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Dissertations / Theses on the topic 'Femmes fatales in art'
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1
Rummel, Andrea. ""Delusive beauty" femmes fatales in english romanticism." Göttingen V & R Unipress, 2007. http://d-nb.info/990829685/04.
Full text
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Nielsen, Bianca. "Werewolves, mothers and femmes fatales: Girl power movies." Thesis, University of Canterbury. American Studies, 2004. http://hdl.handle.net/10092/4792.
Full textAbstract:
This dissertation analyses a collection of contemporary girl power movies and places these texts within an historical generic context. In "Pleasures and Problems of the ‘Angry Girl,’" Kimberley Roberts defines the phenomenon of girl power as "a structure of beliefs and a set of consumer practices that centre on the individual teenage girl's power to effect change in her universe" (217-8). Roberts outlines that the "heroines of the girl power era of the 1990s are 'pissed off and ready to do something about it'" and that "they are fighters who combat the forces against them, unapologetically and often violently" (217). Since Roberts's analysis of girl power in Freeway, there has been little academic discussion on the phenomenon in Hollywood products. While the idea that "women's films" exhibit the potential for social criticism is not new, there is yet to be a substantial project that explores female characters and their "combat" with the "forces against them" in recently released film products. Roberts's definition of girl power can be applied to a series of films produced during the mid to late nineties and first few years of the new millennium. Many films produced during this timeframe depict strong female protagonists who fight the forces of patriarchal culture "unapologetically and often violently."
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Brinker, Gretchen. "The Alluring and Manipulative "Spider Women" of the Silver Screen: Femmes Fatales of the Hard-Boiled Fiction, Classic Noir and Contemporary Noir Periods." ScholarWorks@UNO, 2008. http://scholarworks.uno.edu/td/887.
Full textAbstract:
This thesis delves into three categories of femmes fatales: the ones of hard-boiled fiction/classic noir and contemporary noir. Moreover, it generates several comparisons among those aforementioned categories, and extrapolates on them. Third wave feminism and how it draws relevance/is significant to the Bound and The Last Seduction films is additionally explored in this thesis. This thesis will discuss the similarities of the femmes fatales of the '30s/1940s-50s and contemporary noir (1980s-90s), while delving into differences between them.
4
Leroux, Corinne. "Images de la femme infernale dans la littérature romantique de Balzac à Flaubert." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030086.
Full textAbstract:
Approche psychanalytique des portraits de femmes infernales apparaissant dans les oeuvres de balzac (la rabouilleuse 1842 et la cousins bette 1846). Gautier (les contes et les recits fantastiques de la caferiere 1831 a spirite 1866), baudelaire (les fleurs du mal 1857) et flaubert (salammbo 1862 et herodias 1877). Hantes a des titres divers par la fixation maternelle, ces auteurs trouvent dans leurs oeuvres une satisfaction fantasmatique de leurs desirs : ils goutent les delices du paradis preoedipien dans un orient fabuleux. Obsedes par l'inceste ils pretent a leurs heroines les caracteres maternels. Mais, figures substitutives, les amantes heritent aussi des emblemes dissuasifs de la mere interdite. Bardee de symboles phalliques la diabolique maitresse distille une dangereuse seduction. L'amant se croit autorise a se defendre et persecute a son tour la femme aimee sans savoir que l'oedipe reactive les sadismes initialement diriges contre le coprs maternel aux stades primitifs du developpement libidinal. "la volupte meme a la ferocite" et l'amour semble une impasse. Cependant les theories esthetiques permettent un depassement de la morale oedipienne et une rehabilitation de la femme infernale dans la mesure ou la souffrance feconde le genie et ou les amantes sataniques, parees d'une aura negative, offrent aux lecteurs la riche palette de leurs vices et malefices<br>A psycho-analytic approach to the portraits of fiendish women as they appear in the following literary works by balzac (la rabouilleuse 1842 and la cousine bette 1846), gautier (les contes and les recits fantastiques from la cafetiere 1831 to spirite 1866), baudelaire (les fleurs du mal 1857) and flaubert (salammbo 1862 and herodias 1877). Haunted for various reasons by their maternal fixation, these writers do find in their works a phantasmatic fulfilling of their desires : they enjoy the delights of a pre-oedipian heaven in a fabulous orient. Obsessed by incest they credit their heroines with maternal idiosyncracies. But, as figures of substitution, these mistresses are adorned too with the dissuasive emblems of the forbidden mother. Covered with phallic symbols these demoniac mistresses distill a dangerous seductive charm. Their lovers think they are entitled to defend themselves and start persecuting the woman they love without knowing that their oedipus complex brings to life again their sadistic tendencies which were originally aimed at their mothers' bodies at the earley stages of tehri libidinal growing. Yet aesthetical theories enable us to go beyond mere oedipian ethics and to rehabilitate these devilish womenn in so far as sufferings fecundate genius and these satanic
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Lam, Karen Kar Wai. "Images of women in Ming (1368-1644) fiction, The femmes fatales in Sanyan Erpai." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0017/MQ46984.pdf.
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6
Hofmann, Ingrid. "Deadly seductions : femme fatales in 90's film noir." Title page, table of contents and abstract only, 1998. http://web4.library.adelaide.edu.au/theses/09ARM/09armh713.pdf.
Full text
7
Wong, Wai-yee. "Returning the gaze the femme fatale in the film noir of the 90s /." Click to view the E-thesis via HKUTO, 2000. http://sunzi.lib.hku.hk/hkuto/record/B31952884.
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8
Lacroix, Green Pascale. "L'image de la femme fatale dans le double miroir de la littérature et de la peinture fin-de-siècle." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1996PA040090.
Full textAbstract:
Dans cette thèse nous nous proposons d'étudier le mythe de la femme fatale confronté à l'esprit de décadence à travers la littérature de la fin du dix-neuvième siècle en France, en Angleterre et en Belgique. Nous évoquerons plusieurs représentations exemplaires du mythe tels l'idole, la satane, Viviane, la sphinge, Messaline, la gynandre et la prostituée et nous observerons leur évolution à travers divers phénomènes propres à l'esprit de la fin de siècle : l'amalgame, la parodie, l'inversion, la banalisation et la caricature. Nous soulignerons l'importance et les conséquences d'un phénomène d'"inter esthétisme" entre la littérature et la peinture sur l'appréhension du mythe. Chaque figure choisie nous permettra de voir que le décadentisme puise dans des sources aussi variées que le merveilleux, la mythologie, la décadence romaine, le symbolisme, le naturalisme, l'ésotérisme et le féminisme pour arriver à une véritable décomposition de l'image de la femme fatale<br>The topic of this research is the myth of the "femme fatale" as influenced by the spirit of decadence in Belgian, English and French literature and painting at the end of the 19th century. Several types of representation, or iconographs, of the femme fatale are considered - the idol ; "la satane" ; vivien ; the sphinx ; Messalina ; "la gynandre" ; and the prostitute. The research analyses their evolution across various phenomena evident during the "fin de siècle", namely : stylistic amalgam, parody, narrative inversion, banalization and caricature. It highlights the importance of the phenomenon of exchanges between painting and literature, and the influence of one upon the other, in the portrayal of the myth. The choice and description of each type reveals how inspiration is drawn from a variety of sources - the supernatural, mythology, roman decadence, symbolism, naturalism, esotericism and feminism - and how, progressively, these representations reveal the decomposition of the image of the "femme fatale"
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O'Neil, Megan. "Indigenista Heroes and Femmes Fatales: Myth-Making in Latin American Literature and Film." UKnowledge, 2016. http://uknowledge.uky.edu/hisp_etds/29.
Full textAbstract:
This dissertation explores myth-making in Latin America by focusing specifically upon four Amerindian and mestizo figures: Doña Bárbara, mestiza protagonist of Rómulo Gallegos’ 1929 novel; Anacaona and Hatuey, Taíno caciques who first appeared in Bartolomé de las Casas’ Brevísima relación de la destrucción de las Indias (1552); and Andrés Chiliquinga, indigenous protagonist of Jorge Icaza’s Huasipungo (1934). The present analysis examines the evolution of these myths from their original appearance to literary and film versions throughout the 19th, 20th, and 21st centuries in the Caribbean and Andean regions. The project focuses upon the ways in which artists have interpreted these myths, their embedding in society’s collective memory, and their mythical functions in anti- and postcolonial discourse. By breaking down each myth into its most basic structure, this project identifies the core connotations contained within that reveal each myth’s function as a cultural foundation in Latin America. It also examines how the versions of a myth depart from one another, thus underscoring possible critiques of the myth. Finally, it examines the ways in which some of these myths have become commodities, particularly in contemporary popular culture. By examining these figures as cultural myths—bridging past and present—, this research argues that a mythic-interpretive model proves effective as it leads us to a deeper understanding of the universal connotations contained not only within the stories chosen here, but the Latin American narrative as a whole.
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Burzlaff, Mary Caroline. "Chaste sexual warrior, civic heroine, and femme fatale three views of Judith in Italian renaissance and baroque art /." Cincinnati, Ohio : University of Cincinnati, 2006. http://www.ohiolink.edu/etd/view.cgi?acc%5Fnum=ucin1147989193.
Full textAbstract:
Thesis (M.A.)--University of Cincinnati, 2006.<br>Title from electronic thesis title page (viewed July 24, 2006). Includes abstract. Keywords: Judith; Holofernes; Italian; Renaissance; Baroque; Michelangelo; Donatello; Botticelli; Giovanni della Robbia; Giorgione; Palma Vecchio; Artemisia Gentileschi; Allori; Apocrypha. Includes bibliographical references.
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BURZLAFF, MARY CAROLINE. "CHASTE SEXUAL WARRIOR, CIVIC HEROINE, AND FEMME FATALE: THREE VIEWS OF JUDITH IN ITALIAN RENAISSANCE AND BAROQUE ART." University of Cincinnati / OhioLINK, 2006. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ucin1147989193.
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Wong, Wai-yee, and 黃慧儀. "Returning the gaze: the femme fatale in the film noir of the 90s." Thesis, The University of Hong Kong (Pokfulam, Hong Kong), 2000. http://hub.hku.hk/bib/B31952884.
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Bagnole, Rihab Kassatly. "Imaging the Almeh: Transformation and Multiculturalization of the Eastern Dancer in Painting, Theatre, and Film, 1850-1950." Ohio : Ohio University, 2005. http://www.ohiolink.edu/etd/view.cgi?ohiou1132433330.
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Bleyerveld, Yvonne. "Hoe bedriechlijk dat die vrouwen zijn : vrouwenlisten in de beeldende kunst in de Nederlanden circa 1350-1650 /." Leiden : Primavera pers, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39186558k.
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Andrin, Muriel. "La fascination de la corruption: étude de l'héroïne maléfique dans le mélodrame filmique américain (1940-1953)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2000. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211697.
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Nahum-Adamsbaum, Edith. "L'art brut et les femmes." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010624.
Full textAbstract:
Le propos de cette thèse est d'examiner si, et dans quelle mesure, les oeuvres d'art brut realisées par des femmes se différencient de leurs homologues réalisées par des hommes. Auparavant, nous précisons la notion d'art brut, notamment en l'opposant à des formes d'art voisines avec lesquelles on a pu ici et là le confondre (art primitif, art naif, art enfantin, art populaire). Nous portons ensuite notre attention sur les formes d'expression qui font ou ne font pas apparaitre une différence de traitement des mêmes sujets par les femmes d'une part, les hommes d'autre part. L'art brut ne se prête guère aux approches classiques en matière d'histoire de l'art. C'est pourquoi nous avons privilégié pour la plupart des artistes l'approche iconographique par rapport à une approche formelle ou toute autre qui aurait pu être envisagée. Nous avons rassemblé dans une base de données les éléments essentiels concernant les artistes d'art brut. Cette base de données contient différentes natures de renseignements : artistes, sources d'information, thèmes et techniques traités dans les oeuvres. Sur 246 artistes d'art brut, hommes et femmes, nous comptons 87 femmes et 159 hommes soit environ 35% de femmes. Nous avons ainsi esquissé une sorte de statistique, de profil collectif des oeuvres féminines comparées aux oeuvres masculines. Le but recherche était de recenser les oeuvres d'artistes masculins dont les thèmes ou les techniques se rapprochent des thèmes et techniques des oeuvres feminines ou, au contraire, s'en distinguent nettement. Notre analyse comporte douze thèmes et techniques. Nous avons ainsi tenté de dégager des caractéristiques qui seraient propres à l'art brut féminin et de répondre à la question : hommes et femmes se comportent-ils pareillement devant le concept d'art brut et, si leurs approches sont différentes, comment ces différences se manifestent-elles ?
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Fdida, Jean-Jacques. "La femme dans l'initiation des garçons, à travers La Fille du Diable (T. 313) et d'autres contes de la tradition orale française." Paris 7, 1994. http://www.theses.fr/1994PA070091.
Full textAbstract:
Cette etude porte sur la question qui anime necessairement tous les garcons de la naissance a la mort, et en particulier le heros sur le chemin initiatique du conte merveilleux : comment devient-on un homme ? la place de la femme apparait fondamentale dans cet apprentissage et couvre une amplitude qui depasse largement la notion de role (celui de la mere ou de l'epouse par exemple), car c'est bien toute une perception du monde qui s'inscrit a travers elle pour le heros. Le corpus des contes merveilleux issus de la tradition orale francaise s'organise autour du type 313, la fille du diable (t. 313), qui constitue l'axe central de cette recherche. Un certain nombre de contes licencieux servent egalement de contrepoint a ce repertoire. L'analyse privilegie trois vecteurs d'apprentissage : la nourriture, la parure et la relation a l'espace (gestes et deplacements). L'approche en est interdisciplinaire ; l'ethnologie, l'histoire, la psychanalyse et la linguistique en sont ici les principaux instruments l'ethnologie constituant toutefois le moyen de penetration le plus harmonieux de cette emanation populaire qu'est la parole conteuse<br>This study refers to the question which is undoubtedly the driving force of boys from birth until death, and in particular the hero on the initiatory road of the wonderful tale : how does one become a man ? the position of woman appears fundamental in this apprenticeship, an goes well beyond the notion of role (the mother or the spouse's for instance), as the hero's perception of the world is largely influenced by her. The content of the wonderful tales handed down from the french oral tradition is based on type 313, the devil's daughter (t. 313), which forms the central axis of this research. Various lientious tales are equally used to counterpoint this index. Analysis privileges three apprenticeship vectors : food, ornaments and the relation to space (gestures and movement). This is a multidisciplinary approach : ethnology, the story, psychoanalysis and language are the main tools - ethnology however being the most harmonious way of highlighting the spoken word
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Ruane, Richard T. "Performing "Camp, Vamp & Femme Fatale": Revisiting, Reinventing & Retelling the Lives of Post-Death, Retro-Gothic Women." Thesis, University of North Texas, 1999. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc2239/.
Full textAbstract:
This thesis examines the production process for "Camp, Vamp and Femme Fatale," performed at the University of North Texas in April of 1997. The first chapter applies Henry Jenkins's theory of textual poaching to the authors' and cast's reappropriation of cultural narratives about female vampires. The chapter goes on to survey the narrative, cinematic and critical work on women as vampires. As many of the texts were developed as part of the fantasy role-playing game Vampire: The Masquerade, this chapter also surveys how fantasy role-playing develops unpublished texts that can make fruitful ground for performance studies. The second chapter examines the rehearsal and production process in comparison to the work of Glenda Dickerson and other feminist directors.
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Björk, Chanda. "Folksagans prinsessa - en god förebild än idag : ”Prins Hatt under jorden” genom illustrationer av Elsa Beskow." Thesis, Södertörn University College, The School of Culture and Communication, 2006. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:sh:diva-436.
Full textAbstract:
<p>The text discusses the folk-tale princess as a good role model for both children and adults, from a feminist debate concerning this issue. Also an iconographic study, it compares women in folk-tale illustrations with women represented in fin-de-Siècle art concentrating on the Great mother goddess and the femme fatale, finding similarities between folk-tale illustrations and other art. Besides that, the text look at the interest for Swedish folk-tales in the 1890´s, the connection between women as illustrators of children’s books and ideas about nature and womanhood that might have had influence on the Swedish artist Elsa Beskow at the time.</p>
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Herrmann, Cornelia. "Der Gerittene Aristoteles : das Bildmotiv des Gerittene n Aristoteles und seine Bedeutung für die Aufrechterhaltung der gesellschaftlichen Ordnung vom Beginn des 13. Jhs. bis um 1500 /." Pfaffenweiler : Centaurus-Verl.-Ges, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35573238b.
Full text
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Quinby, Diana. "Le collectif Femmes/Art à Paris dans les années 1970 : une contribution à l'étude du mouvement des femmes dans l'art." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010600.
Full textAbstract:
Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.
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Chevillot, Anaïs. "Genre et création : construction d'identités genrées chez les femmes artistes." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAH001/document.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelle<br>This work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined
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Bouvard, Émilie. "Violence de l'art des femmes, 1958-1978 : surréalisme, psychanalyse et féminisme." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H039.
Full textAbstract:
Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …<br>Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
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Marquié, Hélène. "Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.
Full textAbstract:
Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.
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Zimmermann, Antje. "Studien zum Figurenbild bei Corot /." Köln : W. Kleikamp, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb34925997s.
Full text
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Provansal, Mathilde. "Artistes mais femmes : formation, carrière et réputation dans l'art contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01E051.
Full textAbstract:
Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputation<br>Women artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation
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Meckel, Anne. "Animation-Agitation : Frauendarstellungen auf der "Grossen deutschen Kunstausstellung" in München 1937-1944 /." Weinheim : Deutscher Studien Verl, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37509644n.
Full text
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Deloustal, Laetitia. "Le nouveau paradigme de l'art à l'épreuve de la création contemporaine féminine en Tunisie." Thesis, Perpignan, 2014. http://www.theses.fr/2014PERP1199.
Full textAbstract:
L’intérêt pour la création féminine actuelle fait l'objet d'un projet d’étude à l’échelle de la Méditerranée amorcé dans de précédents travaux universitaires. Le choix de la Tunisie s’est naturellement imposé. Les femmes tunisiennes jouissent d’un statut inégalé au Maghreb depuis 1956 et sont de plus en plus nombreuses sur la scène artistique au fil de l’histoire (photographes, vidéastes, peintres, plasticiennes…). Elles façonnent le paysage de la création, tout en témoignant de leur vécu et des bouleversements historiques. L’héritage multiculturel est complexe et parfois contradictoire. Alors comment appréhender l’art conjugué au féminin en Tunisie? Cette thèse s’inscrit dans une démarche exploratoire. Observer les générations d’artistes et leurs créations au fil de l’histoire, rapprocher les thématiques similaires, regrouper les médiums identiques, comparer leurs démarches, leurs profils, leurs préoccupations, telle est la méthode employée pour mener à bien cette réflexion. Les sources essentiellement humaines, sont exploitées selon des axes de recherche précis, et en appellent parfois aux disciplines périphériques à l’histoire de l’art telles que la sociologie ou l’anthropologie. Ces questionnements, rapprochements et observations interrogent les permanences dans la création féminine en Tunisie, malgré des personnalités, des pratiques et démarches différentes. Se pose aussi la question d’une nouvelle conception de l’art, bien éloignée des concepts classiques et modernes<br>In post-revolutionary Tunisia, artistic creation is buzzing. The country, subject to political pressure is in the midst of a democratic transition. Led in the field for two years, research has progressed in this context.Interest in contemporary women's creative work is the subject of a Mediterranean-scale study project started in previous university works. Choosing Tunisia for the study was naturally evident. Tunisian women have been enjoying an unrivalled position in Maghreb since 1956 and have been increasingly more present on the artistic stage through history (photographers, video makers, painters...). They are shaping the creative landscape, while bearing witness to their lives and historical changes. The multicultural heritage is complex and sometimes contradictory.So how to grasp women's art in Tunisia?This thesis is incorporated into the framework of an explorative approach. Observing generations of artists and their creations over history, linking similar themes, bringing together the same mediums, comparing their approaches, profiles and preoccupations, that is the way this study was carried out.The sources, mainly people, are used according to very precise lines of research, and sometimes refer to subjects that are surrounding art history such as sociology or anthropology. These questionings, comparisons and observations examine the consistencies in women's creative work in Tunisia, despite different personalities, practices and approaches. The question of a new conception of art, very far from classical and modern concepts, also comes up
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Gauthier, Julie. "Esthétique du féminin et art féministe : la question du genre dans l'art contemporain (en Europe et aux Etats-Unis, de 1960 à nos jours)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010612.
Full textAbstract:
A partir des théories féministes, ce travail montre l'influence des stéréotypes sexués sur les pratiques artistiques féminines. Grâce au concept de " genre ", il est démontré qu'un certain nombre de préjugés continue d'enfermer les artistes femmes dans le domaine, mineur, du féminin. L'art des hommes, considéré comme sexuellement neutre, reste ainsi le seul détenteur des valeurs universelles. Basée sur un large corpus, " l'esthétique du féminin " se définie par des récurrences formelles (techniques du fil, décoration, couleurs et formes particulières) et thématiques (exhibition du corps, identité féminine, et discours autobiographique). L'image des femmes qu'elle véhicule est conforme aux archétypes patriarcaux et conforte ainsi l'organisation phallocentrée de la société occidentale. Néanmoins, pour lutter contre ce processus régressif, une nouvelle génération d'artistes féministes s'engage contre le sexisme et les stéréotypes sexués. L'art redevient, pour elles, vecteur d'affirmation.
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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.
Full textAbstract:
L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde<br>The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde
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Saint-Gelais, Thérèse. "Autoportraits de Sofonisba Anguissola, Angelica Kauffmann et Eleanor Antin et leur inscription dans l'histoire de l'art." Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100194.
Full textAbstract:
Partant du fait que l'autoportrait est un genre que les femmes artistes ont privilégié, principalement Sofonisba Anguissola, Angelica Kaufmann et Eleanor Antin, nous nous serons demande si, parce qu'il leur était difficile de prendre place dans l'histoire, l'autoportrait ne figurait pas comme représentant singulier de la contribution des femmes artistes dans l'histoire. Présentant l'histoire de l'art des femmes qui s'est écrit jusqu'à maintenant, nous nous situerons par rapport à cette histoire relevant les pièges qu'une telle histoire peut comporter mais ses intérêts aussi, du fait qu'elle considère spécialement un type donne de productions. Chaque temps dans l'histoire comporte des particularités, chaque artiste, chaque œuvre également; aussi nous essaierons de situer l'artiste, et son œuvre dans son contexte, demeurant consciente néanmoins que notre regard actuel a le désavantage de toujours se faire sentir, mais cet avantage aussi d'avoir un recul face aux artistes, aux œuvres. La représentation de l'artiste dans l'œuvre, sa manière de figurer, ses traits, ses mises en scène constituant nos intérêts premiers, nous privilégierons la lecture des œuvres, en fait des autoportraits, pour aborder, comprendre et exprimer des contributions particulières. De la ressortiront des particularités singulières et des façons de prendre (ou non) place dans l'histoire<br>Starting from the fact that the self-portrait is a genre that is privileged by women artists, and particularly by Sofonisba Anguissola, Angelica Kauffmann, and Eleanor Antin, we will try to see if, because it is difficult for women to find a place in history, the self-portrait figures as a singular representative of women artists contribution in history. We will present and take position relatively to the writing of women art history up to the present; we will indicate the traps that such an history contains, and try to see why it is specially interested in considering a given type of productions. Each time in history has its particularities, each artist, each work also; thus we will try to situate the artist and her work in her context, while being aware that our actual outlook has the disadvantage of always making itself felt, but the advantage also of a gain in perspective relatively to the artist and works. Our prime interest will be in the representation of the artist in her work, the manner in which she figures in it, her features, her settings. Our method will be to read the works, i. E. , the self-portraits in order to grasp, to understand and to express particular contributions from this should emerge singular particularities and ways in which one takes (or doesn’t take) a place in History
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Ketter, Helena. "Zum Bild der Frau in der Malerei des Nationalsozialismus : Eine Analyse von Kunstzeitschriften aus der Zeit des Nationalsozialismus /." Münster : Lit, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb389555479.
Full text
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Milland-Bove, Bénédicte. "La demoiselle arthurienne : écriture du personnage et art du récit dans les romans en prose du XIIIe siècle /." Paris : H. Champion, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40232266d.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Littérature française--Paris 3, 2001. Titre de soutenance : Figures de l'aventure, figures du récit : les demoiselles dans les romans en prose du XIIIe siècle : "Lancelot" , "La queste del saint Graal", "La mort le roi Artu" , "Perlesvaus" , "Tristan.<br>Bibliogr. p. 627-662. Index.
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Cho, Soo-Jeong. "Les saintes femmes dans les églises byzantines de Cappadoce." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010554.
Full textAbstract:
Les églises byzantines en Cappadoce (VIIe -XIIIe siècles), dont les représentations de saintes femmes font l'objet de ce mémoire, se trouvent sur le haut plateau anatolien; au centre de l'actuelle turquie. Ce travail a pour but essentiel de répertorier et de décrire les images isolées de saintes femmes, en éclairant leur choix, l'emplacement, leur association avec d'autres images. L'étude a porté aussi sur une analyse iconologique, c'est-à-dire un examen plus approfondi qui pourra nous éclairer de façon plus complète sur la représentation des saintes femmes, sur la signification des caractéristiques iconographiques, sur leur origine, leur évolution, et sur leur fonction. Nous avons essayé de dégager la spécificité du choix des saintes femmes, qui reflète les intentions particulières des commanditaires ou des préférences cultuelles locales, surtout la piété féminine cappadocienne.
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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes maori de Nouvelle-Zélande." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0370/document.
Full textAbstract:
Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art,études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes maori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation maori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIX e siècle, les Maori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde maori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Maori<br>At the intersection of several disciplines – anthropology, sociology, art history, and feminist and gender studies, this thesis deals with the works, practices, careers and discourses of New Zealand Maori women artists active in the field of contemporary art and living in an urban environment. Due to their many forms of belonging, these artists are behind specific political demands and identity affirmations: their work contains simultaneous references to the individual histories, their status as members of an indigenous minority and a tribe, and their condition as women and citizens of the New Zealand nation. The analysis of the data obtained after a fieldwork investigation in New Zealand carried out over a year from 2012 to 2013, of complementary research on the Internet and exchanges with artists when back from the field makes it possible to show how these artists are part of today's Maori assertion movement. For since British colonization in the 19th century, the Maori have continued to assert their rights. In this context, some women use art as a powerful means of protest and of promoting social change aimed at the recognition of mana wahine (women's power or prestige). This work also reveals that their artistic practice affords them the opportunity to reassert the ties linking them to the Maori world while at the same time enabling them to attain a certain empowerment and emancipation. They develop original strategies for asserting their creativity without transgressing the rules which remain important for the Maori people
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Zhang, Naiyong. "Les femmes artistes d'origine miao, mongole et ouïgoure dans le champ artistique chinois 1950-2010." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA042.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée à l’évolution de la place des femmes artistes d’origine miao, mongole et ouïgoure dans le champ artistique chinois 1950-2010. Son axe central consiste à montrer comment les mutations sociales ont modifié la place des femmes, et, plus précisément, comment leur place a été redéfinie dans un discours identitaire. Si dans les années 1950-1980, les œuvres portant sur l’idéologie collectiviste et la représentation de « la femme d’acier » occupaient une place primordiale, dans les années 1981-2000, les femmes artistes décrivent la situation réelle des femmes et mettent l’accent sur la question de l’identité des femmes modernes et sur des relations entre les femmes et les hommes. Elles cherchent à maîtriser des formes d’expression artistique ethnique plus variées et plus légitimes. Depuis 2001, afin de préserver les cultures ethniques face à la mondialisation, les femmes artistes essaient d’interpréter la profondeur de la culture ethnique dans leurs œuvres. C’est vers les traditions, telles que la mémoire historique, les mythologies, les chansons et les danses, que se tournent les artistes femmes issues des ethnies minoritaires à la recherche de racines culturelles. Cette recherche s’appuie à la fois sur l’analyse de la situation socio-culturelle des femmes artistes issues des ethnies minoritaires, l’analyse de la construction de l’identité féminine et l’analyse des particularités de l’expression des femmes artistes eu égard à leur appartenance ethnique<br>This thesis is devoted to studying the evolution of the place of female artists with Miao, Mongolian and Uygur origins in the Chinese artistic field 1950-2010. The central theme is to demonstrate how social changes have changed the place of women, and more specifically, how the place of women has been redefined in an identity discourse. If in the years 1960-1980, the art works dealing with the collectivist ideology and the representation of the ‘iron woman’ occupied a primordial place, in the years 1981-2000, the female artists describe the real situation of the women and put the focus on the question of the identity of modern women and the relations between women and men. They seek to master the different forms of ethnic artistic expression. Since 2001, in order to preserve ethnic cultures facing the globalization, the female artists are trying to interpret the depth of ethnic culture in their art works. It is towards traditions, such as historical memory, mythologies, songs and dances, that the female artists with ethnic minority origins are looking for their cultural roots. This research is based at the same time on the analysis of the socio-cultural situation of female artists with minority origins, the analysis of the construction of the feminine identity and the analysis of the particularities of the expression of female artists because of their ethnicity
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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes maori de Nouvelle-Zélande." Electronic Thesis or Diss., Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0370.
Full textAbstract:
Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art,études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes maori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation maori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIX e siècle, les Maori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde maori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Maori<br>At the intersection of several disciplines – anthropology, sociology, art history, and feminist and gender studies, this thesis deals with the works, practices, careers and discourses of New Zealand Maori women artists active in the field of contemporary art and living in an urban environment. Due to their many forms of belonging, these artists are behind specific political demands and identity affirmations: their work contains simultaneous references to the individual histories, their status as members of an indigenous minority and a tribe, and their condition as women and citizens of the New Zealand nation. The analysis of the data obtained after a fieldwork investigation in New Zealand carried out over a year from 2012 to 2013, of complementary research on the Internet and exchanges with artists when back from the field makes it possible to show how these artists are part of today's Maori assertion movement. For since British colonization in the 19th century, the Maori have continued to assert their rights. In this context, some women use art as a powerful means of protest and of promoting social change aimed at the recognition of mana wahine (women's power or prestige). This work also reveals that their artistic practice affords them the opportunity to reassert the ties linking them to the Maori world while at the same time enabling them to attain a certain empowerment and emancipation. They develop original strategies for asserting their creativity without transgressing the rules which remain important for the Maori people
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Zemanová, Etavard Marcela. "Le tabou féminin dans l'art contemporain : contexte social et artistique de la féminité dans l'oeuvre des femmes artistes contemporaines." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010595.
Full textAbstract:
La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.
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Bsaibes, Darine. "Artistes et Artisanes : Points de vue croisés entre art féministe et arts populaires du Proche-Orient." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080058.
Full textAbstract:
L’histoire de l'art reflète la situation mondiale des rapports de force entre cultures et civilisations. La broderie et le tissage du Proche-Orient sont des activités artistiques incarnant un génie populaire transmis généralement entre femmes. Au-delà des chiffres, celles-ci forment une communauté et véhiculent des valeurs auxquelles la société moderne souhaite de plus en plus adhérer : rapport humain, qualité du savoir-faire, production personnalisée et éco-durable. Par le biais de points de vue croisés entre arts populaires proche-orientaux et les prises de conscience féministes en art, nait un vaste répertoire servant l’émergence de liens entre féminisme et postcolonialisme. L’histoire féministe de l’art, ainsi que les réflexions autour des productions artistiques non occidentales, avec le renouveau de l’histoire sociale de l’art à travers les Visual Culture Studies, nous obligent à nous interroger sur le fossé qui a séparé ces deux grandes catégories et à mieux conceptualiser l’inversion fonctionnelle entre artisanat et Beaux-Arts. La complexité du débat tourne autour des problématiques spécifiques aux arts locaux antéislamiques et l’hégémonie culturelle qui domine les sociétés non occidentales. Ces sociétés dont les intellectuels et les artistes sont eux-mêmes en position de subordination face au « mode dominant », où les œuvres d’arts contemporaines créées localement restent incomprises pour le commun du peuple. Cependant, la particularité de l’art populaire proche-oriental réside dans le fait d’endosser différents statuts concomitants : objets faits main, objets utilitaires, objets sollicitant une perception esthétique et éco-durable, puis objets du patrimoine culturel. Le fait de puiser dans des éléments du passé, les arts populaires ne sont plus assimilés à une conduite répréhensible et réactionnaire, mais à un moyen d'échapper au statut d'auteur et à une propriété intellectuelle qui entacheraient l’avant-garde<br>The history of art reflects the dynamic forces at play between cultures and civilizations. Embroidery and weaving in the Near East are artistic skills passed down from and learned by generations of women. Today, in their countless numbers, these women are part of a community whose values are increasingly relevant to modern society: human relations, quality of expertise, bespoke products and sustainability. When looking at Near Eastern folk art and at the same time considering feminist art consciousness, a wide range of links between feminism and post-colonialism emerge. The feminist history of art and thoughts surrounding non-Western artistic productions, coupled with the Visual Culture Studies which places a great emphasis on the social history of art, compels us to examine the schism that has separated these two important categories. As a result, we are better able to conceptualize the functional inversion between art as a "production" and Fine Art. The complexity of this debate stems from problems specific to local pre-Islamic arts and the cultural hegemony that dominates non-Western societies. Societies of which the intellectuals and artists themselves stick to the « dominant way », where contemporary artworks locally-created remain inaccessible to the average lay person. The peculiarity of Near East folk art lies in the fact that it endorses different concomitant statutes: handmade production, utilitarian objects, objects requesting aesthetic perception, sustainability and objects of cultural heritage. The very act of borrowing elements from the past means that popular arts are no longer treated as wrong and reactionary, but rather as a way to escape from the authorship and intellectual property that permeate the avant-garde
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Nolan, Petra Désirée. "The cinematic flâneur manifestations of modernity in the male protagonist of 1940s film noir /." Connect to this title online, 2004. http://eprints.unimelb.edu.au/archive/00000122/.
Full text
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Pellini, Catherine. "La création artistique au service de l’affirmation identitaire, du mana wahine et des revendications politiques : l’art contemporain des femmes māori de Nouvelle-Zélande." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2018. http://hdl.handle.net/10393/37185.
Full textAbstract:
Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art, études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes māori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise.
L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation māori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIXe siècle, les Māori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde māori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Māori.
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Chalikia, Martha. "Corps, art et société : l'identité féminine dans l'art contemporain russe avant et après la chute du mur de Berlin et ses répercussions dans les autres pays orthodoxes de l'Europe de l'Est." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010704.
Full textAbstract:
Corps, art et société. Si la culture se définit par rapport à ces trois notions, la création féminine dans la Russie contemporaine s'inscrit dans une quête identitaire vacillant entre les repères traditionnels et l'ouverture vers l'Occident. Se situant dans un espace en mutation permanente, se heurtant à la difficulté de discerner les frontières de l'utopie et de l'entropie, les artistes de la période qui a précédé l'effondrement communiste et de celle de la reconstruction post-soviétique ont été amenés à bâtir un " territoire de mémoire " commun. Dans un tel contexte de bouleversement idéologique, l'émancipation des femmes est loin d'être acquise. La création féminine est donc avant tout, pour les Russes, une affaire de recherche intérieure, de déconstruction - partielle et totale - du statu quo et d'invention d'une nouvelle identité. La question de l'art est indissociable d'une géographie corporelle qui surgit de l'abolition des frontières et de l'ouverture culturelle. Le corps des femmes devient de la sorte l'élément fondamental d'une création où se mêlent l'espace, l'érotisme et la religion. Ce même processus de mutation qui aboutit souvent à des interrogations existentielles définit le champ artistique dans les autres pays de l'Est, notamment ceux qui sont porteurs de la même tradition byzantine.
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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative." Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.
Full textAbstract:
Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploits<br>Originating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified
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Soustre, de Condat Bérangère. "Entre memoria et conscience aristocratique : femmes, art et religion dans le Royaume de Sicile (XIe-1ère moitié XIIIe siècle)." Université catholique de Louvain, 2009. http://edoc.bib.ucl.ac.be:81/ETD-db/collection/available/BelnUcetd-03152009-123913/.
Full textAbstract:
Dans le Royaume de Sicile, le patronage religieux entrepris par les femmes des dynasties normande et Hohenstaufen sous-tend la question de l'affirmation de l'individu dans la société médiévale. Comme dans les représentations iconographiques des reines et des princesses, ces actions mettent l'accent plus sur le pouvoir de la dame aristocratique que sur son appartenance au genre féminin. Mais le patronage féminin est aussi lié à la question de la mémoire du lignage; l'individu se définissant par rapport à un groupe formé de morts et de vivants, la commémoration des ancêtres disparus participe aussi à la création d'un mémoire aristocratique véhiculée par les femmes. / In the Realm of Sicily, the religious patronage begun by the women of the dynasties Norman and Hohenstaufen underlies the question of the assertion of the individual in the medieval society. As in the iconographic representations of the queens and the princesses, these actions emphasize more the power of the aristocratic lady than her membership in the feminine genre.But the feminine patronage is also connected to the question of the memory of the nobility; the individual defining itself with regard to a group formed by deaths and by alive, the remembrance of the disappeared ancestors also participates in the creation of an aristocratic report conveyed by the women.
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Baiti, Mona al. "L'altérité intime et l'installation nomade dans l'art contemporain." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010670.
Full textAbstract:
La thèse intitulée: L'altérité intime et l'installation nomade dans l'art contemporain, interroge les notions d'altérité intime (Marc Augé), de nomadisme, et d'installation par la pratique du dessin, de la peinture, du collage, de la photographie et de l'installation. Née de la double culture orientale et occidentale, la recherche tente d'éprouver l'hypothèse suivante: l'artiste nomade, à travers ses déracinements successifs, d'exil en exil, crée-t-elle une œuvre tournée vers l'autre, échappant ainsi aux interdits sociaux ? Dès lors, elle questionne les tabous de la société omanaise ainsi que sa trace laissée sur les femmes et sur leur éducation. La thèse s'articule autour de trois chapitres: I-L'intime larvée et exhumée, II-La relation intime entre le visage et le masque, III-L'installation des carnets intimes ou la chambre d'attente. La création y prend la forme d'une langue intime nourrie notamment des écrits théoriques de Gaston Bachelard, Jean-Pierre Vernant, Roland Barthes, Maurice Merleau-Ponty et d'Eliane Chiron. L'analyse des œuvres de Lénir de Miranda, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Gillian Wearing, cherche à rendre compte de la place de l'artiste dans le monde contemporain. Face à un habitat qui se déplace, et par le récit de nombreux voyages entre orient et occident, il s'agit de trouver le lieu où tout s'origine. On aboutit à la thèse suivante: Paradoxalement, c'est dans le contournement et la transgression des interdits sociaux que l'artiste puise sa force et son énergie créatrice.
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Picard, Marie. "Entre corps plastique et violence de l'esthétique : la féminité artistique des années 1970 à nos jours." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083204.
Full textAbstract:
Tout au long de la représentation visuelle, le corps féminin est devenu une surface expérimentale où l'intégrité du sujet a largement été occultée. Dans les années 1970, le féminisme accompagne l'irruption dans le champ esthétique d'un "féminin" outrancier, excessif, qui multiplie les supports, exhibe le "sale", retourne la violence subie. Comme si pour démentir l'esthétisation qui en a été faite la seule possibilité était de retourner sur leur propre corps le mouvement de leur création. S'agirait-il de trouver dans la forme primaire d'une violence transgressive, où l'insolence du geste est la part irréductible de la création, l'acte fondateur de leur statut d'artiste ? Place serait-elle enfin rendue à la femme artiste qui appréhende la création par une esthétique de l'excès ? Entre Corps Plastique et violence de l'esthétique, la recherche entend poser que les femmes artistes ont mené d'importantes expériences d’ordre identitaire et sexuel. La réflexion se centre sur les interrogations que pose ce "devenir-femme" dans l'art contemporain, sur le corps intime de la femme qui exprime la toute-puissance du passage à la subjectivité dans lequel la transgression est nécessaire dans la fabrication d'un corps-identité"<br>All along the visual representation, the female body became an experimental area where the subject's integrity was greatly overlooked. During the seventies, feminism goes with the upsurge in the aesthetic field of an excessive female which multiplies mediums, shows the dirty and reverts the suffering violence. As if to contradict her bad image, the only possibility was to return her creative movement against her own body. Is it to find in the primary shape of violence the founder act of her artist's status, where the gesture's insolence is the insurmontable part of creation ? Through plastic’s body and aesthetic’s violence, the work is focussed around questioning of this "woman evolution" in the contemporary art, on the intimate woman body which expresses the power of subjectivity where transgression is necessary for the workmanship of an "identity body"
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Beaumann, Guy. "Paul Belvaux ou l'incompatibilité des sexes : (lecture d'un art)." Besançon, 1993. http://www.theses.fr/1993BESA1008.
Full textAbstract:
L'étude démontre que la peinture de Paul Delvaux s'articule autour de l'antagonisme des sexes entre la féminité sensuelle liée au naturel primitif et la masculinité intellectuelle rattachée au modernisme technologique, la femme cherchant vainement à débaucher l'homme aux plaisirs physiques alors que celui-ci ne témoigne d'intérêt que pour le domaine mental des sciences. Partant l'introduction du peintre lui-même comme partie intégrante du masculin marque un certain refoulement sexuel auquel l'œuvre sert d'exutoire à travers la représentation obsédée du corps féminin.
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Foucher, Charlotte. "Un symbolisme enfoui : les femmes artistes dans les milieux symbolistes en France au passage du siècle (XIXe-XXe)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010707.
Full textAbstract:
Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.
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Bertrand, Sophie. ""De fil en aiguille", les femmes sculpteurs à l'œuvre depuis 1950 : confrontations, explorations et quêtes, un dévoilement d'identités." Thesis, Toulouse 2, 2011. http://www.theses.fr/2011TOU20074.
Full textAbstract:
Cette recherche se propose d’aborder la façon dont les créatrices oeuvrent dans le champ de la sculpture depuis 1950. Quelle que soit la multiplicité des voies plastiques qu’elles ont choisies d’explorer, et des productions sculptées auxquelles elles ont donné naissance, il s’agit de saisir la teneur de la rencontre entre l’œuvre conçue par une femme sculpteur, et le regard extérieur. Cette rencontre marque la confrontation de deux mondes, celui de l’observateur, aux prises avec ses perceptions, offrant une interprétation et une lecture souvent orientée de la création, et celui de la femme qui sculpte, dont la forme édifiée est soumise aux jugements. Les décalages, voire même les incompréhensions générées par ces mises en perspective des œuvres sculpturales élaborées par des femmes aux yeux de l’extérieur, conduisent à s’interroger plus profondément sur le cheminement artistique, plastique et intellectuel des créatrices dans le champ de la sculpture. Quels sont les éléments matériels et symboliques qui les guident dans l’expérimentation de ce domaine plastique ? A quelles sources puisent-elles leur inspiration ? Que souhaitent-elles exprimer à travers leurs alternatives artistiques ? S’il est difficile de répondre à ces questionnements, ils permettent de pénétrer au cœur de la création, et notamment d’entrevoir ses processus. Bien que les sentiers artistiques parcourus par les femmes sculpteurs soient pluriels, il semble pourtant que certaines d’entre elles se sont particulièrement attachées à développer plus qu’un mode d’expression plastique, un langage, afin de dévoiler les vérités qui les habitent. Ce langage, dont elles connaissent les arcanes, repose sur la mise en forme de la matière textile, essentiellement à partir de deux principes constructeurs : le fil et l’aiguille. Au-delà d’une approche purement matériel, les femmes sculpteurs entrent en lien avec un territoire imaginaire, déployé dans les récits mythologiques sur le thème du tissage et les personnages qu’ils mettent en scène, tels Arachné, Pénélope, Clotho ou encore Atropos. Dans ces dimensions entrecroisées, mêlant l’intensité du travail créateur à partir du textile et le contact avec un univers symbolique, le tissage, les créatrices tracent un des chemins signifiants qu’elles empruntent dans le champ de la sculpture depuis 1950<br>This research addresses the ways in which female artists have been working in the field of sculpture since 1950. Irrespective of the medium of expression they have chosen to explore, and of the works they have given rise to, the aim here is to understand the meeting between a work of art conceived by a female sculptor and the way in which it is viewed externally. This meeting marks the confrontation of two worlds: that of the observer − subject to his or her own perceptions and offering an often slanted interpretation and reading of the work − and that of the sculptress whose constructed work is subjected to judgement. The differences, and even misunderstandings, caused by these perspectives on sculptural works by women viewed externally lead to a deeper questioning of the artistic, material and intellectual routes followed by creative females in the area of sculpture. What are the material and symbolic elements that guide their searches in this art form? What are their sources of inspiration? What are they seeking to express via their artistic alternatives? Answering these questions may be difficult, but it can lead to the core of creation and, notably, to a perception of its processes. Although female sculptors have followed numerous paths, it nonetheless appears certain that some of them have striven to develop, over and above a physical mode of expression, a language that will reveal the truths within them. The expression of this language, of which they know the mysteries, is based on giving form to textile materials, using two principles of construction: needle and thread. Beyond a purely material approach, female sculptors come into contact with an imaginary territory of mythical tales that surround weaving, and the characters that people those tales such as Arachne, Penelope, Clotho or Atropos. In these inter-linked dimensions, where the intensity of working creatively with textiles melds with the contact with a world of symbols, weaving, creative women are continuing to trace out one of the significant paths they have been following in sculpture since 1950
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Vernet, Anne-Laure. "Des femmes à l'oeuvre : mise en regard des conditions sociales d'accès des femmes à la création et à la reconnaissance artistique, et des biographies et oeuvres de Diane Arbus, Frida Kahlo, et Niki de Saint Phalle." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082511.
Full textAbstract:
La culture occidentale, dans laquelle les créatrices évoluent, contraint les femmes dans leur corps et dans leur accès à l'espace, ainsi que dans leur accès aux savoirs et à une pensée autonome. Les femmes sont alors maintenues dans une position subordonnée, propice à leur assignation à une sexualité reproductive et à la socialisation d'enfants. Ces limitations atteignent diversement les créatrices : dans leurs biographies comme pierres d'achoppement concrètes à leur développement individuel ; dans le monde de l'art comme sphère sociale reconduisant la hiérarchie des sexes ; dans les messages restitués par les arts, puissants média des assises symboliques de l'ordre social. L'ordre social ainsi reconduit dans et par le monde de l'art, est ici mis en regard avec les vies et oeuvres de trois artistes du XXe siècle occidental, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo et Diane Arbus, qui témoignent de la transgression du système nécessaire aux femmes pour exister dans la création artistique<br>Western culture, in which creative women evolve, imposes restraints regarding their bodies, their mobility, as well as their access to knowledge and freedom of thought. Thus they are kept in a subordination suitable to an assigned sexual role geared to childbearing and rearing. These limitations touch creative women in various ways : in their biographies, as stumbling blocks to their development ; in the art world, as a social sphere reasserting the sexual hierarchy ; in messages reflected in the arts, powerful conveyors of the social order's symbolic foundations. The social order thus reproduced in and by the art world is here seen brought to confrontation with the lives and works of three twentieth century Western artists, Niki de Saint Phalle, Frida Kahlo and Diane Arbus, who testify to the transgression of the system that women must undertake in order to exist in the world of artistic creation