Academic literature on the topic 'Figures littéraires'

Cette etude a pour objet les differentes modalites aboutissant a la classicisation particuliere de louis-ferdinand celine, dont le premier roman, voyage au bout de la nuit, tres conteste a sa publication, constitue pourtant une sur-representation du corpus de l'ecrivain. Tracant la trajectoire de l'ecrivain depuis 1932, annee de la parution de voyage, jusqu'a 1961, annee de sa mort, l'analyse s'est portee sur diverses facettes de la figure de l'ecrivain, dont la configuration mouvante est difficile a cerner, mais qui, en faisant corps avec ses oeuvres, determine les conditions cruciales de la reception. L'examen de l'espace de reception, lieu de mediation, ou s'entrecroisent optiques des lecteurs et strategies de l'auteur, demontre que l'evolution de la relation de l'auteur avec son audience modele l'evolution du projet litteraire. D'une part, la reconnaissance sociale de l'auteur etablie par le lecteur lie l'auteur a son image dans un rapport de dependance. D'autre part, lorsque l'auteur produit un texte, il envisage par avance les effets de son texte aupres du public ; son texte inscrit alors une figure de lecteur conforme a l'attente ou a la demande qu'anticipe l'auteur. Dans la mesure ou l'image de l'ecrivain constitue un element determinant la socialite du discours litteraire, et sollicite donc un certain habitus du groupe social, son observation nous permet d'en deduire la strategie de l'ecrivain, dont le statut effectif dans le champ litteraire peut se definir par rapport aux categories sociales de ses destinataires, ses lecteurs<br>The aim of this dissertation is to study the process by which the writer louisferdinand celine has become a xxth century classique, in spite of the fact that his controversial novel. Journey to the end of the night, has in a certain extent, for his carreer long, hidden the rest his works. From 1932 (when voyage was published) to his death in 1961, we have analyzed the main conditions of his texts' reception, determined by the image of the writer, often changing but chosen to be as close to his works as possible. The reception domain itself, in which the author strategy and the readers' perceptions are gathered and have evolved, shows how celine's literary project has been influenced by critics and readers, or by what the writer could expect from them, or pretend to expect in his own novels. Thus, some explicit elements of his strategy can be deduced from the social classes of his addressees

Notre étude a pour but d'éclairer les fonctions et les significations des figures obsessionnelles qui apparaissent de façon itérative dans les oeuvres littéraires d'Alain Robbe-Grillet : rideaux rouges, porte avec son embrasure, miroir, cellule, mer, piège, ruines, rendez-vous, etc. , en recourant au savoir de la psychanalyse, en particulier aux théories de Jacques Lacan. Dans la première partie, l'analyse porte sur les premières pages du Miroir qui revient qui permettent d'y mettre en évidence le moteur qui fait fonctionner toutes ces figures génératrices, à savoir le vide fondamental trouant le centre du texte de Robbe-Grillet. Ce vide peut être comparé à l'ouverture dont parle Lacan, creusée entre le sujet et l'Autre. Dans la deuxième partie, nous confirmons cette hypothèse en abordant le réseau des personnages, l'analyse étant centrée sur les figures paternelles et maternelles. Tous les actes créatifs de Robbe-Grillet qui apparaissent " obsessionnels " peuvent être considérés comme autant de tentatives pour résorber le vide central. D'où provient la nécessité du recours au scénario du fantasme. Dans les troisième et quatrième parties, nous analysons en détail trois étapes du scénario qui correspondent en gros aux trois périodes des oeuvres littéraires de Robbe-Grillet.

Edward morgan forster (1879-1970) et marguerite duras (1914-1996), deux romanciers a priori que tout oppose, se rencontrent neanmoins sur un point essentiel : ils ont entretenu des rapports privilegies avec l'asie, qu'il s'agisse de l'inde pour forster ou de l'indochine pour duras. Ainsi leurs oeuvres se situent au carrefour d'une triple colonisation : la colonisation politique dont ils remettent en cause la legitimite, une colonisation litteraire qui fait de l'asie un motif d'ecriture et une colonisation biographique qui transforme l'inde ou l'indochine en refuge pour une ame dechiree. Forster et duras s'inscrivent donc dans la longue tradition de l'orientalisme, qui tente de s'approprier par le discours et l'image une terre sentie comme representant l'alterite absolue. Le detour par l'autre est un moyen d'acceder a un moi, dont l'unite est a construire. Cependant, quels que soient l'investissement autobiographique, la thematique coloniale et les liens affectifs tresses sur et avec cette terre, duras et forster restent des grands temoins de l'exteriote de l'asie. Cette derniere conserve son irreductible etrangete bien qu'elle soit possedee par l'ecriture qui en a fait un habitat biographique et litteraire. L'asie reste fondamentalement la patrie de l'exil<br>Edward morgan forster (1879) and marguerite duras (1914-1996), two novelists who apparently hold opposite positions, nevertheless meet on a major point : they developed privileged relationships with asia, whether it be india for the former or indochina for the latter. Their works lay at a crossroads of three kinds of colonization : a political colonization whose legitimacy they question, a literary colonization which has made asia into a writing motif, and a biographical one which has turned india and indochina into a shelter for a torn soul. Forster and duras come within the long tradition of orientalim which endeavours to take over, by words or images, a land considered as embodying absolute otherness. Going through the other enables them to reach their self, whose unity is to be built up. However, in spite of the autobiographical investment, colonial inspiration and emotional bonds which unite them to that land, duras and forster remain witnesses to asian exteriority. Asia retains its indomitable singularity though it has been captured by writing which has turned it into a biographical and literary home. Asia essentially remains the home of exile

Dans l'Espagne des XVIe et XVIIe siècles, le peintre est un personnage en construction. Souvent défini par l'idéologie qui le commande et les œuvres qui lui survivent, son geste semble perdu à jamais, ou figé sous la forme d'archétypes et d'allégories. L'autoportrait, genre naissant, témoigne de cette main, mais il reste loin de toute objectivité : " Le peintre, peintre de lui-même, dans la dépendance de ce que l'histoire charrie et porte, n'aurait-il été qu'un singe savant et dressé qui rabâche ? ", se demande Pascal Bonafoux en conclusion de son étude sur Les peintres et l'autoportrait. Même dans le reflet direct que l'artiste offre de lui-même, les topiques s'immiscent : ils aident à son identification, au déchiffrage des chefs-d'œuvre et au balisage des chemins de la gloire. Cependant, ces figures ont une vie, et elles échappent parfois à l'évidence qu'on leur prête. À commencer par saint Luc, personnalité a priori idéale pour conduire les peintres vers la reconnaissance attendue dans l'élan contre-réformiste, mais qui doit compter avec Apelle, le maître grec dont l'excellence retentit depuis un sommet convoité. Ces légendes se diversifient et se ramifient dans le jeu métaphorique des mots, elles évoluent au gré de la revendication théorique et dévoilent leurs limites au moment de prendre corps. Leur fréquence, leur intensité et leurs croisements témoignent des voies empruntées afin de saisir le personnage du peintre, non pas sa psychologie, mais sa stature, libérale et noble. La focalisation sur la patte du peintre mythique, qui pousse dans l'ombre celle du singe imitateur, éclaire l'avancée de l'artiste dans le Siècle d'Or de la peinture espagnole.

Ce travail porte sur le thème de la marginalité dans la littérature dite d’adab à travers un auteur de l'époque mameluke, Ibn Ḥiağğa al-Ḥamawî (767 H-1366 / 837H-1434), notamment dans son ouvrage Tamarât al-Awrâq. Ce dernier rassemble différents genres d'écriture en vers et en prose. Le genre anecdotique occupe une place majeure dans l’ouvrage. Ibn Ḥiğğa ne s'est pas contenté de conter ses propres anecdotes, il a puisé aussi dans les ouvrages d'auteurs antérieurs, en particulier Ibn al-Ğawzî (m. 1200/ 597H). Nous avons employé le terme "marginal" pour traiter de catégories et de cas divers. Par souci méthodologique, nous avons réparti les marginaux en quatre chapitres : marginalité psychique (sots et distraits), marginalité sociale et ethnique (parasites, esclaves), marginalité sexuelle (sodomites), marginalité religieuse (le cas des dimmis ; juifs et chrétiens). Ces anecdotes recueillies et transmises pour l'éducation et le divertissement de l'homme de qualité dans la cité arabo-musulmane du Moyen-Âge, sont presque toujours empreintes de cette forme d’humour appelée hazl<br>This work focuses on the theme of marginality in the literature of adab through an analysis of an author from the mamluk period, Ibn Ḥiğğa al-Ḥamawî (767 H-1366/ 837H-1434), in particular his text Tamarât al-Awrâq. This text brings together different genres in poetry and prose. The anecdotal genre occupies a major place in this work. Ibn Ḥiğğa recounted his own anecdotes as well as drawing on others from the work of earlier writers, in particular Ibn al-Ğawzî (m. 597H/ 1200). I have chosen to use the word "marginal" to refer to diverse categories and cases. For methodological purposes, I have divided these different types of marginality into four chapters : psychic marginality (fools and absent-mended characters), social and ethnic marginality (parasite, slaves), sexual marginality (sodomites), religious marginality (the case of the dimmis, Jews and Christians). Collected and told for the amusement and education of men of quality in the mediaeval arabo-islamic city, these stories are almost always marked by the from of humor called hazl

De la seconde moitié du XVIe siècle au règne personnel de Louis XIV, les duels clandestins se multiplient en France. Par le biais de cet exercice, la noblesse cherche à affirmer son identité de classe en réaction aux changements politiques et structuraux qui affectent la société d'Ancien Régime. Or cette prolifération de combats donne lieu à une vaste production d'ouvrages se consacrant au phénomène. D'une part, les auteurs attachés aux valeurs aristocratiques tentent de persuader l'autorité royale de rétablir un duel autorisé à la manière médiévale, qui, en offrant un lieu d'expression officiel à l'honneur nobiliaire, permettrait selon eux de faire cesser les affrontements. D'autre part, un groupe d'auteurs appartenant aux corps constitués oeuvrant à la défense des structures de l'État - magistrats et hommes d'Église -, proposent plutôt d'infliger de graves peines aux combattants. Dans cette thèse, nous montrons, par l'examen des procédés stylistiques, des emprunts intertextuels et du système de références mis en oeuvre dans ces textes, que la réflexion sur le duel s'articule autour d'un imaginaire héroïque, mobilisé par les auteurs de chaque position selon leurs intérêts. À travers un ensemble de figures récurrentes empruntées à la littérature de fiction ou l'histoire fictionnalisée - figures qui cristallisent une série de notions-clés au coeur du débat intellectuel sur le combat singulier (vertu, honneur, noblesse, jugement de Dieu) -, ce sont deux façons de concevoir l'organisation de la société française qui s'affrontent dans un véritable duel symbolique<br>From the second half of the 16th century to the personal reign of Louis XIV, there was an increase in the number of clandestine duels in France. Through this practice, nobility sought to affirm its class identity in reaction to structural and political changes which affected the Old Regime. This proliferation of combats gave rise to a vast production of works dedicated to this very phenomenon. One group of authors attached to aristocratic values tried to persuade the royal authority to re-establish a legal form of duel, similar to what existed in medieval times. It would create, they argued, an official space for the expression of nobiliary honour and would permit the end of the clandestine duels. An opposite group of authors who belonged to the constituted bodies dedicated to the defense of the structures of the State - magistrates and clergymen - proposed rather to inflict grave punishments on the combatants. This thesis will demonstrate, though the analysis of stylistic processes, of intertextual loans and of the system of references employed in these texts, that the reflection on the duel revolves around heroic imagery, used differently by each group of authors in accord with their own interests. Through an ensemble of recurring figures borrowed from fictional literature or fictionalized history - figures which reinforce a series of key-notions at the heart of the intellectual debate on the duel (such as virtue, honour

L'œuvre d’Amelia Rosselli entend se dessiner, au sein de la poésie lyrique italienne, comme expérience de subversion du processus de sublimation et de stylisation du corps féminin. A travers la traduction et l’analyse de poèmes choisis contenus dans les recueil Cantilena (1953), La Libellula (1958) et Variazioni belliche (1964), nous avons conduit une tentative d’exégèse critique des textes. L’analyse des poèmes se poursuit à travers une pratique dialogique avec le texte poétique, à partir d'un positionnement critique à l’intérieur du comparatisme féministe.En partant de l'idée pétrarquiste d'élimination et de suppression du corps des femmes nous avons démontré comment la tentative d’apaiser la portée potentiellement dangereuse de l’affection amoureuse a donné lieu au déni de la sensualité. Le langage de la douleur transfigurée se traduit dans une poétique du « dispositif sursensuel », un processus semblable à celui que Gilles Deleuze avait repéré dans la personnalité littéraire de Sacher-Masoch. Le processus de subversion qu’on vient d’évoquer est accompagné du bouleversement des rôles traditionnels au sein du canon poétique européen. Ces déconstructions conduiraient à un rejet du corps organique et au même temps à la révélation d’une subjectivité excentrique. La révision des modèles littéraires du canon passe également par le réécriture d'un ensemble de figures féminines du répertoire mythique et littéraire au sein de l’antiquité gréco-romaine, lesquelles, prélevées de l’imaginaire patriarcal, sont réinterprétées et à nouveau poétisées au sein d'un Sujet poétique qui cherche à faire parler la voix d’une poète femme<br>Amelia Rosselli’s work took shape, within Italian lyric poetry, as an experience of subversion of the process of sublimation and of stylisation of the female body. Through the translation and the analysis of the content of poems chosen from the collections Cantilena (1953), La Libellula (1958) and Variazioni belliche (1964), I conducted a critical exegesis of the texts. I performed an analysis according to suggestions of a dialogical practice with the poetical text and with a female subjectivity often hidden, anchored to my critical investment inside feminist comparatism. From petrarchist idea of deletion and “suppression” of women’s body – deletion, of which Pasolini talked already in relation to the genesis of Italian poetry and its characterisation of the lyrical canon – I analysed how the attempt to ease the impact potentially dangerous of love affection has caused the denial of sensuality. The language of camouflaged sorrow is then established as a deliberated choice included in some poetics where it is not the statement that reveals, but the poetical word, which in its cryptic canonical measure, is able to make resonate beyond declarations. We can observe the deployment of a “sursensual device”, similar process to what Gilles Deleuze perceived in Sacher-Masoch's literary personality. The process of subversion does not seem a reconstitution of identity roles, but rather a deconstruction of the traditional model. The starting point for the analysis of those deconstructions is based on the hypothesis that the non-functionality of the desiring organisms (desiring subject and desired object) will lead to a reject of the organic and at the same time to a revelation of an eccentric subjectivity. The revision of the literary model of the canon lies in the hypothesis that a set of female figures of the mythical and literary repertoire in Greco-Roman antiquity are placed in the imaginary practice of Amelia Rosselli's poetical writing, with a view to incorporate the nature of the characters born and conceived inside and by the patriarchal imaginary and to form the body of a subject that aims at making them speak through the voice of a female poet

Par l’analyse et la comparaison des actualisations de Beethoven, Goethe et Hugo à l’occasion des commémorations de l’entre-deux-guerres (1927, 1932, 1935) et de l’après 1945 (1949, 1952, 1970), la thèse étudie les conditions de la permanence de ces « classiques » tout au long du XXe siècle. Elle montre comment les acteurs politiques et culturels ont cherché lors de ces célébrations à stabiliser le sens attribué à ces figures et à leurs œuvres et à encadrer les usages qui en sont faits. La prise en compte des dynamiques d’appropriation interculturelles ainsi que des formes de réception généralement ignorées des études littéraires, notamment dans les médias de masse, permet néanmoins de faire émerger des sens et des usages alternatifs qui s’inscrivent souvent en faux par rapport aux modèles dominants et qui tendent à les relativiser, voire à les contrecarrer. Ainsi, en adoptant résolument le point de vue de la réception, la thèse propose une réponse possible au problème de la permanence des classiques : le fait que Beethoven, Goethe et Hugo soient fonctionnalisés simultanément et / ou successivement dans des contextes discursifs et culturels divergents explique leur exceptionnelle longévité. C’est parce qu’ils font l’objet d’usages hétérogènes et souvent contradictoires, qu’ils sont donc polyfonctionnels, que certaines figures d’auteurs ou certaines œuvres survivent à toutes les évolutions culturelles, idéologiques et médiatiques que connaît le XXe siècle<br>By analyzing and comparing the actualizations of Beethoven, Goethe and Hugo during jubilees in their honor dating from the interwar period (1927, 1932, 1935) and the post-1945 period (1949, 1952, 1970), the thesis examines the conditions of permanence of these “classics” throughout the twentieth century. It shows how political and cultural actors engaged in these celebrations sought both to stabilize the figures’ and their works’ meanings as well as to frame the ways in which they were used. Simultaneously, by taking account of the dynamics of intercultural appropriation and of receptions in domains which remain understudied by literary studies such as mass media, it is possible to bring out alternative meanings and uses which do not fit dominant models and which tend to relativize or even to contradict them. So, by focusing resolutely on the reception of these figures, the thesis proposes a possible answer to the problem of the permanence of classics: The fact that Beethoven, Goethe and Hugo are functionalised simultaneously and / or successively in divergent discursive and cultural contexts explains their exceptional longevity. It is because they are the subject of heterogeneous and often contradictory uses – in other words: because they are polyfunctional – that certain figures and works survive the many cultural, ideological and media evolutions of the twentieth century

Le terme grotesque est né au début du seizième siècle pour désigner une forme d'art ornemental spécifique à la Renaissance italienne ; mais il acquiert vite une vie autonome et devient une notion esthétique qui traverse les siècles et les frontières de l'art pictural. Au cours de ces extensions, le grotesque perd ses contours et devient une notion hétéroclite, en peinture comme en littérature. Cette étude propose non pas une redéfinition du grotesque, mais une comparaison de figures littéraires grotesques qui met à jour les similitudes avec les origines picturales de la notion. A travers des oeuvres littéraires du dix-neuvième et du vingtième siècle, les deux apogées du grotesque après la Renaissance- on découvre un langage imagé qui procède à la dislocation et à la recomposition des corps, qui est à la fois recréation des données naturelles et récréation ludique de l'artiste. .<br>The origine of the word grotesque lies in the beginning of the 16th century, when it stands for a specific form of ornamental art in the Italian Renaissance. . .

L’auteur reste une notion complexe à définir, du fait de sa dépendance conjointe des deux paramètres rationellement incompatibles que sont la biographie de l’écrivain et l’essence intemporelle de l’œuvre qu’il a léguée. Chaque œuvre, abordée dans sa globalité, laisse toutefois percer un certain nombre de caractéristiques propres regroupables sous le terme de personnalité littéraire ; celle-ci, dans sa confrontation à l’individualité du lecteur, engendrera pour celui-ci une figure d’auteur inédite. Nous nous proposons d’approfondir ces perspectives dans le cadre de l’étude d’un auteur en particulier, Jules Renard, écrivain entre autres de L’Ecornifleur (1892), de Poil de Carotte (1894) ainsi que du Journal (1887-1910). Celui-ci permet de prendre conscience du rapport singulier qu’entretient Jules Renard avec l’art littéraire : le Journal est le lieu où l’écrivain se place face à l’homme de lettres qu’il a conscience de devoir être, comme mû par le devoir de s’examiner scrupuleusement dans le but d’être enfin à la hauteur du devenir auquel il est appelé, celui d’auteur. La méthode d’analyse suivie se calque sur le phénomène inédit d’exode littéraire pour définir la notion de figure d’auteur, se fondant sur le postulat que toute œuvre suppose à la fois une nécessité d’émancipation propre, un ensemble de principes artistiques, une concrétisation littéraire de ces principes, et enfin un but ultime vers lequel ils tendent. La notion d’exode, parce que dépendante de celle de mouvement, nous permettra aussi d’éviter le danger d’une représentation figée de l’auteur, quand celui-ci est en continuel devenir dans les représentations que s’en font ses lecteurs successifs<br>The author remains a complicated notion to be defined, on account of his dependence on both parameters rationally incompatible which are the writer’s biography, and the timeless essence of the work he handed on. Each approach to a work over its global aspect, lets break through however a definite number of specific characteristics covered by the term : literary personality ; which as it is confronted to the individuality of the reader, will generate for him an unpublished author figure. We intend to go deeper into these perspectives within the scope of study of a precise author, Jules Renard, who wrote among others L’Ecornifleur - The Scrounger (1892), Poil de Carotte – Carotty-haired Boy (1894), and the Diary as well (1887-1910). The latter allows to become aware of the uncommon connection Jules Renard keeps with literary art : the Diary is the place where the writer locates himself faced with the man of letters that he is conscious he should be, as if propelled by the duty to examine himself scrupulously in order to be at last up to the destiny he is appointed to, that is author. The method of analysis adopted is modeling on the original phenomenon of literary exodus to define the notion of author figure, based on the postulate that any work understates at the same time a need of self-liberation, a corpus of artistical principles, a literary dedication of these principles, and finally an ultimate target they aim at. The idea of exodus, because it depends on that of motion, will help to avoid the danger of a rigid representation of the author, while he is constantly evolving in the representations the successive readers make of him