Dissertations / Theses: 'Femmes artistes'

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Winell-Garvén, Iréne. "Vägen till parnassen : en sociologisk studie av kvinnligt konstnärskap i Sverige 1864-1939 /." Göteborg : Göteborg university, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39983315d.

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Creusen, Alexia. "Femmes artistes en Belgique : XIXe et début XXe siècle /." Paris : l'Harmattan, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41118507q.

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Chevillot, Anaïs. "Genre et création : construction d'identités genrées chez les femmes artistes." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAH001/document.

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Abstract:

Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelle
This work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined

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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.

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Abstract:

L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde
The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde

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Nahum-Adamsbaum, Edith. "L'art brut et les femmes." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010624.

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Abstract:

Le propos de cette thèse est d'examiner si, et dans quelle mesure, les oeuvres d'art brut realisées par des femmes se différencient de leurs homologues réalisées par des hommes. Auparavant, nous précisons la notion d'art brut, notamment en l'opposant à des formes d'art voisines avec lesquelles on a pu ici et là le confondre (art primitif, art naif, art enfantin, art populaire). Nous portons ensuite notre attention sur les formes d'expression qui font ou ne font pas apparaitre une différence de traitement des mêmes sujets par les femmes d'une part, les hommes d'autre part. L'art brut ne se prête guère aux approches classiques en matière d'histoire de l'art. C'est pourquoi nous avons privilégié pour la plupart des artistes l'approche iconographique par rapport à une approche formelle ou toute autre qui aurait pu être envisagée. Nous avons rassemblé dans une base de données les éléments essentiels concernant les artistes d'art brut. Cette base de données contient différentes natures de renseignements : artistes, sources d'information, thèmes et techniques traités dans les oeuvres. Sur 246 artistes d'art brut, hommes et femmes, nous comptons 87 femmes et 159 hommes soit environ 35% de femmes. Nous avons ainsi esquissé une sorte de statistique, de profil collectif des oeuvres féminines comparées aux oeuvres masculines. Le but recherche était de recenser les oeuvres d'artistes masculins dont les thèmes ou les techniques se rapprochent des thèmes et techniques des oeuvres feminines ou, au contraire, s'en distinguent nettement. Notre analyse comporte douze thèmes et techniques. Nous avons ainsi tenté de dégager des caractéristiques qui seraient propres à l'art brut féminin et de répondre à la question : hommes et femmes se comportent-ils pareillement devant le concept d'art brut et, si leurs approches sont différentes, comment ces différences se manifestent-elles ?

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Provansal, Mathilde. "Artistes mais femmes : formation, carrière et réputation dans l'art contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01E051.

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Abstract:

Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputation
Women artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation

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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.

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Abstract:

L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde
The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde

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Gossmann, Marlène. "Artistes femmes à Paris dans les années vingt et trente du XXe siècle." Dijon, 2006. http://www.theses.fr/2006DIJOL012.

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Lafforgue, Laetitia. "La condition des artistes féminines contemporaines autochtones au sein du paysage culturel québécois." Mémoire, Université de Sherbrooke, 2018. http://hdl.handle.net/11143/11913.

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Abstract:

Ce mémoire s’articule principalement autour des sujets suivants : colonisation, décolonisation des savoirs et des pratiques, méthodologie autochtone, réappropriation culturelle, culture autochtone, art autochtone contemporain et pratique artistique, féminisme. Plus spécifiquement, la recherche porte sur la condition des artistes féminines autochtones contemporaines (AFAC) au sein du paysage culturel québécois. Étudier ce phénomène au Québec semble très intéressant car, a priori, les artistes autochtones y seraient marginalisés de plusieurs façons. En ce sens, la question suivante se pose : qu’en est-il de la condition des artistes féminines autochtones ? À cet effet, les témoignages et expériences de dix artistes féminines autochtones ont été recueillis. Les entretiens étaient individuels et compréhensifs et d’une durée approximative d’une heure et demie, deux heures. De plus, quelques observations directes au sein des lieux de créations de ces artistes (ateliers, centres d’amitiés etc.) ont été effectuées. Les données ont été analysées selon une méthode qualitative. Les notions de décolonisation du savoir, de réappropriation culturelle et de méthodologie autochtone ont servi de base épistémologique, méthodologique mais aussi théorique pour cette étude. Cette analyse a mis en lumière le dilemme radical qui caractérise les AFAC dans leur statut et leur rôle, en tant que femme et artiste, à travers leurs trajectoires artistiques et leurs parcours de vie. Les AFAC interrogées considèrent leurs œuvres comme un moyen permettant de faciliter la transmission de savoirs autochtones au sein du contexte intergénérationnel et familial, mais aussi avec la parenté, les enfants, les jeunes, de leurs communautés et des autres communautés. Elles ont indiqué que les arts sont essentiels quant à la réappropriation et la survie de la culture autochtone : ils permettent la « guérison », la reconstruction et la transmission d’une fierté et d’une dignité identitaire. Pour créer, les AFAC ont besoin d’un lieu de création « culturellement sécurisant » qui est également un espace d’échanges où des liens peuvent se créer entre artistes autochtones ou non. Ainsi, les AFAC interrogées ont levé le voile sur les enjeux de la production culturelle autochtone. En somme, cette analyse dispose d’une meilleure compréhension du rôle et de la place qu’occupe cette dernière dans la période de reconstruction culturelle actuelle. Or, il a été impossible de dresser un portrait unique de la condition des AFAC au sein du paysage culturel québécois car il y a autant de conditions possibles qu’il existe de domaines artistiques ou encore de trajectoires et de parcours de vies.

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Zhang, Naiyong. "Les femmes artistes d'origine miao, mongole et ouïgoure dans le champ artistique chinois 1950-2010." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA042.

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Abstract:

Cette thèse est consacrée à l’évolution de la place des femmes artistes d’origine miao, mongole et ouïgoure dans le champ artistique chinois 1950-2010. Son axe central consiste à montrer comment les mutations sociales ont modifié la place des femmes, et, plus précisément, comment leur place a été redéfinie dans un discours identitaire. Si dans les années 1950-1980, les œuvres portant sur l’idéologie collectiviste et la représentation de « la femme d’acier » occupaient une place primordiale, dans les années 1981-2000, les femmes artistes décrivent la situation réelle des femmes et mettent l’accent sur la question de l’identité des femmes modernes et sur des relations entre les femmes et les hommes. Elles cherchent à maîtriser des formes d’expression artistique ethnique plus variées et plus légitimes. Depuis 2001, afin de préserver les cultures ethniques face à la mondialisation, les femmes artistes essaient d’interpréter la profondeur de la culture ethnique dans leurs œuvres. C’est vers les traditions, telles que la mémoire historique, les mythologies, les chansons et les danses, que se tournent les artistes femmes issues des ethnies minoritaires à la recherche de racines culturelles. Cette recherche s’appuie à la fois sur l’analyse de la situation socio-culturelle des femmes artistes issues des ethnies minoritaires, l’analyse de la construction de l’identité féminine et l’analyse des particularités de l’expression des femmes artistes eu égard à leur appartenance ethnique
This thesis is devoted to studying the evolution of the place of female artists with Miao, Mongolian and Uygur origins in the Chinese artistic field 1950-2010. The central theme is to demonstrate how social changes have changed the place of women, and more specifically, how the place of women has been redefined in an identity discourse. If in the years 1960-1980, the art works dealing with the collectivist ideology and the representation of the ‘iron woman’ occupied a primordial place, in the years 1981-2000, the female artists describe the real situation of the women and put the focus on the question of the identity of modern women and the relations between women and men. They seek to master the different forms of ethnic artistic expression. Since 2001, in order to preserve ethnic cultures facing the globalization, the female artists are trying to interpret the depth of ethnic culture in their art works. It is towards traditions, such as historical memory, mythologies, songs and dances, that the female artists with ethnic minority origins are looking for their cultural roots. This research is based at the same time on the analysis of the socio-cultural situation of female artists with minority origins, the analysis of the construction of the feminine identity and the analysis of the particularities of the expression of female artists because of their ethnicity

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Marquié, Hélène. "Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.

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Abstract:

Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.

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Tsai, Lin Yen. "Le silence du désir : l'espace corporel dans l'art féminin." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083142.

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Abstract:

L'art, pour moi, c'est s'identifier à l'"Autre". La présente thèse est une recherche sur ma création, en rapport avec la féminité et la sexualité qui m'obsèdent, et que des femmes artistes m'ont révélées. Tout au long de mon travail, la problématique de la femme artiste a évolué suivant deux axes : la différence des genres, et leur interprétation de la sexualité. Dans cette évolution esthétique, le souci et le doute éclairent et orientent mon travail vers un changement de mentalité créative. La féminité, qui ne correspond pas à un critère artistique, et la sexualité, qui n'est qu'un tabou, se manifestent pourtant dans l'art féminin. Cette anamnèse renforce la négativité de mon vécu (le Chora), en me ramenant à la source de ma recherche, et me conduit à la frontière des révoltes. L'art, c'est finalement l'espérance de se dépasser soi-même. Mon espoir est que chacune de mes œuvres incarne une renaissance. Je suis à la recherche d'une pensée réflexive et d'une thérapeutique psychologique dans la "sculpture de Soi". A travers le miroir mimétique, l'image de l'art s'associe à celle du désir dans l'anamnèse du corps et s'adapte dans une "négociation" culturelle (entre tabou et sacré, entre modèle et obstacle). L'association par similitude est "un contact" au sens figuré qui est indicible. J'ai "faim du Mot" dans la création. Le silence du désir se situe dans l'épochè de la sexualité, dans le doute de la féminité. Je m'introduis dans l'espace interactif du « je-tu(e)-elle », dont la réconciliation marque la libération. A travers un désir paradoxal, la motivation de ma recherche est de légitimer et de rétablir mon corps. Le but, ici, est de révéler que l'art est aussi divers, marginal et subversif dans ses conversions, tout comme le sujet du désir qui se résoud par sa libération
For me, art is identifying oneself with the “Other”. This thesis, then, is an introspective examination of my work from the standpoint of femininity and sexuality – an obsession of mine that I became aware of thanks to other women artists. Throughout my work, the whole issue of woman as an artist has evolved along two lines : the difference between genders, and their respective interpretation of sexuality. Within this aesthetic evolution, anxiety and doubt have been inspiring and guiding me towards a change in my creative mentality. Though femininity is not an artistic criterion and sexuality is merely a taboo, they are nevertheless manifest in women's art. This anamnesis gives an added dimension to the negativeness of my personal experience (Chora), bringing me back to the origin of my quest, and leads me on towards the frontier of revolt. Ultimately, art is the hope to go beyond one's own limits/limitations, and it is my hope that each of my works is actually a rebirth. Through "self-sculpture", I am searching for a reflective methodology as well as for a form of psychological therapy. The mimetic mirror is linking the image of art to that of desire in the anamnesis of the body, an image that adjusts itself as in a cultural “negotiation” (between what is taboo and what is sacred, between model and obstacle). Figuratively speaking, the association by similarity constitutes a “point of contact” that is inexpressible. Creation is an expression of my thirst after the Word - to paraphrase Roland Barthe’s “j’ai faim du Mot”. The silence of desire occurs within the épochè of sexuality, the doubt as to one’s femininity. I enter the interactive space combining “I-you-she” whose reconciliation can finally lead to liberation. Based on such a paradoxical desire, my research and quest aim at legitimizing and reasserting my body. The intent here is to show that art can be as diverse, marginal and subversive in its manifestations as the subject of desire, whose liberation depends on its materialization

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Borghino, Elisa. "Des voix en voie : les femmes, c(h)oeur et marges des avant-gardes." Thesis, Grenoble, 2012. http://www.theses.fr/2012GRENL041/document.

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Abstract:

Des voix en voie. Les femmes, c(h)oeur et marges des avant-gardes étudie le dense réseau de relations établies par quelques figures féminines qui ont inspiré des projets et des recherches au sein des avant-gardes historiques dans le panorama français du début du XXe siècle. La présente étude s'intéresse à des femmes – Sonia Delaunay, Claire Goll, Marie Laurencin, Hélène d'OEttingen, Valentine de Saint-Point et Elsa Triolet – qui ont travaillé de concert avec les représentants majeurs des avant-gardes émergentes, en donnant naissance à des projets et à des collaborations à travers l'Europe. Ces femmes artistes prolifiques, qui ont en commun le multiculturalisme et le pluristylisme, sont très actives dans le panorama artistique et littéraire du début du XXe siècle. Des traces de leurs travaux peuvent se retrouver dans les correspondances, les manuscrits, les mémoires et d'autres documents, édités et inédits, qui constituent le corpus de la thèse. La documentation ici présentée est un témoignage de la capacités des auteures à mettre en place des stratégies de communication pour une reconnaissance méritée de leur production sur la scène nationale et internationale. Le travail présente trois parties, chacune décrivant, expliquant et analysant la matière, dans le but de retracer les parcours – les voies – de ces quelques créatrices, pour en faire enfin ressortir les voix. Les annexes comprennent des documents originaux et une chronologie qui liste les travaux examinés, avec ceux des principaux chefs-de-file des avant-gardes
Voices on the way. Women, heart / choir and fringe of the avant-garde explores the thick network of relations established by some female characters who have inspired projects and researches within the historical avant-garde in the French panorama of the early twentieth century. This study examines women – Sonia Delaunay, Claire Goll, Marie Laurencin, Hélène d'OEttingen, Valentine de Saint-Point and Elsa Triolet – who have worked closely with the main leaders of the emerging avant-garde movement, giving rise to projects and cooperations across Europe. These fecund female artists, who share multiculturalism and multilingual abilities, are the most active in the literary-artistic landscape of the early twentieth century. Traces of their works can be found in correspondence, excerpts, memoirs and other documents, both published and unpublished, that create the corpus of the thesis. The documentation presented here is a valid testimony to the authors' ability to put in place communicative strategies for an adequate recognition of their work into the national and international scene. The work is subdivided in three parts, each describing, explaining and dissecting the subject, in order to retrace the ways of these creators, to hear their voices at last. The appendix includes original documents and a chronology listing the examined works, together with those of the main exponents of the avant-garde movement

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Guilois, Bruno. "La communauté des peintres et sculpteurs parisiens : de la corporation à l’Académie de Saint-Luc." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL098.

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Abstract:

La communauté des maîtres peintres et sculpteurs parisiens a connu une importante évolution entre les XVIIe et XVIIIe siècles. La création de l’Académie royale en 1648 correspond à un temps de bouleversement : l’ancien et le nouveau corps se joignent alors, et tentent de cohabiter dans une même structure. La fin du XVIIe siècle correspond à l’essor de la population de la maîtrise, à la publication des listes de ses membres, ainsi que des statuts, dans une remise en ordre globale de la communauté. C’est donc une corporation forte d’une nombreuse population et bien organisée qui obtient en 1705 une déclaration de Louis XIV lui permettant d’ouvrir une école de dessin fondée sur le modèle vivant. La toute nouvelle Académie de Saint-Luc peut s’installer durablement dans le paysage artistique de la première moitié du XVIIIe siècle. Installée dans des nouveaux locaux dont elle se porte acquéreuse, rue du Haut-Moulin en la Cité, elle transforme considérablement ses statuts, en accordant une place importante en son sein à un corps d’artistes, chargés d’assurer l’enseignement de l’école. Les années 1750 à 1775 sont des années où les évènements se précipitent, pour l’Académie de Saint-Luc. Des expositions, suivies du public, permettent de faire connaître nombre de ses membres, et d’inscrire la petite académie dans les débats artistiques du milieu du XVIIIe siècle. Le perfectionnement de l’école d’après le modèle, permet dans les années 1765-1775 de reconnaître davantage encore un statut propre pour les artistes, au sein de la communauté. L’évolution est donc spectaculaire sur plus d’un siècle, et témoigne d’une adaptation remarquable de la vieille corporation, qui a su assimiler ainsi un fonctionnement académique à l’organisation hiérarchique d’une communauté de métier
The community of Parisian master painters and sculptors went through important evolutions between the 17th and 18th centuries. The creation of the Royal Academy in 1648 corresponds to a time of upheaval: the old and the new profession then came together and tried to coexist within the same structure. In the late 17th century, the population of the maîtrise increased and the list of its members as well as its statutes were published, in an overall re-ordering of the community. Thus, in 1705, the guild was strong in numbers and well-organised when it obtained a declaration from Louis XIV allowing it to open a drawing school based on live models : the brand-new Academy of St Luke became established in the artistic landscape of the early 18th century. It purchased new premises on rue du Haut-Moulin-en-la-Cité. From there, it significantly altered its statutes, giving an important role to a body of artists who was put in charge of teaching within its school. In the years 1750 to 1775, things moved faster for the Academy of St Luke. Several well-attended exhibitions put members of the Academy of St Luke on the map and involved the small academy in mid-18th century artistic debates. The improvement in the life-drawing school in the years 1765-1775 led to an even better recognized status for artists within the community. Over more than a century, this spectacular evolution shows the remarkable adaptation of the old guild, which thus managed to integrate its academic functioning to the hierarchical organization of a professional community

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Thormann, Ellen. "Tamara de Lempicka : Kunstkritik und Künstlerinnen in Paris /." Berlin : Reimer, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375504788.

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Foucher, Charlotte. "Un symbolisme enfoui : les femmes artistes dans les milieux symbolistes en France au passage du siècle (XIXe-XXe)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010707.

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Abstract:

Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.

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Gauthier, Julie. "Esthétique du féminin et art féministe : la question du genre dans l'art contemporain (en Europe et aux Etats-Unis, de 1960 à nos jours)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010612.

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Abstract:

A partir des théories féministes, ce travail montre l'influence des stéréotypes sexués sur les pratiques artistiques féminines. Grâce au concept de " genre ", il est démontré qu'un certain nombre de préjugés continue d'enfermer les artistes femmes dans le domaine, mineur, du féminin. L'art des hommes, considéré comme sexuellement neutre, reste ainsi le seul détenteur des valeurs universelles. Basée sur un large corpus, " l'esthétique du féminin " se définie par des récurrences formelles (techniques du fil, décoration, couleurs et formes particulières) et thématiques (exhibition du corps, identité féminine, et discours autobiographique). L'image des femmes qu'elle véhicule est conforme aux archétypes patriarcaux et conforte ainsi l'organisation phallocentrée de la société occidentale. Néanmoins, pour lutter contre ce processus régressif, une nouvelle génération d'artistes féministes s'engage contre le sexisme et les stéréotypes sexués. L'art redevient, pour elles, vecteur d'affirmation.

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Zemanová, Etavard Marcela. "Le tabou féminin dans l'art contemporain : contexte social et artistique de la féminité dans l'oeuvre des femmes artistes contemporaines." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010595.

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Abstract:

La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.

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Quinby, Diana. "Le collectif Femmes/Art à Paris dans les années 1970 : une contribution à l'étude du mouvement des femmes dans l'art." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010600.

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Abstract:

Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.

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Bagi, Marie. "Représentations de l'intime dans les œuvres des artistes femmes du XIXe au XXIe siècle : de Camille Claudel à Louise Bourgeois." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCC001.

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Abstract:

En 1971, Linda Nochlin s'interrogeait sur la visibilité des femmes dans le monde de l'art. A travers ce travail de recherches, il sera question de reprendre ce questionnement fondateur afin d'analyser les diverses étapes que la femme a dû traverser du XIXe siècle jusqu'à nos jours. De par un discours centré essentiellement sur Camille Claudel et Louise Bourgeois, d'autres artistes femmes vont être sollicitées afin de comparer leurs parcours. Ceci pour comprendre la démarche artistique de ces femmes dont l'intimité surgit au travers de leurs œuvres. L'intime, sous diverses formes et médiums proposés, est le moteur de leurs créations. A cela, vient s'ajouter la possible interrogation sur l'existence d'un « art féminin » ou d'un art des femmes dont le noyau central serait l'éclosion de cet intime qu'elles font partager au public. L'analyse des œuvres et leur réception par le public seront des éléments clés de ce discours. La redécouverte et la reconnaissance dite tardive de Camille Claudel et Louise Bourgeois dans les années quatre-vingt est l 'un des éléments importants qui sont étudiés dans ce travail. Ces deux artistes, sculptrices, sont liées par le temps -1982- et par la vie dont le passé est la source majeure de leurs œuvres
In 1971, Linda Nochlin was questioning herself about the visibility of the women artists in artʼs world. This thesis analyses this question and has an overview of womenʼs path in Art from the XIXth Century up to this day. Camille Claudel and Louise Bourgeois are the central artists of this work and others women are introduced too in a comparative way. You will see that their intimacy shine trough their work. The intimacy, in all its shapes, layers and mediums, is the motion of theirs creations.Up to this merges the questioning about “feminine art” or “women art” in which the intimacy is discovered by the public. The analysis of their work and the reception of it by the public are the central elements of this argumentation. The rediscovering and the recognition of Camille Claudel and Louise Bourgeois in the eighties is one of the importants elements studying in thisthesis. These two women artists, sculptors, are linked by the time - 1982 - and life in which the past is the key source of their work.STAR

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Deloustal, Laetitia. "Le nouveau paradigme de l'art à l'épreuve de la création contemporaine féminine en Tunisie." Thesis, Perpignan, 2014. http://www.theses.fr/2014PERP1199.

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Abstract:

L’intérêt pour la création féminine actuelle fait l'objet d'un projet d’étude à l’échelle de la Méditerranée amorcé dans de précédents travaux universitaires. Le choix de la Tunisie s’est naturellement imposé. Les femmes tunisiennes jouissent d’un statut inégalé au Maghreb depuis 1956 et sont de plus en plus nombreuses sur la scène artistique au fil de l’histoire (photographes, vidéastes, peintres, plasticiennes…). Elles façonnent le paysage de la création, tout en témoignant de leur vécu et des bouleversements historiques. L’héritage multiculturel est complexe et parfois contradictoire. Alors comment appréhender l’art conjugué au féminin en Tunisie? Cette thèse s’inscrit dans une démarche exploratoire. Observer les générations d’artistes et leurs créations au fil de l’histoire, rapprocher les thématiques similaires, regrouper les médiums identiques, comparer leurs démarches, leurs profils, leurs préoccupations, telle est la méthode employée pour mener à bien cette réflexion. Les sources essentiellement humaines, sont exploitées selon des axes de recherche précis, et en appellent parfois aux disciplines périphériques à l’histoire de l’art telles que la sociologie ou l’anthropologie. Ces questionnements, rapprochements et observations interrogent les permanences dans la création féminine en Tunisie, malgré des personnalités, des pratiques et démarches différentes. Se pose aussi la question d’une nouvelle conception de l’art, bien éloignée des concepts classiques et modernes
In post-revolutionary Tunisia, artistic creation is buzzing. The country, subject to political pressure is in the midst of a democratic transition. Led in the field for two years, research has progressed in this context.Interest in contemporary women's creative work is the subject of a Mediterranean-scale study project started in previous university works. Choosing Tunisia for the study was naturally evident. Tunisian women have been enjoying an unrivalled position in Maghreb since 1956 and have been increasingly more present on the artistic stage through history (photographers, video makers, painters...). They are shaping the creative landscape, while bearing witness to their lives and historical changes. The multicultural heritage is complex and sometimes contradictory.So how to grasp women's art in Tunisia?This thesis is incorporated into the framework of an explorative approach. Observing generations of artists and their creations over history, linking similar themes, bringing together the same mediums, comparing their approaches, profiles and preoccupations, that is the way this study was carried out.The sources, mainly people, are used according to very precise lines of research, and sometimes refer to subjects that are surrounding art history such as sociology or anthropology. These questionings, comparisons and observations examine the consistencies in women's creative work in Tunisia, despite different personalities, practices and approaches. The question of a new conception of art, very far from classical and modern concepts, also comes up

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Chujo, Chiharu. "Formes et enjeux politiques de la musique populaire dans le Japon des années 1970 jusqu'à aujourd'hui : arrangements stratégiques des artistes femmes engagées." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE3053/document.

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Abstract:

La figure de la chanteuse populaire reflète au Japon la réalité de la condition féminine dans ce pays. Alors que l'archipel a traversé, à l’instar de la France ou des États-Unis, une période marquante des mouvements féministes, qui généra une timide amélioration de la place des femmes dans la société, la majorité des Japonaises est toujours aux prises avec une norme sociale qui leur demeure ingrate et défavorable : selon le rapport du « Forum économique mondial sur les disparités entre les sexes » publié en 2017, le Japon se situerait en terme d'égalité des sexes au 114e rang sur 144 pays. Derrière cette réalité, c'est avec une notion du genre hypernormée et bien ancrée dans la société que les Japonaises sont contraintes de composer, quel que soit leur milieu d'origine. Dans le monde de la musique populaire japonaise, cette norme sociale régissant les représentations féminines se répercute sur la posture de bien des chanteuses, soit dans l'immaturité naïve renvoyant à la vulnérabilité, soit dans une certaine magnanimité fondée sur la maternité, ces deux attitudes n'étant pas nécessairement incompatibles. Là où nombre de leurs homologues d’autres styles musicaux intériorisent ce carcan social, certaines idoles féminines se montrent particulièrement représentatives de ce phénomène.Depuis le 11 mars 2011, la société nipponne a vu grossir les rangs de ses artistes opposés au nucléaire, non sans alimenter la réflexion sur les rapports entre musique et politique de celles et ceux qui s’interrogent sur les postures engagées des musiciens. Il est cependant à souligner qu'en la matière, les artistes de sexe féminin attirent nettement moins l’attention publique. Malgré une large participation des femmes aux mouvements antinucléaires depuis la catastrophe de Fukushima, les chanteuses et musiciennes engagées semblent souvent être reléguées à un moindre rang par rapport à leurs confrères masculins. Cette méconnaissance de l’engagement des musiciennes et cette rupture entre la société civile et le monde musical populaire s’expliquent par — tout autant qu'ils sont liés à — la condition des femmes dans une société obstinément patriarcale. Si un tel état de choses ne soulève pas, du moins à l’heure actuelle, une opposition radicale chez les artistes, il se développe toutefois chez elles des stratégies, des arrangements qui leur assurent une place, une visibilité aux yeux de la société.Notre étude examine la situation contemporaine des artistes femmes et leur posture en tant que musiciennes engagées à travers l’analyse de leur expression artistique, en lien direct avec le contexte social et sociétal où celle-ci s'inscrit. Le cadre temporel choisi s'étend des années 1970, lorsque surgissent au Japon les mouvements de libération des femmes, à nos jours — et plus précisément à la période post-Fukushima, qui voit la participation des femmes aux mouvements sociaux du pays se faire plus saillante. Le cœur de nos recherches portera plus particulièrement sur la caractérisation des musiciennes engagées et de leurs postures dans le Japon des années 1990 à ce jour, révélant la possibilité pour les femmes japonaises, désormais, d'une pluralité de positionnement selon leur milieu social et économique d'appartenance
The figure of the Japanese pop singer reflects the reality of women’s status in Japan. Although Japan went through a crucial feminist movement, like France or the United States, which resulted in a slight improvement in women’s situation in society, the majority of women are still struggling with social norms that remain unrewarding and unfavorable to them. According to the Global Gender Gap Report the World Economic Forum published in 2017, Japan ranks 114th out of 144 countries in terms of gender equality. In this reality, one may notice that Japanese women, whatever their social milieu, are forced to comply with the notion of hyper-normed gender that is anchored in society. In the sphere of Japanese popular music, this social norm dominating female representation has repercussions for many female singers’ positions, either in naive immaturity relating to vulnerability or in a certain magnanimity based on motherhood, two notions not necessarily incongruent. Certain female idols are particularly representative of this phenomenon, whereas their counterparts in other musical styles internalize this social straitjacket. Since March 11, 2011, artists against nuclear increase in Japanese society have fueled reflection on the relationship between music and politics by those who question the postures of politically committed musicians. It should be pointed out, though, that female artists attract quite a bit less public attention than their male counterparts. Although women significantly participate in movements against nuclear programs since the Fukushima disaster, committed female singers and musicians often seem to be relegated to a lower rank than their male colleagues. This ignorance of female musicians’ commitment and the breaking-off between civil society and the popular musical scene can be explained by—as much as it is linked to—the condition of women in a stubbornly patriarchal society. If such a state of affairs does not, in the present time, raise radical opposition among artists, it nevertheless develops in them strategies and arrangements that ensure them a place and visibility in society.Our study examines the contemporary situation of female artists and their positions as committed musicians, by analyzing their artistic expression and considering the social and societal contexts in which they are implicated. The time frame ranges from the 1970s, when women's liberation movements emerged in Japan, to today—and more specifically to the post-Fukushima period, when women's participation in the country's social movements became more prominent. The core of our research focuses particularly on the characterization of committed female musicians and their postures in Japan from the 1990s to the present, revealing the possibility for Japanese women to have positioning plurality based on their social and economic backgrounds

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Dumont, Fabienne. "Femmes et art dans les années 70 : "douze ans d'art contemporain" version plasticiennes : une face cachée de l'histoire de l'art, Paris, 1970-1982." Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0007.

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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes maori de Nouvelle-Zélande." Electronic Thesis or Diss., Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0370.

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Abstract:

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art,études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes maori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation maori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIX e siècle, les Maori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde maori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Maori
At the intersection of several disciplines – anthropology, sociology, art history, and feminist and gender studies, this thesis deals with the works, practices, careers and discourses of New Zealand Maori women artists active in the field of contemporary art and living in an urban environment. Due to their many forms of belonging, these artists are behind specific political demands and identity affirmations: their work contains simultaneous references to the individual histories, their status as members of an indigenous minority and a tribe, and their condition as women and citizens of the New Zealand nation. The analysis of the data obtained after a fieldwork investigation in New Zealand carried out over a year from 2012 to 2013, of complementary research on the Internet and exchanges with artists when back from the field makes it possible to show how these artists are part of today's Maori assertion movement. For since British colonization in the 19th century, the Maori have continued to assert their rights. In this context, some women use art as a powerful means of protest and of promoting social change aimed at the recognition of mana wahine (women's power or prestige). This work also reveals that their artistic practice affords them the opportunity to reassert the ties linking them to the Maori world while at the same time enabling them to attain a certain empowerment and emancipation. They develop original strategies for asserting their creativity without transgressing the rules which remain important for the Maori people

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Williams-Zarka, Isabelle. "Deux femmes préraphaélites : Elizabeth Siddal et Georgiana Burne-Jones : réalité sociale et dépendance artistique au sein du mouvement préraphaélite." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040067.

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Abstract:

Malgré leur silence et la puissance de leur rôle allégorique, certaines femmes préraphaélites se sont permis de laisser un témoignage direct de la portée idéologique du mouvement; Elizabeth Siddal et Georgiana Burne-Jones sont les seules de ces femmes à avoir osé commenter ouvertement le destin de la femme préraphaélite. Leurs œuvres évoquent à la fois la liberté d'action et de pensée accordée aux femmes par les préraphaélites et l'internement du "paraitre" de la féminité qu'il leur a fallu symboliser. Leur message est essentiellement moderne puisqu'il évoque la difficulté de la femme à s'insérer dans une superstructure socio-professionnelle et idéologique typiquement masculine
In spite of their silence and beyond the allegory of their image, some pre-Raphaelite women managed to leave an open testimony of the ideology of the movement. Elizabeth Siddal and Georgiana Burne-Jones are the only pre-Raphaelite women to have dared an open commentary on the destiny of the pre-Raphaelite woman. Their works and realizations speak of the freedom of action and thought the pre-Raphaelites entrusted women with, yet they also speak of the alienation of the icon of femininity both women were called upon to embody. Their message is essentially modern in a much as it revolves around the difficulty both women experienced as they tried to find their place in a typically masculine socio-professional and ideological environment

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Knels, Eva Maria. "Le Salon et la scène artistique à Paris sous Napoléon I. Politique artistique – Stratégies d’artistes – Échos internationaux." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040065.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat se propose d’étudier les Salons sous l’ère napoléonienne, connus surtout pour le rôle important qu’ils jouèrent dans le cadre de l’instrumentalisation politique de l’art contemporain. Ainsi, après 1799, le Salon devint rapidement un important outil de la vaste politique culturelle du Consulat et de l’Empire, qui servit à représenter de manière symbolique le système politique. Face à ce changement radical du Salon et de sa politique artistique, les artistes, eux aussi, ont dû se positionner et s’adapter aux nouvelles structures politiques et administratives, tout en réagissant aux nouvelles tendances artistiques et à l’évolution du milieu artistique, afin de s’imposer au Salon. Le succès rencontré par les Salons en ces années-là ne se manifeste pas seulement par le chiffre croissant des exposants et des visiteurs : les diverses formes de la réception du Salon – journaux, brochures, récits de voyage, lettres et œuvres graphiques - témoignent également de l’écho rencontré par l’exposition, et ceci bien au-delà des frontières nationales. Jouxtant les salles du fameux Musée Napoléon qui regroupe les chefs-d’œuvre artistiques les plus importants, saisis par les armées françaises dans des collections de l’Europe, le Salon profite de la forte fréquentation du Louvre entre 1800 et 1815, de la part de visiteurs aussi bien français qu’étrangers. L’objectif de cette thèse est d’analyser l’organisation de l’exposition, le paysage des artistes exposants ainsi que l’écho rencontré par cet évènement sur la scène internationale en tenant compte de cette mutation complexe de la vie artistique parisienne au début du XIXème siècle. Dans cette perspective, le présent travail s’interroge sur les rapports entre la politique artistique, les pratiques artistiques et culturelles ainsi que leur réception
This doctoral thesis examines the Salons of living artists under the reign of Napoleon I, which are primarily known for the prominent role they played in the context of cultural politics of that time. After 1799, the Salon rapidly became an important instrument of art and cultural politics used by the ruling government to symbolically legitimise and support the political system. Given the major changes to the exhibition in these years, artists had also had to adapt to the new political and administrative structures whilst, at the same time, reacting to new artistic trends in order to stand up to the strong competition at the Salon. The exhibition's success in these years is not only reflected by the rising numbers of exhibiting artists and visitors. Also its wide-ranging coverage in the media, such as newspaper articles, letters, travelogues and graphic anthologies, is further proof of the exhibition's relevance and reach, sometimes even beyond national frontiers. Indeed, the exhibition's close locality to the famous Musée Napoléon, with its large collection of master pieces confiscated from European collections by the French armies, added further attention paid by European travellers to the Salon and the French contemporary art on display there. The aim of this doctoral thesis is to analyse the organisation of the exhibition, the range of participating artists as well as the international response it created whilst taking into consideration the complex transformation of art and the French art scene at the beginning of 19th century. By doing so, the dissertation focuses on the reciprocal relationship between art politics, artistic production and their reception

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Sofio, Séverine. ""L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.

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Abstract:

L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.

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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes maori de Nouvelle-Zélande." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0370/document.

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Abstract:

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art,études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes maori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation maori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIX e siècle, les Maori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde maori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Maori
At the intersection of several disciplines – anthropology, sociology, art history, and feminist and gender studies, this thesis deals with the works, practices, careers and discourses of New Zealand Maori women artists active in the field of contemporary art and living in an urban environment. Due to their many forms of belonging, these artists are behind specific political demands and identity affirmations: their work contains simultaneous references to the individual histories, their status as members of an indigenous minority and a tribe, and their condition as women and citizens of the New Zealand nation. The analysis of the data obtained after a fieldwork investigation in New Zealand carried out over a year from 2012 to 2013, of complementary research on the Internet and exchanges with artists when back from the field makes it possible to show how these artists are part of today's Maori assertion movement. For since British colonization in the 19th century, the Maori have continued to assert their rights. In this context, some women use art as a powerful means of protest and of promoting social change aimed at the recognition of mana wahine (women's power or prestige). This work also reveals that their artistic practice affords them the opportunity to reassert the ties linking them to the Maori world while at the same time enabling them to attain a certain empowerment and emancipation. They develop original strategies for asserting their creativity without transgressing the rules which remain important for the Maori people

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Marchand, Marie-Ève. "Prendre sa place : l'installation comme œuvre et comme pratique identitaire chez deux artistes amérindiennes au Québec." Master's thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/20097.

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Abstract:

Ce mémoire de maîtrise porte sur l'art actuel chez les artistes autochtones au Québec, et la façon dont on peut relier une forme d'expression plastique aux processus de revalorisation identitaire. Pour certains artistes, l'installation, forme artistique du 21e siècle devient véritablement une pratique identitaire au-delà de la pratique artistique, tout en étant pleinement ancrée dans le champ de l'art actuel. En éclairant d'un jour nouveau les questions de territoire, de guérison sociale et des savoirs dits traditionnels, ces oeuvres participent au processus de revitalisation culturelle et de réaffirmation identitaire. Elles représentent ainsi un angle de vue particulièrement intéressant sur un contexte historique politique et social, en impliquant l'artiste, sa communauté, ainsi que la société québécoise dans son ensemble. À plus large mesure, elles touchent aussi une identité panamérindienne qui s'affirme de plus en plus dans un contexte de globalisation où les identités minoritaires luttent contre une assimilation aux valeurs occidentales.

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Picard, Marie. "Entre corps plastique et violence de l'esthétique : la féminité artistique des années 1970 à nos jours." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083204.

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Abstract:

Tout au long de la représentation visuelle, le corps féminin est devenu une surface expérimentale où l'intégrité du sujet a largement été occultée. Dans les années 1970, le féminisme accompagne l'irruption dans le champ esthétique d'un "féminin" outrancier, excessif, qui multiplie les supports, exhibe le "sale", retourne la violence subie. Comme si pour démentir l'esthétisation qui en a été faite la seule possibilité était de retourner sur leur propre corps le mouvement de leur création. S'agirait-il de trouver dans la forme primaire d'une violence transgressive, où l'insolence du geste est la part irréductible de la création, l'acte fondateur de leur statut d'artiste ? Place serait-elle enfin rendue à la femme artiste qui appréhende la création par une esthétique de l'excès ? Entre Corps Plastique et violence de l'esthétique, la recherche entend poser que les femmes artistes ont mené d'importantes expériences d’ordre identitaire et sexuel. La réflexion se centre sur les interrogations que pose ce "devenir-femme" dans l'art contemporain, sur le corps intime de la femme qui exprime la toute-puissance du passage à la subjectivité dans lequel la transgression est nécessaire dans la fabrication d'un corps-identité"
All along the visual representation, the female body became an experimental area where the subject's integrity was greatly overlooked. During the seventies, feminism goes with the upsurge in the aesthetic field of an excessive female which multiplies mediums, shows the dirty and reverts the suffering violence. As if to contradict her bad image, the only possibility was to return her creative movement against her own body. Is it to find in the primary shape of violence the founder act of her artist's status, where the gesture's insolence is the insurmontable part of creation ? Through plastic’s body and aesthetic’s violence, the work is focussed around questioning of this "woman evolution" in the contemporary art, on the intimate woman body which expresses the power of subjectivity where transgression is necessary for the workmanship of an "identity body"

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Chalikia, Martha. "Corps, art et société : l'identité féminine dans l'art contemporain russe avant et après la chute du mur de Berlin et ses répercussions dans les autres pays orthodoxes de l'Europe de l'Est." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010704.

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Abstract:

Corps, art et société. Si la culture se définit par rapport à ces trois notions, la création féminine dans la Russie contemporaine s'inscrit dans une quête identitaire vacillant entre les repères traditionnels et l'ouverture vers l'Occident. Se situant dans un espace en mutation permanente, se heurtant à la difficulté de discerner les frontières de l'utopie et de l'entropie, les artistes de la période qui a précédé l'effondrement communiste et de celle de la reconstruction post-soviétique ont été amenés à bâtir un " territoire de mémoire " commun. Dans un tel contexte de bouleversement idéologique, l'émancipation des femmes est loin d'être acquise. La création féminine est donc avant tout, pour les Russes, une affaire de recherche intérieure, de déconstruction - partielle et totale - du statu quo et d'invention d'une nouvelle identité. La question de l'art est indissociable d'une géographie corporelle qui surgit de l'abolition des frontières et de l'ouverture culturelle. Le corps des femmes devient de la sorte l'élément fondamental d'une création où se mêlent l'espace, l'érotisme et la religion. Ce même processus de mutation qui aboutit souvent à des interrogations existentielles définit le champ artistique dans les autres pays de l'Est, notamment ceux qui sont porteurs de la même tradition byzantine.

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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes māori de Nouvelle-Zélande." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2018. http://hdl.handle.net/10393/37185.

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Abstract:

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art, études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes māori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise. L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation māori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIXe siècle, les Māori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde māori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Māori.

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Beaudet, Pascale. "L'effet Judith : stéréotypes de la féminité et regard de la spectatrice sur les tableaux d'Artemisia Gentileschi." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20038.

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Abstract:

Artemisia Gentileschi est l'une de ces femmes artistes qui a failli disparaître de l'histoire de l'art. Un changement dans le goût ou une quelconque destruction complète des archives ne sont pas en cause ; c'est le système sexué (sex-gender system) qui sous-tend la discipline de l'histoire de l'art qui a contribué à son effacement. Le canon de l'histoire de l'art, parce qu'il est partie du système sexué, met les femmes artistes systématiquement à l'écart. Le cas de Gentileschi est exemplaire et subsume tous les autres cas dans la mise à l'écart des XIXe et XXe siècles. Il faudra attendre la deuxième moitié du XXe siècle pour que les historiens et surtout les historiennes de l'art féministes redécouvrent le femmes artistes du passé. Deux tableaux représentant Judith et Holopherne, qui ont été déterminants pour la connaissance de ce peintre, sont des oeuvres paradigmatiques notamment parce qu'elles ont provoqué des réactions extrêmes, de l'admiration au rejet. Gentileschi a traité ce thème baroque, la décapitation d'un homme par une femme, de façon paroxystique. Sur ces tableaux repose à la fois une réflexion sur la fortune critique de ce peintre et sur la place de la spectatrice. Et si l'ombre, qui occupe une grand place dans les tableaux de Gentileschi était la métaphore de la féminité? L'analyse de discours, de même que la psychanalyse et la sémiotique de l'image, sont les outils rhétoriques à la base de ce travail, qui appelle des modifications en profondeur du canon
Artemisia Gentileschi is one of those women artists who nearly disappeared from art history. It is the sex-gender system subTending the field that is responsible for this near disappearance, not a change in taste or a destruction of the archives. The canon, being part and parcel of the phallocentric system, systematically puts aside women artists. Gentileschi's case is typical and is representative of the fate that befell all other women artists in the 19th and 20th centuries. The world will have to wait until the second half of the 20th for art historians -especially feminist ones- to rediscover women artists. Two works representing Judith and Holofernes, which played a pivotal role in understanding this artist, are paradigmatic because they evoked extreme reactions, ranging from admiration to rejection. Gentileschi handled this baroque theme -the decapitation of a wan by a woman- in a paroxysmal manner. These works are the locii where a reflection on the critical corpus and the place of the female spectator meet. And what if shadow, which plays such a great role in Gentileschi's works, were a metaphor for women? Analyse de discours, psychoanalysis and image semiotics form the theoretical basis of this thesis which calls for a profound modification of the canon

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Mazighi, Ratiba. "Les peintres féminins de la manufacture Sèvres (1850-1890). Une approche historique de l'émancipation des femmes par les arts." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040082.

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Abstract:

La présente thèse a pour objectif d'étudier l'ensemble des artistes féminins qui ont exercé au sein de la manufacture de Sèvres entre 1850 et 1900. Cette période correspond à un moment clef de l'histoire de cette institution tant du point de vue administratif qu'artistique car elle marque une ère nouvelle avec l'apparition d'un style nouveau.Par ailleurs, les femmes employées à Sèvres sont de plus en plus nombreuses à participer aux expositions et aux salons. Certaines d'entre elles se sont distinguées par leurs talents et par leurs efforts à un moment à la société était, dans son ensemble, peu sensible à la condition féminine. C'est pourquoi cette thèse souhaite également aborder l'étude de quelques œuvres sous cet angle. Du point de vue artistique, l'étude porte une attention particulière à la chronologie des œuvres, à la spécialité, au style et au goût de chaque artiste. En dépit d'une certaine harmonisation d'ensemble qui est perceptible, en raison du lieu de production propre à la manufacture, certaines différences apparaissent.La première partie sera consacrée à la biographie des artistes. Les parcours de formation, leurs origines, leurs conditions de travail et leurs participations aux manifestations artistiques sont analysées. La seconde partie s'attache à étudier les œuvres du point de vue de l'analyse stylistique et de leur portée (notoriété acquise de l'artiste par l'intermédiaire de l'œuvre mais aussi message conscient ou inconscient, direct ou indirect que l'artiste a porté).La troisième partie est constituée d'un catalogue raisonné des œuvres. Il a été établi d'après les registres d'inventaires conservés aux archives de la manufacture de Sèvres
The following thesis aims at studying all the feminine artists who worked in the Sèvres factory between 1850 and 1900. This period is a turning-point fort this institute on the administrative level as much as on the artistic one, because it represents a new era with the birth of a brend new style.Besides, more and more women working in Sèvres take part in exhibitions and workshops. Some of these women were particularly noted for their skills and their effort, while at this time the whole society was not interested by women condition. That's why this thesis will also throw light on some works with these ideas in mind. From the artistic viewpoint, the study particularly attracts our attention on each artist's specialties, styles and tastes. Despite the obvious global harmonization, due to the place of production of this factory, some differences appear.The first part concerns the artist's biographies. Their studies, their origins, their working conditions, but also their parts in artistic events will be analyzed. The second part will deal with the works from the stylistic analysis point of view and their impact (the fame reached by the artist through the work, but also the conscious or unconscious, direct or indirect message brought by the artist). Finally, the third part represents a descriptive catalogue of the works. It was established with the help of the inventory registers kept in the archives of the Sèvres factory

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Journée, Aurélie. "Artistes femmes, queer et autochtones face à leur(s) image(s) : pour une histoire intersectionnelle et décoloniale des arts contemporains autochtones aux Etats-Unis et au Canada (1969-2019)." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0105.

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Abstract:

Fin des années 1960 aux Etats-Unis, les Indians of All Tribes impulsent un mouvement de contestations sociales qui a pour but la reconnaissance des droits inhérents aux peuples autochtones à la souveraineté et à l'auto-détermination. L'American Indian Movement et sa branche féminine Women of All Red Nations s'emparent de ces questions sociales, politiques et culturelles. Femmes et hommes entament de concert un processus d'émancipation dont l'accomplissement ne cesse d'être repoussé par les politiques assimilatrices successives du gouvernement états-unien. Au Canada aussi, des mobilisations collectives éclatent dans les années 1980 et 1990, et culminent avec les événements de Restigouche (1984) et la Crise d'Oka (1990). Ces évènements majeurs inspirent toute une jeune génération d'artistes autochtones et de femmes en particulier, formées notamment à l'Institute of American Indian Arts à Santa Fe (Nouveau-Mexique). De formations universitaires approfondies, elles développent des démarches artistiques transdisciplinaires à mi-chemin entre l'histoire de l'art et l'ethnographie. Elles mettent en évidence la porosité et la friabilité des frontières instaurées dans tous les secteurs par la société dominante contre les groupes considérés comme minoritaires. A cette fin, le photographique – par lequel nous désignons la pratique, la technique et l'image photographiques – devient un outil stratégique majeur de réappropriation et de réaffirmation de ce qu'elles sont et tendent à incarner. Ces artistes femmes interrogent grâce à ce médium les façons dont elles ont été représentées et se représentent elles-mêmes dans le cadre de démarches critiques des stéréotypes dont elles font l'objet depuis plusieurs siècles d'appropriation culturelle. Elles repensent par ce biais leurs identités, les rapports qu'elles entretiennent à leurs corps, à leurs sexualités et à leurs genres, à l'aune de leurs propres spiritualités. Grâce à leurs images artistiques et politiques, fruits de pratiques fondées sur une analogie entre la violation de leurs droits, l'exploitation de leurs terres et territoires, et les violences sexuelles dont elles font l'objet, elles continuent à prendre part aux mouvements de résistance actuels qui s'opposent aux projets extractivistes face auxquels elles s'affirment, une nouvelle fois, en première ligne. A partir d'un corpus iconographique de près de 400 œuvres réalisées entre 1969 et 2019, et d'entretiens individuels avec des artistes et des militantes femmes et queer autochtones des Etats-Unis et du Canada, cette thèse a pour objectif de montrer en quoi ces images – en particulier photographiques configurent des épistémologies nouvelles dans une perspective intersectionnelle, décoloniale et anticapitaliste, et s'inscrivent dans la continuité d'un processus de réaffirmation des droits inhérents des peuples autochtones, garantis par la Déclaration des Nations Unies sur les Droits des Peuples Autochtones (2007)
In the late 1960s, the Indians of All Tribes lead a movement of social protests to get their rights to sovereignty and self-determination recognized as peoples. The American Indian Movement take over these political, social, and cultural issues. Together, Indigenous women and men start a process of emancipation that has been blocked by assimilationist US governmental policies. In Canada, collective movements also rise in the 80s and 90s, with the highest points during the Restigouche events (1984) and the Oka Crisis (1990). These major events inspire a whole generation of young Indigenous artists and women in particular, who study mostly at the Institute of American Indian Arts of Santa Fe (New-Mexico). Thanks to their education, they develop transdisciplinary artistic practices between art and ethnography that highlight the porosity and the flakiness of the borders that have been created in all the sectors by the dominant society against groups regarded as minorities. To do so, the “photographique” – that designates the photographic practice, technics and image – become a strategic technical and technological tool of reappropriation and reaffirmation of their identities and representation. These women and queer artists question, thanks to this medium, the ways they have been presented and re-represent themselves in the context of critical practices of the stereotypes that they have been facing for several centuries of cultural appropriation. It enables them to rethink their identities, the relationships to their bodies, their sexualities and genders, in terms of paradigms specific to their own spiritualities. Through artistic and political images, based on an analogy made between the violation of their rights, the exploitation of their lands and territories, and the feminicides perpetuate, they continue to take part in actual resistance movements against extractivist projects where they are again at the frontline. Based upon an iconographic corpus made of almost 200 artworks, through the 70s till now, and individual interviews with women and queer artists and militants from the US and Canada, this dissertation aims to show how these images – photographic in particular – try to set up new epistemologies in an intersectional, decolonial and anticapitalist perspective, as part of a process of reaffirmation of the inherent rights of Indigenous peoples, guaranteed by the United Nations Declaration on the Rights of Indigenous Peoples (2007)

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Baligand, Auffret Elisabeth. "Properzia De’Rossi, sculptrice (1490-1530) : O stupor novo, e strano." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040049.

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Abstract:

Properzia De’Rossi (1490-1530) première sculptrice de la Renaissance italienne naquit vers 1490 à Bologne et mourut en 1530. Elle suscita un grand intérêt non seulement pour ses qualités d’artiste mais aussi pour avoir transgressé les rôles traditionnels de la femme. Nous la connaissons grâce à Giorgio Vasari qui dans la première édition des Vite de 1550, lui consacre une biographie, seule femme à figurer parmi les cent trente-trois biographies d’artistes rassemblées par l’historiographe. Dans la seconde édition de 1568 Vasari accompagnera Properzia De’Rossi de trois autres femmes artistes peintres encore en vie et productives en 1568 : Plautilla Nelli, religieuse, Lucrezia Quistelli et Sofonisba Anguissola aristocrates. Properzia De’Rossi est « hors norme » : ni religieuse ni aristocrate ; elle exerce la sculpture en professionnelle. L’unique œuvre connue avec certitude est son célèbre bas-relief de Joseph et la femme de Putiphar. Œuvre autobiographique d’après Vasari qui suggère le scandale d’une femme mariée ayant un jeune amant. Sa mort précoce en 1530, alors qu’elle est demandée par le pape Clément VII venu à Bologne pour le couronnement de Charles Quint, dramatise sa mort au sommet de sa gloire. Elle travailla sur le chantier prestigieux de San Petronio avec des sculpteurs renommés. Le XIXe siècle l’a perçue comme une héroïne romantique, elle perdit peu à peu son identité de sculptrice. Le XXe siècle la considère comme pionnière dans un monde professionnel masculin. Notre approche, à la croisée des chemins historiques, artistiques et littéraires tente de donner une vision complète de cette artiste talentueuse, dotée d’une forte personnalité, célèbre pour avoir su braver les interdits et exercer son métier de sculptrice
Properzia De’Rossi (1490-1530) first great sculptress of the italian Renaissance, was born in Bologna around 1490 and died in 1530. She arouses a great interest not only for her artistic qualities but also for having infringed the traditional roles of the woman. She owes her fame to Giorgio Vasari, who in the first edition of Le Vite, 1550, devoted a single biography to her, the only woman to appear among the one hundred thirty three biographies of artists gathered by the historiographer. In the second edition of 1568, Vasari will add three other women painters alive and professionally active in 1568 : the nun Plautilla Nelli, the aristocrats Lucrezia Quistelli and Sofonisba Anguissola. Properzia De’Rossi is outstanding : neither nun nor aristocrat, she practices the sculpture as a professional sculptor. The only single work known with certainty is her famous bas-relief Joseph and Potiphar’s wife. An autobiographical work according to Vasari, who suggests the scandal of a married woman having a young lover. Her premature death in 1530, as she was called by pope Clement VII in Bologna for Charles V’s coronation, dramatizes her death at the height of her glory. Famous in Bologna, she worked with renowned sculptors in San Petronio. The nineteenth century perceived her like a romantic heroin : in love and unhappy. She lost little by little her identity of sculptress. The twenteenth century might see her as pioneer of female work in a male professional environment. Our study at the crossroads of historical, artistic and literary approaches attempts to give a comprehensive vision of this talented artist with a strong personality, famous for having broken the taboos in order to work as a sculptress

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Bouvard, Émilie. "Violence de l'art des femmes, 1958-1978 : surréalisme, psychanalyse et féminisme." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H039.

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Abstract:

Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …

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Bisson-Fradet, Rachel. "Dialogues entre les genres, les voix et les arts : l'écriture fictionnelle d'Elena Poniatowska (Querido Diego, te abraza Quiela ; Tinisima ; Leonora)." Thesis, Normandie, 2019. http://www.theses.fr/2019NORMR114.

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Abstract:

À partir d’un corpus constitué de trois romans d’Elena Poniatowska, Querido Diego, te abraza Quiela (1978), Tinísima (1992), Leonora (2011), nous explorons les caractéristiques significatives de l’écriture fictionnelle poniatowskienne qui met la femme au centre de son univers narratif. Notre étude met en relief l’hybridité générique de ces trois ouvrages à partir de l’étude du livre-objet, puis de l’analyse des seuils. Nous montrons que l’auteure recrée la vie et l’oeuvre de trois artistes étrangères exilées au Mexique dans un espace textuel où s’entremêlent réalité historique et fiction romanesque. Dans un deuxième temps, nous explorons la fabrique du texte poniatowskien à travers les procédés scripturaux basés sur le collage de fragments de discours hétérogènes. Nous soulignons l’originalité d’une écriture qui, à la manière d’une mosaïque, imbrique les écrits des protagonistes, des extraits des propres oeuvres de l’auteure et de celles d’autres écrivains, auxquels s’ajoutent des références intermédiales qui transforment l’acte de lecture en exploration des relations entre différents médiums. Par ailleurs, l’approche résolument polyphonique des romans engage un dialogue entre les voix et les textes, offrant un regard global sur la femme artiste au XXème siècle. Enfin, la troisième partie s’attache à mettre en évidence la fabrique des personnages féminins. Les romans ancrent les trajectoires et les choix des trois femmes dans une société androcentrée tout en mettant en évidence l’incidence des personnages masculins dans leur construction transgressive. Les textes (re)présentent des regards sur les milieux traditionnellement hostiles à la femme et sur les parcours de sujets exceptionnels dans l’histoire artistique mexicaine
From a corpus composed of three novels by Elena Poniatowska, Querido Diego, te abraza Quiela (1978), Tinísima (1992), Leonora (2011), we are exploring the main characteristics of Poniatowskia’s fiction writing that puts women at the centre of her narrative world. Our study highlights the generic hybridity of these three works from the study of the book as an object, and then from the analysis of thresholds. We are showing that the writer recreates the lives and works of three foreign artists exiled in Mexico, in a text space where historical reality and novelistic fiction entangle. Then in a second time, we are exploring Poniatowska’s making of the text through the writing process based on sticking heterogeneous pieces of speech together. We are emphasizing the originality of her writing, for in the way of a mosaic, she links the protagonists’ writings, some excerpts from the author’s own works and from other writers, as well as intermedial references, that transforms the act of reading into an act of exploring relationships between different media. Besides, the resolutely polyphonic approach of the novels starts a dialogue between the voices and the texts, showing a global view on women artists in the 20th century. Finally, the third part aims at underlining the making of the female characters. The novels root the three women’s paths and choices in an androcentric society, and at the same time highlight the effects of the male characters on their transgressive developments. The texts (re)present views on traditionally hostile circles to women, and on the journeys of exceptional individuals in Mexico’s artistic history

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Maraszak, Julie. "Sociabilités familiales, intellectuelles et artistiques autour d'une femme artiste au XIXe siècle : Eva Gonzalès (1849-1883)." Thesis, Dijon, 2016. http://www.theses.fr/2016DIJOL026/document.

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Abstract:

Unique élève d’Édouard Manet, Eva Gonzalès (1849-1883) est née dans un foyer bourgeois d’artistes et d’esthètes. Elle fréquente, dès sa plus tendre enfance, les milieux les plus sophistiqués des arts et des lettres grâce à son père, le romancier Emmanuel Gonzalès. Formée par le peintre académique Charles Chaplin, c’est finalement auprès du moderne Édouard Manet qu’Eva Gonzalès se tourne pour parfaire sa formation artistique. À son contact, et au contact des artistes impressionnistes qui l’entourent, l’œuvre de la jeune femme s’ouvre vers l’extérieur, en gardant toujours la figure de sa sœur Jeanne, son modèle privilégié. Eva Gonzalès épouse en 1879 un graveur talentueux et fantaisiste, Henri Guérard, ami de son maître Manet et des peintres-graveurs de la seconde moitié du XIXe siècle. Une complicité artistique naît entre les deux époux. Mais un paradoxe s’opère dans la carrière d’Eva Gonzalès. En dépit de ses toiles à la touche impressionniste, l’artiste préfère suivre la direction qu’elle juge la mieux adaptée à sa nature calme et docile, et rester en retrait de ce groupe. À l’instar de Manet, elle ne participe pas à leurs expositions, préférant diffuser son œuvre par la voie officielle du Salon. La bonne réception de ses toiles se partage donc entre les critiques des journaux conservateurs, qui appuient les choix du jury du Salon, et le soutien des défenseurs de la peinture moderne, elle qui est l’unique élève de Manet, leur chef de file. La visée de ce travail est donc d’étudier la vie et l’œuvre d’Eva Gonzalès en déchiffrant l’ensemble de ce réseau social qui s’est tissé autour de cette personnalité dans la seconde moitié du XIXe siècle
As known as the only pupil of Édouard Manet, Eva Gonzalès (1849-1883) grew up in an upper middle class family of artists and aesthetes. Thanks to her father, the novelist Emmanuel Gonzalès, she became familiar with the most sophisticated Arts and Literature circles since her earliest childhood. Originally trained by the academic painter Charles Chaplin, it is finally towards the progressive Édouard Manet that Eva Gonzalès turned. Under the influence of the latter and of the impressionist artists who surrounded him, the work of the young woman reached a turning-point, through her depictions of natural sceneries, although keeping the figure of her sister Jeanne. In 1879, Eva Gonzalès married Henri Guérard, a talented and fanciful engraver, as well as a friend of her mentor, Manet. An artistic bond arose from their union. Nevertheless, as a paradox in the career of Eva Gonzalès, and in spite of her paintings largely inspired by the impressionist movement, the artist prefered to follow the direction which she considered as the most suitable for her calm nature. Following the example of Manet, she chose to not take part in their exhibitions, preferring to spread her work by the official way of the Salon. The appreciation of her paintings came thus from both sides: on one side from the critics of the conservative newspapers which supported the choices of the jury of the Salon, and on the other side from the defenders of modern painting who were seeing in her the only pupil of Manet, their leader. The aim of this work is to study Eva Gonzalès’ life and work by analysing this wide social network that surrounded this personality in the second half of the 19th century

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Merchan, Sierra Monica. "Nymphes exotiques, indigènes victimes ou créatures vulgaires. Images des femmes grande-colombiennes d'après les voyageurs du XIXe siècle." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2013. http://www.theses.fr/2013ENSL0752/document.

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Abstract:

Mon travail de recherche se propose de combler des lacunes concernant l’iconogaphie des femmes sud-américaines. Etant donné l’absence d’écoles d’art ainsi que d’ateliers d’impression en Grande Colombie jusqu’à la première moitié du XIXe siècle, les images en général sont rares. Quand on en trouve, il s’agit des portraits de quelques femmes extraordinaires comme des saintes ou des épouses des hauts fonctionnaires, donc des représentantes d’une minorité aisée et créole. Les artistes locaux ont surtout peint les grands hommes et notamment les héros des jeunes Républiques. En revanche, sur la vie quotidienne de la plupart des femmes, qu’elles soient Indiennes, Métisses, Noires ou même Créoles, nous n’avons que très peu de témoignages. La Grande Colombie comme la Nouvelle Grenade, par ailleurs, souffrait d’un manque d’attrait. Cette région n’a jamais représentée dans l’imaginaire des voyageurs européens, les richesses légendaires des vice-royautés du Pérou ou de la Nouvelle Espagne (Mexique). C’est seulement à l’orée du XIXe siècle que cette zone équatoriale commence à faire parler d’elle et ce changement significatif est dû au grand voyage scientifique de Humboldt et Bonpland. Grâce à la médiatisation de ces explorateurs, un nombre important de voyageurs français décide de suivre leurs pas. Parmi eux, un petit nombre écrit et publie des récits illustrés. Leurs gravures et lithographies apportent donc les documents nécessaires pour combler en partie le vide pictural féminin. Ces images n’ont jusque là pas suscitées d’études historiques approfondies d’autant qu’elles ont longtemps été considérées comme des simples ornements accompagnant le texte. Cette thèse propose de démontrer, au contraire, le rôle primordial de cette iconographie, sa puissance symbolique et sa contribution au discours qui caractérise alors la littérature de voyage. Qu’elles soient guidées par des observations concrètes ou par la pure imagination, ces descriptions picturales et littéraires permettent de dégager les principaux stéréotypes élaborés sur les femmes grande-colombiennes et ce malgré leur riche multiplicité
The aim of this thesis is to fill in certain gaps in the iconographic treatment of South American women. Due to the lack of art schools and printing workshops in Gran Colombia through the first half of the nineteenth century, images in general are rare. The existing works are portraits of such extraordinary women as saints or wives of important officials, thus representatives of a wealthy Creole minority. Local artists tended to choose as subjects prominent men, notably the heroes of the young Republics. By contrast, the daily lives of most women, whether Indian, Métis, Black or even Creole, were rarely featured. In addition, like New Granada, Gran Colombia suffered from a relative lack of attractiveness. In the imagination of European travelers this region never represented the legendary wealth of Viceroyalties like Peru or New Spain (Mexico). It was only at the dawn of the nineteenth century that this equatorial zone attracted significant interest due in large part to the great scientific exploration of Humboldt and Bonpland. Thanks to their many publications, a large number of French travelers decided to follow their footsteps. Among them, a small group wrote and published illustrated volumes. Their engravings and lithographs provide the material needed to restore at least partially the lack of female images. To this point such iconography has not generated in-depth historical study, since it has long been considered merely ornamental and secondary to the text. This thesis proposes to demonstrate the contrary by focusing upon the sizeable role of this iconography, its symbolic power and its contribution to the discourse then characteristic of travel literature. Based upon specific observations or drawn purely from imagination, these pictorial and literary descriptions enable the identification of the principal stereotypes developed to characterize Gran Colombian women, despite the fact of their rich cultural multiplicity
La presente tesis busca llenar algunos vacíos existentes en los estudios sobre la representación iconográfica de las mujeres suramericanas. Debido a la ausencia de escuelas de Bellas Artes y talleres de impresión en la Gran Colombia hasta mediados del siglo XIX, la producción general de imágenes era escasa. Los artistas locales apostaban por retratar a hombres influyentes, particularmente los héroes de la naciente República, y las pocas obras sobre mujeres que se realizaban correspondían a santas o esposas de los altos funcionarios, representantes de la opulenta minoría criolla. Son entonces pocos los testimonios iconográficos que se conservan de la vida cotidiana de la mayoría de las mujeres de origen amerindio, mestizo, negro e incluso criollo. La Gran Colombia sufría además de la misma falta de atracción que aisló durante siglos a la Nueva Granada: en el imaginario de los viajeros europeos, la región no se comparaba con la legendaria riqueza de los virreinatos de Perú y Nueva España. Sólo hasta principios del siglo XIX, la América equinoccial se convirtió en un centro de interés tras las expediciones científicas de Humboldt y Bonpland. Gracias a sus múltiples publicaciones, varios viajeros franceses decidieron seguir sus pasos, publicando, además, sus relatos de viaje ilustrados con grabados y litografías. Unos trabajos que proveen el material necesario para suplir, al menos parcialmente, la ausencia de imágenes femeninas en la Gran Colombia. Hasta la fecha, esta iconografía no ha generado estudios históricos específicos pues ha sido considerada siempre ornamental y secundaria frente al texto de los relatos. El objetivo de este estudio es entonces demostrar lo contrario, revelando su papel protagónico, su poder simbólico y su influencia en el discurso literario característico de los relatos de viajeros. Por tanto, ya sean inspiradas por la imaginación o guiadas por la observación empírica, las descripciones pictóricas y literarias de estos relatos permiten la identificación de los principales estereotipos elaborados sobre las mujeres grancolombianas a pesar de su heterogeneidad cultural

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Latry, Magalie. "Confrontations artistiques et féministes aux hiérarchies du genre." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30013/document.

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Abstract:

Polysémie du genre : il définit le sexe social comme les genres artistiques. Une même logique de classement hiérarchique y serait-elle à l’œuvre ? Les conditions d'exercice des femmes artistes, dont un stéréotype veut qu'elles se cantonnent aux genres dits mineurs, permettent de le penser. Corollaire de cette question logique, celle de la concomitance historique : les genres artistiques sont-ils mis en question aux mêmes moments que ce que l'historiographie féministe nomme les « trois vagues » ? Sept œuvres particulières nous aideront à penser les confrontations aux hiérarchies du genre à l'âge classique et aux moments des trois vagues féministes : Nature morte aux abricots, de Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, de Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, de Camille Claudel, 1893, Autoportrait de Claude Cahun, 1928, Tir de Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, de Gina Pane, 1973, Le Régime chromatique, de Sophie Calle, 1997. En dépit de progrès – notion qui est questionnée plutôt que considérée comme acquise – certains traits attribués aux femmes artistes perdurent. Un regard transversal voit émerger les thèmes d'une hiérarchie toujours à l’œuvre. Ils sont de l'ordre du stigmate : elles sont toujours un peu folles, cuisinières, coquettes, médiocres, sorcières, définies et gouvernées par leur sexe. Le genre, tant qu'il n'est pas interrogé en tant que tel, semble être la garantie de la permanence de ces stigmates. Resterait donc à le contourner : par les textes, le corps (corps représentés, corps des images, corps des artistes), et par le cœur même de la pratique plastique, le rapport de l'artiste à la matière : la plasticité
The French word genre has several meanings, including an artistic genre, but also gender – the social traits associated with one sex. Does it follow that the same hierarchy-based systems are at work in both fields of art genre and social gender? Anyone is allowed to conclude so, who considers the practising conditions of women artists, whom a stereotype accuses of restraining their work to so-called minor genres. As a consequence, the issue of historical simultaneity arises: were artistic genres questioned at the same periods as what feminist historiography calls “the three waves”? This thesis focuses on seven specific art pieces so as to examine how gender-related hierarchy systems were confronted in classicism and during each period concerned by the three feminist waves: Nature morte aux abricots, by Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, by Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, by Camille Claudel, 1893, Autoportrait by Claude Cahun, 1928, Tir by Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, by Gina Pane, 1973, and Le régime chromatique, by Sophie Calle, 1997. Despite a number of improvements – a notion which is questioned rather than acknowledged – certain features are persistently attributed to women artists. A crosswise look at their work reveals that the patterns of hierarchy are still operating. These features are a matter of stigma: woman artists are inevitably unhinged creatures, cooks, coquettes, mediocre artists or even witches, and always defined and driven by sex. Gender, as long as it isn’t questioned as such, seems to be serving as a guarantee for the permanence of those stigmas. One could try to get around the gender issue, using texts, bodies (represented bodies, bodies of images, bodies of the artists), and the very core of plastic practice, the relationship between the artist and the material: plasticity

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Gleyze, Valentin. "Alina Szapocznikow à Paris (1963-1973) : une histoire culturelle du champ élargi de la sculpture en France au tournant des années 1960." Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2023. http://www.theses.fr/2023REN20042.

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Abstract:

La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaine
The last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death

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Souliman, Victoria. "“The remoteness that pains us” : National identity, expatriatism and women’s agency in the artistic exchanges between Australia and Britain in the 1920s and 1930s." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCC097.

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Abstract:

Cette thèse explore l’influence artistique et culturelle de la Grande-Bretagne en Australie, ou les caractéristiques britanniques de l’identité australienne, depuis les années suivant la fin de la Première Guerre Mondiale jusqu’à 1941. La culture australienne de cette période a souvent été décrite comme isolée, voire même « en quarantaine », caractérisée par son acceptation tardive du modernisme. Bien qu’à cette époque la Grande-Bretagne accorde davantage d’indépendance et d’autonomie à ses dominions, l’Australie cherche à maintenir des liens culturels et impériaux en s’identifiant exclusivement à la Grande-Bretagne. Ainsi, pendant cette période, la majorité des Australiens considèrent toujours l’Angleterre comme mère patrie et Londres attire de nombreux artistes australiens expatriés. Pour reprendre les termes de Daniel Thomas, historien de l’art australien, l’Australie développe une identité culturelle dite « bi-hémisphérique Anglo-australienne », imprégnée de nationalisme, de conservatisme et de valeurs patriarcales. Cette thèse examine les échanges artistiques entre l’Australie et la Grande-Bretagne pendant les années 1920 et 1930 et met en lumière les complexités de l’identification culturelle. Elle considère tout particulièrement le fait que l’historiographie nationaliste de l’art australien a passé sous silence le rôle joué par les femmes dans la construction de l’identité nationale et dans la définition d’un art australien. A travers l’analyse des collections nationales d’art britannique et les mécanismes de circulation de l’art moderne britannique en Australie, cette thèse met en avant la dualité de l’identité culturelle australienne et la marginalisation des femmes, non seulement en tant qu’artistes mais aussi en tant que défenseuses culturelles. En mettant l’accent sur l’expérience d’expatriés australiens en Angleterre et comment ceux-ci cherchent à s’intégrer à la scène artistique britannique, cette thèse rend compte de l’importance de l’expatriation en tant que concept contribuant aux historiographies de l’art en Grande-Bretagne et en Australie. Enfin, cette thèse conceptualise le travail de deux Australiennes expatriées, Edith May Fry et Clarice Zander, qui, en tant qu’organisatrices d’expositions, ont considérablement contribué à la dissémination du modernisme en Australie et à la définition de l’identité culturelle australienne pendant l’entre-deux-guerres. L’enjeu de cette thèse est de démontrer les mécanismes qui ont permis à l’Australie de représenter sa propre identité à travers l’art tout en continuant à s’identifier à la Grande-Bretagne
This thesis explores the cultural and artistic influence of Britain in Australia, or the Britishness of the Australian character, from the years directly following the end of World War I until 1941. Australia during this period was often described as an isolated, or a “quarantined”, culture characterised by its delay in accepting modernism. Despite Britain ceding more independence and autonomy to its dominions at the time, Australia sought to maintain its cultural and imperial bond, identifying exclusively with Britain in a number of ways. For instance, many Australians still considered Britain to be “Home”, while London continued to attract expatriate artists from Australia. In the words of Australian art historian Daniel Thomas, Australia developed a “bi-hemispheric Anglo-Australian cultural identity”, which was marked by nationalism, conservatism and masculinism. This thesis examines the artistic exchanges between Australia and Britain in the 1920s and 1930s, shedding light on the complexities of cultural identification. It considers in particular the fact that such nationalistic historiography of Australian art has denied women’s agency in defining Australian art and identity. The national collections of British art, as well as the mechanisms of the circulation of modern British art in Australia, are closely examined to demonstrate the dualism of Australian cultural identity and the marginalisation of women within this history, not only as artists but also as art patrons. This thesis discusses the experience of Australian expatriates in England, considering how they sought to integrate into the British art scene. In doing so, it brings to the fore the significance of expatriatism as a concept that shaped both Australian and British art historiographies. Finally, it conceptualises the achievements of two Australian expatriate women, Edith May Fry and Clarice Zander, who, as exhibition curators, played a crucial role in disseminating modernism in Australia and defining Australia’s cultural identity during the interwar period. The aim of this thesis is thus to demonstrate the mechanisms through which Australia sought to represent its national character in art, as it strove to maintain its identification with Britain

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Richard-Principalli, Patricia. "La semaine sainte d'Aragon : un roman du "passage"." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080964.

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Abstract:

En 1968, aragon elabore une theorie sur la parenthese et le roman. La semaine sainte y apparait a l'origine d'une pratique qui deviendra systematique par la suite. Or la pratique parenthetique traduit le passage qui se fait chez aragon vers un discours et une ecriture differents. Les deux moteurs de la vie et de l'ecriture de l'auteur jusque-la, l'histoire et l'amour, s'approchent autrement. Ainsi l'histoire se caracterise par l'eternel retour, le double aspect des hommes et des evenements, malgre la lumiere vacillante d'un espoir qui essaie de se maintenir. De meme la relation amoureuse n'aboutit jamais. La femme reste l'etrangere, fondamentalement ambivalente et insaisissable, d'autant plus que le regard cristallisateur de l'homme la maintient a distance. Tous les personnages du roman sont donc affectes radicalement par la perte des reperes puisqu'ils en meurent. La mort apparait egalement dans la mise en scene fantasmatique de deux figures meurtrieres. Mais l'acte meurtrier reste suspendu, suspension symbolique: ces figures mettent en scene l'indicible, seule ressource contre la double incertitude de l'histoire et de l'amour. Ainsi la semaine sainte ne propose plus une vision univoque du monde, mais part a la recherche d'une realite "kaleisdoscopique". Le soleil sur lequel s'acheve le roman a donc valeur artistique. L'ecriture dont le questionnement est le seul recours contre la "contradiction humaine" devient un art du doute
In 1968, aragon elaborates a theory about parenthesis and novel. La semaine sainte is part of it as the origin of a practice which will become systematic later. In fact the parenthesizing practice illustrates aragon's move towards a different discourse and a different style. He changes his approach towards the two driving forces of life and writing according to him, till then, history and love. Thus history is characterized by the eternal recurrence and the two sides of men and events, in spite of the flickering light of a hope which tries to persist. Likewise, the amorous relationship always fails. Woman remains the stranger, basically ambivalent and elusive, all the more since man's crystalling look keeps her at a distance. Consequently all the characters in the novel are radically affected by the loss of markers since it causes their death. Death also appears in the fantasizing build-up of two murderous figures. But the act of murder remains hanging, a symbolic suspension : these figures stage the inexpressible, the only resort left against the double incertainty of history and love. Thus, la semaine sainte does not suggest a univocal vision of the world but is searching a "kaleidoscopic" reality. So the sun, of the end of the novel, has an artistic value. Writing whose question is the only resort against "human contradiction" becomes an act of doubt

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Karoubi, Laurence. "Ana Mariscal, une femme artiste dans l'Espagne de Franco." Dijon, 2007. http://www.theses.fr/2007DIJOL037.

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Bec, Caroline. "Les comédiennes-chanteuses à Madrid au XVIIIè siècle (1700-1767). Étude socio-culturelle." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040138.

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Abstract:

Durant la première moitié du XVIIIe siècle, en Espagne, tout particulièrement à Madrid, principal lieu de résidence de la Cour et capitale du royaume, divers facteurs historiques, culturels et artistiques engendrèrent une évolution de la profession de comédienne vers une spécialisation lyrique.Dans chaque compagnie, le nombre de comédiennes-chanteuses augmenta régulièrement, les attributions de chacune (fonction ou emploi) se précisant peu à peu jusqu’à l’interprétation exclusive de drames en musique en espagnol. Aussi, la place principale que l’on attribua désormais aux comédiennes-chanteuses modifia-t-elle leur existence, leur formation et l’exercice de leur métier. D’autre part, la présence d’interprètes lyriques italiens à Madrid entre 1737 et 1759 réorienta l’évolution des fonctions des chanteuses espagnoles.Dans une perspective historique et sociale centrée sur la période 1700-1767, cette étude considère tout d’abord les origines et la vie privée de ces artistes dans la Villa y Corte, puis les différents aspects de leur vie professionnelle, enfin leur place dans la société madrilène et plus largement espagnole, ainsi que le regard porté sur elles par leurs contemporains
During the first half of the XVIIIth century in Spain, particularly in Madrid, principal place of residence of the Court and capital of the Kingdom, various historical, cultural and artistic factors engendered an evolution of the profession of comedienne towards a more specialized lyrical interpretation.In each company, the number of comedienne-singers regularly increased, their remit becoming little by little more defined, until they reached the exclusive stage of interpreting musical dramatizations in Spanish. Consequently, the new position attributed from then on to the comediennes-singers altered their existence, their training and the practice of their art. Moreover, the presence of Italian opera singers in Madrid between 1737 and 1759 re-oriented the evolution of the role of Spanish singers.In a historical and social perspective focused on the period 1700-1767, this study considers initially the origins and private life of these artists in the Villa y Corte, then the different aspects of their professional life and finally their position in the Madrid society and, more widely, in the Spanish society, as well as the way they were considered by their contemporaries

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Zapperi, Giovanna. "Stratégies artistiques et masculinité : Marcel Duchamp et son entourage entre avant-garde et culture de masse, 1909-1924." Paris, EHESS, 2005. https://buadistant.univ-angers.fr/login?url=https://www.cairn.info/l-artiste-est-une-femme--9782130606543.htm.

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Abstract:

Cette thèse traite des relations entre la masculinité de l'artiste et la culture de masse dans le contexte de l'avant-garde des années 1910. Les artistes européens, exilés à New York en raison de la guerre, font l'expérience d'une modernité industrielle, sociale et sexuelle qui les conduit à remettre en cause leur propre identité artistique. Marcel Duchamp a donné à cette crise son expression la plus radicale, dans un contexte dominé par le bouleversement des anciens paradigmes sexuels et la montée en puissance du capitalisme industriel. La mécanisation du travail, le développement de la consommation de masse et les modifications de la condition féminine affectent fortement l'avant-garde de ces années-là et conditionnent les différentes stratégies adoptées par les artistes dans la redéfinition de leur masculinité
This dissertation focuses on the relationship between the artist's masculinity and mass-culture in the context of the 1910s avant-garde. Exiled in New York because of the war, several European artists, experienced an industrial, sexual and social modernity that led them to call into question their own identity as artists. Marcel Dchamp gave his most radical expression to this artistic crisis in a context dominated by the upheaval of the old sexual paradigms and the rise of industrial capitalism. The mechanization of labor, the development of mass- consumerism and the transformations in the condition of women strongly affected the avant-garde of the years and determined various strategies adopted by the artists in order to redefine their masculinity

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Taton, Floris. "Le féminisme dans les vies et les oeuvres d'artistes de la performance en Europe et en Amérique du Nord entre 1980 et 2010." Thesis, Angers, 2020. http://www.theses.fr/2020ANGE0022.

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Abstract:

Depuis les années 1970, le féminisme inspire les artistes de la performance. Cette décennie pionnière est très documentée, mais qu’en est-il pour les trois décennies suivantes ? Le féminisme dans les vies et les oeuvres d'artistes de la performance en Europe et en Amérique du Nord entre 1980 et 2010 propose, par le biais de vingt-cinq artistes dans dix-sept pays un état des lieux du féminisme de la deuxième et de la troisième vague. L’objectif de la recherche est d’éclairer les artistes de la performance et leurs productions au regard d’enjeux féministes. Trois volets sont abordés : les prémices des parcours des artistes, les sources et formes de l’influence féministe et sa place dans les oeuvres. La recherche concerne les artistes suivant.e.s : Lorraine O’Grady, Esther Ferrer, Mierle Laderman Ukeles, Kirsten Justesen, Marina Abramović, Maria Klonaris et Katerina Thomadaki, Pauline Cummins, Anne Bean, Ody Saban, Annie Abrahams, Vlasta Delimar, Verena Kyselka, Nieves Correa, Katarzyna Kozyra, Annika Ström, Iris Selke, Malin Arnell, Victoria Stanton, Carole Douillard, Eivind Reierstad, Mariuccia Pisani, Sands Murray-Wassink, Marijs Boulogne et Mara Maglione
Since the 1970s, performance artists have been inspired by feminism. This pioneering decade is well documented, but what about the three following decades? “Feminism in the lives and work of performance artists in Europe and Northern America between 1980 and 2010” will study twenty-five artists in seventeen countries to review second and third wave feminism through their work. The aim of this research is to shine some light on these performance artists and their work with regard to feminist issues. Three aspects will be discussed : the first steps in the artists’careers, the various sources and shapes of the influence of feminism and the place this influence had in their works.The research is about the following artists : Lorraine O’Grady, Esther Ferrer, Mierle Laderman Ukeles, Kirsten Justesen, Marina Abramović, Maria Klonaris et Katerina Thomadaki, Pauline Cummins, Anne Bean, Ody Saban, Annie Abrahams, Vlasta Delimar, Verena Kyselka, Nieves Correa, Katarzyna Kozyra, Annika Ström, Iris Selke, Malin Arnell, Victoria Stanton, Carole Douillard, Eivind Reierstad, Mariuccia Pisani, Sands-Murray Wassink, Marijs Boulogne and Mara Maglione

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Gendrot, Sylvie. "Déguisements de la femme artiste dans la littérature romanesque française du XIXe siècle." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/tape15/PQDD_0017/MQ37535.pdf.

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Boissel, Cormier Nancy. "Etre artiste femme en Inde, à Chennai : les nouvelles scènes du bharata-nâtyam de 2003 à 2016." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080052.

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Abstract:

En cette amorce du XXIe siècle et dans un monde qui tend à l’uniformisation, la danse contemporaine à Chennai revendique son « indianité » dans des chorégraphies singulières. Certains aspects du sadir – la danse pratiquée par les devadāsī dans les temples de l’Inde du Sud –, scrupuleusement choisis, sont transportés sur la scène contemporaine dans les années 1930. La naissance du bharata-nāṭyam permet, après l’indépendance de l’Inde, d’exporter fièrement une « tradition » qui a été en partie sauvegardée, tout en contrôlant l’image de la femme en mouvement qu’elle véhicule. Le bharata-nāṭyam se démocratise dans tous les États de l’Inde et s’exporte à l’étranger. Pourtant, à Chennai, au Tamil Nadu, il est très difficile de faire une carrière dans la danse. Les artistes femmes doivent enseigner pour se professionnaliser. En faisant se croiser une étude de terrain avec des sources théoriques, cette thèse cherche à apporter des éléments de réponse aux questions soulevées dans le cadre du travail de recherche sur le bharata-nāṭyam : comment s’est effectué, dans le milieu de la danse, le passage d’une fonction sacrée à une fonction essentiellement esthétique et économique ? Les danseuses souhaitant développer ou mettre en évidence un nouveau langage corporel et une gestuelle singulière ont-elles réinventé la « tradition » ? Dans une Inde moderne et contemporaine, quel est le rôle de l’art dans la société et quel espace de liberté peut s’offrir aux danseuses aujourd’hui ? En remettant en question le modèle familial indien, quel potentiel d’émancipation offre aujourd’hui la scène contemporaine à Chennai ?
At the dawn of the 21st century, in a world that tends to standardisation, contemporary dance in Chennai claims its “Indianness” through noteworthy choreographies. Since the 1930s, some features of sadir - a solo dance form performed for centuries by devadāsī in temples - have been carefully chosen and adapted for the contemporary stage. In independent India, bharata-nātyam has proudly exported a “tradition” that has managed to survive but has also curbed the movement of the female body. bharata-nātyam became popular both abroad and in India. In Chennai, Tamil Nadu, female dancers strive to become professional; however, very often, teaching remains their only recourse. Through an analysis of field survey data and theoretical sources, this thesis aims to find answers to some questions raised by bharata-nātyam. How has this dance, which initially had only a sacred function, assumed aesthetic and economic ones? In being eager to develop and create a new body language and original gestures, have female dancers reinvented “tradition”? What is the role of art in modern, contemporary India? What is the extent of freedom that it can offer to female dancers? By questioning the traditional Indian family model, is the contemporary stage in Chennai able to offer potential for emancipation?

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Dissertations / Theses on the topic 'Femmes artistes'

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