Dissertations / Theses on the topic 'Femmes dans le cinéma'

Lorsqu’on évoque le mythe de Pygmalion, on pense à l’histoire de ce sculpteur, qui grâce à l’intervention de la déesse de l’amour, voit sa statue d’ivoire prendre vie. Or si on reprend dans tous les détails le récit d’Ovide, on s’aperçoit que c’est le sculpteur par son art qui anime sa créature, Vénus ne faisant que parfaire la métamorphose. C’est ce processus de création d’une femme idéale par un artiste opérant sur la base d’une projection de son désir sur le corps féminin que j’ai choisi d’étudier ici. Pour cela, j’ai mis en perspective plusieurs domaines de création (peinture, sculpture, littérature, mais aussi cinéma et haute couture) avec le mythe fondateur afin d’analyser les diverses modalités de la « fabrication » d’une femme et de son image par un homme de l’art ainsi que la relation qui les unit. Cette recherche s’inscrit dans le champ très large d’une anthropologie du corps et de l’image à la croisée de plusieurs disciplines (histoire de l’art, lettres, ethnologie, sociologie). L’analyse minutieuse du processus créatif à l’œuvre dans chacun des domaines étudiés au-delà de la singularité de chaque création, révèle une continuité dans la configuration de l’acte créateur que même la rupture introduite par la reproductibilité technique des images ne vient pas remettre en question. Bien que le processus puisse dans un premier temps, se ramener à deux modèles distinguant d’un côté, une fabrication fondée sur des moyens artisanaux et de l’autre, reposant sur des procédés industriels permettant une multiplication de l’image, l’acte créateur renvoie plus largement à un modèle de création en chaîne où la créature devient à chaque fois modèle pour une nouvelle création
When we evoke the myth of Pygmalion, we think of the history of this sculptor, who thanks to the intervention of the goddess of love, sees his statue of ivory taking life. However if we include in all the details the narrative of Ovide, we notice that it is the sculptor by his art whom animates the creature, Venus only perfecting the metamorphosis. It's that process of creation of an ideal woman by an artist, while operating on the basis of a projection of his desire on the feminine body that I choose to study here. For that purpose, I put in perspective several domains of creation (paint, sculpture, literature, but also cinema and fashion design) with the founding myth, to analyze the various methods in the "manufacturing" or "designing" of a woman and her image by an artist, as well as the relation which unites them. This research joins the very wide field of anthropology of the body and the image between several disciplines (art history, literature, ethnology, sociology). The meticulous analysis of the creative process in each of the domains studied, beyond the peculiarity of each creation, reveals a continuity in the configuration of the creative act. Even with the breach introduced by the technical reproductibility of the images, this continuity is not quectionned. Although the process can at first come down to two models distinguishing on one hand, a manufacturing process established on home-made means, and of the other hand, basing on industrial processes, the creative act sends back move widely to a model of creation in chain where the creature becomes every time a model for a new creation

Cette thèse porte sur la représentation des femmes dans le cinéma roumain en tant que lieu révélateur des enjeux sociaux, économiques et institutionnels qui façonnent le renouvellement de la filière cinématographique roumaine au XXIe siècle. Notre recherche est axée sur l'époque postcommuniste, moment où la production filmique du pays atteint son état le plus critique, avant de connaître une reconnaissance internationale inouïe. Notre analyse s'articule en trois temps, afin de comprendre les ruptures et les permanences sociohistoriques manifestes dans le traitement des personnages féminins à l'écran et dans la participation des femmes à l'industrie. A partir d'une analyse détaillée de la généalogie du « nouveau cinéma roumain », nous nous concentrons sur les figures des femmes dans les productions du cinéma d'auteur et du cinéma commercial du pays. Enfin, nous illustrons les principaux enjeux et contraintes pratiques de l'émergence - et de l'affirmation - de ce nouveau cinéma à travers l'examen des parcours des femmes cinéastes
This PhD dissertation centers on women's participation and representation in Romanian cinema, as a means of understanding the multiple social, economic and institutional stakes intervening in the renewal of the Romanian film industry in the early 21st century. Our research focuses on the post-communist era, when the Romanian film production falls into its most critical state, before achieving unprecedented international recognition. We articulate our analysis around three chronological moments, aiming to perceive how social and historical ruptures and continuities pervade the treatment of female characters on screen and the women's presence in the film industry. We aim our attention at the New Romanian cinema of the 2000's. By tracing the genealogy of this « new cinema », we concentrate on the shaping of female characters in both auteur and commercial Romanian cinema. We illustrate the primary grounds conducing to the rise and consolidation of this renewed film industry by observing the career paths of Romanian female filmmakers

À travers cette étude, nous avons cherché à déterminer la place qu'occupe la femme dans le cinéma d'Afrique noire. La thèse se divise en trois parties. La première est consacrée à une analyse de la participation de la femme à l'industrie cinématographique en Afrique. Les réalisatrices et les techniciennes ne sont pas nombreuses ; les productrices n'existent pas à ce jour. Les héroïnes mises en scène sont beaucoup plus des projestions d'auteurs que la fidèle représentation de leur statut dans la société. Les témoignages des comédiennes et des spectatrices confirment que la production cinématographique est trop faible dans les pays de l'Afrique de l'ouest pour mettre en valeur des réalisatrices et des grandes vedettes. La deuxième partie de la thèse analyse la représentation de la femme à travers l'image visuelle et sonore du film. Les auteurs emploient constamment des procédés antithétiques (tant au niveau du langage que des bruits et de la musique utilisés) pour opposer femmes traditionnelles et femmes modernes. La troisème partie de la thèse porte sur la représentation de la femme dans le contenu narratif des films. Les auteurs brossent un tableau de la femme à travers l'éducation formelle et non-formelle, le mariage et le divorce, les droits et les rôles qu'elle tient et enfin à travers L'économie de subsistance puis l'économie monétaire. L'opposition des rôles traditionnels aux rôles modernes montre d'un côté l'évolution de la société africaine ; de l'autre, les mentalités qui freinent ou accélèrent cette évolution. Le parti-pris des cinéastes est de représenter un peuple en voie de développement. Les mutations dénoncées par les cinéastes africains deviennet les préoccupations essentielles dans leurs films. Donc, la participation de la femme à l'industrie du cinéma reflète les valeurs d'une société bouleversée par la colonisation et forcée de s'adapter aux exigences d'un monde moderne
The aim of this study is to assess the role of women in black african film. The thesis is divided into three parts. The first part is devoted to an analysis of women's participationin the film industry in Africa. There are very few female filmmakers and technicians and no femaleproducers. Female role models presented by filmmakers result from a deisre to educate the spectator. Interviews with both actresses and spectators suggest that film production in black west Africa is yet too weak to foster female filmmakers and stars. The second part of the thesis examines the representation of women in visual and auditory (language, noise, music) images. Using antithetic images, directors contrast traditional and modern female stereotypes

Cette recherche s'articule a la maniere d'un puzzle dans lequel les pieces s'integrent et se juxtaposent afin de mettre en valeur diverses facettes representant l'image de la femme a travers le cinema fantastique. Notamment son utilisation durant les differentes periodes de sa vie ou bien sa vision dans le cinema des annees 20 a nos jours. Cette these s'attachera par ailleurs a etudier son role predominant de symbole sexuel et l'importance d'un facteur tel que la beaute feminine et ceci a travers diverses remarques et exemples
This research is like a puzzle in which the different pieces fit and come together so as to cast light on the different aspects of woman in fantastic movies. Among them : how she is used at different stages in her life or how she is seen in movies dating from the twenties to the present. In other respects this thesis will apply itself to studying her prevailing role as a sexual symbol and the importance of such a factor as female beauty and this, through various remarks and examples

Le corpus d'analyse comprend quatre films tunisiens de fiction : "L'Homme des cendres" (N. Bouzid, 1986), "Halfaouine (F. Boughedir, 1990), "Les Silences du palais" (M. Tlatli, 1994) et "Tunisiennes" (N. Bouzid, 1998). Dans le premier chapitre, nous replaçons le cinéma tunisien dans son contexte maghrébin, historique et sociologique. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéressons aux interrelations entre littérature et cinéma, et plus particulièrement dans le domaine de la narratologie. Le troisième chapitre est consacré à l'analyse narratologique des films du corpus. Le quatrième chapitre s'intéresse à la représentation du couple "moderne" qui fait ressortir un malaise qui procéderait de l'insatisfaction d^ue à la trop grande distorsion entre les anciens et les nouveaux modèles. . .

Trois volumes consacrés à la place de la femme dans l'oeuvre filmée et écrite de Jean Renoir. A partir de la biographie de Renoir (ses rapports avec sa mère Aline Charigot, sa nourrice Gabrielle, et ses deux épouses) l'auteur répartit les personnages féminins en fonction de leurs rôles et leur inscription sociale (jeunes filles, épouses, prostituées, nourrices, etc. . . ). L'analyse porte ensuite sur une tentative de définition de l'espace féminin dans les films et de la liaison thématique (nourriture - blessure - sexe). Suivent ensuite des tableaux statistiques des personnages et l'analyse de 76 séquences ou segments remarquables. Le quatrième volume est entièrement consacré à la bibliographie
Three volumes on the image and setting of woman in Jean Renoir's work. First, from the life of Renoir (his relations with his mother Aline Charigot, his nurse Gabrielle and his two wives) the author analyses the feminine characters by their social inscriptions (young maiden, wives and mothers, prostitutes, nurses,. . . ). The analysis is after an attempt to settle a definition of woman's space in films and an approach of relations between food-wound and sex. Some statistics and analyses of 76 sequences and fragments follow the study. The last volume is a quasi-exhaustive bibliography of Jean Renoir's work

L'objet de cette étude est la représentation des femmes dans les films de Woody Allen. Il s'agit d'éclairer son caractère contradictoire en le liant à l'ironie qui gouverne les oeuvres dans lesquelles elle s'inscrit. Une analyse textuelle dégage les configurations qui la régissent et qui génèrent des significations contradictoires. Elle permet de comprendre la manière dont les films de Woody Allen subvertissent leur propre représentation des femmes. La première partie étudie l'influence de certains éléments para-filmiques (le contexte socioculturel, les méthodes de travail du cinéaste ou encore l'image extra-cinématographique des actrices) sur la représentation des femmes. En explorant le fonctionnement de leur écriture parodique, la deuxième partie éclaire l'ambivalence des comédies alléniennes qui réactivent des stéréotypes féminins non sans une distance critique. A partir de deux catégories de films -l'une tend à voiler (sans toutefois l'étouffer) le désir sexuel des héroïnes, l'autre évoque les désirs des femmes mais s'applique à s'en distancier- la troisième partie expose les paradoxes à l'oeuvre dans la représentation du désir féminin en s'appuyant sur l'étude des figures. Enfin, la quatrième partie analyse les procédés par lesquels les nouveaux mélodrames valorisent la femme-sujet (dont le Moi créateur est affirmé) sans toutefois la dissocier de l'image de la victime. Elle expose les motifs thématiques et iconographiques qui étayent mais aussi nuancent leur contenu idéologique : la victoire sur le désordre par la dissolution du lien mère-fille
This dissertation focuses on the representation of women in Woody Allen's movies. Its aims is to enlighten the contradictory nature of this representation by linking it to the irony in which Allen's film texts are steeped. A textual analysis aims at to bringing out the configurations at work in this representation which produce contradictory meanings, providing an understanding of how feminity is constructed but also subverted in Woody Allen's movies. Part one studies the influence of some extra-textuel elements (the sociocultural context, the filmmaker's work methods and the extra-cinematic image of the actresses) on the representation of women. In part two, the parody as a textual system is examined as it enlightens the ambiguity of Allen's comedies towards the sexual stereotypes they perpetuate while maintaining significant critical distance. Part three focuses on two categories of films -the first category tending to curb (but not stifle) the sexual desire of its heroine, the second one disclosing the female protagonist's intimate desires while keeping them at bay- and highlights the contradictory nature of the representation of women's desire, with regard to the representation of the female body. Finally, part four analyses the process through which the new melodramas portray female protagonists as conscious individuals and talented artists while maintaining their status as victims. It underlines the thematic and iconographic motifs that back and nuance the ideological message of these films that emerges as the victory over disorder through the sacrifice of the mother-daughter relationship

Dans les années soixante, s'opère une révolution esthétique dans le cinéma argentin et ibéro­ américain aboutissant à l'avènement des Nouveaux Cinémas Latine-américains. Ces bouleversements artistiques influencent la nouvelle génération de cinéastes qui impulse dès 1995 un renouveau de la cinématographie nationale à travers le Nouveau Cinéma Argentin. Cette étude resitue l'intégration des réalisatrices dans les cinématographies ibéro-américaines depuis le début du vingtième siècle en insistant sur ces deux temps forts de 1'Histoire du cinéma. Ce travail analyse les apports thématiques et esthétiques des films de cinq réalisatrices argentines contemporaines . Ces longs-métrages donnent à voir des représentations subversives des identités de genre à l'écran
In the sixties' the aesthetic revolution in Argentinian and Ibero-American Film led to the advent of New Latino-American Films. This artistic breakthrough irtfluenced the new generation of filmmakers who will be as soon as 1995 at the origin of the renewal of national cinematograph y through New Argentini an Films. This study deals with the integration of female filmmakers in Ibero-American Cinematography since the beginning of the twentieth century insisting on these two highlights of the history of cinema. This work is an analysis of the thematic and aesthetic contribution of five contemporary Argentinian female film producers. Their feature films offer subversive representations of gender identity on screen

Cette thèse porte sur le rôle des productrices de cinéma françaises en tant que figures centrales du processus de réalisation de chaque film. Nonobstant leur importante contribution, les productrices de cinéma sont largement oubliées dans l’histoire du septième art et très peu connues du grand public, les études s’étant davantage focalisées sur les actrices, les scénaristes et les réalisatrices. C’est justement ce manque que la présente recherche se propose de combler en explorant les carrières, les motivations, les difficultés rencontrées et le quotidien des productrices cinématographiques françaises, en mettant en valeur ce qu’elles ont apporté, en montrant comment elles ont fait évoluer le métier de producteur et notamment combien elles ont influencé l’économie du cinéma et façonné, par leur travail, notre imaginaire. Notre analyse s’articule en trois temps, afin de comprendre le processus qui a favorisé l’avènement des femmes dans la production cinématographique française depuis la Nouvelle Vague jusqu’à nos jours. Le projet de valoriser le rôle des productrices ne permet pas seulement de dévoiler un pan de l’histoire du septième art, mais aussi de poser la question de la production cinématographique déclinée au féminin au cœur de la réflexion sur le travail. Notre thèse vise ainsi à révéler, par le biais des paroles, des actes et du management des productrices, l’histoire du septième art au travers d’une nouvelle perspective, permettant de mieux comprendre la réalité culturelle et ses contradictions. Il est certain qu’il ne saurait être question d’histoire du cinéma sans ces femmes
This thesis focuses on the role of French film producers as central figures in the production process of each film. Notwithstanding their important contribution, film producers are largely forgotten in the history of the seventh art and little known to the general public, the studies having focused more on actresses, screenwriters and directors. It is precisely this lack that the present research proposes to fill by exploring the careers, the motivations, the difficulties encountered and the daily life of the French film producers, by highlighting what they brought, by showing how they made to evolve the profession of producer and in particular how much they influenced the economy of the cinema and shaped, by their work, our imagination. Our analysis is articulated in three stages, in order to understand the process that has favored the advent of women in French film production since the Nouvelle Vague until today. The project to enhance the role of producers not only reveals a part of the history of the seventh art, but also to ask the question of film production declined to the feminine at the heart of the reflection on the work. Our thesis aims to reveal, through the words, actions and management of producers, the history of the seventh art through a new perspective, to better understand the cultural reality and its contradictions. It is certain that there can be no question of the history of cinema without these women

Quarante ans après l'indépendance, le cinéma marocain continue d'affronter d'innombrables épreuves. Face à l'absence de structures économiques et de statut juridique, la production nationale, faible et irrégulière, pousse une situation de crise à l'extrême. Les réalisateurs ne cessent de puiser leur désarroi dans des sujets empreints de cette souffrance, elle-même liée à un quotidien pesant, et au-delà, à la problématique de l'affirmation d'une identité culturelle. L'enfermement de l'individu dans une société sclérosée, dont la représentation essentielle passe par la condition féminine, est ainsi un des thèmes consacrés. De sa place dans l'institution cinématographique à son évolution, l'étude de la filmographie depuis la colonisation permet aussi de considérer le statut de la femme, son rôle, ses modes de résistances et la dimension de son corps à travers le regard d'un réalisateur souvent tenu par diverses censures
40 years after independence, Moroccan cinema continues to face numerous challenge due to the absence of an economic foundation and judicial status, the poor national production is inconsistent, creating a situation of extreme crisis. Directors are unceasingly drawing upon subject matters full of suffering ; these subjects address issues from ponderous daily life routine that develops into problematic cultural identity. The most prevalent subject is therefore an individual that is constrained in an ossified traditional society in which woman portray women's condition. After the colonisation period, cinema, throughout its evolution has introduced a trend in which women's role and status have been more considered. A status that depicts a more accurate picture which is supplied by director's experiences, often censured

À l’aube des années cinquante, l’œuvre de George Cukor interroge sa double réputation de cinéaste sophistiqué et de "cinéaste des femmes" acquise durant les années trente et consacrée en 1939 par Femmes. Le traitement privilégié du féminin dans ses films est renforcé dans le contexte d’après-guerre. En 1950, Cukor réalise la comédie sociale romantique Comment l’esprit vient aux femmes et le drame social Ma vie à moi : tous deux racontent un destin de femme et représentent une aspiration de relier positivement le féminin au drame. Les femmes y prennent en charge l’action et y construisent les motifs de leur libération, tels que la solidarité. Le passage des années cinquante aux années soixante se joue dans la confirmation que le féminin, que j’étudie comme un genre troublé (Judith Butler), et le cinéma de Cukor sont reliés et interagissent dans le sens de la modernité jusqu’à la distance libératrice des années soixantedix et au dernier film du cinéaste, Riches et Célèbres (1981). Certaines formes cinématographiques nouvelles, imaginaires et quasi expérimentales (Gaston Bachelard), s’avèrent particulièrement représentatives du travail de Cukor par leur récurrence dans les effets scéniques et le jeu des actrices. Face à la comédie qui émanciperait les femmes de leur destin par le dérèglement social et comportemental, le drame féminin cukorien favoriserait le surgissement d’héroïnes capables de prendre en charge leur libération à l’écran. Il y aurait alors un faux paradoxe entre la banalisation des caractères que Cukor met en scène et son travail de direction toujours très élaboré à l’endroit de ses actrices, placées dans la double épreuve de leur talent et d’une certaine représentation de la condition féminine
In the early fifties, Cukor's work challenges his own reputation as a director of sophisticated women films — a reputation he had acquired during the thirties, culminating with Women in 1939. His films increasingly center on presenting the feminine during post-war years. In 1950, Cukor directs a romantic social comedy, Born Yesterday and a social drama A Life of Her Own : both narrate a female destiny and link up drama and the feminine in a positive manner. In these films, women are taking responsibility for the action and articulate the motivations for their liberation, for example through solidarity. The turn from the fifties to the sixties confirms that the feminine, seen here as a confused gender (Judith Butler) and Cukor's cinema interact in a modern way creating a liberating distance his seventies film and up to the filmmaker's last film, Rich and Famous (1981). Some imaginary and nearly experimental new cinematic forms (Gaston Bachelard), notably in terms of mise-en-scène and acting, turn out to be particularly representative of Cukor's work. As opposed to comedies that purport to emancipate women from their destiny by upsetting social and behavioral attitudes, Cukor’s female centered drama films show emancipation through the emergence of female characters who take their life into their hands. Hence a false paradox: Cukor may develop commonplace characters, yet the complexity of his actresses’ direction puts their talent to the test and questions a certain representation of women's position in society

Mai 1968 en France ouvre la voie à un renouveau du cinéma d'intervention sociale et politique, qui adopte le plus souvent la forme documentaire. Deux ans plus tard, émerge le Mouvement de libération des femmes (MLF), un "nouveau féminisme" qui invite les femmes à lutter contre leur oppression spécifique et pour la libre disposition de leur corps et de leur sexualité. Cette thèse propose d'étudier les rapports qui se nouent entre cinéma, vidéo et féminisme entre 1968 et 1981 en France, sous les angles à la fois historique et esthétique, des pratiques de production/diffusion et des formes filmiques. Comment la caméra a-t-elle été investie pour accompagner et populariser les luttes féministes ? Quel a été l'impact du féminisme dans le champ cinématographique et vidéographique ? Un parcours au cœur d'un corpus filmique riche, protéiforme et méconnu doit permettre de dessiner cette histoire complexe et de montrer que, puissant instrument de contre-pouvoir et d'agitation directe, la caméra s'impose aussi aux femmes comme un moyen d'expression et de créativité privilégié dans leur quête d'identité individuelle et collective. La première partie revient sur l'irruption de la "question des femmes" à l'intérieur du cinéma militant reconfiguré après mai 1968 : l'ouverture d'un front féministe spécifique au sein d'un cinéma orienté principalement vers la lutte des classes se révèle très limitée et parfois conflictuelle. La seconde partie interroge l'apparition d'une pratique féministe autonome des femmes, qui s'orientent vers une démarche politique d'auto-représentation, dans le champ de la vidéo militante. S'emparer de la caméra répond ici à une exigence politique de prise de parole et de réappropriation de leur corps et de leur sexualité par l'image. Au-delà du noyau dur des films d'intervention, la troisième partie interroge les usages et les politiques féministes du cinéma. Elle soumet en particulier le "cinéma des femmes" à l'épreuve du féminisme, au crible de ses théories et de ses pratiques
May 1968 in France opens the way to a renewal of a cinema of social and political intervention that most often adopts a documentary form. Two years later, the Women's Liberation Movement a "new feminism" emerges and invites women to fight against their own oppression and for a freedom of choice with matters regarding their body and their sexuality. This thesis proposes to study the relations forged between cinema, video and feminism between 1968 and 1981 in France, both historically and aesthetically, in terms of production/distribution practices and film forms. In what ways has the camera been invested with the task of accompanying and popularizing feminist struggles ? What has the impact of feminism been in the field of cinema and video ? A look at a rich, diverse and little known body of films allows us to trace this complex history and to show that, as a powerful anti¬establishment and direct action instrument, the camera imposes itself as a preferred means of expression and creativity in women's search for an individual and collective identity. The first part addresses the sudden development of the "woman question" in a militant cinema that reconfigures itself after May 1968 : the opening of a specific feminist coalition within a cinema that was mostly oriented towards class struggle reveals itself as very limited and sometimes antagonistic. The second part questions the appearance of an autonomous feminist practice by women that takes a political approach to self-representation in the field of video activism. Here, taking hold of the camera is a response to a political need to speak out and to reappropriate their body and their sexuality through the image. Beyond the hard core of militant films, the third part examines the uses and the feminist politics of cinema. In particular, it puts "women's cinema" to the test in terms of feminism in order to closely examine its theories and practices

En 1972, George Gerbner, professeur et spécialiste de la télévision, publia un article intitulé « Violence in Television Drama : Trends and Symbolic Functions », une étude sur la violence télévisée et ses effets sur la société américaine. Au cœur de ce texte, Gerbner identifie une nouvelle théorie, celle de « l’annihilation symbolique ». Il définit ce terme comme une absence de représentation, un effacement dans le monde fictionnel ayant des conséquences dans le monde réel. Quelques années plus tard, en 1978, cette théorie serait appliquée par la sociologue Gaye Tuchman dans un essai, « The Symbolic Annihilation of Women by the Mass Media ». Dans sa recherche sur les représentations des femmes dans les médias, Tuchman affirme une absence d’images des femmes par rapport aux hommes. Elle développe cette notion davantage en rajoutant que condamner ou dévaloriser le comportement des femmes seraient également un moyen de dénier des droits aux femmes. La théorie d’annihilation symbolique a souvent été élaborée pour analyser des représentations des minorités dans les médias, mais à ce jour, il n’existe aucune étude sur l’annihilation symbolique des femmes dans un contexte historique particulier tel que le contexte de l’esclavage aux États-Unis. Cette recherche mettra en exergue l’importance et les conséquences de ces absences, soulignant le rôle de l’annihilation symbolique dans l’ensemble des œuvres cinématographiques sur l’esclavage
Symbolic annihilation is a sociological theory developed by George Gerbner (1972) and Gaye Tuchman (1978) in their studies of gender and media. According to the theory of symbolic annihilation, the lack of images and/or the misrepresentation of a group of people can cause damaging consequences for spectators. Gerber and Tuchman studied the erasure of women in media, but their research also concentrated on the marginalization and condemnation of female characters. Symbolic annihilation has been used by other researchers to study images of minorities in the media, but this dissertation offers a new perspective on the symbolic annihilation of women by focusing on the specific historical event of slavery in the American South. Although the theory of symbolic annihilation has been used in previous research to examine visual (mis)representations of minorities, the addition of this historical element makes this dissertation unique. Indeed, through the study of cinematic images of American slavery, this research addresses how the cultural-historical identity of American women has been significantly constructed by mass media. Furthermore, the current socio-political situation in the United States makes this research particularly relevant. Social movements which publicly denounce the whitewashing of Hollywood productions and the overt sexual assault that has permeated the movie industry have clearly demonstrated the particular power Hollywood yields in shaping the fabric of American society

Les films classiques ont créé des images stéréotypées féminines, en fixant des modèles déterministes du caractère féminin, des rôles féminins, de l’ « être femme ». Ces modèles risquent de supplanter la réalité, car ils réduisent la diversité des figures féminines. Depuis longtemps le féminisme a lutté contre tous les stéréotypes sexistes. Cette thèse se propose d’étudier les films d’Agnès Varda, Chantal Akerman et Catherine Corsini pour comprendre les devenir-femme(s) à travers des relations intimes et sociales. Dans leurs œuvres cinématographiques, elles rendent compte, chacune à leur manière, d’une nouvelle façon de produire des images du corps de la femme et de sa subjectivité. Les questions de la subjectivité féminine liées aux notions de désir, de jouissance, de plaisir et de sexualité rejoignent la psychanalyse pour comprendre, d’une part, le mécanisme de l’appareil cinématographique suscitant le fantasme des spectateurs, d’autre part, la possibilité d’une objectivation positive de la complexité de la figure féminine. Notre première approche se focalise sur la relation entre femmes telle que la relation mère-fille et la relation homosexuelle féminine. La deuxième envisage le contexte socioculturel dans lequel évoluent les personnages féminins des films de ces cinéastes à travers l’analyse du langage, de la narration et de l’espace cinématographiques, en s’intéressant à leurs styles, leurs esthétiques et leurs choix narratifs de la vie des femmes. Ainsi c’est le regard qui est nouvellement questionné et le maniement du dispositif cinématographique comme capables d’interroger, voire de susciter une autre subjectivité des femmes. Nous intégrons différentes approches théoriques dans l’analyse des films. Ainsi, la psychanalyse, le féminisme, la théorie queer, la sémiologie, l’esthétique vont enrichir notre réflexion sur le regard des femmes chez nos trois femmes cinéastes
Classic films have created a stereotypical image of women by setting deterministic standards for female personality, her role and what is meant by ‘being a woman’. These standards might supplant reality, as they minimize the diversity of female figures. Feminism has long fought against gender stereotypes. This study examines films by Agnès Varda, Chantal Akerman and Catherine Corsini in order to understand the construction of femininity through intimate and social relations. In their films, each filmmaker develops unique approaches to produce images of the female body and its subjectivity. Psychoanalysis sheds light on the questions of female subjectivity related to the notions of desire, pleasure, and sexuality. It allows us to appreciate the mechanism of the camera arousing the viewers’ fantasies, as well as the possibility of a positive objectification of the complex female figure. This study first focuses on the relationships between women, such as the mother-daughter relationship and the homosexual relationship. It then explores the socio-cultural context in which the female characters live through an analysis of language, narration and space in the films, namely the filmmakers’ styles, aesthetics and narrative choices in the life of women. It examines how gender can influence the camera’s perspective and how it can question, or even produce, a new female subjectivity. Psychoanalysis, feminism, queer theory, semiology and aesthetics are all approaches which support and expand the analyses of female perspective as developed by the three women filmmakers

L’œuvre d’Antonioni constitue un champ privilégié pour initier une étude du paysage dans l’art cinématographique. Notre étude se focalise sur le dépaysement cinématographique d’Antonioni, de Blow up (1966) à son retour en Italie avec Identification d’une femme (1982). Notre étude vise à marquer l’importance d’une conception mouvante et cinéplastique du paysage, intégrant la question du montage, du mouvement (de l’image et dans l’image), pour dégager les forces rythmiques, métamorphiques et plastiques de l’image-paysage au cinéma. A partir de ces forces, nous souhaitons ouvrir la question du paysage à l’aune de la notion de dépaysement. Le dépaysement constitue un matériau opérant pour penser l’image cinématographique, sa déterritorialisation, son mouvement. Dépayser le paysage entraîne chez Antonioni un dialogue avec l’Histoire de l’art qui implique de repenser les questions esthétiques majeures du XXème siècle (de l’abstraction à l’art informel, en passant par le Land Art et la performance) dans le champ d’une étude cinématographique. La question du dépaysement nécessite de proposer de nouveaux outils pour penser le paysage au cinéma. Nous proposons de nommer « entre-paysage » la constitution d’un paysage qui intègre les processus propres à l’image cinématographique dans sa plastique, en nous appuyant sur les notions d’intervalle et d’entre-image. Un « entre-paysage » cinématographique, tel qu’il est possible de le définir dans l’œuvre d’Antonioni, ouvre une mobilisation plastique de l’image-paysage qui nous permet d’interroger en retour la pratique artistique contemporaine
The work of Antonioni is a fertile field to study landscape in cinematographic art. This study focuses on Antonioni's cinematographic disorientation, from Blow up (1966) to its come-back in Italy with Identification of a woman (1982). My work aims at showing the importance of a changing and cineplastic vision of landscape which integrates the question of editing, motion (of image and inside the image itself), in order to highlight the rhythmic, metamorphic and plastic strenghts of the image-landscape in the cinema. Having shown these strenghts, I intend to interrogate the question of landscape from the notion of disorientation. Disorientation represents an operating materiel to think the cinematographic image, its deterritorialisation, its motion. Disorientating landscape in Antonioni's work leads to a dialogue with art history, which implies to rethink the major aesthethic questions of the 20th century (from abstraction to informal art, by Land-Art and performance) in the context of a cinematographic study. The question of disorientation requires new tools to rethink landscape in the cinema. I suggest to name « inter-landscape » the constitution of a landscape which integrates peculiar to image in its plastic processes relying on notions suchs as interval and inter-images. A cinematographic « inter-landscape », as can be define from the work of Antonioni, offers a plastic mobilisation of the image-landscape which allows to interrogate, in turn, contemporary artistic practice

Les différents tabous dans le contact entre sexes dans la culture musulmane, conduisent à questionner la relation entre les fondements moraux et institutionnels, et la représentation de la sensualité à l'écran. L'évolution de l'expression de la sensualité dans le cinéma tunisien est atypique : elle est passée d'un régime de permissivité au cours des années 1960-1970 à un régime de restrictions et d'interdits. Les paradoxes de l'évolution sont que le discours libéral a disparu. Le problème central est le rapport de possession de l'homme au nu féminin, et de manière annexe, son approche de la sensualité, de l'érotisme, et de tout ce qui touche, de près ou de loin; le contact. La séparation des sexes est comblée par le voyeurisme, qui prend pour objet un monde féminin fantasmé et parfois menaçant. L'axe dramatique qui conditionne le traitement cinématographique de la sensualité, est la séparation spatiale et sociale des sexes.Qu'entend-on par sensualité dans un système de séparation des sexes ? La sensualité est le plaisir même, en passant par le regard, le toucher et par l'apparence. Comment cette sensualité est-elle permise ou non permise ? Le phénomène de la séparation des sexes relatif à la société tunisienne, est marqué dans le corps lui-même par le moyen de la distinction et des types de comportements requis de part et d'autre. L'entre soi du genre peut glisser vers des thématiques homosexuelles fortement allusives
The various taboos in the contact between the sexes in Muslim culture lead to questioning the relationship between the moral and institutional foundations and the representation of sensuality on the screen. The evolution of the expression of sensuality in Tunisian cinema is atypical: it evolved from a permissive regime in the 1960s to a regime of restrictions and prohibitions. The paradoxes of this evolution are that the liberal discourse has disappeared. The central problem is the relation of man's possession to the feminine nude, and, in an ancillary manner, his approach to sensuality, eroticism, and ail that touches, near or far; the contact. The separation of the sexes is filled by voyeurism, which takes as its object a feminine world fantasized and sometimes menacing. The dramatic axis that determines the cinematographic treatment of sensuality is the spatial and social separation of the sexes. What is meant by sensuality in a system of separation of the sexes? Sensuality is the pleasure itself, passing by the look, the touch and by the appearance. How is this sensuality allowed or not allowed? The phenomenon of the separation of the sexes relative to the Tunisian society is marked in the body itself by means of the distinction and the types of behaviors required on both sides. The inter-self of the gender can slip towards heavily allusive homosexual themes

Encadré par la théorie et la méthodologie de la sémiologie des indices proposée par Anne-Marie Houdebine, ce travail analyse les relations homme/femme, sous le coup de la censure, dans le cinéma iranien postrévolutionnaire. L'analyse systémique permet de dégager d'abord les strates iconique, scénique, sonore et technique à l'intérieur du corpus des scènes de films. Ensuite, il met en évidence des éléments explicités qui montrent qu'au plan formel existe un certain nombre de récurrences dans toutes les scènes analysées quel que soit le film travaillé. Au plan de l'expression, une grammaire formelle de la relation homme/femme dans le cinéma iranien a été dégagée. Au plan du contenu, des illusions de proximité et de rapprochement, des déclarations d'amour, des propositions sexuelles, de l'érotisme ainsi que des relations amoureuses et sexuelles surgissent à travers différentes configurations syntagmatiques des indices tels que le regard, le geste avorté, la scène de retour, l'enfant, l'objet symbolique, l'extérieur, l'intérieur, la voiture, la cour, le hors champ, la transition et la musique. En construisant son espace comme l'architecture iranienne traditionnelle entre l'externe (espace réservé aux invités et aux étrangers à la famille) et l'interne (espace privé) mais également en s'emparant des figures de styles à l'instar de la poésie iranienne classique, le cinéma iranien parle pudiquement de l'amour et créé ainsi sa propre iranité concernant les relations homme/femme.

Lors de la réalisation de Shoah (1985), Claude Lanzmann a accumulé 350 heures de rushes. Ces images inédites constituent le point de départ pour une réflexion sur la genèse du film, à savoir, le rapport entre le visible et l'invisible, le montage et l'archive. Face à l'ampleur de ce fonds, cette étude s'attache en particulier à la représentation des femmes. Tandis que les critiques féministes du film soulignent leur absence, nous soutenons que Shoah est traversé par des voix de femmes. Outre une analyse détaillée de ces représentations par la parole, il s'agit donc d'approfondir cette thématique du non-visuel à partir d'un travail des rushes des interviews avec des survivantes filmée? durant le tournage du film. De même, nous analysons la manière dont la représentation verbale des survivantes dans Shoah s'oppose à la présence visuelle des personnages féminins dans certaines représentations cinématographiques - soit des films, soit des témoignages filmés dans le cadre d'un procès - de « l'Holocauste » réalisés entre 1946 et 1985
This dissertation reconsiders the representation of women in Claude Lanzmann's Shoah. While Lanzmann's documentary established a new paradigm for the limits of representation - which, as I demonstrate, contrasts with the visual presence of women in Holocaust films before Shoah -feminist readings have persisted in decrying the limited visual presence of women in the film Shifting the value from the image to the voice, I make a case for the cinematic significance GJ absence by mapping the acoustic spectrum which renders women present despite their invisibility. I argue that Shoah is traversed by the voices of women — both spoken and remembered. Vocal representations of women thus trace a path toward the unrepresentable image that haunts the film in its entirety: death itself. In Shoah, women tread between the image and its absence: the testimonies of the four women survivors in the film, which culminate in an untranslated song in Yiddish; the appearance and disappearance of the interpreters (all women), whose voices weave through the film pointing to the displacement of one language to another and to what is irreparably lost in translation the men who remember women — and their words — inside the gas chambers. Probing this intimacy of image and absence, I have been led to study the film's outtakes ; the most outstanding feature of these interviews is the ever-unstated but always present choices that constitute the film as it stands, but are themselves both unseen and unvoiced; any critical reflection on the film must concern itself with its making — that is, the arbitration between visibility and invisibility, presence and absence, montage and archive

La présente thèse étudie les rapports homme-femme dans les films québécois les plus populaires. En mettant à profit les théories féministes du cinéma (les théories de l’identification), les études de genre (Gender Studies) et les études culturelles (Cultural Studies), la thèse tente de comprendre deux phénomènes: la surreprésentation des hommes par rapport aux femmes dans les films québécois les plus populaires et le décalage entre la représentation du statut des femmes au cinéma, traditionnel et confiné à la sphère privée, par rapport à leur statut, plus émancipé et équitable, dans l’univers social québécois. La thèse propose d’étudier la mise en scène filmique des hommes et des femmes. L’argumentaire se divise en quatre parties, qui correspondent aux quatre lieux du développement de la masculinité dans les films québécois les plus populaires : le rapport des hommes à la figure héroïque, au père, au couple et à la gang de chums. Le travail présenté consiste en une analyse stylistique des principaux films emblématiques de la masculinité en misant plus particulièrement sur le dispositif narratif, ainsi que la perspective et la voix narratives. Mots-clés: Film populaire québécois, masculinité, masculinocentrisme, féminisme, perspective narrative, études de genre, études culturelles et théorie de l’identification.
This thesis gives a detailed study of the relationships between men and women in Quebecois most popular movies. Building on the feminist film theories (identification theories), gender studies and cultural studies, the thesis tries to make sense of two phenomena: the overrepresentation of men compared with women in the Quebecois most popular movies and the discrepancy in the representation of the status of women in films, traditional and confined to the private space, lagging “behind” the more emancipated and equitable status that they have in the social universe of Quebec. The thesis proposes to study the cinematographic staging of men and women. The argument is divided into four parts, which correspond to the four sites of the construction of masculinity in Quebecois most popular movies: the relationship between men and, respectively, the heroic figure, the father, the couple, and the friends (gang de chums). The work consists of a stylistic analysis of the main emblematic films of masculinity, focusing on the narrative device and the narrative perspective and voice. Mots-clés: Quebecois popular movies, masculinity, masculinocentrism, feminism, narrative perspective, Gender Theory, Cultural Studies and Identification Theory.

La présente thèse s’organise comme une étude du cinéma brésilien contemporain visant à mettre en évidence la constitution des regards féminins. Cette étude s’appuie sur l’analyse filmique pour circonscrire un modèle esthétique en opposition au regard dominant qui structure la majorité de la production cinématographique. Il propose une perspective distincte de la théorie féministe classique, moins focalisée sur des paires d'opposés historiquement consacrées (masculin versus féminin), et qui se concentre davantage sur ce que les films offrent comme indices d’une organisation symbolique. L’ambition est de déceler la constitution d’un regard féminin cinématographique, et de décrire les traits structurels de ceux-ci
The present thesis is a study of contemporary Brazilian cinema focused on the constitution of female gazes. This study is based on film analysis and aims to describe an aesthetic model in opposition to the dominant (male) gaze that structures the majority of film production. It develops a perspective that distinguishes itself from classical feminist theory, by means of a shift in focus from the historically consecrated pair of opposites (masculine versus feminine) to an emphasis on what films offer as indications pointing to new symbolic structures. Its goal is to shed light on the constitution of a cinematic female gaze, and to describe the structural lines that define it

Ce travail se pose pour objectif de démontrer la coïncidence de deux phénomènes, l'écriture subjective et le found footage film, tout en articulant des approches différentes autour des problèmes de l'autoportrait et de l'écriture subjective au cinéma, de la représentation de l'identité de genre, de l'histoire et de la critique du film d'avant-garde. Le rapprochement des notions de réécriture filmique (Marie-Claire Ropars) et d'entre-images (Raymond Bellour) conduit d'abord à la problématisation d'une question centrale concernant la pratique de l'autoportrait : le rapport de ressemblance entre le référent et l'objet de la représentation. L'analyse de films de remploi, réalisés dans le cadre de la production cinématographique féminine à partir des années quatre-vingt, articule ultérieurement la réflexion au vu des débats occasionnés autour de la valeur du remploi artistique du film d'archive – entendu en tant qu'outil de ré-évaluation générale du cinéma comme dispositif (Christa Blümlinger) – aussi bien que de la répétition (Judith Butler) entendue en tant que stratégie pour dévoiler et mettre en discussion les mécaniques sous-jacents à la représentation de l'identité de genre. En valorisant la nature physique et matérielle des travaux analysées et en prenant en considération le contexte bio-politique de la réflexion post et trans-féministe, cette thèse vise enfin à définir le corps comme support et modèle d'une « micro-politique du soi » dont la réécriture se ferait instrument spécifique dans la détermination d'une subjectivité à la fois intermédiaire et inter-médiale, associée par un lien charnel aux technologies mais, dans le même temps, libre de la « chair » de l'image
This work aims to study the coincidence between two phenomenons, subjective writing and found footage film, articulating different approaches around themes as filmic self-portrait and subjective writing, gender identity representation, the history and the critique of avant-garde film. Through the link between the notions of réécriture filmique (Marie-Claire Ropars) and entre-images (Raymond Bellour), this thesis problematise one of the main topic of self-portraiture practice: the resemblance bond between the referent and the object of representation. The analysis of “second hand” films – realized in the frame of woman's avant-garde cinema since the eighties – allowed me to articulate this theoretical reflexion in the light of recent debates around found footage film. Following the researches of Christa Blümlinger, I focused notably on the practice of reusing archive films as a form of analysis, critic, and reevaluation of cinema as a dispositif. Secondly, according to Judith Butler, I interpreted repetition as a strategy to discuss and dismantling the underlying mechanisms of gender identity representations. Finally, putting a specific emphasis on the physical and material nature of the work analysed, I highlighted a precise relationship between the material body of the filmic archive and the natural body of the artists. In this sense, the bio-political context of post and trans-feminist self-representation practices permitted me to conceive the natural body as both a surface and a medium of rewriting, shaping and determining an intermediate subjectivity which is linked “fleshly” to technologies as well as it is “freed” from the flesh of the image

Par une pratique ouverte et éclectique, j'ai décidé d'orienter mon travail de recherche de maîtrise vers une étude libre du cinéma d'animation. Mon approche de la création est frivole bien qu'elle s'inscrive dans un cadre méthodique et rigoureux. La réalisation de trois films d'animation m'a permis d'analyser le concept de ligne, de construction et de corps afin de tisser des liens avec les autres arts comme la céramique et l'impression numérique. La synthèse de mon travail est présentée dans le cadre d'une exposition à La Bande Vidéo du 13 janvier au 5 février 2017 sous le titre À peu près prêt(e).

Starting with a contextual characterization of the concepts of “women”, and “traditions”, this dissertation examines the position of women facing African traditions, particularly through some of their practical manifestations: excision, polygamy and levirate. This dissertation focuses on the description of the ontological, social and cultural bases of these traditional practices in order to reflect on their links to ancestral believes. This study explores how social representations are reflected in a corpus of five novels and three films, chosen in connection with their pertinence to the subject. In this respect, the ideological and philosophical position of the authors regarding those ancestral practices is analyzed. In such a respect, it is important to mention Fatou Keita in Rebelle, Mariama Barry in La Petite Peule, Mariama Bâ in Une si longue lettre, Habibatou Traoré in Sidagamie, Dieudonné Nkounkou in Le lévirat, on the one hand, Sembène Ousmane in Moolaadé and Xala, Cheick Oumar Sissoko in Finzan, on the other hand. My analysis explores the attitudes of female heroines who revolt against their oppressive patriarchal environments and it reveals the necessity of questioning those behaviors and habits of mind that perpetuate the subjugation of women in the name of tradition. I also review perceptions of ancestral practices in West Africa, first by women themselves and then by society as a whole. This study brings to light some of the most traditional and egregious abuses against women that are rooted in West African ancestral traditions, particularly against those women living in rural areas. I consider, for example, the various systems of mystification that allow the oppression of women to persist today in the name of tradition. While this study points out the urgent need to overcome certain negative aspects of West African traditions, it also acknowledges the benefit of valorizing positive elements of traditional life and cultural experience, even more than we already do presently.

En adaptant des oeuvres romanesques au cinéma, - La vie criminelle d'Archibald de la Cruz (1953), El (1955), Le journal d'une femme de chambre (1964), Belle de jour (1967), Tristana (1969) et Cet obscur objet du désir (1977) -, Luis Buñuel entend dénoncer les freins qui brident les individus et qui constituent une entrave à leur désir. Le véritable désir, souvent refoulé dans l'inconscient, se manifeste dans les rêves et les fantasmes. De même, des événements, qui semblaient relever du pur hasard dans un premier temps, traduisent, en réalité, l'inconscient des personnages. Le cinéaste nous révèle les impasses de la morale à travers un questionnement qui porte sur les notions de perversion et de déviance - masochisme, sadisme et fétichisme -, auxquelles peut conduire l'inhibition des pulsions. Toutefois, les personnages pervers privilégient souvent l'attente à la réalisation de l'acte lui-même, en élaborant notamment des mises en scène. Le temps constitue un facteur d'autant plus important qu'il peut conduire à une cicatrisation des blessures, à une guérison ou, pour le moins, à une rémission
By doing a screen adaptation of novels - La vie criminelle d'Archibald de la Cruz (1953), El (1955), Le journal d'une femme de chambre (1964), Belle de jour (1967), Tristana (1969) and Cet obscur objet du désir (1977) -, Luis Buñuel intends to denounce the brakes that curb individuals and are an impediment to their desire. The genuine desire, which is often repressed by the unconscious mind, manifests itself in dreams and fantasies. Similarly, events that initially seemed to be the result of pure chance, are actually reflective of the character's unconscious. The film maker reveals the deadlocks of the moral, through a questioning process about the concepts of perversion and deviance - masochism, sadism and fetichism - to which the inhibition of impulses can lead. Nevertheless, the perverse characters often give precedence to the expectation over the achievement itself of the act, especially through set scenes. Time is an important factor, especially since it can lead to a wound healing, to a complete cure or, at least, to a remission

La littérature et le cinéma Indiens contemporains s’inscrivent dans une dynamique qui va de pair avec les profondes mutations socio-économiques qui touchent l’Inde depuis la fin des années mille neuf cent quatre vingt. En effet, de nombreux romans et films se caractérisent par une liberté d’expression qui aborde de nombreux sujets autrefois considérés comme tabous. Le vent du renouveau qui balaie l’Inde est également marqué par l’augmentation du nombre d’auteures et de réalisatrices qui placent la femme au coeur de leurs récits et de leurs intrigues. Ainsi, l’objectif de cette étude est de montrer d’une part, comment l’image de la femme Indienne passive et soumise a été construite pendant le long processus de colonisation, d’autre part, comment la littérature et le cinéma contemporains tentent de réhabiliter la place de la femme dans l’histoire afin de construire une représentation nouvelle et dynamique qui symbolise la femme Indienne des années deux mille. Les romans respectifs d’Anita Nair et de Githa Hariharan, Compartiment pour dames et Les Mille visages de la nuit, tout comme les films Fire, Water de Deepa Mehta ainsi que Le Mariage des moussons de Mira Nair s’inscrivent dans un mouvement de résistance où l’agentivité des héroïnes témoigne de la volonté et de la difficulté de s’affranchir de trois siècles de mise à la marge. Dans une première partie, nous proposons de parcourir l'histoire, celle qui a attribué à l'homme des capacités supérieures à celles de la femme, lui conférant par extension une autorité, un pouvoir de domination. Cette approche historique et sociologique permet de comprendre comment ont été construits les liens qui unissent l'humain et le divin en Inde. Notre regard se posera également sur les bouleversements conséquents engendrés par la colonisation britannique. Cette période de l'histoire de l’Inde sera analysée afin de mettre en évidence les modes opératoires par lesquels l’empire britannique est parvenu à imposer un mode de vie fidèle à sa vision du monde tout en excluant les femmes des sphères décisionnelles afin de les « consigner » dans l'espace domestique. La seconde partie de la thèse analyse l'espace familial, devenu le lieu par excellence de reproduction des postulats androcentriques. Cet espace privé sera observé de près et nous nous engagerons dans une démarche qui combine psychanalyse et sociologie afin de démontrer l’importance de la construction du féminin dans le processus de déconstruction identitaire. Nous porterons une attention particulière au rôle jouer par la mère dans le processus de reproduction. La position ambivalente qu’elle occupe conduit souvent à une fragmentation entre l’être physique, l’être social et l’être psychique. La psyché devient alors un espace habité par le doute et la peur tout en étant l'ultime refuge de réconfort. Ce décentrement entre le corps et l'esprit nous emmènera dans le domaine de la psychosomatique, là où le rêve est le lieu privilégié de la reconstruction psychique. Nous observerons également les stratégies utilisées par les romancières et les cinéastes afin d’entamer le processus de reconstruction identitaire de leurs héroïnes. La troisième partie s'intéresse au cinéma et à la littérature à travers leur complémentarité. Dans un premier temps, nous retracerons l’histoire du cinéma de la marge et nous soulignerons son caractère engagé qui le différencie de certains cinémas populaires tels que bollywood. Par la suite, nous effectuons un rapprochement entre le roman et son adaptation au cinéma afin de mettre en évidence la complémentarité des oeuvres ainsi que la notion de solidarité qui représente un point essentiel dans ce travail collaboratif. En effet, les cinéastes de la diaspora que sont Deepa Mehta et Mira Nair, ont développé une approche militante et solidaire que l’on retrouve aussi bien dans l’écriture du script que dans le choix des acteurs et des actrices
Contemporary Indian literature and cinema are part of a dynamic that goes hand in hand with the profound socio-economic changes that have affected India since the end of the nineteen eighties. Indeed, many novels and films are characterized by a freedom of expression that touches on many subjects that were once considered taboo. The wind of renewal sweeping India is also marked by the increase in the number of writers and directors who place women at the heart of their stories and intrigues. Thus, the objective of this study is to show, on the one hand, how the image of the passive and submissive Indian woman was constructed during the long process of colonization, on the other hand, how contemporary literature and cinema attempt to rehabilitate the place of women in history in order to build a new and dynamic representation which symbolizes the Indian woman of the 2000s. The respective novels of Anita Nair and Githa Hariharan, Ladies' Compartment and The Thousand Faces of the Night, as well as the films Fire, Water by Deepa Mehta as well as The Marriage of the monsoons by Mira Nair are part of a resistance movement. where the agency of the heroines testifies to the will and the difficulty of freeing oneself from three centuries of marginalization.In the first part, we propose to walk through the history, that which attributed to the man capacities superior to those of the woman, conferring upon him by extension an authority, a power of domination. This historical and sociological approach allows us to understand how the links which unite the human and the divine in India were built. Our gaze will also focus on the consequent upheavals engendered by British colonization. This period of Indian history will be analyzed in order to highlight the modus operandi by which the British Empire succeeded in imposing a lifestyle faithful to its vision of the world while excluding women from decision-making spheres in order to "consign" them in the domestic space.The second part of the thesis analyzes the family space, which has become the place par excellence for the reproduction of androcentric postulates. This private space will be closely observed and we will engage in an approach that combines psychoanalysis and sociology in order to demonstrate the importance of the construction of the feminine in the process of identity deconstruction. We will pay particular attention to the role played by the mother in the reproductive process. The ambivalent position it occupies often leads to a fragmentation between the physical being, the social being and the psychic being. The psyche then becomes a space inhabited by doubt and fear while being the ultimate refuge of comfort. This shift between body and mind will take us to the field of psychosomatics, where dreams are the privileged place for psychic reconstruction. We will also observe the strategies used by novelists and filmmakers to begin the process of rebuilding the identity of their heroines.The third part focuses on cinema and literature through their complementarity. First, we will retrace the history of cinema from the sidelines and highlight its committed character that sets it apart from some popular cinemas such as Bollywood. Subsequently, we make a connection between the novel and its adaptation to the cinema in order to highlight the complementarity of the works as well as the notion of solidarity which represents an essential point in this collaborative work. Indeed, diaspora filmmakers Deepa Mehta and Mira Nair have developed an activist and united approach that can be found both in the writing of the script and in the choice of actors and actresses. This activism will be illustrated by examples that highlight the many instances of agency staged in order to build a dynamic image of women in India

La problématique centrale de ce travail repose sur l'étude de la construction de nouvelles figures mythiques dans le cinéma espagnol de l'après-franquisme (1975-1995). Pendant la période de la transition (1975-1983), plusieurs nouvelles images se révèlent sur le corps féminin, le corps homosexuel, et le corps délinquant. Etudier l'introduction des nouvelles images-pensées de ces corps, permet de cerner un processus de construction. La démarche adoptéé comprend d'abord une définition des nouveaux mythes en tant que nouveaux systèmes de croyances exprimés par de nouvelles images-pensées sur le corps : à un niveau latent, le corps fait référence à un archétype, à un niveau manifeste le corps s'articule et s'actualise par une image-pensée en symbolisant à la fois des corps stéréotypes, prototypes, clichés. .
This thesis presents the process of constructing new mythological figures in Spanish cinema after Francoisme (1975-1995). During the transition period (1975-1983) various new images emerged in Spanish film concerning the female body, homosexual body and delinquent body. It is by analysing the appearance of the new thought-images of these bodies that we can understand the process of constructing new myths in Spanish cinema. The discussion begins with the definition of myths as systems of beliefs expressed by new thought-images of the body. Then, it is shown how the body can be referred to different kinds of archetypes (femme fatale, mother figure, male heroism, etc. ). Finally, it is demonstrated how the body expressed these archetypes through its thought-images in a contemporary language symbolising possibly stereotypes, prototypes and clichés. .

Les théoriciens de la voix cinématographique, tels Michel Chion, Rick Altman, Mary Ann Doane et Kaja Silverman, évitent une réflexion sur l’expression des rapports de sexe en relation avec l’appartenance raciale ou la question postcoloniale. Au contraire, l’afro-américaine Julie Dash et la vietnamo-américaine Trinh T. Minh-ha se servent de la « caméra-stylo » afin de déconstruire le paradigme dominant de la voix selon lequel l’image serait source de la voix. Les films, Illusions et Daughters of the Dust de Dash, et Reassemblage, Naked Spaces et Surname Viet Given Name Nam de Trinh, désignent l’épistémologie comme un enjeu : les hommes blancs se servent de ce levier que constitue la fabrique de la voix pour investir le lieu du savoir. Ce faisant, ces deux cinéastes contemporaines élaborent un paradigme féministe. La voix masculine transcendante est remplacée par la voix immanente et polyphonique des femmes de couleur. Dash expose les techniques cinématographiques vocales et pratique un montage qui établit une vraisemblance avec la réalité. Nous sommes enveloppés par les voix de ses personnages. Trinh nous fait comprendre « l’architecture » du langage vocal cinématographique et opère un montage qui suspend la continuité. Elle nous incite à en découdre avec des éléments disparates. À travers certains procédés (voix synchronisée/voix désynchronisée par exemple), les femmes portent témoignage de la violence des hommes. Elles révèlent que la justice de la loi du Père est aussi illusoire que la voix cinématographique. D’objet épistémologique, la voix des femmes de couleur devient outil politique : elle détient la promesse de changer les mentalités et de fait, les lois de la cité
The theoreticians of the cinematic voice, such as Michel Chion, Mary Ann Doane and Kaja Silverman, do not address vocal representation as an issue of gender and its relationship to race and postcolonialism. To the contrary, two contemporary filmmakers, Julie Dash and Trinh T. Minh-ha, use their “caméra-stylo” to deconstruct the dominant paradigm of the voice which has spectators believe that the image is at the source of the voices they hear. The films, Illusions and Daughters of the Dust by Dash, and Reassemblage, Naked Spaces and Surname Viet Given Name Nam by Trinh, show us how the cinematic voice is a construction. The stakes are high: white men use this vocal illusion as a lever to impose control over the world of epistemology. As an alternative, Dash and Trinh propose a feminist paradigm. The transcendent masculine voice is replaced by the immanent and polyphonic voices of women of color. Dash reveals the cinematic techniques of vocal reproduction, and she practices a classical editing that reaches for fidelity. The voices of her characters envelope the spectators. Trinh brings to the screen an understanding of the “architecture” of cinematic language, and her editing techniques suspend continuity. The spectator’s own voice must continually intervene in the construction of meaning. Through various techniques (synchronized/a-synchronized voice), the women characters come forward to witness the violence of men. Their stories reveal that the justice of the Law of the Father is as much an illusion as the cinematic voice. Women of color therefore take up the voice as a political tool: it holds the promise of changing mentalities and, in turn, the laws of city

Les études nabokoviennes témoignent de la tendance à laisser de côté la possibilité de l’influence de la culture allemande sur l’œuvre de Nabokov. Ce principe est surtout né des propos mêmes de l’écrivain qui insista à maintes reprises sur le fait que, bien qu’il vécût en Allemagne, il ne savait pas parler allemand et évitait tout contact avec l’univers allemand. Il est vrai que l’émigration russe à Berlin représentait un État dans l’État. Cependant, les frontières entre les mondes russe et allemand n’étaient pas si étanches. Nabokov passa quinze ans à Berlin et ses livres furent traduits et publiés en allemand par une maison d’édition allemande. Des projets d’adaptation à l’écran de ses œuvres se présentèrent plusieurs fois, en particulier pour le roman Roi, dame, valet. Parmi ses œuvres composées à Berlin se trouvent au moins deux romans, Roi, dame, valet et Chambre obscure ainsi qu’une série de nouvelles décrivant l’univers allemand. Tout cela contribue à supposer que le principe établi au sujet de l’ignorance de l’influence allemande sur son œuvre n’est pas si incontestable. Notre travail a pour objectif de lire l’œuvre de Nabokov dans le contexte de l’art allemand contemporain, notamment de l’esthétique expressionniste dont nous étudions trois thèmes majeurs : la déformation du psychisme humain conduisant au dédoublement de soi, l’ambivalence de l’image féminine et la représentation de la grande ville. Un examen approfondi permet de découvrir des liens avec le cinéma muet et la peinture. Le présent travail vise à introduire un nouveau niveau de lecture des œuvres de Nabokov et à reconstruire le contexte culturel berlinois dans lequel ces dernières furent créées
The Nabokov studies have tended to ignore the possible influence of the German culture on Nabokov’s works. This position springs from the writer’s often quoted words, which stress that, although he lived in Germany, he could not speak German and avoided any intercourse with the German world. Russian emigration certainly constituted a state within the state but the borders between the Russian and German worlds were not so impenetrable. Nabokov spent fifteen years in Berlin and his books were translated and published in German by a German publishing house. There were several projects for screen adaptations of his works, in particular for the novel King, Queen, Knave. While in Berlin, he wrote at least two novels, King, Queen, Knave and Kamera Obskura (Laughter in the Dark for the revisited version by Nabokov), and a series of short stories which describe the German world. All this undermines the principle established about the ignorance of German influence.Our thesis aims at reading Nabokov’s works in the context of the German contemporary art, in particular Expressionist aesthetics. We consider three major issues, namely the distortion of the psyche, which leads to an inner division of the self, the ambivalence of the female figure and the representation of the big city. Thus an extensive analysis allows us to reveal links with German silent cinema and with painting which had eluded researchers so far. The present work aims at introducing a new dimension in the reading of Nabokov’s works and at restoring them to the cultural context of Berlin in which they were created

L’objectif de cette thèse doctorale intitulée « Les stars et la cinéphilie dans la culture cinématographique espagnole du début du XXe siècle : le cas Greta Garbo » est d’analyser l’impact que cette star a pu produire dans la société espagnole de l’époque, en tenant compte du fait que cette société était traversée par des débats ayant trait à la renégociation des rapports entre les sexes et à des questions de différenciation sexuelle. Les principales sources utilisées à cet effet sont les revues de cinématographie publiées en Espagne à la fin des années 20 et la première moitié des années 30. Ce travail étudie d’abord la réception des premiers films muets de Garbo qui impliquent l’apparition d’une image féminine inédite. Cela permet de montrer que la culture cinématographique de la fin des années 20 présente Garbo comme une véritable artiste investie d’un grand pouvoir créateur. Ensuite, au cours des années 30, la presse cinématographique révèle un changement d’orientation, ce qui est en partie lié à l’évolution du discours cinéphilique, un discours « genré » qui se construit au détriment des femmes et des stars. Dès lors, l’image de Garbo est remise en cause par une légion de journalistes qui entendent servir le prestige d’un auteur : le réalisateur du film. Ce revirement est ici interprété à la lumière des tensions que Garbo provoquait parce qu’elle incarnait un modèle féminin transgressif. La fin de ce travail montre également que l’image de Garbo était encore bien présente dans les premières années du franquisme, la culture cinématographique de cette période comprenant des similitudes et des continuités avec celles des années 20 et 30
The purpose of this doctoral thesis entitled « Stars and cinephilia in the early XXth century Spanish cinematographic culture: the example of Greta Garbo » is to analyse the influence that this star may have produced in the Spanish society at that time, taking into account that this society was going through some debates related to the renegociation of the relations between sexes and to sexual differentiation issues. The main sources used in this respect consist of the journals published in Spainthroughout the late twenties and the first half of the thirties. First of all, this research focuses on the reception of the first silent Garbo movies that implies the appearance of a new female image. By doing so, one can see that the cinematographic culture of the late twenties introduces Garbo as a real artist with a great creative power. Then, in the thirties, the Spanish film journals reveals a change ofdirection which is in part due to the evolution of cinephilic discourse, a gendered discourse which develops at the expense of women and stars. From then on, the Garbo image is questioned by a legion of journalists pretending to defend the prestige of an “auteur”: the film director. In this study, this reversal is interpreted in the light of the tensions that Garbo provoked as she embodied a transgressive female image. The end of this research also shows that the Garbo image was still alive through the first years of Francoism, the cinematographic culture of this period including similarities and continuities with the twenties and thirties’ one

L’analyse critique des personnages féminins de Marguerite Gauthier et Macabéa dans les films – Camille/ Le roman de Marguerite Gauthier, 1936 et A hora da estrela/L'heure de l'étoile, 1986 – cherche à comprendre les mécanismes par lesquels le mythe de l'éternel féminin assure sa continuité comme image-modèle des femmes contemporaines. La compréhension de ce processus ne s’achève que par l’analyse historique d’une mythologie plus ample – celle de la centralité et universalité du regard occidental –, à la base du système de représentation dominant. La première partie est consacrée à analyser les formes trouvés par ce « regard » pour représenter le corps colonisé et le corps féminin comme « l’Autre » du discours colonial patriarcal. La deuxième partie se tourne vers le corps féminin à partir de l’analyse historique du mythe de l’éternel féminin, sa subjectivation par des femmes contemporaines et le rôle de l’imaginaire médiatique dans la re-signification et permanence de ces images stéréotypés. Le personnage emblématique de Marguerite Gauthier, incarné par le mythe Greta Garbo, est au centre de cette analyse critique. La troisième partie s’attache à la réception du mythe et de ses répercussions comme espace de glissements d’identités/altérités. Dans ce parcours, la mise en évidence des personnages de ces deux femmes explicite l’acte narratif comme un acte identitaire, qui permet d’emphatiser la notion de l’« expérience » comme espace d’articulation d’autres subjectivités et d’autres regards, et proposer la mise en question du lien entre cinéma, féminin et récit
The critical analysis of the personages Marguerite Gauthier and Macabéa in the films -Camille / Le roman de Marguerite Gauthier, 1936 and A hora da estrela /The hour of the star,1986 - seeks to understand the mechanisms by which the myth of the eternal feminine ensures its permanence in contemporary women’s imaginary as an image-reference. The first section of the thesis focus the power of looking by an analytical approach between the stereotypes of the colonized body and the feminine body, identified as the “other” in the colonial discourse. The second section is a historical and critical analysis of the eternal feminine represented by the emblematic personage of Marguerite Gauthier, performed by Greta Garbo, and the resignifications of this myth by the contemporary media. The third section is a critical reflection about the feminine outsider, represented by the personage of Macabéa, by questioning the reception of the myth and its influence on the women’s creative process. This work focuses on the concept of 'experience' as a central element for the articulation of "others' perspectives, while questioning the relationship between film, feminine and narrative

De prime abord, toute l’œuvre de Cristina Comencini semble simple, légère et quasi populaire. Pourtant, elle l’une des rares auteures, dans l’Italie contemporaine à être en même temps écrivaine, scénariste, metteur en scène, dramaturge. Ces multiples facettes de sa production l’ont menée à créer une cinécriture féminine au carrefour du roman et du film, une véritable stratégie qui utilise la texture même de la langue (syntaxe et grammaire) pour rendre le message plus accessible. Cette étude prend en considération la période 1994-2007, pendant laquelle l’auteur elle se fait l’interprète des femmes au nom d'une nouvelle subjectivité et commence sa relecture de l'histoire, en particulier des années ‘70. La maîtrise des structures génériques et des moyens techniques lui permet d’innover au niveau du contenu d’abord pour proposer à partir de 2001 un nouveau « format » féminin et populaire où les sentiments privés sont le prétexte pour exprimer des sentiments politiques
At first sight, Cristina Comencini’s works may seem simple, light, almost popular. Yet, she one of the rare authors, in contemporary Italy, who is at the same time a writer, a scenarist, a film director and a playright. These multiple aspects of her work led her to create a women’s « cinécriture » which stands at the crossroad between novel and film. It is a real conscious strategy which uses the texture of the language (grammar and syntax) to render the message more accessible to anyone. This thesis takes into consideration the period going from 1994 to 2007, during which the author became the spokeswoman of the feminin cause in the name a new subjectivity and she started to reinterpretate history, in particular the period of the Seventies, so crucial for her generation. Her mastery of the different kinds of genre structures and of technical skills allowed her to renew the literary landscape, first of all in terms of subject treated. From 2001, she has been able to propose a innovatory feminin and popular « format » whereby the private feelings are the pretext to express political analysis

Dans la lignée des « romans de l’actrice » de la fin du XIXe siècle, plusieurs romanciers français et américains prolongent la fortune littéraire de cette figure au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, dans un siècle marqué par l’essor du cinéma et plus largement de la culture populaire. Il s’agit d’analyser comment la littérature perçoit et raconte ces changements à travers la figure de l’actrice, que celle-ci soit inventée ou inspirée de personnes réelles. Les romans de l’actrice du second XXe siècle se caractérisent par une forte homogénéité des enjeux narratifs et empruntent à d’autres genres, tels que le roman de l’artiste et le conte de fées. La sémiologie du personnage central est marquée par un métier qui sème le trouble dans son identité, entre le moi, les rôles et la persona et par l’importance d’un corps portant les marques hyperboliques du genre et de la beauté. Les actrices romanesques illustrent la domination masculine et bien rares sont celles qui trouvent une capacité d’agir et se font « actrices » de leur devenir. L’écriture romanesque opère ainsi une « défiguration » de la figure qui expose la déchéance derrière les images splendides, ou exacerbe ces images pour faire de la merveille un monstre. L’enjeu de ces textes est également intermédial : il s’agit, pour le roman, de se mesurer au cinéma qui l’a remplacé dans son statut de récit populaire, en imitant ses procédés mais aussi en racontant ses modes de réception dans une vision parfois iconoclaste. S’opère ainsi une réflexion sur la littérature et la culture à travers la figure de l’actrice, artiste sans œuvre propre, parfois double de l’auteur dans des jeux entre référence et fiction
Following in the footsteps of late-19th-century “actress novels”, a number of French and American novelists prolonged the literary fortunes of the actress-protagonist in the years immediately following the Second World War, in the broader context of a century heavily influenced by the rise of the cinema and, more largely, of popular culture. This dissertation analyzes how literature perceives and recounts these changes through the character of the actress, be she fictional or based on a real-life person. Actress novels of the second half of the 20th century are characterized by their predominantly homogenous narrative aims and borrow from other genres, such as the artist novel and the fairytale. The semiology of the main character is marked by a profession that confuses her identity between her own ego, her characters and her persona, and by the importance placed on her body that bears the hyperbolic markers of gender and beauty. Novelistic actresses illustrate male domination and few of them are capable of autonomous action, of becoming independent “actors” of their own destinies. Novelistic writing thereby causes a “disfiguration” of the very figure that exposes the degradation behind the splendid images, or exacerbates those images in order to transform the marvel into a monster. The goal of these texts is also intermedial: the novel is intended to be compared to cinema, which recently supplanted it in its status of popular tale, by imitating its techniques but also by recounting its modes of reception through a sometimes-iconoclastic lens. This leads to a reflection on literature and on culture via the figure of the actress, an artist without her own work, sometimes a clone of the author in a game between referentiality and fiction

Le personnage principal féminin actif du film d'horreur voit le jour dans les années 1970. Sa naissance a eu un impact important sur le genre : elle est à l'origine de l'émergence de nouveaux sous genres(le slasher, le woman's horror film, le film d'horreur/mélodrame familial et l'action/horror auquel la série Alien donne naissance dans les années 2000). Ces sous-genres se distinguent par leur structure narrative, leur mode de production et le public auquel ils s'adressent. Chacun d'entre eux accorde du reste son rôle principal à un modèle différent de personnage féminin. Le traitement réservé par ces sous-genres à la question de la relation de leurs protagonistes féminines à la société, à leur corps et à leur sexualité évolue entre 1970 et 2007. Alors que dans les années 1970, la majorité des personnages féminins héroïques du genre étaient des femmes indépendantes, entre 1980 et 1995, elles sont remplacées par des mères sacrificielles, tandis qu'entre 1996 et 2007, les femmes indépendantes refont surface et se mettent à partager le devant de la scène avec des mères-célibataires. La mutation monstrueuse ou héroïque de ces personnages dépend aussi de leur relation à leur corps : celles qui ne parviennent pas à contrôler la "nature transformable" de leur biologie féminine (celles qui tombent enceintes ou qui ont leurs règles) deviennent des monstres, alors que celles qui sont disposées à contenir leur corps, ses mutations et leurs désirs sexuels parviennent à survivre. Notre analyse chronologique de ces sous-genres montre que l'évolution de leur discours sur leurs personnages féminins est due à l'impact que les différents courants féministes qui ont traversé l'histoire des États-Unis et le(s) backlash(s) contre le féminisme ont eu sur le genre de l'horreur
The birth of the active female main character of the horror film in the 1970s has a significant impact on the genre of horror : this phenomenon prompted the emergence of new sub-genres (the slasher, the woman's horror film, the horror film/family melodrama and the action/horror to whom the Alien series gives birth in the 2000s). These sub-genres differ in their narrative structure, their production mode and the type of audience they address. Each of them grants the leading role to a different type of female character. From 1970 till 2007, the relationship of the female protagonists of horror film to the society in which they live, their body and their sexuality evolves. While in the 1970s, most of the heroic women of the genre are independent women, between 1980 and 1995, they become sacrificial mothers, and from 1996 to 2007, the independent women resurface again but are often single mothers. The ability of these female characters to become heroes or monsters is also affected by their relationship to their body : those who cannot control the "changeable nature" of their biology (i.e. those who become pregnant or have their period) turn into monsters, while those who can contain their bodies and sexual desires survive. The chronological analysis of these sub-genres shows that their discourse on their female main protagonists and the way it evolves are influenced by the different feminist currents that come to birth in the United States from 1970 till 2007 and by the backlash(es) against them

L’objectif de ce travail est d’analyser la représentation de la figure de l’héroïne en cinq oeuvres littéraires et cinématographiques: Talons Aiguilles (1991) et Tout sur Ma Mère (1999), films espagnols de fiction dirigés par Pedro Almodóvar; Estamira (2004) et Estamira para Todos e para Ninguém (2004), documentaires brésiliens en long-métrage et moyen métrage, respectivement, dirigés par Marcos Prado; et Le Dépotoir (19602), livre brésilien écrit par Carolina Maria de Jesus et édité par Audálio Dantas.Je propose d’analyser, entre autres, comment ces textes littéraires et cinématographiques façonnent et présentent ses respectives protagonistes le long de toute le récit: Rebeca (Talons Aiguilles), Manuela (Tout sur Ma Mère), Estamira (Estamira et Estamira para Todos e para Ninguém) et Carolina (Le Dépotoir).Le travail est développé en quatre chapitres. Le premier : traite des théories de représentation, de la conceptualisation et représentation de l’être héroïque, des particularités pertinentes de chaque genre (mélodrame, documentaire, journal autobiographique), et de la question d’intertextualité où chaque oeuvre s’entremêle avec d’autres types d’art. Le secondchapitre se consacre à l’analyse des questions identitaires pertinentes dans l’univers des personnages principaux, considérant son constant dialogue avec le lecteur/spectateur. Le troisième et quatrième chapitres décrivent les stratégies d’éloignement et d’approximation des héroïnes par rapport au lecteur/spectateur, observées dans les textes filmiques et littéraires.Talons Aiguilles raconte la vie de deux femmes – mère et fille – qui vivent des moments différents. La mère, la chanteuse et actrice fameuse Becky Del Páramo (Marisa Paredes), revient à Madrid, sa ville natale, où elle prétend passer ses derniers jours. Elle retrouve sa fille Rebeca (Victoria Abril) aprés quinze ans de séparation. La jeune fille n’a jamais pu surmonter le désir d’imiter sa mère.Tout sur Ma Mère représente la souffrance de Manuela (Cecília Roth), qui perd son fils unique, Estéban (Eloy Azorín) peu avant de lui raconter toute la vérité sur son père. Elle décide alors de revenir à Barcelone pour retrouver son ex-mari Estéban (Toni Cantó). Celui-ci, peu avant de l’enfanter, avait décidé de devenir le travesti Lola.Estamira et Estamira para Todos e para Ninguém, racontent l’histoire d’Estamira Gomes de Souza (1939-2011), une brésilienne qui souffre de troubles mentaux et durant près de deux décennies vit et travaille au dépotoir d’ordure du Jardim Gramacho, à Rio de Janeiro, dans de terribles conditions de vie.Le Dépotoir raconte les confidences quotidiennes de Carolina Maria de Jesus entre 1955 et 1960. L’édition a été faite par Audálio Dantas, qui lut les vingt cahiers contenant les récits de l’auteur. Dans ce livre, Carolina décrit sa routine comme favelada au côté de ses trois enfants et d’autres qui, comme elle, lutent pour survivre à la misère dans le bidonville duCanindé, à São Paulo, aujourd’hui démoli. Pour dévoiler les intentions implicites des films, j’utilise comme méthodologie, l’analyse des commentaires des personnages et l’observation des autres composants littéraires ou filmiques, comme la gestuelle, le dialogue, le scénario, les figurines, le lieu, l’atmosphère, le montage. En proposant cette analyse je me base sur des théoriciens tels que MichelFoucault, Stuart Hall, Mikhaïl Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido et Anatol Rosenfeld
The purpose of this thesis is to analyze the representation of the heroine figure through five works of cinema and literature: High Heels (1991) and All About My Mother (1999), both Spanish fiction films directed by Pedro Almodóvar; Estamira (2004) and Estamira para Todos e para Ninguém (2004), respectively full-length and medium-length Brazilian documentaries, directed by Marcos Prado; and Child of the Dark: the Diary of Carolina Maria de Jesus (1960)3, a Brazilian book written by Carolina Maria de Jesus and edited by Audálio Dantas.I intend to analyze, among other aspects, how these literary and cinematographic pieces assemble and display their respective protagonists throughout the entire narrative: Rebeca (High Heels), Manuela (All about My Mother), Estamira (Estamira and Estamira para Todos e para Ninguém) and Carolina (Child of the dark: the diary of Carolina Maria deJesus).This thesis is segmented in four chapters, the first being the one which concerns the theories of representation; the conceptualization and representation of the heroic being; the peculiarities applicable to each genre (melodrama, documentary, autobiographical diary), and the interchange that each piece establishes with other types of art throughout the narrative. For the second chapter, I contemplate the analysis of identitary issues concerning the main characters’ universe, heeding the on-going dialogue from the given parts towards the reader/ spectator. For the third and fourth chapter, I analyse the strategies of distancing and approaching of the heroines regarding the reader/spectator, strategies which have beenpinpointed all over the cinematic and literary texts.High Heels is a film, which tells the story of two women - mother and daughter - who experience different moments. The mother, the famous singer and actress, Becky Del Páramo (Marisa Paredes), returns to Madrid, her hometown, where she wishes to spend the last days of her life. There she reunites with her daughter Rebeca (Victoria Abril) after having spent 15years apart. The daughter failed to overcome the desire to emulate her mother.All about My Mother represents the suffering of Manuela (Cecília Roth), who has lost her only son, Estéban (Eloy Azorín), just before she tells him all the truth concerning his father. The woman then decides to come back to Barcelona to meet her ex-husband, Estéban. The man, soon before impregnating her, had decided to turn into the transvestite Lola (Eloy Azorín).Estamira and Estamira para Todos e para Ninguém narrates the story of Estamira Gomes de Souza (1939 -2011), a Brazilian woman who has a mental disorder and has been working for more than twenty years at a landfill in Jardim Gramacho, in Rio de Janeiro, under appalling living conditions.Child of the dark: the diary of Carolina Maria de Jesus reveals the daily chronicles of Carolina Maria de Jesus from 1955 to 1960. The editing was done by Audálio Dantas, who has read all the twenty notebooks, in which the writer’s reports were found. In the book, Carolina documents her everyday life as a slum woman besides her three children, and others,who share the same eagerness to get over the extreme poverty in Canindé, an extinct shanty town, in São Paulo.Having in mind the process of unveiling the implicit intentions of the films, I choose to use as a methodology the analysis of the characters’ speech and the observation of other literary or cinematographic components, such as gesture, screenplay, settings, costume, location, atmosphere, and assembly. This analysis is based in theorists such as Michel Foucault, Stuart Hall, Mikhail Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido and Anatol Rosenfeld
O objetivo deste trabalho é analisar a representação da figura de heroína em cinco obras de cinema e literatura: De Salto Alto (1991) e Tudo sobre Minha Mãe (1999), filmes espanhóis de ficção dirigidos por Pedro Almodóvar; Estamira (2004) e Estamira para Todos e para Ninguém (2004), documentários brasileiros em longa-metragem e média-metragem,respectivamente, dirigidos por Marcos Prado; e Quarto de Despejo: diário de uma favelada (19601), livro brasileiro escrito por Carolina Maria de Jesus e editado por Audálio Dantas.Propõe-se a análise do modo como esses textos cinematográficos e literário constroem e apresentam suas respectivas protagonistas ao longo de toda a narrativa: Rebeca (De Salto Alto), Manuela (Tudo sobre Minha Mãe), Estamira (Estamira e Estamira para Todos e para Ninguém) e Carolina Maria de Jesus (Quarto de Despejo: diário de uma favelada).O trabalho é desenvolvido em quatro capítulos, sendo que o primeiro trata das teorias de representação, da conceituação e representação do ser heroico, das peculiaridades pertinentes a cada gênero (melodrama, documentário, diário autobiográfico), e do diálogo que cada obra trava com outros tipos de arte ao longo das narrativas. No segundo capítulo, aproposta é analisar as questões identitárias pertinentes ao universo das personagens principais, considerando o constante diálogo dessas com o leitor/espectador. No terceiro e quarto capítulos, discorre-se sobre as estratégias de distanciamento e aproximação das heroínas com relação ao leitor/espectador, observadas ao longo dos textos fílmicos e literário.De Salto Alto é uma obra que conta a vida de duas mulheres – mãe e filha – que vivem momentos diferentes. A mãe, a cantora e atriz famosa Becky Del Páramo (Marisa Paredes), retorna a Madri, sua cidade natal, onde pretende passar seus últimos dias. Ela reencontra sua filha Rebeca (Victoria Abril), depois de quinze anos de separação. A moça nunca superou o desejo de imitar a mãe.Tudo sobre Minha Mãe representa o sofrimento de Manuela (Cecília Roth) que perde seu filho único, Estéban (Eloy Azorín), pouco antes de contar a ele toda a verdade sobre seu pai. A mulher resolve voltar à cidade de Barcelona para reencontrar o ex-marido, Estéban. O homem, pouco antes de engravidá-la, havia decidido se tornar o travesti Lola (Toni Cantó).Estamira e Estamira para Todos e para Ninguém contam a história de Estamira Gomes de Souza (1939-2011), uma brasileira que sofre de distúrbios mentais e que durante cerca de duas décadas vive e trabalha no Lixão do Jardim Gramacho, no Rio de Janeiro, em péssimas condições de vida.Quarto de Despejo: diário de uma favelada revela os escritos diários de Carolina Maria de Jesus entre 1955 e 1960. A edição foi feita por Audálio Dantas, que leu os vinte cadernos onde se encontravam os relatos da autora. No livro, Carolina descreve sua rotina como favelada ao lado dos três filhos e de outras pessoas que, como ela, lutam para sobreviver à miséria na hoje extinta favela do Canindé, em São Paulo.Para o processo de desvendamento das intenções implícitas dos filmes, opta-se por utilizar como metodologia a análise do discurso das personagens e a observação de outros componentes literários ou fílmicos, como o gestual, o roteiro, o cenário, o figurino, a locação, a atmosfera, a montagem. Propõe-se uma análise com base em teóricos como MichelFoucault, Stuart Hall, Mikhail Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido e Anatol Rosenfeld

- A ce jour, le premier film réalisé dans une région du Québec est un film d’Ernest Ouimet sur l'incendie qui dévasta Trois-Rivières en 1908. Depuis, plusieurs films ont été tournés dans toutes les régions du Québec. Cette thèse cherche à mettre en valeur la production des films régionaux, depuis près de 75 ans, au Québec. Trois grandes périodes sont analysées plus en profondeur. - La première partie étudie la production de films entre 1925 et 1940. La plupart des cinéastes québécois d'alors sont des prêtres et voient dans le cinéma un magni-fique instrument de propagande et d'éducation. Mgr Albert Tessier, de la Mauricie, et l’abbé Proulx, du bas de Québec, sont reconnus par l'histoire cinématographique récente du Québec. Mais qu'en est-il de l’abbé Imbault, de l’abbé Cyr et de l'abbé Lafleur ? Ce dernier a réalisé plus de 50 films à peu près inconnus de tous, dont une production inestimable sur les amérindiens du Québec. - La deuxième partie cherche à rendre compte des films régionaux de 1945 à 1965. Cette fois, c'est l'expérience de l'équipe française de l'ONF qui retient notre attention. Pourquoi de cette période, gardons-nous en mémoire des films tournés en région (les raquetteurs, pour la suite du monde, les bucherons de la manouane. . . ) ?
Since the beginning of cinema, several films have been made in the regions of Quebec. Our thesis tries to set off the production of regional films what have been made for nearly 75 years in Quebec. Three important currents have been studied more thoroughly. - In the first part, we study the film production between 1925 and 1940 in particular. Most film-makers from Quebec at that time were priest who considered the cinema as a wonderful means of propagandas and education. Some pioneers of this type are acknowledged by the late historians of Quebec cinema. But not a lot. - In the second part, we tried to account for regional films from 1945 until 1965. In this case, we want to bring out the French experience of the Nfb. Why do we keep more in mind films from region made in that period such as les raquetteurs, pour la suite du monde. . . Rather than national films : that can be explained. - In the 3nd period, the regional cinema takes a new direction. Now appear films made by films-makers born there and or being permanent residents in the area. It's a new approach of the regional identity. - And there's a privileged region : Abitibi

Cette thèse se propose de confronter un objet singulier, les pin-up, à un espace-temps tout aussi particulier : la période dite du pré-Code hollywoodien. Il s’agit tout d’abord de définir la pin-up comme figure féminine et cinématographique, et de proposer d’aller au-delà de la femme-objet qu’elle est censée incarner. L’étude attentive (par le biais notamment d’analyses de séquences) d’archétypes de pin-up produits entre 1930 et 1934 dans une perspective culturaliste influencée par les études de genre, permet, d’une part de déconstruire l’idée d’un pré-Code synonyme de liberté cinématographique. D’autre part, un retour sur l’histoire des pin-up et leur usage féministe potentiel, autorise cette figure féminine hyper-sexualisée à devenir un outil d’analyse des relations de genre, apte à révéler les mécanismes, parfois subtilement dissimulés, de la domination masculine. Les stratégies opposées par les personnages de pin-up au cadre patriarcal, sont à cet égard révélatrices. Les carrières cinématographiques de Betty Boop, de Jean Harlow, et de Mae West, étudiées sous cette lumière, indiquent quelles formes ces stratégies peuvent prendre. Les pin-up évoluant dans le genre de l’horreur et le personnage de Jane Parker incarné par Maureen 0’Sullivan durant les six premiers Tarzan de la MGM complètent ce passage en revue. La diversité des archétypes choisis fait in fine apparaître une difficulté commune aux pin-up cinématographiques, quel que soit leur statut ontologique : celle d’exister
The goal of the present dissertation is to confront a specific object, the “pin-up”, to aspecific time and location: the so called « Pre code » Hollywood era. First of all, we wish todefine the pin-up as both a feminine and cinematographic figure, and to go beyond themere “woman as object “ that she is frequently reduced to. A careful study (relying, amongother, on sequence analysis) of pin-up archetypes created between 1930 and 1934 in acultural perspective, influenced by gender studies, makes it possible, first, to deconstructthe notion that Pre-code era has been a period of cinematographic freedom. Moreover,looking back at the history and evolution of the pin-up, and understanding how they can beused in a feminist agenda, helps turning this hypersexualised feminine figure into a deviceto analyze gender relationships, able to reveal the mechanisms, sometimes cleverlyconcealed, of masculine domination. In this respect, the strategies that pin-up charactersresort to in order to fight patriarchal order are revealing. Pin-up evolving in the horrorgenre, or the character of Jane Parker impersonated by Maureen O’Sullivan in MGM’s sixfirst Tarzan should complete this survey. The variety of archetypes that have been selectedhere seem, eventually, to lay bare a common difficulty, shared by all cinematographic pinup,regardless of their ontological status - their mere existence

Cette etude propose les premiers jalons d'une approche semio-narratologique d'ensemble et systematique de ce que l'on a pris l'habitude de considerer comme film(s) dans le film. Apres avoir donne un apercu de l'etat des recherches concernant la reflexivite au cinema, elle procede a une classification visant a cerner l'ensemble des films ayant trait au cinema. Puis elle se limite deliberement a l'etude du film dans le film proprement dit, c'est-a-dire a cette configuration particuliere de l'insertion d'extraits de film dans un film. Elle analyse cette figure en ayant recours 1 aux notions descriptives empruntees a la narratologie litteraire, 2 aux recherches concernant l'enonciation filmique et 3 au concept de scenario issu de la pragmatique cognitiviste. Puis, elle propose un modele d'analyse du fonctionnement multiplan du film dans le film, developpe en s'inspirant librement d'etudes linguistiques de la paraphrase. Ce modele d'analyse est ensuite illustre et soumis a l'analyse de trois films (respectivement de fassbinder, leenhardt et fellini). Enfin, elle opere un retour sur une forme plus specifique du film dans le film, la mise en abyme, degageant certaines caracteristiques de cette figure vertigineuse et paradoxale.

Apres une mise en évidence non chronologique de certains points de l'évolution historique des relations entre théâtre et cinéma (dépendance du cinéma, aspiration à l'autonomie, et enfin, interaction de ces deux arts) cette étude envisage les trois modalités d'apparition du théâtre dans le cinéma : théâtre filmé, théâtre enchâssé, théâtralité. Elle tente d'établir des distinctions génériques en dégageant les caractéristiques de chaque type et son mode de fonctionnement. Trois points essentiels se trouvent ensuite développés : la place, le savoir et la croyance du spectateur. En effet, ces domaines permettent de mesurer ce qui change pour le cinéma car les conséquences de l'intégration du théâtre dans le septième art se révèlent multiples. Loin de constituer une facilité pour le cinéma, la confrontation de ces deux arts suscite un conflit fécond, puisqu'il permet au septième art d'approfondir sa réflexion esthétique, en renouant avec des questions qui se posent depuis l'antiquité, notamment sur les problèmes de vérité et d'illusion, de ressemblance ou de vraisemblance. Elles le conduisent également à réfléchir sur la spécificité de son écriture, alors même qu'il s'attache à conquérir son autonomie, mais aussi à créer de nouveaux dispositifs spectatoriels et de nouvelles formes de relation au spectateur
After pointing out non chronologically some aspects of the historical relationship between cinema and theatre ( how the cinema had been dependant on it, how it became autonomous and how both arts interacted) this survey will analyze the appearance of drama in cinema under three different aspects: filmed drama, the drama as a quotation in a film and theatricality. It will also try to make clear distinctions enhancing the characteristics of each type and how it works. Three main points will then be developed: the spectator's place, knowledge and belief. Indeed, the investigation of these fields will show how the cinema can be altered by the references to drama. Far from making things easier for the cinema, the confrontation of both arts raises a profitable conflict since it provides an aesthetic reflexion about time-old questions concerning reality and illusion, similarity and verisimilitude, as well as on the specificity of the language, even if the cinema is conquering its autonomy. It also creates new devices and new relationships to the spectator

De Mary Barton à Wives and Daughters, les romans d’Elizabeth Gaskell mettent en scène des héroïnes qui affrontent des épreuves comme la mort, la maladie, la disparition de membres de leur famille, la naissance d’un enfant illégitime, la banqueroute, etc. Ses héroïnes sont forcées d’évoluer afin de survivre, d’autant plus que la période victorienne, jalonnée d’évolutions sociales, politiques, et scientifiques, ne les épargne pas. Si le trauma est souvent décrit comme un événement extraordinaire, les romans de Gaskell prouvent au contraire qu’il trouve sa source dans le quotidien. Même si les notions de trauma et de résilience n’existaient pas à l’époque victorienne, elles ne sont pas nées avec la psychanalyse, et Gaskell a su trouver son propre vocabulaire pour décrire l’intense vie psychique de ses personnages et leur capacité à se remettre de leurs blessures. Elle donne une voix aux répercussions mentales et physiques du trauma, saisissant les signes infimes, afin de rendre communicable ces expériences de la douleur. Nous verrons comment Gaskell parvient à construire un nouveau type de personnage féminin, l’héroïne gaskellienne, caractérisée par sa capacité à absorber les chocs traumatiques et par son héroïsme. Les adaptations cinématographiques de ses romans réalisées ces dernières années (North and South, Cranford, Wives and Daughters) participent à la nouvelle popularité de Gaskell. Le cinéma offrant un nouveau régime de visibilité et d’audibilité aux expériences traumatiques, nous analyserons les choix faits par les réalisateurs et scénaristes (utilisation du son, montage, ajouts de personnages, etc.) pour transposer à l’écran la subtilité de Gaskell
From Mary Barton to Wives and Daughters, Elizabeth Gaskell’s novels portray heroines who have to deal with ordeals such as death, disease, missing family member, illegitimate child, bankruptcy, etc. Her heroines are forced to evolve in order to survive, especially as they live in a period riddled with social, political and scientific changes which does not spare them. If trauma, which Greek origin refers to the wound, is often described as an extraordinary event, Gaskell’s novels, on the contrary, demonstrate that trauma arises in daily life. Even if these notions did not exist in the Victorian period, trauma and resilience were not born with psychoanalysis. Gaskell found her own language to describe her characters’ deep psychic life and their aptitude to resist and to recover from their wounds. She gives voice to the mental and physical repercussions of trauma, grasping all the hardly perceptible signs, in order to communicate these experiences of pain. We will see how these writing strategies enable Gaskell to build a new type of feminine character, the Gaskellian heroine, characterized by her aptitude to absorb traumatic shocks and by her heroism.Screen adaptations of her novels (North and South, Cranford, Wives and Daughters) were made in the last few years, thus contributing to Gaskell’s new popularity. As cinema offers a different regime of visibility and audibility to traumatic experiences, we will analyse the choices made by directors and scriptwriters (use of sound, editing processes, addition of characters, etc.) to adapt for the screen Gaskell’s subtlety

Les statuts et les enjeux de l'image photographique dans les films narratifs s'appréhendent sous des angles multiples (monstration, narration, énonciation) selon que l'on considère la place et le rôle de l'objet photographique, ou les fonctions et les significations liées à la représentation photographique. L'image photographique intégrée en tant qu'objet diégétique multifonctionnel dans le film est d'un usage courant. Par sa double fonction d'indice et d'icône, et selon son importance dans les films, elle contribue au récit, elle apporte un savoir et possède un rôle véridictoire plus ou moins important, elle alimente la fiction à certains niveaux, en dédoublant l'espace et le temps du représenté; dans le récit, elle sert à exprimer des affects, des idées, des symboles, des thèmes. L'image photographique permet aussi au spectateur de penser le cinéma et la photographie, en fonction des contextes indiqués ou suggérés, car elle peut susciter le déclenchement d'associations libres qui dépendent en partie de son rapport à l'image. Si l'objet photographique, en tant qu'actant, occupe une place plus ou moins déterminante dans la narration filmique, la représentation photographique soulève une autre série d'enjeux relatifs à la signification au sein même de la représentation filmique, dans des œuvres ou le cinéma est conçu comme un terrain d'expérimentation de nouvelles formes expressives, de nouvelles formes de narration. Ce qui se joue avec l'image photographique intégrée, comme représentation autonome affirmée, se pose non seulement en termes de contrastes, contrariétés, blocages, arrêts, suspensions, performativité, mais aussi en termes de phénomènes syncrétiques. L'intégration singulière ou plurielle de l'image photographique peut réaliser la fusion, ni tout à fait homogène, ni tout à fait hétérogène, du photographique et du filmique. Elle génère du coup une représentation intermédiaire, un entre-deux de la représentation
Status and stakes of the photographic picture in narrative films are to be studied from different points of view (monstrative, narrative, enonciative) according as one regards either the status and the role of the photographic object or the fonctions and significations bound to the photographic representation. The integrated photographic picture as multi-fonction diegetic object is currently used. Through its double fonction as both index and icon and according to its significance in films, it helps the narration, it provides a certain knoledge and has a more or less important veridictory role, it enhances fiction at some levels in dividing the space and time of the represented object ; in the narration, it is to express affects, ideas, symbols and themes. The photographic picture also enables the audience to think out cinema and photography according to indicated or suggested contexts, for it can trigger free associations that partly depend on its relation to the image. Provided that the photographic object as actant is more or less substantial in the narration, photographic representation creates other stakes relating to signification within filmic representation, in works where cinema is designed as experimenting new expressive forms, new narrative forms. What is at stake in the integrated photographic picture as autonomous representation is not only set in terms of contrasts, contrarieties, blocking, stopping, interruption, performativity but also in terms syncretic phenomena. Single or multiple integration of the photographic picture can carry out the synthesis wich is neither quite homogeneous nor quite heterogeneous between photography and film. Thus, it creates an intermediate representation, and interspace representation

La première partie étudie les caractéristiques du comique burlesque à travers ses manifestations en littérature, au théâtre et dans les arts plastiques et les met en parallèle avec les premières descriptions du cinéma dit « burlesque » pour déterminer en quoi ce corpus est bel et bien un avatar de cette catégorie comique protéiforme. La seconde partie présente les composantes essentielles du cinéma burlesque – gag et personnage - revues à travers la notion de geste : le gag y est proposé comme mode d’action du personnage, le personnage y est décrit comme façon d’être fondée par le geste, c’est-à-dire par sa façon de se mouvoir, d’agir et de réagir. La troisième partie propose une analyse des gestes des principaux acteurs burlesques découpée en quatre moments chronologiques où l’invention du geste burlesque est particulièrement féconde au cinéma (cinéma des premiers temps, années 10, 20, et 30). La conclusion affirme le geste comme un outil d’analyse particulièrement approprié à ce corpus
The first part of this thesis examines the « burlesque » genre in literature, theater and plastic arts to compare it with the corpus of comedy movies called « cinéma burlesque » by French studies (which is equivalent to slapstick comedy). This part establishes that slapstick comedy is an expression of this protean comedy category. The other parts proposes to examine gestures in « cinéma burlesque » and in his essential components : gags (describe as the unique action in this comedy category) and characters (describe as « beings of gestures »). This thesis analyzes gestures of slapstick comedies in different periods (early films, 10’s, 20’s and 30’s), and principally in France and USA. The conclusion asserts « gesture » is an especially appropriate notion to study slapstick comedy

Le cinema chinois est mondialement reconnu. Present dans les festivals internationaux, il est recompense par de nombreux prix. Cependant, derriere cette reconnaissance mondiale, se cachent les difficultes qu'il connait actuellement. Le cinema chinois est en fait compose de trois entites : le cinema de chine continentale, celui de taiwan et celui de hong kong, qui different en raison de leur systeme politique et economique. Depuis sa naissance, il a parcouru un chemin glorieux et sinueux marque par l'unification, le fractionnement, les conflits et la convergence. En chine continentale, c'est l'etat qui monopolise la production, la distribution et la projection, alors qu'a taiwan, les entreprises publiques et privees coexistent. A hong kong, il s'agit d'un cinema commercial avec un star-system tres suivi. Avant 1949, le cinema chinois a connu trois vagues successives, qui etaient liees a des evenements politiques du pays. Depuis octobre 1949, il se divise en trois entites qui se developpent de facon differente. Des la fin des annees 70, ces trois entites ont commence a converger de nouveau grace aux cineastes de nouvelles generations. Cette convergence a depasse les frontieres politiques. Cette these se compose de trois parties. La premiere porte sur les systemes de la production, de la distribution et de la projection de ces trois entites pour presenter quantitativement et qualitativement leur etat actuel. La deuxieme evoque l'histoire du cinema chinois pour mieux saisir son evolution. La troisieme aborde les problemes auxquels font face ces trois entites ainsi que leur convergence pour preparer leur avenir.

Que reste-t-il de l' imaginaire medieval dans le cinema? et quelles representations imaginaires du moyen age le cinema, art central du xxʿ siecle, a-t-il construites? telle est la double question a laquelle ce travail se propose de repondre. Il ne s'agissait donc pas de recenser toutes les oeuvres filmiques inspirees plus ou moins par l'histoire du moyen age, mais de reperer les traces de l'imaginaire qu'il nous a leguees et qui ont dans la fiction une fonction structurante. Apres avoir replace la production des "films moyenageux" dans le cadre de l'histoire du cinema, et apres avoir examine sur un plan general les questions de l'enonciation historique dans le cinema ainsi que celle des grandes formes modelisantes de cette production, nous avons procede ensuite, dans les deux parties centrales de cette etude, a une recension des themes qui ont constitue la base des films moyenageux. Ce repertoire a ete construit en deux grands ensembles : la "scene mythique" et la "scene historique", selon la forme qui dominait dans l'enonciation des films consideres. Cela nous a permis de passer en revue les principaux concepts qui cristallisent et ordonnent l'idee de medievalite. Apres ce long repertoire, nous avons propose un catalogue des motifs transversaux qui reviennent d'un film a l'autre, tentant de la sorte de poser les bases d'une iconographie du film moyenageux qui se placerait sous le parrainage de panofsky. Nous sommes alles de motifs larges (comme "la chevalerie") a des unites plus petites, que nous avons baptisees "iconogrammes" (la croix, l'epee, le creneau, la voute. . . ) etqui sont susceptibles de s'organiser selon une veritable syntaxe. Cette etude nous a appris que le materiau imaginaire herite du moyen age est reste vivace dans la creation cinematographique. Elle montre egalement que certains films "moyenageux" (classiques comme les nibelungen, ou populaires comme la couronne de fer) ont tenu un role charniere dans l'histoire generale du cinema.

La société française fut traversée par deux phénomènes dans les années 1980. Le premier s'apparente à un retour de bâton contre les avancées sociales dont les femmes avaient bénéficié au cours des décennies précédentes. Le second concerne l'intensification de la dynamique fascination / répulsion à l'égard de la culture populaire américaine. La conjonction de ces deux facteurs est à l'origine du questionnement central de cette thèse. Nous cherchons à comprendre l'évolution de la condition féminine en France à travers l'étude de la critique française des films américains. Notre démarche s'inspire des études matérialistes historiques de la réception développées par Janet Staiger (1992, 2000). Ces approches consistent à observer l'ancrage historique des débats suscités par les films chez les spectateurs qui évoluent dans des formations sociales diverses (nationalité, âge, sexe, etc. ). Cette thèse emprunte également à la théorie de l'énonciation proposée par Käte Hamburger (1986). Cette dernière postule que le réalisateur ne détermine pas le point de vue au quel le spectateur doit s'adhérer pour « correctement » interpréter le film. En fait, le spectateur en choisit un (ou plusieurs) sur le(s)quel(s) il bâtit son interprétation. Ces théories expliquent la pluralité d'interprétations d'un film. Notre thèse se divise en trois parties. La première présente nos choix théoriques et méthodologiques. Nous analysons ensuite la réception par la critique française de quatre films américains (Kramer contre Kramer, Victor, Victoria, Tootsie, Recherche Susan désespérément) au moment de leur sortie en salle. Nous proposons enfin une mise en contexte socio-historique de nos résultats
During the 1980s, two phenomena resonated in French society. The first phenomenon was a backlash against the social progress of women made over the previous two decades. The second was an intensification of the fascination - repulsion dynamic with American popular culture. The concurrence of these two factors is the origin of this doctoral dissertation whose aim is to understand the evolution of the female condition in France through the study of the French critical reception of American films. The historical materialist approach to reception studies, as developed by Janet Staiger (1992, 2000), guides this research. It consists in observing the historical anchoring of debates sparked by the film amongst spectators evolving in diverse social formations (nationality, age, gender, etc. ). Also fundamental to this research is the theory of utterance (« énonciation ») proposed by Käte Hamburger (1986). According to Hamburger, the film director does not determine an exclusive and obligatory point of view to which the spectator must adhere in order to "correctly” interpret the film. In fact, to build her interpretation, the spectator chooses one (or several) of the possible points of views offered by the film. This doctoral dissertation is divided into three parts. The first part presents the theoretical and methodological framework. The second part contains case studies of the French critical reception of four American films (Kramer versus Kramer, Victor, Victoria, Tootsie, Desperately Seeking Susan) at the time of their release. The final part offers a social and historical contextualisation of these analyses