dimension autonome vis-à-vis de l'architecture, le dernier axe de cette thèse s'est engagé dans le réexamen de l'histoire du design depuis William Morris jusqu'aujourd'hui dans la seule perspective de la dynamique expansionniste qui caractérise la discipline du design.
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Guéhenneux, Lise. "Une scène des années 1990 autour de la revue Blocnotes : une plate-forme d'échanges : entretiens entre artistes et critiques d'art." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0522.

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Abstract:
Notre étude veut apporter des précisions historiques sur la scène artistique des années 1990 à partir d’un travail de critique d’art. Nous interrogeant sur la place de ce type d’écriture dans un contexte qui médiatise largement une crise de l’art contemporain dans l’espace public, nous examinons comment la remise en question de la modernité est propice à la création de trois nouvelles revues Documents sur l’art contemporain, Blocnotes et Purple Prose. La recherche nous porte à examiner les structures existantes dans lesquelles évoluent les différents acteurs du monde de l’art qui vont accueillir une nouvelle génération de critiques et d’artistes, - des centres d’art mais aussi de nouvelles galeries d’art symptomatiques d’un héritage culturel de décentralisation. Nous dégageons la spécificité de Blocnotes : le rejet des années 1980 et les repères historiques conceptuels des années 1960-1970, les rapports de l’art et du féminisme, la collaboration centrale des artistes, la réflexion sur l’exposition, l’objet fini, l’in situ et l’installation, le cinéma comme modèle. Loin d’une vision univoque de la décennie, nous redéployons des pratiques artistiques et leurs enjeux en nous plongeant dans les textes des nombreux contributeurs de Blocnotes tout en prolongeant par des entretiens des échanges entre critiques et artistes<br>The study we are developing here wants to provide historical precisions about 90's artistic scene from an art critic's point of view. By questioning ourselves about the place of this type of writing in a context which widely mediates a contemporary art crisis in the public space, we would like to analyze how the questioning of modernity will be propitious for the creation of three new periodicals : Documents sur l'art contemporain, Blocnotes and Purple Prose. Our research leads us to study the existing structures that will welcome a new generation of critics and artists in which evolve various protagonists working in the field of art – art centers but also new art galleries symptomatic of a decentralized cultural heritage. We particularly enhance the specificities of Blocnotes : the rejection of the 80's and historico-conceptual markers of 60's and 70's, the relationships between art and feminism, the central collaboration of artists, the reflection about exhibition, finished object, the in situ and the installation, the cinema as a model.Remaining far off an unequivocal vision of the decade, we redeploy artistic practices and their issues by plunging ourselves in the texts of Blocnotes' numerous contributors while extending by interviews and exchanges between critics and artists
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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.

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Abstract:
L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde<br>The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde
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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.

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Abstract:
L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde<br>The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde
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Lavigne, Julie. "L'art féministe et la traversée de la pornographie : érotisme et intersubjectivité chez Carolee Schneemann, Pipilotti Rist, Annie Sprinkle et Marlene Dumas." Thesis, McGill University, 2004. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=85181.

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Abstract:
The increasing importance of pornography since its commercialization at the end of the seventies modified the artistic landscape of sexual representation. What has occurred is a transformation of the horizon of expectations of pornographic images, the definition of eroticism and the relationship between the two notions. In this perspective, the thesis concentrates on the analysis of the appropriation of certain distinct traits of hard core pornography in feminist art. Specifically, it is a qualitative analysis of the interrelations between eroticism and pornography in feminist art during the 1980s. The thesis proceeds to an in-depth analysis of several works by Pipilotti Rist, Annie Sprinkle, and Marlene Dumas as well as adding three earlier works of sexually explicit representation by Carolee Schneemann. The analysis of these works aims to redefine notions of pornography and eroticism, drawing on the work of Linda Williams for the first definition and Georges Bataille for the second. The theoretical context of the thesis, which also turns out to be the historical context of the works, is made up of disciplinary approaches that have most contributed to the debate around eroticism and pornography: art history, philosophy, feminist studies, queer theory, semiology and psychoanalysis.<br>The thesis makes several conclusions. First, the dynamic between eroticism and pornography does not have to be considered oppositional; the two methods of expression are frequently both represented in the same work. Also, women are no longer uniquely victims of pornography (they are increasingly in the role of pornographic auteure) and the analysis of these works confirms that feminists have appropriated the genre to explore a diversity of female eroticisms and propose a form of feminist, intersubjective pornography. Finally, the use by female artists of syntaxes and features typical of pornography helps to bring about a demand for a more complete and complex female subjectivity which is no longer only political, but also sexual.
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Hugues, Henri. "1914-2014, un siècle d’anthropophagie féminine dans l’art brésilien : pertinence et actualité ?" Thesis, Antilles-Guyane, 2014. http://www.theses.fr/2014AGUY0766/document.

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Abstract:
Au début du vingtième siècle, une rupture radicale et fondatrice de modernité artistique eut lieu au Brésil. Cette modernité se démarque de celle d’Europe par la prise de conscience des distances géographiques, culturelles et politiques vis à vis de l’Europe et surtout de l’ancienne puissance coloniale, le Portugal, par la recherche de son identité à travers la multiplicité des métissages du Nouveau Monde, ses mythes et son histoire réelle décolonisée. L’avant-garde brésilienne émerge autour de 1928, à travers les Manifestes anthropophages d’Oswald de Andrade (1890-1954) qui est donc le fondateur des anthropophagies, que l’on peut définir comme un indianisme à rebours. Le ″mauvais sauvage″ exerce sa critique contre les impostures du monde. « La ″Descente anthropophagique″ n’est pas une révolution littéraire, ni sociale, ni politique, ni religieuse. Elle est tout cela à la fois ! Sa loi est simple : Ne m’intéresse que ce qui n’est pas à moi ! Loi de l’homme, loi de l’anthropophagie ! » . Elle prescrit donc la dévoration des modèles importés et leur digestion dans l’hybridation au nom de l’identité brésilienne, par déplacement de concepts freudiens : « L’anthropophagie c’est la transformation permanente du Tabou (manger de l’homme) en Totem (de l’identité brésilienne) ! » . Ici l’influence notable de la psychanalyse et de l’anthropologie est à resituer : le déplacement du tabou anthropophage demeure une transgression symbolique, une métaphore, mais la référence anthropophagique ne concerne pas que la période précolombienne, car elle se réactualise. Nous nous proposons d’étudier ce phénomène à travers quatre questions : 1°- Quelles relations existent entre l’anthropophagie, l’histoire, l’esthétique et l’idéologie ? 2°- Quelle est la place des femmes artistes brésiliennes dans l’émergence de ce mouvement, compte tenu de leur présence décisive dès l’origine ?3°- Compte tenu de la résurgence rhizomique de l’anthropophagie dans la 2e moitié du XXe siècle, y compris jusqu’à aujourd’hui, quelle est la place des femmes artistes dans ce phénomène ? Y a-t-il continuité avec l’époque fondatrice ?4°- Etant donné ce qui précède, peut-on déduire qu’il existe un courant spécifiquement féminin dans l’anthropophagie d’hier et d’aujourd’hui ? Quelle est son importance réelle ? Quelles sont ses relations et postures par rapport à la postmodernité et à la mondialisation de l’art contemporain ?<br>At the beginning of the twentieth century, in Brazil, a radical artistic rupture took place, which marked the beginning of a new era. The resulting modernity differed from its European counterpart by the awareness of geographical, cultural and political distances that alienated Brazil from Europe and more specifically from its former colonial owner, Portugal. Brazilian modernity sought to define its identity through important basic elements that constitute the stuff that the New World is made of: cross-breeding, mythology and post-colonialism. The Brazilian avant-garde emerged around 1928 with the publication of The Anthropophagy Manifesto by Oswald de Andrade (1890-1954), who is thus the founder of the Anthropophagy, that we can define as a backward step into a reinvented form of ″Amerindianness″. The ″bad savage″ voices his criticism against impostures of the world. « Anthropophagy art is not a literary revolution, nor is it a social plea, nor a political pamphlet, nor a religious tract. It is all these things at the same time. Its law is simple: everything that is not me is of interest to me. The law of men is the law of Anthropophagy ». It thus prescribes eating up imported models and digesting them through the process of hybridization in the name of Brazilian identity. By displacing Freudian concepts, «Anthropophagy is the permanent transformation of the Taboo (man-eating) into a Totem (Brazilian identity) ». The permeating influences of psychoanalysis and anthropology need to be put in perspective: the displacement of the anthropophagous taboo remains a symbolic act of transgression, a metaphor, but the anthropophagic reference does not concern the pre-Columbian period, because it is updated. We propose to study this phenomenon through four questions: 1°- What are the relations between Anthropophagy, history, esthetics and ideology? 2°- What is the place of women Brazilian artists in the emergence of this movement, taking into account their decisive presence right from the start? 3°- Taking into account the resurgence of Anthropophagy from the second half of the 20th century onwards, what is the place of women artists in this phenomenon? Are they pursuing the same interests as the founders of the movement?4°- Can we deduce that there exists a specifically female genre within the anthropophagic movement of yesterday and of today? If so, what is its relevance? Where does it stand with respect to the contemporary concepts of post-modernity and globalization in the present-day art world?
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Kartibou, Farah. "Rapports entre arts plastiques et mode, travail ironique de l'image de la femme." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010558.

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Abstract:
Ce travail de recherche s'est orienté progressivement sur une investigation de plus en plus approfondie de l'univers des représentations liées à la mode, plus particulièrement à un vêtement : le bustier-corset. Se pose la question des rapports qu'entretiennent l'art et cet artisanat spécifique qu'est la couture. Nous pouvons l'étudier à travers les œuvres d'artistes telles que Natacha Lesueur, Jana Sterbak, Niki de Saint Phalle, Annette Messager et Elsa Schiaparelli. Il est à remarquer que la plupart de ces artistes étaient féministes et nous pouvons faire l'hypothèse qu'un travail esthétique de cette nature, impliquant une réflexion sur l'image de la femme, incite à une prise de conscience et de position sur la place qu'on lui donne dans la société. Un point de vue ironique, voire burlesque, a souvent été recherché pour créer une distanciation, un effet de surprise propre à déclencher une prise de conscience. Il est d'ailleurs également possible d'investiguer le corps de la femme et l'imaginaire qui l'entoure à travers l'existence et l'utilisation de symboles tels que la passementerie, le bijou, les matières brillantes et clinquantes. Bien que la représentation de la mode ait toujours existé dans les Arts, ce travail se focalisera sur les artistes des périodes modernes et contemporaines, qui accompagnent la naissance du design et son développement. Cependant il sera nécessaire de s'interroger sur ce qui s'est joué pendant la Renaissance, période pendant laquelle la notion de métiers d'art s'est développée, et sur l'historique du bustier, de son apparition jusqu'à sa déconstruction. Enfin, comment situer certaines de ces démarches en se référant aux notions d'art majeur et d'art mineur ? Faut-il dissocier des démarches artistiques de techniques différentes ? Pour figer le travail à un style correspondant à des normes dictées<br>The research work gradually focused on a more and more deeper investigation of the universe related to fashion, and more particularly to a garment : the strapless corset. This raises the question of the relationships between art and the sewing craft work. We can look into it, through the work of artists such as Natacha Lesueur, Jana Sterbak, Niki de Saint 1 Phalle, Annette Messager and Elsa Schiaparelli. We can notice that most of these artists were feminists and we can make the assumption, that an esthetic work of this nature, involving a reflection on the image of women, creates an awareness on the position we confer to them in our society. Very often, an ironic attitude, even burlesque (or caricatural) was often looked for, to create a distance, and an attitude of surprise, appropriate to trigger an awareness of the situation. Moreover, it is also possible to investigate the body of the woman and the fantast around it, through the existence and the use of symbols such as trimmings, jewels, and bright and flash y materials. Although the representation of fashion has always existed in Art, this work will focus on modern and contemporary artists, who accompanied the birth and the development of the design artwork ... However it is also necessary to take into consideration, what happened during the Renaissance period, during which the notion of craftsmanship has developed, as well as the pathway of the bustier, from its creation until its deconstruction. And finally, how to position some of these works (or analysis) in conjunction with major art, and minor art, art work and artcraft ? Are they an extension of technical and symbolic practices so it leads to a combination
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Sofio, Séverine. ""L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.

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Abstract:
L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.
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Yang, Hyae-Jin. "Le vêtement et les signes de non-dit : entre art et mode, féminin et masculin." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010528.

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Abstract:
Via mon corps, je rêve et je vais à la rencontre de moi-même et d'autrui. Ces rencontres inattendues stimulent mon inspiration. Lorsque mes yeux se posent sur une femme, tous les détails de son allure me suggèrent une histoire. Chaque corps me raconte une histoire, me dit son mystère à travers ce vêtement à la fois si fidèle et si traître. J'écoute, je perçois et finalement je réagis pour créer une autre image du corps dans laquelle l'intériorité se révèle. Parfois, j'entends le cri exprimé par ce corps féminin si richement orné; pour moi, les artifices de la mode sont comme un cri de guerre qui permet à la femme de prendre sa place dans notre société. Pourquoi ces artifices et pourquoi ce cri ? J'ai trouvé la réponse en observant le corps féminin. Ce corps a tellement souffert depuis les débuts de l'humanité. Il veut crier sa souffrance mais en silence. Mes vêtements sont un champ audio-visuel qui met en scène et raconte la vie de la femme. Mais nous ne pouvons l'entendre que dans un cœur à coeur, car le vêtement dans mon travail est un témoin muet si révélateur.
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Yon, Adèle. "Mon vrai nom est Elisabeth : enquête sur le double fantôme." Electronic Thesis or Diss., Université Paris sciences et lettres, 2024. http://www.theses.fr/2024UPSLE011.

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Abstract:
Mon vrai nom est Elisabeth. Enquête sur le double féminin fantôme, est une tentative de prendre à la racine le désir de savoir de la chercheuse en sciences humaines. Où et comment naît une question de recherche ? Parties de l’examen du motif cinématographique du « double féminin fantôme » hérité de Jane Eyre et de Rebecca, mes quatre années de recherche se sont déployées autour d’une enquête sur mon arrière-grand-mère Betsy. Déclarée schizophrène, elle a été lobotomisée en 1950 puis internée pendant dix-sept ans à l’hôpital psychiatrique de Fleury-les-Aubrais. Dans ma quête pour comprendre ce qu’elle avait vécu et pour déconstruire l’influence qu’elle exerçait sur moi, j’ai retrouvé toutes les caractéristiques du « double féminin fantôme » : l’enquête familiale a été le chemin à emprunter pour décrypter ce motif, ses origines, ses manifestations, ses effets. Parallèlement, le point de vue situé duquel sourd cette enquête m’a invitée à questionner la manière dont nous produisons nos connaissances et à expérimenter d’autres formes de savoir. Que veut dire être remuée par l’archive ? La recherche en sciences humaines peut-elle adopter la forme d'un road-trip ? Ce que la recherche nous fait est-il constitutif de nos résultats de recherche ? Qu’impose la prise en compte de l’individualité de la chercheuse à l’écriture académique ? Les questions soulevées par cette enquête m’ont in fine conduite à explorer les modalités de dialogue existantes entre posture intime et démarche scientifique. Cette recherche adopte la forme d’un raisonnement abductif, partant de l’intuition d’une question de recherche pour se relier au cours du processus à plusieurs familles disciplinaires et méthodologiques<br>My real name is Elisabeth. Identifying with a ghost: an investigation, is an attempt to delve into the root of the researcher's desire to know in the humanities. Where and how does a research question originate? Started as an examination of the cinematic motif of the “ghostly feminine double” inherited from Jane Eyre and Rebecca, my four years of research unfolded around an investigation on my greatgrandmother, Betsy. Declared schizophrenic, she was lobotomized in 1950 and institutionalized for seventeen years in Fleury-les-Aubrais, France. In my quest to understand what she experienced and to deconstruct the influence she exerted on me, I encountered all the features of the “ghostly feminine double”. This family investigation became the path to deciphering this motif, its origins, manifestations, and effects. Simultaneously, the situated perspective from which this investigation arose invited me to question how we produce our knowledge and to experiment with other ways of doing so. What does it mean to be stirred by the archive? Can research in the humanities become a road trip? Is what research does to us constitutive of our research results? What does taking into account the individuality of the researcher impose on academic writing? The questions raised by this investigation ultimately led me to explore how the intimate stance can dialogue with the scientific approach. This research follows an abductive reasoning, starting from the intuition of a research question and connecting throughout the process to several disciplinary and methodological families
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Haddioui, Naoual. "Féminismes au Maroc : évolution des discours et des pratiques de l'Indépendance à nos jours." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC024.

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Abstract:
Dans cette thèse nous cherchons à analyser l'évolution des pratiques et des discours féministes au Maroc, pendant les différentes phases, ayant été du point de vue historique et politique, à l'origine d'une conscience de« genre». Le moment, qui précède la proclamation de l'Indépendance enregistre une transition vers la modernité. Les Marocaines contribuant à l'Indépendance redéfinissent une nouvelle identité des femmes au sein de la société marocaine. L'accès massif des femmes à l'instruction dès l'Indépendance sera à l'origine d'affirmation citoyenne féminine. Les femmes s'allient aux hommes pour la construction démocratique de l’État et pour la lutte contre l'autoritarisme étatique. Ce féminisme, accouché par une pensée de gauche s'institutionnalise et crée des nouvelles formes de luttes démocratiques. L'islam politique, et l'apparition de nouveaux espaces de socialisation numériques et mondialisées font émerger d'autres formes de lutte et de discours retraçant ainsi de nouvelles identités du féminisme marocain<br>In this work we analyze tue evolution' of feminist practices and dlscourses in their different historicalsequences in Morocco. This has been the start of a turning point in the historical and political birthof a« gender »'s awareness. The moment before the lndependence was a transition to modernity.Moroccans who·fought for the lndependenoe contributed to ·another definition of women's identityin the Moroccan society. Mass instruction of morrocan women since the lndependence was at theorigin of an affirmation of a feminist citizenship. Women became men's allies for the building of ademocratic state, with a strong will to enter modernity and to work together for lt. They joined tomen in the fight against state's authoritarianism. This feminism, produced by a left wing's thought,has been institutionalized and created new types of democratic fights. The development of politicallslam and the increasing number of new social spaces of numerical and global socializations bringto the foreground other types of fights and discourses, paving the ways for rebuilding identities ofthe morrocan feminism
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Sowley, Katherine. "La Tenture de la Dame à la licorne : la figure féminine au service de l'image masculine." Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00915155.

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Abstract:
La tenture de la 'Dame à la licorne' est le plus souvent interprétée comme une allégorie des sens physiques, mais son iconographie se distingue par le registre héraldique. Chaque composition s'organise tel un emblème héraldique de sorte que les personnages principaux remplacent l'écu tant du point de vue visuel que fonctionnel. Si cette tenture est fréquemment citée comme un monument à la réussite socioprofessionnel du commanditaire, on n'a jamais cherché à comprendre comment le registre scénique contribue à la représentation du commanditaire. Autre lacune dans le corpus de littérature, l'importance de la figure féminine dans cette image est restée jusqu'alors ignorée. La présente étude propose donc d'étudier la 'Dame à la licorne' et sa fonction représentative en analysant les traditions culturelles, littéraires et iconographiques, ainsi que les réalités sociohistoriques, qui sous-tendent l'image d'excellence sociale que le commanditaire souhaite rattacher à sa personne et à sa famille.
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Chalikia, Martha. "Corps, art et société : l'identité féminine dans l'art contemporain russe avant et après la chute du mur de Berlin et ses répercussions dans les autres pays orthodoxes de l'Europe de l'Est." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010704.

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Abstract:
Corps, art et société. Si la culture se définit par rapport à ces trois notions, la création féminine dans la Russie contemporaine s'inscrit dans une quête identitaire vacillant entre les repères traditionnels et l'ouverture vers l'Occident. Se situant dans un espace en mutation permanente, se heurtant à la difficulté de discerner les frontières de l'utopie et de l'entropie, les artistes de la période qui a précédé l'effondrement communiste et de celle de la reconstruction post-soviétique ont été amenés à bâtir un " territoire de mémoire " commun. Dans un tel contexte de bouleversement idéologique, l'émancipation des femmes est loin d'être acquise. La création féminine est donc avant tout, pour les Russes, une affaire de recherche intérieure, de déconstruction - partielle et totale - du statu quo et d'invention d'une nouvelle identité. La question de l'art est indissociable d'une géographie corporelle qui surgit de l'abolition des frontières et de l'ouverture culturelle. Le corps des femmes devient de la sorte l'élément fondamental d'une création où se mêlent l'espace, l'érotisme et la religion. Ce même processus de mutation qui aboutit souvent à des interrogations existentielles définit le champ artistique dans les autres pays de l'Est, notamment ceux qui sont porteurs de la même tradition byzantine.
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Paré, Christelle. "Quête nationale et écriture féminine : la sitcom "Little Mosque on the Prairie"." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/26906/26906.pdf.

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Doustaly, Anne. "L'esprit de la chair : images de la sainteté féminine entre Rhône et Alpes au XVe siècle." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0109.

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Abstract:
Après avoir répertorié les figures de la sainteté féminine employées dans les peintures publiques provençales et alpines du XVe siècle, l'étude constate un sanctoral visuel limité (Marie-Madeleine, vierges martyres), l'absence des saintes locales, et explore les modalités de ces choix (polysémie de la sainteté, agencements visuels). Retables, peintures murales et exempla forment le corpus principal, complété par l 'hagiographie, les calendriers et les prix-faits. L'usage des saintes se révèle limité dans certains media (peinture, exempla), en décalage à la fois avec la popularité des pèlerinages et la féminisation de la spiritualité contemporaine. L'étude recherche les usages communs de la sainteté féminine et les conventions visuelles attachées à la figure centrale de Marie-Madeleine et au groupe homogène des vierges martyres qui fonctionne en série. La fonction visuelle de l'attribut, les formes de l'identité, les classifications sont analysées. La figure de sainte Lucie, les mécanismes particuliers de l'attribut-organe et les variations visuelles sur le genre des saintes, témoignent de l'inventivité suggestive des images, et conduisent à préciser la notion polysémique de sainteté<br>After listing the examples of female saints used in the Proven cal and Alpine public paintings in the XVth century, this study notes limited sanctoral representations (Mary Magdalen, martyr virgins), the absence oflocal saints, and explores the consequences of these choices (polysemy of saintliness, visuallayout). The main corpus, made up of retables, mural paintings and exempla, is completed by hagiography, calendars and the commission contracts (prix-faits). There is a discrepancy between the fact that the figure of the female saint turns out to be limited in some media (painting, exempla), and with both the popularity of pilgrimages and the feminization of contemporary spirituality. This study looks into the common use of female saintliness and the visual conventions related to the central figure of Mary Magdalene and to the homogeneous group of martyr virgins that works out as a series. The visual function of the attribute, the fonns of identity, and the classifications are analysed. The figure of Saint Lucy, the specific mechanisms of the organ-attribute and the visual variations on the gender of the female saints bear witness to the suggestive inventivity of images, and lead to a redefinition of the polysemic notion of saintliness
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Girod, Virginie. "L’érotisme féminin à Rome, dans le Latium et en Campanie, sous les Julio-Claudiens et les Flaviens : recherches d’histoire sociale." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040075.

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Abstract:
Le fonctionnement de la société romaine reposait en partie sur la distinction de genre et de groupe social. Cela était particulièrement prégnant dans le domaine de l’érotisme. Au-dessus de tous les groupes sociaux se situait celui des hommes libres dont le rôle sexuel était celui de dominant-pénétrant. De fait, l’érotisme à la romaine peut être défini comme étant phallocentrique. Par opposition, toutes les autres catégories de personnes formaient le groupe des dominés-pénétrés. Néanmoins, le degré de soumission de chacun était déterminé par sa position sur l’échelle sociale. Les matrones avaient accès à un érotisme restreint qui se voulait procréatif. Les autres femmes, dans une certaine mesure, pouvaient être utilisées par les hommes de qui elles dépendaient comme des instruments de plaisir. Ainsi, la prostitution a toujours eu un rôle important à Rome. Bien qu’infâmes, les prostituées avaient pour mission d’assouvir les besoins charnels des hommes et pratiquaient une sexualité récréative plutôt décomplexée. Toutes les pratiques sexuelles n’étaient cependant pas admises et si, contrairement aux chastes matrones, les prostituées pouvaient s’autoriser des formes de sexualité non fécondantes, les pratiques jugées perverses (scopophilie, exhibitionnisme, agalmatophilie, etc…) étaient, selon la morale, à bannir de tous les lits<br>The functioning of the Roman society was based partially on the distinction of genre and social group. It was particularly strong in the eroticism. Over all the social groups was situated that of the free men whose sexual role was the one of dominating - penetrating. Actually, the Roman type eroticism can be defined as being phallocentric. By opposition, all other categories of persons formed the group of dominated penetrated. Nevertheless, the degree of submission of each was determined by its position on the social scale. The stout women had access to an eroticism restricts who was procreative. Other women, to a certain extent, could be used by the men as instruments of pleasure. So, the prostitution always had an important role in Rome. The prostitutes had an important mission. But, all the sexual practices were not allowed and if, contrary of the matronae, the prostitutes could adduce forms of sexuality for not being pregnant, the practices considered perverse (scopophilia, exhibitionism, agalmatophilia, etc.) were banished, according to the morality, of all the beds
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Neelsen, Sarah. "Les essais d'Elfriede Jelinek. Genre. Relation. Singularité." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030130.

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Abstract:
L’œuvre de l’Autrichienne Elfriede Jelinek (Prix Nobel de Littérature en 2004) est ici approchée par la bande, c’est-à-dire par les « petits textes » rédigés tout au long de sa carrière en marge de ses pièces et romans. Textes de circonstance, ces essais reposent sur un paradigme esthétique spécifique que le présent travail se propose d’exposer en revenant à leurs conditions de publication initiales. On s’aperçoit ainsi qu’il s’agit de textes de commande véhiculés par des supports médiatiques différents du livre (revue, tract, programme, internet) et qui impliquent une réception particulière, induite par leur dispersion et leur fugacité. La présentation du corpus se fait sur fond des grandes césures de l’œuvre jelinekienne mais aussi de la littérature autrichienne d’après 1945, recomposant le réseau personnel et professionnel de l’auteur et la réintégrant dans sa génération. Trois chapitres sont consacrés à une analyse détaillée des textes. Celle-ci montre d’abord la genèse progressive de leur thématique centrale, à savoir la possibilité d’une œuvre féminine. Elle s’attache ensuite aux trois principes fondamentaux de leur style que sont l’évidement, le paradoxe et la fluidification. Elle étudie enfin le rapport au lecteur conçu sur le mode du brouillage et de l’interférence, qui permet, pour un temps, de prolonger la vie de textes dont le sens tend à s’obscurcir rapidement. Les notions de relation et de singularité sont placées au cœur de cette thèse, identifiées comme l’enjeu esthétique et politique majeur du corpus mais aussi d’une partie de la tradition du genre dont quelques définitions emblématiques (Lukács, Adorno, Barthes, Marielle Macé, Georg Stanitzek) sont discutées<br>This thesis discusses the work of the Austrian writer Elfriede Jelinek (Nobel Prize for Literature 2004) from its margins, from a corpus of “short texts” written from the beginning of her career beside her novels and plays. As occasional prose, these essays are grounded in a specific aesthetic paradigm, which this dissertation seeks to define by examining their original conditions of publication. This method brings to light that these are commissioned works, released on very different media formats than a book (journals, flyers, programs and the internet), which have their own mode of reception due to their volatility in space and time. The corpus is presented against the backdrop of Jelinek’s main work and its major turning-points. It is also set in the context of Austria’s post-1945 literature according to the author’s personal and professional network in order to reintegrate Jelinek in her generation. Three chapters are then dedicated to a detailed analysis of the texts. This thesis highlights the slow genesis of their main theme, the possibility of a feminine work of art. Then it studies three characteristics of their style - hollowing, paradox and liquidity. Lastly, it deals with the relation to the reader, conceived as jamming and interference, both allowing, at least for a time, to prolong the text’s meaning, as it otherwise tends to become more and more obscure. Relation and singularity are key notions of this thesis, considered as the main aesthetic and political issues of its corpus, being also part of the essayistic tradition, discussed through some canonical definitions (Lukács, Adorno, Barthes, Marielle Macé, Georg Stanitzek)
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Maillet, Thierry. "Histoire de la médiation entre textile et mode en France : des échantillonneurs aux bureaux de style (1825-1975)." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0063.

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Abstract:
Le développement de plusieurs formes de médiation entre textile et mode sur un siècle et demi est une des sources méconnues du succès de la mode puis du prêt-à-porter en France. A compter de 1825 un dessinateur vosgien, Jean Claude, s'installe à Paris d'où il réalise des propositions de croquis pour le compte de ses clients de Sainte-Marie-aux-Mines. Il leur envoie aussi des échantillons des nouveautés qu'il identifie à Paris. En 1834 l'échantillonnage devient son activité. Installé dans le quartier du Sentier à Paris Jean Claude développe son activité vers les industriels, mais aussi à compter de 1855 les écoles (Roubaix) et les associations de dessinateurs (Mulhouse). Médaillé à l'Exposition Universelle de 1878 à Paris sa réussite ne laisse pas indifférente une concurrence qui s'étoffe : l'échantillonnage médiatise les nouveautés de la mode vis à vis des professionnels du textile et France et à l'étranger. A partir de 1920 la présence accrue des grands magasins new-yorkais à Paris fait émerger un nouveau métier: le stylisme. Des « bureaus of stylists » sont créés au sein des départements d'achats des grands magasins new-yorkais installés à Paris. C'est aussi le début d'une histoire de la mode en conversation entre Paris et New York. Après la Seconde Guerre mondiale l'influence américaine par le biais de la presse féminine et des missions de productivité facilite l'essor de stylistes femmes à Paris contemporain de la diffusion du prêt-à-porter. A la fin des années 1950 un premier bureau de style est créé et trois autres dans les années 1960. Les bureaux de style acquièrent une influence croissante confirmant ainsi le rôle de la médiation dans l'élaboration de la mode<br>The development of several forms of mediation between textile and fashion over a century and a haIf is a little-known sources of success of fashion and ready-to-wear in France. As of 1825 a designer from the Vosges mountains, Jean Claude, moved to Paris where he made sketches of proposals on behalf of its clients in Sainte-Marie-aux-Mines. He also sends samples of novelties that he identifies in Paris. In 1834 sampling becomes its activity. Established in the Sentier district in Paris, Jean Claude develops its activities toward industrials and from 1855 to schools (Roubaix) and associations of designers (Mulhouse). With a medal at the Exposition Universelle of 1878 in Paris Jean Claude's success bolsters new competition: sampling mediates the latest fashion trends towards professional textile in France and abroad. From 1920 the increased presence in Paris of buyers' offices for the department stores from New York drives the emergence of a new profession: the styling within the brand new 'bureaus of stylists ". It is also the beginning of a history in conversation between Paris and New York in the fashion world. After World War II American influence through women's magazines and productivity missions facilitates the development of women designers in Paris. In the late 1950s a first bureau of stylist is created and three others in the 1960s. Bureaus of stylist gain increasing influence thus confirming the role of mediation in the development of fashion
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Dumais-Desrosiers, Myriam. "Une puella d’excellence : la femme dans l’élégie latine et sa transposition mythologique." Master's thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24581.

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Abstract:
La femme occupe une place centrale dans la poésie amoureuse augustéenne ; les trois grands élégiaques — Tibulle, Properce et Ovide — ainsi que leur prédécesseur Catulle ressentent un amour si grand pour la puella qu’il devient le moteur de la création littéraire et, du coup, la jeune femme en incarne la muse. Ainsi, la beauté du corps de la puella, mais aussi celle de son esprit, compose la matière élégiaque et définit dans un même temps la femme idéale selon les poètes de l’amour. Du fait de son statut de poète de l’amour, Ovide reprend le canon élégiaque de la puella lorsqu’il compose son recueil didactique l’Art d’aimer. Ce mémoire étudie dans un premier temps la femme des élégies latines, ses caractéristiques physiques, intellectuelles et émotionnelles de même que sa capacité à s’engager dans le type d’union préconisé par les poètes amoureux. Ces éléments seront repris dans le cadre de l’analyse des personnages féminins des digressions narratives de l’Art d’aimer afin de montrer comment Ovide construit ses héroïnes mythologiques selon un exemplum positif ou négatif de la puella élégiaque.
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